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sábado, 16 de marzo de 2024

The Sahib Shihab Quintet - Seeds


 Además de ser uno de los primeros músicos de jazz en convertirse al Islam y cambiar de nombre (1947), Sahib Shihab fue también uno de los primeros músicos de bop que utilizó la flauta. Pero también era un solista fluido en el saxo alto, así como en el barítono, siendo este último el instrumento con el que se le asoció más frecuentemente. Shihab trabajó profesionalmente por primera vez con la banda de Luther Henderson a la edad de 13 años, mientras seguía estudiando con Elmer Snowden. A los 16, asistió al Conservatorio de Boston (1941-1942) y más tarde trabajó como contralto principal en la banda de Fletcher Henderson de 1944-1945, bajo el nombre de Eddie Gregory. Tras su conversión religiosa, se unió al movimiento del bop temprano, grabando varios temas, ahora famosos, como contralto con Thelonious Monk para Blue Note en 1947 y 1951, y tocando con Art Blakey en 1949-1950 y con la banda de Tadd Dameron en 1949. Después de algunos periodos de vacío en los que tuvo que hacer trabajillos para ganarse la vida, Shihab tocó con Dizzy Gillespie en 1951-1952, con Illinois Jacquet en 1952-1955 y con la big band de Oscar Pettiford en 1957. Tras llegar a Europa con la big band de Quincy Jones en 1959-1960, permaneció allí hasta 1986 (principalmente en Copenhague), salvo un largo interludio en Los Ángeles (1973-1976). Mientras estuvo en el continente, tocó en la big band de Clarke-Boland durante casi una década (1963-1972); se le puede escuchar aplicando avanzados efectos vocales a su atractivo trabajo con la flauta en el magnífico LP Clarke-Boland Big Band (Atlantic, 1963). Sólo grabó un puñado de álbumes como líder a lo largo de las décadas para Savoy, Argo, Atlantic y Chess; una fecha en directo de 1963 en Copenhague está disponible en Black Lion._ Richard S. Ginell (allmusic)

Algunos amigos piensan que el hombre Shihab debe el equilibrio de su alma a su bella esposa danesa. Puede que tengan razón, porque Eros es la esencia misma de lo que Shihab interpreta, pero Eros es un dios con muchas caras. La flauta de Shihab cuenta una historia de tiernos lamentos en MAUVE, una pieza que traduce su título en delicados y cambiantes colores de sonido. En UMA FITA DE TRES CORES, su instrumento corteja con la orgullosa autosuficiencia de la grandezza latina. En la composición MY KINDA WORLD, de Jimmy Woode, Shihab sopla la flauta solista con calma, suavidad y casi insipidez. Sereno y algo juguetón llega su propio título ANOTHER SAMBA - una composición muy poco común por cierto: dura sesenta compases como si creciera independiente de sí misma, con solos que parecen ser estribillos adicionales más que coros improvisados; y sin embargo; una melodía perfecta y autosostenida de la que ningún elemento es superfluo. En la última de las piezas para flauta, THE WILD MAN de Klook Clarke, que se basa en una floritura de trompetas, Shihab recuerda por primera vez el rostro sombrío y demoníaco del Dios Eros. Contrasta pasajes impecablemente entonados con frases desafiantes, frases cantadas estridentemente en la flauta - realmente, es un "hombre salvaje" el que toca así. Este sonido estridente y desafiante prevalece a lo largo de los cuatro títulos para barítono ("Shihab nunca deja de acariciar", dice Campi). Shihab sopla el instrumento del mismo modo que habla: sin dilación, yendo directamente al grano. Y lo trata como una voz, sin pretender un sonido artificialmente homogéneo en todos los registros, sino sus diferentes modos de expresión. En los agudos, la trompa adquiere una brillante calidad tenoril, por ejemplo en PETER'S WALTZ, dedicado al hijo de Shihab, Peter, y en los sencillos rellenos de batería de Kenny Clarke que componen el tema JAY-JAY. En el registro grave, Shihab produce sonidos mocosos que llenan los oídos de las damas de horrores como Pan - así en JAY-JAY y en el boppy blues SET UP . El sentido del humor chusco de Shihab irrumpe en
SEEDS (que recuerda a la herencia occidental-africana del jazz con sus múltiples ritmos y su renuncia al desarrollo armónico - sólo los ocho compases del puente se basan en una progresión de acordes): no sólo omite el notorio acorde ampuloso del conjunto tras su propia cadencia final, sino que incluso termina con una segunda menor por encima de la nota clave. Parece como si Shihab transmitiera ahora sin restricciones a su música todas las experiencias y emociones que antes no trataba de forma musical. Shihab el hombre no necesita ser molestado para que Shihab el músico pueda improvisar coros apasionados. Sin embargo, sería injusto olvidar los coros de los otros cuatro músicos por los del "líder nato". Francy Boland, taciturno y siempre introvertido: toca un piano extrovertido, masculino. Incluso con líneas de una sola nota, produce un sonido penetrante y sonoro que hasta ahora nadie, excepto él, había descubierto, un sonido de blues que refleja el elemento de frustración que subyace en el título del trío WHO'LL BUY MY DREAM. El infalible sentido del ritmo que los músicos de la CBBB alaban al arreglista Boland, se pone de manifiesto en el solo de piano de SET UP. La improvisación de Francy tiene un estilo rítmico a lo Monk, y sin embargo no se podría poner ningún acento diferente. Quizá sea éste el secreto del Shihab-Combo. "El ritmo es lo nuestro", este credo de Jimmy Lunceford podría ser también el de los cinco músicos. 
Sadi golpea sus vibráfonos tan secamente como si quisiera traer a la memoria a sus antepasados, los carillones de madera de las tribus costeras de África Occidental. Para alcanzar la máxima conmoción posible, calma intencionadamente incluso la resonancia en MY KINDA WORLD. En UMA FITA DE TRES CORES, Jimmy Woode lleva él solo el ritmo crujiente del jazz contra los bongos de Sadi y la percusión latinoamericana de Klook. Además - y eso también está relacionado con la escuela del Duque que fue el primero en la historia del jazz en descubrir el potencial del instrumento como instrumento melódico - Woode arranca un maravilloso contrapunto a las invenciones de los otros instrumentos melódicos, tomemos por ejemplo PETER'S WALTZ. Y luego está Kenny Clarke. Klook. En todo el disco sólo utiliza sus escobillas. Medios con los que diferentes bateristas sólo saben aportar ruidos que se mezclan de forma impresionista: Batea con ellas un ritmo vigoroso, rellenos fantasiosos, un solo melodioso y a la vez juega hábilmente con ritmos cruzados en JAY-JAY. El "líder nato", el "destacado saxofonista barítono del jazz moderno" (Joachim-Ernst Berendt), no podía desearse a sí mismo diferentes acompañantes para este disco retrasado desde hace algunos años._(bandcamp)

