Kenny Burrell - Have Yourself a Soulful Little Christmas

Kenneth Earl Burrell, conocido en el mundo profesional del jazz, como Kenny Burrell (31 de julio
de 1931. Detroit, Michigan), nació en una de las grandes localidades del blues en los EE.UU. la muy industrial ciudad de Detroit. En su familia todos eran músicos y el ambiente no podía ser mas propicio para un joven que pronto se agarró a la guitarra de su hermano adoptando desde entonces el instrumento de cuerdas. Burrell comenzó a tocar la guitarra a los 12 años y rápidamente cayó bajo la influencia de artistas como Charlie Christian, Django Reinhardt, Oscar Moore, T-Bone Walker y Muddy Waters. Rodeado por la vibrante escena de jazz y blues de Detroit, Burrell comenzó a tocar en la ciudad y contaba entre sus amigos y compañeros de banda con el pianista Tommy Flanagan, los saxofonistas Pepper Adams y Yusef Lateef, el baterista Elvin Jones y otros. En 1951, le llega el primer contrato serio  de la mano de un genial trompetista llamado Dizzy Gillespie, que por aquel entonces dirigía un sexteto donde también tocaba el vibrafonista Milt Jackson, y un jovencísimo saxo tenor que años mas tarde revolucionaría el mundo del jazz llamado, John Coltrane. Precisamente con el quinteto de John Coltrane, Kenny Burrell grabaría años mas tarde, en 1958, dos discos de culto en su discografía.

A mediados de los cincuenta, Burrell Interrumpe brevemente su carrera musical para terminar los estudios de guitarra clásica en la «Wayne University» donde termina graduándose en 1955 con un diploma de »Bachelor of Music». Al año siguiente lo llaman para acompañar a Billie Holiday, en un magno concierto en el Carnegie Hall grabado por el sello Verve. Como recompensa a su buen hacer, empieza a ser llamado por diferentes grupos de jazz de distintos estilos. Así toca con los «Jazz Prophets» de Kenny Dorham, con Gene Ammons, y sobre todo con el organista, Jimmie Smith, con quien ha grabado numerosos y espléndidos disco para Blue Note. Pero Kenny Burrell, tiene también una amplia y excepcional discografía como líder de grupo y para los sellos mas prestigiosos como: Prestige, Verve, Cadet o Blue Note.
Ya consolidado en la élite, le sale un dificilísimo competidor en la persona de Wes Montgomery, quien es prácticamente el mejor guitarrista en aquella época.  En 1965 graba para Verve, el que es considerado uno de sus mejores discos: «Guitar Forms». Abre un local de jazz al que bautizó como: «The Guitar» y en los años setenta y ochenta viaja por todo el mundo para establecerse definitivamente en la Costa Oeste de los EE.UU. donde vive retirado en la actualidad._(apoloybaco)

Se han utilizado muchos adjetivos para transmitir el sentimiento navideño. "Alegre", "jovial" y "feliz" parecen haberse ganado el favor de la ciudadanía sensata. El resto de nosotros, que formamos parte de esa minoría marginal de "espíritus libres", somos un poco más desenfadados y recurrimos a términos como "genial", "maravilloso" o "fantástico". Pero una sola palabra, si todos la aceptaran racionalmente, bastaría: conmovedora. Porque eso es realmente lo que significa la Navidad. Se trata de esos sentimientos que trascienden la expresión humana, esas reflexiones que  desafían la cristalización. No hay momento de mayor impacto emocional que eluda la definición. Este álbum es su invitación a disfrutar de una Navidad libre y conmovedora con un maestro expresionista. Más, nadie podría desear.

Kenny Burrell es miembro de la élite del jazz, supongo, aunque estoy seguro de que nunca se molestaría en hacer tales categorizaciones. Sin embargo, se encuentra en  esa envidiable etapa de crecimiento en la que la mejora es una cuestión de desafío personal, ya que su interpretación ha superado todas las pruebas externas y ha sido aceptado como un artista verdaderamente consumado. La verdad es que un verdadero artista nunca está acabado. Burrell lo reconoce y por eso cada álbum que graba muestra un crecimiento y un desarrollo musical constantes. Este no es una excepción.

Hay una delicada sensibilidad en la obra de Burrell. Y hay un sentimiento blues recurrente. Detrás de estas dos cualidades se encuentran la habilidad técnica y el buen gusto que hacen que esa sensibilidad canta. Ya sea que esté tocando hábilmente una línea de una sola nota o llenando tu corazón con el sonido completo de un acorde, se muestra seguro y completamente cómodo con su instrumento. Hace que su música suene casi elementalmente fácil. En realidad, desarrolla líneas y patrones extremadamente complicados. Lo que disfrutamos es el arte, no la facilidad.

La característica más destacada de este álbum es su amplia y variada selección. Abarca desde canciones infantiles hasta estándares internacionales, desde temas populares hasta blues conmovedores, desde góspels hasta temas con sabor latino. Aunque la mayoría de ellos se han consolidado como   canciones navideñas, varios de ellos no lo han sido hasta ahora. My Favorite Things nunca ha encontrado un escenario más apropiado que este álbum navideño.

The Little Drummer Boy es alegre y animado. Todos lo sabíamos. Burrell nos muestra aquí que también es un pequeño swinger muy funky. Incluso los brillantes y sobrios instrumentos de viento, que comienzan con tanta majestuosidad, se contagian y pronto se unen al baterista en pleno apogeo. Hove Yourself a Merry Little la Navidad fluye suave y fácilmente. Burrell se expresa con sencillez y un ligero toque de fraseo blues. Richard Evans proporciona un colchón fluido con las cuerdas, que se balancean ligeramente bajo la guitarra.

Burrell es lineal y directo en My Favorite Things. Hay un fondo grande y audaz que Evans ha utilizado con cuidado. El gran sonido nunca resulta pesado ni limitante, sino que ataca y puntúa como un único instrumento. El solo de Burrell aquí es una amplia prueba de la complejidad y flexibilidad del músico.

