Matias Pizarro - Pelo de Rata

«¡¡Oye, hay un chico nuevo que toca como Herbie Hancock!!». Cuando el pianista chileno Matías Pizarro llegó a Argentina huyendo de la dictadura de Pinochet, la noticia corrió como la pólvora en la escena del jazz local.
En los dos cortos años que Pizarro pasó en Buenos Aires, se convirtió en un tercio del proyecto Viejas Raíces junto a los héroes del jazz local. Jorge López Ruiz y Pocho Lapouble, grabaron con el famoso trompetista italiano Enrico Rava y lanzaron su propio álbum en solitario, Pelo de Rata («Pelo de rata»).
Sin embargo, Pizarro no era un principiante. Mientras estuvo en Chile, ya había participado en varios proyectos musicales y trabajado como productor y arreglista para el sello IRT, y estuvo conectado con bandas influyentes como Los Jaivas y Blops. También estudió en Berklee School of Music, donde no solo conoció y convivió con la flor y nata de una nueva ola emergente de músicos, sino que también tuvo la oportunidad de asistir a presentaciones en vivo de gigantes como Miles Davis o Thelonious Monk.
En la grabación de Pelo de Rata Pizarro se une al también chileno Alejandro Rivera (Sacros, Grupo Sol) en quena y charango, el bajista sueco Bo Gathu en el bajo, el saxofonista uruguayo Finito Bingert y un impresionante equipo de percusión con Pocho Lapouble, «El Zurdo «Roizner y el poderoso Domingo Cura. El álbum bebe de las corrientes de jazz fusión estadounidense de la época (piense en Chick Corea y Miles Davies), añadiendo un innegable carácter latinoamericano, todo proyectado a través del propio prisma musical de Pizarro que muestra su agudo sentido de la armonía y una intimidad musical que recuerda a aquellos Momentos sinceros y de ensueño en Viejas Raíces.

El folleto de 8 páginas que acompaña a la edición en vinilo le dará una visión más profunda de la historia de Matías Pizarro, con fotografías y notas inéditas del periodista argentino Humphrey Hinzillo (La Nación, Rolling Stone Argentina)._(guerssen)

Matías Pizarro Baldrich fue un revolucionario músico aparecido por generación espontánea en la escena del jazz chileno de fines de los años '60. Alrededor suyo se movió toda una partida de nombres vinculados a las corrientes vanguardistas de la época que llegaban desde Nueva York y Chicago a través de discos y libros. Pianista, compositor e improvisador, en una década de acción antes de radicarse en Francia en 1977, puso su nombre en la historia del jazz moderno, también a través del pionero grupo Fusión. Ya instalado en Europa, y siempre como una enigmática figura de la música chilena, Pizarro sería reconocido en el circuito mundial, tanto por su creación propia como por sus colaboraciones. Entre ellas se cuentan grabaciones junto al rockero Antonio Smith (en el proyecto Sol de Chile), el trío experimental Skuas y el cantautor Ángel Parra.

Lanzado originalmente en pequeñas cantidades en 1975 por el sello Promusica, Pelo de Rata fue el debut de Matías Pizarro, un talento considerable del jazz sudamericano. Pianista y compositor de gran talento y talento, su producción lamentablemente está lejos de la altura de alguien que exhibe una habilidad natural para crear un estilo de jazz tan idiosincrásico, repleto de melodías reflexivas pero sencillas y ritmos vibrantes.

                                                                

                                                                                

Matias Pizarro - Pelo de Rata (1975-R.2022)

Temas:

01. Pelo De Rata

02. Anamlor

03. Perro Que Ladra No Muerde

04. Una Flor Tras La Montaña

05. Secuencia

06. Nordeste

07. Do y Sol

Musicos:

Matías Pizarro (Piano, piano eléctrico, voz)

Héctor “Finito” Bingert (Saxo)

Alejandro Rivera(Guitarra, voz, charango, quena)

Bo Gathu (Bajo)

Pocho Lapouble (Batería)

Domingo Cura (Percusión)

Enrique "Zurdo" Roizner (Percusión)

Grabado en 1975 en ION Studios, Buenos Aires, Argentina.

Se lanzó el 18 de noviembre de 2022 

Duduka Da Fonseca - Samba Jazz Fantasia

Nací en Río de Janeiro en 1951. Crecer en Ipanema fue fantástico. Sus playas eran hermosas y puras. Ipanema era un barrio compuesto principalmente por casas familiares, con muy pocos edificios  y coches. Jugábamos al fútbol en las calles y trepábamos a los árboles. Era muy tranquilo.
Tuve la suerte de que a mis padres, João Luiz y Norma, les gustaba la buena música. Crecí escuchando a Frank Sinatra con Nelson Riddle, Julie London con Barney Kessel, Louis Armstrong, Nat King Cole, Chet Baker, Ray Charles y, por supuesto, Antonio Carlos Jobim, Dorival Caymmi, João Gilberto, Luiz Bonfá, Silvio Caldas y muchos otros.
Los años 50 fueron una década maravillosa para Brasil. Teníamos un presidente democrático, Juscelino Kubitschek, que fundó la nueva capital, Brasilia, y era querido por la mayoría de la gente. Brasil ganó el Campeonato Mundial de Fútbol por primera vez en 1958. Durante esta época, nació la bossa nova. No hay nada mejor que eso.
Para mi decimotercer cumpleaños, pedí una caja. Mi madre y mi hermano Miguel fueron al centro de Río en busca de mi regalo. Era el 31 de marzo de 1964, casualmente el día en que los militares tomaron el control de Brasil (comenzando un período de 20 años de dictadura). Había mucha agitación en el centro, pero finalmente pudieron volver a casa con mi tambor. El futuro presidente, el general Castelo Branco, vivía justo enfrente de nuestra casa, en la Rua Nascimento Silva. Esa noche, su casa estaba rodeada por policías y militares que la custodiaban. Toqué mi tambor toda la noche. Quizás pensaron que estaba celebrando la revolución. Qué equivocados estaban.

