Melvis Santa Estévez Guzmán – Joven y talentosa cantante cubana, exintegrante del cuarteto vocal Sexto Sentido y reconocida por su versatilidad a la hora de interpretar una amplia variedad de géneros.
Melvis Santa Estevez Guzmán se gradúa en el año 2001 en el Conservatorio Amadeo Roldán, ha sido fundadora e integrante del cuarteto vocal Sexto Sentido y cantante en el proyecto Interactivo. Es además Profesora de Teoría de la Música. Melvis Santa en su concierto en Bellas Artes Sus inicios en Sexto Sentido tuvo como nido al Conservatorio Manuel Saumell donde cuatro muchachas incluida Melvis jugaban con sus voces y traían una propuesta diferente al escenario de la música cubana. Su primera presentación fué en junio del año 1997. Después de esa primera presentación estuvieron en varios escenarios como el Centro recreativo Camilo Cienfuegos, Café Cantante y en Alamar. En los inicios, se abrigaron en el movimiento de hip hop cubano porque era lo más cercano a la principal tendencia de aquel momento de la agrupación, que era el Rhythms and Blues (R&B). En Sexto Sentido, Melvis estuvo desde junio del año 1997 hasta abril del año 2010. Desde el año 2010 empezò su carrera en solitario con el disco "Santa Habana" (Bis Music) nominado al Cubadisco 2012.
Santa Habana es el primer CD de Melvis Santa con 10 canciones casi todas de su autoría Melvis Santa concluyó su disco titulado Santa Habana, bajo el sello de la prestigiosa Casa discográfica Bismusic. El álbum contiene 10 canciones, en su mayoría de su autoría y compartiendo el proceso de producción artística con Germán Velazco. Para la grabación de este fonograma contó con la colaboración del pianista Rolando Luna, integrante de la agrupación musical cubana Buena Vista Social Club, entre otros excelentes músicos cubanos.
El CD estuvo nominado al Cubadisco 2012 en la categoría de fusión._(ecured)
Temas: 01.Tu Momentico (feat. Manolito Simonet) 02.Santa Habana 03.A e I o U 04.Eres Mi Locura (feat. Insurrecto) 05.Siete Cuerdas 06.Lo Bueno 07.Demasiado para Ti (feat. Temary) 08.Inmensidad 09.No Te Confundas 10.Música (feat. Inter-Activo)
Musicos: Melvis Santa-Leader, Lead Vocals Miguel Manuel de Armas (2, 3, 5, 6, 9); Manolito Simonet (1); Roberto Carcassés (Rhodes 10); Rolando Luna (8); Leonardo Gil (7)-Piano Miguel Manuel de Armas (2, 3, 5, 6, 9); Leonardo Gil (7)-Keyboards Raul Tobias Gil "Avi"(all except 3, 4.7. 10); Roberto Vazquez (3, 7); Carlos Rios (10)-Bass Oliver Valdés (all except 4, 7, 10); Raúl Herrera (10)-Drums Raúl Verdecia (2, 5, 6); Ray Ugarte (3); Roberto Gómez (10); Jorge Luis V. Chicoy (5)-Guitars Yaroldy Abreu (except 4,7); Germán Velazco (1); Adel González (1,9,10); Samuel Cana Jr (2,5,6); Rumberos de Cuba (9); Maximo Duquesne, Eddy de los Santos, Marcos Yovany Díaz, Dreiser Durruthy (8)-Percussion Germán Velazco (except 1, 4, 5, 7)-Alto Sax, Tenor Sax, Flute Juan Carlos Marín (9, 10)-Trombón Julio Padrón (3,9,10); Alexey Barroso (2, 6,9,10)-Trumpets Yeseala Saéz, Ivonne Rubio, Roxana Iglesias, Yosmara Castañeda, Jessical del Corral-Strings Telmary (7)-Guest Vocal Brenda Navarrette, Melvis Santa (all); Julio Padrón (9); Francis del Rio (10)-Coros
Belisario López nació en la ciudad de Cárdenas, provincia de Matanzas en la República de Cuba, el 7 de octubre de 1903. Desde niño empezó a estudiar música con la ayuda de su mamá. A principio de la década de los veinte, la familia López se traslada a la ciudad de La Habana y allí Belisario continuo sus estudios musicales escogiendo la flauta de cinco llaves como instrumento. Unos años más tarde Belisario ingreso en la Universidad de La Habana y estudio Leyes, graduándose de abogado especialista en Leyes sobre Impuestos. Desde ese momento su vida quedo compartida entre la abogacía y la música, carreras que realizaba con admirable capacidad de trabajo y tenacidad. Puede decirse que triunfo en ambas. El debut como flautista de Belisario López fue con la entonces recién formada Orquesta de Neno González, conocido pianista con la que permaneció unos dos o tres años. En 1928, Belisario decidió formar su propia orquesta charanguera y funda una agrupación de altura con el compositor de danzones y violinista Juan Quevedo, Raúl Valdespi en el piano, Guillermo Malherve, contrabajo y Gerardo Cabrera en el timbal. Tiempo después se unió a su orquesta el violinista y compositor Humberto Trigo. A mediados de la década de los treita, se unió al grupo el cantante — sonero Joseito Núñez y el gran compositor y pianista Facundo Rivero, el cual sustituyo a Armando Valdespi, cuando este decidió formar su propia agrupación charanguera... Seguir leyendo
