Itai Dattner - Tranquilo en Cuba

Conocí a Kenia en Trinidad, donde se ganaba la vida bailando. Es joven, negra, guapísima y baila de maravilla. No habían pasado ni 30 minutos desde mi llegada y ya estaba bebiendo ron y tocando con la banda local en el centro del casco antiguo. Ocho músicos, un grupo de bailarinas preciosas, mucho ron y mucha alegría. Un día después, estábamos tocando una melodía que compuse especialmente para Kenia. Tocamos en una pequeña habitación oscura en medio de una calle bulliciosa; si la vieras, no creerías que es posible. Fue tan peculiar que muchos turistas se paraban a sacar fotos.
Alejandro, el baterista, y yo recorrimos La Habana en moto, buscando músicos y un buen estudio. Encontramos músicos excelentes y un estudio estupendo. Todos los músicos son profesores de la ENA, la Escuela Nacional de Arte y Música.
«Vals 11» la compuse hace 5 años. Originalmente tenía 12 compases, pero le quité uno por el 11 de septiembre.

Itai Dattner - Compositor, pianista y productor. Sus raíces están en la música clásica. En los últimos años, Itai ha tocado y actuado con diversos grupos en Israel, entre ellos: una banda de blues llamada 'TaxiJazz', un trío de jazz, un dúo de jazz, un dúo de música clásica con un violonchelista, acompañando a una cantante de ópera, y muchos más. Itai se ha presentado en clubes, teatros y en el Festival de Jazz, Blues y Videocintas de Tel Aviv. Además de componer e interpretar, Itai se especializa en la enseñanza de piano y la dirección de bandas. Junto con 'Tranquilo en Cuba', Itai ha grabado cuatro álbumes._(discogs)

Itai Dattner es un compositor y pianista israelí. Sus raíces se encuentran en la música clásica. En su juventud descubrió el jazz y recibió la influencia de diversos estilos, desde Bach y Debussy hasta Bill Evans y Keith Jarrett, pasando por himnos judíos tradicionales, música del mundo, blues y rock and roll.

Itai acaba de lanzar el primer CD de su proyecto cubano, Tranquilo en Cuba. Este CD es el primer paso de un proyecto que desarrolla en La Habana con un grupo de músicos de jazz cubanos, todos ellos profesores de la ENA (Escuela Nacional Superior de Música y Arte) de La Habana. Son músicos profesionales que actúan diariamente en La Habana y, ocasionalmente, fuera de Cuba. Grabaron este CD juntos en septiembre de 2004. Todas las composiciones y arreglos son obra de Itai Dattner.

Además del proyecto cubano, Itai ha tocado y actuado en los últimos años con diferentes grupos en Israel, entre los que destacan: una banda de blues (TaxiJazz), un trío de jazz, un dúo de jazz, un dúo de música clásica con violonchelista, acompañando a una cantante de ópera, entre otros. Itai se ha presentado en clubes, teatros y en el Festival de Jazz, Blues y Videocintas de Tel Aviv.

Junto con 'Tranquilo en Cuba', Itai ha grabado cuatro álbumes. Dos de ellos con TaxiJazz, una mezcla de estándares y composiciones propias. Uno de los álbumes fue distribuido por NMC, la discográfica más grande de Israel. Posteriormente, grabó otro álbum de estándares con el trío: The Art of Trio._(allaboutjazz)

                                                                                

                                                                             

Itai Dattner - Tranquilo en Cuba (2005)

Temas:

01. Kenia

02. Infinite

03. Blues for Cheli

04. Waltz 11

Musicos:

Itai Dattner (Piano)

Manuel Alejandro Mayor Lopez (Batería)

Aryam Varona Hernandez (Bajo)

Jorge Miguel Vistel Serrano (Trompeta)

Maikel Vistel Serrano (Saxo tenor)

Todas las melodías compuestas y arregladas por Itai Dattner 

Grabado en Scorpio Studio, La Habana, Cuba, del 10 al 12 de octubre de 2004 

Art Farmer - Something You Got

Nacido en Iowa, pero crecido en Phoenix (Arizona) una ciudad de rica tradición jazzística, Art Farmer, (21 de agosto de 1928, Council Bluffs, Iowa, Estados Unidos – 4 de octubre de 1999), junto a su hermano gemelo el contrabajista, Edison Farmer, pertenecían a una familia exquisitamente musical. De joven estudió el violín y el piano antes de pasarse a la familia de los metales y trasladarse con dieciocho años en 1945 a Los Ángeles. En aquella época ya se había decantado por la trompeta y tocó con la legendaria banda de Johnny Otis, con quien tuvo la oportunidad de viajar a New York.
En 1948 volvió a Los Ángeles y formó parte de las mejores bandas establecidas en la ciudad como la de Benny Carter, Wardell Gray o la del vibrafonista, Lionel Hampton. En 1953 cruzó el charco por primera vez con destino a Europa con la banda de Lionel Hampton, en la misma gira que viajaba Clifford Brown y Quincy Jones. Aquel mismo año regresó a New York donde estuvo un tiempo tocando con Teddy Charles.
Se integró en 1956 en el grupo del pianista, Horace Silver, y para entonces su estilo estaba ya suficiente pulido y maduro y su sonido era una marca inconfundible en la escena jazzística de New York. En aquella época Farmer, alternó la trompeta con el Flugelhorn, tocando ambos instrumentos con el grupo de Gerry Mulligan, en 1958. En aquél año participó en el Festival de jazz de Newport, grabó su único disco con Mulligan, el espléndido álbum titulado «What Is There To Say» para Columbia en 1958 y dos bandas sonoras para las películas «I Want to Live» y «The Subterraneas». Aquel año grabó para Blue Note uno de sus discos emblemáticos de su discografía titulado «Modern Art».

Sin duda alguna a Art Farmer se le reconoce credibilidad en el jazz por haber creado junto a Benny Golson, en 1960 el grupo «The Jazztet». Allí en su seno combinó muy acertadamente su talento para la dirección y la improvisación con las dotes de Golson para la composición y los arreglos. «The Jazztet», disfrutó mientras duró (1960-1962) un efímero éxito bordeando musicalmente las claves del soul-jazz que antes habían popularizado, Horace Silver o Cannonball Adderley entre otros. En 1960 grabó lo que es considerado el disco fundacional del grupo, titulado «Meet The Jazztet» un autentico manifiesto de intenciones que obtuvo un éxito enorme.