Tal y como comienza aquí, Away in a Manger es una  canción de cuna. Desde un comienzo suave, Burrell construye una declaración intensamente personal y conmovedora. Una vez más, las cuerdas, que a veces tienen la desafortunada tendencia a volverse empalagosas, siguen siendo ecos fluidos y  el suspiro final les pertenece.

El aderezo latino viene con el sencillo Mary's Little Boy Chile. Justo después viene el clásico White Christmas. Aquí Burrell muestra el buen gusto que lo hace destacar. No usa trucos ni adornos extra para darle vida a la conocida melodía. La presenta con una hermosa sencillez.

God Rest Ye Merry Gentlemen empieza con el tono alegre y ligero que asociamos con la melodía inglesa. Más que ninguna otra del álbum, esta melodía pronto se convierte en ese atractivo sonido antifonal por el que Burrell muestra cada vez más interés últimamente. Aquí le da una dimensión completamente nueva a una melodía familiar. The Christmas Song es otra vez una declaración directa. Pero, ¿qué músico con gusto alteraría la estructura básica cuando lo único que se necesita es sensibilidad en la interpretación?

Go Where I Send Thee comenzó su andadura como espiritual. Aquí, Burrell la interpreta a un tempo alegre y animado, y la melodía toma prestada la atmósfera de sus vecinas para convertirse en un especial navideño de gran sonido. Silent Night es familiaridad refinada y reafirmada, un ejercicio de moderación para el guitarrista. The Twelve Days of Christmas rebosa un alegre espíritu festivo y Burrell termina el álbum con un blues contemplativo, Merry Christmas, Baby.

La Navidad puede traerte muchos recuerdos. Si es así, este magnífico álbum, que muestra el talento de Kenny Burrell y Richard Evans, te proporcionará sin duda la música para recordar. Paz._Barbara J.  Gardner

                                                                                 

                                                                       

Kenny Burrell - Have Yourself a Soulful Little Christmas (1966) 

Temas:

01. The Little Drummer Boy (Harry Simeone, Henry Onorati, Katherine K. Davis)

02. Have Yourself a Merry Little Christmas (Hugh Martin, Ralph Blane)

03. My Favorite Things (Rodgers & Hammerstein, Rodgers & Hammerstein)

04. Away in a Manger (Kenny Burrell)

05. Mary's Little Boy Chile (Jester Hairston)

06. White Christmas (Irving Berlin)

07. God Rest Ye Merry Gentlemen (Esmond Edwards, Richard Evans)

08. The Christmas Song (Mel Tormé, Robert Wells)

09. Go Where I Send Thee  (Esmond Edwards, Richard Evans)

10. Silent Night (Kenny Burrell)

11. Twelve Days of Christmas (Esmond Edwards, Richard Evans)

12. Merry Christmas Baby (Johnny Moore, Lou Baxter)

Orquesta arreglada y dirigida por Richard Evans

Kenny Burrell (Guitarra)

Grabado: octubre de 1966, en Ter Mar Syudios, Chicago

Tino Contreras - El Jazz Mexicano

El baterista mexicano, Tino Contreras, (3 de abril de 1924, Chihuahua, México – 9 de septiembre de 2021, Ciudad de México, México), es en su país y en el mundo del jazz latino una verdadera leyenda.  Creador y compositor, durante cinco décadas ha dado renombre a México en todo el mundo. Ha grabado más de 40 discos en Argentina, España, Francia, Alemania, y por supuesto, México. En los años cuarenta forma su primera orquesta «Los cadetes del swing» en su ciudad natal, Juarez Chihuahua. Debuta con la orquesta de Luis Alcaráz a principio de los años cincuenta realizando su primera gira por Sudamérica y el Caribe.
Posteriormente forma lo que fue su primera orquesta en ciudad de México, destacándose como el baterista más importante de la época. En 1954 graba el disco «Jazz en México» y desde entonces, su discografía es prolífica y fueron muy destacados los siguientes trabajos: «Jazz Tropical» (1962); «Misa en jazz» (1966); estrenada en el Palacio de Bellas Artes México, «Jazz mariachi» (1973); «Sinfonía Tarahumara Jazz» (1984); y «Betsabe Jazz fantasía» (2004) entre otras.

Su ingenio y gran creatividad le han llevado a fusionar infinidad de elementos e instrumentos musicales incluido diversos instrumentos prehispánicos. Se ha destacado a lo largo de su carrera no sólo como un extraordinario baterista y compositor, sino también como un interesante pianista, trompetista, y vocalista. Ha representado a México en importantes clubes y festivales de jazz en EE.UU., Europa, Asia y América del sur. Galardonado por su importante labor como difusor del jazz recientemente obtuvo premios como la distinción de «The Emmy Awards» en 1997 y «Bravo» en 1999.
Con motivo de sus cincuenta años de profesión, Tino Contreras ofreció un concierto conmemorativo el 9 de julio de 2004. Asimismo esa historia vivida intensamente por Tino Contreras ha sido recogida en sus libros ‘Mi amor al jazz’ o ‘La historia del jazz en México’.

Uno de los momentos cumbres en la carrera de Toni Contreras fue cuando Chico O´Farrill y él, se presentaron en octubre de 1962 y agosto de 1963, respectivamente, en el Palacio de Bellas Artes, el templo de la música clásica. O’Farrill ofreció su famosa «Aztec Suite» con Chilo Morán como solista,- una suite que él había escrito originalmente para Art Farmer, – mientras Contreras presentó: «Orfeo en los Tambores», acompañado por el Ballet de Cámara del Palacio._(apoloybaco)

Este recopilatorio, reeditado por el sello europeo JAZZMAN, presenta grabaciones de los años 50 y 60 de Tino Contreras, baterista, compositor y arreglista activo en México desde mediados del siglo XX. Esta colección muestra el trabajo de Contreras con una orquesta que abarca desde el jazz latino con influencias del hard bop hasta temas exóticos y poco conocidos con toques de mondo, pasando por el mambo neoyorquino. El enfoque desenfadado y sin restricciones, que refleja la delicada naturaleza de la interpretación de jazz y música latina en México, resulta sorprendentemente refrescante. ¡La selección de músicos es toda una revelación! Silvestre Mendes toca la batería en al menos dos temas, y el segundo, una malagueña, es sin duda su tumba. También aparece en otros temas con músicos desconocidos.