                                                                                 

The Sahib Shihab Quintet - Seeds (1968 R-2008)

Temas:
01. Seeds (Sahib Shihab)
02. Peter's Waltz  (Sahib Shihab)
03. Set Up (Jimmy Woode)
04. Who'll Buy My Dream (Jimmy Woode)
05. Jay Jay (Kenny Clarke)
06. Another Samba (Sahib Shihab)
07. My Kind'A World (Jimmy Woode)
08. Uma Fita De Tres Cores (Francy Boland)
09. Mauve (Francy Boland)
10. The Wild Man (Kenny Clarke)

Musicos:
Sahib Shihab (Saxo barítono, flauta travesera)
Fats Sadi (Vibráfono, marimba, bongos)
Francy Boland (Piano)
Jimmy Woode (Bajo temas #1-#8)
Jean Warland (Bajo temas #9 y #10) 
Kenny Clarke (Batería)

Grabado en los estudios Lindstrom de Colonia el 9 de junio de 1968

sábado, 2 de marzo de 2024

Lee Konitz - Brazilian Serenade

Lee Konitz (Chicago, 1927-New York 2020) fue uno de los discípulos mejor dotados técnicamente surgidos de la escuela del gran pianista, Lennie Tristano. Gran improvisador, perfeccionista puro, creativo y versátil con su saxo alto, Konitz comenzó su carrera profesional en 1945 con la banda Teddy Powell como reemplazo de Charlie Ventura. Un mes después, la banda se separó, y Benny Goodman le ofreció un puesto en la suya que Konitz rechazó. Era cuestión de tener libertad para crear y no someterse al corsé de una gran orquesta. Ese mismo año decidió enrolarse en el grupo del clarinetista Jerry Wald. En 1946, conoció al pianista Lennie Tristano, y ambos trabajaron juntos en un pequeño bar de cócteles.
Participó en la banda de Miles Davis en septiembre durante 1948 y 1949, y fruto de esa colaboración, fue la legendaria grabación en noneto del disco «Birth of The Cool», álbum totémico no solo en la carrera de Miles Davis, sino en la propia historia del jazz. En los años cincuenta, otra asociación musical importante marcó la carrera de Lee Konitz; conoció al pianista, Warne Marsh y junto a él, logró algunos de sus mejores discos. En 1952, se enroló en la orquesta del excelente arreglista y compositor, Stan Kenton, con quien estuvo hasta 1954, y partir de ese año año desarrolló su carrera como líder en solitario. A lo largo de su dilatada carrera ha tocado con tal nómima de músicos y de tal variedad estilística que su relación sería imposible en este espacio. Por citar algunos: Charles Mingus, Miles Davis, Bill Evans, Paul Bley, Joe Henderson, Elvin Jones, Ornette Coleman, Chick Corea, Jim Hall, Stan Kenton, Gil Evans, Martial Solal, Atilla Zoller, Max Roach, Dave Brubeck, Kenny Weeler, Stefano Bollani, Kenny Werner o John Zorn. Músicos de diferentes estéticas, proyectos variados desde dúo a noneto, pero también músicos jóvenes, muy jóvenes.
En 1954, inicia con el álbum «Very Cool» para el sello Verve, un espectacular comienzo discográfico con músicos todos ellos adscritos a la escuela de Tristano: el trompetista, Don Ferrara; el pianista, Sal Mosca; el contrabajista, Peter Ind, y el baterista, Shadow Wilson. Desde entonces la carrera de Lee Konitz, continua a pesar de su veteranía, en todo lo alto del escenario jazzistico. Konitz ha grabado o actuado con, Dave Brubeck, Ornette Coleman, Charles Mingus, Jim Hall, Gerry Mulligan, Elvin Jones, y varios otros músicos extraordinarios. Lee Konitz contribuyó a la banda sonora de la película Desperate Characters (1971), y en 1981, actuó en el Woodstock Jazz Festival, que se celebró en celebración del décimo aniversario del Creative Music Studio.
Sus últimas grabaciones fueron en trío con Brad Mehldau y Charlie Haden, editadas por Blue Note, así como un álbum en vivo grabado en 2009 en el Birdland y lanzado por ECM en 2011 con la misma agrupación con la adición del batería Paul Motian. Su álbum con Grace Kelly «Gracefullee», fue calificado de 4 1/2 estrellas por Michael Jackson en la revista Down Beat. En 2012 grabó en el Blue Note de New York un magnífico álbum en colaboración con Bill Frisell, Gary Peacock y Joey Baron, y todavía con 87 años, en 2014, tuvo fuerzas, despues de haber superado un proceso cardiaco, de tocó tres noches en el Café Stritch en San José, California con el trío de Jeff Denson, improvisando los viejos estándares que son sus preferidos. Su discografía es abrumaduramte extensa y de una calidad y variedad extraordinaria. A los más de 100 discos grabados como líder de sus grupos entre 1949 y 2007, con alguna que otra obra maestra entre ellas, hay que añadir casi una veintena más como sideman de otros músicos.
Lee Konitz madura y se torna más audaz y experimental en los últimos años de su carrera profesional. Acepta el desafío de los músicos que venían empujando fuerte en el s. XXI, y toca en estudio con músicos de otras estéticas como John Zorn, Atilla Zoller o el guitarrista Dereck Bailey; publica álbumes de jazz contemporáneo y de vanguardia en discográficas afines como hatART, Soul Note, Omnitone o ECM.
Lee Konitz estuvo por Sevilla en varias ocasiones, en la primera de ellas tuve la fortuna de saludarle personalmente con mi amigo Vicente Sanchís en su camerino del Teatro Gutiérrez de Alba de Alcalá de Guadaíra. Era la noche del jueves 13 de noviembre de 1997 y llovía a mares en la capital de Andalucía. Se celebraba la 8ª edición del Festival de Jazz de la Provincia, que todavía hoy, aunque parezca increíble, organiza la Diputación de Sevilla. Lee Konitz tenía tres conciertos programados en Sevilla, el primero en Alcalá de Guadaira, —cartel de la derecha—, el viernes 13 en Valencina de la Concepción, y el sábado 14 en el pub BBdero de Marchena.
Entre la adversa climatología, y que era jueves, el teatro estaba semivacío —se vendieron poco más de 30 entradas, en una sala con cerca de 500 butacas—y el aspecto era desolador. Para colmo de males hubo problemas con el equipo de sonido que se mojó en con la lluvia y el concierto se retrasó algo más de media hora, así que algunos de los que allí estaban abandonaron la sala. Quedamos un grupo muy reducido de personas, entre ellas Manolo Grosso, el Director por entonces de la programación del Festival de Jazz en la provincia, al que también saludamos. Lee Konitz y Don Friedman salieron al escenario y rápidamente se percataron de que habíamos “cuatro gatos” allí dentro. Pero no les importó. Empezaron a tocar como si estuviesen en el mismísimo Carnegie Hall y fue un concierto memorable. Nos regaló incluso tres «bises» extraordinarios.
Años más tarde, entre el 17 y el 22 de marzo de 2002, Lee konit volvió a Sevilla para participar en
el profesorado en el IV Seminario de Jazz y Flamenco que organizaba el Teatro Central de Sevilla en su ciclo de «Jazz viene del Sur», bajo la dirección musical y artística de Manuel Ignacio Ferrand. Junto a Lee Konitz, formaron el profesorado del seminario los siguientes músicos: Pedro Sierra, guitarra flamenca; Sheila Jordan, voz; Jorge Pardo, saxo y flauta; Mark Turner, saxo tenor; Chris Kase, trompeta; Israel Galván, baile; Philip Catherine, guitarra; Ethan Iverson, piano; Reid Anderson, bajo; Rubem Dantas, percusión; Carlos Martín, trombón y Jef Ballard, batería. Se hicieorn asimismo las siguinetes «masterclass» de Lee Konitz, (saxo alto); Paul Bley, (piano); Enrico Rava, (trompeta); Juan Manuel Cañizares, (guitarra) y Miroslav Vitous, (contrabajo). Todo un gran elenco de músicos extraordinarios.
La tercera, y última vez, que Lee Konitz vino a Sevilla fue el 15 de noviembre de 2013, ya con 85 años, para actuar a dúo con el pianista, Dan Tepfer, dúo. Fue en el ciclo «jazz en Noviembre», también en el Teatro Central.
Hoy estamos contando que la maldita pandemia del Covid-19, se lo ha llevado por delante a los 92 años el 15 de abril de 2020. Con él se va una de las figuras claves del jazz moderno, un instrumentista extraordinario, un compositor y creador excepcional, y sobre todo, un ser humano increible para los que tuvimos la fortuna de conocerles._(apoloybaco)