Temas: 01.Montuno cha cha cha 02.Cha cha cha 03.Son montuno 04.Guaracha cha cha cha 05.Mambo cha 06.Danzun 07.Danzu el dedo gordo 08.Montuno cha cha 09.Conga 10.Montuno
Una especie de secuela Sambao de 1993, primera grabación completa de Kenny Barron de la música brasileña, Canta Brasil, encuentra el gran pianista de jazz en compañía de una unidad brasileña experimentado, auto-contenida en Trio da Paz. Barron se funde su toque elegante y atrevido armónica a la atracción inherente de samba ranuras creadas por el batería Duduka Da Fonseca, el bajista Nilson Matta y guitarrista acústico Romero Lubambo junto con invitados especiales Valtinho en la percusión y Anne Drummond en la flauta. La mezcla es particularmente intrigante en el primer partido del álbum, "Zumbi", una serie de alta energía de ritmo a conducción ritmo baiáo de Da Fonseca, y el boyante balanceo de Matta "Paraty". Barron toma las libertades más armónicas en infecciosamente ranurado afro-samba de Da Fonseca "Doña María", que muestra hábil racha del pianista, inventiva en el marco de estas ranuras esencialmente brasileños. La notable Lubambo distingue a sí mismo como un valiente, solista quema en piezas como "Zumbi" y "Paraty" antes de bajar el cambio y acariciando sus cuerdas de nylon en forma serena en las "Clouds", descaradamente sensual que también cuenta con algunos jugando maravillosamente lírica de Drummond. colores Barron esta pieza con sutiles matices y compilación suave antes de añadir su propia declaración en solitario profundamente lírica en el procedimiento. Elocuente introducción acompañados de Barron sobre "Until Then" es una sabrosa introducción a una seductora bossa nova que ofrece prominente Drummond aunque también se detallan algunos de juego dinámico por Barron en la segunda mitad de la pieza. La sensación de la sección de ritmo aquí es todo delicadeza y la unidad desinteresado. Lubambo muestra su juego más deslumbrante en su propio fuego "Bachiao", un revolcón baiáo fuera de control que provoca de manera similar de juego excelente de Drummond, Barron y Da Fonseca. Este equipo de Brasil-Estados Unidos mixta se cierra con una nota fácil de ventosa con la del pianista cadenciosa "This One".
Philadelphian Barron abraza esta música como un nativo de Brasil, mientras que imbuir a cada pista con su inmensa musicalidad, ayudando a consumar este matrimonio de jazz y samba en sus propios términos regios._Bill Milkowski (jazztimes)
Germán Velazco y Jorge Reyes son dos baluartes de la música c8bana contemporánea, y en especial del jazz. La suma de sus talentos constituye un regalo excelente para su público. Jorge Reyes, bajista, compositor y profesor de larga trayectoria, nació el 29 de octubre de 1954. Estudia en el Conservatorio Amadeo Roldán de La Habana, antes de empezar su carrera profesional como músico en varias agrupaciones populares. Germán Velazco y Jorge Reyes son dos baluartes de la música c8bana contemporánea, y en especial del jazz. La suma de sus talentos constituye un regalo excelente para su público. Ahora ellos, con su disco Duetto, acaban de sr multinominados en CUBADISCO 2012 Jorge Reyes, bajista, compositor y profesor de larga trayectoria, nació el 29 de octubre de 1954. Estudia en el Conservatorio Amadeo Roldán de La Habana, antes de empezar su carrera profesional como músico en varias agrupaciones populares. Integra la Orquesta del Instituto Cubano de Radio y Televisión y después pasa a la Orquesta Cubana de Música Moderna. Desde 1981 hasta 1990 integra el sexteto del trompetista Arturo Sandoval., aunque en 1983 realiza su primer disco como solista titulado “Pocito 11”. Viaja a los más importantes festivales de jazz en Europa y Estados Unidos, reconociéndose como alto exponente de la música cubana, en especial del jazz. Funda junto a Hilario Durán y Andrés Alén el grupo "Perspectíva", del cual pasó a Irakere, en el cual consolida su fusión entre música popular cubana y jazz. Entre sus actuaciones memorables se recuerda las que hizo con Habana Report y Carmen McRae y Roy Hargrove. De una intervención suya en el XVIII Eivissa