Cuando en 1962 el grupo se disolvió, Art Farmer, formó un cuarteto con el guitarrista, Jim Hall, que duró hasta 1964. Con la irresistible ascensión del rock en los Estados Unidos, Farmer se marchó a Europa donde alternó la dirección de sus propios grupos con su presencia como artista invitado de varias big bands, entre ellas la famosa Clarke-Boland Big Band. En los ultimo años de su vida alternó el fliscornio con la trompeta, retornó a los Estados Unidos donde intentó reconstruir «The Jazztet» pero la muerte le sorprendió en 1999._(apoloybaco)

El encuentro entre el trompetista Art Farmer y el rey de los instrumentos de lengüeta Yusef Lateef, con el pianista y arreglista David Matthews al frente de una big band, resulta trascendental. 

El ritmo relajado del álbum, que se apoya en un jazz-funk desenfadado (la canción que da título al disco) y en extensas improvisaciones funky con impresionantes arreglos de hard bop de Matthews en «Flute Song», lo convierte en una de las visiones más provocadoras del groove jazz en la historia del sello CTI. Farmer y Lateef fueron capaces de moverse con relativa facilidad entre el jazz sofisticado y el soul funky trepidante. Los arreglos de Matthews son desenfadados y se basan en el ritmo no solo para formar la columna vertebral de los solistas, sino también para llenar el espacio intermedio. El guitarrista Hiram Bullock traza aquí una línea maravillosa entre las extrapolaciones aireadas y con mucho swing de los acordes de jazz y el R&B rítmico y escueto. Su solo en «Flute Song» es uno de los mejores que ha grabado. Del mismo modo, la interpretación de «Spain» de Chick Corea, que hace referencia al «Concierto de Aranjuez» y cuenta con un magnífico solo de saxo tenor de Lateef, es una versión carnal y carnevalesca de la melodía con un overdrive empapado de bajo. «Saudade» es el epítome del soul-jazz para una big band; su groove es suelto, galopante y rítmicamente perfecto, y Farmer y Lateef tocan la melodía en primer plano, compenetrándose en los solos y haciendo que el groove se repliegue sobre sí mismo. Esta es una adquisición segura para cualquier colección de Farmer, y vale lo que cueste._Thom Jurek (allmusic)

                                                                             

                                                                                           

Art Farmer - Something You Got (1977)

Temas:

01. Something You Got (Chris Kenner)

02. Flute Song (David Matthews)

03. Saudhade (Fritz Pauer)

04. Sandu (Clifford Brown)

05. Spain (Chick Corea9

06. Hombre Del Sol (David Matthews)

Musicos:

Art Farmer (Fliscorno)

Yusef Lateef (Saxo tenor)

David Matthews (Piano eléctrico, arreglos)

Harvie Swartz (Bajo )

Jim Madison (Batería)

Hiram Bullock (Guitarra)

Sue Evans (Percusión)

David Tofani (Saxo soprano, flauta)

Frank Vicari (Saxo tenor)

Kenny Berger (Saxo barítono, clarinete bajo)

Burt Collins (Trompeta, fliscorno)

Joe Shepley (Trompeta, fliscorno)

Fred Griffin (Trompa)

Sam Burtis (Trombón)

Tony Price (Tuba)

Grabado en los estudios Electric Lady en julio de 1977

Mauricio Einhorn - Me

Mauricio Einhorn (Río de Janeiro, 29 de mayo de 1932) es un armonicista brasileño.
Hijo de inmigrantes judíos polacos, sus padres eran armonicistas. Comenzó a tocar la armónica a los cinco años, actuando en la escuela franco-brasileña donde estudió hasta los trece.
La constancia del músico con el instrumento fue tal que, a los diez años, Einhorn comenzó a participar en reconocidos programas de talentos radiofónicos de la época, como "A Hora do Pato" y "Papel Carbono" (en Radio Nacional); e incluso en el programa de Ary Barroso y Gaitas Hering en Radio Tupi, junto a Fred Williams y otros.

Cuando era adolescente tocó en dúos, tríos y cuartetos, y a principios de la década de 1950 se introdujo en los estilos del jazz y el choro. Su primera grabación fue en 1949 cuando, en la canción "Portate Bien", hizo un solo con un conjunto de armónica de los Rascals brasileños. Actuó con Waldir Azevedo y su Regional en Rádio Clube do Brasil. Hacia 1955, en el desaparecido Hotel América, frente al Club Hebraica, conoció a Durval Ferreira durante un baile donde tocaba Maurício Einhorn. La primera canción de los dos, "Sambop", fue grabada en 1959 por Claudete Soares en el LP "Nova Geração em Rítmo de Samba", en el que participó. Luego vinieron: "Estamos aí" (con Durval Ferreira y Regina Werneck) grabada por Leny Andrade; "Tristeza de Nós Dois" (con Durval Ferreira y Bebeto); "Batida Diferente", "Nuvem" y "Clichê" (todos con Durval Ferreira), "SamBlues" (con Durval Ferreira y Regina Werneck) y muchos otros. Destacó en la bossa nova, un movimiento cuya influencia cambió el curso de MPB..._(wikipedia)

La leyenda de la armónica de jazz Toots Thielemans describió a su amigo, el armonicista y compositor Mauricio Einhorn, como «una fuerza vital en la música brasileña, tanto como intérprete como compositor». La influencia de Einhorn se extiende al jazz. Ha trabajado con figuras tan importantes como Jim Hall, David Sanborn, Paquito D’Rivera, Baden Powell, así como con los cantantes Bobby McFerrin y Sarah Vaughan; músicos de la talla de Cannonball Adderley, Herbie Mann y la leyenda de la bossa nova Jobim han grabado sus composiciones. Grabado en Río en 1979, Me fue el primer álbum de Mauricio bajo su propio nombre, ¡y qué grabación! Einhorn reunió a un grupo de músicos excepcionales, todos versados ​​en la música tradicional brasileña y en el jazz. Las diez composiciones originales dan testimonio de la talla de Einhorn como compositor. Tenemos la contagiosa A Different Beat con sobresalientes solos de armónica, piano y

flauta, Saro con sus enérgicos solos de armónica, saxo y bajo Fender, la exquisita balada Alvorada y la alegre joya Estamos Ai. Luego tenemos el suave vals de jazz Toy y un tema escrito para los grandes del jazz Ron Carter y Jim Hall, Limbo con sus potentes voces. La breve pero dulce Claus es seguida por la conmovedoramente romántica Tristeza De Nos Dois y la fascinante Sketch. El apasionado solo de Einhorn en su balada Joy cierra un álbum que satisfará a todo amante de la música brasileña. ¡Jazz latino en su máxima expresión creativa!_ (mps-music)

                                                                            

Mauricio Einhorn - Me (1979 R.2016)

Temas:

01. Batida Differente "A Different Beat" (Durval Ferreira / Mauricio Einhorn)

02. Sarro (Arnaldo Costa / Mauricio Einhorn)

03. Alvorada (Arnaldo Costa / Luiz F. Freire / Mauricio Einhorn)

04. Estamos Aí (Durval Ferreira / Mauricio Einhorn / Regina Verneck)

05. Brinquedo (Toy) (José Schettini / Mauricio Einhorn)

06. Limbo (Theme For Ron Carter And Jim Hall) (Arnaldo Costa / Mauricio Einhorn)

07. Claus (Celso Loch / Mauricio Einhorn)

08. Tristeza De Nos Dois ( Bebeto / Durval Ferreira / Mauricio Einhorn)

09. Sketch (José Schettini / Mauricio Einhorn)

10. Joia "Joy" (Alberto Arantes / Mauricio Einhorn)

Musicos:

Mauricio Einhorn (Armónica, técnico remezcla)

Nelson Ayers (Piano, arreglos, dirección)

Luizão (Bajo) 

Sebastiao Tapajos (Guitarra acústica)

Gegê (Batería en pista #7)

Paulo Braga (Batería en pistas #6 a #9)

Marku (Batería, percusión, voz

Roberto Sion (Flauta, saxo alto, saxo soprano)

Vera Figueiredo - Vera Cruz Island

Vera Figueiredo Nacida el 7 de septiembre de 1957 en São Paulo, Brasil.

Al pensar en la percusión brasileña, es posible que se imaginen ritmos latinos fantásticos y la integración de percusiones de todo el mundo en ritmos enérgicos y vibrantes que hacen bailar hasta al espectador más tímido. En el caso de Vera Figueiredo, este estereotipo es totalmente cierto, pero no refleja completamente su sonido. Vera Figueiredo no solo es una consumada percusionista latina, sino que también fusiona con maestría los géneros latino y rock, lo que le confiere la presencia de una baterista audaz, enérgica, con un talento indiscutible y un gran carisma.

Si bien Figueiredo se ha consolidado como referente de la percusión latina con su estilo afrocubano, como autoproclamada admiradora de bandas como Deep Purple y Led Zeppelin, su estilo es la culminación de la percusión latina, fusión, jazz, rock y funk. Conocida en Brasil como la "Reina de la Batería", su estilo único y su asombrosa personalidad son reconocidos mundialmente. Además de ser una baterista y artista consumada, Figuiredo dirige su propia escuela de batería: el Instituto de Batería Vera Figueiredo, ubicado en Brasil.

Como artista de Sabian, la batería de Vera Figueiredo cuenta con una gran variedad de platillos, incluyendo varios de la serie HHX Evolution y su favorito, el hi-hat Vault V-FX Distortion. Como baterista de gran talento, Figueiredo ha impartido clases y tocado por todo el mundo en diversas agrupaciones, orquestas y con su propia banda, y es su estilo único y su rico sonido lo que la ha convertido en una de las mejores bateristas latinas de la actualidad._(jazzmusicarchives)

Vera Figueiredo - Vera Cruz Island (2001)

Temas:

01. Vera Cruz Island (Vera Figueiredo)

02. Tererê (Vera Figueiredo/Mônica Côrtes)

03. Devagar (Zaxariades aka Bruce Scott)

04. Renata (Vera Figueiredo)

05. Double V (Vera Figueiredo)

06. Deep Inside (Vera Figueiredo)

07. Reaching Another Day (Vera Figueiredo)

08. Reverse (Maurício Marques)

09. Chamamé (Rodrigo Rheinheimer)

10. Mr. Banana (Vera Figueiredo)

11. Figão's House (Vera Figueiredo)

12. Cai na Real (Maurício Marques)

13. Dave (Vera Figueiredo)

14. Saudade (Vera Figueiredo)

Musicos:

Vera Figueiredo (Batería, percusión, tamborim, repinique, surdo, voz)

Célio Barros (Bajo acústico)

Dave Weckl, Dennis Chambers, Virgil Donati (Batería)

Pedro Ivo (Bajo eléctrico)

Derico Sciotti (Flauta)

Guitarra - Mike Stern

Maurício Marques (Teclados, voz)

Bruno Cardozo (Piano)

Vitor Alcántara (Saxo tenor)

Daniel D'Alcántara (Trompeta, cuerno de fliscorno)

Nahor Gomes Oliveira (Trompeta #1)

Sidnei Aléssio Borgan (Trombón #1)

Luciana Yoshikawa, Paulo Jiraya, Maurício Marques (Voz #1)

Fred Prince ("Güiro & congas #2", "tan tan, repenique, tamborín, agogo-bell #11")

Luis Rabello (Guitarra #2)

Nahor Gomez Oliveira (Solo tompeta #2)

Tiquinho (Trombón #2, #11)

Maurício De Souza (Saxo alto #2, #11)

Célio Barros (Teclados #4)

Mike Stern (Guitarra #6)

Paulo Jiraya (Triángulo y bloque de madera #7, voz)

Marco Bosco (Pandeiro #7)

Jarbas Barboza (Guitarra eléctrica #7, #9. #10)

Edmundo Cassis (Piano #8) 

Elias Rezende (Acordeón #9)

Katia Stübing (Voz #10)

Jean Pierre Ryckebusch (Trompeta #12)

Grabado en el estudio A Luz da Lua de marzo de 1999 a febrero de 2000

Vitor Goncalves - Vitor Goncalves Quartet

Vitor Gonçalves es un pianista, acordeonista, compositor y arreglista de Río de Janeiro, Brasil. Tras una ilustre carrera como músico muy solicitado en Brasil, en la que tocó con iconos como Hermeto Pascoal, Maria Bethânia, Itiberê Zwarg y muchos otros, se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde reside actualmente.
Desde su llegada en 2012, ha cosechado numerosos elogios y ha labrado un currículum repleto de estrellas, que incluye apariciones en el programa Jazz Night in America de la NPR, presentado por Christian McBride, y en The New York Times como invitado de la famosa Spok Frevo Orquestra. Asiduo de los escenarios del Jazz at Lincoln Center, The Jazz Standard y la Jazz Gallery, lidera sus propios proyectos y colabora con figuras de la escena neoyorquina como Anat Cohen, Vinícius Cantuária, Anthony Wilson, Cyro Baptista y Yotam Silberstein.
También ha actuado en festivales de jazz y salas de todo el mundo, como el Newport Jazz, el Jazz à Vienne, el Umbria Jazz Festival, el Queen Elizabeth Hall de Londres y el Coliseo de Lisboa (Portugal).

