Babatunde Lea - Soul Pools

Babatunde Lea (nacido Michael Wayne Lea; 18 de febrero de 1948) es un percusionista estadounidense que toca jazz afrocubano y worldbeat. Tomó su nombre del batería nigeriano Babatunde Olatunji.

Michael Lea se crió en Englewood, Nueva Jersey, mientras se desplazaba regularmente a la calle 116 y Amsterdam de Nueva York, donde vivía el resto de su familia tras mudarse de su ciudad natal, Danville, Virginia. Su tía fue una de las primeras mujeres en tocar en una banda de música. Empezó a tocar el tambor a los 11 años, cuando, sin experiencia en ello, ayudó a una línea de tambores a conseguir un ritmo correcto. Ese mismo año, su primo le llevó a ver a Babatunde Olatunji y su «Drums of Passion», y la influencia de Olatunji fue tan grande que Michael adoptó su nombre de pila. A los 16 años, participó por primera vez en una sesión de grabación profesional con Ed Townsend. En 1968, se trasladó a San Francisco, donde se unió a Bata Koto, dirigida por Bill Summers. Se unió a una banda llamada Juju, que se trasladó a Richmond, Virginia, a principios de la década de 1970..._(wikipedia)

El maestro percusionista y batería Babatunde Lea ha convocado el espíritu del ritmo en compañía de algunas de las mayores luminarias del jazz y las músicas del mundo. En Soul Pools, Lea lidera un nuevo equipo de estrellas que incluye a John Benítez al bajo, Kevin Jones a la percusión, Ku-umba Frank Lacy a los vientos y la voz, Hilton Ruiz al piano y Mario Rivera al saxo y la flauta. Su asombroso debut para Motema Music muestra su exhaustivo trabajo de batería y percusión, emocionante, estimulante y espiritual. Brillante solista, Lea está sensacional en «Jackie and The Beanstalk» de Kenny Garrett. Su solo está lleno de pasión, profundidad y la musicalidad adquirida tras años de viajes, formación y trabajo con músicos afines. Además de los grandes artistas de músicas del mundo y jazz instrumental que actuarán en este programa, Babatunde Lea ha invitado a la vocalista Jana Herzen a interpretar su composición original cargada de blues titulada «Round The World». 

Su sensual voz de contralto adquiere mayor dimensión gracias a los excelentes solos de acompañamiento de Raul Midon a la guitarra y Frank Lacy al trombón. En general, el arte sin concesiones de Babatunde Lea está bien respaldado a lo largo de este esfuerzo estelar. La mejor apuesta: «Soul Pools» por su belleza intrínseca, sus magníficos arreglos de trompa y su naturalidad lírica. Este CD es imprescindible para los entusiastas de las músicas del mundo y del jazz que disfrutan con los compases dinámicos, el ritmo y la síncopa de los maestros de la batería y la percusión._Paula Edelstein (allmusic)

                                                                                

                                                                          

Babatunde Lea - Soul Pools (2002)

Temas:

01. Confrontation (Babatunde Lea)

02. Jackie And The Beanstalk (Kenny Garrett)

03. Isabella (Frank Lacy)

04. Round The World (Jana Herzen)

05. Whoa Baba! (Babatunde Lea)

06. 1055 (Raul Midón)

07. Ejercito Moreno (Babatunde Lea)

08. Yerba Buena (Raul Midón)

09. Outlyer (Babatunde Lea)

10. Soul Pools (Babatunde Lea)

11. Carolyn's Dance (Frank Lacy)

12. "Live At Rasselas" Footprints (Wayne Shorter)

Musicos:

Babatunde Lea (Batería, percusión)

Ku-umba Frank Lacy (Trombón, trompeta, fliscorno, voz)

Hilton Ruiz (Piano)

John Benitez (Bajo)

Mario Rivera (Saxo soprano, saxo tenor, flauta travesera)

Kevin Jones (Percusión)

Artistas invitados

Jana Herzen (Voz)

Raul Midon (Guitarra, voz trompeta, coros)

Grabado en Showplace Studios, Dover, NJ.

Cesare Mecca - Afro Cuban

Cesare Mecca, nacido en 1996, se apasionó por la música a una edad temprana y comenzó a estudiar trompeta con Roberto Ferro a los siete años, en la Filarmonica Bosconerese (dirigida por el Maestro Pietro Marchetti), donde actualmente toca la 1ª trompeta.
A los 11 años comenzó a estudiar trompeta clásica en el Conservatorio G. Verdi de Turín bajo la dirección del Maestro Paolo Russo. Fue seleccionado para la final del 'Premio Abbado 2015', sección de trompeta clásica (ex. Premio Nacional de las Artes).
Obtuvo su diploma de trompeta a los 18 años y, al mismo tiempo, la Maturità scientifica en el Liceo A. Volta de Turín. Actualmente cursa el máster de trompeta de jazz en el 'Conservatorium van Amsterdam' - Holanda.
Paralelamente a sus estudios en el Conservatorio, estudia trompeta jazz en la Filarmonica Jazz Band de Pianezza (To) con el maestro Sergio Chiricosta y piano jazz con el maestro Guido Canavese, gracias al cual, a los 12 años, pudo conocer y tocar con Marcello Rosa, Alfredo Ponissi, Mauro Battisti y Flavio Boltro.
Actualmente está matriculado en el primer año de Composición en el Conservatorio G. Verdi de Torio con el Maestro Giuseppe Elos.
Colaboraciones con orquestas: Orchestra Sinfonica del Conservatorio G. Verdi di Torino (dirigida por M° Giuseppe Ratti y -en una producción- por M° Donato Renzetti); Brass Band del Conservatorio G. Verdi di Torino (dirigida por M° Lorenzo Della Fonte); Participación en la primera interpretación nacional de la Sinfonía nº 3 de Kchachaturian con la Orchestra Vivaldi di Sondrio dirigida por M° Lorenzo Passerini.