Jazz Festival, de Islas Baleares, Xicu Lluy escribió en el Diario de Ibiza: "Jorge Reyes no necesita demostrar nada. Sin embargo, el veterano contrabajista también se planteaba un ambicioso reto profesional: estrenarse en España como solista director de un quinteto”. El conjunto cubano se mostró arrollador. Ese episodio fue el anticipo del disco que estamos apreciando hoy porque entonces tuvo un invitado sorpresa, el saxofonista Germán Velasco, de paso por la isla De esa empatía, con orígenes en la etapa Irakere de ambos, nació Duetto, Yambú pa´ Miramar, Otro Más, Samba Amalia, Fuga de la tumba y Dolores blues. Germán Velazco Urdeliz , por su parte. es considerado como uno de los saxofonistas más importantes de Cuba en los últimos tiempos. En 2007 su Cuban timba/Fusion Project estuvo en CUBADISCO. El saxofonista camagüeyano creó una obra producida por la EGREM nacida a cuatro décadas de que comenzara su actividad artística pública. Nacido en 1957, en 1976 se sumó a la Orquesta Revé para realizar una misión cultural en Angola. Con esta agrupación participó en el Festival de la Juventud y los Estudiantes, de 1978, y Carifesta, en 1979. Por esas fechas, además, se sumó a la fundación de Afrocuba. En 1980 integró IRAKERE. Su carrera con esa superagrupación lo llevó a docenas de países y a un gran número de festivales internacionales. Germán ha compartido escenarios con figuras como Chick Corea, Tito Puentes, Wynton Marsalis, Miles Davis y Dizzy Gillespie. Tras dejar Irakere en 1988, integró NG La Banda. En 1992 se sumó al grupo acompañante de Pablo Milanes. En 1994 le fue otorgada la distinción por la Cultura Nacional.
Además de su actividad como instrumentista es productor, orquestador y director musical. En esas funciones ha trabajado para sellos disqueros cubanos como EGREM, BIS MUSIC, RTV Comercial y UNICORNIO y entre los foráneos LUSAFRICA, EMI, WARNER España y Francia ,SONY y POLyGRAM. De Jorge Reyes y Germán Velazco habría mucho que decir, todo en términos elogiosos. Chucho Valdés, al evaluar al saxofonista hace un tiempo, parecía también referirse al contrabajista:"Juega con su instrumento para dejar testimonio de sus potencialidades como intérprete con esta propuesta de música instrumental”._ jds (decubajazz)
Temas: 01.Duetto 02.Yambú Pá Miramar 03.Otro Más 04.Samba Amalia 05.Fuga de la Tumba 06.Dolores Blues 07.Allegro In D Minor (a Párraga) 08.Descarga 2010 09.Para Mily 10.Los Tres Golpes 11.Finale 12.Las Margaritas
Musicos: Germán Velazco-Saxofón soprano Jorge Reyes-Contrabajo Adel GonzálezPercusión
La orquesta Casino de la Playa fue fundada en 1937 en la ciudad de La Habana, Cuba. Recibió ese nombre por ser la orquesta de planta del casino del mismo nombre. Esta orquesta propició un puente entre la música popular cubana y el sonido de las big bands norteamericanas. También sirvió de plataforma para el surgimiento de grandes músicos.
A mediados de 1937, la discográfica RCA Victor realizó una serie de grabaciones en La Habana con más de 20 grupos de diferente formato. La orquesta Casino de la Playa grabó seis números, entre los que se encontraba la célebre canción Bruca Maniguá de Arsenio Rodríguez. Éste fue el primer eslabón de su proyección tanto en Cuba como en el extranjero. Entre 1937 y 1939, la orquesta grabó unas 60 canciones y realizó diversas giras por América.
En 1941, Anselmo Sacasas, director de la orquesta, y el cantante Miguelito Valdés dejan la orquesta y deciden desarrollar sus propios proyectos en los Estados Unidos. Sacasa fue sustituido por Julio Gutiérrez y, en la orquesta, se trabaja con vocalistas invitados hasta que, en el año 1945, ocupa la plaza de cantante Orlando Guerra "Cascarita". Más adelante se incorporará al piano Dámaso Pérez Prado quien no duraría mucho en el grupo y emigraría a México donde daría un impulso fundamental al género del mambo.
En 1948, Cascarita abandona el grupo y la vida de la orquesta se prolonga hasta desaparecer a fines de los años cincuenta. La orquesta Casino de la Playa se encuadra dentro de las formaciones musicales conocidas como jazz band criolla. Estas bandas, aunque interpretaban un repertorio basado en la música nacional de Cuba, lo hacían reproduciendo en cierta medida la sonoridad de las bandas americanas pero, a diferencia de éstas, contaban con cantantes que desempeñaban un papel de primer orden.