Lee Konitz ha sido durante mucho tiempo un músico de jazz versátil, adaptable a muchos estilos diferentes. Esta sesión con sabor brasileño es una de las dos que el saxofonista alto grabó a mediados de los 90 para Venus; sus compañeros de sesión son el trompetista Tom Harrell, el guitarrista Romero Lubambo, el pianista David Kikoski (que se dedica sobre todo al piano eléctrico), el bajista David Fink, el batería Duduka Da Fonseca y el percusionista Waltinho Anastácio. Como era de esperar, el sonido ligero de Konitz funciona bien con los favoritos brasileños que interpretan, siendo Harrell un papel especialmente inspirado para el líder. Las obras de Antonio Carlos Jobim están bien representadas, incluyendo las alegres tomas de "Favela" y "Wave". La lírica "September" de Harrell (en la que se luce con un buen solo de sordina) y la "Brazilian Serenade" de Konitz también encajan muy bien en el ambiente de este relajante CD. Merece la pena investigar este gratificante _Ken Dryden (allmusic)
                                                                          
                                                                                           

Lee Konitz - Brazilian Serenade (1996)

Temas:
01. Favela (A. C. Jobim)
02. Once I Loved (A. C. Jobim) 
03. Recado Bossa Nova (D. Ferreira)
04. September (T. Harrel)
05. Dindi (A. C. Jobim)
06. Wave (A. C. Jobim)
07. Meditation (A. C. Jobim) 
08. Brazilian Serenade (L. Konitz)

Musicos:
Lee Konitz (Saxo alto)
Tom Harrell (Trompeta)
Romero Lubambo (Guitarra)
David Kikoski (Piano)
David Finck (Bajo)
Duduka Dafonseca (Batería)
Waltinho Anastacio (Percusiones)

Grabado en Sear Sound Recording Studio los días 20, 21 y 22 de marzo. 1996 en Nueva York

sábado, 17 de febrero de 2024

Art Blakey And His Jazz Messengers With Sabu - Cu-Bop

Art Blakey (Pittsburgh, 11 de octubre de 1919-Nueva York, 16 de octubre de 1990) fue un baterista estadounidense de jazz encuadrado en los estilos del bop y hard bop.
Lideró varios grupos, entre los que destaca el quinteto Jazz Messengers, del que tomó las riendas durante tres decenios tras la marcha de Horace Silver, actuando y grabando bajo el nombre de Art Blakey and The Jazz Messengers. La formación fue cuna de algunos de los mejores artistas de jazz de la historia y se convirtió en la representación por antonomasia del estilo hard bop y funky jazz..._(wikipedia)

Los Jazz Messengers fue un grupo de jazz moderno conducido por el baterista Art Blakey durante casi medio siglo. El grupo y su nombre fueron creados por el pianista Horace Silver y heredados por Blakey, quien, con perseverancia, lo mantuvo activo, transformándolo en la cantera de algunos de los mejores solistas de los años cincuenta, sesenta, setenta y ochenta.
La formación original era un quinteto, alternado con un sexteto y, en los últimos años, septeto y octeto. Fueron "descubiertos" por Blakey y dados a conocer a través de los Messengers, solistas como Clifford Brown, Lee Morgan, Freddie Hubbard, Wayne Shorter y Wynton Marsalis. Los Jazz Messengers siempre se mantuvieron fieles al estilo hard bop, considerado como "mainstream" de la era moderna del jazz.
El 17 de diciembre de 1947, Blakey dirigió un grupo conocido como "Art Blakey's Messengers" en su primera sesión de grabación como líder, para Blue Note Records. Los discos fueron lanzados en 78 rpm en la época y dos de las canciones fueron lanzadas en la compilación del LP New Sounds 10 (BLP 5010) .Este octeto incluyó a Kenny Dorham, Howard Bowe, Sahib Shihab, Musa Kaleem, Ernest Thompson, Jr., y LaVerne Barker...._(wikipedia)

