Paquito D'Rivera & James Moody - "Who's Smoking?!"

El entusiasmo que generó la llegada de Paquito D'Rivera a Estados Unidos en 1980 no ha disminuido. Pero el énfasis se ha desplazado desde hace tiempo de su deserción cubana a su pura musicalidad. Así debe ser, ya que su traslado original a Estados Unidos fue un paso musical, no político.
La combinación de pasión y pasión que impregnó su interpretación desde el principio se ha profundizado. La textura de sus pasajes de alto y soprano, y en particular de clarinete, se ha vuelto sedosa. Y su inventiva, siempre impresionante, ha florecido considerablemente.
Para esta sesión, reunió no sólo a importantes colaboradores del jazz latino como el trompetista Claudio Roditi y los pianistas Danilo Pérez y Pedrito López, sino también a distinguidos músicos tradicionales como el saxofonista tenor James Moody, el fliscornista Mark Morganelli, el bajista Harvie Swartz y el baterista Al Foster.
La combinación brilla en el percusivo tema inicial, Who's Smoking?!, un original de D'Rivera/Roditi. Tras un estribillo típicamente innovador de Moody, Paquito inyecta pasajes brillantes y explosivos, y Morganelli y Roditi lideran una carga transicional hacia Pérez.
John Coltrane's Giant Steps gets a distinctively new dimension from Moody's tenor and D'Rivera's clarinet. Moody's chorus, replete with glorious exploration, is breakneck. And Paquito, on this cut and later on I Mean You and Out of Nowhere, gives evidence that he is among a handful of supreme clarinetists. Together, he and Moody cut a new swath through the extraordinary changes.
D'Rivera pasa al saxo soprano para interpretar Irremediablemente Solo, un tema de tempo medio lleno de líneas descendentes sólidamente respaldadas por Pérez, Swartz y Foster. El saxo soprano de Paquito, que comenzó a tocar a los cinco años, tiene el mismo fuego que pone en el saxo alto y el clarinete.
Todo el conjunto, con Pedrito López al piano, vuelve para interpretar el tema original de Roditi, Linda's Moody. El sutil ritmo latino da paso a los solos de Roditi, Moody y López. 
D'Rivera se desliza sobre la base percusiva de su uptempo Desert Storm con el saxo soprano. A su estribillo le siguen las ricas explosiones del fliscorno de Roditi, antes de que el pianista Pérez construya un solo que va desde los graves retumbantes hasta las vertiginosas escalas.
El pianista López regresa con su propia composición, Nuestro Bolero, y D'Rivera elige el saxo alto para crear un ambiente romántico. Swartz, cuyo bajo pizzicato le da a todo una columna vertebral formidable, está especialmente sabroso en este tema, contrarrestando las líneas líricas de Paquito con miel.

D'Rivera pasa al clarinete y se luce en I Mean You, de Thelonious Monk, que también brinda a Pérez y Swartz la oportunidad de brillar por sí mismos.
You Got It, Diz!, un tema original de Pérez, comienza con una introducción en conjunto al estilo de Monk, y luego D'Rivera lo lleva adelante con rápidos pasajes de saxo alto. Roditi maneja su coro con más suavidad durante unos compases, luego se adentra en el tempo y finalmente se aparta para dar paso a las vibrantes cascaras de Moody.
El final, Out of Nowhere, es un dúo magistral entre D'Rivera al clarinete y Swartz al contrabajo. Rebosa la dinámica y la inventiva de Paquito, con sus líneas suaves y susurrantes que recuerdan el sonido único del clarinete que Tony Scott grabó en los años 50. Swartz es toda la base que D'Rivera necesita para sus saltos de octava y sus líneas de filigrana.

D'Rivera me dijo en una entrevista en 1982: «Mi música es una mezcla de tres cosas principales: la formación clásica, mis raíces cubanas y la tradición del jazz». Las tres están aquí gloriosamente presentes._Stuart Troup. Coautor de la autobiografía de Woody Hennan, The Woodchopper's Ball (E. P. Dutton)

                                                                          

                                                                                   

Paquito D'Rivera & James Moody - "Who's Smoking?!" (1991)

Temas:

01. Who's Smoking?! (Paquito D'Rivera & Claudio Roditi)

02. Giant Steps (John Coltrane)

03. Irremediablemente Solo (Incurable Alone) (Avelino Muñoz)

04. Linda's Moody (Claudio Roditi)

05. Desert Storm (Paquito D'Rivera)

06. Nuestro Bolero (Pedritp Lopez)

07. I Mean You (Thelonious Monk)

08. You Got It, Diz! (Danilo Perez)

09. Out Of Nowhere (Edward Heyman & Johnny Green)

Musicos:

Paquito D'Rivera (Saxo alto, saxo soprano, clarinete)

Claudio Roditi (Trompeta, fliscorno)

Mark Morganelli (Fliscorno)

James Moody (saxo tenor)

Danilo Pérez (Piano)

Pedrito López (Piano)

Harvie Swartz (Bajo)

Al Foster (Batería)

Grabado: 21 y 22 de mayo de 1991 en BMG Studios, Nueva York

Interactivo - Cubanos Por El Mundo

Interactivo. Es una de las agrupaciones más aceptadas y seguidas por la juventud nacional. Desde las primeras presentaciones en distintos espacios capitalinos -apenas entrado el Siglo XXI- este sui generis proyecto musical no ha dejado de impresionar al exigente público especializado y a los admiradores del buen arte sonoro de la Isla.
Interactivo surgió en el año 2001 de manera espontánea, cuando Roberto Carcassés fuera el arreglista del primer disco de la multiinstrumentista y cantante cubana Yusa; ambos quedaron muy motivados con ese trabajo y a partir de entonces surgió la idea de convocar a otros músicos, convirtiéndose en uno de los sucesos más novedosos dentro de la música cubana actual.
No es una banda musical formalmente constituida, sino una agrupación a la que se suman instrumentistas y vocalistas que ya tienen, de manera individual, una sólida carrera profesional, y para los cuales Interactivo es una puerta abierta a la libertad musical creativa, al trabajo en equipo y a la experimentación.
Solo hay que compartir con ellos tras las “patas” de cualquier escenario, en una gira o ensayo, para darse cuenta que detrás de toda esa locura, de esas “tormentas de ideas” musicales, supuestamente descabelladas, hay toneladas de horas de estudio y preparación, conceptos bien claros de lo que pretenden hacer a través de esa urdimbre de géneros diversos, a la vez que cercanos; lo evidente de una estrategia que contempla el retozo serio con lo mejor de la música criolla y su fusión con el Rock, el Jazz, el Rap, el Flamenco y los Ritmos africanos. Músicas cercanas a pesar de distancias y barreras, músicas también nuestras en estos tiempos de mundialización y tantas influencias.