Por esa orquesta desfilaron grandes músicos de la historia de la música popular cubana como Dámaso Pérez Prado, Miguelito Valdés, Orlando Guerra y Anselmo Sacasas, entre otros._(ecured)
Casino de la Playa - Domingo en Casino de La Playa, RCA Victor Records LPV-7248
Temas: 01. Nuestro Son, canta Miguelito Valdes 02. Se Va El Manguero, canta Miguelito Valdes 03. Los Bomberos, Instrumental 04. Mi Cuntuntun, canta Miguelito Valdes 05. Loco De Amor, canta Walfredo De Los Reyes 06. La Negra Leono', canta Miguelito Valdes 07. Yo Soy Como El Guao, canta Antonio De La Cruz 08. No Vale La Pena, canta Reinaldo Henriquez 09. Yo Tene Un Baracon, canta Miguelito Valdes 10. En Que Quedamos, canta Reinaldo Henriquez 11. Los Componedores, canta Miguelito Valdes 12. Mulata De La Sabrosura, canta Antonio De La Cruz Información cedida por Pedro A. Sifonte
Layla es una de los únicos Directores de banda/Cantantes/saxofón femeninos en el mundo de música latina hoy. Ella comenzó a tocar el saxofón a los 10 años y creció viajando ida y vuelta desde la costa este a la costa oeste. Como saxofonista, pasó un año de gira con la superestrella del reggaetón, Don Omar, ha recorrido con Tito Puente Jr., los cuernos de azúcar (los jugadores de cuerno de Beyonce) y jugó con muchos otros ganadores de premios Grammy artistas. Hir primer disco, Live at The Triple Door fue un gran éxito, sobre todo en América del Sur, donde su canción 'Que Te Vaya Bien' se convirtió en un éxito underground. La canción, así como sus composiciones actuales, llegaron a la posición semi-finalista en el Concurso Internacional de Composición, y han recibido otros premios y críticas altos. Después del lanzamiento de su 3er CD, triangulo, una de sus canciones se elevó a # 16 en las listas de Billboard, se jugó en todo el país en Music Choice, televisión por cable, y oído todo a través de las estaciones de radio de la costa este de América. Otro sencillo del triangulo, 'Sin Ti', llegó a más de 200.000 obras de teatro en varios sitios en línea de transmisión. Ella actuó en los videos musicales de ambas canciones y 'No Se Como Olvidarte' fue lanzado en VEVO. Triangulo es excepcional la perfección por los mejores músicos de la salsa, la bachata y el merengue de Nueva York que ofrecen Luisito Quintero, Carlos Cascante, Gio Williams, Mastakriz Laguïra, Jose Frias, Simon Abreu, Luis Marcelo, y muchos otros jugadores increíbles. "Cerrar la brecha de la música comercial de América, este disco trae una nueva voz femenina y audaz. Es atractivo, sensual, potente, profundo, todo-original, y muy bailable." Layla sigue llevando a cabo alrededor de los EE.UU. y el mundo._(laylaangulo)
Este CD, es un recuerdo de sus primeras composiciones y capacidad musical como líder director / banda. "Layla Angulo sexteto" fue originalmente concebido como un CD DEMO, pero cuando sus fans comenzaron a pedir una liberación real, no podía decir que no.
