"E'cha" Ninety Miles - 47 Edición Heineken Jazzaldia (2012)
Músicos:
Stefon Harris (vibráfono)
David Sánchez (saxo)
Nicholas Payton (trompeta)
Edward Simon (piano)
Ricky Rodríguez (bajo)
Terreon Gully (batería)
Mauricio Herrera (percusión)
Ninety Miles. Noventa millas es justo la distancia que separa las ciudades de Miami y La Habana. También es la distancia que separa dos modos de vivir y dos maneras de entender la música que con este proyecto llamdo Ninety miles (Concord/Universal) liderado por tres primeras espadas del jazz estadounidense como son el vibrafonista Stefon Harris, el saxo David Sánchez y la joven figura de la trompeta Christian Scott se acercan y confluyen.
A principios de la década de 1970, El Chicano ayudó a ser pionero y a popularizar el concepto de rock latino, haciendo una música ecléctica y distintiva que se inspiraba en la herencia mexicano-estadounidense de sus miembros y en la rica comunidad musical de su Este de Los Ángeles natal. La música de El Chicano moda durante ese periodo presentaba una oportuna mezcla de rock duro y ritmos latinos, incorporando a la perfección elementos de soul, funk, blues, jazz y salsa, así como influencias cubanas, puertorriqueñas y caribeñas. Las canciones de la banda también incluían letras bilingües que, por lo general, evitaban declaraciones políticas manifiestas, pero que reflejaban la realidad de la experiencia mexicano-estadounidense, así como el ambiente étnicamente consciente y políticamente cargado de la época. El Chicano surgió de la misma escena musical fértil del este de Los Ángeles que engendró combos de rock 'n' roll latinos tan conocidos en los 60 como Cannibal y The Headhunters y The Premiers. El Chicano nació en 1968, a partir de The VIPs, un grupo popular local que incluía a los futuros miembros de El Chicano, Freddie Sánchez (bajo/voz), Bobby Espinosa (teclados/voz), Mickey Lespron (guitarra), John DeLuna (batería) y Andre Baeza (congas). Después de un periodo inicial de trabajo con una sección de vientos, El Chicano se asentó en una forma más compacta que mostraba el conmovedor órgano Hammond B3 de Espinosa, el jazz de Lespron. El sonido de la banda fue en gran medida el de un grupo de música que se convirtió en un grupo de música de la familia. El sonido de la banda se forjó en gran medida a través de las actuaciones en directo, durante sus primeros días tocando para audiencias racialmente diversas en Los Ángeles. "En aquella época", explica Sánchez, "tocábamos muchos estilos de música diferentes. Pero empezamos a darnos cuenta de que la gente cruzaba la ciudad en coche sólo para ver nuestro primer concierto, que consistía en nuestras interpretaciones de canciones de jazz latino". Uno de los temas más populares de los directos de El Chicano era una versión hipnóticamente funky de "Viva Tirado", del pianista de jazz Gerald Wilson, un homenaje instrumental al matador mexicano José Ramón Tirado. La popularidad local de la canción -y la reputación local de El Chicano como un acto de fuego en vivo- ayudó a que el grupo llegara a un acuerdo con el sello Kapp, afiliado a Decca Records.