Así que Interactivo es laboratorio, taller, es postgrado... es paréntesis para compartir y conocer lo que están haciendo otros músicos, es el espacio al que siempre se quiere volver, porque no impone reglas que vayan más allá de los deseos de crear juntos buena música.
Desde el principio, Roberto Carcassés (hijo de Bobby Carcassés, grande entre los jazzistas cubanos), fundador y al frente del proyecto, sabía muy bien lo que pretendía con Interactivo.
Ya el primer CD, “Wanted”, advertía en uno de sus textos fundacionales: “...como su nombre pretende expresar, es un espacio de creación lo más abierto y ecuménico posible, que recibe y aporta influencias de todas las músicas de vanguardia cualitativa y que puede de hecho, convertirse en escenario por el que transiten los músicos cubanos, o de otras latitudes, con un discurso musical en común con sus integrantes. Interactivo es, sobre todas las cosas, buena música, hecha por jóvenes y talentosos músicos”.
Según el líder de la banda, “es la disposición de compartir música o, simplemente, de anular el ego o usarlo como una herramienta que te ayude a compartir. Yo tengo 30 músicos en el escenario y todos están en función de la música. Ese es el principio de Interactivo”. Y hay más: “nosotros estamos haciendo música, pero al mismo tiempo involucramos, como en este último concierto, a cineastas y a la televisión. Ellos no sabían cómo ponerse de acuerdo. Y yo les decía que esto se llama Interactivo porque hay que aprender a ponerse de acuerdo”.
Robertico organizó el proyecto Interactivo, con una pléyade de jóvenes de mucha aceptación: los más habituales en sus presentaciones han sido Francis del Río y la rapera Telmary Díaz, el guitarrista Elmer Ferrer, el saxofonista Roberto Martínez, Adel en las congas y Wilson. También se han unido con frecuencia Yusa en el bajo, William Vivanco y Kelvis Ochoa, cantautores de sólidas carreras que han sido “enganchados” por el juego Interactivo.

Otros que han participado en el proyecto son en el drums Oliver Valdés y Rodney Barreto, bajo Carlos Ríos, en la guitarra Raul Verdecia, congas Yaroldi Abreu, trompeta y voz Julio Padrón, trompeta Alexey Barroso, saxo Carlos Miyares y David Suárez, trombón Juan Carlos Marín, coros y guiro Brenda Navarrete, coros Lisset Ochoa y Marjorie Rivera..._(ecured)

«Cubanos por el mundo» es el título de la primera gira que el grupo Interactivo realizará por varias provincias del país, del seis al 24 de febrero próximo, bajo la dirección del destacado músico Roberto Carcassés, informó AIN.

El periplo lleva el nombre de la última producción discográfica de esa agrupación, grabada por la disquera Bis Music de Artex y que fue muy bien acogida por el público desde las primeras presentaciones, según indican los organizadores del recorrido.

Esta serie de conciertos presentará el quehacer de ese elenco de talentosos jóvenes, vanguardia de un movimiento alternativo que fusiona barios géneros musicales como la salsa, la timba, el pop, el rock, el hip-hop y ritmos afrocubanos, a la que Carcassés denomina Timba Funky, o música cubana contemporánea.

William Vivanco, Francis del Río, Kelvis Ochoa, Oliver Valdés, Julio Padrón, Telmary y Elmer Ferrer, entre otros, se integran bajo el ensamble Interactivo donde, aseguran, se logra una gran apertura para la creación musical, la innovación y el trabajo en equipo.

Surgido hace más de una década, el conjunto ha demostrado su capacidad interpretativa en los más exigentes escenarios dentro y fuera de Cuba, con gran aceptación del público y la crítica especializada.

En el 2006 fueron merecedores del Gran premio Cubadisco con el álbum Goza pepillo, además acapararon los primeros lugares en las categorías de Fusión y Ópera Prima de este certamen.

La música de Interactivo a lo largo de su existencia ha estado marcada también por la impronta de músicos de generaciones, orígenes y tendencias musicales diversas, pues a la banda se han sumado ocasionalmente figuras como: los bateristas Samuel Formell, Ruy López-Nussa, Amed Michel, Frank Durán y Ramsés Varal; los raperos Kumar y el grupo Free Hole Negro; los percusionistas Alejandro Aparicio "El Pícaro" y Pancho Terry; el trompetista Yasek Manzano y el trombonista Juan Carlos Marín; los saxofonistas Román Filiú e Irving Acao; el bajista Omar Pérez; los cantautores Santiago Feliú, Kelvis Ochoa, Gema Corredera y Pavel Urquiza, y la cantante Haydeé Milanés; el compositor y bajista Descemer Bueno; músicos de Habana Abierta, y muchos otros. También en estas descargas han participado el brasileño Lenine y los integrantes del grupo español Ojos de Brujo.

Interactivo es pues un maravilloso laboratorio del que emana la sonoridad cubana de estos tiempos, y sus músicos están escribiendo páginas que habrán de ser tenidas muy en cuenta, cuando se aborde la historia sonora de la Isla en el siglo XXI._(juventudrebelde)

                                                                                   

                                                                             

Interactivo - Cubanos Por El Mundo (2010)

Temas:

01. Tocando Mientras Llueve

02. Chica Cubana

03. Chiqui Chaca (Cadaver Exquisito)

04. Que Ya No Hay Amor

05. Samba De Los Cotuntos

06. Que No Pare El Pare

07. Rumba Contigo

08. Sali De Mi Casa Un Dia (Jana)

09. Para Alegrarte El Corazon

10. Cubanos Por El Mundo

11. LLuvia De Sentimiento

Musicos:

Roberto Carcassés (Piano, rhodes, voz, coros, palmas)

Carlos Ríos (Bajo, coros)

Feliciano Arango (Bajo)

Néstor Del Prado (Bajo)

Rodney "Barretico" Yllarza Barreto (Batería)

Oliver Valdés (Coros, tamborine, shaker, pandeiro)

Adel Gonzalez (Percusión)

Julio Padrón (Trompeta, voz, coros, palmas)

Juan Carlos Marin (Trombón)

David Suarez (Saxo tenor, saxo soprano)

Carlos Miyares (Saxo tenor)

Elmer Ferrer (Guitarra eléctrica)

José Luis Martínez (Guitarra eléctrica)

William Vivanco (Guitaras, voz, coros)

Lisset Ochoa (Coros, palmas)

Marjorie Rivera (Coros, palmas)

Yusa (Voz, palmas)

Francis del Río (Voz, coros)

Telmary Díaz (Voz)

Melvis Santa (Voz)

Descemer Bueno (Voz)

Santiago Feliú (Voz)

David Torrens (Voz)

Oscar Valdés (Voz)

Bobby Carcassés (Voz)

Kelvis Ochoa (Voz)

Fahir Atakoglu - Live At Umbria Jazz

Mustafa Fahir Atakoğlu (pronunciación turca: [faːˈhiɾ ˈatakoːɫu], nacido el 28 de enero de 1963) es un pianista y compositor turco-estadounidense que ha colaborado con una amplia gama de artistas en diversos géneros musicales, desde música sinfónica hasta jingles publicitarios. Nació en Estambul, Turquía.