Sensemayá ha reinado sobre la Capital District Region durante casi una década, convirtiéndose en un nombre de la casa virtual. Pocos habrían saber que el nombre se deriva de un poema escrito por el poeta cubano Nicolás Guillén, que se basa en un culto religioso cubano-africana, la santería, y más tarde se convirtió en una pieza orquestal. Pero me estoy desviando. Uno de nuestros héroes musicales latinos locales, Sensemayá ha jugado en prácticamente todo tipo de lugar - de las casas de café a los clubes de jazz a parques y teatros pequeños - y en varias configuraciones - que van desde dúos, tríos a los pequeños grandes bandas. Sorprendentemente, después de cosechado tal notoriedad regional, el grupo solo acaba de grabar su disco de debut, Shake It. Y, sacaron la artillería pesada - doce músicos tocando en una variedad de conjuntos. Los miembros de este cónclave musical son: David Gleason, llaves, voces y percusión; Tim Williams, saxofones, vocal y de percusión; Pete Sweeney en la batería; Tony García en las congas; Walter Ramos, voz principal y percusión; Steve Lambert y Ben Acrish en la trompeta; Ryan Lukas, Erik Johnson y Mike Lawrence en el bajo; y Jim Wilson en la guitarra. Para el beneficio de la región de la capital, tenemos la suerte de tener varios de estos músicos locales que enseñan en nuestras escuelas. En Shake It, Sensemayá logra lo que hace mejor con el penacho - grabación de composiciones originales que se extienden sobre la anchura de la anchura de la música latina caliente que se encuentra en América del Sur, el Caribe, y en otros lugares, al tiempo que reconoce la confluencia de otros géneros musicales, especialmente el jazz. Supongo que no se puede identificar a una persona como el líder, pero David Gleason es multitarea en la grabación como productor, así principal compositor de todas las canciones. Este reconocimiento no se menciona para desestimar las contribuciones de los otros miembros, ya que así impartir su talento para la escritura. Hay algo para cada oyente y todos los lenguajes musicales están bien representados en esta grabación. En general, esta es una colaboración respetable por una camarilla de los mejores músicos de la zona... Seguir leyendo
Temas: 01. Shake It! 02. Mantanzas 1958 03. A Favela 04. Cha Cha Sensemaya 05. Shark Fin Soup 06. Herbie 07. Mi Bomba E' 08. Cu-Bird 09. Sao Paulo 10. Peaches and Pairs On the Bassment Stairs 11. Descarga De La Habana 12. Puertas
Musicos: David Gleason (Keyboards, Vocals) Tim Williams (Saxes, Flute, Vocals) Wlater Ramos (Lead Vocals, Percussion) Pete Sweeney (Drum Set) Tony Garcia Jr. (Congas) Benjamin Acrish (Trumpet, Percussion) Steve Lambert (Trumpet) Tony Garcia Sr. (Bongos) Ryan Lukas (Bass) Erik Johnson (Bass) Mike Lawrence (Bass) Jim Wilson (Guitar)
Maestros de Bata es un estudio de grabación de 6 actuaciones del grupo Abbilona, un colectivo de músicos de Cuba reconocido internacionalmente como uno de los principales grupos de música yoruba hoy. Percusión, coro e inherentemente espiritual, este disco es una inmersión profunda en el sonido de los rituales de la santería secretas de La Habana. La sesión tuvo lugar en los estudios de ICRT (La Habana) en noviembre de 2012 y el álbum ahora se lanza por primera vez. El hombre que lleva los 30 percusionistas y cantantes del grupo Abbilona es Irian López, un reproductor de Bata tambor principal y un Babalawo (un título espiritual que se da a los altos sacerdotes de Ifa). Es considerado por muchos como uno de los de las figuras más influyentes en la tradición folclórica de música de La Habana. Él y sus hermanos son los creadores de un estilo prominente de la Rumba llamados Guarapachangueo. A través de los años Abbilona influencia musical se ha extendido a un gran número de seguidores de percusionistas, que los visitan desde todos los rincones del mundo para estudiar el tambor, el complejo poli-ritmos y de acercarse a la comunidad santería mística. Los tambores sagrados, los rituales, las técnicas de juego, son todos los elementos de un fuerte patrimonio cultural que ha sido transmitida de generación en generación dentro de la colectiva, en honor a la música afrocubana, los Orishas y, uno de los más antiguos tambores en el mundo , el Bata. Producido por Claudio Passavanti y Giovanni Imparato. Productor Ejecutivo: Antonio Rodríguez. Líder de la banda: Irian López Rodríguez Traductor de Google para empresas:Google Translator ToolkitTraductor de sitios webGlobal Market Finder
Comprendiendo que Colombia es mezcla, la música de Antonio Arnedo ha explorado múltiples ritmos folklóricos nacionales sobre un amplio concepto de jazz, reuniendo elementos tan variados como nuestra propia realidad. Ritmos de las costas pacifica y atlántica, del interior andino y de comunidades indígenas, mezclados en un plano de indeterminación como el del jazz hacen de sus producciones intensos gestos de libertad, como una pintura abstracta de los afectos colombianos.
Su música no es otra muestra más de fusión, es el resultado de años de esfuerzos junto al saxofón, su instrumento vital. Pero el camino fue largo para llegar a él. Su padre, el célebre saxofonista de la década de 1960 y 1970, Julio Arnedo, le ayudó a entender que la música, para no perder su magia, no podía convertirse en una profesión. A los once años Antonio comienza a rasgar una guitarra de oído. Poco después toma las clases básicas para aprender a tocar flauta dulce leyendo el pentagrama. Pero como él mismo lo ve ahora, se sentía un desastre, por lo que decide cambiar de camino.
