Bud Shank / Clare Fischer / Joe Pass - Brasamba!

A estas alturas (enero de 1963) está claro que la Bossa Nova va a ser, o ya es, una moda musical en Estados Unidos. Como el twist (nacido en 1960, muerto en 1962) hace demasiado dinero para no ganar la clasificación de moda y como tal fenómeno para autodestruirse en pocos años como medio en Norteamérica de pura expresión musical. Sin embargo, la Bosa Nova es bastante diferente de la mayoría de los fenómenos que alcanzan el estatus de moda: tocada correctamente, requiere artistas talentosos, sensibles y capaces de entender sus reglas y raíces. Además, cuando se toca correctamente, se sostiene sobre dos patas extremadamente robustas: una de sutil emoción y otra de pura belleza musical, ambas intemporales. Por estas razones, la Bossa Nova seguirá atrayendo a músicos y oyentes de talento mucho después de que se haya consumido en los medios de la música popular. Y para nosotros, quizás un tercer punto sea aún más significativo. Los muchos jazzistas que se sintieron atraídos por la bossa nova mucho antes de que llegara al oído del público la asimilarán gradualmente en su personalidad musical y emocional y se enriquecerán artísticamente por ello. 
El saxofonista alto y flautista BUD SHANK, el pianista, compositor y arreglista CLARE FISCHER, el guitarrista JOE PASS, el baterista y vibraharpista LARRY BUNKER, el bajista RALPH PEÑA y los percusionistas MILT HOLLAND y CHUCK FLORES, los hombres en esta grabación, son todos músicos que han llegado lejos en hacer del lenguaje de la Bossa Nova una teoría propia y parte de su samba jazz (Bosa nova interpretada por jazzmen), desde su ascenso a la popularidad hace un año, Bud, por supuesto, se ha convertido en una personalidad en la historia de esta música debido a sus grabaciones de samba jazz de los años 1950 con el guitarrista Laurindo Almeida (World Pacific 1412, 1419, 1425), grabaciones que aparentemente fueron fundamentales en el desarrollo de la Bossa Nova en Brasil. Fischer, como he señalado anteriormente, ha tenido interés por la música latina desde hace mucho tiempo, ha liderado su propia banda de Bossa Nova, ha tocado y grabado en México y produjo un maravilloso álbum de música brasileña y mexicana con Cal Tjader. Por lo tanto, estos dos están eminentemente adaptados a la producción sensible y auténtica de la samba jazzística. Sin embargo, el guitarrista JOE PASS es harina de otro costal. Antes de estas grabaciones Pass nunca había tocado la Bossa Nova ni, que él supiera, había escuchado ninguna grabación de la misma. Sin embargo, antes de que la primera sesión apenas hubiera comenzado, Joe estaba dejando a todos boquiabiertos por la facilidad con la que abrazaba la música. Como Pass no había tenido la oportunidad de familiarizarse con los entresijos de la composición rítmica peculiar de la Bossa Nova, Fischer se reunió con él varias veces en el estudio y en su casa, mostrando a Joe las muchas variaciones que dan dinamismo e interés a las líneas del acompañante. 

La mayoría de las grabaciones de samba bossa nova-jazz producidas en este país han revelado una sorprendente falta de atención a la hora de conseguir esta variedad y, por lo tanto, han permanecido rítmicamente estrechas y rígidas en comparación con las grabaciones de esta música realizadas en Brasil, pero la soltura y el swing capturados por Pass y Fischer en estos esfuerzos no dejan nada que desear.
Para esta grabación se decidió que el tono general de la música sería más bajo que el producido por Fischer y Shank en su primera grabación (PJ-58). La presencia de la guitarra y el deseo de Bud de utilizar la flauta un poco más también hicieron que esto pareciera lógico. Además, en la primera grabación, Bud y Clare llegaban al estudio tras tocar jazz muy activamente en clubes, por lo que era quizás natural que la unión de la bossa nova y el jazz en esos primeros intentos fuera más abiertamente emotiva y, digamos, más jazzística que en las versiones actuales. En cualquier caso, aquí el sonido de alto de Shank es tan sutilmente ahumado como siempre lo fue en los años 50. Los solos de Fischer caen del teclado como una suave lluvia, y los trabajos de guitarra de Pass logran una belleza ingenua de forma y estructura en este estilo, como cabría esperar de su talentoso improvisador.
Dos selecciones aquí, sin embargo, representan cambios notables de ritmo con respecto a la suavidad que se asocia habitualmente con la bossa nova en este país. Los músicos familiarizados con la variedad de color y atmósfera que los músicos brasileños logran en la samba, se han mostrado cada vez más preocupados por el hecho de que la versión norteamericana se ha basado con demasiada frecuencia únicamente en las variantes suaves y delicadas de esta música.
Cualquiera que recuerde la música de la gran película brasileña Blak Orpheus recordará que, si bien toda la música de esa obra se clasificaba como samba (o bossa nova), alcanzaba una gama de expresión emocional casi tan amplia como era posible, desde la tranquilidad de una canción de cuna hasta los coloridos bailes callejeros, rebosantes de emoción libre (pero no dura ni caótica). Bud y Clare decidieron mostrar esta forma abierta y alegre de la samba en dos obras de estilo carnavalesco. Samba de Orpheu se presentó en Black Orpheus en una escena callejera.

La otra fue escrita por Shank. Los únicos instrumentos melódicos que se escuchan son la flauta de Shank y la guitarra de Pass. Fischer y Peña se unen a la sección de percusión, que incluye, a continuación, un conjunto habitual de tambores, pandereta, tom-toms, cabaça y campanas brasileñas. Estas pistas deberían disipar la idea de que los jazzistas que exploran la música brasileña no pueden encontrar un matiz emocional. Sin embargo, cabe destacar que una cierta ligereza o ligereza impregna estas selecciones. Como dice Fiscer: «La bossa nova y otras sambas pueden ser emocionantes, pero nunca son crudas, como puede serlo el jazz». Si bien creo que es importante tener presente al escuchar esta grabación que Bud Shank y Clare Fischer ocupan puestos de relevancia histórica en el desarrollo de la bossa nova en Estados Unidos, se encuentran, de forma más pertinente, entre sus intérpretes más lúcidos. Considero que BRASAMBA es, musicalmente, el álbum más importante de este movimiento producido hasta la fecha por jazzistas. El valor ISO debería sobrevivir con bastante facilidad a la avalancha de innumerables modas que están por venir._JohnWilliam  Hardy

                                                                           

                                                                     

Bud Shank / Clare Fischer / Joe Pass - Brasamba! (1963)

Temas:

01. Brasamba (Bud Shank)

02. Otem A Note (Clare Fischer)

03. Autumn Leaves (Jacques Prévert/Johnny Mercer/Joseph Kosma)

04. Sambinha (Bud Shank)

05. Gostoso (Clare Fischer)

06. If I Should Lose You (Leo Robin/Ralph Rainger)

07. Barquinho (Roberto Menescal/Ronaldo Boscoli)

08. Serenidade (Clare Fischer)

09. Elizete (Clare Fischer)

10. Samba De Orfeu (Antônio Maria/Luiz Bonfá)

Musicos:

Bud Shank (Saxo alto, flauta)

Larry Bunker (Vibráfono, batería)

Clare Fischer (Piano)

Joe Pass (Guitarra)

Ralph Peña (Bajo)

Chuck Flores, Milt Holland (Percusión) 

Daymé Arocena - One Takes

Daymé Arocena (nacida en enero de 1992) es una cantante de jazz afrocubana de La Habana, descrita como la "mejor cantante joven de Cuba". Ganó el Premio Juno de 2015 al mejor álbum de jazz como miembro de la banda de jazz Maqueque, junto a la canadiense Jane Bunnett.
Arocena figura en la lista de los 50 álbumes favoritos de 2015 de la Radio Pública Nacional (NPR) con su álbum Nueva Era. Al describir la voz de Arocena, el presentador de NPR, Félix Contreras, la describió como "una mezcla entre Celia Cruz y Aretha Franklin", y afirmó que su nombre "merece estar junto a esas dos voces legendarias".

Arocena comenzó a actuar de forma semiprofesional a los ocho años; a los 14, se convirtió en la cantante principal de la banda Los Primos. Es considerada un prodigio musical y es compositora, arreglista, directora de coro y líder de banda, además de cantante. Arocena es una firme creyente de la santería, una religión afrocaribeña basada en principios yoruba; para marcar su fe, frecuentemente actúa usando un turbante y vestida de blanco._(wikipedia)

La música siempre ha tenido una capacidad particular para alegrar la vida, ya sea mediante la elegancia de sonidos magistralmente arreglados o incluso la belleza de la portada de un álbum. La música, cuando es excelente, lleva tras de sí el diseño, la literatura, el lenguaje y muchas otras actividades humanas. El último EP de la cantante cubana Daymé Arocena, One Takes, es un ejemplo de un álbum capaz de animar a cualquier sociedad, ciudad o individuo, sumiéndolos en un viaje de placer, movimiento y contemplación. Con One Takes, ilustra sus singulares dotes vocales y el virtuosismo de su banda, dando testimonio de la apreciación de Arocena y su banda por la universalidad del arte, sin olvidar el arte de su propia tierra.
One Takes se compone de cinco versiones, con Arocena interpretando "Stuck" de Peven Everett, "Asking Eyes" de Rafaella Renzulli, "Gods Of Yoruba" de Horace Silver, "African Sunshine" de Eddie Gale y "El 456" de El Brito, además del tema original "Muy Cerquita de Ti". Algunas canciones tienen ritmos latinos bailables y otras son jazz. En "Muy Cerquita de Ti" se escucha una voz de alto que merece ser más conocida, al igual que todos los músicos de este álbum.

Si no se sabe o no se les dice que las canciones de One Takes son versiones, la mayoría de los oyentes probablemente asumirían que son composiciones originales. Así de bien han sido interpretadas. "African Sunshine" y "Gods of Yoruba", en particular, están increíblemente bien concebidas, pero "Muy Cerquita de Ti" es, sin duda, el punto culminante del álbum. Tras un increíble inicio de bajo, presenta trompetas, palmas y voces que entran y salen en una canción que uno desea que nunca termine. Es apropiado que la mejor canción de este álbum sea la más cercana, especialmente al compararla con las cosmopolitas versiones de Arocena de la música de otros. El primer cosmopolita oficial de la historia occidental fue Diógenes, conocido por la frase "Soy ciudadano del mundo", del cosmos. Creemos que Arocena expresa exactamente la misma frase cantando una canción italiana y una estadounidense. Cuando canta, la voz de Arocena nos ofrece más textura que cualquiera de los instrumentos, y eso es lo que hace brillar estas canciones. Por muy ligero que suene el piano o mágico que sea un platillo, la voz de Arocena nos cautiva como ningún otro instrumento hasta que volvemos a la instrumentación habitual. Los instrumentos tienen mucho más tiempo para actuar por sí solos que con Arocena, y la estrategia aquí es combinar unas pocas voces con una gran cantidad de instrumentos bien ejecutados.

Arocena y su banda poseen un talento excepcional, incluso en un mundo globalizado: la capacidad de dominar diversas composiciones. One Takes es un EP fenomenal. Sigamos su ejemplo y el de su banda y dejemos que el mundo entero entre en nuestras vidas, sin olvidar que cada uno de nosotros proviene de un hogar que merece expresarse con la complejidad suficiente para incluir instrumentos, canto y palmas._ Adolf Alzuphar (soundsandcolours)

                                                      

                                                                                        

Daymé Arocena - One Takes (2016 Brownswood)

Temas:

01. Gods of Yoruba (Escrito por Horace Silver)  

02. African Sunshine (Escrito porEddie Gale) 

03. El 456 (Escrito por Alfredo Brito, Julio Brito) 

04. Asking Eyes (Escrito porClaude Gouiffé, Raffaela Renzulli) 

05. Stuck (Escrito porPeven Everett) 

06. Muy cerquita de ti (Close to You) (feat. Jose Pilar, Jesus Dedeu, Luis Stock, Ruben Bulnes, Julio Padron) (Escrito por Burt Bacharach, Daymé Arocena, Hal David, Julio Padrón)

Musicos:

Dayme Arocena (Voz)

Jorge Luis Lagarza (Piano)

Gastón Joya (Contrabajo)

Ruly Herrera (Batería #1-5)

Yaroldy Abreu (Percusión #1-3,5)

Bárbaro Y. Crespo (Percusión #6)

Joel Bulnes (Percusión #6)

Lucumi (Percusión #6)

Ramón Tamayo (Percusión #6)

Yovani Diaz (Percusión #6)

Emir Santacruz (saxo tenor #1,3,5)

Carlos Miyares (saxo tenor#2)

Yoandy Argudin (Trombón #1-3,5)

Julio Padrón (Trompeta, voz #6)

Jesús Dedeu, Carlos Bravo, Luis Stock, Raysel Sotomayor, Yassel Sotomayor José Pilar, Ruben Bulnes (Voces #6)

Grabado en Egrem Studios, Havana

Baden Powell - Tristeza On Guitar

Baden Powell de Aquino (Varre-e-Sai, 6 de agosto de 1937 - Río de Janeiro, 26 de septiembre de 2000) ampliamente conocido como Baden Powell, fue un guitarrista brasileño. Interpretó muchos estilos de música brasileña, tales como bossa nova, samba, jazz brasilero, pop brasilero, jazz latino y música popular brasileña (MPB). Es padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Luis Marcel Powell de Aquino..._(wikipedia)

En 2018 se celebró el 50.º aniversario de la fundación del sello alemán de jazz MPS. Para celebrar la ocasión, se lanzó en descarga el catálogo de más de 400 álbumes del sello, y se inició un programa de reediciones en vinilo y CD. Tristeza on Guitar, del guitarrista brasileño Baden Powell, es uno de los primeros discos. Publicado originalmente en 1966, es un tesoro imperecedero de la música brasileña del siglo XX.