Tocó en el Festival de Jazz de Turín y Andora Jazz con la Orquesta Gatsby de Alessandro Muner.
Durante el Festival de Jazz de Turín en 2016 actuó en el escenario principal en Piazza Castello seleccionado durante el taller de la Juilliard School.
Tras su participación en los talleres Juilliard, como parte de la colaboración entre la Juilliard School y el Departamento de Jazz del Conservatorio de Turín (basado en un proyecto del maestro Emanuele Cisi), tuvo la oportunidad de pasar una semana en el Lincoln Centre de Nueva York como invitado de la Juilliard School.
Tocó como invitado del trío manouche Accordi Disaccordi.
Ha actuado en los Festivales de Jazz de Ivrea y Novara.
Actualmente colabora en dos cuartetos de jazz con el baterista Alessandro Minetto y en un septeto con Fabio Giachino, Luca Begonia, Gianni Virone, Paolo Porta, Ruben Bellavia y Davide Liberti.

En verano de 2016 participó en los Umbria Jazz Clinics, donde obtuvo una beca para la Berklee School of Music de Boston y fue seleccionado para abrir el Orvieto Jazz Winter 2016._(countbasie)

El segundo álbum del trompetista de jazz italiano de rápido ascenso, Cesare Mecca, es un bello y misterioso mundo de jazz afrocubano, ¡con trompetas románticas llenas de notas peligrosas!

                                                                                      

                                                                                  

Cesare Mecca - Afro Cuban (2024)

Temas:

01. Rumbola (Dizzy Gillespie)

02. Beautiful Maria Of My Soul (Robert Kraft)

03. Marianela (Arturo Sandoval)

04. Tin Tin Deo (Dizzy Gillespie)

05. Sabor A Mi (Alvaro Carrillo)

06. Historia De Un Amor (Carlos Eleta Almarán)

07. Feelings (Morris Albert)

08. Mambo Inn (Mario Bauzá)

09. Until We Meet Again (Herb Alpert)

Musicos:

Cesare Mecca (Trompeta)

Massimo Faraò (Piano)

Nicola Barbon (Bajo)

Davide Palladin (Guitarra)

Byron Landham (Batería)

Ernesttico (Percusión)

Claudia Zannoni (Voz) 

Paula Morelenbaum - Telecoteco

Regina Paula Martins Morelenbaum nació el 31 de julio de 1962 en Río de Janeiro (Brasil). Es una cantante brasileña.

Junto a su marido Jaques Morelenbaum, destacado chelista y principal arreglista de Caetano Veloso, formó parte fundamental de la banda de Antônio Carlos Jobim entre los años 1984 y 1994,​ en giras por casi todo el planeta. También participó en varias grabaciones de Jobim, como Passarim, Antonio Brasileiro, Tom canta Vinicius.

Además, Paula Morelenbaum fue parte del Quarteto Jobim-Morelenbaum, con su marido Jaques y el hijo y el nieto de Jobim Paulo y Daniel respectivamente.

A comienzos de la década de 1980 destacó en el grupo vocal Céu da boca. Posteriormente, formó el trío Morelenbaum2/Sakamoto, junto a su marido y al compositor y pianista japonés Ryuichi Sakamoto.

En el 2004, Paula hizo un homenaje a Vinicius de Moraes, bajo el nombre Berimbau.​ En 2008, publicó el disco Telecoteco, trabajo con arreglos nuevos de viejos clásicos de la música brasileña._ (wikipedia)

Como sugirió el poeta Vinicius de Moraes, la Bossa Nova era un estado de ánimo, una atmósfera, un estado mental. Pero, ¿cuál fue el camino recorrido por la música brasileña hasta adquirir la fuerza aportada por la Bossa Nova?
Telecoteco se presenta como una especie de ensayo libre sobre la música pop moderna en Brasil. Y digo esto porque el álbum parece moverse por la fuerza de una visión histórica, de puntos de vista críticos, de conceptos. Así, su repertorio surge como una propuesta sobre los fundamentos de la canción de autor brasileña: diversidad de estilos y nacionalidades con apertura a las influencias y a la modernización. En esencia, Telecoteco pone en primer plano la amplitud, el mestizaje, la invención, la sencillez, la sofisticación, lo popular junto a lo clásico y la pasión junto a la ironía.
Desde su título, Telecoteco, (la palabra hace referencia al sonido onomatopéyico de un determinado patrón de percusión) apunta a la samba y su carácter lúdico, inventado por un país urbano y moderno que encontró en este ritmo un lenguaje capaz de traducir su complejidad cultural. El repertorio, que abarca desde finales de los años treinta hasta principios de los sesenta, contiene canciones en las que brillan el carácter fácil de su poética y musicalidad.