Desde los siete años, Atakoğlu se interesó por la música y comenzó a tocar el piano y la batería. Aunque su familia deseaba que siguiera con el negocio familiar, su madre fomentó su pasión por la música y, gracias a su profesor de música, Muzaffer Uz, conoció a Cemal Reşit Rey, el famoso compositor, pianista, guionista y director de orquesta turco. Atakoğlu estudió con Rey de 1977 a 1979. Asistió al Conservatorio Estatal de Estambul de 1978 a 1980. En 1980 se trasladó a Londres y durante cinco años estudió en la London School of Music y en el Croydon College. Se graduó en marketing y publicidad en el Croydon College en 1983 y regresó a Estambul para trabajar como compositor de jingles publicitarios..._(wikipedia)

Fahir Atakoglu es un habitual del circuito de festivales, y esta grabación se realizó en una de esas actuaciones. La tecnología se ha utilizado con maestría, y el Teatro Morlacchi de Umbría proporciona la calidez y la nitidez perfectas para esta grabación impecable, caracterizada no solo por el sonido voluptuoso del piano de cola Fizoli que toca Atakoglu, sino también por el sonido cincelado del bajo y la precisión de la batería de Horacio «El Negro» Hernández. Fahir Atakoglu debió de sentirse muy a gusto con el ambiente del auditorio, y al parecer, también el público, que permaneció sorprendentemente silencioso para un evento de esta envergadura. De hecho, la interpretación alcanza un clímax sonoro constante durante poco más de una hora.

Atakoglu interpreta composiciones originales, algunas de las cuales datan de su álbum de quintetode 2008. Los deliciosos ululatos crean la atmósfera de un zoco de Oriente Medio resplandeciente de color, con ecos de pregones de vendedores en las partes vocales cantadas por el pianista. Su interpretación, sin embargo, no es ni meticulosa ni una reproducción seca y literal de la ambientación del mercado, sino que utiliza ambos tipos de evidencia como punto de partida para un enfoque original y convincente. «Faces» es un buen ejemplo, ya que la concepción de Fahir Atakoglu para construir la textura esencialmente elude la de la mayoría de sus contemporáneos y se adentra en un reino marcado por la amplia influencia de las preferencias culturales moriscas y gitanas, fusionando ambas como una especia exótica de un Gran Bazar.

El fluido, versátil y sensible al timbre Fahir Atakoglu es un técnico de excepcional elegancia y sofisticación. Parte de esa sofisticación reside en su negativa a deslumbrar. La técnica se pone siempre al servicio de fines estrictamente musicales. El gusto y la sensibilidad son de suma importancia, y su interpretación al piano fluye como un aceite perfumado. Su ejecución se caracteriza por una inflexión sumamente melódica, y es sinuosa, natural y discretamente sensual; la paleta tonal es siempre refinada, y la polifonía que impregna las texturas musicales es eminentemente clara, pero nunca ostentosa.

A lo largo de toda la obra, Fahir Atakoglu se revela como un pianista excepcional. Pero también lo hacen el bajista Alain Caron y el baterista Horacio "El Negro" Hernández. Caron es un músico sublime que se sitúa en una élite entre los bajistas. Su bajo y sus amplificadores proyectan su sonido característico sobre la expectante atmósfera del auditorio. El repiqueteo y el zumbido de la batería de "El Negro" Hernández —un enorme conjunto de instrumentos afinados y una profusión de platillos— se interpretan con la pompa y solemnidad que lo caracterizan. Este conjunto de acompañamiento proporciona un gran estímulo al pianista, permitiéndole ir aún más allá de sus límites. Si a esto le sumamos la magnífica calidad de sonido, el resultado es una experiencia grabada verdaderamente inolvidable para disfrutar una y otra vez._ Raul Da Gama (latinjazznet)

                                                                             

                                                                              

Fahir Atakoglu - Live at Umbria Jazz (2016)

Temas:

01. Beyoglu

02. Sync-op

03. Aheste

04. Faces

05. Gypsy In Me

06. Connection

07. Black Sea

08. Ess

09. Trapped

10. Saturday

Musicos:

Fahir Atakoglu (Piano)

Alain Caron (Bajo eléctrico)

Horacio "El Negro" Hernández (Batería)

Stan Getz & Joao Gilberto - Getz / Gilberto

En noviembre de 1962, varios músicos brasileños importantes, entre ellos João Gilberto, Oscar Castro-Neves, Luis Bonfá y Sergio Mendes, llegaron a Nueva York para ofrecer un concierto en el Carnegie Hall. Si bien Stan Getz no tocó en el concierto (y es posible que ni siquiera asistiera), el éxito de su álbum «Jazz Samba» (codirigido con Charlie Byrd) había impulsado el interés estadounidense por la bossa nova. Muchos brasileños decidieron quedarse en Nueva York unos meses para aprovechar la popularidad del género. El productor de Getz en Verve, Creed Taylor, decidió reunir al saxofonista con varios de ellos para crear una colección de discos de bossa nova que publicaría a lo largo de varios años.

Grabado en marzo de 1963, “Getz/Gilberto” fue un auténtico encuentro entre músicos brasileños: Getz al saxo tenor, Antonio Carlos Jobim al piano y João Gilberto a la guitarra y con voz en portugués. Los acompañaban otros dos brasileños: el bajista Sebastião Neto y el baterista Milton Banana. Gilberto era un conocido recluso, y la esposa de Getz fue llamada para recogerlo de su hotel, situado a pocas manzanas. Es posible que durante esta negociación, la esposa de Gilberto, Astrud, fuera invitada a participar y cantar las letras en inglés de dos de las canciones. Sea como fuere, la voz tímida y susurrante de Astrud fue probablemente la clave del éxito que finalmente alcanzó el álbum.

Sin ella (o sin otra vocalista), “Getz/Gilberto” habría sido un álbum de música brasileña magníficamente interpretado, pero la voz sin restricciones de Astrud llevó las tiernas y melancólicas letras de “La chica de Ipanema” y “Corcovado” al público estadounidense. En general, el álbum no es muy arriesgado —ni Jobim ni los Gilberto eran improvisadores consumados, y Getz parece contenerse en todos los temas excepto en “Só Danço Samba”—, pero la química musical es visceral, desde los delicados obbligatos de Getz hasta la voz y guitarra discretas (pero muy influyentes) de João Gilberto, los delicados solos de piano de Jobim y el impecable ritmo entre Neto y Banana.