Es curioso que este álbum aparezca en muy pocas notas biográficas sobre los Jazz Messengers. Tal vez sea un asunto menor en el gran esquema de las cosas en lo que respecta a The Jazz Messengers. Pero este grupo fue la segunda encarnación del legendario grupo liderado por Art Blakey. Aun así, el hecho de que ni siquiera Raúl Fernández lo mencione en Latin Jazz: (The Perfect Combination) es más que sencillamente curioso. Puede que exista una corriente de pensamiento que piense que es menos Latin-Jazz que otras grabaciones de alguien como Machito o Tito Puente puedan haber grabado durante el mismo periodo. Este tipo de comentarios (y los he oído en compañía de gente bastante cacareada) son, cuando menos, bazofia. Cu-Bop es un álbum con una emoción rítmica muy real y visceral. Escuchar la retahíla de solos de "Sakeena" es para morirse. Es una canción de 11 minutos. Aun así, podría escucharla una y otra vez. Los intercambios entre Blakey y su invitado, Luis "Sabu" Martínez, son fascinantes. Pero The Jazz Messengers hacen algo más que música considerablemente alegre.
Art Blakey y sus Jazz Messengers con Sabu - Cu-BopHay una relación enigmática entre melodistas y armonistas que resulta evidente a primera escucha. Existe esta cuestión de tonalidad e incluso cuando el lenguaje es más lineal y austero, y hay muy pocas piezas en las que esto sea así, en "Dawn on the Desert" de Charlie Shavers. 
Lo que podría convertirse en una pieza árida se levanta de la página gracias a la apasionada defensa de The Jazz Messengers, que aportan aquí refinamiento tonal a la música. Los elementos refinados se pierden un poco en el álbum por la presencia de dos fuertes percusionistas que parecerían dominar los procedimientos. Afortunadamente, esto no ocurre con demasiada frecuencia. Johnny Griffin y Bill Hardman se aseguran de que cada vez que los focos se centran en los percusionistas, éstos se retiran a las sombras, pero no por mucho tiempo. Solos elementalmente bellos de los dos interlocutores mantienen el ritmo de la caravana del desierto maravillosamente en la pieza extraordinariamente escrita del Sr. Shavers. La escritura contrapuntística siempre da paso a algo más fluido y lírico, y a una gama más amplia de sonoridades. Un extraordinario solo de sordina del Sr. Hardman habla un lenguaje más tonal, con frases rítmicas repetitivas basadas en drones que, a su vez, suenan bastante orientales. Gran parte del encanto, en general, procede de las controladas y espaciosas interpretaciones que suben y bajan en extáticas líneas modales.
Se trata de un álbum precioso, a pesar de que sólo dura 35 minutos y 45 segundos. Desde el punto de vista de la historia de The Jazz Messengers representa un documento importante de la segunda Jazz Messengers después de que la Jazz Messengers "original" empezara a grabar en 1954, bajo el liderazgo de Art Blakey. Sin embargo, más que una relevancia histórica, se trata de una grabación alegre que merece la pena explorar tanto si eres un acólito de los Jazz Messengers como si simplemente sientes curiosidad. Sea quien sea, la grabación le cautivará a su manera._Raul Da Gama (latinjazznet)
                                                                             
                                                                          


Temas:
01. Woodyn' You (Dizzy Gillespie)
02. Sakeena Art Blakey)
03. Shorty (Johnny Griffin)
04. Dawn On The Desert (Charlie Shavers)

Musicos:
Art Blakey (Batería)
Bill Hardman (Trompeta)
Johnny Griffin (Saxo tenor)
Sam Dockery (Piano)
Spanky DeBrest (Bajo)
Sabu Martínez (Congas, bongos)

 

sábado, 13 de enero de 2024

Eva Cortes - El Mar De Mi Vida

Eva Cortés (Tegucigalpa, 1972) es una cantante y compositora hondureña de jazz.
Se encuadra en el movimiento de la fusión, al incorporar a su música las influencias de la música tradicional latinoamericana (zamba, bolero), el blues, la música tradicional andaluza y el jazz. Canta con un español de cadencia latinoamericana y ecos y acento andaluz.

Eva Cortés nació en Tegucigalpa (Honduras), creció en Sevilla y reside actualmente entre Madrid y Nueva York.
Se dio a conocer en el año 1980 tras grabar un álbum de canciones infantiles titulado Cosas de niños junto a cantantes como Ana Belén, Víctor Manuel, Mocedades y Miguel Bosé.
En la actualidad, su música refleja las influencias recibidas de su mestizaje cultural, así como de los diferentes géneros musicales desarrollados a lo largo de su trayectoria. Al crecer en una familia de gran tradición musical, estuvo expuesta a la música latinoamericana. Aunque escuchamos en sus primeras composiciones, a la edad de 16 años, una fuerte influencia del blues.
En enero de 2006 voló hasta Santiago de Chile para grabar y coproducir Sola Contigo, su primer álbum en solitario que fue mezclado y masterizado posteriormente en París. En dicho trabajo podemos encontrar ritmos sudamericanos fusionados con el jazz y con un suave toque proveniente del sur de España.
Eva se siente honrada por haber contado con la colaboración de músicos con una gran prestigio internacional : Jerry González, Antonio Serrano, Pepe Rivero y Nono García entre otros. En abril de 2008 Eva graba su segundo trabajo Como Agua entre los Dedos, que es un álbum de temas originales compuestos en su mayoría por Eva Cortés, aunque también destacan en el dos adaptaciones al castellano de dos standards como son You don’t know what love is y La Vie en Rose.

Edita su tercer álbum El Mar de Mi Vida el 6 de abril de 2010. Con su personal jazz fusión, ha conseguido hacerse un hueco entre las propuestas más interesantes y prometedoras del panorama jazzístico en español. [cita requerida] El Mar de Mi Vida reúne 12 temas que resultan exponentes máximos del mestizaje cultural. 
En esta ocasión además, se unen el grande del flamenco Miguel Poveda en la versión del tema C'est si bon, Perico Sambeat, Lew Soloff (considerado uno de los trompetistas más brillantes de los últimos tiempos y que ha colaborado entre otros con Marianne Faithfull o Frank Sinatra), Santiago Cañadada, Rémy Decormeille, Georvis Pico, el bajista eléctrico del momento Hadrien Feraud y el batería inglés Mark Mondesir (ambos músicos de John McLaughlin). Eva firma una vez más la mayoría de los cortes y comparte autoría en un par de temas con el guitarrista brasileño Kiko Loureiro. Además encontramos temas como Alfonsina y el Mar (Ariel Ramírez-Felix Luna), Une chanson Douce (Henrie Salvador- Maurice Pon), C'est si bon (André Hornez-Henri Betti) y Que reste-t-il de Nos Amours (Charles Trenet-Leo Chauliac)..._(wikipedia)
                                                                            
                                                                                   

Eva Cortes - El Mar De Mi Vida (2010)