Menos de un mes después, conseguí mi primera batería. Poco después, mi hermano Miguel empezó a tocar el bajo y formamos un trío de bossa nova con un amigo pianista. Actuamos por todo Río y aparecimos en programas de televisión. La bossa nova era muy popular en Brasil. Nuestro vecino, el gran baterista Joao Palma, ya era un músico profesional muy conocido en aquella época. Tocó con Roberto Menescal y más tarde con Sergio Mendes y Brasil '66. También tocó en mis álbumes favoritos de Antonio Carlos Jobim: Tide, Stone Flower, Matita Pere y Urubu. Su hermano menor, nuestro buen amigo Marcos, también era baterista. Su casa era un lugar de reunión para músicos increíbles: los bateristas Edison Machado, Dom Um Romao y Milton Banana; los trombonistas Raul de Souza y Edison Maciel; el pianista Tenório Jr., el guitarrista y compositor Dori Caymmi, entre otros. Solíamos escuchar a Art Blakey, Bill Evans, Miles Davis, John Coltrane, Wynton Kelly, Wes Montgomery, Horace Silver, Thelonious Monk y muchos otros.
Como nunca recibí una educación musical formal, mi forma de aprender era observar a esos fabulosos músicos y tocar junto con sus álbumes. Al mismo tiempo que la bossa nova de Jobim-Gilberto era un gran éxito, esos fantásticos músicos tocaban «Samba Jazz», samba instrumental con ese «toque de nota azul». Me enamoré de esta forma de arte de inmediato, y eso es lo que he estado tocando y desarrollando desde entonces.
En Brasil, nunca fue fácil ganarse la vida tocando música instrumental. Los años de la bossa nova fueron muy prolíficos para el jazz instrumental brasileño. Pero en los años 70, toda la escena musical brasileña, con algunas excepciones, dio un giro al revés. La bossa nova y el samba jazz quedaron abandonados. Quizás fuera un reflejo de la dictadura represiva de la época. La gente quería olvidar sus propias raíces. Encontrar trabajo se hacía cada vez más difícil. La única opción y salida que veía era el aeropuerto.
Desde los años 50, grandes músicos estadounidenses han abrazado la forma artística del samba

jazz: Dizzy Gillespie, Charlie Byrd, Stan Getz, Herbie Mann, Paul Winter, Cannonball Adderley, Miles Davis con Gil Evans, Joe Henderson, Bud Shank, Gerry Mulligan, Frank Sinatra, Sarah Vaughan, Phil Woods, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Ron Carter, Lee Konitz, Joanne Brackeen, Stanley Turrentine, Coleman Hawkins, Quincy Jones, Chick Corea, Tom Harrell, Kenny Barran, John Patitucci, Harry Allen, Dennis lrwin, Eddie Gomez, Pat Metheny y muchos otros.
En diciembre de 1975, me mudé a Nueva York para perseguir mi sueño de tocar con músicos de jazz estadounidenses y fusionar estas dos hermosas culturas. Dos meses después de llegar a Nueva York, me llamaron para participar en una sesión de grabación en Los Ángeles. Toqué con el difunto y gran trombonista Frank Rosolino, Raúl de Souza, e interpreté un «dúo de batería» con Harvey Masan. Pensé: «Vaya, esto es el sueño americano». Regresé a Nueva York y me gasté todo mi dinero. Compré una preciosa batería Gretsch, otro sueño hecho realidad. Y entonces, todo cambió. Durante más de un año, apenas hubo trabajo. Aunque fueron tiempos muy difíciles, volvería a hacerlo todo de nuevo. Ha sido una gran experiencia de aprendizaje y un viaje fantástico. Estoy
muy orgulloso de ser uno de los pocos músicos que a finales de los 70 ayudó a revivir la escena del jazz brasileño en la ciudad de Nueva York. He tenido la suerte de tocar, grabar y hacer amistad con muchos músicos maravillosos.

La realización de mi primer álbum en solitario fue posible gracias a la colaboración de 21 excelentes músicos, amigos míos (con los que he grabado y tocado a lo largo de los años), que aceptaron mi invitación para participar. Es fantástico que entre ellos se encuentren músicos brasileños y estadounidenses de segunda y tercera generación que continúan con el legado del samba jazz. El año anterior a entrar en el estudio, comencé a planificar el álbum. Organicé las canciones en diferentes formatos (tríos, cuartetos, quintetos, sextetos, etc.) para presentar diversos enfoques y texturas. Empecé a pensar qué canciones y configuraciones se adaptarían mejor a cada músico, y traté de crear un entorno ideal para que cada artista expresara su musicalidad única. Qué suerte tuve de que todos estuvieran disponibles y dispuestos a trabajar en un agitado calendario de grabación de dos días. El tercer día de grabación lo dediqué a añadir percusión y voces.
Aquí está, pues, el resultado de la sinceridad y la diligencia.

Me gustaría dedicar este álbum al gran maestro de la percusión brasileña, Edison Machado (1934-1990), que revolucionó el concepto del instrumento y allanó el camino para muchos de nosotros._Samba Jazz Always, Duduka Da Fonseca

                                                                         

                                                                                    

Duduka Da Fonseca - Samba Jazz Fantasia (2008)

Temas:

01. Partido Out (Chico Adnet - Duduka Da Fonseca)

02. Terrestris (Tom Harrell)

03. Sco's Bossa (John Scofield)

04. Bala Com Bala (Joao Bosco)

05. Pedra Bonita (Mario Adnet)

06. Dona Maria (Duduka Da Fonseca)

07. Saveiros (Dori Caymmi - Nelson Motta)

08. Song for Claudio (Helio Alves)

09. Berimbau Fantasia (Duduka Da Fonseca)

10. Pro Flavio (Romero Lubambo)

11. Fotographia (Antonio Carlos Jobim)

12. Manhattan Style (Duduka Da Fonseca)

Musicos:

Duduka Da Fonseca (Batería y Cuica)

Jay Ashby (Trombón)

Claudio Roditi (Fliscorno, trompeta)

Tom Harrell (Cuerno de flugel)

Billy Drewes (Saxo tenor, saxo soprano)

Joe Lovano (Saxo tenor)

Richard Perry (Saxo tenor)

David Sánchez (Saxo tenor)

Helio Alves (Piano)

Dom Salvador (Piano) 

Marc Copland (Piano)

Kenny Werner (Piano)

Nilson Matta (Bajo)

Eddie Gómez (Bajo)

Dennis Irwin (Bajo)

Romero Lubambo (Guitarra Acústica)