                                                                                

                                                                                  

Stan Getz & Joao Gilberto - Getz / Gilberto (1964)

Temas:

01. The Girl From Ipanema - Voz Astrud Gilberto

0 2. Doralice

03. Para Machuchar Meu Coração

04. Desafinado

05. Corcovado - Voces Introducción Astrud Gilberto

06. Só Danço Samba

07. O Grande Amor

08. Vivo Sonhando

Musicos:

João Gilberto (Guitarra y voz)

Stan Getz (Saxo tenor)

Tommy Williams (Bajo)

Astrud Gilberto (Voz) 

Antonio Carlos Jobim (Piano)

Milton Banana (Batería)

Grabado por Verve el 18 y 19 de marzo de 1963 en la ciudad de Nueva York

Kenny Burrell - Have Yourself a Soulful Little Christmas

Kenneth Earl Burrell, conocido en el mundo profesional del jazz, como Kenny Burrell (31 de julio
de 1931. Detroit, Michigan), nació en una de las grandes localidades del blues en los EE.UU. la muy industrial ciudad de Detroit. En su familia todos eran músicos y el ambiente no podía ser mas propicio para un joven que pronto se agarró a la guitarra de su hermano adoptando desde entonces el instrumento de cuerdas. Burrell comenzó a tocar la guitarra a los 12 años y rápidamente cayó bajo la influencia de artistas como Charlie Christian, Django Reinhardt, Oscar Moore, T-Bone Walker y Muddy Waters. Rodeado por la vibrante escena de jazz y blues de Detroit, Burrell comenzó a tocar en la ciudad y contaba entre sus amigos y compañeros de banda con el pianista Tommy Flanagan, los saxofonistas Pepper Adams y Yusef Lateef, el baterista Elvin Jones y otros. En 1951, le llega el primer contrato serio  de la mano de un genial trompetista llamado Dizzy Gillespie, que por aquel entonces dirigía un sexteto donde también tocaba el vibrafonista Milt Jackson, y un jovencísimo saxo tenor que años mas tarde revolucionaría el mundo del jazz llamado, John Coltrane. Precisamente con el quinteto de John Coltrane, Kenny Burrell grabaría años mas tarde, en 1958, dos discos de culto en su discografía.

A mediados de los cincuenta, Burrell Interrumpe brevemente su carrera musical para terminar los estudios de guitarra clásica en la «Wayne University» donde termina graduándose en 1955 con un diploma de »Bachelor of Music». Al año siguiente lo llaman para acompañar a Billie Holiday, en un magno concierto en el Carnegie Hall grabado por el sello Verve. Como recompensa a su buen hacer, empieza a ser llamado por diferentes grupos de jazz de distintos estilos. Así toca con los «Jazz Prophets» de Kenny Dorham, con Gene Ammons, y sobre todo con el organista, Jimmie Smith, con quien ha grabado numerosos y espléndidos disco para Blue Note. Pero Kenny Burrell, tiene también una amplia y excepcional discografía como líder de grupo y para los sellos mas prestigiosos como: Prestige, Verve, Cadet o Blue Note.
Ya consolidado en la élite, le sale un dificilísimo competidor en la persona de Wes Montgomery, quien es prácticamente el mejor guitarrista en aquella época.  En 1965 graba para Verve, el que es considerado uno de sus mejores discos: «Guitar Forms». Abre un local de jazz al que bautizó como: «The Guitar» y en los años setenta y ochenta viaja por todo el mundo para establecerse definitivamente en la Costa Oeste de los EE.UU. donde vive retirado en la actualidad._(apoloybaco)

Se han utilizado muchos adjetivos para transmitir el sentimiento navideño. "Alegre", "jovial" y "feliz" parecen haberse ganado el favor de la ciudadanía sensata. El resto de nosotros, que formamos parte de esa minoría marginal de "espíritus libres", somos un poco más desenfadados y recurrimos a términos como "genial", "maravilloso" o "fantástico". Pero una sola palabra, si todos la aceptaran racionalmente, bastaría: conmovedora. Porque eso es realmente lo que significa la Navidad. Se trata de esos sentimientos que trascienden la expresión humana, esas reflexiones que  desafían la cristalización. No hay momento de mayor impacto emocional que eluda la definición. Este álbum es su invitación a disfrutar de una Navidad libre y conmovedora con un maestro expresionista. Más, nadie podría desear.

Kenny Burrell es miembro de la élite del jazz, supongo, aunque estoy seguro de que nunca se molestaría en hacer tales categorizaciones. Sin embargo, se encuentra en  esa envidiable etapa de crecimiento en la que la mejora es una cuestión de desafío personal, ya que su interpretación ha superado todas las pruebas externas y ha sido aceptado como un artista verdaderamente consumado. La verdad es que un verdadero artista nunca está acabado. Burrell lo reconoce y por eso cada álbum que graba muestra un crecimiento y un desarrollo musical constantes. Este no es una excepción.

Hay una delicada sensibilidad en la obra de Burrell. Y hay un sentimiento blues recurrente. Detrás de estas dos cualidades se encuentran la habilidad técnica y el buen gusto que hacen que esa sensibilidad canta. Ya sea que esté tocando hábilmente una línea de una sola nota o llenando tu corazón con el sonido completo de un acorde, se muestra seguro y completamente cómodo con su instrumento. Hace que su música suene casi elementalmente fácil. En realidad, desarrolla líneas y patrones extremadamente complicados. Lo que disfrutamos es el arte, no la facilidad.

La característica más destacada de este álbum es su amplia y variada selección. Abarca desde canciones infantiles hasta estándares internacionales, desde temas populares hasta blues conmovedores, desde góspels hasta temas con sabor latino. Aunque la mayoría de ellos se han consolidado como   canciones navideñas, varios de ellos no lo han sido hasta ahora. My Favorite Things nunca ha encontrado un escenario más apropiado que este álbum navideño.

The Little Drummer Boy es alegre y animado. Todos lo sabíamos. Burrell nos muestra aquí que también es un pequeño swinger muy funky. Incluso los brillantes y sobrios instrumentos de viento, que comienzan con tanta majestuosidad, se contagian y pronto se unen al baterista en pleno apogeo. Hove Yourself a Merry Little la Navidad fluye suave y fácilmente. Burrell se expresa con sencillez y un ligero toque de fraseo blues. Richard Evans proporciona un colchón fluido con las cuerdas, que se balancean ligeramente bajo la guitarra.

Burrell es lineal y directo en My Favorite Things. Hay un fondo grande y audaz que Evans ha utilizado con cuidado. El gran sonido nunca resulta pesado ni limitante, sino que ataca y puntúa como un único instrumento. El solo de Burrell aquí es una amplia prueba de la complejidad y flexibilidad del músico.

