Miguel's Trío - Azul

Miguel Núñez Hernández . Importante Músico cubano especialista en el piano ha colaborado en grabaciones y conciertos con artistas nacionales y foráneos.
Miguel Núñez Hernández nació el el 27 de noviembre de 1964, en La Habana, Cuba. Hizo estudios musicales en el Instituto Superior de Arte ISA, Cuba, graduándose de Especialista en el piano.
Tiene una amplia carrera Musical en Cuba y reconocido en muchos países. Además ha sido anfitrión en varios conciertos bien conocidos, Miguel Núñez forma parte del grupo musical de Pablo Milanés, desde 1998, es además de pianista, compositor y productor musical. Ha sido responsable de la sonoridad de los más recientes discos del trovador, entre los que sobresale
El destacado pianista tiene a su favor una amplia experiencia como vocalista, instrumentista y arreglista musical, pues ha colaborado con destacados músicos cubanos y extranjeros, entre los que se encuentran: Leo Brouwer, Fito Páez, Ricardo Arjona, Ana Belén, Mercedes Sosa, Carlos Varela, Omara Portuondo, Richard Egües, César López, Liuba María Hevia, Santiago Feliú]] y Chucho Valdés, por solo mencionar algunos.

Miguel,paralelamente a su trabajo con Pablo, funda la agrupaciónMiguel´s Trío, que además integran Luis Ángel Sánchez en el bajo y Osmany Sánchez. Con este trío concibió el CD, Azul, bajo el sello Unicornio, la música del ballet Tocororo, así como diversas bandas sonoras para el cine como por ejemplo para el filme, Páginas del diario de Mauricio, del director Manuel Pérez._(ecured)

En los últimos años la pianística cubana ha crecido cualitiva y cuantitivamente con el aporte de nuevos valores formados en las escuelas de artes cubanas.
Ejemplo significativo para todos y las generaciones venideras, es el pianista Miguel Núñez, joven graduado en el Instituto Superior de Arte, no solo conoce y domina los géneros de la mal llamada "música culta", porque culto es acervo popular y folhlórico de la raíz hispano africana legada en nuestra identidad.
Miguelito además, ha experimentado una fusión entre la música tradicional y afrocubana con elementos del jazz rock y música de concierto en perfecta medida, utilizando para ello elementos electrónicos llenos de profesionalidad, complejidades técnica y armónicas que pueden ser logradas gracias a su talento y genialidad pianística.

Su pianismo indiscutible lo destacan como una de las más grandes promesas de la música cubana y su trabajo como Director Musical y arreglista dentro del grupo de Pablo Milanés es un ejemplo fehaciente de ello.
Sin dudas ha logrado crear un trabajo significativo, en compañía de músicos de alto nivel, que adornan su magia artística vista en su total sentido de la palabre y, claro está, en su virtuosismo pianístico.

No les hago perder tiempo con esta lectura, cscuchen a uno de los más grandes músicos cubanos: Miguel Núñez. Yo lo recomiendo._ Chucho Valdés (De las notas originales del disco)

                                                                                            

                                                                                            

Miguel's Trío - Azul (2006)

Temas:

01. Festival (Miguel Núñez)

02. Mulatas (Miguel Núñez, Osmani Sánchez)

03. Balada Jenny (Miguel Núñez)

04. Caribeña (Luis Angel Sánchez "Gato")

05. Sin Palabras (Miguel Núñez)

06. Entre Dos (Luis Angel Sánchez, Miguel Núñez)

07. Infancia (Miguel Núñez)

08. Mephisto Vals (Miguel Núñez)

Musicos:

Miguel Núñez (Piano, Teclados)

Osmani "Maní" Sánchez (Batería, Percusión)

Luis Ángel "Gato" Sánchez (Bajo)

Musicos invitados:

Eugenio "Totico" Arango (Batá)

Eugenio "Kiko" Osorio (Bongós)

Reynaldo "Molote" Melián (Trompeta)

Claudia Núñez (Voz)

Ted Heath And His Music - Ted Heath Goes Latin

George Edward «Ted» Heath (30 de marzo de 1902-18 de noviembre de 1969) fue el músico inglés y el director de una de las orquesta más importantes de la posguerra,  con más de 100 álbumes grabados y más de 20 millones de discos vendidos.  Su banda fue considerada la más famosa y exitosa del Reino Unido,permaneciendo activa 55 años, hasta el año 2000. 
Heath nació en Londres, Inglaterra. Aprendió a tocar la trompa alto con seis años de edad. Su padre, líder de la Wandsworth Town Brass Band, le incentivó a pasarse al trombón.
Con el fin de ganarse la vida en la posguerra, tanto él como su hermano Harold y otros tres músicos formaron una banda que tocaba para los transeúntes en la Estación de London Bridge, antes de hacerlo cerca de Queen’s Hall Gardens. Fue allí donde inició su carrera profesional, tras recibir una oferta para tocar en la formación de Jack Hylton,[8] quien residía en la zona. Aunque no estuvo mucho tiempo con Hylton, consiguió el impulso necesario para seguir adelante con su carrera..._(wikipedia)

Dejemos pasar la próxima revolución y hablemos de la historia de la música iatín-americana. Probablemente creas que la inventó Carmen Miranda, que solía comprar sus sombreros en las fruterías e imitaba a Tommy Trinder, pero no fue así en absoluto.
La primera pista que tuvimos de ello en este país fue el tango, un baile muy escandaloso que implicaba dar algunas patadas, lo cual, en 1912, no le hacía ninguna gracia a la alta sociedad. Pero se lo acabaron pasando por alto, y el tango pronto se convirtió en un baile tan respetable que ya nadie se molestaba en bailarlo. En los años treinta, la música popular había descubierto que Brasil no era solo «el lugar de donde vienen las nueces», según la inmortal frase de Brandon Thomas, sino la cuna de muchos ritmos de baile estimulantes. También se descubrieron México, Cuba, Venezuela y otros lugares al sur de la frontera, justo a tiempo para traernos rumbas, sambas, pasodobles (que daban un gran rodeo desde España), congas y similares. Al principio no se tomaban muy en serio, y se consideraba necesario que las bandas se pusieran sombreros graciosos y trozos de manta a rayas cada vez que se permitían tocar estos temas. Los ingleses son gente bastante conservadora; para nosotros, el ritmo se redujo durante mucho tiempo a los bailes morrsi (bailes muy rígidos, por cierto) y a marchar un poco al son de las bandas de música, por lo que pasaron años antes de que se esperara que una banda de baile inglesa normal incluyera una buena selección de temas latinoamericanos en su repertorio. Puede que los directores de orquesta se resistieran a asumir el gasto que suponía comprar todos esos instrumentos adicionales, por supuesto (por no hablar de los sombreros ridículos —solo Acker Bilk puede permitírselos—, pero la causa fundamental fue sin duda el conservadurismo de los gringos.

