sábado, 31 de mayo de 2014

Celeste Mendoza - Sabor A Cuba



Celeste Mendoza Beltrán. Destacada cantante cubana. Intérprete emblemática del guaguancó que supo transmitir en la voz y el movimiento corporal, la sensualidad, picardía y emotividad que demanda el género.
Celeste Mendoza nació en la ciudad de Santiago de Cuba, el 6 de abril de 1930, en el popular barrio de Los Hoyos.
En 1943, con trece años de edad, la trasladaron para La Habana donde se dio a conocer en un programa radial de aficionados por su interpretación de El marañón, una creación de Julio Cuevas.
Recibió lecciones de baile, impartidas por su primo Jorge Beltrán, con quien posteriormente formó pareja.

En 1950 se presentó en el Teatro Martí en calidad de bailarina de la Compañía Batamú. También se presentó en el Cabaret Mi Bohío ubicado en la zona playera de la barriada de Marianao.
En 1951 se incorporó al cuerpo de baile del Cabaret Tropicana, bajo la dirección de Roderico Neyra; donde la Mendoza, durante la visita de las cantantes Josephine Baker y Carmen Miranda, hizo geniales imitaciones de éstas, con las que ganó el aplauso y la admiración del público presente. Ese mismo año integró un cuarteto vocal-instrumental con Omara Portuondo, Gladys León e Isaura Mendoza (su hermana), bajo la dirección del pianista y compositor Facundo Rivero.
En 1952 se inició como cantante solista y se presentó en el programa Alegrías de Hatuey transmitido por Radio Progreso, con el acompañamiento de la orquesta conducida por el Maestro Ernesto Duarte.
En 1953, debutó en la televisión, en el programa “Esta Noche” en CMQ, dirigido por Joaquín M. Condall. Cantó a dúo con Miguel de Gonzalo. Fue una de las primeras en interpretar el bolero ranchera, sobre todo cuando cantó “Que me castigue Dios”, del mexicano José Alfredo Jiménez, acompañada por la orquesta de Ernesto Duarte y sus interpretaciones, de cualquier género, lo hacía en tiempo de guaguancó.

Realizó presentaciones en el Teatro Blanquita y tuvo contratos en diversos centros nocturnos de La Habana en los que popularizó canciones al estilo de Soy tan feliz. Su personalísima interpretación se convirtió en un éxito de la difusión.
Actuó junto a Benny Moré, Fernando Álvarez y Blanca Rosa Gil; también con Los Papines, la orquesta Aragón y el Conjunto Sierra Maestra. Aparece en el filme cubano del realizador Rogelio París: “Nosotros la música”.
Participó en los festivales de música popular de 1962 y 1963.

Realizó giras por México, Puerto Rico, Venezuela, Panamá, Estados Unidos y actuó en el teatro Olimpia, París, Unión Soviética y Japón.
Siguieron giras artísticas por países de Europa y Latinoamérica y una intensa actividad en programas radiales y espectáculos donde tuvo la oportunidad de compartir el escenario con figuras tan famosas como Benny Moré, Ignacio Villa (Bola de Nieve), Edith Piaf, Ninón Sevilla, Carmen Miranda, Josephine Baker y Pedro Infante.
Integró el elenco del Music Hall que se presentó en la capital francesa, con el atractivo de agrupaciones y figuras como la Orquesta Aragón, Los Papines y Elena Burke, en 1964.
Firmó contratos con la televisión francesa y se presentó ante el público de Berlín, Moscú y Leningrado.

A su regreso a Cuba fue ovacionada en teatros y espectáculos de cabarets y se convirtió en la protagonista de otros cuatro documentales producidos por el ICAIC. Actuó, igualmente, en una película con Tin Tan, Tin Tan en La Habana, y un corto musical para la televisión francesa.
En sus discos, reeditados en Venezuela, Francia y Canadá, la rumba ocupa un lugar muy destacado, así como otros géneros y autores de la cancionística cubana y latinoamericana.

En su larga carrera artística recibió numerosos reconocimientos. En la Feria Internacional CUBADISCO 1998 fue galardonada, junto al grupo musical Los Papines, por el disco El reino de la rumba._ecured

Más información relacionada





Celeste Mendoza - Sabor A Cuba (Areito LPA-1015)

Temas:
01.Seguire Sin Soñar 
02.Comprension 
03.Pa Que Me Sirve La Vida 
04.Se Pierde En Esta Vida 
05.Quien, Pero Quien 
06.Bemba Colora 
07.Sobre Una Tumba Una Rumba 
08.Ansias 
09.Nuestras Vidas 
10.Aleida Va Por La Calle 
11.Veinte Años 
12.Te Robo El Alma 


Información cedida por Osvaldo M.

jueves, 29 de mayo de 2014

Manuel Valera – Expectativas



Un seguimiento al pianista de New Cuban Express, Manuel Valera, nominado al Grammy 2013 por su séptimo álbum como líder “Expectativas”, continúa la fusión de ritmos Afrocubanos con el sonido de jazz moderno, fusionando los dos en una nueva forma de jazz mejor descrita como "Fusión Latina Moderna". El disco consta de once piezas originales y un cover, el proyecto es una legado para el talento de la obra de Valera y su visión para el futuro del jazz latino. Como tal, la propuesta no es del todo con aires latinos como lo exponen las partes sólidas centrales de jazz moderno que se encuentran en números como "Chennai Express (For S.A.M.)" y en "Open Window". 

El sabor latino sin embargo , es sumamente innegable y se encuentra presente desde las mismas percusiones de "Chamber Timba", con Mauricio Herrera en las tumbadoras –congas-, Ludwig Afonso en la batería-pailas –timbales- y Yosvany Terry en el saxofón alto. El tema original "Isabelita" parece unir el lado moderno del jazz con la fuerza de las percusiones latinas en un acomodo casi natural que resulta en una pieza de música seductora con el piano mismo de Valera, Terry ahora con el saxofón soprano, así como Paulo Stagnaro en las congas y Tom Guarna en la guitarra eléctrica . Guarna y John Benítez en el bajo eléctrico llevan la parte central en el "Jben Timbus (For John Benitez)", con partes dinámicas a manera de riffs –frases o ideas musicales repetitivas- de guitarra, aventurándome a decirlo, electrificando las líneas del bajo. 

La única pieza cover del álbum, "La Gloria Eres Tu"contiene una característica muy especial para el pianista y es la participación especial de su Sr padre Manuel Valera ofreciendo un solo el saxofón alto apuntando a la mejor recopilación combinada de jazz latino de la sesión. La música continúa con su carga latina moderna en la penetrante "En Cinco", donde Terry y Valera ofrecen solos expresivos en quizás la composición más ambiciosa del álbum. 