John Scofield (Guitarra)

Valtinho Anastacio (Percusión)

Maucha Adnet, Alana Da Fonseca, Isobella Adnet Da Fonseca y Lisa Ono (Voces)

Grabado en Nueva York entre el 9 de febrero y el 6 de marzo de 2000. Mezclado el 13 y 14 de abril de 2000 

Dave Carpenter, Luis Conte & David Garfield - The Latin Jazz Trio

Luis Conte es el percusionista de algunos de los nombres más importantes de la música comercial, como James Taylor, Phil Collins, Jackson Browne, Madonna, Sergio Méndez, Ray Charles, Pat Metheny, Beck, Shakira, Sade y Herp Albert. En esta primera grabación latina en HD-Audio, su talento, el del pianista David Garfield y el del bajista David Carpenter, fallecido recientemente, cobra vida gracias a la magia del sonido envolvente de 96 kHz/24 bits y 5.1 canales. La música se mezcla para maximizar los timbres y las líneas musicales individuales. Bob Stuart, fundador y presidente de Meridian Audio, describió el sonido como "increíble" y añadió que esta era una de las mejores grabaciones que había escuchado. La diferencia radica en el uso de nueva tecnología, una estricta adherencia a la pureza de la señal y la disposición a experimentar con la colocación de los instrumentos. Por fin, la oportunidad de escuchar auténtico HD-Audio con intérpretes que saben crear música maravillosa.
Nacido en Santiago de Cuba, Luis pasó los primeros 15 años de su vida absorbiendo la rica herencia musical del Son y el Carnaval. "La vida en Cuba se trata de disfrutarla, y la música es fundamental en ese estilo de vida", dice Luis. "La música es casi como la comida para los cubanos". Inmerso en la música de su Cuba natal, Luis también desarrolló una pasión por el rock & roll, el R&B soul, el jazz y los Beatles.

A los 15 años, en busca de libertad, Luis emigró a Madrid, España. Pronto tuvo otra oportunidad de viajar, esta vez a Hollywood. En California, Luis se alojó con un primo y asistió a la Hollywood High School, donde tocó la guitarra en numerosas bandas de rock durante su adolescencia.
Después de la secundaria, Luis conoció a John Monteallegre, quien lo reencontró con la batería cubana en el LA City College. A los 18 años, Luis sentía un gran interés por la batería y aprovechaba cada oportunidad para tocar y aprender, inspirándose en una profunda fuente de ritmo que absorbió durante su juventud en Cuba.
La misión de David Garfield es "Hago música". Y "hago música" es lo que hace, como teclista, productor y compositor de renombre mundial. Ya sea jazz, rock, funk o world beat, es la fuerza creativa detrás de la producción de numerosas grabaciones aclamadas internacionalmente.
Tras estudiar música en la Universidad Estatal de Ohio, el difunto Dave Carpenter inició su carrera profesional tocando con tres gigantes del jazz: Buddy Rich, Maynard Ferguson y Woody Herman. Recientemente, Carpenter formó parte del trío del baterista Peter Erskine, que también incluía al pianista Alan Pasqua. Veterano de las big bands de Woody Herman y Bill Holman, también trabajó con Bill Perkins, Jack Nimitz, Herb Geller, Herbie Hancock, Jack Sheldon, Al Jarreau, Bill Cunliffe, Jan Lundgren, Terry Gibbs, Buddy DeFranco y Richard Stoltzman, entre otros.
Tan solicitado en los estudios de Los Ángeles como en los clubes, Carpenter tiene una larga lista de créditos discográficos. Participó en más de doscientas grabaciones y compuso docenas de temas y bandas sonoras para televisión y cine.
Lamentablemente, Dave falleció de un infarto en junio de 2008. El mundo de la música perdió a un músico y persona verdaderamente maravillosos. Los DVD-Audio/Video premium de AIX Records tienen dos caras: una es un disco DVD-Video interactivo y la otra es un disco DVD-Audio (que requiere un equipo compatible con DVD-Audio para su reproducción).

El sonido de esta grabación lleva a estos increíbles instrumentistas a tu espacio auditivo. Las mezclas envolventes de audio HD te sumergen en la interacción musical con una respuesta de frecuencia y dinámica de rango completo. ¡Descubre lo bien que puede sonar el jazz latino! Cuando me preguntan en ferias comerciales cuáles son mis discos favoritos, siempre incluyo a The Latin Jazz Trio._(aixrecords)

                                                                 

                                                                                                

Dave Carpenter, Luis Conte & David Garfield - The Latin Jazz Trio (2002-R2018)

Temas:

01. Luisongo

02. Doña Olga

03. Memories Of Rio

04. Mujaka

05. Song For My Father

06. Future Generations

07. Pools

08. Rumba Del Cielo

09. Kumbisa / Cuba

Musicos:

David Carpenter (Bajo)

Luis Conte (Percusión)

David Garfield (Piano)

Grabado en el Auditorio Zipper de la Escuela Colburn de Artes Escénicas, 2000

Astrud Gilberto - The Shadow Of Your Smile

Astrud Evangelina Weinert (Salvador, Bahía, Brasil, 29 de marzo de 1940-Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, 5 de junio de 2023),​ conocida como Astrud Gilberto, fue una cantante de bossa nova, samba, jazz y pintora brasileña.
Su vinculación con el mundo de la música comenzó cuando se casó en 1959 con uno de los primeros guitarristas de bossa nova, João Gilberto. En 1963 estaba acompañando a su esposo en Nueva York mientras grababa con el pianista y compositor Antonio Carlos Jobim y con el saxofonista estadounidense Stan Getz un disco de fusión entre el jazz y la bossa nova. A instancias de su esposo (y no de Getz según otras versiones), cantó unas estrofas y gustó tanto su voz que, a pesar de no tener experiencia previa, grabó el disco Getz/Gilberto, aunque no figuró en los créditos del disco en la primera edición. Pocos años más tarde se divorció de João Gilberto, pero contrariamente al rumor de un amorío con Getz, fue por la relación del guitarrista con Miúcha, la hermana de Chico Buarque.