                                                                           

Tino Contreras - El Jazz Mexicano (2011)

Temas/musicos:

01. Orfeo En Los Tambores

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Editado por Typic (Francia)

02. La Malagueña

Tino Contreras (Batería)

Cuco Valtierra (Saxo barítono, saxo tenor)

Humberto Cané (Bajo)

Silvestre Méndez (Congas, bongó)

Al Zúñiga, Pedro Placensia (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

03. En El Viejo Estambul

Tino Contreras (Batería)

Leo Carillo (Bajo)

Tomás Rodríguez (Flauta)

Mario Contreras (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Fred Tatman (Vibráfono) 

Publicado por Musart (México)

04. Santo

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

05. Safo “La Sacerdotiza Del Amor

Tino Contreras (Batería)

Mike Bravo (Saxo alto, flauta)

Víctor Ruiz Pasos (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

06. Credo

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

07. Poinciana

Tino Contreras (Batería)

Cuco Valtierra (Saxo barítono, Saxo tenor)

Humberto Cané (Bajo)

Silvestre Méndez (Congas, bongó)

Al Zúñiga, Pedro Placensia (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

08. El Hombre Del Brazo De Oro

Tino Contreras (Batería)

Humberto Cané (Bajo)

Al Zúñiga (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

09. Jazz En El Cairo

Tino Contreras (Batería)

Mike Bravo (Saxo alto, flauta)

Víctor Ruiz Pasos (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

10. What Is This Thing Called Love

Tino Contreras (Batería)

Al Zúñiga (Piano)

Humberto Cané (Trompeta)

Otro personal desconocido

Publicado por Capitol (EE. UU.)

11. Visnu

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Editado por Berta (España)

12. Gloria

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

13. Rescate

Tino Contreras (Batería)

Leo Carrillo (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Tomás Rodríguez (Saxo tenor, flauta)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

14. Kyrie

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

15. Orbita

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por TENA (México)

16. Ravi Shankar

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Grabación en directo

Sam Vloemans - Otrabanda

Sam Vloemans (Curazao, 25 de abril de 1979) es un multiinstrumentista, compositor, arreglista y productor belga. Toca la trompeta, el fliscorno, la percusión, los timbales y los teclados.
Sam Vloemans nació en Curazao (Caribe), pero poco después se mudó a Meer (cerca de Hoogstraten), Bélgica. Tras graduarse de la escuela de arte de Turnhout, estudió en el Real Conservatorio Flamenco de Amberes y en Codarts.
Compuso y realizó arreglos para diversos proyectos y bandas. Su primer proyecto, Grand Groove, comenzó en 1999, seguido posteriormente por el Sam Vloemans Quartet, con el baterista Teun Verbruggen, el bajista Henk de Laat y Arno Krijger en el órgano Hammond.
Para el festival Motives for Jazz de Genk en 2006, creó el proyecto MuStique, con músicos de Bélgica, los Países Bajos y Cuba.

Como "Artista residente" en 2008 en el Warande de Turnhout, presentó "Bord du Nord", con el baterista Louis Debij y la acordeonista Gwen Cresens, el bajista Henk de Laat, el guitarrista Hendrik Braeckman y la cantante invitada alemana Sabine Kühlich. En 2025, hubo una continuación, "Bord du Nord II", con Gwen Cresens al acordeón y bandoneón, Dominique Vantomme al piano y Lara Rosseel al contrabajo..._(wikipedia)

El título del álbum, «Otrabanda», significa «el otro lado» en papiamento, la lengua mestiza de la isla natal de Curazao. Esto alude a su constante búsqueda de nuevas relaciones. Por ejemplo, en su trabajo anterior, «Bord du Nord», fusionó el jazz con la chanson y el cabaret de Kurt Weill.

En esta ocasión, el foco está puesto en los ritmos exóticos de Curazao. Vlumans escuchó con atención a músicos de jazz estadounidenses como Herb Alpert y Chuck Mangione. Eric Truffaz, Miles Davis e incluso Santana también son valiosas fuentes de inspiración. Entre los invitados figuran Tutu Puoane y Peter Delannoye. Gracias, en parte, a su conexión con la música del mundo, este jazz melódico resulta accesible al público en general._Georges Tonla Briquet (bruzz.be/culture)

                                                                      

                                                                                     

Sam Vloemans - Otrabanda (2011)

Temas:

01. Intro

02. Groove 1

03. The River 

04. T-Vision 

05. Otrabanda 

06. Little Vamp

07. Ièdo

08. Bonaire

09. Must Be My Soul 

10. Evening Jam 

11. Descarga D'Allegria 

12. La Walse Nocturne

Musicos:

Sam Vloemans (Trompeta, fliscorno, timbales, percusión, beatbox, palmas, voz, Rhodes)

Pat Dorcean (Batería, percusión haitiana)

Roberto Mercurio (Bajo eléctrico)

Bart Oostindie (Guitarra eléctrica, guitarra acústica, ukelele, palmas, voz)

Tom Verschoore (Trombón)

Mike Roelofs (Wurlitzer, Rhodes, Hammond, palmas, voz)

Invitados:

Awel Serra Garcia (Conga en temas #5, #6, #7, #8, #10, #11, chekere en temas #6, #7)

Tutu Puoane (Voz en temas 7, 10, palmas en temas 2, 5, 10)

Chantal Kashala(Voz en temas #7, #10, palmas en temas #2, #5, #10)

Steve Kashala (Voz en temas #2, #3, #5, #7, #8, #10, palmas en temas #2,#5,#10)

Monique Harcum (Voz en temas #7,#10)

Peter Delannoye (Solo de trombón en tema #10, descarga en tema #11)

Geert Hellings (Lapsteel en tema #4, guitarra slide en tema#7)