"Viva Tirado" se convirtió en la canción principal del primer LP de El Chicano en 1970. Con la distribución nacional, la canción se convirtió en un éxito sorpresa, alcanzando el número 28 en la lista de singles pop de Billboard y el número 20 en su lista de R&B. Fue un éxito mayor en el área de Los Ángeles, encabezando algunas listas regionales durante 13 semanas, algo casi inaudito para un instrumento de jazz. El éxito de la canción puso a El Chicano en el mapa de la corriente principal, al tiempo que consolidó la popularidad de la banda en los barrios mexicano-americanos de todo el suroeste de Estados Unidos. El éxito de "Viva Tirado" también dio lugar a acontecimientos inesperados como una invitación para actuar en el Festival de Jazz de Ohio de 1970, cuyos organizadores escucharon la canción y asumieron que El Chicano era un conjunto de jazz experto en lugar de un conjunto de bastidor. Durante la misma gira, dieron un concierto en el legendario Teatro Apollo de Harlem, donde, a pesar del nombre del grupo, el público, según se dice, acudió esperando ver un acto de bloque. A finales de año, El Chicano fue nombrado grupo de jazz del año por las revistas de la industria musical Billboard y Record World. Sánchez cree que el éxito de "Viva Tirado" le ha dado a El Chicano la libertad de experimentar en sus futuros lanzamientos. "Tuvimos la suerte de tener nuestro primer éxito con un instrumental de jazz latino", observa. "Eso nos dio un poco de influencia, así que nunca nos encontramos con nadie que intentara cambiar nuestro enfoque". El Chicano siguió grabando seis álbumes más para Kapp/Decca y luego para MCA: Revolución (1971), Celebración (1972), El Chicano (1973), Cinco (1974), Lo mejor de todo (1975) y Pirámide de amor y amigos (1976). Celebration generó otro éxito en una efervescente lectura latino-folk-rock de "Brown-Eyed Girl" de Van Morrison, con Sánchez y el cantante invitado Steve Salas, un veterano de la escena del Eastside que más tarde alcanzaría el éxito como miembro fundador de Tierra. El LP El Chicano dio lugar al segundo mayor éxito de la banda El grupo se lanzó al mercado con el clásico del soul de ojos marrones "Tell Her She's Lovely", escrito por David Batteau, con el nuevo miembro Jerry Salas (sin relación con Steve) como vocalista. Aunque el tema sólo alcanzó el número 40 en la lista de singles pop de Billboard y el 98 en la lista de R&B de la revista, fue un éxito mucho mayor en los mercados hispanos.
A lo largo de los años 70, El Chicano experimentó varios cambios de personal, añadiendo varios miembros, incluyendo a Ersi Arvisu (voz), Max Garduno (congas), Brian Magness (bajo), Joe Perreira (bajo), Hector "Rudy" Regalado (timbales, voz) y el ex-baterista de los Midniters Danny Lamonte (batería). El contrato de MCA de El Chicano expiró en 1976. Desde entonces, han seguido actuando y grabando, conservando un público fiel en Estados Unidos y en el extranjero. Han actuado en lugares tan lejanos como Japón, Nicaragua, Malasia y Corea, y han sido sampleados por Kid Frost en su "La Raza" en 2001. En el momento de escribir estas líneas, los miembros originales, Espinosa y Sánchez, están trabajando en un nuevo proyecto de El Chicano, la partitura de un documental sobre el organizador sindical y amigo de los lazos, César Chávez, sindicalista y amigo de lazos César Chávez, y preparando un libro que documenta la larga historia de su grupo. La formación actual de El Chicano (cuyas actividades están documentadas en su propio sitio web) mantiene una apretada agenda de actuaciones, tocando unas 100 fechas al año en todo el mundo. Mientras tanto, la influencia de El Chicano perdura en más de una generación de rockeros hispanos. Sánchez y Espinosa, socios desde hace mucho tiempo, recuerdan con orgullo el legado musical de la banda. "Nos gusta pensar que fuimos decisivos a la hora de crear el terreno de juego para muchos de los que vinieron después". afirma Sánchez. "Fuimos muy conscientes de los artistas latinos que nos dieron esa estrella en el cielo a la que disparar, y nos permitieron mantenernos centrados en nuestro viaje"_Scott Schinder. Nueva York, julio de 2004
Los orígenes musicales de Pablo Milanés se remontan a su infancia, cuando desde Bayamo, ciudad donde nació el 24 de febrero de 1943, comienza a cantar como aficionado en la radio. Pablo ganó un concurso de canción en la radio CMXK de Bayamo con 6 años, cantando un corrido mexicano: “Juan Charrasqueado”. El traslado de su familia a La Habana a comienzo de la década de los 50, supondrá su entrada en contacto con artistas populares y grupos tradicionales, principales maestros del trovador. Aunque tuvo algunos años de formación académica en el Conservatorio Municipal de La Habana, realmente fueron los músicos de la calle, de su barrio y los cafés que frecuentaba, los que nutrieron de una mayor diversidad y riqueza sonora al joven. Pablo sigue participando en los programas radiales, pero incursiona también en la TV, así en 1956 participó en el programa “Estrellas Nacientes” demostrando su excelente capacidad musical y dándose a conocer en el medio artístico.