Su éxito cantando Garota de Ipanema la catapultó como una de las intérpretes más conocidas de una época de oro de la música brasileña a pesar de los intentos de Getz de atribuirse todos los méritos como había logrado con el sencillo de Desafinado de sus sesiones con Charlie Byrd. A partir de entonces emergió como nombre reconocible en todo el mundo y comenzó una larga carrera artística llegando a colaborar con Ennio Morricone, Chet Baker, George Michael, Toots Thielemans, Stanley Turrentine y James Last. Grabó en varios idiomas, entre ellos el español. Comenzó a escribir canciones en los años 70.
Fue también pintora y activista por los derechos de los animales.Recibió el premio "Latin Jazz USA Award for Lifetime Achievement" y fue inducida en 2002 al "International Latin Music Hall of Fame"._(wikipedia)

Para su segundo LP con Verve, Astrud Gilberto amplió su repertorio, pasando de una serie de estándares de Gilberto/Jobim a abarcar el amplio y obviamente abrumador catálogo del pop clásico estadounidense. Con arreglos de Don Sebesky y Claus Ogerman (además de dos de su compatriota João Donato), The Shadow of Your Smile no puede evitar poner de relieve la débil voz de Gilberto, especialmente cuando canta temas que anteriormente habían interpretado cantantes de la talla de Frank Sinatra o Sarah Vaughan. Incluso los arreglos íntimos y discretos de canciones como «Day by Day», la canción que da título al álbum, y «Fly Me to the Moon» eclipsan el limitado registro de la cantante. Las canciones brasileñas, como las cinco de Luiz Bonfá, son más agradables de escuchar, aunque el predominio de las flautas, las cuerdas y la trompeta con sordina en los arreglos es muy propio de mediados de los años 60, para bien y para mal. (Y la descripción de «O Ganso» en las notas como un «ejercicio de vocalización basado en los sonidos bah y dah» es más que generosa). Sin duda, ningún vocalista estadounidense podría aspirar a igualar la tortuosa sintaxis y las interpretaciones, en cierto modo entrañables, de estas canciones; aún así, Verve lo hizo mucho mejor con Gilberto más adelante, cuando le dieron canciones brasileñas alegres para cantar y no intentaron forzar la comparación con vocalistas estándar de jazz/pop._John Bush (allmusic)                                                

                                                                                

Astrud Gilberto - The Shadow Of Your Smile (1965)

Temas:
01. Love Theme From "The Sandpiper" (The Shadow Of Your Smile) 
02. (Take Me To) Aruanda
03. Manha De Carnaval
04. Fly Me To The Moon
05. The Gentle Rain
06. Non-Stop To Brazil
07. O Ganso
08. Who Can I Turn To
09. Day By Day
10. Tristeza
11. Funny World (Theme From "Malamondo")

Grabado en Nueva York.
Estudios RCA, 4 de febrero de 1965. Ingeniero de grabación: Bob Simpson.

Estudios A&R, 21 de octubre de 1964; 25 de mayo, 3 y 4 de junio de 1965. Ingeniero de grabación: Phil Ramone y Rudy Van Gelder

The Headhunters - Live From Brooklyn Bowl

La celebración del 50.º aniversario de The Headhunters, Live From Brooklyn Bowl, ofrece tanto a los fans incondicionales como a los recién llegados la oportunidad de experimentar su sonido innovador en su forma más pura y electrizante. Este lanzamiento rinde homenaje a su increíble trayectoria y subraya su perdurable legado musical. La banda tiene previsto regresar a Europa y Canadá este otoño y embarcarse en una gira internacional en 2024. La historia de The Headhunters sigue evolucionando, dejando una huella imborrable en el mundo de la música.
Formados en 1973 bajo el liderazgo del renombrado músico Herbie Hancock, The Headhunters se hicieron rápidamente un nombre. Con miembros como el percusionista Bill Summers, el bajista Paul Jackson, el saxofonista Bennie Maupin y, finalmente, el legendario baterista Mike Clark, cada uno aportó su talento único para crear un legado duradero. Mezclando jazz, funk y rock, el sonido de los Headhunters conectó con el público de todo el mundo, vendiendo más de un millón de álbumes e inspirando a generaciones de músicos, especialmente en el hip-hop, durante los años 80 y 90.

El impacto de los Headhunters perdura hasta hoy, y su etapa con Herbie Hancock fue una experiencia decisiva. La banda lanzó seis álbumes más tras separarse de Hancock a mediados de los 70, entre los que destacan Survival of the Fittest en 1975 y Straight from the Gate en 1977. Más tarde, en 1998, se reunieron de nuevo con Hancock para grabar Return of The Headhunters y continuaron con el lanzamiento de Evolution Revolution en 2003 y Platinum en 2011. Su álbum de estudio más reciente, Speakers In The House, se publicó a finales de 2022 con gran éxito internacional.
Hoy en día, los Headhunters, codirigidos por los miembros originales Bill Summers y Mike Clark, siguen prosperando. Han incorporado a su formación a algunos de los mejores músicos de Nueva Orleans, como Kyle Roussel al teclado, Donald Harrison al saxo alto y Chris Severin al bajo de siete cuerdas. Estos amigos de toda la vida han convertido a la banda en una potencia musical.

Para celebrar el 50.º aniversario de su álbum homónimo, los Headhunters emprendieron una gira mundial a principios de 2023. El viaje comenzó con una actuación memorable en el Brooklyn Bowl de Williamsburg, Nueva York, el 9 de febrero de 2023. Esta grabación en directo, mezclada y masterizada por Keenan McRae en Nueva Orleans, captura la increíble energía de la banda. El resultado es un documento en directo que incluye sus grandes éxitos, como «Watermelon Man», «Chameleon», «Butterfly» y el tema original «Rocking At The Mole House» de Speakers In The House._(newreleasesnow)

                                                                             

                                                                                  

The Headhunters - Live From Brooklyn Bowl (2023)

Temas:

01. Four String Drive

02. Rocking At The Mole House

03. Headhunter Jam

04. Butterfly

05. Watermelon Man

06. Loft Funk

07. Chameleon

08. Hey Pocky A-way

Musicos:

Mike Clark (Batería y voz)

Bill Summers (Percusión y voz)

Donald Harrison (Saxo alto y voz)

Kyle Roussel (Teclados)

Bajo: Chris Severin (Bajo)