Pero ahora todo va bien, y al primer «tut-tut» de las maracas, los ingleses ya se han sumado al baile. De ahí la demanda del repertorio latinoamericano más reciente de Ted Heath, del que aquí se ofrece una buena muestra representativa. Casi todas ellas han sido probadas ante el público y han demostrado ser grandes favoritas en bailes y conciertos; de hecho, son precisamente estas las que más se solicitan. Así que déjanos sujetarte el sombrero mientras bailas; aquí todos somos amigos._(De las notas originales del disco) © The Decca Record Co. Ltd., Londres, 1961

                                                                                 

                                                                                

Ted Heath And His Music - Ted Heath Goes Latin (1960)

Temas:

01. Tico-Tico (Aloysio De Oliveira, Ervin Drake, Zequinha Abreu)

02. Adios (Eddie Woods, Enric Madriguera)

03. Cherry Pink And Apple Blossom White (Jacques Larue, Louiguy, Mack Gordon)

04. Perhaps, Perhaps, Perhaps (Joe Davis, Osvaldo Farrés)

05. Say "Si, Si" (Al Stillman, Ernesto Lecuona, Francia Luban)

06. Besame Mucho (Consuelo Velazquez, Nicola Wilke, Sunny Skylar)

07. Come Closer To Me (Al Stewart, Osvaldo Farrés)

08. Brazil (Ary Barroso, Bob Russell)

09. Amor Amor (Gabriel Ruiz, Ricardo López Méndez, Sunny Skylar)

10. Frenesi (Alberto Domínguez, Bob Russell, Ray Charles)

11. Perfidia (Alberto Domínguez, Milton Leeds)

12. The Breeze And I (Al Stillman, Ernesto Lecuona, Tutti Camarata)

Musicos:

Derek Warne (Piano)

Johnny Hawksworth (Bajo)

Ronnie Verrell (Batería)

Ike Isaacs (Guitarra)

Bob Efford, Henry MacKenzie, Ken Kiddier, Leslie Gilbert, Ronnie Chamberlain (Saxos)

Don Lusher, Johnny Edwards, Ken Goldie, Wally Smith (Trombones)

Bert Ezzard, Bobby Pratt, Duncan Campbell, Eddie Blair (Trompetas)

Elis Regina & Antonio Carlos Jobim - Elis & Tom

Elis Regina Carvalho Costa (Porto Alegre, 17 de marzo de 1945 - São Paulo, 19 de enero de 1982) fue una cantante brasileña, considerada una de las mayores representantes del género musical conocido como música popular brasileña (MPB). Su temprana muerte, a los 36 años, se debió a una sobredosis de cocaína y alcohol, aunque se baraja la teoría de que habría sido víctima de la dictadura imperante. Muchos críticos, músicos e intérpretes la consideran una de las mejores cantantes de Brasil..._(wikipedia)

Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Río de Janeiro; 25 de enero de 1927 - Nueva York; 8 de diciembre de 1994), conocido como Antônio Carlos Jobim o Tom Jobim, fue un compositor, arreglista, cantante, guitarrista y pianista brasileño de bossa nova, música popular brasileña y música clásica.

Está considerado como uno de los grandes exponentes de la música brasileña, y como uno de los grandes compositores de música popular del siglo XX. Fue el artista que internacionalizó la bossa nova y, con la ayuda de importantes artistas estadounidenses, la fusionó con el jazz para estandarizar en los años 1960 un nuevo sonido cuyo éxito popular fue muy destacable..._(wikipedia)

A comienzos de 1974, Elis Regina y Antônio Carlos Jobim estaban en momentos distintos de sus respectivas carreras. Elis Regina ya era una figura muy popular, considerada una de las grandes voces de la MPB, con más de diez álbumes bajo el brazo y en una constante ascendente con cuatro grandes álbumes editados en los años anteriores (…Em pleno verão -1970-, Ela -1971-, Elis -1972- y Elis -1973-), pero le faltaba ese gran álbum consagratorio que uniera la aclamación del público con la crítica.
Antônio Carlos Jobim, por otro lado, ya era una figura más que consagrada de la música brasileña, creador de un gran número de clásicos y había participado de discos con reconocimiento a nivel internacional como Getz / Gilberto (1964) y Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim (1967), y luego de eso, discos en solitario que se encuentran entre lo grande del repertorio brasileño como Wave (1967), Stone Flower (1970) y Matita Perê (1972). Pero 1974 lo encontraba en un período sin grandes ventas ni popularidad, viviendo en Estados Unidos y sin mucha visibilidad en su tierra natal.
Hay dos versiones de cómo se pensó el encuentro. Elis Regina estaba cumpliendo diez años con

Philips, y una versión dice que el presidente de la discográfica, André Midani, le ofreció un regalo, y ella pidió “grabar canciones de Tom Jobim… con Tom”; pero otras versiones dicen que fue idea del mismo André hacerle ese regalo. Importa poco a esta altura, lo importante es que el 20 de enero de 1974 Elis Regina estaba viajando desde Brasil a Los Ángeles, donde Jobim la esperaba para, sin saberlo, hacer historia juntos.
El álbum, con la producción de Aloísio de Oliveira, y todas las canciones compuestas por Jobim (algunas junto a otros compositores), comienza con esos acordes inconfundibles de la versión que se convirtió en la definitiva de «Águas de Março», con Elis y Tom cantando casi como un juego, con ese solo de piano a media canción, y el final respondiéndose palabra a palabra y riéndose juntos. En “Pois É”, compuesta junto a Chico Buarque al igual que “Retrato em branco e preto”, el drama se apodera de los arreglos, con ese órgano y piano que acompañan a Elis. Y es que los arreglos son muy protagonistas del disco, con el trabajo del pianista, y entonces marido de Elis, César Camargo Mariano, la utilización del piano eléctrico queda como una marca registrada de la bossa nova presentada en Elis & Tom.
Y si el piano es muy protagonista en “Pois É”, “Só tinha de ser com você”, “O que tinha de ser” y en la triste “Inútil paisagem”, que cierra el disco; los arreglos de cuerdas lo son en “Modinha”, y “Por toda a minha vida”, y es en “Retrato em branco e preto” donde piano y cuerdas se encuentran de manera perfecta entre ellos y con la voz de Elis de una manera estremecedora, en otra versión definitiva que dejó este álbum.
Y es que el álbum está lleno de grandes piezas que con el tiempo se convirtieron en el estándar de dichas composiciones, ahí están “Triste”, “Corcovado”, “Fotografía”, con un bajo y un piano muy del jazz, y “Chovendo na roseira”.