A los diecinueve años, estudiando geología en la Universidad Nacional de Bogotá, consigue a un precio increíble un saxofón por parte de un amigo de su padre, para después venderlo a un mejor precio. Sin embargo, termina por conservarlo, aún sin saber cómo tocar ni leer bien partituras. El instrumento, por eso, apenas ocupaba instantes fugaces en aquellos años de su vida. Pero la música cada vez más ganaba terreno. Las noches bohemias de algunos de los bares del sector de la calle 93 de Bogotá logran sacarlo de la rutina de los libros, además de dejarle algunos pesos. En una de esas veladas con músicos de renombre, entre ellos Francisco Zumaqué, se da cuenta por fin que necesitaba dedicarse de lleno a la música para poder sonar como realmente quería. Cuando sólo le hacían falta los exámenes para obtener el grado de geólogo, decide entrar en el conservatorio de música de la Universidad Nacional y luego al Departamento de música de la Universidad Javeriana. Estudia saxofón luego con Joseph Viola, William Pierce, George Garzón y Jerry Bergonzi.
Solo una dedicación en cuerpo y alma le permite a Arnedo superar las dificultades de su tardío inicio en la música. Ensayando sin pausa, llegando a pesar cuarenta y siete kilos, Antonio se convierte en el inspirado y talentoso músico que conocemos hoy en día, llegando incluso a ser seleccionado para el concurso mundial de saxofón del Thelonious Monk Institute en 1991 y el Smithsonian Institute de Washington, en donde gana una beca para perfeccionar su formación en Boston.
De regreso al país compone la música de varios documentales y también la música previa de la cinta La estrategia del Caracol. Ha participado desde entonces en una producciones entre las que se destacan Macumbia de Francisco Zumaqué, su primera gran oportunidad de grabar, y Clásicos de la Provincia de Carlos Vives, con el que da a conocer su nombre en distintos círculos artísticos. Como compositor ha grabado cuatro discos, Travesía, Orígenes, Encuentros y Colombia, explorando su patria desde una visión universal como la que busca el jazz.
Antonio Arnedo, el mismo virtuoso del jazz becado por el Berklee College of Music, ha encontrado el material de sus improvisaciones en las bandas de música popular colombiana, las papayeras, en la cumbia, en el pasillo, en el porro, en los ritmos étnicos, y en muchas otras sonoridades de diversas regiones del país. Además de la docencia en la Pontifica Universidad Javeriana, Arnedo se ha dedicado al impulso de la música de jóvenes en la que se investiga el folklor nacional a través de sonidos modernos.
Lidera actualmente el Colectivo Colombia, que reúne diversos proyectos unidos por la pasión por la música colombiana y las posibilidades de exploración que ofrece en su mezcla con instrumentos de jazz y de rock, e incluso de sonidos electrónicos. Pocas cosas logran perturbar, a pesar de sus oficios, su rutina de ocho a diez horas frente a las partituras, más que por trabajo, por la búsqueda de soplos de vida por medio del saxofón._ (banrepcultural)
El Conjunto Casino fue una agrupación de música popular cubana que realizó una labor importante en las décadas de 1940 y 1950, encuadrado en la tradición de conjuntos en boga por esa época en Cuba.
El estilo del 'Casino', más apegado a las armonías del jazz, específicamente del swing y del bebop, se enmarcó en la corriente más progresiva entre las agrupaciones soneras de su tipo en esta época. Junto al conjunto de Arsenio Rodríguez, representando la línea afrocubana, el conjunto Sonora Matancera, apegada a la guaracha y la rumba mulata, el 'Casino' conformó un patrón que siguieron muchas agrupaciones desde ese momento como el conjunto 'Colonial', el conjunto de Senén Suárez, el conjunto de Ernesto Grenet, el 'Kubakán' y el conjunto 'Rumbavana', entre otros. Alrededor de 1933, en pleno auge los sextetos y septetos de sones, los hermanos José y Manolo Saldarino, cantante y contrabajista respectivamente, fundaron en La Habana el Sexteto 'Miquito'. El grupo, denominado 'sexteto' a pesar de que en su personal ya se incluía el piano, cambió de nombre el 1.º de mayo de 1937 a 'Casino' al convertirse en el grupo de planta del 'Summer Casino' o Gran Casino Nacional de Marianao, en La Habana... Seguir leyendo
Temas: 01.A Romper El Coco 02.Que Rico El Mambo 03.El Baile Del Pinguino 04.Sun Sun Ba Bae 05.Guempa 06.Miguel 07.Ponle La Montura Al Potro 08.El Rinconcito