Ariel Brínguez Quintet - Nostalgia Cubana: Live at NDR Kultur Hamburg

Ariel Brínguez (Santa Clara, Cuba 1982) ha tocado con músicos de la talla de: Tata Güines, Changuito Quintana, Larry Willis, Simply Red, Alain Pérez, Niña Pastori, Ketama, Paquito D’Rivera, David Murray, Omara Portuondo, así como Miguel Zenón y Marcus Miller entre muchos otros.
Más allá de las palabras. Algo que la cultura afrocaribeña ha impreso en su legado cultural es que la Música sólo y profundamente puede experimentarse soltando el control mental, la timidez física y los prejuicios colectivos. Y eso marca una enorme diferencia entre un espectáculo y otro. Ese sello está sin duda presente en todos los proyectos y actuaciones de Ariel Bringuez.
Más que un saxofonista virtuoso, Bringuez posee un sonido y un fraseo personal y único, así como un universo compositivo fresco, filosófico y sofisticado. Su fácil y profunda comodidad en el escenario y su capacidad de comunicación con la banda y el público supera las expectativas.
Sus múltiples talentos se ven reflejados en la gratitud de los rostros emocionados del público en cada concierto, como si ese legado Yorubá, esa herencia curandera de Brínguez, vinicera a abrazar sus Almas en una danza feliz y renovadora Ariel Bringuez inició una nueva era para el sonido del saxofón cubano._ (arielbringuez)

Nostalgia cubana es el proyecto personal del saxofonista cubano Ariel Brínguez, quien con su quinteto pretende mostrar una Cuba más intimista, más personal, tanto que debes acercarte para escuchar.

Con música de diferentes regiones de la isla y de artistas como Eliseo Grenet, Leo Brower, Juanito Márquez o Miguel Matamoros, las hace suyas con arreglos que imploran y evocan esa infancia feliz, esas alegrías vividas en su tierra natal. “Nostalgias felices que, aunque son cubanas por el acento, son claramente universales” en palabras del compositor. 

Saxofonista, compositor y arreglista, Ariel Brínguez ha obtenido dos Grammys colaborando con Chucho Valdés por el álbum Tributo a Irakere: Live in Marciac y con Alejandro Sanz por el álbum El Tren de los Momentos, así como un Grammy Latino colaborando en el álbum Voyager de Iván “Melón” Lewis al mejor álbum de jazz latino.

Ha tocado con músicos de la talla de Tata Güines, Changuito Quintana, Maraca y Otra Visión, David Murray, Simply Red, Javier Colina, Niña Pastori, Paquito D’Ribera, Ketama, Marcus Miller y Miguel Zenón, entre otros._ (circulobellasartes)

                                                                   

                                                                                 

Ariel Brínguez Quintet - Nostalgia Cubana: Live at NDR Kultur Hamburg (2023)

Temas:

01. Cuba Linda / Belén (En Vivo) (con Pablo Gutiérrez)

02. Juramento (En Vivo) (con Javier Sánchez)

03. La Sitiera (En Vivo) (con Rubén Carles)

04. Hermosa Habana (En Vivo) (con Federico Marini)

05. Un Día de Noviembre (En Vivo) (con Javier Sánchez)

Musicos:

Ariel Brínguez (Saxo tenor, saxo soprano, arreglos)

Javier Sánchez (Guitarra)

Pablo Gutierrez (Piano)

Rubén Carles (Contrabajo)

Fede Marini (Batería)

Cristina Pato - Latina

                                                                     

Cristina Pato Lorenzo (n. Orense, 1980) es una gaitera, compositora y pianista española residente en Nueva York desde el año 2004.

Cristina Pato nació en Orense y fue en esa ciudad donde inició su formación musical, en el Conservatorio de Orense. Con apenas 6 años de edad ingresó en la Real Banda de Gaitas de Orense, participando como solista y tocando en Berlín, Praga, Edimburgo, Londres, Chicago y Acapulco entre otros lugares. A la edad de 18 años publicó su primer disco en 1999, titulado Tolemia (locura en gallego).[2]​ Con ese álbum se convirtió en la primera mujer en grabar un disco en solitario como gaitera en España.[3]​ Tras este hito participó en un Final del Milenio especial que se emitió por varias televisiones del mundo (TVE, BBC, CNN, entre otras) y participó en giras con The Chieftains y Cherish The Ladies..._(wikipedia)

La primera vez que Edward Perez (bajo) y yo tocamos una muiñeira, no sonaba tradicional gallego en absoluto (quizá porque él es de Texas y ha vivido unos años en Perú), pero a mí sí que me sonaba muy familiar… Edward añadió el patrón del joropo a una canción gallega y con ese cambio sutil, me trajo recuerdos de la forma en la que mi difunto padre, Dositeo Pato, un emigrante gallego en Venezuela, solía tocar.

Tras esta experiencia y cuatro años más de gira juntos, en 2014 encargué a Edward que escribiese la música para una idea narrativa que tenía sobre explorar las diferentes formas de entender una misma palabra a través de un mismo ritmo. Estaba intrigada por el complejo significado de la palabra latina en los Estados Unidos y, a través de la música, quería encontrar una forma de entender y explicar este viaje.

The Latina 6/8 Suite es el resultado de un proceso de colaboración. Abriendo con un fandango, un ritmo que ha viajado en ambos sentidos a través del Atlántico, y cerrando con una tarantella tradicional siciliana y una muiñeira gallega increíblemente similar, el viaje nos lleva a través de fascinantes ritmos latinoamericanos en 6/8. Y cada uno de ellos tiene detrás una apasionante historia de migraciones humanas.

Todos tenemos en común raíces, patrimonio cultural, lengua, manera de vivir… Pero explorar como un patrón básico de 6/8 ha evolucionado en diferentes países latinos pone de relieve muchos otros temas relacionados con el contexto y significado de la palabra latina que también han evolucionado de manera fascinante: género, poder y migraciones humanas.