Valera's New Cuban Express septet winds down a sparkling session of exploratory jazz with the heavy Latin beats of "Descarga Para Frank Emilio" and the brief, but beautifully soft-textured "Las Americas." There's no question that Manuel Valera's Expectativas produces a unique and innovative sound sure to capture the attention of the most discerning jazz aficionado but, what may be surprising is, just how well this new musical experience will resonate with audiences everywhere._Edward Blanco

El septeto New Cuban Express de Valera desciende con una sesión destellante de jazz exploratorio con buena carga de ritmos latinos en "Descarga Para Frank Emilio" y la breve, pero hermosamente suave "Las Americas". No hay duda de que “Expectativas” de Manuel Valera produce un sonido único e innovador que seguramente atraerá la atención del aficionado al jazz más exigente pero, lo que puede ser asombroso es, lo bien que esta nueva experiencia musical sonará con audiencias de todas partes. _Edward Blanco
Texto traducido por: Pedro Allende




Manuel Valera & New Cuban Express: Expectativas (2013)

Temas:
01.Chamber Timba
02.Expectativas
03.Perception
04.Chennai Express (For S.A.M.)
05.Intro To Isabelita
06.Isabelita
07.Jben Timbus (For John Benitez)
08.La Gloria Eres Tu
09.En Cinco
10.Open Window
11.Descarga Para Frank Emilio
12.Las Americas

Musicos:
Manuel Valera: piano, Fender Rhodes, synthesizer
Yosvany Terry: alto saxophone, soprano saxophone, Chekere
Tom Guarna: electric guitar, acoustic guitar
John Benitez: electric bass
Ludwig Afanso: drums
Paulo Stagnaro: percussion
Mauricio Herrera: percussion (1), Batas (6)
Manuel Valera Sr.: alto saxophone (8)

domingo, 25 de mayo de 2014

Paul Carlon-La Rumba Is a Lovesome Thing: A Tribute to Billy Strayhorn



¿ En qué estaría pensando Billy Strayhorn acerca de que “La Rumba is a Lovesome Thing”? Siendo esto, después de todo, un elogio un tanto inconveniente –la música se movió desde su espacio original hacia el campo latino- al maestro que sin ayuda de nadie transformó el sonido y el espíritu de la orquesta de Duke Ellington durante un cuarto de siglo, desde 1942 hasta su muerte en 1967.

A lo mejor él podría haber estado calladamente feliz de escuchar un disco espectacular; uno que es lúcidamente realizado por una pequeña banda de metales, con una sección de viento de maderas, dirigida grandiosamente por su líder Paul Carlon, destacando con hermosas voces dándole otra sensualidad con la voz pesada de Christelle Durandy, el protagonismo gira por las percusiones latinas en las tonalidades de Pedrito Pablo Martínez, Wilson "Chembo" Corniel y Obanilú Iré, un baterista y bajista de otra fantástica banda de Latin-Jazz, la del Sr. Carlon, Grupo Los Santos en el espíritu del baile lúbrico de William "Beaver" Bausch y la personalidad enérgica de Dave Ambrosio.

 La mayoría de los roces relevantes del gran repertorio del señor Strayhorn se presentan en el disco, tantos como puedan caber en una sola producción y cada uno está realizado con una admirable y encantadora ejecución. "Take The 'A' Train" nos ofrece un canto de Santería Afrocubana dedicado al orisha "Ogun", patrón del hierro -una referencia no tan indirecta al Caballo de Hierro, que alguna vez tiró el legendario tren a Harlem de 1941. El canto y los batá del Sr. Martínez, el tres del Sr. Lapidus proporcionan un contrapunto extraordinario a la referencia lírica tradicional de la Sra. Durandy que se convierte en una introducción Afrocubana a una sección coral final que deja la canción de hogar, pero no antes de una interpretación de trombón a cargo de Mike Fahie que ofrece con sus manos y pulmones el fondo de su alma. Agrega las magníficas rutinas en la batería y bajo del Sr. Bausch y el Sr. Ambrosio, dando por hecho que la sintonía de la Orquesta Ellington está hecha completamente nueva. "UMMG" es posiblemente una de las composiciones más complejas del Sr. Strayhorn, teniendo un material narrativo que es también imagen  y homenaje al utilizar disonancias asombrosas. El pulso rítmico está situado en un sorprendente ciclo Afrocubana de 6/8 donde destaca el joven pianista más talentoso, John Stenger, que también comparte el espacio con el grandioso Wilson "Chembo" Corniel que agrega drama a la mística de la canción.

"A Flower is a Lovesome Thing" es el puente idiomático para las dos culturas: el jazz lastimero que Billy Strayhorn pudo haber utilizado para recobrar los ambientes semi-rurales de su juventud y el traslado trascendental a Nueva York y el retoque en 5/4 de la "zamba" Argentina y el ritmo en 6/4 Afrocubano que es interpretado irónicamente con el espíritu soñador y rapsódico de un bolero de la "trova" Cubana. El trombonista Mike Fahie y la Sra. Durandy aparecen para llevarse el show. "Chelsea Bridge" es otro clásico del repertorio de Billy Strayhorn. La lista de éxitos original era intensamente melancólica y de alguna manera el lado más oscuro del saxofón tenor, pilar del señor Ellington: Paul Gonçalves, quien transformó la música en un clásico soñador. En este disco, el Sr. Carlon, mientras conserva la batuta de mando, maneja el escenario mediante la trompeta lastimera a cargo de Alex Norris. Los colores y tramas densos de la música se hacen un poco más ligero por el tres de Benjamín Lapidus y la flauta colosal de Anton Denner, al transformar las armonías viscosas en algo más ligero que un cha-cha-cha.

Por supuesto que ningún repertorio musical de Billy Strayhorn estaría completo sin sus joyas ocultas y “La Rumba is a Lovesome Thing” no es la excepción. "Johnny Come Lately" es magnífica -de principio a fin. La apertura destacada del Sr. Carlon a este disco comienza con la ironía y el humor de la décima Puertoriqueña, narrada por Benjamin Lapidus, que se compensa con una magnífica y dramática interpretación aventurera del inconfundible David Ambrosio. El bajista es tan intenso que se niega a estar en laparte cubierta del conjunto por la pura fuerza total de su irrupción polirritmica. La canción es transformada en una obra maestra universal al disfrutar la maravilla en turno de Pedro Martínez en las congas y los batá. El Sr. Carlon se escucha en un uno de sus solos elegíacos aquí, "After All" comienza con una apertura de ensueño al piano de John Stenger, que comienza evocando suspiros tristes del Etude No. 3 "Un Sospiro" de Franz Liszt, pero la melancolía espectacular pronto se convierte en la alegría como hace el señor Stenger con la introducción en su propio estilo del número poco interpretado de  Billy Strayhorn. "Daydream es un magnífico son montuno que lo hacen más notable con la tesitura divina de la Sra. Durandy y el contrapunto del saxofón alto de Anton Denner. Quizás la joya escondida más misterioso y mágico de la creación de Billy Strayhorn es "Tonk", que el Sr. Carlon ha convertido en una "bomba" Puertorriqueña que cuenta con las manos encantadas de Obanilú Iré en los barriles –tambores tradicionales en la música de bomba de Puerto Rico fabricados con las maderas de los barriles de ron-, junto con Benjamín Lapidus al tres. El trompetista Alex Norris consigue una  dirección libre de la canción y reformula algunos de los solos con su trompeta esencial. "Sweet and Pungent" es completamente re-imaginada y rehacen con sus clásicos cubanos los ritmos presumidos que son cortesía de Pedrito Martínez. Las capas espesas de armonía se presentan debido a Ryan Keberle en el trombón y el propio Sr. Carlon en el saxofón soprano que nos trasladan en esta pieza a partir de un blues melancólico a un alegre guaguancó Cubano.