Vitor se trasladó a Nueva York en 2012 para profundizar en su interés por el jazz y su conexión con la música brasileña, así como para explorar el crisol musical que es la ciudad de Nueva York. Fue allí donde comenzó a liderar su propio grupo y a formar nuevas formaciones, al tiempo que cursaba un máster en el City College. En 2017 lanzó su álbum debut con Sunnyside Records, Vitor Gonçalves Quartet, en el que participaron Dan Weiss (batería), Thomas Morgan (bajo) y Todd Neufeld (guitarra). El álbum recibió una reseña de cuatro estrellas y media en la revista de jazz Downbeat.
Otros grupos que codirige son «SanfoNYa Brasileira», un trío de acordeón con Eduardo Belo al bajo y Vanderlei Pereira a la batería, y «Regional de NY», uno de los principales representantes de la música choro (un rico género brasileño) en Estados Unidos. Ambos grupos han publicado un álbum de temas originales: el primero con Steve Wilson como artista invitado y el segundo con Fred Hersch.
Obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy 2020, a Mejor Álbum de Jazz Latino con Thalma de Freitas y a Mejor Conjunto de Jazz de Gran Formato con Anat Cohen Tentet._(vitorgoncalvesmusic)

Vitor Gonçalves es un pianista, acordeonista, compositor y arreglista de Río de Janeiro, Brasil. Tras una ilustre carrera como músico muy solicitado en Brasil, en la que tocó con iconos como Hermeto Pascoal, Maria Bethânia, Itiberê Zwarg y muchos otros, se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde reside actualmente.
Desde su llegada en 2012, ha cosechado numerosos elogios y ha labrado un currículum repleto de estrellas, que incluye apariciones en el programa Jazz Night in America de la NPR, presentado por Christian McBride, y en The New York Times como invitado de la famosa Spok Frevo Orquestra. Asiduo de los escenarios del Jazz at Lincoln Center, The Jazz Standard y la Jazz Gallery, lidera sus propios proyectos y colabora con figuras de la escena neoyorquina como Anat Cohen, Vinícius Cantuária, Anthony Wilson, Cyro Baptista y Yotam Silberstein.
También ha actuado en festivales de jazz y salas de todo el mundo, como el Newport Jazz, el Jazz à Vienne, el Umbria Jazz Festival, el Queen Elizabeth Hall de Londres y el Coliseo de Lisboa (Portugal).
Vitor se trasladó a Nueva York en 2012 para profundizar en su interés por el jazz y su conexión con la música brasileña, así como para explorar el crisol musical que es la ciudad de Nueva York. Fue allí donde comenzó a liderar su propio grupo y a formar nuevas formaciones, al tiempo que cursaba un máster en el City College. En 2017 lanzó su álbum debut con Sunnyside Records, Vitor Gonçalves Quartet, en el que participaron Dan Weiss (batería), Thomas Morgan (bajo) y Todd Neufeld (guitarra). El álbum recibió una reseña de cuatro estrellas y media en la revista de jazz Downbeat.

Otros grupos que codirige son «SanfoNYa Brasileira», un trío de acordeón con Eduardo Belo al bajo y Vanderlei Pereira a la batería, y «Regional de NY», uno de los principales representantes de la música choro (un rico género brasileño) en Estados Unidos. Ambos grupos han publicado un álbum de temas originales: el primero con Steve Wilson como artista invitado y el segundo con Fred Hersch.

Obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy 2020, a Mejor Álbum de Jazz Latino con Thalma de Freitas y a Mejor Conjunto de Jazz de Gran Formato con Anat Cohen Tentet._(vitorgoncalvesmusic)

                                                    

                                                                                 

Vitor Goncalves - Vitor Goncalves Quartet (2017)

Temas:

01. Sem Nome (Vitor Gonçalves)

02. Cortelyou Road (Vitor Gonçalves) 

03. Samba Do Perdão (BadenPowel/Paulo César Pinheiro)

04. Desleixada (Vitor Gonçalves) 

05. Winter Landscapes (Vitor Gonçalves) 

06. Se É Por Falta De Adeus (A.C. Jobim/Dolores Duran) 

07. De Cazadero Ao Recife (Vitor Gonçalves) 

08. The Touch Of Your Hand (Vitor Gonçalves)

Musicos:

Vitor Gonçalves (Piano, compositor, arreglista)

Todd Neufeld (Guitarra)

Thomas Morgan (Bajo)

Dan Weiss (Batería)

Se lanzó el 20 de enero de 2017

Stanley Black And His Piano With Latin American Rhythm - Cuban Moonlight

Stanley Black (14 de junio de 1913 - 27 de noviembre de 2002) fue un compositor, arreglista, pianista y director de orquesta británico. Escribió y arregló varias bandas de sonido para películas, y grabó diversas obras en los sellos discográficos London y London Phase 4 de la empresa Decca Records.

Comenzó en el ambiente del jazz en la década de 1930 con músicos como Coleman Hawkins y Benny Carter, y luego fue cambiando al estilo latino en sus interpretaciones y arreglos, para luego ganar reconocimiento por la dirección de obras clásicas..._(wikipedia)

Stanley Black pertenece a esa rara especie de músicos de renombre mundial que desafían cualquier intento de categorización. De hecho, su carrera tiene tantas facetas —pianista, director de orquesta, compositor, arreglista, director musical; música clásica, música ligera, jazz, música latinoamericana; radio, televisión, cine, sala de conciertos y estudio de grabación— que debe de haber miles de personas a ambos lados del Atlántico que no están del todo seguras de si todas estas «etiquetas» pertenecen a una misma persona. televisión, cine, salas de conciertos y estudios de grabación —que debe de haber miles de personas a ambos lados del Atlántico que no están del todo seguras de si todas estas «etiquetas» pertenecen a una misma persona.

Nacido y criado en Londres, la carrera musical de Stanley Black comenzó cuando recibió sus primeras clases de piano a los siete años y, más tarde, cuando se convirtió en alumno de la famosa Escuela de Música Manhay, se le auguraba una brillante carrera como pianista concertista.  Pero incluso en aquellos primeros días, su naturaleza inquieta se rebeló ante la idea de ser «solo un pianista», por lo que comenzó a componer y a estudiar orquestación y, a la tierna edad de doce años, una de sus primeras composiciones orquestales fue retransmitida por la Orquesta Sinfónica de la BBC, dirigida por el Dr. Joseph Lewis. 

Poco después de terminar la escuela, se interesó por el jazz y, tras ganar un concurso de arreglos patrocinado por «The Melody Maker», pronto se consolidó como uno de los principales pianistas y arreglistas de jazz de Gran Bretaña. Grabó y participó en programas de radio con Coleman Hawkins, Benny Carter y Louis Armstrong cuando estos artistas visitaron Gran Bretaña en la década de 1930, y también escribió varias composiciones por encargo de Hawkins para una serie de grabaciones especializadas.

En 1938, Stanley Black visitó Sudamérica y se interesó profundamente por la música de los países latinoamericanos. Al profundizar en el tema con la minuciosidad que se convertiría en el sello distintivo de toda su obra, no tardó en ser considerado una de las principales autoridades europeas en ritmos sudamericanos. 