Este album contiene también música de colaboradores muy cercanos a mi. “Llegará, llegará, llegará” de Emilio Solla y “Let’s Festa” de Victor Prieto estiran nuestro viaje a Argentina y Brasil…_(cristinapato)

                                                                         

                                                                                   

Cristina Pato - Latina (2015)

Temas:

01. Fandango: Prueba de Fuego (Edward Perez)

02. Landó: María Landó (César Calvo, Chabuca Granda)

03. Tanguillo: The High Seas (E. Perez)

04. Joropo-Festejo: Muiñeira de Chantada (Tradicional)

05. Currulao: Currulao de Crisis (E. Perez)

06. Tarantella-Muiñeira: Epilogue (Tradicional)

07. Llegará, llegará, llegará (Emilio Solla)

08. Let’s Festa (Victor Prieto)

09. Bonus Track: Tarantella-Muiñeira (without narration)

Musicos

Cristina Pato (Gaita, piano)

Victor Prieto (Acordeón)

Edward Perez (Contrabajo)

Eric Doob (Batería)

Jesús Valdés Y Su Combo - Jazz Nocturno Jazz

La música que aquí se presenta marca un capítulo fundamental en la evolución de la carrera de Jesús “Chucho” Valdés y su desarrollo como uno de los mejores pianistas de jazz del mundo. Los conceptos que materializó en el Quinteto Cubano de Jazz, la Orquesta Cubana de Música Moderna e Irakere tienen sus raíces en la banda que Chucho formó a principios de la década de 1960, la cual, debido a su limitada distribución, ha recibido poca atención tanto de especialistas como de aficionados al jazz. El álbum de Chucho, Jazz Nocturno, se grabó a principios de la década de 1960.
Durante los años que trabajó para la Orquesta del Teatro Musical de La Habana, formó su propio conjunto con su amigo Carlos Emilio Morales en la guitarra, Paquito D’Rivera en el saxo y el clarinete, Enrique “Kike” Hernández en el bajo, Emilio del Monte en los timbales, Julio Vento en la flauta, Alberto Valdés en el trombón y Oscar Valdés en las congas. Cabe destacar la exclusión por parte de Chucho de la batería tradicional, considerando su intención de tocar jazz.

Las raíces  fundamentales del  Jazz y la música afro-cubana son las mismas: Africa. El aporte cubano a  esa música de nuestro siglo, sobre todo en los elementos ritmicos, ha sido enorme.
En los números de este novel grupo cubano de Jazz, imperan los dúos de flauta y clarinete, siempre con la guia del piano movido y certero, ejecutado por el director Chucho Valdés.
Entre los números esogidos, hay varios inéditos pertenecientes a algunos de sus integrantes, que    han sido creados teniendo en cuenta los conceptos armónicos de nuestra era, para  ajustarlos a   sus gustadas "descargas". Entre ellos, puramente juveniles, en los que tratan el Jazz con ribetes de lo afro-cubano, se cuentan: "Por la Libre", "Atomo" y "Chacha Niña". También hay números conocidos como "Noches de Moscú", "El Paso de Encarnación" y "Mi  Mejor Canción", a los que   dan un toque musical diferente, de amplia sonoridad y en  os cuales imperan los redobles de la paila, el repicar del cencerro y la  tumbadora que marca el compás con cadenciosa persistencia.
En los solos de los diferentes instrumentos --sax, piano, flauta-- domina siempre el elemento  cubano, lo que da una nota de colorido al álbum.
El Jazz, música que canta las tristezas y las esperanzas de los negros de los Estados Unidos, tiene  aquí un buen grupo ejecutante.

Diseño: Silvio Gayton (Cuba)

                                                                              

                                                                                      

Jesús Valdés Y Su Combo - Jazz Nocturno Jazz (1964)

Temas:

01. Pa' Gozar (Descarga)

02. Noches De Moscu (Descarga)

03. Mercy's Cha (Cha-cha-chá)

04. Tu No Sabes De Amor (Descarga)

05. Descarga De Kike (Descarga)

06. El Paso de Encarnacion (Descarga)

07.Átomo (Cha-cha-chá)

08. Cha Cha Niña (Cha-cha-chá)

09. Bebada (Descarga)

10. Quien Baila Mejor (Guaparachá)

11. Por La Libre (Descarga)

12. Mi Mejor Cancion (Bolero)

Musicos:

Chucho Valdés (Piano)

Paquito D'Rivera (Saxo alto y clarinete)

Julio Vento (Flauta)

Alberto Giral (Trombón)

Emilio Morales (Guitarra)

Enrique "Kike" Hernández (Bajo)

Óscar Valdés (Congas)

Emilio Del Monte (Timbales) 

Eliane Elias - So Far So Close

Eliane Elias (São Paulo, 19 de marzo de 1960) es una pianista brasileña de música clásica y popular, que se aproxima constantemente al jazz y a la fusión de este con las llamadas músicas del mundo, entre ellas la bossa nova de su país de nacimiento. Vive en Nueva York.
Heredó su talento musical de su madre, Lucy, pianista clásica que también se interesaba por el jazz. Tras estudiar seis años en el Centro Livre de Aprendizagem Musical (CLAM) en São Paulo, siguió estudiando técnica clásica con Amilton Godoy y Amaral Vieria. Ya de adolescente, Elias compuso sus primeros temas y empezó a actuar en clubs de jazz. Realizando una gira por Europa en 1981, conoció al bajista de jazz Eddie Gómez que la animó a viajar a Nueva York, donde estudió con Olegna Fuschi en la Juilliard School of Music.
La carrera profesional de Elias consiguió un avance importante cuando fue invitada a unirse al grupo Steps Ahead, formado por Michael Brecker, Peter Erskine, Mike Manieri y Eddie Gómez. Grabó el disco Steps Ahead con el grupo, en 1983. Tras abandonar el conjunto, empezó a colaborar con el trompeta Randy Brecker, con quien se casaría más tarde y grabaría un disco a dúo con él titulado "Amanda" (1984).

Su siguiente paso profesional fue el de convertirse ella misma en líder de sus grupos, con los que ha realizado varias giras, contando con músicos como Jack DeJohnette y Gómez, en su primer trío; y Erskine y Marc Johnson, con quien actualmente está casada, en el segundo. Su tercer trío contó con Marc Johnson al bajo y Satoshi Takeshi a la batería.

Su disco de 1995 Solos and Duets lo realizó con Herbie Hancock. Aunque muchas de sus grabaciones han sido solo instrumentales, Elias ha incorporado también su voz en discos como Eliane Elias Plays Jobim de 1989. Trabaja también periódicamente con el Toots Thieleman's Brasil Project y como directora musical del grupo de Gilberto Gil. Actualmente sigue tocando hoy en día.__ (wikipedia)

So Far So Close es el cuarto álbum de estudio de la artista brasileña de jazz Eliane Elias. 

