Roberto Carcassés. Pianista y compositor. Excelente músico que ha conducido a sus grupos hacia la contemporaneidad del jazz latino, con un espectro infinito de recursos, logrados tanto en el piano como en los teclados electrónicos.
Nace el 19 de mayo de 1972 en La Habana, Cuba. Realizó los estudios elementales de música, percusión y piano complementario, en el Conservatorio Alejandro García Caturla de La Habana. Estudió y se graduó de percusionista en la Escuela Nacional de Música (ENA) con Roberto Concepción (1992). Recibió clases de piano de Laritza Gordon. Formó parte del grupo de Santiago Feliú (1992-1995), y ha fundado Estado de Ánimo (1994-1996) y Columna B (1996-2000)..._(ecured)
Aunque Velas se ha centrado principalmente en la música brasileña, el sello también ha publicado algunos álbumes destacados de jazz afrocubano y latino. Uno de los CD de jazz latino de Velas es *Invitation*, de Roberto Carcassés, que se grabó en La Habana (Cuba) en noviembre de 1999 y salió a la venta en EE. UU. en el año 2000. Este CD, decente aunque convencional, muestra a Carcassés como un pianista de hard bop con mucho swing que recurre ampliamente a los ritmos afrocubanos. Aunque el improvisador ofrece una interpretación de estilo cubano y con un tempo inusualmente rápido del estándar de Thelonious Monk «Monk’s Mood», la mayor parte del material fue compuesto por el propio Carcassés. El jazz afrocubano domina la sesión, aunque Carcassés se desvía hacia la salsa vocal en «De la Habana a Nueva York» (una oda a la leyenda del jazz latino y la salsa, Mario Bauzá). El tema más interesante del disco es «Velas Icadas», una joya de Iván Lins en la que participa la vocalista Liliam.
Esta canción brasileña fue escrita en portugués, pero Rodolfo de Athayde (director musical y arreglista de *Invitation*) ofrece al oyente una sorpresa muy agradable al traducir la letra al español. Sin embargo, la mayor parte del álbum es más convencional que eso: convencional, pero agradable. Aunque *Invitation* no es una joya, nos permite saber que Carcassés es alguien a quien hay que seguir de cerca._Alex Henderson (allmusic)
Maite Hontelé es una trompetista holandesa reconocida por su profunda conexión con la música latina. Nacida en los Países Bajos, desarrolló una pasión por la salsa y el son cubano, lo que la llevó a forjar una exitosa carrera en Colombia, donde se convirtió en una artista reconocida. Con un sonido distintivo y una pasión por el ritmo y la melodía, ha actuado en todo el mundo, compartiendo escenarios y estudios de grabación con leyendas como Rubén Blades, Gilberto Santa Rosa, Oscar D'León, la Orquesta Aragón, Vicente García y muchos otros. Grabó cinco álbumes como directora de orquesta y recibió nominaciones al Grammy Latino en 2014 y 2019. Tras un descanso, regresó al fliscorno en 2023 y se convirtió en directora de la NJJO (Orquesta Nacional Juvenil de Jazz de los Países Bajos). También forma parte de un dúo con el pianista cubano Ramón Valle, y su nuevo álbum se lanzará en septiembre de 2025.
Además de su carrera musical, Maite trabaja como presentadora en la televisión holandesa, llevando su experiencia y entusiasmo por la música a un público más amplio._(maitehontele)
Ramón Valle (Holguín, Cuba, 29 de diciembre de 1964) es un pianista y compositor de jazz cubano.
Valle comenzó a estudiar piano a los siete años en la Escuela Provincial de Arte de Holguín. Más tarde se trasladó a La Habana, donde se graduó en 1984 en la Escuela Nacional de Arte.
Su talento se destacó desde joven: ya en 1985 compartió un concierto con el pianista cubano Emiliano Salvador, lo que le dio visibilidad dentro del circuito musical cubano.
Tras esos primeros pasos, Valle formó su propio cuarteto, Brújula, con el cual participó en festivales de jazz en La Habana, Ciudad de México y Bogotá, consolidándose en la escena del jazz latinoamericano. Entre 1991 y 1993 fue miembro de la agrupación Diákara, del cantautor cubano Silvio Rodríguez.
En 1995, con su debut europeo en el club Jamboree de Barcelona, Valle impresionó a la crítica por su virtuosismo y perfección técnica. A partir de esa presentación amplió sus giras por Europa, incluyendo países como Alemania, España, Suecia y Países Bajos. En 1998 se radicó en Europa, estableciendo su base en dicha región y continuando su carrera internacional..._(wikipedia)
«Havana» es el primer álbum conjunto del pianista cubano Ramón Valle y Maite Hontelé, que toca la trompeta. Se trata de un álbum muy bonito, sobre todo instrumental, en el que se pueden escuchar estilos musicales cubanos como el son montuno, el danzón y el bolero, junto con una cumbia tranquila, un estilo musical de Colombia, donde Maite Hontelé ha vivido durante mucho tiempo. Anteriormente, Hontelé ya había publicado un álbum de música cubana: Cuba Linda (2018). Havana contiene delicados diálogos musicales entre dos excelentes músicos.