Frans Grapperhaus (Violonchelo en temas #4,#12)

Vince Guaraldi Trio - Jazz Impressions Of Black Orpheus

Vincent Anthony Dellaglio, conocido en el mundo profesional de la música como Vince Guaraldi

(17 de julio de 1928, San Francisco, California, Estados Unidos – 6 de febrero de 1976, Menlo Park, California, Estados Unidos), fue un pianista de jazz conocido principalmente por sus innovadoras composiciones, arreglos musicales y componer la música para la serie animada de televisión Charlie Brown. También alcanzó gran notoriedad como miembro de los grupos de Cal Tjader en los 50 y por una exitosa carrera en solitario.
Vince Guaraldi se graduó en la Lincoln High School de San Francisco, y más tarde amplío sus estudios en la Universidad Estatal de San Francisco. Su debut discográfico lo hizo con el trío del guitarrista, Cal Tjader en noviembre de 1953 y fue lanzado en formato LP con el título de «The Cal Tjader Trio». En 1955 Guaraldi formó su propio trío con Eddie Duran and Dean Reilly. En 1959 comenzaría una carrera en solitario para dedicarse a sus propios proyectos a tiempo completo.
Fantasy Records lanzó en 1962 el single «Samba de Orpheus» en un intento de engancharse a la ola de bossa nova que imperaba entonces pero fue la cara B con el tema de Guaraldi «Cast Your

Fate to the Wind» el que empezó a escucharse en las emisoras de radio. Por este tema, recibió en 1963 el premio Grammy a la mejor canción original de jazz.

Este mismo año, Guaraldi grabó un álbum titulado «Vince Guaraldi, Bola Sete and friends» con Bola Sete a la guitarra, Fred Marshall al bajo y Jerry Granelli en la batería. Aquí comenzó un periodo de colaboración con Bola Sete donde Vince experimentó con la bossa nova y el piano eléctrico. Poco tiempo después Guaraldi volvió a retomar su faceta de compositor y pianista para el coro de la catedral de San Francisco...._(apoloybaco) 

Una de las películas más notables y emocionantes vistas en Estados Unidos en los últimos años fue la ganadora del Gran Premio del Festival de Cannes de 1959, una narración visual lírica, evocadora y rapsódica de la leyenda de Orfeo, ambientada en el Carnaval de Río de Janeiro. Se tituló "Orfeo Negro" y, salvo raras excepciones, cautivó los corazones y la imaginación de quienes la vieron.

También cautivó sus oídos, pues contenía varias canciones hermosas, una gran cantidad de música de fondo cautivadora y todo ello con los ritmos maravillosamente vibrantes y llenos de energía propios de la peculiar fusión de melodía latina y ritmo africano que caracteriza la música brasileña contemporánea.

Dada la situación, era natural que los músicos de jazz se sintieran atraídos por esta música. 

No todas las interpretaciones de bandas sonoras de películas en clave de jazz han tenido éxito, pero "Orfeo Negro" fue diferente. En primer lugar, era auténtica: grabada en directo, no en un estudio, y esa autenticidad se mantuvo a lo largo de toda la película.

En segundo lugar, existe una correlación natural entre el jazz estadounidense y esta música: su influencia africana mutua. Así que, cuando Vince Guaraldi se sintió atraído por la música de "Orfeo Negro", era lógico e inevitable que la convirtiera en una parte fundamental de su repertorio.

Era igualmente lógico e inevitable que se convirtiera en una de las piezas más atractivas de ese repertorio. Desde la primera noche que interpretó "Samba" y "Generique", el público ha quedado impresionado por la fuerza de su mensaje musical.

Una de las cosas que hacen del jazz una música tan atractiva es la gran calidad de la comunicación emocional que genera. Así, hombres que fuera del escenario parecen más propios de un ring de boxeo o un campo de béisbol, pueden, a través de su música, expresar la gentileza, la humanidad y la sensibilidad hacia la belleza que son herencia natural de la humanidad. Para mí, esta es una de las cosas que hace que las interpretaciones de Vince Guaraldi de la música de Orfeo Negro sean tan efectivas. Otra es su capacidad para proyectar, a través del piano, el bajo y la batería, una impresión tan vívida del sonido gloriosamente brillante que caracterizó la música de la película, así como su conmovedora cualidad, ese tierno lirismo, que impregnaba muchas de las escenas.

Llevo meses escuchando las interpretaciones de Vince de esta música; en persona y en las cintas de este álbum. Siempre me han parecido conmovedoras, hermosas y una experiencia gratificante.

Como complemento a la música de Black Orpheus, este álbum incluye cuatro temas adicionales. En todos ellos se aprecian muchas de las mismas cualidades que caracterizan la primera cara. En "Since I Fell for You", la magnífica canción de Buddy Johnson de hace algunos años, encuentro un conmovedor ejemplo de ese ambiente lírico del blues que armoniza directamente con el contenido emocional de la música de Black Orpheus y nos ofrece las virtudes del buen jazz: un profundo recorrido por la multifacética experiencia vital; tristeza, belleza, alegría y júbilo. Esta combinación de cualidades está presente en toda obra de arte exitosa y, sobre todo, en el jazz. _Ralph J. Gleason

                                                                               

                                                                          

Vince Guaraldi Trio - Jazz Impressions Of Black Orpheus (1962/1983)

Temas:

01. Samba De Orpheus (Jobim-Bonfa)

02. Manha De Carnaval (Jobim-Bonfa)

03. O Nusso Amor (Jobim-Bonfa)

04. Generique (Tradicional)

05. Cast Your Fate To The Wind (Vince Guaraldi)

06. Moon River (Henry Mancini)

07. Alma-Ville (Vince Guaraldi)

08. Since I Fell For You (Buddy Johnson)

Musicos:

Vince Guaraldi (Piano)

Monte Budwig (Bajo)

Colin Bailey (Batería)

Antonio Adolfo - Hybrido - From Rio To Wayne Shorter

Antonio Adolfo Maurity Sabóia (Río de Janeiro, 10 de febrero de 1947) es un pianista, tecladista y compositor brasileño.
Hijo del compositor Ruy Maurity y Carol Saboya,​ una violinista de la Orquesta Sinfónica de Brasil, a los dieciséis años ya pertenecía al exclusivo club de la Bossa nova como pianista.