Fue lanzado en 1989 a través del sello Blue Note. Escribió ocho composiciones para este álbum. Este es su primer álbum grabado con Blue Note.

Recepción. En su reseña, Scott Yanow de Allmusic declaró: "Tras haber consolidado sus credenciales como excelente pianista acústica, volvió a su trabajo menos personal con sintetizadores y contribuyó con voces bastante mundanas y sin palabras. La música (que incluye algunos solos del saxofonista tenor Michael Brecker y Randy Brecker al fliscorno) no es terrible, pero carece de un toque aventurero y suena como si su principal objetivo fuera la difusión en la radio"._ (wikipedia)

                                                                                    

                                                                                    

Eliane Elias - So Far So Close (1989, Blue Note)

Temas:

01. At First Sight (Elias)

02. Bluestone (Elias)

03. Barefoot (Elias)

04. Nightimer (Elias)

05. Still Hidden (Elias)

06. So Far So Close (Elias) 

07. Straight Across (To Jaco) (Elias)

08. With You in Mind (Elias)

09. Two Way Street (Palanker) 

Musicos:

Eliane Elias (Piano, sintetizador, voz)

Michael Brecker (Saxo tenor)

Randy Brecker (Fliscorno)

Will Lee (Bajo)

Peter Erskine (Batería)

Don Alias ​​(Percusión)

Café (Percusión)

Jim Beard (Programación de sintetizadores)

Alan Palanker (programación de sintetizadores)

Miguel Zenón - Música De Las Américas

Miguel Zenón (nacido el 30 de diciembre de 1976) es un saxofonista alto, compositor, director de banda, productor musical y educador puertorriqueño. Ganó un premio Grammy, recibió una beca Guggenheim, una beca MacArthur y un premio Doris Duke Artist. También posee un Doctorado Honoris Causa en Artes de la Universidad del Sagrado Corazón. Zenón ha lanzado numerosos álbumes como director de banda y ha participado en más de 100 grabaciones como acompañante..._ (wikipedia)
 

Con ‘Música de las Américas’ el saxofonista puertorriqueño Miguel Zenón ha hecho el que es su mejor disco hasta la fecha desde que debutó profesionalmente hace ahora veintidós años.

En este disco Zenón está acompañado del combo con el que lleva trabajando en los últimos trabajos, entre los que hay que destacar al pianista venezolano Luis Perdomo, a los que hay que añadir algún refuerzo de lujo a la percusión desde su natal isla de Puerto Rico.

‘Música de las Américas’ presenta un balance muy atractivo en los ocho temas del álbum entre el jazz latino más clásico junto a las formas más modernas de jazz, adentrándose si es necesario en las procelosas aguas del free (‘Venas abiertas’), así como en la música tradicional de su país de origen.

Las composiciones de Zenón quieren reflejar el dinamismo y la complejidad de las culturas indígenas de América (‘Taínos y caribes’, que abre el disco), así como sus encuentros con los europeos y las consecuentes implicaciones históricas resultantes, como por ejemplo ‘Imperios’.

Tal y como ha reconocido el propio Miguel Zenón, «la música del nuevo disco está inspirada en la historia del continente americano, no sólo antes de la colonización europea, sino también en lo que ha sucedido desde entonces».

‘Música de las Américas’ viene a ser una suerte de manifiesto de lo que Zenón considera su concepto de América como continente.

Esta nueva entrega discográfica de este saxofonista alto nacido en San Juan de Puerto Rico en 1976 se gestó durante la pandemia (¿se acuerda alguien que durante los años 2020 y 2021 hubo una pandemia originada en la República Popular China y que dejó miles de muertos?) y en su desarrollo tuvo una notable importancia el libro ‘Venas Abiertas’ del escritor uruguayo Eduardo Galeano, fallecido en 2015 y que fue una de las figuras más destacadas de la izquierda latinoamericana.

En definitiva ‘Música de Las Américas’ es el producto de la curiosidad intelectual de Zenón por conocer más de la historia de América (el continente) y plasmar esa historia en música._ (distritojazz)    

                                            

                                                                                      

Miguel Zenón - Música De Las Américas (2022)

Temas:

01. Tainos y Caribes

02. Navegando (Las Estrellas Nos Guían)

03. Opresión y Revolución

04. Imperios

05. Venas Abiertas

06. Bámbula

07. América, El Continente

08. Antillano

Musicos:

Miguel Zenón (Saxo alto)

Luis Perdomo (Piano)

Hans Glawischnig (Bajo)

Henry Cole (Batería)

Musicos Invitados:

Los Pleneros de La Cresta (Emil Martinez, Edwin "Wechin" Aviles, Joshuan Ocasio, Joseph Ocasio y Jeyluix Ocasio) (Panderos, percusión y voz en el #2)

Paoli Mejías (Percusión #3)

Víctor Emmanuelli (Barril de bomba #6)

Daniel Díaz (Congas #8)

Grabado en Big Orange Sheep, Brooklyn, Nueva York, del 21 al 22 de marzo de 2022

Bud Shank / Clare Fischer / Joe Pass - Brasamba!