Entonces, ¿en qué estaría pensando Billy Strayhorn en este disco de que “La Rumba is a Lovesome Thing? El podría considerar el álbum como una sorpresa encantadora que muestra la flexibilidad de su música. Y aún más, que su naturaleza simpática no es tanto lo que estaría sonando fresco y relevante en otra época musical, pero que a pesar de ello mantienen la belleza e importancia en una metáfora completamente diferente. También podría tomar su reverencia al ingenio de Paul Carlon, que soñaba con todo esto; luego tuvo la fuerza de carácter para convertir su sueño en realidad, no hay dudas en pagar algunas cuotas a lo largo del camino. _Raúl da Gama
Texto traducido por: Pedro Allende





Paul Carlon-La Rumba Is a Lovesome Thing: A Tribute to Billy Strayhorn (2013)

Temas:
01.Johnny Come Lately
02.Take The “A” Train
03.After All
04.Day Dream
05.U.M.M.G.
06.Tonk
07.A Flower Is a Lovesome Thing
08.Sweet And Pungent
09.Passion Flower
10.Chelsea Bridge

Musicos:
Paul Carlon: tenor and soprano saxophones, flute, arrangements 
Anton Denner: alto saxophone, flute, piccolo 
Alex Norris: trumpet 
Mike Fahie: trombone (2, 3, 4, 5, 7, 9, 10) 
Mark Miller: trombone 
Ryan Keberle: trombone (1, 6, 8) 
John Stenger: piano 
Dave Ambrosio: acoustic bass 
William "Beaver" Bausch: drumset 
Christelle Durandy: vocals (1, 2, 4, 7, 9) 
Benjamin Lapidus: vocals and decima (1), tres (1, 2, 6, 10)
Wilson "Chembo" Corniel: congas (3, 5, 10) 
Obanilu Ire: barriles and maraca (6) 
Pedrito Martinez: vocals (1, 2), congas (1, 2, 8) and batá (2)



Información cedida por Mario Enríquez





sábado, 24 de mayo de 2014

Marialy Pacheco - Mi Azul



Marialy PachecoPianista y compositora.  Uno de los músicos cubanos más talentosos de su generación. Ganadora en el año 2002 del Primer premio Jojazz en la Categoría Menores, premio compartido con el también pianista José Ramón Cabrera.

Nace en La Habana en 1983. Proveniente de una familia de músicos, Marialy comenzó sus estudios de piano desde temprana edad en el Conservatorio Alejandro García Caturla de la capital cubana. A los 15 años ingresó a la Escuela Nacional de Artes  y 3 años más tarde estudió Composición con Tulio Peramo en el Instituto Superior de Arte (ISA). 

En el año 2002 ganó el Concurso de Jóvenes Jazzistas, JoJazz. Dos años más tarde, en 2004, grabó su primer álbum Bendiciones. 

Realiza una gira por Europa que le valió una reputación internacional. Durante 3 años consecutivos fue invitada al Festival Son Cuba, evento anual que promueve en los circuitos europeos la música tradicional cubana. De esta manera realiza giras por toda Alemania, Austria, Suiza y los Países Bajos, tanto como pianista solista y con su trío. 

En el 2006 recibe el Segundo Premio Coral Gables en la Iglesia Congregacional de Florida por su trabajo en la orquesta de cuerdas "Tulio Guajira párrafo". En 2008 viaja a Alemania para asistir, como solista invitada en conciertos con el legendario guitarrista australiano Tommy Emmanuel. 

Ha lanzado cinco álbumes independientes, incluyendo su tercer CD solo para piano Canciones que me gustan con todas las pistas grabadas en una sola toma durante más de tres horas en el Centro de Judith Wright de Arte Contemporáneo en Brisbane el 16 de diciembre de 2010. 

Desde noviembre de 2009 reside en Brisbane, Australia.


"Lo azul del cielo sobre Cuba es completamente diferente al de Alemania", comenta Marialy Pacheco a sus 23 años. Y bien lo puede ella saber, por una combinación entre suerte, amor y curiosidad que ha traído a esta mujer nacida en Cuba hacia Bremen, y desde ahí se está ganando el corazón de un público asombrado.

“Mi Azul”, My Blue es el título del primer álbum en calidad de solista de Marialy, "debido a que el azul es el color, el espacio, que cubre todas las teclas de mi instrumento". Marialy ha encontrado una muy buena armonía entre la tradición Cubana, el jazz, y su formación clásica. Atraída ella, toma la secuencia melódica y desarrolla su propio y absolutamente original sonido lírico. Ella se enfrenta navegando en estrechos de una manera exitosa gracias a su enorme talento para la innovación llena de matices, y eventualmente, retornando de nueva cuenta el área segura del Afrocubanismo.

No hay que olvidar sus composiciones asombrosamente seguras de sí mismas, que no necesitan cobijarse bajo la sombra de los maestros clásicos. El arte de Marialy no puede ser mutilado para ajustarse en convenciones o categorías. En sus interpretaciones se enlazan juventud y experiencia, ambas cosas entre la indiferencia y el cuidado total para vivir y crear.

La abundancia de sentimiento derramado por medio de esta música es inmensa. Ella lucha flexiblemente desde una poesía melancólica de “Msnow”, pasando por brotes acelerados en "Chanomonk, hasta la expresión de una alegría desbordante en “Son de la Loma”. Quizás en el mejor de los ejemplos, La Luz, La Fe, La Unión (The Light, the Faith, the Union) refleja todos estos estados de ánimo, unidos en una sola melodía.

Mi Azul te hará adicto, sin habla y curioso. 
Mi Azul revela el lado íntimo del Caribe. _Weltwunder.
Texto traducido por: Pedro Allende





Marialy Pacheco - Mi Azul (2006)

Temas:
01. Mi Azul
02. Son De La Loma
03. Son Cuba
04. En El Camino
05. El Manisero
06. La Luz, La Fe, La Unión
07. Chanomonk
08. Msnow
09. Test Lindas Cubanas
10. Silencio

jueves, 22 de mayo de 2014

Yosvany Terry Cabrera - Metamorphosis



Las confluencias entre la música Afro-Cubana y el jazz tienden a ser particularmente brutales con reacciones emocionales intensas , con una batería pesada e inclinada hacia el movimiento corporal. Este sentimiento particular del jazz latino muy ocasionalmente se acerca al nivel de integración internacional,  equilibrio intelectual y el conocimiento práctico posmoderno es lo que marca Metamorphosis . Yosvany Terry Cabrera, el saxofonista de 34 años de edad, que nació y creció en Camagüey, Cuba, escribió siete de los ocho temas del disco, con lo cual proporciona el ambiente útil en las notas bilingües alargadas. Sus composiciones reflejan efectivamente su liderazgo, que constantemente intenta la creación de sonido grupal.