Es así como con los maravillosos arreglos, la hermosa y dulce voz de Elis, la química que se siente a lo largo del álbum junto a Jobim, y las grandes composiciones elegidas de este último, no es de extrañar que Elis & Tom se haya convertido en uno de los discos brasileños más vendidos de todos los tiempos, y con gran recepción de la crítica. Un álbum consagratorio para Elis y que llevó a Jobim de regreso al éxito en Brasil._Jorge Cárcamo (600discoslatam)

                                                  

                                                                                    

Elis Regina & Antonio Carlos Jobim - Elis & Tom (1974)

Temas:

01. Águas de Março (Tom Jobim)

02. Pois É (Tom Jobim, Chico Buarque) 

03. Só Tinha de Ser Com Você (Tom Jobim, Aloysio de Oliveira) 

04. Modinha (Tom Jobim, Vinicius de Moraes) 

05. Triste (Tom Jobim) 

06. Corcovado (Tom Jobim) 

07. O Que Tinha de Ser (Tom Jobim, Vinicius de Moraes) 

08. Retrato Em Branco E Preto (Tom Jobim, Chico Buarque) 

09. Brigas, Nunca Mais (Tom Jobim, Vinicius de Moraes) 

10. Por Toda A Minha Vida (Tom Jobim, Vinicius de Moraes) 

11. Fotografía (Tom Jobim) 

12. Soneto de Separação (Tom Jobim, Vinicius de Moraes) 

13. Chovendo Na Roseira (Tom Jobim) 

14. Inútil Paisagem (Tom Jobim, Aloysio de Oliveira)

Musicos:

Antonio Carlos Jobim  (Piano, voz)

Elis Regina (Voz)

César Camargo Mariano (Piano)

Helio Delmiro (Guitarra)

Oscar Castro Neves (Guitarra)

Luizão Maia (Bajo)

Paulo Braga (Batería)

Chico Batera (Percusión)

Bill Hitchcock (Dirección)

Grabado entre el 24 de febrero y el 9 de marzo de ese año en MGM Studios, Los Ángeles, Estados Unidos.

Alejandro Falcón - Falcón in Blue

Alejandro David Falcón Rodríguez (Matanzas, 18 de mayo de 1981), más conocido como Alejandro Falcón, es un pianista, compositor y productor musical especializado en jazz.
Aborda diferentes géneros de la música popular cubana, el jazz y la música de concierto. Ha integrado diversas agrupaciones de música popular de Cuba con las cuales ha realizado giras por numerosos países del mundo y ha participado en más de 100 grabaciones como pianista, arreglista y productor musical. En su obra resulta frecuente la presencia del danzón, género popular surgido en Matanzas en el siglo XIX, que es el baile nacional de Cuba y que es revitalizado en su lenguaje jazzístico.

Ha compartido escenario y colaborado con artistas cubanos e internacionales como: Andy Narell, Arturo O'Farrill, Bárbara Llanes, Brad Mehldau, Buena Vista Social Club, Cándido Fabré, Cesária Évora, Chucho Valdés, Danny Rivera, Dave Valentin, Dave Weckl, El Gran Combo de Puerto Rico, Gal Costa, Giovanni Hidalgo, Herbie Hancock, José Alberto “El Canario”, La India, Marcus Miller, María del Mar Bonet, Miriam Ramos, Los Muñequitos de Matanzas, Omara Portuondo, Oscar de León, Pablo Milanés, Papo Vásquez, Polito Ibáñez, Randy Brecker, Tata Güines o Pilar Boyero..._(wikipedia)

Alejandro Falcón vuelve a las raíces del lenguaje musical cubano con «Falcón in Blue»

Nueva York—Dot Time Records se enorgullece de anunciar el lanzamiento de «Falcón in Blue», del compositor y arreglista habanero Alejandro Falcón. Como parte de «Cuban Notes», el proyecto artístico y cultural en curso producido por Johanan Bickhardt, fundador del sello, y el guitarrista Roni Ben-Hur, este primer álbum de la serie revisita los géneros fundamentales de la música cubana —entre ellos el danzón, el son, la rumba, el cha-cha-chá y el bolero— desde la perspectiva del presente. En lugar de tratar estas formas como piezas patrimoniales o artefactos nostálgicos, Falcón las aborda como lenguajes vivos, moldeados por la memoria, la experiencia y el intercambio artístico más allá de las fronteras. El álbum refleja un compromiso más amplio con la colaboración entre músicos cubanos e internacionales.

A lo largo del proyecto, la música cubana no se entiende como algo fijo o folclórico, sino como una práctica en constante evolución que se sustenta a través del diálogo, la escucha y la continuidad. «Falcón in Blue» recorre un periodo en el que Falcón exploró territorios más experimentales, incluyendo la composición sinfónica y la música para televisión. Aquí, vuelve conscientemente al corazón del lenguaje musical cubano, no para repetir ideas conocidas, sino para replanteárselas. Él mismo ha descrito el álbum como una especie de renacimiento: uno que evoca el espíritu de su debut en 2010, *Claroscuro*, al tiempo que lo amplía mediante nuevas composiciones, arreglos muy ingeniosos y artistas invitados cuidadosamente seleccionados.

Muchas de las piezas del álbum tienen su origen en una dedicación personal. «Una tarde enPuerto Padre», un danzón compuesto durante la pandemia, rinde homenaje al difunto pianista Emiliano Salvador, haciendo un sutil eco de los propios vínculos musicales de Salvador con Puerto Padre y convirtiendo el recuerdo en un diálogo intergeneracional. «El Rey David», escrita para el hijo de Falcón, ofrece uno de los momentos más íntimos del álbum, mientras que la canción que da título al disco, «Falcon in Blue», se convierte en una declaración de identidad artística, al entrelazar la sensibilidad rítmica cubana con la profundidad emocional del blues.