A estas alturas (enero de 1963) está claro que la Bossa Nova va a ser, o ya es, una moda musical en Estados Unidos. Como el twist (nacido en 1960, muerto en 1962) hace demasiado dinero para no ganar la clasificación de moda y como tal fenómeno para autodestruirse en pocos años como medio en Norteamérica de pura expresión musical. Sin embargo, la Bosa Nova es bastante diferente de la mayoría de los fenómenos que alcanzan el estatus de moda: tocada correctamente, requiere artistas talentosos, sensibles y capaces de entender sus reglas y raíces. Además, cuando se toca correctamente, se sostiene sobre dos patas extremadamente robustas: una de sutil emoción y otra de pura belleza musical, ambas intemporales. Por estas razones, la Bossa Nova seguirá atrayendo a músicos y oyentes de talento mucho después de que se haya consumido en los medios de la música popular. Y para nosotros, quizás un tercer punto sea aún más significativo. Los muchos jazzistas que se sintieron atraídos por la bossa nova mucho antes de que llegara al oído del público la asimilarán gradualmente en su personalidad musical y emocional y se enriquecerán artísticamente por ello. 
El saxofonista alto y flautista BUD SHANK, el pianista, compositor y arreglista CLARE FISCHER, el guitarrista JOE PASS, el baterista y vibraharpista LARRY BUNKER, el bajista RALPH PEÑA y los percusionistas MILT HOLLAND y CHUCK FLORES, los hombres en esta grabación, son todos músicos que han llegado lejos en hacer del lenguaje de la Bossa Nova una teoría propia y parte de su samba jazz (Bosa nova interpretada por jazzmen), desde su ascenso a la popularidad hace un año, Bud, por supuesto, se ha convertido en una personalidad en la historia de esta música debido a sus grabaciones de samba jazz de los años 1950 con el guitarrista Laurindo Almeida (World Pacific 1412, 1419, 1425), grabaciones que aparentemente fueron fundamentales en el desarrollo de la Bossa Nova en Brasil. Fischer, como he señalado anteriormente, ha tenido interés por la música latina desde hace mucho tiempo, ha liderado su propia banda de Bossa Nova, ha tocado y grabado en México y produjo un maravilloso álbum de música brasileña y mexicana con Cal Tjader. Por lo tanto, estos dos están eminentemente adaptados a la producción sensible y auténtica de la samba jazzística. Sin embargo, el guitarrista JOE PASS es harina de otro costal. Antes de estas grabaciones Pass nunca había tocado la Bossa Nova ni, que él supiera, había escuchado ninguna grabación de la misma. Sin embargo, antes de que la primera sesión apenas hubiera comenzado, Joe estaba dejando a todos boquiabiertos por la facilidad con la que abrazaba la música. Como Pass no había tenido la oportunidad de familiarizarse con los entresijos de la composición rítmica peculiar de la Bossa Nova, Fischer se reunió con él varias veces en el estudio y en su casa, mostrando a Joe las muchas variaciones que dan dinamismo e interés a las líneas del acompañante. 

La mayoría de las grabaciones de samba bossa nova-jazz producidas en este país han revelado una sorprendente falta de atención a la hora de conseguir esta variedad y, por lo tanto, han permanecido rítmicamente estrechas y rígidas en comparación con las grabaciones de esta música realizadas en Brasil, pero la soltura y el swing capturados por Pass y Fischer en estos esfuerzos no dejan nada que desear.
Para esta grabación se decidió que el tono general de la música sería más bajo que el producido por Fischer y Shank en su primera grabación (PJ-58). La presencia de la guitarra y el deseo de Bud de utilizar la flauta un poco más también hicieron que esto pareciera lógico. Además, en la primera grabación, Bud y Clare llegaban al estudio tras tocar jazz muy activamente en clubes, por lo que era quizás natural que la unión de la bossa nova y el jazz en esos primeros intentos fuera más abiertamente emotiva y, digamos, más jazzística que en las versiones actuales. En cualquier caso, aquí el sonido de alto de Shank es tan sutilmente ahumado como siempre lo fue en los años 50. Los solos de Fischer caen del teclado como una suave lluvia, y los trabajos de guitarra de Pass logran una belleza ingenua de forma y estructura en este estilo, como cabría esperar de su talentoso improvisador.
Dos selecciones aquí, sin embargo, representan cambios notables de ritmo con respecto a la suavidad que se asocia habitualmente con la bossa nova en este país. Los músicos familiarizados con la variedad de color y atmósfera que los músicos brasileños logran en la samba, se han mostrado cada vez más preocupados por el hecho de que la versión norteamericana se ha basado con demasiada frecuencia únicamente en las variantes suaves y delicadas de esta música.
Cualquiera que recuerde la música de la gran película brasileña Blak Orpheus recordará que, si bien toda la música de esa obra se clasificaba como samba (o bossa nova), alcanzaba una gama de expresión emocional casi tan amplia como era posible, desde la tranquilidad de una canción de cuna hasta los coloridos bailes callejeros, rebosantes de emoción libre (pero no dura ni caótica). Bud y Clare decidieron mostrar esta forma abierta y alegre de la samba en dos obras de estilo carnavalesco. Samba de Orpheu se presentó en Black Orpheus en una escena callejera.

La otra fue escrita por Shank. Los únicos instrumentos melódicos que se escuchan son la flauta de Shank y la guitarra de Pass. Fischer y Peña se unen a la sección de percusión, que incluye, a continuación, un conjunto habitual de tambores, pandereta, tom-toms, cabaça y campanas brasileñas. Estas pistas deberían disipar la idea de que los jazzistas que exploran la música brasileña no pueden encontrar un matiz emocional. Sin embargo, cabe destacar que una cierta ligereza o ligereza impregna estas selecciones. Como dice Fiscer: «La bossa nova y otras sambas pueden ser emocionantes, pero nunca son crudas, como puede serlo el jazz». Si bien creo que es importante tener presente al escuchar esta grabación que Bud Shank y Clare Fischer ocupan puestos de relevancia histórica en el desarrollo de la bossa nova en Estados Unidos, se encuentran, de forma más pertinente, entre sus intérpretes más lúcidos. Considero que BRASAMBA es, musicalmente, el álbum más importante de este movimiento producido hasta la fecha por jazzistas. El valor ISO debería sobrevivir con bastante facilidad a la avalancha de innumerables modas que están por venir._JohnWilliam  Hardy

                                                                           

                                                                     

Bud Shank / Clare Fischer / Joe Pass - Brasamba! (1963)

Temas:

01. Brasamba (Bud Shank)

02. Otem A Note (Clare Fischer)

03. Autumn Leaves (Jacques Prévert/Johnny Mercer/Joseph Kosma)

04. Sambinha (Bud Shank)

05. Gostoso (Clare Fischer)

06. If I Should Lose You (Leo Robin/Ralph Rainger)

07. Barquinho (Roberto Menescal/Ronaldo Boscoli)

08. Serenidade (Clare Fischer)

09. Elizete (Clare Fischer)

10. Samba De Orfeu (Antônio Maria/Luiz Bonfá)

Musicos:

Bud Shank (Saxo alto, flauta)

Larry Bunker (Vibráfono, batería)

Clare Fischer (Piano)

Joe Pass (Guitarra)

Ralph Peña (Bajo)

Chuck Flores, Milt Holland (Percusión)