Temas:
01. El Mar De Mi Vida
02. Casi
03. C'es Si Bon / ¿Qué Es Mejor? (Feat. Miguel Poveda)
04. Desterrado
05. Valsa Da Menina
06. Recordando El Mañana
07. Poco Importa Si Después
08. Que Reste-T-Il De Nos Amours / I Wish You Love
09. Mujer
10. Alfonsina Y El Mar
11. Da Igual
12. Une Chanson Douce

sábado, 6 de enero de 2024

David Matthews & The Super Latin Jazz Orchestra - Watermelon Man

El teclista David Matthews ha sido, entre otras cosas, una fuente constante de funk, ya sea bebiéndolo del sudor del rítmicamente innovador padrino del soul James Brown o intentando verterlo sobre la cabeza del algo más enclenque Paul Simon. Entre las tendencias, para bien o para mal, a las que Matthews ha estado asociado desde los años 70 se incluyen también el sonido CTI, una exhaustiva lista de bandas sonoras para televisión y anuncios comerciales, y una serie de lanzamientos de la Manhattan Jazz Orchestra que han sido elogiados por la crítica. No hay que confundirlo con el Dave Matthews de la jam band, ni con el anterior arreglista y músico de cañas de la época de las big bands, aunque parece que ambos trabajaron para Frank Sinatra en su día.
Licenciado en composición por la Universidad de Cincinnati, Matthews comenzó su carrera como líder de una banda de baile a finales de los años sesenta. Este grupo realizó numerosas giras por varias partes de Europa y Matthews también empezó a establecer su presencia en la escena jazzística de Cincinnati. En 1970 empezó a trabajar como arreglista y director de orquesta para James Brown, lo que le permitió trasladarse a Nueva York y aprovechar la conexión con Brown para conseguir encargos independientes. Entre sus clientes se encontraban artistas tan exigentes como el batería y director de orquesta Buddy Rich, los cantantes Mark Murphy y Bonnie Raitt, y la Starland Vocal Band, entre muchos otros. A mediados de los 70, se convirtió en arreglista del sello CTI, lo que dio lugar a una serie de producciones suaves que fueron amadas por algunos aficionados al jazz y detestadas por otros. A partir de entonces, Matthews formó sus propios grupos, como el Manhattan Jazz Quintet. Compuso muchas películas para Hollywood, como The Parallax View, la primera versión de The Stepford Wives y Night Moves. También ha tenido bastante notoriedad por sus actividades en Japón._Eugene Chadbourne (allmusic) 
                                                                       
                                                                          

David Matthews & The Super Latin Jazz Orchestra - Watermelon Man (1997)

Temas:
01. Caravan (Duke Ellington, Juan Tizol)
02. Watermelon Man (Herbie Hancock)
03. Carioca (Vincent Youmans)
04. Oye Como Va (Tito Puente)
05. Historia de Un Amor (Carlos Almaran Eleta)
06. Bonita Rosita (David Matthews)
07. Nica’s Dream (Horace Silver, Weaver Copeland)

Musicos: 
David Matthews (Director, arreglos)
Lew Soloff (Trompeta)
Ryan Kisor (Trompeta)
Conrad Herwig (Trombón)
Chris Hunter (Saxo alto)
George Young (Saxofón tenor)
Joe Temperley (Saxo barítono)
Ross Traut (Guitarra)
Jon Werking (Sintetizador)
Mark Egan (Bajo)
Sammy Figueroa (Congas, cowell)
Gordon Gottlieb (Timbales, pandeiro)
James Saporito (Bongos, shaker, güiro)
Terry Silverlight (Batería)

Grabado en Warehouse Studio, N.Y. 27 y 28 de enero de 1997

sábado, 30 de diciembre de 2023

Yilian Cañizares - Invocación

Yilian Cañizares es una música cubana y suiza. Vive en Suiza desde 2000.
Nacida en La Habana, Yilian Cañizares comenzó a estudiar violín en su ciudad natal, en la más estricta tradición de la escuela rusa del violín.​ Con solo 14 años obtuvo una beca de estudios en Caracas y en el año 2000 se trasladó a Suiza para completar sus estudios en el Conservatorio de Friburgo.​ Poco tiempo después, las principales orquestas del área comenzaron a contactarla y, una vez instalada en Lausanne, colaboró durante seis años con diferentes conjuntos. En Suiza, se abre al jazz y decide empreder un nuevo camino musical incluyendo en canto en su carrera como artista profesional. Fue durante este periodo que la artista decidió formar un cuarteto con músicos de Alemania, Venezuela y Suiza (y posteriormente Cuba), y nació el grupo “Ochumare”, con el que, a solo seis meses de su creación, en 2008, ganó el premio del Montreux Jazz Festival Competition. A partir de ese momento su carrera ha ido creciendo continuamente. En los últimos años, ha compartido escenario con Ibrahim Maalouf, Omar Sosa, Youn Sun Nah, Richard Bona, Chucho Valdés, Roberto Fonseca, Dhafer Youssef, la Orquesta de Cámara de Lausanne y El Comité.​ También es profesora de violín en la Escuela de Jazz y de Música Actual de Lausana (Ecole de jazz et de musique actuelle de Lausanne EJMA).

El éxito de sus álbumes “Ochumare”, producción independiente lanzada en 2013, seguido de “Invocación”, bajo la dirección de Alê Siqueira (quien ha colaborado con Roberto Fonseca, Omara Portuondo), ha consolidado su notoriedad como artista innovadora, capaz de aventurarse y trascender las fronteras musicales. Fue catalogada por el semanario francés Le Nouvel Observateur como “artista revelación del año” por su gran virtuosismo y carisma con el que es capaz de cantar y tocar violín. “Mi sonido refleja la riqueza y la mezcla de culturas que llevo conmigo hasta el día de hoy y representa lo que soy: mujer, cubana, músico y ciudadana del mundo", ha expresado la artista.
Su segunda producción discográfica “Invocación” se posicionó en el top de la lista Qobuz – World Music y fue relanzada en una edición Deluxe.