«Lo Que Tienes Tú» abre el álbum con unas líneas melódicas preciosas. Comienza de forma muy bonita con el piano de Ramón Valle y la trompeta de Maite Hontelé. De vez en cuando se añade la voz. Es una apertura magnífica para este álbum. «La Mulata Rumbera», de Frank Emilio Flynn, destaca en esta interpretación por el sonido profundo con el que Ramón hace bailar y cantar al piano. Su interpretación rítmica al piano ocupa a veces un primer plano. Pero Ramón y Maite se turnan y, de este modo, potencian mutuamente su interpretación. A veces, la trompeta suena maravillosamente y un poco más fuerte que el piano.
«Johanna» está pensada como regalo para el 15.º cumpleaños de la sobrina de Ramón. La pieza comienza de forma tranquila y emotiva, con la trompeta en primer plano. A continuación, vuelve a sonar únicamente una preciosa interpretación al piano. En cualquier caso, hasta ese momento, el álbum tiene un sonido muy emotivo. En «Tributo», Ramón Valle rinde homenaje a su ídolo Keith Jarrett. Empieza de forma lírica y emotiva. Es un homenaje emocionante. Maite Hontelé acompaña rítmicamente. Se vuelve tan rítmico que incluso se puede bailar, y es el tema más rítmico hasta ese momento. Así es como logran compenetrarse a la perfección en su diálogo musical.
«Havana Morning Light», compuesta por Ramón Valle, se interpreta en un compás de 5/4 y, como es lógico, trata sobre la capital cubana. Aunque hay que haber estado allí para entenderlo. Este es el tema más tranquilo; además, termina de forma muy serena. «Almendra», de Abelardo Valdés, suena al principio como un danzón clásico, pero también se vuelve bailable. Ramón y Maite tocan juntos así el rítmico danzón cubano. Todo fluye a la perfección. «Obsesión», de Pedro Flores, suena a bolero. Así pues, tras el danzón llega ahora un ritmo de bolero con el brillante piano de Ramón Valle acompañando el precioso solo de Maite. Eso convierte a este álbum, sin duda, en un disco de música cubana que suena muy bien. Y también es tranquilo.
¡En «Odzus Fitchádu» se aprecian influencias del fado y el flamenco! «Un porro con Ramón» comienza con una voz infantil que dice «Un porro con Ramón» (a coro con Ramón) y, a continuación, solo se oye la corneta y, poco después, el piano en un estilo de cumbia lenta. Se trata, sin duda, de un álbum colorido y rico en matices sonoros. De hecho, Ramón Valle y Maite Hontelé crean un álbum de música cubana con un sonido nuevo y fresco. Como si fuera neo-latin jazz. De este modo, crean su propio estilo a partir de las influencias que ya tenían cada uno por separado, pero que ahora combinan a la perfección gracias a su excelente colaboración._Rik van Boeckel
Ron Rieder es un compositor, pianista y arreglista estadounidense de jazz latino radicado en Andover, Massachusetts. Es conocido por fusionar ritmos afrocubanos, brasileños y argentinos con armonías de jazz. Tras el éxito de su álbum debut, Latin Jazz Sessions, el compositor Ron Rieder presenta ocho de sus nuevas piezas arregladas para un octeto de jazz por el percusionista y productor Ricardo Monzón. La música abarca desde sambas, mambos y tango hasta jazz afrocubano impulsado por la percusión de Monzón. Si bien las interpretaciones se centran en las pegadizas melodías de Rieder y los coloridos conjuntos, también hay numerosos solos concisos a cargo de este impresionante grupo de músicos. La banda, que cuenta con algunos de los mejores intérpretes de Boston, está compuesta por Yaure Muniz o Greg Hopkins a la trompeta, el trombonista David Harris, el saxofonista tenor Mike Tucker, el flautista Fernando Brandao, el pianista Alain Mallet, el bajista Fernando Huergo, el baterista Mark Walker y el percusionista Monzón. Dos canciones incorporan al guitarrista Claudio Ragazzi, mientras que el tango final, “Volver a Amar”, cuenta con la participación destacada del violonchelista Queralt Girant y Alex Roitman al bandoneón.
Comenzando con los vibrantes ritmos latinos de “Blue Skies” (sin relación con el clásico de Irving Berlin), resulta evidente la potente sección rítmica y la precisión y energía de las interpretaciones de los instrumentos de viento. “Beautiful Day” (una de las dos canciones arregladas por Rieder) es un hermoso vals con la trompeta de Hopkins a menudo como protagonista; “I Fell Into A Meme” es una adaptación latina de “You Stepped Out Of A Dream”, mientras que “Dizzy Hechizo” es una pieza de estilo bebop con excelentes solos de trombón, flauta, trompeta y piano.