Los colaboradores del álbum son fundamentales para su concepto y significado. Entre los artistas invitados se encuentran el saxofonista Ted Nash, que participa en «Ted in Havana», la trompetista Rachel Therrien, el trompetista Maykel González, el guitarrista Roni Ben-Hur, el saxofonista Janeu Abreu, el flautista Orlando Valle «Maraca», el saxofonista tenor Emir Santa Cruz y el bajista Pedro Pablo Gutiérrez. La sección rítmica —formada por Ruy López-Nussa, José Julián Moregón y Arnulfo Guerra— aporta el pulso y la base llena de matices del álbum.

Markado por las ricas experiencias de Falcón, sus estudios en el Instituto Superior de Arte de La Habana —así como por las enseñanzas de su mentor, el compositor y pedagogo Roberto Valera—, «Falcón in Blue» refleja una visión compositiva basada en la intuición, la disciplina y la claridad emocional. El resultado es un álbum que, al volver a escucharlo, revela una nueva profundidad. Con *Falcón in Blue*, Alejandro Falcón reafirma su lugar en el jazz cubano contemporáneo como compositor para quien la tradición no es una barrera, sino una fuente viva de renovación._(dottimerecords)

                                                                                          

                                                                                

Alejandro Falcón - Falcón in Blue (2026)

Temas:

01. El Rey David

02. Una Tarde En Puerto Padre

03. Tambores en Colores

04. Falcon’s Blues

05. Bolero Para Brenda

06. Ted In Havana

07. Olinda

08. Yuca Con Mojo

09. Un Son Para La Quena

Musicos:

Alejandro Falcón (Piano, composiciones y arreglos)

Arnulfo Guerras (Bajo)

Ruy López Nussa (Batería)

José Julián Morejón (Bongós y percusión)

Invitados especiales:

Orlando Valle “Maraca” (Fauta en pista #2)

Ted Nash (Saxo tenor en pista #6)

Rachel Therrien (Trompeta en pista #3)

Roni Ben-Hur (Guitarraen en pistas #1, #4, #5, #6)

Emir Santa Cruz (Saxofón tenor en pista #8)

Mayquel González (Trompeta en pista #4)

Janio Abreu (Saxos soprano y tenor en pistas #4, #7)

Pedro Pablo Gutiérrez (Bajo acústico en pista #8)

Grabado en: Carlitos dBega Studios, La Habana, Cuba (14 y 15 de noviembre de 2025)

Dave Schumacher & Cubeye - Smoke In The Sky

Como saxofonista barítono autónomo, Dave Schumacher, natural de Chicago, lleva más de 30 años en activo en la escena musical neoyorquina. Como miembro de la orquesta de Lionel Hampton entre 1983 y 1987, realizó giras por América y Europa. Volvió a salir de gira con Hamp en 1988 y 1989. Uno de los momentos más destacados de la carrera de Dave fue viajar con la Art Blakey Big Band a Japón en 1987 para actuar en el Festival de Jazz del Monte Fuji.
Dave fue miembro fundador de la orquesta de Harry Connick, Jr. desde sus inicios en 1990 hasta 2009. Ha cautivado al público en giras con Harry por Norteamérica, Europa, Asia (Japón, China, Malasia, Singapur, Filipinas y Corea del Sur) y Australia. Su saxo barítono puede escucharse en cada uno de estos discos de Harry Connick, Jr. publicados por Columbia: *Oh My NOLA*, *Chanson du Vieux Carré*, *Only You*, *When My Heart Finds Christmas*, *Come By Me*, *Blue Light Red Light*, *Songs I Heard*, *Thou Shalt Not*, *What A Night* y otros.

Como artista independiente, Dave formó parte de la gira del T.S. Monk On Monk Ensemble entre 1999 y 2000, con la que recorrió Estados Unidos y Europa, además de realizar una gira por Europa con el Octeto de Tom Harrell en el año 2000. Dave también ha colaborado como músico independiente con la Louis Armstrong Tribute Big Band de Nicholas Payton, el 52nd Street Themes Nonet de Joe Lovano, los grupos de Jack McDuff, Eddie Gladden, la Mel Lewis Jazz Orchestra, la Afro-Cuban Big Band de Chico O’Farrill, la Tom Harrell Big Band, Lin Halliday y muchos otros.

Como líder y compositor/arreglista, Dave ha grabado tres CD: *Every Corner* y *From Another Life*, con el sello Amosaya Music, y *Endangered Species*, con Summit Records. Dave ha grabado como músico acompañante con Lionel Hampton, Harry Connick, Jr., Tom Harrell, Scott Whitfield, Jason Lindner, Mel Torme, Ben Wolfe y el salsero Billy Carrión, entre otros._(allaboutjazz)

El saxofonista barítono Dave Schumacher, nacido en Chicago y afincado en Nueva York, se decanta claramente por las melodías y los ritmos latinos en *Smoke in the Sky*, su disco grabado con un competente septeto al que ha bautizado como Cubeye. El jazz contemporáneo constituye el núcleo de la apuesta intercultural de Schumacher, una iniciativa que sus compañeros de grupo —que comparten su visión— se toman muy en serio, al tiempo que aportan sus conocimientos y experiencia a este proyecto, en su mayor parte cálido y cautivador.

Aunque la potente voz de barítono de Schumacher, que recuerda a Pepper Adams, Ronnie Cuber, Nick Brignola, Gary Smulyan, Cecil Payne y otros maestros del instrumento, ocupa un lugar destacado en cada tema, hay amplio espacio para que brillen otros miembros del grupo, sobre todo el pianista Manuel Valera, el saxofonista Peter Brainin y el bajista Alex «Apolo» Ayala. Los trompetistas Josh Evans y Jesús Ricardo se turnan, siendo Ricardo quien se lleva los solos en el tema inicial «Smoke in the Sky», en la encantadora «Cal Massey» de Stanley Cowell, en la suave y cadenciosa «Walk Spirit Talk Spirit» de McCoy Tyner y en el clásico latino «Poinciana» (atribuido, por alguna razón, a Nina Simone), que pone el broche final a la sesión.