“Aguas”, el álbum producido en colaboración con Omar Sosa, vio la luz en octubre del 2018. Acompañados por otro compatriota, Inor Sotolongo en la percusión, el dúo creó un disco íntimo y personal que refleja los puntos de vista de dos generaciones de artistas cubanos que viven lejos de su tierra. Este álbum es una mezcla de ritmos enérgicos y emotivas baladas que reflejan claramente la inigualable química musical que existe entre ambos artistas. Constituye una potente y única fusión de las raíces afrocubanas, la música clásica y el jazz.
El 15 de noviembre de 2019 fue lanzado el nuevo álbum “Erzulie”, con su nueva formación Yilian Cañizares & The Maroons y dedicado a la deidad haitiana del amor y la libertad. Este trabajo discográfico fue grabado en New Orleans y cuenta la participación de numerosos invitados como Christian Scott (trompeta), Michael League (contrabajo), Bill Laurance (piano), Bobby Sparks (órgano) y Justin Stanton (teclados). 
Su estilo refleja la variedad de sus influencias, con toques de jazz, de música clásica, de música cubana, con un gran espacio dejado a la improvisación.​ La revista francesa Les Inrockuptibles habla de una orquestación jazz mezclada con percusiones de ritual yoruba.​ Canta en español, en yoruba y en francés y uno de sus rasgos distintivos es que canta y toca el violín al mismo tiempo._(wikipedia)

Hay tantas influencias en este álbum; cubana, jazz, venezolana, suiza, que es difícil señalar en cada canción qué tema entra en cada categoría. De hecho, no lo hacen. Hoy en día es demasiado fácil querer encasillar la música en una categoría: esto es jazz; esto es soul; esto es funk. Yilian Canizares, en este maravilloso álbum, rompe los estereotipos y por eso es un placer escucharlo. Dulces estallidos musicales, explosiones de improvisación que saltan por todas partes. Incluso encuentra un hueco para rapear en "Iya Mi" y, obviamente, ¡es brillante!
Si tuviéramos que ponerle una etiqueta, cosa que no me entusiasma, diría que se trata de un álbum de jazz cálido con toques y trucos de infusión latina. La melodía serpenteante de "Beroni Abebe Osun", el primer tema del álbum, es un buen indicador de ello. El bajo palpitante, el latido del tema, con su violín punteado, la sangre que bombea por sus venas.
Cañizares también es lingüista, por si no era suficiente para que todos la admiráramos. La forma en que pasa del español a un francés de sílabas perfectas en su versión de "Je Ne Regrette Rien" de Edith Piaf (una versión preciosa, por cierto) no tiene fisuras y se le podría perdonar que pensara que es su primera lengua. No es fácil versionar canciones tan grandes como el clásico de Piaf, pero Cañizares lo hace con estilo, clase y, lo que es más importante, gracia. Todo lo que no sea gracia en un tema como éste lo convierte en una mala versión. Podría ser su propio tema, las cuerdas perfectamente ligeras para complementar la calma de la voz y la facilidad con la que la letra de Piaf nos quita el peso del mundo de encima. No me arrepiento de nada". Tan sencillo. Yilian Canizares, te saludamos. Y estaremos atentos al próximo álbum._(kreolmagazine)

                                                                         

Yilian Cañizares - Invocación (2015)

Temas:
01. Beroni Abebe Osun
02. Laïla
03. Donde Hay Amor
04. Mapucha
05. Lucero
06. Non Je Ne Regrette Rien
07. Toi Mon Amour
08. Invocación
09. Canción De Cuna Para Dormir A Un Negrito
10. Iya Mi

Musicos:
Yilian Cañizares (Violín y voz)
Daniel Stawinski (Piano)
David Brito (Contrabajo y bajo eléctrico)
Cyril Regamey (Batería y percusión)

Invitados:
Akua Naru en Iya Mi 
Gabi Guedes Gã & atabaques Rum, Pi, lé
Blaise Lambelet corno inglés en Laïla
Caxeiras do Divino da Família Menezes, Graça Reis & Bartira Menezes Caxeiras & 
coro brasileño en Beroni 
Julia Stuller, Gàbor Barta, Ivan Zerpa cuerdas en Non je ne regrette rien
Luis Carbonell Voz en Canciòn de cuna para dormir a un negrito
Juan Carlos Toca Voz en Mapucha
Todos los temas de Yilian Cañizares excepto Beroni Abebe Osun (tradicional/ Y. Cañizares) y 
Non je ne regrette rien (Vaucaire/Dumont)
Arreglo de cuerdas (Non je ne regrette rien ) por André Mehmari
Cyril Regamey utiliza exclusivamente platillos Istambul, baquetas Vater y parches Aquarian

sábado, 23 de diciembre de 2023

Randy Weston and his African Rhythms Sextet - The Storyteller


Randy Weston (Brooklyn, Nueva York; 6 de abril de 1926-ib., 1 de septiembre de 2018) fue un compositor, músico y pianista estadounidense de jazz.
Creció en un ambiente de músicos. Conocía a Max Roach, Cecil Payne y Duke Jordan, Eddie Heywood era su vecino, Wynton Kelly su primo y Thelonious Monk fue uno de sus primeros profesores y una gran influencia. A finales de la década de 1940 da comienzo su carrera profesional, trabajando en agrupaciones de r&b. La primera grabación de Weston como líder vio la luz en 1954 con el título Randy Weston plays Cole Porter - Cole Porter in a Modern Mood. Durante la década de 1950 Weston trabaja en el área de Nueva York con músicos como Cecil Payne, Kenny Dorham y Melba Liston y adquirie una gran reputación como compositor, con temas que hoy pertenecen al repertorio de standards como «Hi-Fly» o «Little Niles». El interés por sus raíces lo lleva a visitar África, un lugar que siemrpe ha estado muy presente en la obra y en la vida de Weston; en 1961 y 1963 visita Nigeria, y desde 1968 hasta 1973 se asienta en Marruecos, donde queda fascinado por la música y la espiritualidad del continente y desde donde continúa viajando en busca de nuevos talentos para su música.
Durante el resto de la década de 1970 Randy Weston continúa efectuando giras y editando trabajos para Arista, Polydor y CTI, pero a mediados de la siguiente década vuelve a Marruecos. Tras un pequeño período de inactividad en los estudios, retoma su actividad a finales de la década de 1980, grabando una serie de álbumes para Antilles y Verve entre los que cabe destacar su trilogía Portrait (dedicados a Elington, Monk y a sí mismo) y su ambicioso The Spirits of Our Ancestors un álbum de blues que traza los orígenes de esa música con la colaboración de músicos marroquíes. En 1993 y 1995, fue premiado con dos Grammy​ y desde entonces continúa con su actividades y sus colaboraciones con músicos de otras culturas..._(wikipedia)

Hace casi cincuenta años que el pianista y compositor Randy Weston tocó por primera vez en África, y desde entonces ha regresado en numerosas ocasiones -tres sólo este año 2010- para absorber los infinitos ritmos y colores del continente madre. Quizá más que ninguno de sus contemporáneos, Weston ha ahondado en las raíces africanas del jazz, ensalzando la belleza y riqueza de la cultura africana y estableciendo la conexión entre el pasado y el presente. The Storyteller, una grabación en directo maravillosamente íntima, es la primera grabación del quinteto African Rhythms (más el batería invitado Lewis Nash) desde Live in St. Lucia (Image Entertainment, 2003), y es conmovedora por ser la última grabación del trombonista Benny Powell, que falleció en junio tras 27 años cocinando blues en el conjunto de Weston.