Además de influencias cubanas como el filin o la música tradicional, Pablo también recibió una poderosa influencia de músicas como la norteamericana y la brasileña. A comienzos de los años 60 inicia su carrera profesional en varios grupos vocales como el trío Los Armónicos o el conjunto Sensación, aunque realmente donde tuvo un papel protagónico fue con el Cuarteto del Rey, agrupación de negro spirituals. En esos años claves de su carrera también contó con la contribución de un gran maestro, el músico cubano Luis Carbonell que lo introdujo sobre todo en el mundo de la música barroca, que tanta influencia tuvo también en sus composiciones.
En 1963 compone “Tú, mi desengaño” su primera canción, en la que se destaca una gran influencia del filin. A partir de entonces Pablo comienza a interpretar sus propias canciones en clubes como el Saint John, El Gato Tuerto o el Karachi; y en 1964 pasa a formar parte del grupo vocal, Los Bucaneros. En 1965, con la composición “Mis veintidós años” Pablo se introducía en un nuevo lenguaje musical que aglutinaba las tendencias tradicionales con su necesidad de experimentar nuevos caminos musicales. De ahí en adelante su condición de compositor se destaca y crea temas como “14 pelos y un día”, “Pobre del cantor” o “Para vivir”, canciones que versaban sobre el amor o el compromiso político y social..._ (milanespablo)
Pablo Milanés ha fallecido esta madrugada del 22 de noviembre en Madrid.
Descansa en Paz Maestro. Gracias! Pablo Milanés por todo el legado que nos dejas, siempre estarás en nuestros corazones.
Temas: 01. El Amor de Mi Vida 02. Mírame Bien 03. A Mi Lado 04. Vengo Naciendo 05. Amor 06. La Felicidad 07. Cada Vuelta Que Se Logra 08. Yolanda 09. El Primer Amor 10. La Novia Que Nunca Tuve 11. Yo No Te Pido 12. Para Vivir 13. Fuego En La Piel 14. El Amor De Mi Vida (Versión Televisiva)
Con gran dolor y tristeza, lamentamos informar que el maestro Pablo Milanés ha fallecido esta madrugada del 22 de noviembre en Madrid. Agradecemos profundamente todas las muestras de cariño y apoyo, a toda su familia y amigos, en estos momentos tan difíciles. Que descanse en el amor y en la paz que siempre ha transmitido. Permanecerá eternamente en nuestra memoria._(Pablo Milanés - Oficia)
Descansa en Paz Maestro. Gracias! Pablo Milanés por todo el legado que nos dejas, siempre estarás en nuestros corazones.
Nacido en Camagüey, Cuba, en 1960, Mauricio J. Rodríguez es uno de los bajistas más influyentes de su generación en Cuba. Inició sus estudios a los 13 años en la Escuela Provincial de Arte de Camagüey y se graduó en el Centro de Desarrollo Profesional y Artístico de Camagüey. Entre sus profesores se encuentran Silvio Vergara, Orestes Urfé, Rafael Lay y Armando Romeo, quienes fueron figuras importantes en el desarrollo histórico de la música cubana.
Influenciado por los movimientos musicales de los años 70 y 80, tuvo la oportunidad de tocar diferentes estilos de música, desde la clásica hasta el jazz. Esto le ha proporcionado conocimientos de diferentes estilos que le permiten adaptarse a cualquier demanda artística..._(mauriciojrodriguez)
El compositor, arreglista y bajista Mauricio J. Rodríguez reinventa el jazz latino en Luz, infundiendo la música con ideas sorprendentes. Utiliza talentos como el teclista Gabriel Hernández Cadenas, el saxofonista Zachary Bornheimer y la cantante Adrianna Foster para crear un conjunto íntimo de música que invita a la reflexión.