Entre 1966 y 1976, Powell grabó nueve álbumes para MPS, todos producidos (con un toque ligero) por el erudito del jazz Joachim-Ernst Berendt. Tristeza on Guitar, grabado en Río de Janeiro después de que Berendt pasara casi una semana buscando al bohemio y escurridizo Powell, fue el primero de ellos. El quinteto que lo acompaña está compuesto por la flor y nata de los músicos contemporáneos de bossa nova/samba e incluye al percusionista Alfredo Bessa y al baterista Milton Banana. El álbum presenta diversas combinaciones de músicos, desde Powell como solista hasta la formación completa.
Además de ser un guitarrista con una técnica formidable y una gran alma, Powell era un compositor talentoso, y seis de las diez piezas de este álbum son originales. Entre ellas se encuentran los populares "Canto de Xango" y "Canto de Ossanha", ambos incluidos en 1966 en Os Afro Sambas de Baden e Vinicius (Forma), la obra maestra vocal de Powell, creada con el poeta y letrista Vinicius de Moraes. Las cuatro piezas no originales son "Round About Midnight" de Thelonious Monk y Cootie Williams, "Tristeza" de Haroldo Lobo, "Manha De Carnaval" de Luiz Bonfa y "Das Rosas" de Dorival Caymni. 

A pesar de su título, el tono de Tristeza en Guitarra es generalmente exuberante y festivo.

La notable excepción es "Manha de Carnaval", popularizada por la película de Marcel Camus de 1959, Orfeo Negro, que resulta conmovedoramente emotiva. Años posteriores se grabarían versiones animadas y revisionistas, pero en 1966 la pieza seguía tan estrechamente asociada a la película que reformularla como una alegre travesura habría sido impensable. "Canto de Xango" y "Canto de Ossanha", dedicados a los orishas de los que toman sus nombres, son etéreos pero vibrantes. "Round About Midnight", una de las dos versiones de la melodía que grabó Powell, y aquí interpretada solo con guitarra y bajo, evoca soledad, pero no soledad. "Tristeza" en sí misma (que no debe confundirse con "Tristeza e Solidao" de Powell y de Moraes, de Os Afro Sambas) es más alegre que triste. Todos los álbumes MPS de Powell son un negocio, pero este, grabado en Brasil con una formación 100% brasileña dos años antes de que Powell se mudara definitivamente a Francia, tiene una magia especial._Chris May (allaboutjazz)

                                                                                 

                                                                                

Baden Powell - Tristeza On Guitar (1966, 2017, MPS)

Temas:

01. Tristeza (Haroldo Lôbo, Nitinho)

02. Canto De Xango (Baden Powell, Vinicius De Moraes)

03. Round About Midnight (Cootie Williams, Thelonious Monk)

04. Sarava (Baden Powell)

05. Canto De Ossanha (Baden Powell, Vinicius De Moraes)

06. Manha De Carneval (Antônio Maria, Luiz Bonfá)

07. Invencao Em 7 1/2 (Baden Powell)

08. Das Rosas (Dorival Caymmi)

09. Som Do Carnaval (Baden Powell, Copinha)

10. O Astronauta (Baden Powell, Vinicius De Moraes)

Musicos:

Baden Powell  (Guitarra, agogo, surdo)

Nicolino Cópia "Copinha"  (Flauta, agogo)

Sergio Barroso  (Bajo)

Alfredo Bessa (Atabaque, guica)

Amauri Coelho (Pandeiro, atabaque)

Milton Banana (Batería) 

Alexis Cuadrado - A Lorca Soundscape

Cuando los tiempos son difíciles, la injusticia está en el aire y hay que decir algo, el jazz siempre encuentra la manera de hacerlo. ¡En el pasado, Billie Holiday cantaba «Strange Fruit» en Cafe Society, el batería Max Roach y el vocalista Abbey Lincoln se desahogaban en We Insist! Max Roach's Freedom Now Suite (Candid, 1960), el bajista Charles Mingus y el bajista Charlie Haden sermoneando con su Liberation Music Orchestra; hoy, es el bajista Alexis Cuadrado quien mira a través de una lente lorquiana de su propia creación.
El paisaje sonoro lorquiano de Cuadrado, que surgió como un encargo de Chamber Music America, habla de las injusticias actuales, del lado oscuro de la vida neoyorquina/estadounidense y de la división entre los que tienen y los que no, haciendo referencia a una obra poética que hizo lo mismo más de ochenta años antes. El poeta y dramaturgo español Federico García Lorca llegó a Nueva York en 1929, justo a tiempo para presenciar el crack bursátil que desencadenó la Gran Depresión. Lorca fue testigo de la triste situación que siguió a aquel épico colapso económico. Se encontró con «un espectáculo de suicidios, de gente histérica y de grupos desmoralizados. Un espectáculo espantoso ausente de grandeza». Lo que vio le sirvió de inspiración para escribir Poeta en Nueva York, y el barcelonés afincado en Nueva York Cuadrado utilizó esa obra como inspiración para su propio arte de protesta, nacido a raíz de la Gran Recesión; todo un paralelismo si los hay.