El disco se abre con una pieza para piano solo dedicada al percusionista afrocubano Chano Pozo, que desempeñó un papel fundamental en la fundación de las raíces del jazz latino junto al trompetista Dizzy Gillespie en la década de 1940. Sin embargo, es el espíritu del pianista Thelonious Monk el que canta con fuerza. Weston fue uno de los primeros pianistas de los años 50 en dejarse moldear por el sonido de Monk, y aquí construye sobre las melodías más sencillas un vocabulario de elegancia y disonancia. Grandes acordes graves y notas de bajo salpican ruidosamente entre ligeros figurines de la mano derecha, trinos, ecos de zancadas y patrones nudosos que se resuelven en frases que fluyen suavemente, de refinamiento y lirismo: es una narración hipnótica.
Hay una vibración afrocubana más evidente en "African Sunrise", encargada para el Festival de Jazz de Chicago de 1984 en homenaje a Dizzy Gillespie y la Machito Orchestra. Junto con Gillespie y el pianista Ahmad Jamal, Weston ha sido uno de los pocos líderes del jazz que ha empleado sistemáticamente percusión africana y afrocubana en sus pequeños conjuntos, y el percusionista Neil Clarke y el siempre versátil Nash hacen girar la música poderosamente tras una emocionante y escalada introducción percusiva. El largo y serpenteante solo del saxofonista T.K. Blue alcanza cotas de éxtasis, mientras que el bajista Alex Blake y Powell sostienen un fondo groove. Weston anima al conjunto de forma perspicaz y discreta, y bajo su batuta el sexteto se cocina como la banda de Duke Ellington de 1940.

Un seductor solo de piano, "Tehuti", y un solo de bajo maravillosamente percusivo y funky de Blake cierran los 14 minutos de "Jus' Blues". Los tres segmentos constituyen "The African Cookbook Suite" y proporcionan otra deliciosa porción de Ellingtonia. El trombón gruñendo, el saxofón elevándose, el conjunto tocando ajustadamente y la vibrante percusión que sube y baja en oleadas son apuntalados por la discreta y engatusadora forma de tocar de Weston. El solo de blues de Powell es un modelo del poder del fraseo por encima del virtuosismo, y en general su forma de tocar a lo largo de The Storyteller desmiente sus 80 años y su salud en declive.
Durante 40 años Weston recurrió a la arreglista Melba Liston para dar forma a sus ideas musicales, y su enorme experiencia en las bandas de Gillespie, Gerald Wilson, Count Basie, Dexter Gordon y Billie Holiday sin duda ha dejado huella en Weston, cuyos arreglos elegantes y vibrantes consiguen que un combo de seis músicos cante como una big-band.
En su autobiografía African Rhythms (Duke University Press, 2010), Weston cuenta que "Caravan" -la melodía de Juan Tizol/Irving Mills/Ellington- fue la primera canción africana que escuchó, y puede que tuviera un profundo efecto en Weston, ya que el lento y metódico ritmo de "The Shrine" y la exótica melodía evocan una caravana por el desierto. T.K. Blue aporta una encantadora flauta cantante a la mezcla y el trombón de Powell ronronea en un lento vaivén. El solo de Weston está muy bien ponderado, y sus vibrantes y ondulantes motivos tienen un aire casi elegíaco. Este número altamente atmosférico se desvanece suavemente como los últimos rayos del sol al final del día, y las campanadas susurrantes y los platillos fantasmales evocan imágenes de espejismo.
Los ritmos enérgicos de "Loose Wig" proporcionan el marco para que Weston explore toda la gama de las teclas, combinando acordes de bajo profundos con ráfagas rápidas en los registros más altos. La canción apareció por primera vez en The Modern Art of Jazz (Dawn, 1956) cuando los oídos de Weston estaban abiertos a Monk, y no es de extrañar que en la interpretación de Weston resida más de una pizca de la personalidad de Monk, aunque este arreglo es rítmicamente más dinámico que el original.

Dos temas perennes de Weston completan el conjunto. Su tema emblemático, "Hi-Fly", es aquí completamente reajustado y ralentizado para convertirse en una balada suavemente bluesy, aunque la coda, "Fly-Hi", cierra el círculo y devuelve el tema a su dinamismo de medio tempo de hace medio siglo, con un ligero sabor latino. El último número y el único no original, "Love the Mystery of", escrito por el influyente batería ghanés Guy Warren, presenta cantos bajos y una dulce flauta en compañía de una percusión al galope.
The Storyteller es una de las grabaciones más satisfactorias de la larga y distinguida carrera de Weston, y un digno testamento del arte de Benny Powell, que se ha ido para unirse a los antepasados._Ian Patterson (allaboutjazz)
                                                                                
                                                                           


Temas:
01. Chano Pozo
02. African Sunrise
The African Cookbook Suite: 03. Tehuti, 04. Jus' Blues, 05. The Bridge
06. The Shrine
07. Loose Wig
08. Wig Loose
09. Hi Fly
10. Fly Hi
11. Love, The Mystery Of

Musicos:
Randy Weston (Piano)
Benny Powell (Trombón)
T.K. Blue (Saxo, flauta)
Alex Blake (Bajo)
Neil Clarke (Percusión africana)
Lewis Nash (Batería)