De regreso a Brasil, en 1977, fue pionero de la producción independiente al publicar el álbum Hecho en Casa, del sello Artezanal, comercializado ese mismo año de manera directa en las disquerías, iniciando así un movimiento de autogestión que motivaría la aparición de artistas que discrepaban con las leyes del mercado tradicional. Desde 1985 se ha dedicado a su escuela de música, el Centro Musical Antonio Adolfo, además de participar en eventos internacionales como músico y educador, sin dejar de lado su carrera como intérprete. Recibió dos Premios Sharp por sus trabajos Antonio Adolfo y Chiquinha con jazz, respectivamente..._(wikipedia)

Con más de treinta álbumes a su nombre, el compositor y pianista brasileño Antonio Adolfo ha creado un himno realmente atractivo al maestro saxofonista y compositor Wayne Shorter. La selección de temas es excelente, ya que demuestra claramente la importancia de Shorter para el jazz. No reproduce la colección de Blue Note de 1988, "The Best Of Wayne Shorter", pero sí incluye tres temas de ese álbum.

"Deluge" ofrece una cálida invocación, dirigida por un conjunto, de este cautivador tema de Ju Ju. También hay una versión relajada del clásico de Shorter, "Footprints", embellecida por la voz sin palabras de Zé Renato. "Prince of Darkness", del álbum de Miles Davis de 1967, Sorcerer, es exquisitamente rica en percusión (incluyendo una profunda introducción de percusión de Baião similar a la tabla). "Black Nile", del álbum Night Dreamer de 1964, es una interpretación satisfactoria del original con el brillante piano de Adolfo.

La elegancia de "La Bella y la Bestia" se resume en su mezcla de bossa y samba (Adolfo la llama SamBossa) y es uno de los dos temas del álbum "Native Dancer" de Shorter, grabado con Milton Nascimento. El tema principal de "Speak No Evil" es un ejemplo de majestuosidad, con su tema musical majestuoso y memorable y el rico solo de tenor de Marcelo Martins, mientras que la elegante "Ana María", también de "Native Dancer", luce la ágil guitarra de Lula Galvão.

Para concluir el set, Adolfo incluye una pieza solista de su propia autoría, "Afosamba", un ejemplo perfecto de su excepcional talento como compositor. Los arreglos son sólidos y, para quienes conocen todos los temas de Shorter, les otorgan una nueva y vibrante dimensión. Para quienes no estén familiarizados con los temas, el álbum servirá como una excelente y atractiva introducción, antes de probar el material original. También es un oportuno recordatorio de la importancia de Shorter en su ilustre catálogo de composiciones._Roger Farbey (allaboutjazz)

                                                                       

                                                                            

Antonio Adolfo - Hybrido - From Rio To Wayne Shorter (2017)

Temas:

01. Deluge

02. Footprints

03. Beauty And The Beast

04. Prince Of Darkness

05. Black Nile

06. Speak No Evil

07. E.S.P.

08. Ana Maria

09. Afosamba

Musicos:

Antonio Adolfo (piano)

Lula Galvão (Guitarra eléctrica)

Jorge Helder (Contrabajo)

Rafael Barata (Batería, percsión)

André Siqueira (Percusión)

Jessé Sadoc (Trompeta)

Marcelo Martins (Saxos tenor y soprano, flauta #3)

Trombón Serginho (Trombón)

Zé Renato (Voz #2)

Claudio Spiewak (Guitarra acústica #3)

Todas las composiciones de Wayne Shorter, excepto "Afrosamba", de Antonio Adolfo

Grabado en Río, diciembre de 2016

Malia - Malawi Blues / Njira

Malia (nacida en 1978) es una cantante de Malawi. Ha publicado siete álbumes de estudio. Su madre es malauí y su padre, del Reino Unido. Se mudó a Londres en su adolescencia. Tras terminar la escuela, Malia se dedicó a la música. Trabajó como camarera mientras organizaba una banda que la acompañaba, cantando baladas y clásicos del jazz en bares y clubes de Londres. Durante una visita a Nueva York, escuchó un tema pop-jazz cantado en francés por la vocalista Liane Foly, producido por André Manoukian. Contactó con Manoukian para solicitar su ayuda y se pusieron a trabajar en su álbum debut de 2002, Yellow Daffodils. Aunque el lanzamiento incluía letras en inglés, alcanzó reconocimiento en Francia y Alemania. Sus siguientes lanzamientos, Echoes of Dreams (2004) y Young Bones (2007), tuvieron gran aceptación entre los aficionados al jazz de toda Europa._(wikipedia)

La idea, antes futurista, de Marshall McLuhan de la «aldea global» se ha hecho realidad desde hace mucho tiempo. Solo ahora, en la música pop, estamos aprendiendo y experimentando, en muchos sentidos, lo que el legendario teórico de los medios ya formuló a principios de los años 60. Gracias a los avances tecnológicos digitales, la mayoría de los géneros pop han adquirido una dimensión global. El hip-hop, el blues y el jazz están evolucionando en cientos de variantes regionales, lejos de sus raíces originales. La música de Malia puede considerarse, sin duda, una prueba impresionante de esta fusión mundial.