Hacia el final de la guerra y su servicio en la RAF, saltó a la fama al tomar las riendas de la B. B.C. Dance Orchestra, cargo que ocupó durante nueve años, tiempo en el que no solo alcanzó una media de seis programas a la semana, sino que también compuso sintonías y música incidental para numerosas series y documentales radiofónicos, así como la música para los intervalos del Light Programme. En octubre de 1951, la orquesta fue uno de los elementos destacados del Royal Command Variety Show.

En el mundo de la música cinematográfica, Stanley Black ha compuesto las bandas sonoras y ha sido director musical de más de 95 películas británicas y angloamericanas, y en 1958 fue nombrado director musical de los estudios Elstree de la Associated British Picture Corporation. En 1960 compuso un nuevo tema musical y una biblioteca musical completa para Pathe Newsreel, y en 1963 su banda sonora para el musical de Cliff Richard «Summer Holiday» le valió el premio Novello a la mejor banda sonora de una película musical del año. Una de sus bandas sonoras más recientes fue la de la película «Crossplot», protagonizada por Roger («El Santo») Moore.

Stanley Black acaba de celebrar su vigésimo quinto aniversario bajo contrato exclusivo con The Decca Record Company Limited y sus álbumes muestran más claramente que cualquier palabra su gran versatilidad y su profundo conocimiento de todo el espectro musical:

Los álbumes latinoamericanos como «Tropical Moonlight», «Gershwin Goes Latin», etc., en los que su brillante e inimitable estilo pianístico es el eje de su mundialmente famoso grupo latinoamericano; los álbumes orquestales para los que él mismo realiza todas las orquestaciones, como «Film Spectaculars», «Spain», «Russia», «Broadway Spectacular», «Dimensions in Sound», etc., etc.; y los álbumes orquestales en los que dirige las principales orquestas del país: la London Symphony Orchestra y la London Festival Orchestra. La Royal Philharmonic Orchestra y la London Philharmonic Orchestra, en obras del repertorio clásico estándar de Tchaikovsky, Grieg, Debussy, Dvorák, Borodin, etc. Uno de ellos, su grabación del «Capriccio Español» de Rimsky-Korsakov, fue elegido por «The Gramophone» como uno de los discos clásicos del año «elegidos por la crítica» (1965). Todos estos álbumes, en particular los de la serie Phase 4 Stereo, se han publicado en todo el mundo con un éxito extraordinario, especialmente en Estados Unidos y Japón. Las ventas de los álbumes de Stanley Black han alcanzado ya varios millones y ha recibido varios discos de oro.

Como director de orquesta, Stanley Black se ha involucrado cada vez más en el mundo de la música clásica durante los últimos años. Dirigió la Royal Philharmonic Orchestra en siete conciertos durante 1967; realiza numerosas giras como director invitado en Gran Bretaña y en el continente; fue nombrado director principal de la B. B.C. Northern Ireland Orchestra en septiembre de 1968, pero tuvo que renunciar al cargo al cabo de un año debido a sus numerosos compromisos cinematográficos y discográficos en Londres. En septiembre de 1965 fue invitado a Japón para una gira de conciertos con su grupo discográfico latinoamericano y también dirigió la Orquesta Sinfónica de Tokio. La gira tuvo tanto éxito que fue invitado a realizar otra en abril de 1967. Se le pidió una tercera gira, que se llevó a cabo en abril de 1969, esta vez sin el grupo latinoamericano y únicamente como director invitado de la Orquesta Sinfónica de Tokio, la Orquesta Filarmónica de Osaka y la Orquesta Sinfónica de la NHK; y, increíblemente, como único artista occidental al que se ha invitado con tanta frecuencia, ha sido invitado una vez más a dirigir las mismas orquestas durante la temporada de la EXPO '70 este verano. A finales de 1971 se traslada a Nueva Zelanda para dirigir la Orquesta Sinfónica de la New Zealand Broadcasting Corporation durante toda una temporada de «Proms».

Para Stanley Black no hay nada extraño en la idea de dirigir una orquesta sinfónica un día y tocar el piano en un grupo de jazz o latinoamericano al día siguiente; o pasar de componer una banda sonora de cine inspirada en el jazz a escribir una nueva y exquisita versión de «Clair de Lune» de Debussy; o relajarse escuchando discos tanto de Mozart como de Sergio Mendes, o de Elgar y Duke Ellington. Rechaza la especialización porque nunca ha sentido la necesidad o el impulso de especializarse. Se considera ante todo un músico y, por lo tanto, todo lo relacionado con la música entra dentro de su ámbito de comprensión y entendimiento instintivos. Quizás el secreto radique en el hecho de que hace «todo lo relacionado con la música» de forma brillante, y si lleva una desconcertante cantidad de sombreros musicales, todos le quedan de maravilla. Como él mismo dice de forma tan sucinta: «Todo es música, música para estudiar y disfrutar y poner a disposición de otros para que la disfruten; la única música imperdonable es la que es aburrida, está mal escrita o mal interpretada». Así que, como dirían nuestros primos estadounidenses, «disfruten, disfruten»: elijan entre la increíblemente amplia gama de álbumes de Stanley Black. Están ahí para que los disfruten, para todos los estados de ánimo, todos los gustos, todas las edades; un elocuente testimonio de la inspirada obra de uno de los músicos más destacados de nuestro tiempo._ The Decca Record Company Limited, Londres (1969)

                                                                                    

                                                                                  

Stanley Black And His Piano With Latin American Rhythm - Cuban Moonlight (1969)

Temas:

01. Vereda Tropical (Gonzalo Curiel)

02. Majorca (Georges Bonnet/Johnny Lehmann/Louis Gasté)

03. Siboney (Ernesto Lecuona)

04. Ay-Ay-Ay (Osman Perez Freire)

05. El Truco De Pernambuco (Manuel Salina)

06. Green Eyes (Nilo Menéndez/Reginald Connelly/Wolfe Gilbert)

07. Rumba Matumba (Bobby Collazo)

08. Stars In Your Eyes (Gabriel Ruiz)

09. Os Quindins De Yaya (Ary Barroso)

10. The Moon Was Yellow (Edgar Leslie/Fred E. Ahlert)

11. Nostalgia (Stanley Black)

12. Hold Me Close Tonight (Stanley Black)

13. Perfidia (Alberto Dominguez)

14. Frenesi (Alberto Dominguez)

José Luiz Martins - Odyssey Mixtape

Originario de la vibrante ciudad de São Paulo, Brasil, José Luiz Martins es un pianista, compositor, director de banda y productor radicado en el área de Washington, D. C. Es muy reconocido por su enfoque innovador y su música profundamente expresiva. Inspirándose en el rico patrimonio musical de su tierra natal, José (pron. "Joe-zay") combina a la perfección ritmos brasileños con influencias del jazz, la música clásica, el rock y la música contemporánea, creando un sonido único y cautivador.