Los oyentes distraídos por lo general pasan sin sentir la representación de Metamorphosis debido a la naturalidad y calidad con que fluyen los ritmos mezclas de sonidos instrumentales contemporáneos. Nada en la producción es estridente, alocado o particularmente desprendido. La mayoría de las obras, especialmente la sentimentalmente suave "The Crying"-la única pieza no escrita por el líder- llegan en ondas suaves, carentes de intensidad.

Pero una vez que uno escucha con atención la delicia que encierra el material, incluyendo la manera extraordinaria que Cabrera logra interpretar un sonido aparentemente fácil, sonido de orquesta completa a pesar de mover grupos de cinco a siete músicos, quedando claro que se trata de una producción de total confianza, elaborada con un fuerte sentido de identidad personal.

Los temas primero y tercero presentan el más enérgico sentimiento afrocubano: "Okónkolo Concertante" es intensamente “polyrhythmico” –combinación simultánea de ritmos diferentes dentro del la música Afro-Cubana-  en cierto sentido de África Occidental, pero tomando en cuenta el sentido funk movido; “Journey of Awareness” tiene matices orquestales suaves pero ahonda en un corte  del estilo de Steve Coleman y suelta una invocación Yoruba a Obatalá por el percusionista Pedro Martínez. Otras piezas son demasiadamente irónicas o modestamente líricas en su realización, y en “Subversive” se ofrece un par de solos como para saborearlos lentamente.

Cabrera ha podido reunir  a un grupo de diez músicos inconformistas y versátiles para esta grabación, incluyendo al trompetista israelita de jazz Avishai Cohen, cuya expresión melódica de manera seguida se encuentra como base del material; la guitarra eléctrica de Mike Moreno, quien es responsable por el sonido contemporáneo global más que cualquier otro integrante de la banda; y un trío de bateristas percusionistas -Pedro Martínez, Dafnis Prieto, y Jeff "Tain" Watts- quienes se relacionan y combinan para dar forma a las bases rítmicas.

Esta excepcional propuesta musical de diversas coloraciones musicales, consigue ser paralelamente accesible y difícil, revelándose con ello la llegada de un joven compositor y director de orquesta con una visión diferente muy personal. AAJ Staff
Texto traducido por: Pedro Allende



Yosvany Terry Cabrera - Metamorphosis (2005)

Temas:
01.Okonkolo Conertante
02.El Burlon (The Joker)
03.Journey Of A Awareness
04.This Is It
05.The Crying
06.Subversive
07.Transito A Full (Traffic Jam)
08.Rampa Abajo

Musicos:
Avishai Cohen-Trumpet
Mike Moreno-Guitar
Luis Perdomo-Piano
Hans Glawishnig-Bass
James Genus-Bass
Yunior Terry Cabrera-Bass
Pedro Martinez-Percussion
Dafnis Prieto-Drums
Jeff "Tain" Watts-Drums

martes, 20 de mayo de 2014

Bob Mintzer Big Band - For The Moment



Los músicos pueden considerarse afortunados si encuentran el éxito en un género en particular, pero hay un selecto grupo que se desarrollan sin problema alguno en cada uno de los ambientes musicales que participan. Bob Mintzer es uno de los que pertenece a esa élite; su versatilidad es su mayor virtud, pero, mientras que él es un saxofonista y profesor de clase mundial, su misión es probablemente dedicar su compromiso como compositor y arreglista en el mundo de las grandes bandas. Aprendió de los mejores, ubicado en la sección de saxofones de bandas dirigidas por Thad Jones y Mel Lewis , Gil Evans , y varios otros músicos importantes, ha estado poniendo su intuición ganada a pulso para su buen uso en este ámbito desde que se reunió a su primera gran banda para tocar en el club Brecker Brothers de la Séptima Avenida Sur, a inicios de los 80s.

Para su cuarta gran travesía bajo el sello discográfico de jazz MCG, Mintzer mira al sur hacia Brasil, reflejando otra de sus grandes pasiones. Su amplia experiencia trabajando y aprendiendo con los grandes personajes de la música brasileña de los últimos años, entre ellos Eumir Deodato , Milton Nascimento y Romero Lubambo, dan a su obra un sello de autenticidad que lo aparta de aquellos que se sienten parte de esto por el simple hecho de incluir uno o dos bossa novas a su repertorio. 

Mintzer mezcla sus originales con los arreglos del guitarrista vocalista invitado Chico Pinheiro , así como clásicos de la talla de Antonio Carlos "Corcovado" Jobim y Baden "Berimbau" Powell, en este viaje de nueve canciones por Brasil. Las interpretaciones son como “aventuras” brillantes que dan cuenta del buen trabajo en conjunto, con solos interpretados suavemente en pasajes rítmicos venturosos. Pinheiro destaca en varios planos, entregando las voces y acabando con los solos de guitarra impecablemente entonados en "Un Filme" y proporcionando coplas calmadas en "Corcovado", pero es en absoluto el que sobresale en este disco. 

Mintzer recurre a su viejo amigo y gran maestro de la batería Peter Erskine para enfocar a la banda misma al mando de Erskine -detrás de la batería-, y no nos decepciona. Aportando su propio sentido del ritmo y tacto en la presentación de cada pieza, desde la melodía que abre el álbum “Aha”, basada en baião hasta un suave bossa nova posesionado sobre un clásico de los 30’s  ("For All We Know" ). Del compañero de la banda Yellowjackets de Mintzer, el pianista Russell Ferrante , es otro perticipante clave en la mezcla de solistas, como es el trompetista insuficientemente valorado de Scott Wendholt , pero el conjunto de músicos en su totalidad es realmente la estrella del show. 