En A Lorca Soundscape, Cuadrado combina lo atrevido («New York (Oficina Y Denuncia)») y lo bello («Vals En Las Ramas»), afirmando que la música protesta no tiene por qué ser fea o abrasiva. La vocalista Claudia Acuña hace las veces de portavoz literal de las palabras de Lorca, pronunciando frases elegantes pero innegablemente firmes, pero la música también habla mucho. Los ostinatos entrecruzados crean una introducción minimalista y española sobre la percusión en «Danza De La Muerte», el saxofón alto de Miguel Zenón y el bajo de Cuadrado unen sus fuerzas y pintan una escena lúgubre pero elegante al comienzo de «La Aurora», y el pianista Dan Tepfer sirve de guía direccional en la plácida «Vals En Las Ramas».
La música que aquí se presenta es realmente poderosa y transmite mensajes importantes que necesitan ser transmitidos. Cuadrado ha dado a luz una obra maestra ligada al pulso de Nueva York a través de España en 2013._Dan Bilawsky (allaboutjazz)

                                                                           

                                                                             

Alexis Cuadrado - A Lorca Soundscape (2013)

Temas:

01. Vuelta De Pasdeo

02. Norma Y Paraíso - El Rey De Harlem

03. Asesinato (Dos Voces De Madrugada En Riverside Drive)

04. Danza De La Muerte

05. La Aurora

06. New York (Oficina Y Denuncia)

07. Vals En Las Ramas

Musicos:

Alexis Cuadrado (Bajo, bombo legüero en temas #1, #4, cajón, palmas, coros en tema #4)

Claudia Acuña (Voz) 

Miguel Zenón (Saxo alto)

Dan Tepfer (Piano)

Mark Ferber (Batería)

Gilmar Gomes (Congas en tema #3, djembé, campanas, rebolo y pandeiro en tema #4).

Chucho Valdés - Chucho Valdés

Dionisio Jesús Valdés Rodríguez, más conocido como Chucho Valdés (Quivicán, Cuba, 9 de octubre de 1941),​ es un pianista cubano de jazz afrocubano, fundador del grupo Irakere.
Su padre fue el también pianista de jazz afrocubano Bebo Valdés (1918-2013). Ambos nacieron un 9 de octubre en la misma ciudad, Quivicán.
Ganador de doce GRAMMY's; siete GRAMMYs y cinco Latin GRAMMYs y el Premio a La Excelencia Musical de La Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación™ y también fue iniciado en el Salón de la Fama de los Compositores Latinos (Latin Songwriters Hall of Fame), Dionisio Jesús «Chucho» Valdés Rodríguez es natural de Quivicán, provincia de La Habana, Cuba.

Nacido en 1941, el pianista, compositor, profesor de música, arreglista musical y director de grupo comenzó su formación musical en la infancia, en su casa, bajo la influencia de su padre "el gran Bebo Valdés", y su madre, Pilar Rodríguez, profesora de piano y cantante. A la edad de 3 años ya tocaba al piano las melodías que escuchaba en la radio, de oído, con las dos manos, en cualquier tono. El ambiente musical de la familia le permitió adentrarse con soltura en el conocimiento de los más diversos estilos y géneros de la música. Casado con Lorena Salcedo desde 2009. Chucho Valdés tiene seis hijos : Chuchito Valdés Cortes, Emilio Valdés Cortes, Yousi Valdés Torres, Leyanis Valdés Reyes, Jessie Valdés Reyes, Julian Valdés Salcedo..._(wikipedia)

                                                                        

Chucho Valdés - Chucho Valdés (1970, Areito LDA-3345)

Temas:

01. El Manisero ( Moisés Simons)

02. Dos Perlas Y Un Dolor (Osvaldo Urrutia)

03. La Sombra (Chucho Valdés)    

04. Preludio Nº1 En D (Chucho Valdés)

05. Me Faltabas Tú (José A. Méndez)

06. Canción De La Tarde (D.R.)

07. Canción De Un Festival (César Portillo De La Luz)

08. Sony (D.R.)     

09. Realidad Y Fantasía (César Portillo De La Luz)    

10. Novia Mía (José A. Méndez)

11. Tú, Mi Delirio (César Portillo De La Luz)    

12. Invento Nº4 (Chucho, Pla, Cachaíto)

Musicos:

Chucho Valdés (Piano)

Orlando "Cachaíto" López (Contrabajo en temas #2 a 12)

Enrique Plá (Batería en temas #2 a 12)

Producido y Distribuido por EGREM Habana-Cuba (Curva RIAA)

Babatunde Lea - Soul Pools

Babatunde Lea (nacido Michael Wayne Lea; 18 de febrero de 1948) es un percusionista estadounidense que toca jazz afrocubano y worldbeat. Tomó su nombre del batería nigeriano Babatunde Olatunji.

Michael Lea se crió en Englewood, Nueva Jersey, mientras se desplazaba regularmente a la calle 116 y Amsterdam de Nueva York, donde vivía el resto de su familia tras mudarse de su ciudad natal, Danville, Virginia. Su tía fue una de las primeras mujeres en tocar en una banda de música. Empezó a tocar el tambor a los 11 años, cuando, sin experiencia en ello, ayudó a una línea de tambores a conseguir un ritmo correcto. Ese mismo año, su primo le llevó a ver a Babatunde Olatunji y su «Drums of Passion», y la influencia de Olatunji fue tan grande que Michael adoptó su nombre de pila. A los 16 años, participó por primera vez en una sesión de grabación profesional con Ed Townsend. En 1968, se trasladó a San Francisco, donde se unió a Bata Koto, dirigida por Bill Summers. Se unió a una banda llamada Juju, que se trasladó a Richmond, Virginia, a principios de la década de 1970..._(wikipedia)

El maestro percusionista y batería Babatunde Lea ha convocado el espíritu del ritmo en compañía de algunas de las mayores luminarias del jazz y las músicas del mundo. En Soul Pools, Lea lidera un nuevo equipo de estrellas que incluye a John Benítez al bajo, Kevin Jones a la percusión, Ku-umba Frank Lacy a los vientos y la voz, Hilton Ruiz al piano y Mario Rivera al saxo y la flauta. Su asombroso debut para Motema Music muestra su exhaustivo trabajo de batería y percusión, emocionante, estimulante y espiritual. Brillante solista, Lea está sensacional en «Jackie and The Beanstalk» de Kenny Garrett. Su solo está lleno de pasión, profundidad y la musicalidad adquirida tras años de viajes, formación y trabajo con músicos afines. Además de los grandes artistas de músicas del mundo y jazz instrumental que actuarán en este programa, Babatunde Lea ha invitado a la vocalista Jana Herzen a interpretar su composición original cargada de blues titulada «Round The World». 