José Luiz Martins se ha presentado en prestigiosos escenarios y festivales de Brasil, Europa y América, compartiendo escenario con músicos y conjuntos de renombre. Sus grabaciones como solista, director de banda y colaborador han recibido un gran reconocimiento de la crítica, lo que le ha valido premios y reconocimiento de la comunidad musical nacional e internacional..._(joseluizmartins)

El pianista, compositor y arreglista brasileño José Luiz Martins tiene una forma especial de fusionar sus raíces culturales con el jazz fusión americano, los ritmos hip hop, la música clásica europea y el funk. El resultado es una flor musical fresca y hermosa.  El álbum "Odyssey Mixtape" de Martins cuenta con la participación de varios invitados especiales, entre ellos el guitarrista John Lee, que brilla con un solo en el tema inicial, "Incerteza".  Incerteza se traduce como "incertidumbre", pero no percibo nada incierto o contemplativo en esta maravillosa primera composición de José Luiz Martins.  Comienza con mucha energía y emoción, inspirada por la fluidez y creatividad de Martins al teclado.
En la pista n.º 2, titulada "Don't Act Like", la voz de Nakama añade una cálida textura al arreglo. José Luiz Martins utiliza técnicas de sintetizador y ritmos funky para despertar el interés musical del oyente. Este arreglo también cuenta con la participación de Tyrone Allen II al bajo eléctrico y Florian Haas a la batería.
A pesar de su lucha contra la distonía focal, un trastorno neurológico que interrumpió su carrera

musical de una manera muy difícil, Martins superó esta adversidad. En consecuencia, su álbum es un testimonio de su fenomenal fuerza de voluntad. En él se reflejan su talento como compositor, su determinación y la interacción entre la depresión y la esperanza. Esto se refleja como un tema recurrente en su música original.
"Odyssey Mixtape" es el cuarto álbum publicado por este talentoso pianista y compositor.

Alex Hamburger, cantante y flautista, aporta su tierna voz en "Bloom". Aunque no he podido encontrar ningún vídeo disponible de este álbum, en una publicación anterior se puede ver a la Sra. Hamburger junto a José Luiz Martins interpretando "Solitude" de forma magnífica. Su tema más reciente, "Bloom", tiene un estilo más pop/rock. Prefiero su interpretación de "Tierra Extraña", una composición muy jazzística de Martins. Su exploración pianística durante su solo improvisado es encantadora._(makingascene)

                                                           

José Luiz Martins - Odyssey Mixtape (2025)

Temas:

01. Incerteza 

02. Don't Act Like 

03. Cravo e Canela 

04. Bloom 

05. Yatra-Tá 

06. Metamorphosis 

07. Tierra Extraña

Musicos:

José Luiz Martins (Piano, teclados, sintetizadores, composiciones, letras y arreglos)

Alex Hamburger (Flauta, voz y letras)

Romeir Mendez (Bajo)

Dana Hawkins (Batería)

Invitados especiales:

John Lee (Guitarra en pistas #1, #4 y #5)

Nakama  (Voz/letras en pista #2)

Tyrone Allen II (Bajo eléctrico en pista #2)

Florian Haas - (Batería en pista #2)       

Edmundo Ros And His Orchestra - Latin Melodies Old And New

Edmundo William Ros (Puerto España, Trinidad y Tobago, Indias Occidentales Británicas, 7 de diciembre de 1910 - Alicante, España, 21 de octubre de 2011)​ fue un músico, vocalista y director de orquesta, conocido internacionalmente por su fusión de la música latinoamericana tradicional y moderna. En el mundo anglosajón, se le llama a veces con el sobrenombre de "King of Latin American Music" ("El rey de la Música Latinoamericana")..._(wikipedia)

El corazón y el alma de la música latina es el ritmo, el «beat», esas figuras pulsantes que vibran, empujan y nunca cesan. En la música latina, el ritmo lo es todo, e incluso afecta a la melodía que se apoya en él; una buena melodía en la música latina es aquella que se adapta, o se hace adaptar, al patrón rítmico.

En este campo, Edmundo Ros tiene pocos rivales, y así ha sido durante años. Edmundo entró en el negocio como hombre del ritmo (percusionista de una importante orquesta sinfónica cuando dejó Venezuela; hombre de la batería, marcando el compás en los clubes de cabaret de Londres y en sesiones de grabación con personajes tan notables como Fats Waller; y, por supuesto, a lo largo de los años, estableciéndose en el campo de la percusión y el ritmo latinoamericanos, del que es un experto).
En una sesión, es muy estimulante ver a Edmundo ensayar las secciones de ritmo y percusión: lo que no le gusta lo corrige cogiendo el instrumento en cuestión para hacer una demostración. Una vez establecido el ejemplo, la sección nunca falla. El ritmo, en un LP de Edmundo Ros, es entonces una sólida pieza de magia musical.

A las secciones que crean la melodía, los metales y los instrumentos de viento-madera, les enseña el arte del fraseo. No se trata, según él, de una simple cuestión de notas y valores, sino de «sentir»; «sentir» la frase en relación con el ritmo, los patrones que se mueven bajo la melodía. La diferencia es la que hay entre «falso» y «auténtico», «artificial» y «real». El resultado traza una línea entre lo que es aceptable y lo que es mágico.

Los resultados mágicos han sido el sello distintivo de los LP de Edmundo Ros durante años y este no es una excepción. Con algunas de las mejores canciones de ayer y de hoy, este álbum es un producto perfecto para bailar, escuchar y disfrutar como fondo musical alegre.

©1965, The Decca Record Company Limited, London

                                                                                   

Edmundo Ros And His Orchestra - Latin Melodies Old And New (1965)

Temas:

01. La Cucaracha (Tradicional)

02. One Note Samba (Antonio Carlos Jobim, Jon Hendricks, Newton Mendonça)

03. The Girl From Ipanema (Antonio Carlos Jobim, Norman Gimbel, Vinicius De Moraes)

04. Valencia (José Padilla Sánchez)

05. Blame It On The Bossa Nova (Mann And Weil)

06. La Paloma (Sebastián de Yradier)

07. La Golondrina (Narciso Serradell)

08. Mexico (Boudleaux Bryant)

09. Meditation (Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça, Norman Gimbel)

10. Spanish Gipsy Dance (Pascual Marquina)

11. Jet Flight Edmundo Ros, Roland Shaw)

12. Vaya Con Dios (Buddy Pepper, Inez James, Larry Russell)                                         

Paquito D'Rivera & James Moody - "Who's Smoking?!"