En cuanto al ritmo, un elemento clave en cualquier álbum de música latina, está en las competentes manos de Valera, Ayala, el baterista Joel Mateo y el percusionista Mauricio Herrera. En este aspecto, no hay nada que objetar. Valera es un acompañante magnífico cuyos solos son siempre dignos de elogio, mientras que Ayala y Brainin se muestran precisos y seductores cada vez que les toca ser protagonistas. Además de hacer gala de su saxofón potente a la par que expresivo, Schumacher compuso la canción que da título al álbum, su contrapartida melódica «(No More) Smoke in the Sky» y la animada «El Dilema de Chegui Metralia», que incluye solos estelares de Brainard, Schumacher y Ayala.

Cualquiera que sea aficionado al jazz con un toque sureño encontrará aquí mucho que admirar, ya que «Smoke in the Sky» ofrece una música latina brillante y luminosa con mayúscula. La música es elocuente y agradable, al igual que la interpretación de Schumacher y su admirable septeto._Jack Bowers (allaboutjazz)

                                                                               

                                                                                    

Dave Schumacher & Cubeye - Smoke In The Sky (2024)

Temas:

01. Smoke In The Sky (Dave Schumacher)

02. You Know It's Wrong (Eddie Harris)

03. Caridad (AfroCuba De Matanzas)

04. No More) Smoke In The Sky (Dave Schumacher)

05. El Dilema de Chegui Metralla (Dave Schumacher)

06. Cal Massey (Stanley Cowell)

07. Walk Sprit Talk Spirit (McCoy Tyner)

08. Poinciana (Nat Simon)

Musicos:

Dave Schumacher (Saxo barítono)

Josh Evans (Trompeta en temas #1, #5 a #8)

Jesús Ricardo (Trompeta en temas  #2, #3)

Peter Brainin (Saxon tenor y saxo soprano en temas #1, #5 a #8)

Manuel Valera (Piano) 

Alex “Apolo” Ayala (Contrabajo) 

Mauricio Herrera (Conga, tambores bata y chekeré)

Joel Mateo (Batería y campanas) 

Grabado el 19 de abril y el 13 de junio de 2023.

Estudio de grabación Trading 8s, Paramus, NJ.

Roni Ben-Hur - Abriendo Puertas

 

Roni Ben-Hur (Dimona, 9 de julio de 1962) es un guitarrista de jazz israelí que emigró a los Estados Unidos en 1985. Sus padres eran judíos sefardíes de Túnez.
Creció en Dimona, Israel. Es el menor de siete hermanos y uno de dos nacidos después de que la familia emigró de Túnez en 1955. Su apellido fue cambiado legalmente a Ben-Hur mediante un ritual a los 10 años.
Cuando tenía once años empezó a tocar la guitarra. Aprendió sobre jazz gracias a la colección de discos de un amigo de la escuela secundaria. En Israel actuó en clubes, bodas y bar mitzvahs hasta que tuvo suficiente dinero para mudarse a los EE. UU. Llegó a la ciudad de Nueva York en 1985 y pasó un tiempo en el Jazz Cultural Theatre de Barry Harris. Recibió lecciones de Harris y luego se convirtió en miembro de su banda.

Su experiencia como educador se remonta a 1981 en Israel. En Estados Unidos inició programas de música de jazz en la Professional Performing Arts School, la Coalition School for Social Change y en la Lucy Moses School. A petición de Bette Midler, inició un programa de jazz para escuelas secundarias de la ciudad de Nueva York.[3] Ben-Hur inició un campamento de jazz en Saint-Cézaire-sur-Siagne, Francia, con Santi Debriano. Con Nilson Matta, inició un campamento de jazz y música brasileña en Bar Harbor, Maine, ambos destinados a adultos aficionados al jazz. Es el director fundador del programa de jazz de la Escuela Lucy Moses del Kaufman Center en Manhattan, donde enseña..._(wikipedia)

El título sugiere una invitación, pero también algo más íntimo: la voluntad de entrar. No para llegar a lo grande, ni para reclamar un lugar con demasiada prisa, sino para cruzar un umbral con atención. Esa cualidad ha definido desde hace tiempo la forma de tocar de Roni Ben-Hur. Su guitarra no se impone en una estancia. Primero escucha. Busca la temperatura humana de una frase, el pequeño giro emocional dentro de una melodía, el lugar donde el ritmo y la respiración comienzan a reconocerse mutuamente.

«Abriendo Puertas» se grabó en La Habana, pero el álbum no gira en torno al drama de la llegada. Su belleza reside en otra parte: en que los músicos encuentren un espacio compartido y dejen que ese espacio transforme la música.

Ben-Hur llega hasta aquí con una trayectoria musical ya llena de cruces. Nacido en Dimona (Israel) y formado a lo largo de más de cuatro décadas en el mundo del jazz neoyorquino, ha construido un lenguaje inconfundiblemente arraigado en el bebop y el swing, pero que nunca se ha visto limitado por ellos. Otras corrientes atraviesan su sonido: los giros melódicos de la canción mediterránea, trazas de música norteafricana y árabe judía, la intimidad de la guitarra brasileña, el tirón rítmico de las tradiciones afrolatinas, la claridad expresiva de un intérprete que siempre ha entendido la melodía como algo cercano al habla. Ninguno de estos elementos aparece entre comillas. Viven en su forma de frasear. Por eso este álbum resulta tan natural.

A lo largo de todo el álbum, se percibe a un músico que no tiene nada que demostrar. Quizá por eso el disco transmite una sensación de apertura. Ben-Hur permite que su propia trayectoria musical entable un diálogo con otra, y ese diálogo no es abstracto; se manifiesta en el ritmo, en el tacto, en la forma en que el conjunto respira al unísono. La guitarra es un instrumento especialmente adecuado para este tipo de cruce: portátil, íntima, históricamente inquieta, percusiva o lírica, solitaria o social. Aquí se sitúa en el umbral: entrando, escuchando, respondiendo, dejando huellas de sí misma sin cerrar nunca el espacio a su paso.

Quizás ese sea el significado más profundo de «Abriendo Puertas». La puerta no se abre una sola vez y se queda abierta. Se va abriendo continuamente, frase a frase, respiración a respiración, idea a idea; cada músico la mantiene abierta para el siguiente.