sábado, 16 de diciembre de 2023

Adela Dalto - Peace


Papa Boco", el primer disco de Milestone de la vocalista Adela Dalto, integra sofisticados elementos de la música latina y brasileña con el jazz para crear una atractiva mezcla de sensuales ritmos ardientes y sensuales voces. "Papa Boco" ha sido coproducido por Todd Barkan y el pianista y arreglista Aloisio Aguiar, colaborador de Adela durante los últimos quince años, y cuenta con el respaldo de un elenco de músicos latinos y brasileños como el trompetista Claudio Roditi, el flautista Dave Valentin y el guitarrista Romero Lubambo, así como los percusionistas Milton Cardona, Steve Berrios y Cafe. Los arreglos fueron escritos por Adela y Aguiar, que también toca los teclados en ocho de los diez temas del álbum.
La enérgica canción que da título al disco, "Papa Boco", en la que destaca el estimulante trabajo de trompeta de Roditi, fue escrita por un amigo de Adela, el Dr. Sánchez Acosta, y cuenta la historia de un médium de la santería que protege a los creyentes del mal llevando un pañuelo rojo y un puro en una mano y una vela en la otra. La santería, que se practica en muchos segmentos de la comunidad latina, cuenta con Adela entre sus creyentes; ella siente que "cuanto menos sepa de ella, mejor protegida estaré. Pero mantengo mi vaso de agua cerca de la puerta principal".
Adela se enamoró de "Peace", del pianista y compositor Horace Silver, cuando trabajaba con un grupo de jazz latino y buscaba canciones interesantes. Rápidamente la añadió a su repertorio y está encantada de grabarla por fin. La versión de Adela, quizá la interpretación vocal definitiva del jazz, cuenta con un solo de tenor de Dick Oatts, veterano de la Mel Lewis Jazz Orchestra.
"Papagaio Rei", una apetitosa samba escrita por Adela y Aloisio Aguiar, lleva el nombre de Aguiar. "Aloisio", explica Adela, "es un gran hablador, así que algunos de los chicos le apodaron Papagaio, que significa loro. Cuando llamé a Claudio y le pedí que tocara en la sesión, me dijo que también tenía una canción llamada 'Papagaio', que en portugués también significa cometa. Así que Aloisio sugirió que añadiéramos la palabra Rey al título". La composición empezó como un gancho de Aloisio que Adela utilizó para una introducción de una composición de Jo o Donato, pero "luego decidí que era demasiado bonito para desperdiciarlo, así que nos juntamos y se nos ocurrió esta melodía."
La leyenda brasileña ya fallecida Antonio Carlos Jobim compuso la lírica "Falando de Amor", y Adela la eligió porque "me encantan muchas de sus canciones y todas son muy bonitas. Esta canción es de uno de sus discos más antiguos, que solía escuchar hace mucho tiempo, antes de hablar portugués. Nunca supe realmente lo que decía la canción antes, pero ahora que hablo portugués, la letra ("hablando de amor") cobró vida, y decidí que era el momento de grabarla".

"Guajiro Mio" es un vigoroso chachachá compuesto por Adela, su difunto marido Jorge y el teclista Aguiar. Adela cuenta que "Guajiro es el apodo de los montañeses de Puerto Rico y Carlos Santana grabó una canción titulada Vamonos Guajira', así que esto es en respuesta a su canción".
"April Child" fue escrita por Moacir Santos, un brasileño afincado en California. "Esta melodía existe desde hace tiempo", explica Adela, "y me pareció apropiado grabarla en este álbum, que es una combinación de música brasileña, latina y jazz". Oatts vuelve para otra pausa de tenor que sirve para animar los ya alegres procedimientos.
Aunque está definitivamente en la onda latina, Adela cree que su original "I'll Always Remember" es "más una melodía pop. Cuando escribo, se me ocurren melodías y letras al mismo tiempo". Aloisio se sienta al piano a buscar acordes y probar cosas. Aloisio y yo trabajamos mucho juntos y ésta es una canción que arreglamos con un sentimiento pop".
"Sad Love Song" se basa en el estándar brasileño "Menina Moáa", grabado por Stan Getz y Lee Konitz. Adela grabó originalmente la composición con Konitz, pero prefería una letra americana; así que un día en Japón, mirando desde su habitación de hotel, dio rienda suelta a su imaginación, creando la nueva letra. El arreglo de Aguiar incluye la flauta contralto de Valentin.
Adela escribió la letra de "Up Jumped Spring", del trompetista Freddie Hubbard, y el resultado es "Sweet Spring". Después de sentarse con Hubbard y cantar el estándar "It Might As Well Be Spring", él le pidió que escribiera una nueva letra para su composición, "Up Jumped Spring". "Describió la canción como escrita para su hijo, que había nacido esa primavera. Me dijo que parecía que su hijo acababa de salir de la tierra como una flor de primavera. Lo tuve en cuenta cuando escribí la letra, que le gustó mucho. Así que me dejó cambiarle el título".
El cierre, otro original de Dalto, "Estaba en Nada", significa literalmente "[él] no era nada". "Es una canción divertida sobre una chica que habla a sus amigas de un tipo estupendo que acaba de conocer, pero resulta que no tenía coche, no tenía dinero para el autobús, estaba casado, tenía seis hijos y vivía con su suegra, ya sabes, estaba en nada".
Nacida en Texas de padres mexicanos, Dalto se crió en Gary, Indiana. Estuvo muy influenciada por el r&b y el jazz. Fue su difunto marido, Jorge Dalto, quien animó a Adela a iniciar su carrera profesional. Jorge, antiguo pianista y director musical de George Benson, ayudó a Adela a desarrollar su interés por el jazz y la introdujo en los sutiles y emocionantes ritmos de la música latina y brasileña. Cuando empezó a estudiar y a cantar profesionalmente, Adela se vio muy influenciada por las cantantes de jazz Sarah Vaughan y Dinah Washington, las vocalistas latinas Graciela y Celia Cruz, así como por las brasileñas Elis Regina y Leny Andrade.

Tras varios años actuando localmente en Nueva York, Adela se unió a la InterAmerican Band de Jorge y grabó "Ease My Pain" en su CD Urban Oasis de 1985. Desde entonces, ha trabajado con los favoritos latinos Jerry González y Hilton Ruiz, además de actuar con la Latin Jazz Orchestra del saxofonista panameño Mauricio Smith en el Rainbow Room de Nueva York. Adela también fue vocalista destacada de la Orquesta Afrocubana de Mario Bauza y del conjunto AfroJazzia de Carlos "Patato" Valdés. Recientemente, la cantante residente en Nueva York ha actuado regularmente con su propio grupo y como vocalista invitada en clubes tan conocidos de Manhattan como Blue Note, S.O.B.'s y Birdland._(concord)
                                                                              
                                                                                    

Adela Dalto - Peace (1995/2019)

Temas:
01. April Child
02. I'll Always Remember
03. Papagaio Rei
04. Falando De Amor
05. Guajiro Mio
06. Peace
07. Sweet Spring
08. Sad Love Song
09. Estaba En Nada
10. Papa Boco

Musicos:
Adela Dalto (Voz)
Aloisio Aguiar (Teclados)
Dick Oatts (Saxo soprano, saxo tenor, flauta)
Romero Lubambo, Yomo Toro, Paul Ricci (Guitarra)
Sergio Bradao, Joe Santiano (Bajo)
Rick Sebastian, Steve Berrios (Batería)
Cafe, Milton Cardona, Jorge Da Silva (Percusión)
Dave Valentin (Flauta alto, flauta bajo)
Gilbert Colon Jr (Piano)
Claudio Roditi (Trompeta)
Deborah Resto (Coros)

Grabado en el Variety Studio de Nueva York en julio-agosto de 1995
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
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De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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