Su sensual voz de contralto adquiere mayor dimensión gracias a los excelentes solos de acompañamiento de Raul Midon a la guitarra y Frank Lacy al trombón. En general, el arte sin concesiones de Babatunde Lea está bien respaldado a lo largo de este esfuerzo estelar. La mejor apuesta: «Soul Pools» por su belleza intrínseca, sus magníficos arreglos de trompa y su naturalidad lírica. Este CD es imprescindible para los entusiastas de las músicas del mundo y del jazz que disfrutan con los compases dinámicos, el ritmo y la síncopa de los maestros de la batería y la percusión._Paula Edelstein (allmusic)

                                                                                

                                                                          

Babatunde Lea - Soul Pools (2002)

Temas:

01. Confrontation (Babatunde Lea)

02. Jackie And The Beanstalk (Kenny Garrett)

03. Isabella (Frank Lacy)

04. Round The World (Jana Herzen)

05. Whoa Baba! (Babatunde Lea)

06. 1055 (Raul Midón)

07. Ejercito Moreno (Babatunde Lea)

08. Yerba Buena (Raul Midón)

09. Outlyer (Babatunde Lea)

10. Soul Pools (Babatunde Lea)

11. Carolyn's Dance (Frank Lacy)

12. "Live At Rasselas" Footprints (Wayne Shorter)

Musicos:

Babatunde Lea (Batería, percusión)

Ku-umba Frank Lacy (Trombón, trompeta, fliscorno, voz)

Hilton Ruiz (Piano)

John Benitez (Bajo)

Mario Rivera (Saxo soprano, saxo tenor, flauta travesera)

Kevin Jones (Percusión)

Artistas invitados

Jana Herzen (Voz)

Raul Midon (Guitarra, voz trompeta, coros)

Grabado en Showplace Studios, Dover, NJ.

Cesare Mecca - Afro Cuban

Cesare Mecca, nacido en 1996, se apasionó por la música a una edad temprana y comenzó a estudiar trompeta con Roberto Ferro a los siete años, en la Filarmonica Bosconerese (dirigida por el Maestro Pietro Marchetti), donde actualmente toca la 1ª trompeta.
A los 11 años comenzó a estudiar trompeta clásica en el Conservatorio G. Verdi de Turín bajo la dirección del Maestro Paolo Russo. Fue seleccionado para la final del 'Premio Abbado 2015', sección de trompeta clásica (ex. Premio Nacional de las Artes).
Obtuvo su diploma de trompeta a los 18 años y, al mismo tiempo, la Maturità scientifica en el Liceo A. Volta de Turín. Actualmente cursa el máster de trompeta de jazz en el 'Conservatorium van Amsterdam' - Holanda.
Paralelamente a sus estudios en el Conservatorio, estudia trompeta jazz en la Filarmonica Jazz Band de Pianezza (To) con el maestro Sergio Chiricosta y piano jazz con el maestro Guido Canavese, gracias al cual, a los 12 años, pudo conocer y tocar con Marcello Rosa, Alfredo Ponissi, Mauro Battisti y Flavio Boltro.
Actualmente está matriculado en el primer año de Composición en el Conservatorio G. Verdi de Torio con el Maestro Giuseppe Elos.
Colaboraciones con orquestas: Orchestra Sinfonica del Conservatorio G. Verdi di Torino (dirigida por M° Giuseppe Ratti y -en una producción- por M° Donato Renzetti); Brass Band del Conservatorio G. Verdi di Torino (dirigida por M° Lorenzo Della Fonte); Participación en la primera interpretación nacional de la Sinfonía nº 3 de Kchachaturian con la Orchestra Vivaldi di Sondrio dirigida por M° Lorenzo Passerini.

Tocó en el Festival de Jazz de Turín y Andora Jazz con la Orquesta Gatsby de Alessandro Muner.
Durante el Festival de Jazz de Turín en 2016 actuó en el escenario principal en Piazza Castello seleccionado durante el taller de la Juilliard School.
Tras su participación en los talleres Juilliard, como parte de la colaboración entre la Juilliard School y el Departamento de Jazz del Conservatorio de Turín (basado en un proyecto del maestro Emanuele Cisi), tuvo la oportunidad de pasar una semana en el Lincoln Centre de Nueva York como invitado de la Juilliard School.
Tocó como invitado del trío manouche Accordi Disaccordi.
Ha actuado en los Festivales de Jazz de Ivrea y Novara.
Actualmente colabora en dos cuartetos de jazz con el baterista Alessandro Minetto y en un septeto con Fabio Giachino, Luca Begonia, Gianni Virone, Paolo Porta, Ruben Bellavia y Davide Liberti.

En verano de 2016 participó en los Umbria Jazz Clinics, donde obtuvo una beca para la Berklee School of Music de Boston y fue seleccionado para abrir el Orvieto Jazz Winter 2016._(countbasie)

El segundo álbum del trompetista de jazz italiano de rápido ascenso, Cesare Mecca, es un bello y misterioso mundo de jazz afrocubano, ¡con trompetas románticas llenas de notas peligrosas!

                                                                                      

                                                                                  

Cesare Mecca - Afro Cuban (2024)

Temas:

01. Rumbola (Dizzy Gillespie)

02. Beautiful Maria Of My Soul (Robert Kraft)

03. Marianela (Arturo Sandoval)

04. Tin Tin Deo (Dizzy Gillespie)

05. Sabor A Mi (Alvaro Carrillo)

06. Historia De Un Amor (Carlos Eleta Almarán)

07. Feelings (Morris Albert)

08. Mambo Inn (Mario Bauzá)

09. Until We Meet Again (Herb Alpert)

Musicos:

Cesare Mecca (Trompeta)

Massimo Faraò (Piano)

Nicola Barbon (Bajo)

Davide Palladin (Guitarra)

Byron Landham (Batería)

Ernesttico (Percusión)

Claudia Zannoni (Voz) 

Paula Morelenbaum - Telecoteco

Regina Paula Martins Morelenbaum nació el 31 de julio de 1962 en Río de Janeiro (Brasil). Es una cantante brasileña.

Junto a su marido Jaques Morelenbaum, destacado chelista y principal arreglista de Caetano Veloso, formó parte fundamental de la banda de Antônio Carlos Jobim entre los años 1984 y 1994,​ en giras por casi todo el planeta. También participó en varias grabaciones de Jobim, como Passarim, Antonio Brasileiro, Tom canta Vinicius.

Además, Paula Morelenbaum fue parte del Quarteto Jobim-Morelenbaum, con su marido Jaques y el hijo y el nieto de Jobim Paulo y Daniel respectivamente.

A comienzos de la década de 1980 destacó en el grupo vocal Céu da boca. Posteriormente, formó el trío Morelenbaum2/Sakamoto, junto a su marido y al compositor y pianista japonés Ryuichi Sakamoto.