Nueva York-La Habana — «Abriendo Puertas» forma parte de «Cuban Notes», una serie discográfica coproducida por Johanan «Jo» Bickhardt, fundador de Dot Time Records, y el guitarrista Roni Ben-Hur. Este álbum se grabó en La Habana, en colaboración con músicos cubanos, y aborda la música cubana como una forma de pensar y de habitar el mundo.._(dottimerecords)

                                                                         

                                                                                

Roni Ben-Hur - Abriendo Puertas (2026)

Temas:

01. Abriendo puertas (Alejandro Falcón)

02. Mi Mejor Canción (José Antonio Méndez)

03. Dos gardenias (Isolina Carrillo )

04. Gua' One Blues Pal Bobby (Alejandro Falcón)

05. Esta tarde vi llover (Armando Manzanero)

06. Lo que es del César (Alejandro Falcón)

07. El Teide (Alejandro Falcón)

Musicos:

Roni Ben-Hur (Guitarra)

Alejandro Falcón (Piano)

Pedro Pablo Gutiérrez (Bajo acústico)

Ruy López-Nussa (Batería)

Octavio Rodríguez Rivera (Percusión)

Emir Santa Cruz (Saxofón tenor en pistas #1, #4, #5, #7)

Osdalgia Lesmes (Voz en pistas #3, #5)

Grabado en los estudios DBega, La Habana, noviembre de 2025

Silvia Telles - Amor Em Hi-Fi

Sylvia D'Atri Telles ( Río de Janeiro , 27 de agosto de 1934 - Maricá , 17 de diciembre de 1966 ) fue una cantante y compositora brasileña . Es considerada una de las más grandes intérpretes de bossa nova y MPB .
La mayoría de sus álbumes están agotados, lo que dificulta que las generaciones recientes lo entiendan. Sin embargo, ocasionalmente se publica una recopilación con algunas de sus numerosas grabaciones.

Según un artículo publicado en O Globo y firmado por João Máximo, "Sylvinha fue uno de los mejores intérpretes de la música brasileña moderna, entendida como tal desde el Ponto final - con Dick Farney y Amargura , con Lúcio Alves , hasta las canciones que Tom y Vinicius lo hizo después del Orfeu da Conceição "..._(wikipedia)

Silvia Telles no tiene una voz potente, pero afortunadamente no le hace falta para tejer la magia de estos clásicos brasileños como «Corcovado», «Dindi» y «Samba de Uma Nota So» («Samba de una nota»). También prueba con estándares del pop americano, un popurrí de «All the Way», «The Boy Next Door» y «They Can't Take That Away From Me». Telles suena mucho menos segura aquí, aunque su dominio del fraseo en inglés está definitivamente a la altura - y, en las últimas canciones, juega con las letras, sustituyendo «the way we mamboed 'til three» por la original de Gershwin. De nuevo en tierra firme, su «Dindi» evoca mucho más la melancolía anhelante de sus mejores interpretaciones, y su «Oba-La-La» es dulce y seductora. Con material de Roberto Menescal y Oscar Castro Neves, además de los dos pesos pesados Gilberto y Jobim, Silvia Telles demuestra ser una de las vocalistas brasileñas más fuertes de la época pre-bossa, y una influencia considerable en Elis Regina. El acompañamiento, principalmente flauta y vibráfono con percusión ligera y coristas ocasionales, es adecuadamente elegante y discreto._John Bush (allmusic) 

                                                                                 

                                                                                         

Silvia Telles - Amor Em Hi-Fi (1960) 

Temas:

01. Samba Tôrto (Aloysio De Oliveira, Antonio Carlos Jobim)

02. All The Way / The Boy Next Door / They Can't Take That Away From Me ( Sammy Cahn - Jimmy Van Heusen, Hugh Martin, Ralph Blane, George & Ira Gershwin)

03. Corcovado (Antonio Carlos Jobim)

04. Tetê (Roberto Menescal, Ronaldo Bôscoli)

05. Se É Tarde Me Perdoa (Carlos Lyra, Ronaldo Bôscoli)

06. Chora Tua Tristeza (Luvercy Fiorini, Oscar Castro Neves)

07. Dindi (Aloysio De Oliveira, Antonio Carlos Jobim)

08. Oba La La (Aloysio De Oliveira, João Gilberto)

09. Samba De Uma Nota Só (Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça)

10. Gardez Moi Pour Toujours "Por Causa De Você" (Antonio Carlos Jobim, Dolores Duram)

11. Não Gosto Mais De Mim (Sérgio Ricardo)

Itai Dattner - Tranquilo en Cuba

Conocí a Kenia en Trinidad, donde se ganaba la vida bailando. Es joven, negra, guapísima y baila de maravilla. No habían pasado ni 30 minutos desde mi llegada y ya estaba bebiendo ron y tocando con la banda local en el centro del casco antiguo. Ocho músicos, un grupo de bailarinas preciosas, mucho ron y mucha alegría. Un día después, estábamos tocando una melodía que compuse especialmente para Kenia. Tocamos en una pequeña habitación oscura en medio de una calle bulliciosa; si la vieras, no creerías que es posible. Fue tan peculiar que muchos turistas se paraban a sacar fotos.
Alejandro, el baterista, y yo recorrimos La Habana en moto, buscando músicos y un buen estudio. Encontramos músicos excelentes y un estudio estupendo. Todos los músicos son profesores de la ENA, la Escuela Nacional de Arte y Música.
«Vals 11» la compuse hace 5 años. Originalmente tenía 12 compases, pero le quité uno por el 11 de septiembre.

Itai Dattner - Compositor, pianista y productor. Sus raíces están en la música clásica. En los últimos años, Itai ha tocado y actuado con diversos grupos en Israel, entre ellos: una banda de blues llamada 'TaxiJazz', un trío de jazz, un dúo de jazz, un dúo de música clásica con un violonchelista, acompañando a una cantante de ópera, y muchos más. Itai se ha presentado en clubes, teatros y en el Festival de Jazz, Blues y Videocintas de Tel Aviv. Además de componer e interpretar, Itai se especializa en la enseñanza de piano y la dirección de bandas. Junto con 'Tranquilo en Cuba', Itai ha grabado cuatro álbumes._(discogs)

Itai Dattner es un compositor y pianista israelí. Sus raíces se encuentran en la música clásica. En su juventud descubrió el jazz y recibió la influencia de diversos estilos, desde Bach y Debussy hasta Bill Evans y Keith Jarrett, pasando por himnos judíos tradicionales, música del mundo, blues y rock and roll.