Tal y como comienza aquí, Away in a Manger es una  canción de cuna. Desde un comienzo suave, Burrell construye una declaración intensamente personal y conmovedora. Una vez más, las cuerdas, que a veces tienen la desafortunada tendencia a volverse empalagosas, siguen siendo ecos fluidos y  el suspiro final les pertenece.

El aderezo latino viene con el sencillo Mary's Little Boy Chile. Justo después viene el clásico White Christmas. Aquí Burrell muestra el buen gusto que lo hace destacar. No usa trucos ni adornos extra para darle vida a la conocida melodía. La presenta con una hermosa sencillez.

God Rest Ye Merry Gentlemen empieza con el tono alegre y ligero que asociamos con la melodía inglesa. Más que ninguna otra del álbum, esta melodía pronto se convierte en ese atractivo sonido antifonal por el que Burrell muestra cada vez más interés últimamente. Aquí le da una dimensión completamente nueva a una melodía familiar. The Christmas Song es otra vez una declaración directa. Pero, ¿qué músico con gusto alteraría la estructura básica cuando lo único que se necesita es sensibilidad en la interpretación?

Go Where I Send Thee comenzó su andadura como espiritual. Aquí, Burrell la interpreta a un tempo alegre y animado, y la melodía toma prestada la atmósfera de sus vecinas para convertirse en un especial navideño de gran sonido. Silent Night es familiaridad refinada y reafirmada, un ejercicio de moderación para el guitarrista. The Twelve Days of Christmas rebosa un alegre espíritu festivo y Burrell termina el álbum con un blues contemplativo, Merry Christmas, Baby.

La Navidad puede traerte muchos recuerdos. Si es así, este magnífico álbum, que muestra el talento de Kenny Burrell y Richard Evans, te proporcionará sin duda la música para recordar. Paz._Barbara J.  Gardner

                                                                                 

                                                                       

Kenny Burrell - Have Yourself a Soulful Little Christmas (1966) 

Temas:

01. The Little Drummer Boy (Harry Simeone, Henry Onorati, Katherine K. Davis)

02. Have Yourself a Merry Little Christmas (Hugh Martin, Ralph Blane)

03. My Favorite Things (Rodgers & Hammerstein, Rodgers & Hammerstein)

04. Away in a Manger (Kenny Burrell)

05. Mary's Little Boy Chile (Jester Hairston)

06. White Christmas (Irving Berlin)

07. God Rest Ye Merry Gentlemen (Esmond Edwards, Richard Evans)

08. The Christmas Song (Mel Tormé, Robert Wells)

09. Go Where I Send Thee  (Esmond Edwards, Richard Evans)

10. Silent Night (Kenny Burrell)

11. Twelve Days of Christmas (Esmond Edwards, Richard Evans)

12. Merry Christmas Baby (Johnny Moore, Lou Baxter)

Orquesta arreglada y dirigida por Richard Evans

Kenny Burrell (Guitarra)

Grabado: octubre de 1966, en Ter Mar Syudios, Chicago

Tino Contreras - El Jazz Mexicano

El baterista mexicano, Tino Contreras, (3 de abril de 1924, Chihuahua, México – 9 de septiembre de 2021, Ciudad de México, México), es en su país y en el mundo del jazz latino una verdadera leyenda.  Creador y compositor, durante cinco décadas ha dado renombre a México en todo el mundo. Ha grabado más de 40 discos en Argentina, España, Francia, Alemania, y por supuesto, México. En los años cuarenta forma su primera orquesta «Los cadetes del swing» en su ciudad natal, Juarez Chihuahua. Debuta con la orquesta de Luis Alcaráz a principio de los años cincuenta realizando su primera gira por Sudamérica y el Caribe.
Posteriormente forma lo que fue su primera orquesta en ciudad de México, destacándose como el baterista más importante de la época. En 1954 graba el disco «Jazz en México» y desde entonces, su discografía es prolífica y fueron muy destacados los siguientes trabajos: «Jazz Tropical» (1962); «Misa en jazz» (1966); estrenada en el Palacio de Bellas Artes México, «Jazz mariachi» (1973); «Sinfonía Tarahumara Jazz» (1984); y «Betsabe Jazz fantasía» (2004) entre otras.

Su ingenio y gran creatividad le han llevado a fusionar infinidad de elementos e instrumentos musicales incluido diversos instrumentos prehispánicos. Se ha destacado a lo largo de su carrera no sólo como un extraordinario baterista y compositor, sino también como un interesante pianista, trompetista, y vocalista. Ha representado a México en importantes clubes y festivales de jazz en EE.UU., Europa, Asia y América del sur. Galardonado por su importante labor como difusor del jazz recientemente obtuvo premios como la distinción de «The Emmy Awards» en 1997 y «Bravo» en 1999.
Con motivo de sus cincuenta años de profesión, Tino Contreras ofreció un concierto conmemorativo el 9 de julio de 2004. Asimismo esa historia vivida intensamente por Tino Contreras ha sido recogida en sus libros ‘Mi amor al jazz’ o ‘La historia del jazz en México’.

Uno de los momentos cumbres en la carrera de Toni Contreras fue cuando Chico O´Farrill y él, se presentaron en octubre de 1962 y agosto de 1963, respectivamente, en el Palacio de Bellas Artes, el templo de la música clásica. O’Farrill ofreció su famosa «Aztec Suite» con Chilo Morán como solista,- una suite que él había escrito originalmente para Art Farmer, – mientras Contreras presentó: «Orfeo en los Tambores», acompañado por el Ballet de Cámara del Palacio._(apoloybaco)

Este recopilatorio, reeditado por el sello europeo JAZZMAN, presenta grabaciones de los años 50 y 60 de Tino Contreras, baterista, compositor y arreglista activo en México desde mediados del siglo XX. Esta colección muestra el trabajo de Contreras con una orquesta que abarca desde el jazz latino con influencias del hard bop hasta temas exóticos y poco conocidos con toques de mondo, pasando por el mambo neoyorquino. El enfoque desenfadado y sin restricciones, que refleja la delicada naturaleza de la interpretación de jazz y música latina en México, resulta sorprendentemente refrescante. ¡La selección de músicos es toda una revelación! Silvestre Mendes toca la batería en al menos dos temas, y el segundo, una malagueña, es sin duda su tumba. También aparece en otros temas con músicos desconocidos.