Las demás selecciones de Día Precioso! Entre los temas destacan la enérgica “Birthday Song”, “Danca Festiva”, con la expresiva interpretación de trombón de Harris, la contagiosa samba “Funday” y el atractivo tango “Volver a Amar”. Ron Rieder, residente de Andover, Massachusetts, causó una gran impresión como compositor con su álbum debut, Latin Jazz Sessions. En ese disco, utilizó un grupo similar al de Día Precioso!, con la diferencia de que contaban con un bajista distinto y no incluían instrumentos de viento-metal. Con el lanzamiento de Día Precioso!, Ron Rieder da un paso importante en su desarrollo como compositor, presentando ocho temas originales memorables y bailables que harán sonreír a quienes los escuchen.
Del compositor...
¿Qué ocurre cuando los mejores músicos de jazz latino de la zona de Boston se reúnen para interpretar los arreglos de Ricardo Monzón de ocho nuevas composiciones melódicas? ¡Día Precioso!
¡Día Precioso! es una mezcla de ritmos afrocubanos, sambas y tango, y es mi segundo disco. Estas ocho canciones son el resultado de un año de colaboración con el productor y arreglista
Ricardo Monzón, cuyos arreglos se basan en ricas armonías y ritmos novedosos para sacar a relucir el carácter inspirador de cada composición.
El objetivo de este disco es transportarte a un lugar donde cada día sea un día precioso. ¡Espero de todo corazón que el fruto de nuestro trabajo deleite tus oídos y te haga mover el cuerpo!_Ron Rieder, febrero de 2025
El saxofonista Tony Martínez (Camagüey-Cuba.1968), está adscrito al movimiento del latín jazz, un concepto musical al que se acogen prometedores artistas de salsa y otras corrientes musicales. Carismático, apasionado y sorprendente, en sus conciertos y grabaciones se reflejan claramente su ascendencia cubana. En los últimos años, Tony Martínez y su formación «El Poder de Cuba» han participado en muchos de los festivales más importantes y famosos de Europa, tales como: Festival de Jazz de Montreux (Suiza), Festival de Jazz de Zürich (Suiza), North Sea Jazz Festival de La Haya ( Holanda), Festival de Jazz de Espoo (Finlandia), Internationale Jazzwoche Burghausen (Alemania), Festival de Jazz Baltica (Alemania), Festival Latino Americano de Verona und Milano (Italia), Jazztage Leverkusener (Alemania), Festival de Jazz de Seixal (Portugal), Chipre Musik Días (Chipre), Graz-Jazz Sommer (Austria), París, Nueva Mañana (Francia), Festival de Cittanova Novigrad (Croacia), Festival Caliente Zürich (Suiza), Festival de Jazz de Lyon (Francia), Berna Salsational América Festival (Suiza), Salsa Kongress Baila Basilea (Suiza), Lucerna Festival de Salsa (Suiza).
Debido a todas estas giras por Europa y otras actuaciones musicales Tony Martínez ha tenido la oportunidad de demostrar que él y su «Poder Cubano» forman en realidad una de las bandas de salsa más importantes del mundo. Con un talento innato y con la capacidad de manejar varios instrumentos con destreza (saxo alto, saxo tenor, piano, flauta alemán, cantante, compositor y arreglista) Tony Martínez en poco tiempo se ganó a pulso un nombre en Europa y en los Estados Unidos y ha conseguido situarse como una de las nuevas celebridades de la escena del jazz latino. Tony Martínez trabaja actualmente (2011) para el sello neoyorquino: Blue Jackel, uno de los sellos más famosos en el ámbito de latin jazz y otras músicas del mundo.
Ya su primer disco editado en 1997 y titulado: «Vive La Habana» recibió excelentes críticas de la prensa especializada, y el maestro de los arreglos, Quincy Jones se refirió a él como una estrella ascendente en el mundo de la música. También su segundo álbum «Maferefún», publicado en 1999, recibió críticas muy favorables, así como varios premios, entre ellos una nominación para el premio Grammy y la AFIM (Asociación Mundial de Música Independiente) eligió a «Maferefún como el mejor álbum latino del año. Distinción que también hicieron suya la Asociación de Periodistas de Jazz._(apoloybaco)
No es habitual escuchar a una banda afrocubana liderada por un saxofonista, pero Martínez lo está consiguiendo. En este, su segundo CD, él y su banda ofrecen unos magníficos arreglos para los metales, una percusión chispeante y algunos nuevos matices, además de ritmos tradicionales de probada eficacia. El conjunto de diez músicos se ve enormemente realzado por el increíble pianista Gonzalo Rubalcaba y los destacados solos de trompeta de Julio Padrón. Las tres primeras canciones de las ocho que componen el álbum son de lo mejorcito que se puede encontrar. «Tumbao Pa’ Mi Timbal», un son montuno instrumental con melodía de tumbao, es un espectacular arreglo de metales que recuerda a las voces, con saxos que marcan el ritmo y una percusión que se eleva como un rascacielos. El bailable «Gracias Chucho», de más de 13 minutos de duración y dedicado a Chucho Valdés, es una obra maestra polirrítmica, con cánticos vocales del grupo, una percusión ardiente y un ostinato de piano que prepara el terreno para los instrumentos de viento. El son «Pa’ Lo’ Latino» presenta una tercera partitura para instrumentos de viento excelente, más sencilla que la anterior, pero no por ello menos densa y potente. Martínez toca un animado saxo alto en las dos primeras, y el piano en la tercera. Su homenaje de casi 14 minutos a «Mr Coltrane» es bastante atípico en el estilo de ‘Trane: un tema de fusión muy complejo rítmicamente, con la guitarra eléctrica de Dany Martínez en tándem con los metales, que luego se asienta en un groove para los solistas, en particular Padrón, Martínez al saxo tenor y Rubalcaba.