Yelsy Heredia es uno de los contrabajistas más importantes en la escena musical actual. Colaborador habitual en discos y directos de músicos de primera línea como Bebo y Chucho Valdés, Diego el Cigala, Salif Keita, Arcangel, Joshua Edelman, Donna Hightower ... Procedente de Cuba y afincado en España, es considerado por público, crítica y artistas como el músico que mejor ha sabido fusionar el son Cubano, con el compás Flamenco y el jazz. Toda esa herencia musical la desarrolla de forma más personal en los dos proyectos musicales que lidera: con "Lebrija Son", acompañado de Dorantes, Alba Molina, Rycardo Moreno y una nutrida representación de gitanos de las más rancias estirpes de Lebrija; y "Camino a Maisí", que titula un experiencia musical inolvidable que bucea en los ritmos más ancestrales de su Guántánamo natal. También la ha plasmado en los tres discos que hasta el momento ha firmado: "Guantánamo Changüí", producido for Cigala Music y "Recovecos" acompañado de Lebrija Son y su más reciente propuesta "Camino a Maisí" con las colaboraciones estelares de Lucrecia y Manuel Quijano. En este disco nos habla de sus raíces guantanameras, de esa cosa tan particular que musican en ese lugar de la isla donde hay algo más que una cárcel: el changüí, ese ritmo propio de Guantánamo que a veces ni los propios soneros de La Habana o Santiago se atreven a atacar. En este trabajo está todo Guantánamo, en su música, en su religión, en su cultura. Yelsy quiere reivindicar ese patrimonio propio y nos lo ofrece a todos._(yelsyheredia)
Temas: 01. Ofrendas 02. El curandero 03. A Cochó 04. Antes que pase 05. Síntomas de alivio 06. Todo es posible 07. Señales II 08. Orgullo Guantanamero (Con Diego El Cigala)
Musicos: Yelsy Heredia (contrabajo) Guillermo Rubalcaba (piano) Changuito ( percusión) El Morao (guitarra) Diego El Cigala (voz)
Con
sede en Detroit jazz latino percusionista Francisco Mora (quien también
ha registrado bajo el nombre de Francisco Mora Catlett) ha tenido una carrera sorprendentemente largo y aventurero. Nacido en Washington, D. C., Mora obtuvo su título en la música en una universidad mexicana y trabajó como músico de sesión para la división mexicana de Capitol Records durante 1968-1970. Gracias a una beca del gobierno de México, regresó a los EE.UU. en 1970 para estudiar en la Berklee School of Music, y posteriormente se unió Arkestra de Sun Ra, donde permaneció desde 1973 hasta 1980. Al salir, Mora se estableció en Detroit, donde fundado una compañía de producción que puso en una serie de conciertos, visitas, conferencias y talleres dedicados a la música afrolatina. En 1986, junto con varios otros artistas Michigan, Mora inició un programa de intercambio cultural con músicos mexicanos que sacaban recomendación de las Naciones Unidas. En 1987, lanzó su primer disco como líder, orientado al jazz-América Mora !, y pronto recibió una beca de la Fundación Nacional de las Artes para estudiar los tambores y la percusión con Max Roach en la ciudad de Nueva York. Mora trabajó con un avanzado conjunto de todos los percusión de Roach M'Boom, que aparece en dos discos de Blue Moon, de 1990 al máximo y de 1.992 en vivo en S.O.B. de Nueva York. En 1993, se convirtió en profesor visitante en la Universidad del Estado de Michigan, y más tarde comenzó a dirigir su propio grupo de jazz latino, Amigo, que juega en todo el área de Detroit. En 1996, Mora tocó la percusión en "Bug in the Bassbin", el primer single por el proyecto de fusión de jazz / electrónica innovadora de Detroit productor de techno Carl Craig Innerzone orquesta. Mora también apareció en el debut Innerzone Orquesta de larga duración, de 1999 programada. El mismo año, utilizando cohortes Innerzone Craig Taborn (piano) y Rodney Whitaker (bajo) como un trío básico, Mora - Mora Catlett ahora Francisco - emitieron su aclamado segundo álbum, Música Mundial del Comercio, en el sello de la Obra Social de Craig. Su esposa Teri es un cantante consumado, y su hija Naima una supermodelo aclamado._Steve Huey (allmusic)
Temas: 1.Prelude Welcome 2.Afra Jum 3.Rumba Morena 4.Five AM 5.Samba De Amor 6.Cultural Warrior 7.Epilogue Conga Hasta La Vista 8.Afra Jum 9.Amazona Prelude / Dawn 10.Amazona 11.Samba / Conga De Amore 12.El Moro 13.Old Man Joe 14.Por Que Paro 15.Afra Jum
Musicos:Drums, Percussion – Francisco Mora Berimbau, Percussion – Jerome Le Duff Contrabass – Rodney Whitaker Piano – Kenny Cox Steel Drums, Percussion – Alberto Nacif, Emile Borde Tenor Saxophone, Flute – Vincent Bowens Vocals, Percussion – Teresa Mora