El entusiasmo que generó la llegada de Paquito D'Rivera a Estados Unidos en 1980 no ha disminuido. Pero el énfasis se ha desplazado desde hace tiempo de su deserción cubana a su pura musicalidad. Así debe ser, ya que su traslado original a Estados Unidos fue un paso musical, no político.
La combinación de pasión y pasión que impregnó su interpretación desde el principio se ha profundizado. La textura de sus pasajes de alto y soprano, y en particular de clarinete, se ha vuelto sedosa. Y su inventiva, siempre impresionante, ha florecido considerablemente.
Para esta sesión, reunió no sólo a importantes colaboradores del jazz latino como el trompetista Claudio Roditi y los pianistas Danilo Pérez y Pedrito López, sino también a distinguidos músicos tradicionales como el saxofonista tenor James Moody, el fliscornista Mark Morganelli, el bajista Harvie Swartz y el baterista Al Foster.
La combinación brilla en el percusivo tema inicial, Who's Smoking?!, un original de D'Rivera/Roditi. Tras un estribillo típicamente innovador de Moody, Paquito inyecta pasajes brillantes y explosivos, y Morganelli y Roditi lideran una carga transicional hacia Pérez.
John Coltrane's Giant Steps gets a distinctively new dimension from Moody's tenor and D'Rivera's clarinet. Moody's chorus, replete with glorious exploration, is breakneck. And Paquito, on this cut and later on I Mean You and Out of Nowhere, gives evidence that he is among a handful of supreme clarinetists. Together, he and Moody cut a new swath through the extraordinary changes.
D'Rivera pasa al saxo soprano para interpretar Irremediablemente Solo, un tema de tempo medio lleno de líneas descendentes sólidamente respaldadas por Pérez, Swartz y Foster. El saxo soprano de Paquito, que comenzó a tocar a los cinco años, tiene el mismo fuego que pone en el saxo alto y el clarinete.
Todo el conjunto, con Pedrito López al piano, vuelve para interpretar el tema original de Roditi, Linda's Moody. El sutil ritmo latino da paso a los solos de Roditi, Moody y López. 
D'Rivera se desliza sobre la base percusiva de su uptempo Desert Storm con el saxo soprano. A su estribillo le siguen las ricas explosiones del fliscorno de Roditi, antes de que el pianista Pérez construya un solo que va desde los graves retumbantes hasta las vertiginosas escalas.
El pianista López regresa con su propia composición, Nuestro Bolero, y D'Rivera elige el saxo alto para crear un ambiente romántico. Swartz, cuyo bajo pizzicato le da a todo una columna vertebral formidable, está especialmente sabroso en este tema, contrarrestando las líneas líricas de Paquito con miel.

D'Rivera pasa al clarinete y se luce en I Mean You, de Thelonious Monk, que también brinda a Pérez y Swartz la oportunidad de brillar por sí mismos.
You Got It, Diz!, un tema original de Pérez, comienza con una introducción en conjunto al estilo de Monk, y luego D'Rivera lo lleva adelante con rápidos pasajes de saxo alto. Roditi maneja su coro con más suavidad durante unos compases, luego se adentra en el tempo y finalmente se aparta para dar paso a las vibrantes cascaras de Moody.
El final, Out of Nowhere, es un dúo magistral entre D'Rivera al clarinete y Swartz al contrabajo. Rebosa la dinámica y la inventiva de Paquito, con sus líneas suaves y susurrantes que recuerdan el sonido único del clarinete que Tony Scott grabó en los años 50. Swartz es toda la base que D'Rivera necesita para sus saltos de octava y sus líneas de filigrana.

D'Rivera me dijo en una entrevista en 1982: «Mi música es una mezcla de tres cosas principales: la formación clásica, mis raíces cubanas y la tradición del jazz». Las tres están aquí gloriosamente presentes._Stuart Troup. Coautor de la autobiografía de Woody Hennan, The Woodchopper's Ball (E. P. Dutton)

                                                                          

                                                                                   

Paquito D'Rivera & James Moody - "Who's Smoking?!" (1991)

Temas:

01. Who's Smoking?! (Paquito D'Rivera & Claudio Roditi)

02. Giant Steps (John Coltrane)

03. Irremediablemente Solo (Incurable Alone) (Avelino Muñoz)

04. Linda's Moody (Claudio Roditi)

05. Desert Storm (Paquito D'Rivera)

06. Nuestro Bolero (Pedritp Lopez)

07. I Mean You (Thelonious Monk)

08. You Got It, Diz! (Danilo Perez)

09. Out Of Nowhere (Edward Heyman & Johnny Green)

Musicos:

Paquito D'Rivera (Saxo alto, saxo soprano, clarinete)

Claudio Roditi (Trompeta, fliscorno)

Mark Morganelli (Fliscorno)

James Moody (saxo tenor)

Danilo Pérez (Piano)

Pedrito López (Piano)

Harvie Swartz (Bajo)

Al Foster (Batería)

Grabado: 21 y 22 de mayo de 1991 en BMG Studios, Nueva York

Interactivo - Cubanos Por El Mundo

Interactivo. Es una de las agrupaciones más aceptadas y seguidas por la juventud nacional. Desde las primeras presentaciones en distintos espacios capitalinos -apenas entrado el Siglo XXI- este sui generis proyecto musical no ha dejado de impresionar al exigente público especializado y a los admiradores del buen arte sonoro de la Isla.
Interactivo surgió en el año 2001 de manera espontánea, cuando Roberto Carcassés fuera el arreglista del primer disco de la multiinstrumentista y cantante cubana Yusa; ambos quedaron muy motivados con ese trabajo y a partir de entonces surgió la idea de convocar a otros músicos, convirtiéndose en uno de los sucesos más novedosos dentro de la música cubana actual.
No es una banda musical formalmente constituida, sino una agrupación a la que se suman instrumentistas y vocalistas que ya tienen, de manera individual, una sólida carrera profesional, y para los cuales Interactivo es una puerta abierta a la libertad musical creativa, al trabajo en equipo y a la experimentación.
Solo hay que compartir con ellos tras las “patas” de cualquier escenario, en una gira o ensayo, para darse cuenta que detrás de toda esa locura, de esas “tormentas de ideas” musicales, supuestamente descabelladas, hay toneladas de horas de estudio y preparación, conceptos bien claros de lo que pretenden hacer a través de esa urdimbre de géneros diversos, a la vez que cercanos; lo evidente de una estrategia que contempla el retozo serio con lo mejor de la música criolla y su fusión con el Rock, el Jazz, el Rap, el Flamenco y los Ritmos africanos. Músicas cercanas a pesar de distancias y barreras, músicas también nuestras en estos tiempos de mundialización y tantas influencias.