Martínez, como pianista, brilla durante el apasionado «Homenaje a Emiliano» —liderado por la trompeta y dedicado a Emiliano Salvador—, un tema de ocho minutos en el que se pasa de un ritmo alegre a un segmento más lento de batería y percusión, para luego dar paso a un intercambio vocal con los metales, en el que Martínez intenta estar a la altura de la brillantez que Rubalcaba había demostrado anteriormente. Hay algunas melodías más ligeras de funk y pop cha-cha-cha, y el final es una adaptación clásica y precisa de «A Babalu Aye», en la que Martínez suena similar al característico registro agudo del saxo alto de David Sanborn. Como líder, Martínez lo tiene todo bajo control, aunque su sonido como saxofonista con un estilo propio queda en segundo plano frente a la dinámica general del grupo. No obstante, este CD contiene música excelente y es muy recomendable para quienes disfrutan de la corriente de jazz latino de Puente, Palmieri e Irakere._Michael G. Nastos (allmusic)
Horst Wende (5 de noviembre de 1919 - 23 de enero de 1996) fue un director de orquesta, arreglista y compositor alemán. Compuso discos fáciles de escuchar tanto con su propio nombre como con los nombres artísticos de Roberto Delgado, Die Akkordeon Melodiker, Mister Pepper o Frank Nelson. Formó parte, junto con Bert Kaempfert y James Last, de la ola de músicos populares alemanes de las décadas de 1960 y 1970, especializados en música de fácil escucha (Easy listening).Nacido en Zeitz, Sajonia, manifestó habilidades musicales a temprana edad. Tocó en la banda de su abuelo en un restaurante cuando tenía seis años, y en su adolescencia ya era un experto en tocar el piano, el acordeón, el xilófono y la marimba. Estudió música en el Conservatorio de Leipzig..._(wikipedia)
«Latin Flutes» es una apuesta destacada del catálogo de Roberto Delgado, una colección de atmósferas y ritmos fascinantes que se caracterizan por vibrantes arreglos de viento y un refinado detalle estéreo. Con una coherencia temática y una interpretación precisa, los arreglos centrados en la flauta hacen que este álbum resulte más reflexivo que otros trabajos latinos de Delgado. Como siempre, con un tono optimista, estos arreglos de rumba y samba son rapsódicos y románticos, y en su mayoría ligeros y delicados. Cada tema se centra, como es natural, en las melodías de flauta de Herb Geller, que transmiten buen humor y que, por turnos, son contrarrestadas o acompañadas por el propio Wende al órgano Hammond, la marimba y el vibráfono.
Es un material encantador, pero lo que hace que muchos de los temas de«Latin Flutes» destaquen de verdad son los arreglos de metales. Los trompetistas Charly Tabor, Werner Gutterer, Manfred Moch y Ack Van Rooyen, y los trombonistas Ake Persson y Jiggs Whigham están magníficos en todo momento, aportando graves potentes y contundentes, fanfarrias entusiastas y alegres adornos de mariachi, que despiertan sentimientos de nostalgia, contemplación, satisfacción y optimismo. ¡Qué delicia! Entre los temas más destacados se encuentran la juguetona «Salambo n.º 1», en la que Ladi Geisler —a menudo discreto— aporta una maravillosa parte de guitarra con distorsión, y «La Boliviana», compuesta por Delgado. Si eres fan de Roberto Delgado, sin duda Latin Flutes no te decepcionará y deberías añadirlo a tu colección a la primera oportunidad._Laurie Mercer (allmusic)
PATÁX es un grupo musical español liderado por Jorge Pérez que fusiona flamenco, jazz y música afrocubana para crear reinterpretaciones innovadoras. El proyecto nació en Madrid alrededor de 2010 y se ha destacado por sus versiones de clásicos de artistas como Michael Jackson, The Beatles y Stevie Wonder, combinando elementos tradicionales flamencos con ritmos latinos y armonías de jazz. Su sonido distintivo y sus arreglos sofisticados les han ganado reconocimiento internacional, con actuaciones en importantes festivales y la publicación de varios álbumes que demuestran su creatividad y versatilidad musical. Hoy, PATAX, una de las bandas de fusión más reconocidas internacionalmente, son la más fresca, sorprendente y cosmopolita expresión del Jazz fusión con ingredientes flamencos y afrocubanos.