En el 2004, Paula hizo un homenaje a Vinicius de Moraes, bajo el nombre Berimbau.​ En 2008, publicó el disco Telecoteco, trabajo con arreglos nuevos de viejos clásicos de la música brasileña._ (wikipedia)

Como sugirió el poeta Vinicius de Moraes, la Bossa Nova era un estado de ánimo, una atmósfera, un estado mental. Pero, ¿cuál fue el camino recorrido por la música brasileña hasta adquirir la fuerza aportada por la Bossa Nova?
Telecoteco se presenta como una especie de ensayo libre sobre la música pop moderna en Brasil. Y digo esto porque el álbum parece moverse por la fuerza de una visión histórica, de puntos de vista críticos, de conceptos. Así, su repertorio surge como una propuesta sobre los fundamentos de la canción de autor brasileña: diversidad de estilos y nacionalidades con apertura a las influencias y a la modernización. En esencia, Telecoteco pone en primer plano la amplitud, el mestizaje, la invención, la sencillez, la sofisticación, lo popular junto a lo clásico y la pasión junto a la ironía.
Desde su título, Telecoteco, (la palabra hace referencia al sonido onomatopéyico de un determinado patrón de percusión) apunta a la samba y su carácter lúdico, inventado por un país urbano y moderno que encontró en este ritmo un lenguaje capaz de traducir su complejidad cultural. El repertorio, que abarca desde finales de los años treinta hasta principios de los sesenta, contiene canciones en las que brillan el carácter fácil de su poética y musicalidad.

La otra referencia fundamental de Telecoteco es la Bossa Nova. La mayoría de sus composiciones son anteriores a esta época y se anuncian como un conjunto de signos que anuncian este estilo musical que encarnará todo el proceso de modernización que vive la música popular de la época. La Bossa Nova de Telecoteco es un estado de ánimo, una atmósfera. Un claro ejemplo de ello es el tema con más sabor a Bossa Nova del disco, «Um cantinho e você», una Samba-Canção grabada originalmente por Dick Farney en 1948, diez años antes de que la Bossa Nova adquiriera su formato rompedor con la guitarra acústica y la voz de João Gilberto.
Telecoteco, con su inteligente y extremadamente bien estudiada selección de canciones, aporta a ambas una dimensión intelectual y conceptual poderosa, dándoles un tratamiento contemporáneo en el que la interpretación, los arreglos y la instrumentación elevan la frescura y la cualidad intemporal de la melodía, la armonía y la letra. Un buen ejemplo es el tratamiento abierto, dinámico y moderno aplicado a una melodía como «O samba e o tango», una deliciosa mezcla de estilos musicales grabada por Carmen Miranda en 1937 en 78 rpm que incorpora la samba, el tango y la bossa nova (el propio término «bossa» aparece en la letra), pero que salta directamente al ámbito de la música electrónica de la pista de baile.

Con vigor y belleza, Telecoteco entrelaza el Choro, el Tango y el Jazz americano (presente en la canción de Gershwin «Our Love is Here to Stay», teñida de latín, que muestra la influencia del musical americano en el vocabulario de los músicos brasileños) y algunas de las variaciones de la Samba: la ágil y delicada, la que va a toda pastilla y la Samba-Canção, que, hasta la aparición de la Bossa Nova, fue el factor modernizador de la composición de canciones de Música Popular.

En Telecoteco, de Paula Morelenbaum, todo viene de la Samba y vuelve a la Samba en términos de fusión y diálogo. Lo que se reafirma es exactamente el hecho de que es un compuesto de lo moderno, lo antiguo y lo contemporáneo, todo ello capaz de asimilar y pisar otros ritmos, lenguajes, modismos y actitudes._ Eucanaã Ferraz

                                                                                              

                                                                                   

Paula Morelenbaum - Telecoteco (2008)

Temas:

01. Manhã de Carnaval (Luiz Bonfá / Antonio Maria) 1959

02. Ñao Me Diga Adeus (Luiz Soberano / Paquito- João Correa da Silva) 1947

03. O Samba e o Tango ( Amado Régis)  1937

04. Love Is Here to Stay (George & Ira Gershwin) 1938

05. Um Cantinho e Voce (José Maria de Abreu / Jair Amorim) 1948

06. Ilusão à Toa ( Johnny Alf) 1961

07. Teleco-teco (Murilo Caldas / Marino Pinto) 1942

08. Sei Lá se Tá ( Alcyr Pires Vermelho / Walfrido Silva) 1940

09. O que / Vier Eu Traço (Alvaiade / Zé Maria) 1945 

10. Você Não Sabe Amar (Dorival Caymmi / Carlos Guinle / Hugo Lima) 1950

11. Ternura Antiga (J. Ribamar / Dolores Duran) 1960

12. Luar e Batucada (Antonio Carlos Jobim / Newton Mendonça)  

Musicos:

Paula Morelenbaum (Voz, coros)

Beto Villares (Bajo, guitarra, keyboards,rhythm programming, viola, voces, coro)

Jacques Morelenbaum (Violonchelo, arreglo coral)

Alexandre Moreira (Arreglista, mezcla, piano, programación rítmica)

Ryuichi Sakamoto, João Donato, David Feldman, Luciano Supervielle (Piano)

Marcos Valle (Voz, Fender Rhodes)

Marcos Cunha (Arreglista, bajo, teclados, programación rítmica, viola)

Nico Rezende, Pepe Cisneros (Fender Rhodes)

Antonella Pareschi, Bernardo Bessler, Daniel Guedes, Ricardo Amado (Violin)

Chico Pinheiro, Gabriel Improta, Jesuina Noronha Passaroto, Luciano Supervielle, Luis Galvão (Viola)

Leo Gandelman (Saxos, flauta, arreglos)

Lula Galvao (Guitarra acústica)

Serginho Machado (Batería)

Antônio Pinto (Bajo, batería, arreglista)

Alberto Continentino (Bajo)

Marcelo Bernardes (Clarinete, flauta)

Nahor Gomes (Fliscorno, trompeta)

Sidnei Borgani, Vittor Santos (Trombón)

Marcello Isdebski Salles, Marcio Eymard Malard (Violonchelo)

João Gaspar (Bandolím)

Juan Campodónico (Arreglista, programación rítmica)

Mauricio Alves, João Parahyba, Sidinho, Marcelo Costa, Sidinho Moreira (Percusión)

Dalmo Medeiros, Chico Adnet (Voces)

DJ Marcelinho da Lua (Arreglista, rogramación rítmica, scratching)

Grabado en Ambulante Estúdio (SP), Zaga Music, Estúdio Corredor 5 y Estúdio Plage (RJ) de junio de 2007 a enero de 2008.

 

Tata Vasquez And His Orchestra - Ecstasy

 

Músico y director de orquesta cubano. Se trasladó a Estados Unidos en la década de 1960.Roberto «Tata» Vázquez (o Vasquez), también conocido simplemente como Tata, que es un apodo. Su álbum «Ecstasy» de 1979, con una portada poco sutil, está por encima de cualquier sospecha de engaño. La percusión fluye, el bajo navega con ella, las secciones de metal de la parte superior se frotan con aceite sucio de máquina, de modo que suenan gordas y resistentes a la abrasión al mismo tiempo.