                                                                           

Tino Contreras - El Jazz Mexicano (2011)

Temas/musicos:

01. Orfeo En Los Tambores

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Editado por Typic (Francia)

02. La Malagueña

Tino Contreras (Batería)

Cuco Valtierra (Saxo barítono, saxo tenor)

Humberto Cané (Bajo)

Silvestre Méndez (Congas, bongó)

Al Zúñiga, Pedro Placensia (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

03. En El Viejo Estambul

Tino Contreras (Batería)

Leo Carillo (Bajo)

Tomás Rodríguez (Flauta)

Mario Contreras (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Fred Tatman (Vibráfono) 

Publicado por Musart (México)

04. Santo

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

05. Safo “La Sacerdotiza Del Amor

Tino Contreras (Batería)

Mike Bravo (Saxo alto, flauta)

Víctor Ruiz Pasos (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

06. Credo

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

07. Poinciana

Tino Contreras (Batería)

Cuco Valtierra (Saxo barítono, Saxo tenor)

Humberto Cané (Bajo)

Silvestre Méndez (Congas, bongó)

Al Zúñiga, Pedro Placensia (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

08. El Hombre Del Brazo De Oro

Tino Contreras (Batería)

Humberto Cané (Bajo)

Al Zúñiga (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

09. Jazz En El Cairo

Tino Contreras (Batería)

Mike Bravo (Saxo alto, flauta)

Víctor Ruiz Pasos (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

10. What Is This Thing Called Love

Tino Contreras (Batería)

Al Zúñiga (Piano)

Humberto Cané (Trompeta)

Otro personal desconocido

Publicado por Capitol (EE. UU.)

11. Visnu

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Editado por Berta (España)

12. Gloria

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

13. Rescate

Tino Contreras (Batería)

Leo Carrillo (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Tomás Rodríguez (Saxo tenor, flauta)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

14. Kyrie

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

15. Orbita

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por TENA (México)

16. Ravi Shankar

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Grabación en directo

Sam Vloemans - Otrabanda

Sam Vloemans (Curazao, 25 de abril de 1979) es un multiinstrumentista, compositor, arreglista y productor belga. Toca la trompeta, el fliscorno, la percusión, los timbales y los teclados.
Sam Vloemans nació en Curazao (Caribe), pero poco después se mudó a Meer (cerca de Hoogstraten), Bélgica. Tras graduarse de la escuela de arte de Turnhout, estudió en el Real Conservatorio Flamenco de Amberes y en Codarts.
Compuso y realizó arreglos para diversos proyectos y bandas. Su primer proyecto, Grand Groove, comenzó en 1999, seguido posteriormente por el Sam Vloemans Quartet, con el baterista Teun Verbruggen, el bajista Henk de Laat y Arno Krijger en el órgano Hammond.
Para el festival Motives for Jazz de Genk en 2006, creó el proyecto MuStique, con músicos de Bélgica, los Países Bajos y Cuba.

Como "Artista residente" en 2008 en el Warande de Turnhout, presentó "Bord du Nord", con el baterista Louis Debij y la acordeonista Gwen Cresens, el bajista Henk de Laat, el guitarrista Hendrik Braeckman y la cantante invitada alemana Sabine Kühlich. En 2025, hubo una continuación, "Bord du Nord II", con Gwen Cresens al acordeón y bandoneón, Dominique Vantomme al piano y Lara Rosseel al contrabajo..._(wikipedia)

El título del álbum, «Otrabanda», significa «el otro lado» en papiamento, la lengua mestiza de la isla natal de Curazao. Esto alude a su constante búsqueda de nuevas relaciones. Por ejemplo, en su trabajo anterior, «Bord du Nord», fusionó el jazz con la chanson y el cabaret de Kurt Weill.

En esta ocasión, el foco está puesto en los ritmos exóticos de Curazao. Vlumans escuchó con atención a músicos de jazz estadounidenses como Herb Alpert y Chuck Mangione. Eric Truffaz, Miles Davis e incluso Santana también son valiosas fuentes de inspiración. Entre los invitados figuran Tutu Puoane y Peter Delannoye. Gracias, en parte, a su conexión con la música del mundo, este jazz melódico resulta accesible al público en general._Georges Tonla Briquet (bruzz.be/culture)

                                                                      

                                                                                     

Sam Vloemans - Otrabanda (2011)

Temas:

01. Intro

02. Groove 1

03. The River 

04. T-Vision 

05. Otrabanda 

06. Little Vamp

07. Ièdo

08. Bonaire

09. Must Be My Soul 

10. Evening Jam 

11. Descarga D'Allegria 

12. La Walse Nocturne

Musicos:

Sam Vloemans (Trompeta, fliscorno, timbales, percusión, beatbox, palmas, voz, Rhodes)

Pat Dorcean (Batería, percusión haitiana)

Roberto Mercurio (Bajo eléctrico)

Bart Oostindie (Guitarra eléctrica, guitarra acústica, ukelele, palmas, voz)

Tom Verschoore (Trombón)

Mike Roelofs (Wurlitzer, Rhodes, Hammond, palmas, voz)

Invitados:

Awel Serra Garcia (Conga en temas #5, #6, #7, #8, #10, #11, chekere en temas #6, #7)

Tutu Puoane (Voz en temas 7, 10, palmas en temas 2, 5, 10)

Chantal Kashala(Voz en temas #7, #10, palmas en temas #2, #5, #10)

Steve Kashala (Voz en temas #2, #3, #5, #7, #8, #10, palmas en temas #2,#5,#10)

Monique Harcum (Voz en temas #7,#10)

Peter Delannoye (Solo de trombón en tema #10, descarga en tema #11)

Geert Hellings (Lapsteel en tema #4, guitarra slide en tema#7)

Frans Grapperhaus (Violonchelo en temas #4,#12)

Vince Guaraldi Trio - Jazz Impressions Of Black Orpheus

Vincent Anthony Dellaglio, conocido en el mundo profesional de la música como Vince Guaraldi

(17 de julio de 1928, San Francisco, California, Estados Unidos – 6 de febrero de 1976, Menlo Park, California, Estados Unidos), fue un pianista de jazz conocido principalmente por sus innovadoras composiciones, arreglos musicales y componer la música para la serie animada de televisión Charlie Brown. También alcanzó gran notoriedad como miembro de los grupos de Cal Tjader en los 50 y por una exitosa carrera en solitario.
Vince Guaraldi se graduó en la Lincoln High School de San Francisco, y más tarde amplío sus estudios en la Universidad Estatal de San Francisco. Su debut discográfico lo hizo con el trío del guitarrista, Cal Tjader en noviembre de 1953 y fue lanzado en formato LP con el título de «The Cal Tjader Trio». En 1955 Guaraldi formó su propio trío con Eddie Duran and Dean Reilly. En 1959 comenzaría una carrera en solitario para dedicarse a sus propios proyectos a tiempo completo.
Fantasy Records lanzó en 1962 el single «Samba de Orpheus» en un intento de engancharse a la ola de bossa nova que imperaba entonces pero fue la cara B con el tema de Guaraldi «Cast Your

Fate to the Wind» el que empezó a escucharse en las emisoras de radio. Por este tema, recibió en 1963 el premio Grammy a la mejor canción original de jazz.