Importante compositor y bajista, Mauricio J. Rodríguez ha pasado importantes periodos viviendo y tocando música en Cuba, Venezuela y (desde 2001) en Estados Unidos. En su última grabación, Luz, se escucha a Rodríguez en su bajo E de seis cuerdas, su bajo E sin trastes y el bajo de cuerdas estándar, contribuyendo con cuatro de las diez selecciones, y arreglando toda la música. Además de sus originales, el conjunto también interpreta cuatro canciones del compositor venezolano Vicente Viloria (que es el coproductor del proyecto) y dos estándares. Los resultados vigorizan el jazz latino con conjuntos más ligeros de lo esperado, solos sutiles pero virtuosos y nuevas y ricas melodías.
Luz comienza con "Casualty" de Viloria, una melodía cálida pero sombría con espacios destacados para el saxofonista Jorge Pinelo y el pianista Gabriel Hernández Cadenas. La canción "Monday" del líder es un juego enérgico con el saxofonista Zachary Bornheimer y el teclista Cadenas en una colorida interacción. El estado de ánimo cambia con "Es el Amor", una balada de ensueño que cuenta con la hermosa y clara voz de Adrianna Foster junto con el chelista José Pradas. La variedad adicional se ofrece con "Tuesday" de Rodríguez, una pieza compleja digna de Chick Corea que pone el foco en la soprano de Bornheimer.
El bajista Mauricio Rodríguez emerge en "Claudia" de Chucho Valdés, mostrando una técnica impresionante e ideas creativas durante su presentación. El bajo de Rodríguez es también un contribuyente importante en la atmosférica "Luz" que cuenta con la voz de Jorge Quintero y contribuye con "Miércoles", una balada que es bastante cinematográfica.
Su "Danzón No. 1, Opus 1 con Chá" cuenta con el protagonismo del clarinetista José M. Sardinas y es una nueva versión de la danza nacional cubana. Adrianna Foster regresa para una versión a dúo de "My Funny Valentine" con el bajista antes de que Luz concluya con la alegre "Vocalize", que cuenta con una interpretación particularmente inventiva del pianista
Cadenas.
Mauricio J. Rodríguez nació y creció en Cuba. Fue miembro del cuarteto de jazz Fervet Opus, un grupo importante que recorrió el mundo y apareció en muchos festivales. Tras trasladarse a Venezuela en 1994 con el quinteto de cuerda Unión, Rodríguez tocó con la Orquesta Sinfónica de Aragua y enseñó en el Conservatorio de Aragua. En 2001 se trasladó a los Estados Unidos, donde ha trabajado desde entonces con Guisando Caliente Latin Jazz, Fusion Beat, y con conjuntos dirigidos por Néstor Torres, Marty Morell, Renesito Avich, Daniel Girón y Tomasito Cruz, entre otros. Sus composiciones han sido interpretadas en todo el mundo, incluso por orquestas sinfónicas, y es el compositor residente de la Orquesta Sinfónica de Miami y de la Academia Internacional del Bajo de Miami. Luz está lleno de temas memorables y estados de ánimo contrastantes, dando a los oyentes fuertes ejemplos del talento de Mauricio J. Rodríguez tanto como bajista como arreglista-compositor. Expande el mundo del jazz latino.