Bebiendo del legado de leyendas del Jazz como Weather Report, Corea’s Elektric Band, Herbie Hancock, o Zawinul Syndicate, y sin esconder la poderosa influencia de las visionarias propuestas de Irakere, Wayne Shorter, Miles Davis, Enrique Morente, Snarky Puppy, Sixun y Paco de Lucía, PATAX lleva el concepto de “Fusión” hasta un territorio completamente inexplorado, donde su particularísima forma de mezclar el Flamenco, el Funk, el jazz y el folclor Afrocubano, unida al virtuosismo de sus integrantes, produce un explosivo, sorprendente y mágico resultado que ha encontrado adeptos por todo el planeta._(jazzmintmusic)
Tras sacudir la escena en 2013 con Live From Infinity, obra especialísima y rompedora por muchos conceptos, grabada en riguroso directo en audio y video, de una forma muy poco vista en España hasta entonces y muy imitada después, Patáx una de las bandas de Jazz más innovadoras y heterodoxas del panorama actual, propina un nuevo golpe de efecto con este fantástico nuevo trabajo que reúne, en un solo CD, lo mejor de lo mejor de su extensa colección de sabrosas, coloristas y originalísimas versiones del glorioso legado de uno de los artistas más colosales de la Musica Popular de todos los tiempos: Michael Jackson, el “Rey del Pop”.
Reinterpretaciones radicalmente hedonistas de archiconocidos éxitos como Billie Jean, Black Or White, Smooth Criminal o Man In The Mirror, que fascinan tanto por su patente respeto a la versión original, como por los exuberantes aromas a Latin Jazz, Salsa, Flamenco y otras especias exóticas que aportan colores y sabores peculiares a un combinado explosivo, marcado por la energía de alta intensidad de un grupo de músicos en permanente ebullición, formado por algunos de los más brillantes talentos de la última hornada del Jazz, el Flamenco y el Afrobeat “Made In Spain” (Federico Lechner, Alana Sinkey, Alain Pérez, Israel Sandoval, Lidón Patiño, Georvis Pico, Roberto Pacheco, Chuma Segura, Valentín Iturat, Jorge Vera, Marcos Collado, Fabrizio Scarafile, Pedro Medina, Carlos Sánchez, Dani Morales, Rafael Águila, Raúl Gil, Tomás Merlo, Daniel García…), espectacularmente dirigidos, como de costumbre, por un Jorge Pérez en estado de gracia…
Momentos mágicos. Improvisaciones sorprendentes y trances colectivos que resultarían difíciles de imaginar sin las fantásticas grabaciones de video que se hicieron de aquellas descargas. Por algo superan ya, de largo, el millón de visitas en YouTube ¡antes incluso de la publicación del álbum!
Un proyecto valiente, arriesgado, y, sobre todo, altamente disfrutable, en el que la originalidad, el talento y la calidad instrumental del mejor Jazz de hoy en día van de la mano de una producción, una calidad y una intención propias del Pop más sofisticado, inquieto y bailable de la actualidad. Michael estaría orgulloso…_(jazztimemagazine)
Roger Glenn nació el 11 de junio de 1945 en el seno de una familia de leyenda del jazz, siendo hijo de Tyree Glenn, un reconocido trombonista y vibrafonista de la era del swing que tocó con Cab Calloway y Duke Ellington. Criado en la ciudad de Nueva York y, más tarde, en Englewood (Nueva Jersey), Glenn absorbió un amplio abanico de tradiciones musicales durante sus años de formación, sentando así las bases de su carrera como uno de los multiinstrumentistas más versátiles del jazz. Debutó discográficamente junto a la legendaria pianista y compositora Mary Lou Williams, y rápidamente se consolidó como un improvisador de gran talento, capaz de dominar más de 18 instrumentos, entre ellos la flauta, el vibráfono, el saxofón, el clarinete, la marimba, el flautín y el saxofón barítono. A lo largo de su carrera, que se prolongó durante décadas, Glenn se hizo famoso por ser «el ingrediente secreto» detrás de algunas de las grabaciones más emblemáticas del jazz y el jazz latino, colaborando en álbumes clásicos con el maestro de la percusión cubana Mongo Santamaría, el trompetista pionero del funk-jazz Donald Byrd y el virtuoso del jazz latino Cal Tjader. Su versatilidad hizo que siempre estuviera muy solicitado, lo que le llevó a actuar con una extraordinaria variedad de leyendas, entre las que se incluyen Dizzy Gillespie, Herbie Mann, Taj Mahal, Kurt Elling y la Count Basie Orchestra. A pesar de haber participado en más de 40 álbumes y de haber realizado numerosas giras por Norteamérica, Nueva Zelanda y Australia, Glenn permaneció en gran medida entre bastidores, realzando la música de maestros consagrados al tiempo que desarrollaba su propio estilo distintivo, que fusionaba a la perfección la improvisación del jazz con la vitalidad rítmica de las tradiciones afrocaribeñas y latinoamericanas.