Itai acaba de lanzar el primer CD de su proyecto cubano, Tranquilo en Cuba. Este CD es el primer paso de un proyecto que desarrolla en La Habana con un grupo de músicos de jazz cubanos, todos ellos profesores de la ENA (Escuela Nacional Superior de Música y Arte) de La Habana. Son músicos profesionales que actúan diariamente en La Habana y, ocasionalmente, fuera de Cuba. Grabaron este CD juntos en septiembre de 2004. Todas las composiciones y arreglos son obra de Itai Dattner.

Además del proyecto cubano, Itai ha tocado y actuado en los últimos años con diferentes grupos en Israel, entre los que destacan: una banda de blues (TaxiJazz), un trío de jazz, un dúo de jazz, un dúo de música clásica con violonchelista, acompañando a una cantante de ópera, entre otros. Itai se ha presentado en clubes, teatros y en el Festival de Jazz, Blues y Videocintas de Tel Aviv.

Junto con 'Tranquilo en Cuba', Itai ha grabado cuatro álbumes. Dos de ellos con TaxiJazz, una mezcla de estándares y composiciones propias. Uno de los álbumes fue distribuido por NMC, la discográfica más grande de Israel. Posteriormente, grabó otro álbum de estándares con el trío: The Art of Trio._(allaboutjazz)

                                                                                

                                                                             

Itai Dattner - Tranquilo en Cuba (2005)

Temas:

01. Kenia

02. Infinite

03. Blues for Cheli

04. Waltz 11

Musicos:

Itai Dattner (Piano)

Manuel Alejandro Mayor Lopez (Batería)

Aryam Varona Hernandez (Bajo)

Jorge Miguel Vistel Serrano (Trompeta)

Maikel Vistel Serrano (Saxo tenor)

Todas las melodías compuestas y arregladas por Itai Dattner 

Grabado en Scorpio Studio, La Habana, Cuba, del 10 al 12 de octubre de 2004 

Art Farmer - Something You Got

Nacido en Iowa, pero crecido en Phoenix (Arizona) una ciudad de rica tradición jazzística, Art Farmer, (21 de agosto de 1928, Council Bluffs, Iowa, Estados Unidos – 4 de octubre de 1999), junto a su hermano gemelo el contrabajista, Edison Farmer, pertenecían a una familia exquisitamente musical. De joven estudió el violín y el piano antes de pasarse a la familia de los metales y trasladarse con dieciocho años en 1945 a Los Ángeles. En aquella época ya se había decantado por la trompeta y tocó con la legendaria banda de Johnny Otis, con quien tuvo la oportunidad de viajar a New York.
En 1948 volvió a Los Ángeles y formó parte de las mejores bandas establecidas en la ciudad como la de Benny Carter, Wardell Gray o la del vibrafonista, Lionel Hampton. En 1953 cruzó el charco por primera vez con destino a Europa con la banda de Lionel Hampton, en la misma gira que viajaba Clifford Brown y Quincy Jones. Aquel mismo año regresó a New York donde estuvo un tiempo tocando con Teddy Charles.
Se integró en 1956 en el grupo del pianista, Horace Silver, y para entonces su estilo estaba ya suficiente pulido y maduro y su sonido era una marca inconfundible en la escena jazzística de New York. En aquella época Farmer, alternó la trompeta con el Flugelhorn, tocando ambos instrumentos con el grupo de Gerry Mulligan, en 1958. En aquél año participó en el Festival de jazz de Newport, grabó su único disco con Mulligan, el espléndido álbum titulado «What Is There To Say» para Columbia en 1958 y dos bandas sonoras para las películas «I Want to Live» y «The Subterraneas». Aquel año grabó para Blue Note uno de sus discos emblemáticos de su discografía titulado «Modern Art».

Sin duda alguna a Art Farmer se le reconoce credibilidad en el jazz por haber creado junto a Benny Golson, en 1960 el grupo «The Jazztet». Allí en su seno combinó muy acertadamente su talento para la dirección y la improvisación con las dotes de Golson para la composición y los arreglos. «The Jazztet», disfrutó mientras duró (1960-1962) un efímero éxito bordeando musicalmente las claves del soul-jazz que antes habían popularizado, Horace Silver o Cannonball Adderley entre otros. En 1960 grabó lo que es considerado el disco fundacional del grupo, titulado «Meet The Jazztet» un autentico manifiesto de intenciones que obtuvo un éxito enorme.

Cuando en 1962 el grupo se disolvió, Art Farmer, formó un cuarteto con el guitarrista, Jim Hall, que duró hasta 1964. Con la irresistible ascensión del rock en los Estados Unidos, Farmer se marchó a Europa donde alternó la dirección de sus propios grupos con su presencia como artista invitado de varias big bands, entre ellas la famosa Clarke-Boland Big Band. En los ultimo años de su vida alternó el fliscornio con la trompeta, retornó a los Estados Unidos donde intentó reconstruir «The Jazztet» pero la muerte le sorprendió en 1999._(apoloybaco)

El encuentro entre el trompetista Art Farmer y el rey de los instrumentos de lengüeta Yusef Lateef, con el pianista y arreglista David Matthews al frente de una big band, resulta trascendental. 

El ritmo relajado del álbum, que se apoya en un jazz-funk desenfadado (la canción que da título al disco) y en extensas improvisaciones funky con impresionantes arreglos de hard bop de Matthews en «Flute Song», lo convierte en una de las visiones más provocadoras del groove jazz en la historia del sello CTI. Farmer y Lateef fueron capaces de moverse con relativa facilidad entre el jazz sofisticado y el soul funky trepidante. Los arreglos de Matthews son desenfadados y se basan en el ritmo no solo para formar la columna vertebral de los solistas, sino también para llenar el espacio intermedio. El guitarrista Hiram Bullock traza aquí una línea maravillosa entre las extrapolaciones aireadas y con mucho swing de los acordes de jazz y el R&B rítmico y escueto. Su solo en «Flute Song» es uno de los mejores que ha grabado. Del mismo modo, la interpretación de «Spain» de Chick Corea, que hace referencia al «Concierto de Aranjuez» y cuenta con un magnífico solo de saxo tenor de Lateef, es una versión carnal y carnevalesca de la melodía con un overdrive empapado de bajo. «Saudade» es el epítome del soul-jazz para una big band; su groove es suelto, galopante y rítmicamente perfecto, y Farmer y Lateef tocan la melodía en primer plano, compenetrándose en los solos y haciendo que el groove se repliegue sobre sí mismo. Esta es una adquisición segura para cualquier colección de Farmer, y vale lo que cueste._Thom Jurek (allmusic)