Así que Interactivo es laboratorio, taller, es postgrado... es paréntesis para compartir y conocer lo que están haciendo otros músicos, es el espacio al que siempre se quiere volver, porque no impone reglas que vayan más allá de los deseos de crear juntos buena música.
Desde el principio, Roberto Carcassés (hijo de Bobby Carcassés, grande entre los jazzistas cubanos), fundador y al frente del proyecto, sabía muy bien lo que pretendía con Interactivo.
Ya el primer CD, “Wanted”, advertía en uno de sus textos fundacionales: “...como su nombre pretende expresar, es un espacio de creación lo más abierto y ecuménico posible, que recibe y aporta influencias de todas las músicas de vanguardia cualitativa y que puede de hecho, convertirse en escenario por el que transiten los músicos cubanos, o de otras latitudes, con un discurso musical en común con sus integrantes. Interactivo es, sobre todas las cosas, buena música, hecha por jóvenes y talentosos músicos”.
Según el líder de la banda, “es la disposición de compartir música o, simplemente, de anular el ego o usarlo como una herramienta que te ayude a compartir. Yo tengo 30 músicos en el escenario y todos están en función de la música. Ese es el principio de Interactivo”. Y hay más: “nosotros estamos haciendo música, pero al mismo tiempo involucramos, como en este último concierto, a cineastas y a la televisión. Ellos no sabían cómo ponerse de acuerdo. Y yo les decía que esto se llama Interactivo porque hay que aprender a ponerse de acuerdo”.
Robertico organizó el proyecto Interactivo, con una pléyade de jóvenes de mucha aceptación: los más habituales en sus presentaciones han sido Francis del Río y la rapera Telmary Díaz, el guitarrista Elmer Ferrer, el saxofonista Roberto Martínez, Adel en las congas y Wilson. También se han unido con frecuencia Yusa en el bajo, William Vivanco y Kelvis Ochoa, cantautores de sólidas carreras que han sido “enganchados” por el juego Interactivo.

Otros que han participado en el proyecto son en el drums Oliver Valdés y Rodney Barreto, bajo Carlos Ríos, en la guitarra Raul Verdecia, congas Yaroldi Abreu, trompeta y voz Julio Padrón, trompeta Alexey Barroso, saxo Carlos Miyares y David Suárez, trombón Juan Carlos Marín, coros y guiro Brenda Navarrete, coros Lisset Ochoa y Marjorie Rivera..._(ecured)

«Cubanos por el mundo» es el título de la primera gira que el grupo Interactivo realizará por varias provincias del país, del seis al 24 de febrero próximo, bajo la dirección del destacado músico Roberto Carcassés, informó AIN.

El periplo lleva el nombre de la última producción discográfica de esa agrupación, grabada por la disquera Bis Music de Artex y que fue muy bien acogida por el público desde las primeras presentaciones, según indican los organizadores del recorrido.

Esta serie de conciertos presentará el quehacer de ese elenco de talentosos jóvenes, vanguardia de un movimiento alternativo que fusiona barios géneros musicales como la salsa, la timba, el pop, el rock, el hip-hop y ritmos afrocubanos, a la que Carcassés denomina Timba Funky, o música cubana contemporánea.

William Vivanco, Francis del Río, Kelvis Ochoa, Oliver Valdés, Julio Padrón, Telmary y Elmer Ferrer, entre otros, se integran bajo el ensamble Interactivo donde, aseguran, se logra una gran apertura para la creación musical, la innovación y el trabajo en equipo.

Surgido hace más de una década, el conjunto ha demostrado su capacidad interpretativa en los más exigentes escenarios dentro y fuera de Cuba, con gran aceptación del público y la crítica especializada.

En el 2006 fueron merecedores del Gran premio Cubadisco con el álbum Goza pepillo, además acapararon los primeros lugares en las categorías de Fusión y Ópera Prima de este certamen.

La música de Interactivo a lo largo de su existencia ha estado marcada también por la impronta de músicos de generaciones, orígenes y tendencias musicales diversas, pues a la banda se han sumado ocasionalmente figuras como: los bateristas Samuel Formell, Ruy López-Nussa, Amed Michel, Frank Durán y Ramsés Varal; los raperos Kumar y el grupo Free Hole Negro; los percusionistas Alejandro Aparicio "El Pícaro" y Pancho Terry; el trompetista Yasek Manzano y el trombonista Juan Carlos Marín; los saxofonistas Román Filiú e Irving Acao; el bajista Omar Pérez; los cantautores Santiago Feliú, Kelvis Ochoa, Gema Corredera y Pavel Urquiza, y la cantante Haydeé Milanés; el compositor y bajista Descemer Bueno; músicos de Habana Abierta, y muchos otros. También en estas descargas han participado el brasileño Lenine y los integrantes del grupo español Ojos de Brujo.

Interactivo es pues un maravilloso laboratorio del que emana la sonoridad cubana de estos tiempos, y sus músicos están escribiendo páginas que habrán de ser tenidas muy en cuenta, cuando se aborde la historia sonora de la Isla en el siglo XXI._(juventudrebelde)

                                                                                   

                                                                             

Interactivo - Cubanos Por El Mundo (2010)

Temas:

01. Tocando Mientras Llueve

02. Chica Cubana

03. Chiqui Chaca (Cadaver Exquisito)

04. Que Ya No Hay Amor

05. Samba De Los Cotuntos

06. Que No Pare El Pare

07. Rumba Contigo

08. Sali De Mi Casa Un Dia (Jana)

09. Para Alegrarte El Corazon

10. Cubanos Por El Mundo

11. LLuvia De Sentimiento

Musicos:

Roberto Carcassés (Piano, rhodes, voz, coros, palmas)

Carlos Ríos (Bajo, coros)

Feliciano Arango (Bajo)

Néstor Del Prado (Bajo)

Rodney "Barretico" Yllarza Barreto (Batería)

Oliver Valdés (Coros, tamborine, shaker, pandeiro)

Adel Gonzalez (Percusión)

Julio Padrón (Trompeta, voz, coros, palmas)

Juan Carlos Marin (Trombón)

David Suarez (Saxo tenor, saxo soprano)

Carlos Miyares (Saxo tenor)

Elmer Ferrer (Guitarra eléctrica)

José Luis Martínez (Guitarra eléctrica)

William Vivanco (Guitaras, voz, coros)

Lisset Ochoa (Coros, palmas)

Marjorie Rivera (Coros, palmas)

Yusa (Voz, palmas)

Francis del Río (Voz, coros)

Telmary Díaz (Voz)

Melvis Santa (Voz)

Descemer Bueno (Voz)

Santiago Feliú (Voz)

David Torrens (Voz)

Oscar Valdés (Voz)

Bobby Carcassés (Voz)

Kelvis Ochoa (Voz)