A los 80 años, Glenn saltó a la fama como director de orquesta y compositor con su primer álbum nuevo en cuatro décadas, «My Latin Heart», publicado en 2025. Este lanzamiento supuso un hito importante en su carrera, ya que ofrecía la visión más reveladora hasta la fecha de un gigante del jazz que había permanecido oculto a plena vista. La filosofía de Glenn, inculcada por su padre, consistía en «crear tu propio sonido», y su dominio de más de 18 instrumentos le permitía seleccionar la mejor voz para cada momento musical, lo que le convirtió en una figura singular del jazz contemporáneo y la música latina..._ (jazzapedia)
Roger Glenn, hijo del reconocido instrumentista Tyree Glenn, nunca se ha conformado con quedarse en un solo ámbito. Maestro de los instrumentos de lengüeta y del vibráfono, sigue encarnando el espíritu de traspasar fronteras. En *My Latin Heart*, Glenn se embarca en una sesión llena de energía que celebra la vitalidad rítmica de la diáspora africana y que, al mismo tiempo, constituye un manifiesto personal.
Flanqueado por un conjunto estelar de colaboradores veteranos —el pianista David K. Mathews, el guitarrista Ray Obiedo, el bajista David Belove, el difunto y querido baterista Paul van Wageningen y los vocalistas y percusionistas John Santos y Michael Spiro—, Glenn canaliza una energía palpitante que vincula el jazz con sus primos afrocaribeños. Estos músicos, todos ellos veteranos de las altas esferas del jazz, aportan tanto precisión como pasión a esta sesión.
El álbum arranca con una sacudida dinámica: «Zambo's Mambo» es un tema trepidante en clave menor impulsado por la flauta de Glenn, a la vez etérea y imponente, que se desliza sobre una sección rítmica que funciona como una máquina bien engrasada. Mathews interpreta un solo lleno de inspiración y gran variedad. «Cal’s Guajira» es a la vez un guiño respetuoso y una evolución, en la que destaca la hábil interpretación de Glenn al vibráfono, que evoca el espíritu de Cal Tjader sin caer en la imitación. Obiedo se suma a la mezcla, demostrando su amplia experiencia con los ritmos latinos y contribuyendo a la vertiginosa combinación de melodía y groove que honra el linaje al que Glenn rinde homenaje.
«A Night Of Love» suaviza el conjunto con un lirismo sensual. La flauta de tono grave de Glenn se desliza con la suavidad de un susurro. El piano de Mathew llena el fondo con sutiles toques armónicos que evocan el romanticismo de la bossa nova. «Energizer» inyecta a la sesión una ráfaga dinámica de energía y color tonal. La interpretación de Glenn al vibráfono es eléctrica —percusiva, pero melódicamente ágil— y se eleva por encima del conjunto, que crepita de energía.
Es un magnífico ejemplo de cómo fusiona la sofisticación y la espontaneidad.
La banda explora la conexión afro-nuevoorleanesa con «Congo Square», un lugar de encuentro histórico entre los metales europeos y los ritmos africanos. Aquí, Glenn nos recuerda que el jazz no es solo una forma de arte, sino una fusión cultural, mientras su vibráfono y la guitarra de Obiedo se unen para contar la historia. El broche final lo pone «Samba De Carnaval», un tema que rebosa color y ritmo. Con Glenn a la flauta, él y la banda ofrecen una coda muy acertada que vibra con la exuberancia brasileña, ese tipo de fastuosidad rítmica que cierra el álbum con una sonrisa y un baile._Pierre Giroux (allaboutjazz)
Miguel Núñez Hernández . Importante Músico cubano especialista en el piano ha colaborado en grabaciones y conciertos con artistas nacionales y foráneos. Miguel Núñez Hernández nació el el 27 de noviembre de 1964, en La Habana, Cuba. Hizo estudios musicales en el Instituto Superior de Arte ISA, Cuba, graduándose de Especialista en el piano. Tiene una amplia carrera Musical en Cuba y reconocido en muchos países. Además ha sido anfitrión en varios conciertos bien conocidos, Miguel Núñez forma parte del grupo musical de Pablo Milanés, desde 1998, es además de pianista, compositor y productor musical. Ha sido responsable de la sonoridad de los más recientes discos del trovador, entre los que sobresale. El destacado pianista tiene a su favor una amplia experiencia como vocalista, instrumentista y arreglista musical, pues ha colaborado con destacados músicos cubanos y extranjeros, entre los que se encuentran: Leo Brouwer, Fito Páez, Ricardo Arjona, Ana Belén, Mercedes Sosa, Carlos Varela, Omara Portuondo, Richard Egües, César López, Liuba María Hevia, Santiago Feliú]] y Chucho Valdés, por solo mencionar algunos.