Este mismo año, Guaraldi grabó un álbum titulado «Vince Guaraldi, Bola Sete and friends» con Bola Sete a la guitarra, Fred Marshall al bajo y Jerry Granelli en la batería. Aquí comenzó un periodo de colaboración con Bola Sete donde Vince experimentó con la bossa nova y el piano eléctrico. Poco tiempo después Guaraldi volvió a retomar su faceta de compositor y pianista para el coro de la catedral de San Francisco...._(apoloybaco) 

Una de las películas más notables y emocionantes vistas en Estados Unidos en los últimos años fue la ganadora del Gran Premio del Festival de Cannes de 1959, una narración visual lírica, evocadora y rapsódica de la leyenda de Orfeo, ambientada en el Carnaval de Río de Janeiro. Se tituló "Orfeo Negro" y, salvo raras excepciones, cautivó los corazones y la imaginación de quienes la vieron.

También cautivó sus oídos, pues contenía varias canciones hermosas, una gran cantidad de música de fondo cautivadora y todo ello con los ritmos maravillosamente vibrantes y llenos de energía propios de la peculiar fusión de melodía latina y ritmo africano que caracteriza la música brasileña contemporánea.

Dada la situación, era natural que los músicos de jazz se sintieran atraídos por esta música. 

No todas las interpretaciones de bandas sonoras de películas en clave de jazz han tenido éxito, pero "Orfeo Negro" fue diferente. En primer lugar, era auténtica: grabada en directo, no en un estudio, y esa autenticidad se mantuvo a lo largo de toda la película.

En segundo lugar, existe una correlación natural entre el jazz estadounidense y esta música: su influencia africana mutua. Así que, cuando Vince Guaraldi se sintió atraído por la música de "Orfeo Negro", era lógico e inevitable que la convirtiera en una parte fundamental de su repertorio.

Era igualmente lógico e inevitable que se convirtiera en una de las piezas más atractivas de ese repertorio. Desde la primera noche que interpretó "Samba" y "Generique", el público ha quedado impresionado por la fuerza de su mensaje musical.

Una de las cosas que hacen del jazz una música tan atractiva es la gran calidad de la comunicación emocional que genera. Así, hombres que fuera del escenario parecen más propios de un ring de boxeo o un campo de béisbol, pueden, a través de su música, expresar la gentileza, la humanidad y la sensibilidad hacia la belleza que son herencia natural de la humanidad. Para mí, esta es una de las cosas que hace que las interpretaciones de Vince Guaraldi de la música de Orfeo Negro sean tan efectivas. Otra es su capacidad para proyectar, a través del piano, el bajo y la batería, una impresión tan vívida del sonido gloriosamente brillante que caracterizó la música de la película, así como su conmovedora cualidad, ese tierno lirismo, que impregnaba muchas de las escenas.

Llevo meses escuchando las interpretaciones de Vince de esta música; en persona y en las cintas de este álbum. Siempre me han parecido conmovedoras, hermosas y una experiencia gratificante.

Como complemento a la música de Black Orpheus, este álbum incluye cuatro temas adicionales. En todos ellos se aprecian muchas de las mismas cualidades que caracterizan la primera cara. En "Since I Fell for You", la magnífica canción de Buddy Johnson de hace algunos años, encuentro un conmovedor ejemplo de ese ambiente lírico del blues que armoniza directamente con el contenido emocional de la música de Black Orpheus y nos ofrece las virtudes del buen jazz: un profundo recorrido por la multifacética experiencia vital; tristeza, belleza, alegría y júbilo. Esta combinación de cualidades está presente en toda obra de arte exitosa y, sobre todo, en el jazz. _Ralph J. Gleason

                                                                               

                                                                          

Vince Guaraldi Trio - Jazz Impressions Of Black Orpheus (1962/1983)

Temas:

01. Samba De Orpheus (Jobim-Bonfa)

02. Manha De Carnaval (Jobim-Bonfa)

03. O Nusso Amor (Jobim-Bonfa)

04. Generique (Tradicional)

05. Cast Your Fate To The Wind (Vince Guaraldi)

06. Moon River (Henry Mancini)

07. Alma-Ville (Vince Guaraldi)

08. Since I Fell For You (Buddy Johnson)

Musicos:

Vince Guaraldi (Piano)

Monte Budwig (Bajo)

Colin Bailey (Batería)

Antonio Adolfo - Hybrido - From Rio To Wayne Shorter

Antonio Adolfo Maurity Sabóia (Río de Janeiro, 10 de febrero de 1947) es un pianista, tecladista y compositor brasileño.
Hijo del compositor Ruy Maurity y Carol Saboya,​ una violinista de la Orquesta Sinfónica de Brasil, a los dieciséis años ya pertenecía al exclusivo club de la Bossa nova como pianista.

De regreso a Brasil, en 1977, fue pionero de la producción independiente al publicar el álbum Hecho en Casa, del sello Artezanal, comercializado ese mismo año de manera directa en las disquerías, iniciando así un movimiento de autogestión que motivaría la aparición de artistas que discrepaban con las leyes del mercado tradicional. Desde 1985 se ha dedicado a su escuela de música, el Centro Musical Antonio Adolfo, además de participar en eventos internacionales como músico y educador, sin dejar de lado su carrera como intérprete. Recibió dos Premios Sharp por sus trabajos Antonio Adolfo y Chiquinha con jazz, respectivamente..._(wikipedia)

Con más de treinta álbumes a su nombre, el compositor y pianista brasileño Antonio Adolfo ha creado un himno realmente atractivo al maestro saxofonista y compositor Wayne Shorter. La selección de temas es excelente, ya que demuestra claramente la importancia de Shorter para el jazz. No reproduce la colección de Blue Note de 1988, "The Best Of Wayne Shorter", pero sí incluye tres temas de ese álbum.

"Deluge" ofrece una cálida invocación, dirigida por un conjunto, de este cautivador tema de Ju Ju. También hay una versión relajada del clásico de Shorter, "Footprints", embellecida por la voz sin palabras de Zé Renato. "Prince of Darkness", del álbum de Miles Davis de 1967, Sorcerer, es exquisitamente rica en percusión (incluyendo una profunda introducción de percusión de Baião similar a la tabla). "Black Nile", del álbum Night Dreamer de 1964, es una interpretación satisfactoria del original con el brillante piano de Adolfo.

La elegancia de "La Bella y la Bestia" se resume en su mezcla de bossa y samba (Adolfo la llama SamBossa) y es uno de los dos temas del álbum "Native Dancer" de Shorter, grabado con Milton Nascimento. El tema principal de "Speak No Evil" es un ejemplo de majestuosidad, con su tema musical majestuoso y memorable y el rico solo de tenor de Marcelo Martins, mientras que la elegante "Ana María", también de "Native Dancer", luce la ágil guitarra de Lula Galvão.