Tras mudarse de la república sudafricana de Malawi a Londres a los catorce años, la cantante pasó su adolescencia en la Gran Manzana. Malia grabó tres álbumes en Francia con Andre Manoukian: Yellow Daffodils (2002), Echoes of Dreams (2004) y Young Bones (2007), todos ellos creados en el estudio parisino de Manoukian.
En 2010 conoció al productor suizo Boris Blank, quien, desde los años 80 como parte del dúo vanguardista Yello (The Race, Bostich) con Dieter Meyer, ha cosechado un gran éxito. En 2012, Malia publicó un homenaje a Nina Simone, Black Orchid, que ganó el Premio ECHO Jazz de ese año. En 2014, Boris Blank produjo las once canciones de estilo electrónico de su álbum Convergence.
El sexto álbum de estudio de Malia, Malawi Blues/Njira, ve su voz clara e incisiva amplificada de nuevo en un contexto de soul-jazz. "Un disco que siempre he querido hacer... Ahora mismo siento que es el momento adecuado... Quería canciones que reflejaran mi conciencia y mi ascendencia", resume la esencia de los diez temas de Malawi Blues/Njira.
El álbum presenta temas originales reflexivos, en su mayoría de ritmo lento, con un piano escasamente orquestado, acompañado de guitarra y percusión, entre ellos una versión casi minimalista del clásico Moon River. Desde el principio, Malia, con Malawi Blues/Njira, rememora el sonido de su infancia.
No solo en el conmovedor "El amor nos sostiene las manos" se perciben las vibras locales de las tradiciones Kwela y Kwasa-Kwasa. «Considero con toda humildad mi deber transmitir las ricas tradiciones e historias, tal como lo hicieron mis antepasados, como lo hicieron mis abuelos y padres cuando nos sentábamos alrededor del fuego por las tardes en Malawi, comiendo nsima con hojas de calabaza y salsa de cacahuete».

Claro que ese es solo un aspecto de su rica obra. Sus canciones se caracterizan por experiencias yexperimentos artísticos, una amalgama que ha moldeado la vida de Malia y un efecto duradero de su tiempo en la escena club de Londres, donde pudo agudizar su sentido del ritmo en pequeños bares frente a públicos reducidos. Aquí siempre pudo ajustar sus sets en vivo y en directo, noche tras noche. Esta diversidad musical ahora la beneficia, cuando, en Chipadzuwa (un término coloquial del sur de África para mujer bonita), alterna entre el idioma regional, el chichewa, y el idioma universal, el inglés, con una facilidad meliflua. Con el apoyo del virtuoso pianista Alex Wilson, llega un sonido fresco y a la vez cálido. Malia ha llegado a un mundo musical global por el que trabaja y lucha. "A todos los guerreros silenciosos de este mundo", concluye Malia, "¡Malawi Blues/Njira es para ustedes!"._(mps-music)

                                                                                       

                                                                                      

Malia - Malawi Blues / Njira (2016)

Temas:

01. Malawi Blues / Njira

02. Love Is Holding Both Our Hands

03. Chipadzuwa

04. Let Me Breathe

05. Disgrace

06. The Seed

07. Black Widow

08. Moon River

09. Friendship

10. Wonder Of The World

11. Let Me Breathe (bonus track)

Musicos:

Malia (Voz)

Alex Wilson (Piano, programación)

Dimitris Christopoulos (Contrabajo)

Edwin Sanz (Batería, percusión)

Ahmed Fofana ( Guitarra en pista #2, instrumentos en pista #9)

Line Kruse Orchestra - Hidden Stone

La violinista y compositora danesa Line Kruse ha explorado constantemente los límites de la música. Adoptada por la comunidad de músicos sudamericanos a su llegada a París, su nombre se asocia con las trayectorias del percusionista argentino Minino Garay, los cubanos de Sabor a Son y el Proyecto Gotan.
Line Kruselidera dos conjuntos de 19 integrantes: el septeto Dansk7 y el conjunto BowLines de 14 cuerdas. También adaptó su repertorio a grupos más pequeños, desde septeto hasta quinteto. Su trabajo con grandes bandas comenzó con el álbum Dancing on Air (2012), compuesto principalmente para violín y Jazz Octet, que permitió al bajista sueco Lars Danielsson conocer al baterista argentino Minino Garay y al percusionista afroperuano Miguel Ballumbrosio.
En 2017 se alcanzó un hito con la creación de la Orquesta Line Kruse, que combina la nítida línea del violín con la potencia de una big jazz band dirigida al arco.

Con Hidden Stone, "increíble y sorprendente por su exuberancia" (Jazz Mag), Line Kruse jugó con timbres y convenciones, e incorporó los polirritmos e instrumentos de las tradiciones afroperuanas y andinas en el contexto de la composición para una gran colaboración. Para France Musique, "Hidden Stone revive el arte de la big band al incorporar ritmos tradicionales latinoamericanos a la estética del jazz escandinavo". El violín encaja allí en la sección con los metales, en el ritmo o como solista. Numerosos invitados, solistas y en general, completan un elenco excepcional, que combina generaciones y nacionalidades. "Un verdadero talento para los arreglos, una grata sorpresa", comenta Jazz at FIP.

En 2019, la creación del álbum Invitation debe considerarse una extensión de la investigación musical de Line Kruse sobre los compositores rusos de finales del siglo XIX, en relación con el jazz y la música latina. Para lograrlo, los propios músicos debían provenir de la Escuela Rusa y su entorno, y ser capaces de comprender el folclore tradicional sin academicismo. Fue en Cuba, con los músicos del trío de Harold Lopez Nussa, y en París con su propio conjunto BowLines, donde Line Kruse logró el singular y delicado equilibrio entre estas dos fuerzas. El programa Invitation, y el grupo homónimo, aspira a ser una tierra de contrastes, con lirismo contenido, donde las rupturas rítmicas serían las formas del terreno. Y toda la elegancia lúdica para interpretar un Montuno en 7/8 contra todo pronóstico._(linekruse)

                                                                                  

                                                                            

Line Kruse Orchestra - Hidden Stone (2017)

Temas:

01. Festejo

02. Hidden Stone

03. Tango "La jalouse"

04. Dream

05. Bearded

06. Flores para Nini

07. Kleine's Nachtmusik

08. Comme Bach

09. Haut de Gagnes (Arr. by Line Kruse)

Musicos:

Line Kruse (Violín, compositor y arreglista)

Gerard Presencer (Trompeta solista, fliscorno)

Pierre Bertrand (Flautas, saxos)

Stéphane Chausse (Clarinete, flautas, saxos)

Philippe Slominski (Trompeta, fliscorno)