Mintzer es como un químico del ambiente musical, haciendo suculentas mezclas musicales que van presentándose por debajo de la mesa, pero que llenan el paladar más exigente. El tema “For The Moment” causa lo que muchos ya saben: Mintzer es un monstruo con la escritura de obras  hechas para igualar o superar siempre sus dotes de saxofonista estelar._ Dan Bilawsky
Texto traducido por: Pedro Allende

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Bob Mintzer Big Band - For The Moment (2012)

Temas:
01. Aha
02. Um Filme
03. Irrequieto
04. For All We Know
05. Berimbau
06. For The Moment
07. Recife
08. Corcovado
09. Ouro Preto

Musicos:
Bob Mintzer - Tenor Saxophone, Flute
Chico Pinheiro - Vocals, Guitar
Lawrence Feldman - Alto Saxophone, Flute
Mike Tomaro - Alto Saxophone, Flute
Bob Malach - Tenor Saxophone, Clarinet
Frank Basile - Baritone Saxophone, Clarinet
Steve Hawk - Trumpet
Tony Kadleck - Trumpet
James Moore - Trumpet
Scott Wendholt - Trumpet
Jay Ashby - Trombone
Keith O'Quinn - Trombone
Michael Davis - Trombone
Max Seigel - Bass Trombone
Russell Ferrante - Piano, Keyboards
Marty Ashby - Guitar
Lincoln Goines - Bass
Peter Erskine - Drums
Alex Acuña - Percussion

domingo, 18 de mayo de 2014

Carlos Franzetti – Galaxy Dust



Carlos Alberto Franzetti (Buenos Aires, 3 de junio de 1948) es un compositor, pianista y arreglista argentino, ganador de tres premios Grammy Latino, además de haber sido nominado en diversas ocasiones y categorías.

En 1954 (a la edad de 6 años), Franzetti comenzó a estudiar música en el Conservatorio Nacional de Buenos Aires. A finales de los años sesenta tomó clases de piano privadas, con Guillermo Iscla y Lucía Maranca y de composición con Manuel Juárez. En 1970 (a los 22 años de edad) se mudó a México, donde estudió composición con Humberto Hernández (entre 1971 y 1973). En 1974 se mudó a Estados Unidos, donde consiguió la residencia. Se graduó en The Juilliard School (en Nueva York), donde había continuado sus estudios de dirección orquestal con Vincent LaSelva.1 2

En 1985 realizó (en Estados Unidos) la producción musical y los arreglos jazzísticos (con una orquesta de 35 músicos) del disco El Polaco por dentro, del cantante argentino Roberto Polaco Goyeneche (1926-1994), con tangos como «Volver». En 1995 recibió por parte de la Fundación Konex un Diploma al Mérito por su aporte al Jazz en la última década en Argentina._wikipedia

En su carrera, Franzetti ha compuesto sinfonías, conciertos, óperas, música de cámara, música de jazz para big bands y bandas sonoras. Su álbum Tango fatal ganó el Latin Grammy Award 2001 en la categoría de Mejor Álbum de Tango. En 2003 recibió dos nominaciones para dos premios Grammy por su álbum Poeta de Arrabal, en las categorías Best Classical Crossover Album, y Best Instrumental Arrangement. En 2009 Carlos Franzetti y Eddie Gómez reciben el Latin Grammy Award al Mejor Álbum Instrumental por el disco Duets. En 2013 recibe el Latin Grammy en la categoría de Mejor Composición Clásica Contemporánea por "Zíngaros" del álbum "Pierrot et Colombine".

Además dirigió, arregló y coprodujo el álbum solo de Paquito D’Rivera Portraits of Cuba, ganador de un Grammy. También ha hecho arreglos musicales para la Boston Pops Orchestra, la Filarmónica de Brooklyn y la Buffalo Philharmonic Orchestra.

Franzetti ha compuesto un número de música de película, la más notable Los reyes del mambo (1992) con el compositor Robert Kraft. También compuso la música de la película La película del rey (1986) y condujo la partitura de la música de la película 1990 Q & A (1990), de Sidney Lumet.

Franzetti tiene dos discos de oro, entre otros premios._wikipedia



 A finales de los 70’s, un joven Carlos Franzetti ya había hecho grabaciones de estudio y bandas sonoras para el cine en México y su natal Argentina antes de llegar a los Estados Unidos. Esta primera grabación como líder no sólo refleja su lado orquestal, sino su amor por las melodías complejas y la fusión del jazz contemporáneo. Hay pistas con un enorme complemento de cuerdas y metales, y una pequeña mezcla con sede en Nueva York donde intervienen músicos como el saxofonista tenor George Young , el gran maestro de flauta del jazz latino Mauricio Smith , y el trompetista Lew Soloff , entre otros. Franzetti interpreta el piano y los teclados eléctricos, pero su papel principal es la de compositor, arreglista y director de orquesta, ya que hace música para las bandas sonoras de películas y jazz eléctrico equiparable  al  de Chick Corea .

En este tono contemporáneo, Franzetti implanta el piano intensamente bajo los casi tres minutos de "Something from the South", acompañado de un grupo pequeño pero enérgico y brillante de samba que es resaltado por un sintetizador de la gloriosa marca ARP, mientras que "Pandora" destaca con los cornos de Bill Hamilton en una lista de éxitos muy ocupada que refleja las líneas melódicas poseídas que Corea escoge, un ritmo rápido Brasileño, la excelente batería de Portinho y el saxofón tenor de George Young . Young es un compañero de Michael Brecker , y su sonido neo-bop de la Séptima Avenida te atrapa en la melodía seductiva comercial de "Mambo Tango" en el papel de Franzetti que la duplica melódicamente bajo la guitarra acústica Fender Rhodes, y conlleva un canto vocal de "la la la" de su pertenencia. La parte orquestal de Franzetti viene a estar en la vanguardia durante  "Gravitational Forces", un éxodo picante multifacético en un empujar y jalar con cuerdas y cornos de la armonía dilatada en una manera muy cinematográfica.

La pieza "Pavane" es otro segmento instrumental que combina la parte generosa de las cuerdas con la flauta y el piano eléctrico muy similar al trabajo de John McLaughlin con su fusión sinfónica en su innovador álbum “Apocalypse” . Al cantante David Lucas se le atribuye de manera incorrecta los créditos para "Pavane", pero su nombre no aparece en los títulos de la producción, una melodía estilo pop-jazz donde su artístico canturreo estilo Sinatra Frank revoca la sección de cuerdas, concluyendo en un motivo instrumental que parece alejada sin una referencia visual. Claramente, el talento de Franzetti está al frente de todo, tal vez suene algo añejo este CD del 2008 reeditado - sin embargo, es el principio para más viajes fantásticos dentro de su carrera como músico de jazz._ Michael G. Nastos 
Texto traducido por: Pedro Allende






Carlos Franzetti – Galaxy Dust (2008)

Temas:
01. Galaxy Dust
02. Pandora
03. Gravitational Forces
04. Something From the South
05. Pavane
06. Mambo Tango

sábado, 17 de mayo de 2014

Silvestre Méndez y su Tribú Afrocubana – Bembe Aragua



José Silvestre Méndez. Compositor y director. Es licenciado en economía por la Universidad Nacional Autónoma de México, con estudios de Maestría en Administración. Tiene antiguedad docente de 35 años, de los cuales 29 los ha desarrollado en la Facultad de Contaduría y Administración.

Nace en La Habana, Cuba, el 31 de diciembre de 1926. Fueron sus padres Julián Méndez e Isabel López. Conocido como Tabaquito, comenzó su carrera artística en el espectáculo Tambor en negro mayor, dirigido por Gilberto Valdés, en el que cantó, tocó y bailó, junto a Chano Pozo, Benito González (Roncona), Santos Ramírez. Por esa época compuso su rumba "Tambó", que grabó Miguelito Valdés con la orquesta Casino de la Playa, y cuya orquestación estuvo a cargo de René Hernández.