Hilario Durán es sobre el pianista más caliente en cualquier género determinado, a caballo entre el jazz y la música latina, pero la brillantez deportivo reservado para el Glenn Gould, Eddie Palmieri de, McCoy Tyner de u Oscar Peterson de este mundo mortal. En un trío con el reconocido Roberto Occhipinti y el baterista Marcos Kelso, Durán se quema toda una hilera de casas en este juego de originales y una melodía de Ernesto Lecuona, con un homenaje a su mentor, Frank Emilio Flynn. Él no es tímido en cualquier nivel, arrancando acordes bloque, líneas simples, y el ritmo cambia a voluntad, sin alguna consideración por refugios seguros. Para Durán, todo es cuestión de más rápido los dedos, difuminando las líneas con notable cohesión en "It's Only Seven" en 7/8 tiempo, encender un centavo a su antojo y, a menudo, o el uso de acordes en bloque con bordes duros para un movimiento super-rápido "Motion ". Mientras que la mayoría de esta música clavijas del metro entusiasmo, hay uno que ofrece de Toronto Pandamonium Cuerdas, sin duda realzado por Occhipinti clásica de fondo, y "Danza Negra", que se aproxima a una melodía infantil, de los escritos de la Lecuona inmortal. Luego está "Tango Moruna," claramente en el estadio de melodicism Española de Chick Corea, así como una más de samba-como que el tono afrocubana. Virtuosismo deslumbrante de Durán es para los oyentes que buscan vivir la vida al máximo; él es uno de los verdaderos músicos genio del jazz moderno, con mucho que decir y mucho más por venir._Michael G. Nastos (allmusic)
“No podemos quedarnos en el pasado. Debemos innovar la música, es nuestro deber” Bobby Valentín
En una interesante entrevista con el periodista e investigador musical Andrés Díaz “Pachanga”, el músico puertorriqueño Bobby Valentín presenta los detalles de cómo se gestó su mas reciente producción musical, “Mi Ritmo es Bueno”. Recorrido de cerca 50 minutos por las anécdotas, experiencias y aprendizajes de este nuevo trabajo musical con el que el rey del bajo celebra los 50 años de su orquesta. Varios pasajes de reflexión sobre el devenir de la Salsa y el que hacer de los músicos ante este momento que ha sido considerado de crisis en la producción musical. Esperando que sea de su agrado y criterio salsero disfrútenla y compártanla. Nuestra Salsa, entrevistas con Andrés Díaz “Pachanga” Dirección General: Ricardo Mendivil Producción: Andrés Díaz Diseño Gráfico: Héctor Ordoñez “Dj Hecu2
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Sophia Charaï – Blue Nomada (2016)
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*Blue Nomada* (2016) es el último disco de estudio de *Sophia Charaï*, una
nueva y estimulante gira por la música llevada por su voz radiante y
sensual. S...
Cesaria Evora - Cabo Verde (1997)
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Trae Cesaria Evora el olor de Cabo Verde en su piel oscura y en sus ropas
sueltas, y se sienta a contar.
Empieza el relato en la colonia de Portugal, mu...
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*ΚΟΡΟΝΟΪΟΣ / CORONAVIRUS. Δεν γλυτώνει κανείς (ανώνυμου)*
*Το γνωστό τραγούδι του Λουκιανού Κηλαηδόνη «Πού πάμε κύριοι», κάποιος
ανώνυμος μέχρι στιγμής, παρ...
Melvis Santa Estévez Guzmán – Joven y talentosa cantante cubana, exintegrante del cuarteto vocal Sexto Sentido y reconocida por su versatilidad a la hora de interpretar una amplia variedad de géneros.
Sus inicios en Sexto Sentido tuvo como nido al Conservatorio Manuel Saumell donde cuatro muchachas incluida Melvis jugaban con sus voces y traían una propuesta diferente al escenario de la música cubana. Su primera presentación fué en junio del año 1997. Después de esa primera presentación estuvieron en varios escenarios como el Centro recreativo Camilo Cienfuegos, Café Cantante y en Alamar. En los inicios, se abrigaron en el movimiento de hip hop cubano porque era lo más cercano a la principal tendencia de aquel momento de la agrupación, que era el Rhythms and Blues (R&B). En Sexto Sentido, Melvis estuvo desde junio del año 1997 hasta abril del año 2010. Desde el año 2010 empezò su carrera en solitario con el disco "Santa Habana" (Bis Music) nominado al Cubadisco 2012.
Melvis Santa concluyó su disco titulado Santa Habana, bajo el sello de la prestigiosa Casa discográfica Bismusic. El álbum contiene 10 canciones, en su mayoría de su autoría y compartiendo el proceso de producción artística con Germán Velazco. Para la grabación de este fonograma contó con la colaboración del pianista Rolando Luna, integrante de la agrupación musical cubana Buena Vista Social Club, entre otros excelentes músicos cubanos.