Súper oscuro jazz latino de Nueva York magníficamente producido por Eddie Drennon del gran éxito disco de principios de los años 1970 "Let's do the Latin Hustle".
Drennon también fue un conocido arreglista y productor en el circuito latino underground y produjo de esta manera, de izquierda y muy diferente al típico lanzamiento de estilo "Salsa" actual en ese momento.
Algunas interpretaciones muy orientadas al jazz además de los sonidos Vox Pop de las calles de "El Barrio" y subyacentes con algo de percusión latina funky y ardiente.
"Suite Guaracha" fue retomada por el grupo London Ibiza en los años 90 y el equipo Ursula 1000 & Gamm Nu-Jazz en los años 2000, tocó en todo el circuito de clubes alternativos pero aún así se las ha arreglado para permanecer fuera del radar desde entonces, pero ahora un elemento básico del sonido mundial que aparece en las listas de reproducción de DJ en los lugares más de moda, desde Tokio hasta Hamburgo, desde Nueva York hasta Barcelona.
Muy diferente de las salidas habituales de la Fania de finales de los 70, lo que podría ser una pista de sus estilos de sonido algo únicos.
Coros funky, arenosos, crudos, gordos de jazz y espeluznantes.
¡Es estrictamente una sala de jazz!_(bandcamp)

 

                                                                            

Tata Vasquez And His Orchestra - Ecstasy (1979 R.2021)

Temas:
01. La Barberia (Felo Barrio)
02. Cool Breeze (Alberto "Panama" Mercado)
03. El Loco (Tommy Sanchez)
04. Maldito Vicio (Tommy Sanchez)
05. Suite Guaracho Part 1 (Eddie Dee)
06. Suite Guaracho Part 2 (Eddie Dee)
07. Orgullo Y Vanidad (Tommy Sanchez)

Musicos:
Tata Vásquez Y Su Orquesta
Félix Santini (Voz principal)
Akua Dixon, Felo Barrio, Ronnie Baro (Coros)
Mauricio Smith (Solista, solos de flauta, saxo tenor y armónica)

Joe Cain & His Orchestra - Latin Explosion

Joseph Caiani. Nacido el 31 de enero de 1929 en Filadelfia, Pensilvania.
El nombre de Joe Cain aparece en bastantes discos de Space Age Pop, pero su principal contribución a la música ha sido como productor más que como intérprete. A pesar de no hablar español, ha sido uno de los productores de música latina más influyentes de América durante más de 40 años.

De niño, Cain se trasladó con su familia al Bronx y se inspiró en el ejemplo de Harry James para dedicarse a la trompeta. Tras graduarse en el instituto, se convirtió en músico profesional, trabajando primero en la sección de metales de la banda latina de Rey Dávila. Tenía un don para la música latina, y su habilidad para leer música a primera vista le permitió conseguir trabajo con algunas de las mejores bandas latinas que tocaban en Nueva York en aquella época, como la de Tito Rodríguez, Marcelino Guerra y Charlie Palmieri. A menudo trabajaba la primera parte de la noche en la orquesta de un espectáculo de Broadway y luego se dirigía a un club para tocar con una orquesta de baile hasta altas horas de la madrugada.
También empezó a arreglar y componer para las bandas con las que tocaba, y buscó a Hugo Montenegro para que le enseñara el arte de los arreglos. Cain reconoció más tarde que la recomendación de Montenegro de «no arreglar demasiado para competir con el cantante» fue el mejor consejo que recibió en su vida.
A mediados de la década de 1950, fue contratado para sustituir al trompetista Al Stewart en la banda de Vicentico Valdés, y Cain y Valdés iniciaron una colaboración que duraría hasta la muerte de Valdés en 1995. Valdés era quizás el mejor baladista latino de la época, y Cain tenía talento para componer arreglos lentos que sacaban el máximo partido a su voz.
A finales de la década, Cain pudo pasar de la interpretación a la producción. Trabajó con diversas discográficas, tanto con las especializadas en repertorio latino, como Seeco y Tico, como con discográficas de pop convencional, como MGM. Sus créditos de principios de los 60 parecen una muestra aleatoria de una copia del catálogo de LPs de Schwann: versiones de temas de Broadway, álbumes que sacan provecho de modas bailables como la pachanga, trabajos con cantantes pop y aspirantes a rock, álbumes instrumentales con su propio nombre, incluso un disco de ejercicios para la revista Modern Screen. Su mejor álbum es probablemente Latin Explosion, una sesión de jazz latino en la que participaron Jerome Richardson, Clark Terry y otros gatitos del jazz convertidos en profesionales del estudio, que se reeditó recientemente en vinilo.

Poco a poco, sin embargo, fue eliminando la palabrería y concentrándose en la música latina. A principios de la década de 1970, trabajaba casi exclusivamente para el sello Tico de Morris Levy, y convenció a éste para que reviviera el sello Alegre Records para dar a conocer a artistas como Eddie Palmieri, pionero de lo que se convertiría en el gran movimiento salsero de la década de 1970. Cain desempeñó un papel decisivo en la producción de algunas de las mejores grabaciones latinas de la época, y habría seguido haciéndolo si Levy no hubiera vendido el sello a un competidor, que rápidamente volvió a desactivarlo.

Desde entonces, Cain ha hecho malabarismos con A&R, la producción, la gestión y otros trabajos musicales: sigue centrado en la música latina, pero también dirige la Red Parrot Orchestra, una big band neoyorquina de swing revival._(spaceagepop)

Joe Caín falleció víctima de cáncer 12 febrero  2007 Ciudad de Nueva York

Uno de los pocos álbumes publicados como líder por el gran Joe Cain -- ¡un maravilloso arreglista latino con un oído realmente loco para el groove! El enfoque de Cain es a menudo bastante entrecortado en los ritmos - cortos, duros y muy, muy agudos - y luego rematados con líneas más dulces y jazzísticas - interpretadas en este disco por Clark Terry a la trompeta, Jerome Richardson al tenor y la flauta, y Frank Anderson al piano y algunas líneas de órgano especialmente bonitas. La percusión es muy intensa, a cargo de José Mangual, Chocolate y Marcelino Valdés, con una vibración muy adecuada a los ritmos, y el apoyo adicional de Cachao al bajo y Herbie Lovelle a la batería. Los ritmos son increíbles, bastante diferentes de todo lo que había en Mainstream Records en aquel momento, e incluso diferentes de la mayoría de la escena neoyorquina, y entre los títulos se incluye el asombroso «It's A Mad Mad Mad Mambo (parts 1 & 2)» (también conocido en otros lugares como «Mambo Au Go Go»), un corte que suena como una especie de loco golpeteo de percusión vanguardista, todo hecho para seguir el ritmo del mambo, con solos de órgano jazzísticos por encima. Otros títulos son «Mungo Mungo Baby», «Pa-Pa Bajo», «Que Paso», «Tanga Pa Katanga» y «Chunga Uhuruh Chunga»._(dustygroove)