Posteriormente actuó en la radioemisora Cadena Azul, en una serie de programas dirigidos por Chano Pozo, para la Comparsa La Jardinera, del barrio de Jesús María, compuso "El bombo arrollador", que más tarde le grabara en Nueva York Machito con sus Afro-Cubans.

Ha escrito 17 libros en el área económica, entre los que destacan: Fundamentos de economía, Economía y la empresa y Dinámica Social de las Organizaciones. También es profesor de educación primaria por la Escuela Nacional de Maestros. Es consejero académico del área de ciencias sociales, representante de los profesores y miembro de la Subcomisión de Superación Académica del Personal Académico.

Durante toda su vida se ha desempeñado únicamente como artista: compositor, músico, cantante, bailarín y actor. Buen deportista, ha practicado la natación, tenis, campo y pista.
Trayectoria artística

En 1946 se instaló en Ciudad de México, donde trabajó en el filme '"La intimidad de Marco Antonio y Cleopatra", junto a María Antonieta Pons, Luis Sandrini, Francisco Mendive (Kiko) y varios percusionistas cubanos. Su guaracha "El telefonito" la estrenó Orlando Guerra (Cascarita) con la orquesta Casino de la Playa, con orquestación de Dámaso Pérez Prado, quien en la grabación tocó el piano y el propio Silvestre Méndez, la tumbadora. En México organizó una orquesta que alcanzó gran popularidad.

Como bailador Silvestre fue único y estos se aprecia en algunos filmes de Juan Orol o su participación con las llamadas rumberas del cine nacional, las mezclas que realiza Silvestre con algo de jazz se dan en algunas grabaciones o películas como en "Ritmos del Caribe"'. La popularidad de Silvestre era enorme y así le llegan a grabar sus temas otras figuras como:Tito Rodríguez, Panchito Rizet, Tito Puente, El Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro, Celia Cruz, La Sonora Matancera o Lobo y Melón y hasta Peret le graba el tema "Mi bomba sonó". 

Un disco magnífico, de 10 pulgadas con ocho temas, que graba en New York fue el titulado "Chango" en donde se reúnen los talentos de Mongo Santamaría, Antar Daly, Marcelino y demás pandilla cubana, cabe mencionar que en el LP para completar los 4 temas restantes hay una diferencia en ritmo, esto una apreciación mía. Este disco para Silvestre estaba “salvaje”.

Platicar con Silvestre era toda una secuencia de historias sobre música, cuando le decíamos escucha este tema con tal interprete él nos mencionaba “…no el no me grabo ese tema…” pero al escucharlo veíamos que rodaban por sus mejillas lágrimas que llevaban sus recuerdos con alegrías y tristezas, quizás el visitarlo y ver las paredes de su casa tapizadas de fotografías de músicos de leyenda o entrar a su habitación en donde tenía el altar de su santo “Baba”.

Silvestre se nacionaliza mexicano y fallece en la Ciudad de México el 8 de enero de 1997._ecured 



Silvestre Méndez y su Tribú Afrocubana – Bembe Aragua (2012)

Temas:
01.Elegua
02.Recuerdo a Roncona
03.Ñañingo
04.En el Sola
05.Baba
06.El Bombo Arrollador
07.Iroco
08.Yema - Ya
09.Juventud del Presente
10.Columbia

miércoles, 14 de mayo de 2014

Orquesta Estrellas Cubanas



Orquesta Estrellas Cubanas, produce mucho de los arreglos de la orquesta, Félix Reyna así como otro violinista, el Dr. Rodolfo Reina, De ambos son las instrumentaciones del presente disco.

En esta orquesta de reconocida popularidad, se destacan números de gran sabor criollo; guaracha, chachchá, guapachá, etc.
Estrellas Cubanas demuestra en todo momento su condición de típica tradicional, y como tal sigue la evolución del danzón a través de sus derivaciones de estilos y modismo musicales y bailables, presentándolos con un aire elegante y suave, en que no se pierde la linea rítmica.
Sus cantantes, Heliodoro Sánchez, Luis y Sergio Calzado, dan sus vocalizaciones un empaste singular dqe les ha valido ser considerados un buen trío de voces para típicas.

En las cuerdas se destacan figuras muy conocidas de este sector: Elio Valdés, Luis M. Callís, José M. Vargas, Julio Poujant y el propio director.


Del contenido del presente disco, recomendamos varios numeros. De su tumbador Filiberto Peña son dos piezas que ya se impusieron en la radio: Barbara retoza y Oye, no volveré contigo. Del violinista Vargas son las obras: Bamboleando y Cha cha chá samba, esta última interesante por su doble ritmo y estilo.





Orquesta Estrellas Cubanas (1960s) (Egrem-LD-3191)

Temas:
01. Barbara retoza (Cha cha chá)
02. Gloria a Benny (Bolero)
03. Mira que los tiempos cambian (Cha cha chá)
04. Tú eres la felicidad (Bolero chá)
05. Cha cha chás samba (Cha cha-samba)
06. No, no me critiques (Guaracha)
07. Bamboleando (Ritmo bamboleo)
08. Divina tentación (Bolero chá)
09. Marchitas no (Cha cha chá)
10. Qué muchacha (Guaracha chá)
11. Lo que tu inspiras (Bolero chá)
12. Oye, no volveré contigo (Guaracha chá)



Información cedida por Osvaldo M. 

lunes, 12 de mayo de 2014

Mario Canonge – Live Rhizome tour




Mario Canonge es un pianista de la isla Martinica -Antillas Francesas-. Comienza a interpretarlo siendo adolescente acompañando al coro de la iglesia. En 1979, inicia a estudiar música en París y participa en varias bandas. A principios de los años 80, toca principalmente música latina, en particular en la orquesta Manigua, antes de formar junto con Nguyen Lê, una banda de jazz-rock llamada Ultramarine. Inspirado por los dos pianistas más famosos del Caribe, Marius Cultier y Alain Jean-Marie, gana rápidamente el reconocimiento por su talento y empieza a ser muy solicitado (Lavelle, Dee Dee Bridgewater, Nicole Croisille, Ralph Thamar, así como Carter Jefferson, Chico, Freeman, Turk Mauro, Simon Spang-Hanssen, etc.)

Forma Sakiyo con Michel Alibo y comienza una carrera de solista con «Retour aux sources» en 1991, siendo un punto clave en su carrera que lo hace regresar a sus raíces y música nativa, mazurca y beguine, mezcladas con jazz y zouk. Con su grupo Kann produce buena cantidad de material, llegando así a un vasto público desde sus Antillas hasta la misma Francia metropolitana. Durante varios años el cuarteto interpreta en el extranjero con otros artistas (Kassav, Malavoi ...) y graba en estudio todos los estilos de música caribeña para Beethova Obas, Michel Jonasz, Laurent Voulzy.