                                                                             

                                                                                           

Art Farmer - Something You Got (1977)

Temas:

01. Something You Got (Chris Kenner)

02. Flute Song (David Matthews)

03. Saudhade (Fritz Pauer)

04. Sandu (Clifford Brown)

05. Spain (Chick Corea9

06. Hombre Del Sol (David Matthews)

Musicos:

Art Farmer (Fliscorno)

Yusef Lateef (Saxo tenor)

David Matthews (Piano eléctrico, arreglos)

Harvie Swartz (Bajo )

Jim Madison (Batería)

Hiram Bullock (Guitarra)

Sue Evans (Percusión)

David Tofani (Saxo soprano, flauta)

Frank Vicari (Saxo tenor)

Kenny Berger (Saxo barítono, clarinete bajo)

Burt Collins (Trompeta, fliscorno)

Joe Shepley (Trompeta, fliscorno)

Fred Griffin (Trompa)

Sam Burtis (Trombón)

Tony Price (Tuba)

Grabado en los estudios Electric Lady en julio de 1977

Mauricio Einhorn - Me

Mauricio Einhorn (Río de Janeiro, 29 de mayo de 1932) es un armonicista brasileño.
Hijo de inmigrantes judíos polacos, sus padres eran armonicistas. Comenzó a tocar la armónica a los cinco años, actuando en la escuela franco-brasileña donde estudió hasta los trece.
La constancia del músico con el instrumento fue tal que, a los diez años, Einhorn comenzó a participar en reconocidos programas de talentos radiofónicos de la época, como "A Hora do Pato" y "Papel Carbono" (en Radio Nacional); e incluso en el programa de Ary Barroso y Gaitas Hering en Radio Tupi, junto a Fred Williams y otros.

Cuando era adolescente tocó en dúos, tríos y cuartetos, y a principios de la década de 1950 se introdujo en los estilos del jazz y el choro. Su primera grabación fue en 1949 cuando, en la canción "Portate Bien", hizo un solo con un conjunto de armónica de los Rascals brasileños. Actuó con Waldir Azevedo y su Regional en Rádio Clube do Brasil. Hacia 1955, en el desaparecido Hotel América, frente al Club Hebraica, conoció a Durval Ferreira durante un baile donde tocaba Maurício Einhorn. La primera canción de los dos, "Sambop", fue grabada en 1959 por Claudete Soares en el LP "Nova Geração em Rítmo de Samba", en el que participó. Luego vinieron: "Estamos aí" (con Durval Ferreira y Regina Werneck) grabada por Leny Andrade; "Tristeza de Nós Dois" (con Durval Ferreira y Bebeto); "Batida Diferente", "Nuvem" y "Clichê" (todos con Durval Ferreira), "SamBlues" (con Durval Ferreira y Regina Werneck) y muchos otros. Destacó en la bossa nova, un movimiento cuya influencia cambió el curso de MPB..._(wikipedia)

La leyenda de la armónica de jazz Toots Thielemans describió a su amigo, el armonicista y compositor Mauricio Einhorn, como «una fuerza vital en la música brasileña, tanto como intérprete como compositor». La influencia de Einhorn se extiende al jazz. Ha trabajado con figuras tan importantes como Jim Hall, David Sanborn, Paquito D’Rivera, Baden Powell, así como con los cantantes Bobby McFerrin y Sarah Vaughan; músicos de la talla de Cannonball Adderley, Herbie Mann y la leyenda de la bossa nova Jobim han grabado sus composiciones. Grabado en Río en 1979, Me fue el primer álbum de Mauricio bajo su propio nombre, ¡y qué grabación! Einhorn reunió a un grupo de músicos excepcionales, todos versados ​​en la música tradicional brasileña y en el jazz. Las diez composiciones originales dan testimonio de la talla de Einhorn como compositor. Tenemos la contagiosa A Different Beat con sobresalientes solos de armónica, piano y

flauta, Saro con sus enérgicos solos de armónica, saxo y bajo Fender, la exquisita balada Alvorada y la alegre joya Estamos Ai. Luego tenemos el suave vals de jazz Toy y un tema escrito para los grandes del jazz Ron Carter y Jim Hall, Limbo con sus potentes voces. La breve pero dulce Claus es seguida por la conmovedoramente romántica Tristeza De Nos Dois y la fascinante Sketch. El apasionado solo de Einhorn en su balada Joy cierra un álbum que satisfará a todo amante de la música brasileña. ¡Jazz latino en su máxima expresión creativa!_ (mps-music)

                                                                            

Mauricio Einhorn - Me (1979 R.2016)

Temas:

01. Batida Differente "A Different Beat" (Durval Ferreira / Mauricio Einhorn)

02. Sarro (Arnaldo Costa / Mauricio Einhorn)

03. Alvorada (Arnaldo Costa / Luiz F. Freire / Mauricio Einhorn)

04. Estamos Aí (Durval Ferreira / Mauricio Einhorn / Regina Verneck)

05. Brinquedo (Toy) (José Schettini / Mauricio Einhorn)

06. Limbo (Theme For Ron Carter And Jim Hall) (Arnaldo Costa / Mauricio Einhorn)

07. Claus (Celso Loch / Mauricio Einhorn)

08. Tristeza De Nos Dois ( Bebeto / Durval Ferreira / Mauricio Einhorn)

09. Sketch (José Schettini / Mauricio Einhorn)

10. Joia "Joy" (Alberto Arantes / Mauricio Einhorn)

Musicos:

Mauricio Einhorn (Armónica, técnico remezcla)

Nelson Ayers (Piano, arreglos, dirección)

Luizão (Bajo) 

Sebastiao Tapajos (Guitarra acústica)

Gegê (Batería en pista #7)

Paulo Braga (Batería en pistas #6 a #9)

Marku (Batería, percusión, voz

Roberto Sion (Flauta, saxo alto, saxo soprano)