Alfredo Valdés, quizás más conocido como el padre de Alfredo "Alfredito" Valdés, Jr., fue un sonero que actuó con bandas como el Septeto Nacional y la Orquesta Casino de la Playa y también con Tito Puente. También actuó como director de orquesta durante las décadas de 1950 y 1960, sobre todo en el álbum de 1963 Viva Valdés. Nacido en La Habana, Cuba, el 23 de marzo de 1910, se trasladó a Nueva York en 1956. Además de ser el padre del pianista, arreglista y director musical Alfredo "Alfredito" Valdés, Jr, es hermano del cantante y director de orquesta Vicentico Valdés y del percusionista Oscar Valdés; su esposa, la cantante y guitarrista Ana María Purmuy, fue miembro de la Orquesta Anacaona, formada exclusivamente por mujeres._Jason Birchmeier (allmusic)
Alfredito Valdés - Sabrina! (Pachanga) (1962) Temas: 01. Charanga En New York (M. Bouffartique) 02. Negra De Sociedad (E. Duarte) 03. Sabrina (Sergio Calzado) 04. Mañana Te Lllevo Niña (Guaguanco) 05. Dejate Querer (Ernesto Grenet) 06. Almendra (Abelardo Valdes) 07. Miu Miu (Felix Lagarreta) 08. Mi Novia Me Boto (Alfredito Valdes) 09. Pachanga Flamenca (Felix Hernandez) 10. Quimbombo Que Resbala (Arsenio Rodriguez) Musicos: Alfredito Valdés (Voz y lider) Alfredo López (Flauta) Muñoz Bouffartique (Violín) Félix "Pupi" Legarreta (Violín) José "Chombo" Silva (Violín) Mike Ríos (Piano) Baro Evaristo "Guajarón" (Bajo) Reynaldo Rodríguez (Timbales) Armando Albertini (Congas) Pete Bonet (Voz y güiro) Tony Torres (Voz y maracas)
Percusionista y director de banda estadounidense Jack Costanzo
, nació el 24 de septiembre de 1919 en Chicago, Illinois. Murió el 19 de agosto de 2018 en California, Estados Unidos. Apodado "Mr. Bongo" por su papel en la popularización del instrumento, casi iniciando una "locura del bongó" cuando los ritmos latinos influyeron en el jazz y el pop tras la Segunda Guerra Mundial. Costanzo, que en un principio era bailarín, visitó Cuba varias veces para aprender a tocar la conga, antes de ser, según se dice, el primer bongosero que se unió a una banda de jazz. Tocó con Stan Kenton (1947-1948), Nat King Cole (1949-1953), Billy May And His Orchestra, Peggy Lee, Pérez Prado, Charlie Barnet, Ray Anthony, Xavier Cugat, Frank Sinatra y otros. En los años 50, Costanzo formó su propia banda de estilo "exótico". A principios de la década de 1960 fue miembro del grupo de músicos de estudio The Surfmen. Ha seguido tocando durante más de medio siglo, y se retiró en 1998, pero volvió a hacerlo en 2001._(music.metason)
Cuenta el propio Jack Costanzo: Gerry Woo y yo, teníamos como un acto de baile en El San Juan Hotel. Pancho Cristal, que era el hombre de A&R para Tico, entró de pronto. Yo sólo tenía un pequeño grupo de siete músicos, y él dijo: Quiero grabar, chicos. Le dije: Fine. Fui a Nueva York y tuvimos una reunión en su oficina. Cristal contrató a un tipo de Nueva York, Héctor Rivera. Le dimos las canciones que queríamos grabar, y me fui a Los Ángeles. Entonces, Rivera contrató una gran banda, catorce personas, pero no hizo las canciones que se suponía que debía arreglar. Hizo canciones que él escribió. Tuvimos una pelea bastante gorda, pero es un maravilloso arreglista. Tengo que decirlo otra vez: un maravilloso arreglista. Jack Costanzo y Gerry Woo siguieron trabajando por más de 20 años juntos. Tras el éxito de su álbum Latin Percussion with Soul para el sello Tico, se fueron a entretener a los soldados que luchaban en Vietnam, Filipinas y Bangkok. Y luego de muchas correrías se establecieron en San Diego hasta su separación.
Costanzo estuvo retirado del ambiente musical hasta 1998 cuando decidió regresar tentado por la firma Ubiquity Records, grabando cuatro discos en los primeros cinco años del siglo XX. Back From Havana, el primero de ellos, supuso la vuelta feliz de un clásico, en un tiempo en el que las grandes figuras de la percusión afrocubana emergían de nuevo con grabaciones contundentes. Con Ubiquity también grabó Francisco Aguabella, en tanto que con Chesky Records grabaron The Conga Kings (Cándido Camero, Patato Valdés y Giovanni Hidalgo).
Jack Costanzo falleció en su casa de Lakeside, San Diego, California, en agosto de 2018. Tenía 98 años, más de 80 dedicados a la música._(gladyspalmera)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Bombino – Sahel (2023)
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denominar Jazz Free, es decir, un...
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Symphony No.1 in G minor "To the Red Army" - Mieczysław Weinberg
Gothenburg Symphony Orchestra conducted by Thord Svedlund
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