En 2002, Mario crea Sakésho junto a Andy Narell, Michel Alibo y Jean-Philippe Fanfant. El grupo produjo dos CDs y un DVD y participó en muchos festivales. Cuando no compone, le gusta jugar con su viejo amigo Etienne Mbappé, así como Richard Bona, Gino Sitson, y Manu Dibango cuyas influencias africanas lo hacen seguir ampliando su ya extensa visión. 

En 2004, presenta una nueva inspiración con el jazz, sin perder su sonido caribeño en su álbum “Rhizome”. Jacques Schwarz-Bart, Antonio Sánchez y Roy Hargrove forman parte en esta aventura y gira Panamericana, comienza con Horacio "El Negro" Hernández. En 2008, Mario lanza un álbum "en vivo" con Linley Marthe y Chander Sardjoe y toma a “Rhizome” de nuevoen muchas presentaciones durante sus giras por todo el mundo. Otros proyectos aparecen, como por ejemplo el duo piano y contrabajo que Mario crea con Michel Zenino, o un dúo de piano con Alain Jean-Marie. Mientras tanto, Mario también participa de invitado junto a cantantes como Tangora, y Viviane Ginapé.

En 2011, Mario Canonge produce y lanza "mitan", un álbum de jazz bien recibido por la crítica. Siendo este no solamente el título del álbum, sino el “parte aguas” de su vida. “El comienzo de una nueva aventura, encaminada por el deseo de mirar siempre hacia adelante, creciendo y evolucionado continuamente, un deseo de el poder con sus dedos alcanzar tenuemente la esencia". Durante el transcurso del verano, Mario y Michel Zenino tocan  en “Jazz à Porquerolles”, un concierto filmado que viene a ser la base de un DVD ofrecido a principios de 2013. 

A finales de año, Mario se acompaña del guitarrista de Dominica Cameron Pierre en el álbum "Radio Jumbo". Luego conoce a Courtney PineThis que lo llama a participar en "House of Legends", lanzado a finales de 2012. Este período ve también la creación de un trío prometedor, CAB, con Blick Bassy, un cantante de Camerún, y Adriano Tenorio DD, un joven percusionista brasileño. La banda se mantiene en gira regularmente y prepara un álbum para ser lanzado en este 2014. 
Texto traducido por: Pedro Allende




Mario Canonge – Live Rhizome tour (2010)

Temas:
01.Manman dlo
02.Madikera
03.Where are you (Stairway to the Stars)
04.Plein sud
05.Lueur éteinte
06.Mo Better Blues

Musicos:
Mario Canonge - piano
Linley Marthe - bajo
Chander Sardjoe - bateria

domingo, 11 de mayo de 2014

Oscar Peterson – Soul Español



Oscar Peterson (Montreal, 15 de agosto de 1925 - Mississauga, 23 de diciembre de 2007) fue un pianista canadiense de jazz.

Su estilo, formado durante los años cuarenta como en el caso de otros pianistas como Erroll Garner y George Shearing, oscila entre el swing y el bop, y se engloba dentro de la tendencia clasicista o tradicional del jazz. Seguidor de Art Tatum, se trata de un pianista acústico de gran técnica, con una destacable capacidad para tocar con velocidad y con una gran habilidad para el swing, independientemente del tempo de ejecución. Son elogiadas tanto sus interpretaciones en grupos pequeños como acompañando a cantantes, aunque sus mejores momentos sean como solista.

Aunque subestimado, Peterson es también compositor: por ejemplo, escribió y grabó la afamada "Canadian Suite" en 1964. Varias de sus propias obras las ha grabado con piano eléctrico. Excepcionalmente vocalista, su voz recuerda mucho a la de Nat King Cole.

Aunque su padre era ferroviario, no le quitaba tiempo para su afición a la música, motivando al pequeño Oscar para volcarse a ella. De esta manera empezó a recibir lecciones de piano clásico a los seis años y aprendió con gran rapidez. Tras ganar un concurso para jóvenes talentos a los 14 años, empezó a trabajar en un espectáculo semanal de la radio de Montreal. Peterson tuvo sus primeras experiencias musicales serias tocando con la orquesta de Johnny Holmes. De 1945 a 1949, grabó 32 temas para Victor en Montreal. Se trata de interpretaciones en trío que muestran a un Peterson cómodo con el boogie-woogie, del que se apartaría pronto, y con el estilo próximo al swing de Teddy Wilson y Nat King Cole. Aun joven, su técnica era ya muy admirada por los aficionados y críticos.

El productor Norman Granz descubrió a Peterson en 1949 y pronto lo promocionó como una de las más relevante jóvenes promesas de su conjunto de músicos para espectáculos de jam session "Jazz at the Philarmonic" con el cual debuta a fines de ese año. Peterson grabó en 1950 una serie de dúos teniendo como compañeros en el contrabajo a Ray Brown y a Major Holley. Su version de "Tenderly" se convirtió en un éxito. Su fama se acrecentó en 1952 cuando formó un trío con el guitarrista Barney Kessel y con Brown. Kessel fue reemplazado más adelante por Herb Ellis. Este trío fue uno de los grupos de jazz más importantes entre 1953 y 1958. En 1958, cuando Ellis abandonó el grupo, se decidió prescindir de la guitarra y se unió un batería, Ed Thigpen. El trío Peterson-Brown-Thigpen (que estuvo trabajando hasta 1964), a diferencia del anterior, propició un mayor protagonismo del piano de Peterson. Otras versiones del trío contaron con baterías como Louis Hayes (1965-66), Bobby Durham (1967-70), Ray Price (1970) y con bajos como Sam Jones (1966-70) y George Mraz (1970).

En 1960, Oscar Peterson creó la Advanced School of Contemporary Music en Toronto. Peterson grabó su primer disco en solitario en 1968. Durante su estancia en el sello de Granz, trabajó con el guitarrista Joe Pass y el bajo Niels Pedersen. Apareció en docenas de grabaciones con otras estrellas, hizo cinco discos en dúo con importantes trompetistas (Dizzy Gillespie, Roy Eldridge, Harry "Sweets" Edison, Clark Terry y Jon Faddis), y tocó con Count Basie en duelos pianísticos.

Un grave accidente cardiovascular en 1993 lo dejó fuera de combate durante dos años. Desde entonces, regresó gradualmente a escena, aunque su mano izquierda había quedado afectada.