Miguel,paralelamente a su trabajo con Pablo, funda la agrupaciónMiguel´s Trío, que además integran Luis Ángel Sánchez en el bajo y Osmany Sánchez. Con este trío concibió el CD, Azul, bajo el sello Unicornio, la música del ballet Tocororo, así como diversas bandas sonoras para el cine como por ejemplo para el filme, Páginas del diario de Mauricio, del director Manuel Pérez._(ecured)
En los últimos años la pianística cubana ha crecido cualitiva y cuantitivamente con el aporte de nuevos valores formados en las escuelas de artes cubanas. Ejemplo significativo para todos y las generaciones venideras, es el pianista Miguel Núñez, joven graduado en el Instituto Superior de Arte, no solo conoce y domina los géneros de la mal llamada "música culta", porque culto es acervo popular y folhlórico de la raíz hispano africana legada en nuestra identidad. Miguelito además, ha experimentado una fusión entre la música tradicional y afrocubana con elementos del jazz rock y música de concierto en perfecta medida, utilizando para ello elementos electrónicos llenos de profesionalidad, complejidades técnica y armónicas que pueden ser logradas gracias a su talento y genialidad pianística.
Su pianismo indiscutible lo destacan como una de las más grandes promesas de la música cubana y su trabajo como Director Musical y arreglista dentro del grupo de Pablo Milanés es un ejemplo fehaciente de ello. Sin dudas ha logrado crear un trabajo significativo, en compañía de músicos de alto nivel, que adornan su magia artística vista en su total sentido de la palabre y, claro está, en su virtuosismo pianístico.
No les hago perder tiempo con esta lectura, cscuchen a uno de los más grandes músicos cubanos: Miguel Núñez. Yo lo recomiendo._ Chucho Valdés (De las notas originales del disco)
George Edward «Ted» Heath (30 de marzo de 1902-18 de noviembre de 1969) fue el músico inglés y el director de una de las orquesta más importantes de la posguerra, con más de 100 álbumes grabados y más de 20 millones de discos vendidos. Su banda fue considerada la más famosa y exitosa del Reino Unido,permaneciendo activa 55 años, hasta el año 2000. Heath nació en Londres, Inglaterra. Aprendió a tocar la trompa alto con seis años de edad. Su padre, líder de la Wandsworth Town Brass Band, le incentivó a pasarse al trombón. Con el fin de ganarse la vida en la posguerra, tanto él como su hermano Harold y otros tres músicos formaron una banda que tocaba para los transeúntes en la Estación de London Bridge, antes de hacerlo cerca de Queen’s Hall Gardens. Fue allí donde inició su carrera profesional, tras recibir una oferta para tocar en la formación de Jack Hylton,[8] quien residía en la zona. Aunque no estuvo mucho tiempo con Hylton, consiguió el impulso necesario para seguir adelante con su carrera..._(wikipedia)
Dejemos pasar la próxima revolución y hablemos de la historia de la música iatín-americana. Probablemente creas que la inventó Carmen Miranda, que solía comprar sus sombreros en las fruterías e imitaba a Tommy Trinder, pero no fue así en absoluto. La primera pista que tuvimos de ello en este país fue el tango, un baile muy escandaloso que implicaba dar algunas patadas, lo cual, en 1912, no le hacía ninguna gracia a la alta sociedad. Pero se lo acabaron pasando por alto, y el tango pronto se convirtió en un baile tan respetable que ya nadie se molestaba en bailarlo. En los años treinta, la música popular había descubierto que Brasil no era solo «el lugar de donde vienen las nueces», según la inmortal frase de Brandon Thomas, sino la cuna de muchos ritmos de baile estimulantes. También se descubrieron México, Cuba, Venezuela y otros lugares al sur de la frontera, justo a tiempo para traernos rumbas, sambas, pasodobles (que daban un gran rodeo desde España), congas y similares. Al principio no se tomaban muy en serio, y se consideraba necesario que las bandas se pusieran sombreros graciosos y trozos de manta a rayas cada vez que se permitían tocar estos temas. Los ingleses son gente bastante conservadora; para nosotros, el ritmo se redujo durante mucho tiempo a los bailes morrsi (bailes muy rígidos, por cierto) y a marchar un poco al son de las bandas de música, por lo que pasaron años antes de que se esperara que una banda de baile inglesa normal incluyera una buena selección de temas latinoamericanos en su repertorio. Puede que los directores de orquesta se resistieran a asumir el gasto que suponía comprar todos esos instrumentos adicionales, por supuesto (por no hablar de los sombreros ridículos —solo Acker Bilk puede permitírselos—, pero la causa fundamental fue sin duda el conservadurismo de los gringos.
Elis Regina Carvalho Costa (Porto Alegre, 17 de marzo de 1945 - São Paulo, 19 de enero de 1982) fue una cantante brasileña, considerada una de las mayores representantes del género musical conocido como música popular brasileña (MPB). Su temprana muerte, a los 36 años, se debió a una sobredosis de cocaína y alcohol, aunque se baraja la teoría de que habría sido víctima de la dictadura imperante. Muchos críticos, músicos e intérpretes la consideran una de las mejores cantantes de Brasil..._(wikipedia)
Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Río de Janeiro; 25 de enero de 1927 - Nueva York; 8 de diciembre de 1994), conocido como Antônio Carlos Jobim o Tom Jobim, fue un compositor, arreglista, cantante, guitarrista y pianista brasileño de bossa nova, música popular brasileña y música clásica.