Hervé Michelet (Trompeta, fliscorno)

Denis Leloup (Trombón)

Steen Nikolaj Hansen (Trombón)

Vladimir Dubois (Trompa)

Louis Winsberg (Guitarra en #2,#4,#5,#6,#9)

Hervé Samb(Guitarra en #1,#3,#7,#8)

Jean-Yves Jung (Piano)

Jérôme Regard (Bajo)

Lukmil Pérez Herrera (Batería)

Minino Garay (Batería, percusión)

Abraham Mansfarroll (Percusión)

Sección de cuerdas para tema Dream:

Sylvain Rabourdin, Joachim Beaumerder (Violín)

Emmanuel Blanc (Viola)

Jean Philippe Audin, Yann Garac (Violonchelo)

Toda la música compuesta y arreglada por Line Kruse, excepto Haut De Cagnes compuesta por Pierre Bertrand, arreglada por Line Kruse

Grabado por Frédéric Magnier en Studio de Meudon, Studio El Gaucho y L'Ame Son Studio

Vistel Brothers - Evolution

Jorge y Maikel Vistel, los Vistel Brothers, son el reflejo de un tipo de jazz ecléctico que logra conciliar valores, ideas, tendencias, historia y actualidad uniendo sistemas y conceptos diversos. Su música es un reto a nuestras convenciones, a las emociones, a los sentimientos, a la simetría y a todo lo que es fijo y constante. Su Jazz cambia todo el tiempo y con una sobresaliente capacidad de improvisación hacen magia en el escenario. En cada concierto logran que el público agudice la concentración, ayudan sin duda a aumentar la capacidad creativa entre aquellos que les escuchan y refuerza rasgos, nuevas ideas y conocimientos que facilitan la expresión, bajo un prisma energético de disfrute y goce que llena salas de conciertos, clubs y teatros alrededor de todo el mundo.
Jorge y Maikel Vistel proceden de Santiago de Cuba (Cuba) nacieron en una familia muy reconocida en el país de origen, muy bien valorada y con una extensa tradición musical. Su padre, Jorge Vistel, trompetista reconocido, introdujo a los hermanos en el mundo de la música desde muy temprano. Cuando eran adolescentes, los hermanos Jorge y Maikel se volvieron muy hábiles en la improvisación del jazz y pronto fueron ampliamente reconocidos en los círculos musicales por su madurez y musicalidad. Por separado cada uno es sobresaliente en el manejo de sus instrumentos, pero juntos, la conexión de los hermanos crea magia de improvisación.

La banda se fundó en la ENA (Escuela Nacional de Arte de la Habana), donde estudiaban con los que hoy son los principales músicos de bandas a nivel mundial.
Además, han compartido escenario, proyectos, grabaciones y experiencias musicales con importantes músicos y productores icónicos de la industria musical como Quincy Jones, Nicholas Payton, Steve Turre, Danilo Pérez, Roman Filiu, Bobby Martínez, James Carter, Steve Coleman, Sean Jones, Oscar Valdés, David Virelles, Justin Brown, Gerald Clayton, Reiner Elizalde, Luis Guerra, Florian Arbenz, Dayme Arocena, Alain Pérez.

Vistel Brothers han grabado dos álbumes: “Evolution” (2010) and “Fiesta En El Batey” (2022)._(teatroabadia)  

                                                                         

                                                                                   

Vistel Brothers - Evolution (2010)

Temas:
01. Woody
02. Al límite
03. Levitating
04. Carmen
05. Días de otoño
06. Pirámide I
07. Héroes
08. Nostalgia
09. Laberinto
10. Pirámide II

Musicos:
Jorge Vistel (Trompeta, out on #7)
Maikel Vistel (Saxo tenor)
David Virelles (Piano, teclados)
Reinier Elizarde (Bajo)
Iago Fernández (Batería)

Musicos invitados: 
Roman Filiu (Saxo alto en #6, saxo soprano en #3 y 7)
Ariel Bringez (Saxo tenor en #7)
Juanma Barroso (Batería sustituye a Fernández en # 2 y 8)

Grabado en Infinity Estudio, Madrid, 20, 21 y 22 de abril de (2009)

    

Cristina Pato - Latina

                                                                     

Cristina Pato Lorenzo (n. Orense, 1980) es una gaitera, compositora y pianista española residente en Nueva York desde el año 2004.

Cristina Pato nació en Orense y fue en esa ciudad donde inició su formación musical, en el Conservatorio de Orense. Con apenas 6 años de edad ingresó en la Real Banda de Gaitas de Orense, participando como solista y tocando en Berlín, Praga, Edimburgo, Londres, Chicago y Acapulco entre otros lugares. A la edad de 18 años publicó su primer disco en 1999, titulado Tolemia (locura en gallego).[2]​ Con ese álbum se convirtió en la primera mujer en grabar un disco en solitario como gaitera en España.[3]​ Tras este hito participó en un Final del Milenio especial que se emitió por varias televisiones del mundo (TVE, BBC, CNN, entre otras) y participó en giras con The Chieftains y Cherish The Ladies..._(wikipedia)

La primera vez que Edward Perez (bajo) y yo tocamos una muiñeira, no sonaba tradicional gallego en absoluto (quizá porque él es de Texas y ha vivido unos años en Perú), pero a mí sí que me sonaba muy familiar… Edward añadió el patrón del joropo a una canción gallega y con ese cambio sutil, me trajo recuerdos de la forma en la que mi difunto padre, Dositeo Pato, un emigrante gallego en Venezuela, solía tocar.

Tras esta experiencia y cuatro años más de gira juntos, en 2014 encargué a Edward que escribiese la música para una idea narrativa que tenía sobre explorar las diferentes formas de entender una misma palabra a través de un mismo ritmo. Estaba intrigada por el complejo significado de la palabra latina en los Estados Unidos y, a través de la música, quería encontrar una forma de entender y explicar este viaje.