                                                                                

                                                                                  

Joe Cain & His Orchestra - Latin Explosion (1960) 

Temas:

01. Tanga, Pa Katanga (Ray Santos) Afro-Montuno

02. Chunga, Uhuruh, Chunga (J. Cain) Mambo Pachanga

03. A Bailar Guajira (Vicentico Valdes-Rene Hernandez) Guajira

04. Wild Horses (Fred Rodriguez) Mambo Stomp

05. It's A Mad, Mad, Mad, Mad Mambo Part 1 (J. Cain) Mad Mambo

06. It's A Mad, Mad, Mad, Mad Mambo Part 2 (J. Cain)) Mad Mambo

07. Que Paso (Vicentico Valdes-Rene Hernandez) Rhumba Jazz

08. Pa-Pa Bajo (J. Cain) Cha-Cha

09. Listen, Dos Trompetas (J. Cain) Mambo Jazz

10. Kenyatta (J. Cain) Afro-Mambo

11. Rio Muni (J. Cain) Bolero Montuno

12. Mungo, Mungo, Baby  (Vicentico Valdes) Woble

Musicos:

Joe Cain (Arreglos y dirección) 

Jerome Richardson ( Saxo tenor, saxo barítono, flauta, piccolo)

Clark Terry (Trompeta) 

Jimmy Nottingham (Trompeta)

Frank Anderson (Piano, órgano)

Herbie Lovelle (Batería)

José Mangual (Bongós)

Alfredo "Chocolate" Armenteros (Congas)

Marcelino Valdés (Timbales)

Israel López «Cachao» (Bajo)

Los Gatos (Coros)

Celio González, Chivarico Dávila, Vicentico Valdés (Coros)

Edward Simon - Latin American Songbook

Edward Simon (nacido el 27 de julio de 1969) es un pianista y compositor de jazz venezolano.Simon nació en Punta Cardón, Venezuela. A los diez años viajó a Estados Unidos para estudiar en la Performing Arts School de Filadelfia. Tras graduarse, asistió a la Universidad de las Artes de Filadelfia, donde estudió piano clásico, y después a la Manhattan School of Music, donde estudió piano jazz.
En 1988, grabó como músico de acompañamiento con Greg Osby, y después trabajó como miembro de la banda Horizon, dirigida por Bobby Watson. Durante los ocho años siguientes fue miembro de la banda de Terence Blanchard. También ha trabajado con Herbie Mann, Paquito D'Rivera, Bobby Hutcherson, Jerry Gonzalez, John Patitucci, Arturo Sandoval, Manny Oquendo y Don Byron. Simon grabó Beauty Within (AudioQuest, 1994), su primer álbum como director de orquesta, con Horacio Hernández y el bajista Anthony Jackson. Ese mismo año fue finalista del Concurso Internacional de Piano Jazz Thelonious Monk. Al año siguiente compuso Rumba Neurótica para el Ensemble Relache.

Formó Ensemble Venezuela en 2003 para combinar el jazz con la música de Venezuela. Recibió un encargo de Chamber Music America para escribir «Venezuelan Suite». Grabó el álbum en 2012 con músicos de Venezuela, Colombia y Estados Unidos.

Simon ha tocado en varios discos de jazz nominados a los Grammy. Además de su trío lidera el Sexteto Venezuela, el Cuarteto Afinidad, y el grupo Simon, Simon, & Simon con sus hermanos. Ha enseñado en la New School for Jazz and Contemporary Music de Nueva York y ha sido artista residente en la Western Michigan University._(wikipedia)

Desde su actual residencia en San Francisco, Edward Simon recuerda la música que marcó su infancia. Una de las ventajas de crecer en Venezuela», escribe en las notas del CD, »fueron las diferentes influencias musicales de todas partes del continente americano y del Caribe. Hay tanta buena música en esta parte del mundo que uno podría dedicar fácilmente un álbum a cada país y no estaría a la altura de hacerle justicia». Por esta razón, el pianista decidió elegir sólo aquellas piezas que le son especialmente queridas, que mantienen una fuerte conexión con los recuerdos de la infancia.
Tras la aclamada grabación de Venezuelan Suite con Ensemble Venezuela, volvemos a encontrar a Simon en el trío de piano más habitual, pero con una nueva pareja. En lugar de John Patitucci al contrabajo y Brian Blade a la batería, que le acompañaban desde 2003, tenemos ahora a Joe Martin y Adam Cruz, dos socios que ya han colaborado con el pianista en varias ocasiones.
Es bien sabido que Simon no es el típico instrumentista latino y filtra las reminiscencias de estas piezas a través de la sensibilidad jazzística y la formación clásica. En este trabajo, se confirma como uno de los mejores pianistas de su generación al interpretar largas y coloristas improvisaciones, donde la impetuosidad del fraseo boppish se diluye en ocasionales abandonos melódicos de impronta latina o clásica.

Temas emblemáticos del tango y la bossa nova como «Libertango» y «Chaga de Saudade» se rediseñan a la luz de un ajustado directo, mientras que otros se impregnan de melancolía, entre la adhesión lírica a las melodías originales y los toques de música de cámara abstracta. Nos referimos en particular a «Alfonsina y el mar» y «Gracias a la vida». El primer tema fue escrito por Ariel Ramírez en memoria de la poeta Alfonsina Storni, fallecida por suicidio, y contiene un conmovedor diálogo con Joe Martin; el segundo pertenece a la gran Violeta Parra y Simón realza su identidad de himno humanista.

«Capullito» y “Volver” son los momentos en los que la síntesis de jazz y rasgos latinos resulta tan personal e imaginativa como siempre: piezas de rico aliento interno, en mágico equilibrio entre dinamismo rítmico y sutilezas tímbrico-armónicas._Angelo Leonardi (allaboutjazz)

                                                                                    

                                                                            

Edward Simon - Latin American Songbook (2016)

Temas:

01. Libertango (Astor Piazzolla)

02. Alfonsina y El Mar (Ariel Ramírez) 

03. Capullito (Rafael Hernández)

04. Volver (Carlos Gardel)

05. Gracias A La Vida ( Violeta Parra) 

06. Chega De Saudade (Antonio Carlos Jobim) 

07. En La Orilla Del Mundo (Martin Rojaz)

Musicos

Edward Simon (Piano)

Joe Martin (Bajo)

Adam Cruz (Batería)