Está considerado como uno de los grandes exponentes de la música brasileña, y como uno de los grandes compositores de música popular del siglo XX. Fue el artista que internacionalizó la bossa nova y, con la ayuda de importantes artistas estadounidenses, la fusionó con el jazz para estandarizar en los años 1960 un nuevo sonido cuyo éxito popular fue muy destacable..._(wikipedia)
A comienzos de 1974, Elis Regina y Antônio Carlos Jobim estaban en momentos distintos de sus respectivas carreras. Elis Regina ya era una figura muy popular, considerada una de las grandes voces de la MPB, con más de diez álbumes bajo el brazo y en una constante ascendente con cuatro grandes álbumes editados en los años anteriores (…Em pleno verão -1970-, Ela -1971-, Elis -1972- y Elis -1973-), pero le faltaba ese gran álbum consagratorio que uniera la aclamación del público con la crítica. Antônio Carlos Jobim, por otro lado, ya era una figura más que consagrada de la música brasileña, creador de un gran número de clásicos y había participado de discos con reconocimiento a nivel internacional como Getz / Gilberto (1964) y Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim (1967), y luego de eso, discos en solitario que se encuentran entre lo grande del repertorio brasileño como Wave (1967), Stone Flower (1970) y Matita Perê (1972). Pero 1974 lo encontraba en un período sin grandes ventas ni popularidad, viviendo en Estados Unidos y sin mucha visibilidad en su tierra natal. Hay dos versiones de cómo se pensó el encuentro. Elis Regina estaba cumpliendo diez años con
Philips, y una versión dice que el presidente de la discográfica, André Midani, le ofreció un regalo, y ella pidió “grabar canciones de Tom Jobim… con Tom”; pero otras versiones dicen que fue idea del mismo André hacerle ese regalo. Importa poco a esta altura, lo importante es que el 20 de enero de 1974 Elis Regina estaba viajando desde Brasil a Los Ángeles, donde Jobim la esperaba para, sin saberlo, hacer historia juntos. El álbum, con la producción de Aloísio de Oliveira, y todas las canciones compuestas por Jobim (algunas junto a otros compositores), comienza con esos acordes inconfundibles de la versión que se convirtió en la definitiva de «Águas de Março», con Elis y Tom cantando casi como un juego, con ese solo de piano a media canción, y el final respondiéndose palabra a palabra y riéndose juntos. En “Pois É”, compuesta junto a Chico Buarque al igual que “Retrato em branco e preto”, el drama se apodera de los arreglos, con ese órgano y piano que acompañan a Elis. Y es que los arreglos son muy protagonistas del disco, con el trabajo del pianista, y entonces marido de Elis, César Camargo Mariano, la utilización del piano eléctrico queda como una marca registrada de la bossa nova presentada en Elis & Tom. Y si el piano es muy protagonista en “Pois É”, “Só tinha de ser com você”, “O que tinha de ser” y en la triste “Inútil paisagem”, que cierra el disco; los arreglos de cuerdas lo son en “Modinha”, y “Por toda a minha vida”, y es en “Retrato em branco e preto” donde piano y cuerdas se encuentran de manera perfecta entre ellos y con la voz de Elis de una manera estremecedora, en otra versión definitiva que dejó este álbum. Y es que el álbum está lleno de grandes piezas que con el tiempo se convirtieron en el estándar de dichas composiciones, ahí están “Triste”, “Corcovado”, “Fotografía”, con un bajo y un piano muy del jazz, y “Chovendo na roseira”.
Es así como con los maravillosos arreglos, la hermosa y dulce voz de Elis, la química que se siente a lo largo del álbum junto a Jobim, y las grandes composiciones elegidas de este último, no es de extrañar que Elis & Tom se haya convertido en uno de los discos brasileños más vendidos de todos los tiempos, y con gran recepción de la crítica. Un álbum consagratorio para Elis y que llevó a Jobim de regreso al éxito en Brasil._Jorge Cárcamo (600discoslatam)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Fatoumata Diawara – Massa (2026)
-
*Fatoumata Diawara* ha construido su carrera sobre la tradición wassoulou
de su Malí natal, las inflexiones afrobeat y la producción electrónica.
*Massa*,...
¡Pon tu pensamiento en…! El agua de Clavelito
-
En Santiago de los Caballeros, República Dominicana, en 1938 el niño Juan
Azarías Pacheco Knipping se empinaba sobre sus primeros pasos todo lo que
le er...
Música para Gatos - Ep. 90 - Referencias gatunas.
-
Música para Gatos - Ep. 90 - Referencias gatunas.
Hoy os vamos a entregar uno de aquellos capítulos a los cuales solemos
denominar Jazz Free, es decir, un...
Myrsini Kagarlis / Ravel
-
Myrsini Kagarlis (13) performs Ravel's Sonatine at the 5th Summer Music
Performance Program at Anatolia College, Thessaloniki, Greece, on July 2,
2019.
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