Murió el 23 de diciembre de 2007, con 82 años en su casa de Mississauga en Ontario (Canadá)._wikipedia


Oscar Peterson aumentada su trío de trabajo regular de la época (el bajista Sam Jones y el baterista Louis Hayes ) con Henley Gibson en las congas, Marshall Thompson en los timbales, y Harold Jones como percusionista añadido para esta versión, que se centra principalmente en la música de compositores brasileños (por lo que el título Soul Espanõl es un poco engañoso). Con el aumento de interés en la bossa nova y la samba, Peterson interpretaciones de canciones como "Manha de Carnaval", "How Insensitive", "Meditation" y "Samba de Orfeo" 's han defendido muy bien contra grabaciones de jazz similares del . mediados de los años 60 Peterson 's "Soulville Samba" tiene un sabor evangelio, mientras que su "Sensitive Samba" es más relajado; Vincent Youmans 'décadas de edad, "Carioca" también encaja muy bien. Esta es una parte agradable, si no esencial, de Oscar Peterson considerable discografía's._Ken Dryden (allmusic)





Oscar Peterson – Soul Español (1966)

Temas:
01.Mas Que Nada (Jorge Ben)
02.Manha de Carnaval (Luiz Bonfá/Vinicius de Moraes)
03.Call Me (Tony Hatch) 
04.How Intensitive (Vinicius de Moraes/Norman Gimbel/Antonio Carlos Jobim) 
05.Carioca (Edward Eliscu/Gus Kahn/Vincent Youmans) 
06.Soulville Samba (Oscar Peterson)
07.Amanha (Tomorrow) (Phil Bodner)
08.Meditation (Norman Gimbel/Antonio Carlos Jobim/Newton Mendonça) 
09.Samba Sensitive (Oscar Peterson) 
10.Samba de Orfeo (Luiz Bonfá/Vinicius de Moraes)

Musicos:
Oscar Peterson (Piano) 
Sam Jones (Double Bass) 
Louis Hayes (Drums) 
Marshall Thompson (Timbales) 
Harold Jones (Percussion) 
Henley Gibson (Conga)

viernes, 9 de mayo de 2014

Alex Diaz – Beyond 145th Street




Nacido en Baní, República Dominicana, Alex Díaz empezó a tocar música a temprana edad. A a la edad de 10 años ingresa en la Escuela de Música José Reyes en su ciudad natal. Pronto fue el percusionista principal en la Banda Municipal de su ciudad a cargo del profesor Amable Botello. Un par de años después ya se encuentra tocando con bandas locales como Nina "El Gago", "Yeyen" y su Bajo, "Los Antillanos del Sabor", entre otras bandas populares de la región. A la edad de 16 se une al grupo "Los Juveniles del Sabor", cuyos vocalista principales eran Ruby Pérez y Aramis Camilo. Ambos considerados entre los mejores del país. Él continua actuando con artistas locales como Julita del Río y "Sonido Latino".

En 1980 aún joven, Alex llega a la gran manzana de Nueva York para probar suerte en el mundo de la música. Su primera actuación fue con Víctor Blanco, un cantante famoso de merengue dominicano con Wilfrido Vargas. Entonces, le llega una gran oportunidad, una llamada del pianista de jazz Hilton Ruiz. Alex conseguiría el trabajo estando de gira durante los siguientes dos años forjándose de una reputación dentro de los mejores percusionistas de NYC. Después de esto, su carrera despegó tocando con grandes orquestas de nombres como Tito Puente, José Fígaro, Chucho Valdez, Mario Bauza and The Afro Cuban Band, Dizzy Gillespie and the United Nations Orchestra, Xavier Cougart, Ceila Cruz, Alfredo "Chocolate" Armenteros, Cachao, sólo por mencionar algunos.

Radicando ya en Nueva York, Alex Díaz se mantiene ocupado participando con "Son de la calle" en torno a Nueva York y salas de concierto por todo del mundo. Es considerado el pionero del concepto musical llamado merengue-jazz, heredado de su maestro el gran Mario "El Comandante" Rivera, considerado el mejor músico dominicano de todos los tiempos! Su último proyecto "The Bebop Bogaloo Kings" es el primero de muchos intentos de combinar el jazz y la música contemporánea con uno de los ritmos nacionales de Santo Domingo, "El merengue". Su carrera apenas está tomando forma de y muchos sonidos serán escuchados de "El Rey del Merengue-Jazz". _merenguejazz



Merengue, la música nacional de la República Dominicana inspirada intensamente por las percusiones de los ritmos territoriales como el pambiche, el perico ripiao, el maco, el guinchao y el palo, es la opción natural para el maestro conguero Alex Díaz para mezclar sus raíces nativas con la improvisación del jazz en su producción “Beyond 145th Street” . 

Díaz y el saxofonista destacado Ivan Renta continúan sus innovaciones musicales y tributo al saxofonista fallecido Mario Rivera -integrante de Tito Puente-, que inicio con el lanzamiento de Merengue Jazz King (producción propia, 2010+). Hay un gran linaje con gran tradición de saxofonistas de merengue retomando al legendario Tavito Vásquez, quien influyó en Rivera, popularizó el instrumento dentro de este género musical, y fue fundamental en el sentido de los ritmos. El discípulo de Rivera, Renta es el compositor de "El Comandante" en honor al propio Rivera, favorecido de esta jerarquía con sus contribuciones ejemplares a lo largo de todo el repertorio.

El pianista Pedro Bermúdez, quien escribió "El Tigerazo del Bebop" y puso el título de la pista, muestra no sólo un sentido instintivo en las pautas del guajeo del merengue, más aun es un intérprete de bebop de talla universal. El añade el elemento auténtico del jazz en una mezcla de destreza y técnica penetrante por los vertiginosos tempos que exige la ejecución exacta. 

Los ritmos contagiosos son mezclados con la dinámica de jazz aportando un concepto ideal de cómo Díaz quiere que suene su merengue-jazz. Los números elegidos "Yesterdays" de Jerome Kern, "Ginza Samba" de Vince Guaraldi, "Santo Domingo" del indiscutible Cal Tjader, demuestran ser el medio perfecto por el cual se extiende sublimemente esta propuesta musical. Claro está, esto no podría ser posible sin la excelente maniobra del consumado bajista Rubén Rodríguez y el contundente trompetista Nelson "Gazu" Jaime, que es un personaje vital de las listas de éxitos.

A medida que los sonidos y texturas globales continúan agregándose a lo que es conocido como jazz o música improvisada, se continuará transformando en nuevas formas mutantes vibrantes. El jazz latino, con su extenso conjunto de cadencias enredadas y melodías, ha estado definitivamente, al frente de este estilo, confirmado por el merengue-jazz de “Beyond 145th Street”._James Nadal (allaboutjazz)
Textos traducido por: Pedro Allende




Alex Diaz & His Merengue Jazz – Beyond 145th Street (2012)

Temas:
01.Yesterdays
02.Unit Seven
03.Santo Domingo
04.Catarey Meren Jam
05.All Or Nothing At All
06.El Tigerazo del Bebop
07.Ginza Samba
08.El Comandante
09.Beyond 145th Street

Musicos:
Alex Diaz: congas, timbales
Ray "Chinito" Diaz: tambora, guira
Ivan Renta: alto, tenor, and baritone saxophones
Nelson "Gazu" Jaime: trumpet
Pedro Bermudez: piano
Ruben Rodriguez: bass
Diego Lopez: drums

El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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