Para concluir el set, Adolfo incluye una pieza solista de su propia autoría, "Afosamba", un ejemplo perfecto de su excepcional talento como compositor. Los arreglos son sólidos y, para quienes conocen todos los temas de Shorter, les otorgan una nueva y vibrante dimensión. Para quienes no estén familiarizados con los temas, el álbum servirá como una excelente y atractiva introducción, antes de probar el material original. También es un oportuno recordatorio de la importancia de Shorter en su ilustre catálogo de composiciones._Roger Farbey (allaboutjazz)

                                                                       

                                                                            

Antonio Adolfo - Hybrido - From Rio To Wayne Shorter (2017)

Temas:

01. Deluge

02. Footprints

03. Beauty And The Beast

04. Prince Of Darkness

05. Black Nile

06. Speak No Evil

07. E.S.P.

08. Ana Maria

09. Afosamba

Musicos:

Antonio Adolfo (piano)

Lula Galvão (Guitarra eléctrica)

Jorge Helder (Contrabajo)

Rafael Barata (Batería, percsión)

André Siqueira (Percusión)

Jessé Sadoc (Trompeta)

Marcelo Martins (Saxos tenor y soprano, flauta #3)

Trombón Serginho (Trombón)

Zé Renato (Voz #2)

Claudio Spiewak (Guitarra acústica #3)

Todas las composiciones de Wayne Shorter, excepto "Afrosamba", de Antonio Adolfo

Grabado en Río, diciembre de 2016

Malia - Malawi Blues / Njira

Malia (nacida en 1978) es una cantante de Malawi. Ha publicado siete álbumes de estudio. Su madre es malauí y su padre, del Reino Unido. Se mudó a Londres en su adolescencia. Tras terminar la escuela, Malia se dedicó a la música. Trabajó como camarera mientras organizaba una banda que la acompañaba, cantando baladas y clásicos del jazz en bares y clubes de Londres. Durante una visita a Nueva York, escuchó un tema pop-jazz cantado en francés por la vocalista Liane Foly, producido por André Manoukian. Contactó con Manoukian para solicitar su ayuda y se pusieron a trabajar en su álbum debut de 2002, Yellow Daffodils. Aunque el lanzamiento incluía letras en inglés, alcanzó reconocimiento en Francia y Alemania. Sus siguientes lanzamientos, Echoes of Dreams (2004) y Young Bones (2007), tuvieron gran aceptación entre los aficionados al jazz de toda Europa._(wikipedia)

La idea, antes futurista, de Marshall McLuhan de la «aldea global» se ha hecho realidad desde hace mucho tiempo. Solo ahora, en la música pop, estamos aprendiendo y experimentando, en muchos sentidos, lo que el legendario teórico de los medios ya formuló a principios de los años 60. Gracias a los avances tecnológicos digitales, la mayoría de los géneros pop han adquirido una dimensión global. El hip-hop, el blues y el jazz están evolucionando en cientos de variantes regionales, lejos de sus raíces originales. La música de Malia puede considerarse, sin duda, una prueba impresionante de esta fusión mundial.

Tras mudarse de la república sudafricana de Malawi a Londres a los catorce años, la cantante pasó su adolescencia en la Gran Manzana. Malia grabó tres álbumes en Francia con Andre Manoukian: Yellow Daffodils (2002), Echoes of Dreams (2004) y Young Bones (2007), todos ellos creados en el estudio parisino de Manoukian.
En 2010 conoció al productor suizo Boris Blank, quien, desde los años 80 como parte del dúo vanguardista Yello (The Race, Bostich) con Dieter Meyer, ha cosechado un gran éxito. En 2012, Malia publicó un homenaje a Nina Simone, Black Orchid, que ganó el Premio ECHO Jazz de ese año. En 2014, Boris Blank produjo las once canciones de estilo electrónico de su álbum Convergence.
El sexto álbum de estudio de Malia, Malawi Blues/Njira, ve su voz clara e incisiva amplificada de nuevo en un contexto de soul-jazz. "Un disco que siempre he querido hacer... Ahora mismo siento que es el momento adecuado... Quería canciones que reflejaran mi conciencia y mi ascendencia", resume la esencia de los diez temas de Malawi Blues/Njira.
El álbum presenta temas originales reflexivos, en su mayoría de ritmo lento, con un piano escasamente orquestado, acompañado de guitarra y percusión, entre ellos una versión casi minimalista del clásico Moon River. Desde el principio, Malia, con Malawi Blues/Njira, rememora el sonido de su infancia.
No solo en el conmovedor "El amor nos sostiene las manos" se perciben las vibras locales de las tradiciones Kwela y Kwasa-Kwasa. «Considero con toda humildad mi deber transmitir las ricas tradiciones e historias, tal como lo hicieron mis antepasados, como lo hicieron mis abuelos y padres cuando nos sentábamos alrededor del fuego por las tardes en Malawi, comiendo nsima con hojas de calabaza y salsa de cacahuete».

Claro que ese es solo un aspecto de su rica obra. Sus canciones se caracterizan por experiencias yexperimentos artísticos, una amalgama que ha moldeado la vida de Malia y un efecto duradero de su tiempo en la escena club de Londres, donde pudo agudizar su sentido del ritmo en pequeños bares frente a públicos reducidos. Aquí siempre pudo ajustar sus sets en vivo y en directo, noche tras noche. Esta diversidad musical ahora la beneficia, cuando, en Chipadzuwa (un término coloquial del sur de África para mujer bonita), alterna entre el idioma regional, el chichewa, y el idioma universal, el inglés, con una facilidad meliflua. Con el apoyo del virtuoso pianista Alex Wilson, llega un sonido fresco y a la vez cálido. Malia ha llegado a un mundo musical global por el que trabaja y lucha. "A todos los guerreros silenciosos de este mundo", concluye Malia, "¡Malawi Blues/Njira es para ustedes!"._(mps-music)

                                                                                       

                                                                                      

Malia - Malawi Blues / Njira (2016)

Temas:

01. Malawi Blues / Njira

02. Love Is Holding Both Our Hands

03. Chipadzuwa

04. Let Me Breathe

05. Disgrace

06. The Seed

07. Black Widow

08. Moon River

09. Friendship

10. Wonder Of The World

11. Let Me Breathe (bonus track)

Musicos:

Malia (Voz)

Alex Wilson (Piano, programación)

Dimitris Christopoulos (Contrabajo)

Edwin Sanz (Batería, percusión)

Ahmed Fofana ( Guitarra en pista #2, instrumentos en pista #9)