The Latina 6/8 Suite es el resultado de un proceso de colaboración. Abriendo con un fandango, un ritmo que ha viajado en ambos sentidos a través del Atlántico, y cerrando con una tarantella tradicional siciliana y una muiñeira gallega increíblemente similar, el viaje nos lleva a través de fascinantes ritmos latinoamericanos en 6/8. Y cada uno de ellos tiene detrás una apasionante historia de migraciones humanas.

Todos tenemos en común raíces, patrimonio cultural, lengua, manera de vivir… Pero explorar como un patrón básico de 6/8 ha evolucionado en diferentes países latinos pone de relieve muchos otros temas relacionados con el contexto y significado de la palabra latina que también han evolucionado de manera fascinante: género, poder y migraciones humanas.

Este album contiene también música de colaboradores muy cercanos a mi. “Llegará, llegará, llegará” de Emilio Solla y “Let’s Festa” de Victor Prieto estiran nuestro viaje a Argentina y Brasil…_(cristinapato)

                                                                         

                                                                                   

Cristina Pato - Latina (2015)

Temas:

01. Fandango: Prueba de Fuego (Edward Perez)

02. Landó: María Landó (César Calvo, Chabuca Granda)

03. Tanguillo: The High Seas (E. Perez)

04. Joropo-Festejo: Muiñeira de Chantada (Tradicional)

05. Currulao: Currulao de Crisis (E. Perez)

06. Tarantella-Muiñeira: Epilogue (Tradicional)

07. Llegará, llegará, llegará (Emilio Solla)

08. Let’s Festa (Victor Prieto)

09. Bonus Track: Tarantella-Muiñeira (without narration)

Musicos

Cristina Pato (Gaita, piano)

Victor Prieto (Acordeón)

Edward Perez (Contrabajo)

Eric Doob (Batería)

Baden Powell - Tristeza On Guitar

Baden Powell de Aquino (Varre-e-Sai, 6 de agosto de 1937 - Río de Janeiro, 26 de septiembre de 2000) ampliamente conocido como Baden Powell, fue un guitarrista brasileño. Interpretó muchos estilos de música brasileña, tales como bossa nova, samba, jazz brasilero, pop brasilero, jazz latino y música popular brasileña (MPB). Es padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Luis Marcel Powell de Aquino..._(wikipedia)

En 2018 se celebró el 50.º aniversario de la fundación del sello alemán de jazz MPS. Para celebrar la ocasión, se lanzó en descarga el catálogo de más de 400 álbumes del sello, y se inició un programa de reediciones en vinilo y CD. Tristeza on Guitar, del guitarrista brasileño Baden Powell, es uno de los primeros discos. Publicado originalmente en 1966, es un tesoro imperecedero de la música brasileña del siglo XX.

Entre 1966 y 1976, Powell grabó nueve álbumes para MPS, todos producidos (con un toque ligero) por el erudito del jazz Joachim-Ernst Berendt. Tristeza on Guitar, grabado en Río de Janeiro después de que Berendt pasara casi una semana buscando al bohemio y escurridizo Powell, fue el primero de ellos. El quinteto que lo acompaña está compuesto por la flor y nata de los músicos contemporáneos de bossa nova/samba e incluye al percusionista Alfredo Bessa y al baterista Milton Banana. El álbum presenta diversas combinaciones de músicos, desde Powell como solista hasta la formación completa.
Además de ser un guitarrista con una técnica formidable y una gran alma, Powell era un compositor talentoso, y seis de las diez piezas de este álbum son originales. Entre ellas se encuentran los populares "Canto de Xango" y "Canto de Ossanha", ambos incluidos en 1966 en Os Afro Sambas de Baden e Vinicius (Forma), la obra maestra vocal de Powell, creada con el poeta y letrista Vinicius de Moraes. Las cuatro piezas no originales son "Round About Midnight" de Thelonious Monk y Cootie Williams, "Tristeza" de Haroldo Lobo, "Manha De Carnaval" de Luiz Bonfa y "Das Rosas" de Dorival Caymni. 

A pesar de su título, el tono de Tristeza en Guitarra es generalmente exuberante y festivo.

La notable excepción es "Manha de Carnaval", popularizada por la película de Marcel Camus de 1959, Orfeo Negro, que resulta conmovedoramente emotiva. Años posteriores se grabarían versiones animadas y revisionistas, pero en 1966 la pieza seguía tan estrechamente asociada a la película que reformularla como una alegre travesura habría sido impensable. "Canto de Xango" y "Canto de Ossanha", dedicados a los orishas de los que toman sus nombres, son etéreos pero vibrantes. "Round About Midnight", una de las dos versiones de la melodía que grabó Powell, y aquí interpretada solo con guitarra y bajo, evoca soledad, pero no soledad. "Tristeza" en sí misma (que no debe confundirse con "Tristeza e Solidao" de Powell y de Moraes, de Os Afro Sambas) es más alegre que triste. Todos los álbumes MPS de Powell son un negocio, pero este, grabado en Brasil con una formación 100% brasileña dos años antes de que Powell se mudara definitivamente a Francia, tiene una magia especial._Chris May (allaboutjazz)

                                                                                 

                                                                                

Baden Powell - Tristeza On Guitar (1966, 2017, MPS)

Temas:

01. Tristeza (Haroldo Lôbo, Nitinho)

02. Canto De Xango (Baden Powell, Vinicius De Moraes)

03. Round About Midnight (Cootie Williams, Thelonious Monk)

04. Sarava (Baden Powell)

05. Canto De Ossanha (Baden Powell, Vinicius De Moraes)

06. Manha De Carneval (Antônio Maria, Luiz Bonfá)

07. Invencao Em 7 1/2 (Baden Powell)

08. Das Rosas (Dorival Caymmi)

09. Som Do Carnaval (Baden Powell, Copinha)

10. O Astronauta (Baden Powell, Vinicius De Moraes)

Musicos:

Baden Powell  (Guitarra, agogo, surdo)

Nicolino Cópia "Copinha"  (Flauta, agogo)

Sergio Barroso  (Bajo)

Alfredo Bessa (Atabaque, guica)

Amauri Coelho (Pandeiro, atabaque)

Milton Banana (Batería)