La otra referencia fundamental de Telecoteco es la Bossa Nova. La mayoría de sus composiciones son anteriores a esta época y se anuncian como un conjunto de signos que anuncian este estilo musical que encarnará todo el proceso de modernización que vive la música popular de la época. La Bossa Nova de Telecoteco es un estado de ánimo, una atmósfera. Un claro ejemplo de ello es el tema con más sabor a Bossa Nova del disco, «Um cantinho e você», una Samba-Canção grabada originalmente por Dick Farney en 1948, diez años antes de que la Bossa Nova adquiriera su formato rompedor con la guitarra acústica y la voz de João Gilberto.
Telecoteco, con su inteligente y extremadamente bien estudiada selección de canciones, aporta a ambas una dimensión intelectual y conceptual poderosa, dándoles un tratamiento contemporáneo en el que la interpretación, los arreglos y la instrumentación elevan la frescura y la cualidad intemporal de la melodía, la armonía y la letra. Un buen ejemplo es el tratamiento abierto, dinámico y moderno aplicado a una melodía como «O samba e o tango», una deliciosa mezcla de estilos musicales grabada por Carmen Miranda en 1937 en 78 rpm que incorpora la samba, el tango y la bossa nova (el propio término «bossa» aparece en la letra), pero que salta directamente al ámbito de la música electrónica de la pista de baile.

Con vigor y belleza, Telecoteco entrelaza el Choro, el Tango y el Jazz americano (presente en la canción de Gershwin «Our Love is Here to Stay», teñida de latín, que muestra la influencia del musical americano en el vocabulario de los músicos brasileños) y algunas de las variaciones de la Samba: la ágil y delicada, la que va a toda pastilla y la Samba-Canção, que, hasta la aparición de la Bossa Nova, fue el factor modernizador de la composición de canciones de Música Popular.

En Telecoteco, de Paula Morelenbaum, todo viene de la Samba y vuelve a la Samba en términos de fusión y diálogo. Lo que se reafirma es exactamente el hecho de que es un compuesto de lo moderno, lo antiguo y lo contemporáneo, todo ello capaz de asimilar y pisar otros ritmos, lenguajes, modismos y actitudes._ Eucanaã Ferraz

                                                                                              

                                                                                   

Paula Morelenbaum - Telecoteco (2008)

Temas:

01. Manhã de Carnaval (Luiz Bonfá / Antonio Maria) 1959

02. Ñao Me Diga Adeus (Luiz Soberano / Paquito- João Correa da Silva) 1947

03. O Samba e o Tango ( Amado Régis)  1937

04. Love Is Here to Stay (George & Ira Gershwin) 1938

05. Um Cantinho e Voce (José Maria de Abreu / Jair Amorim) 1948

06. Ilusão à Toa ( Johnny Alf) 1961

07. Teleco-teco (Murilo Caldas / Marino Pinto) 1942

08. Sei Lá se Tá ( Alcyr Pires Vermelho / Walfrido Silva) 1940

09. O que / Vier Eu Traço (Alvaiade / Zé Maria) 1945 

10. Você Não Sabe Amar (Dorival Caymmi / Carlos Guinle / Hugo Lima) 1950

11. Ternura Antiga (J. Ribamar / Dolores Duran) 1960

12. Luar e Batucada (Antonio Carlos Jobim / Newton Mendonça)  

Musicos:

Paula Morelenbaum (Voz, coros)

Beto Villares (Bajo, guitarra, keyboards,rhythm programming, viola, voces, coro)

Jacques Morelenbaum (Violonchelo, arreglo coral)

Alexandre Moreira (Arreglista, mezcla, piano, programación rítmica)

Ryuichi Sakamoto, João Donato, David Feldman, Luciano Supervielle (Piano)

Marcos Valle (Voz, Fender Rhodes)

Marcos Cunha (Arreglista, bajo, teclados, programación rítmica, viola)

Nico Rezende, Pepe Cisneros (Fender Rhodes)

Antonella Pareschi, Bernardo Bessler, Daniel Guedes, Ricardo Amado (Violin)

Chico Pinheiro, Gabriel Improta, Jesuina Noronha Passaroto, Luciano Supervielle, Luis Galvão (Viola)

Leo Gandelman (Saxos, flauta, arreglos)

Lula Galvao (Guitarra acústica)

Serginho Machado (Batería)

Antônio Pinto (Bajo, batería, arreglista)

Alberto Continentino (Bajo)

Marcelo Bernardes (Clarinete, flauta)

Nahor Gomes (Fliscorno, trompeta)

Sidnei Borgani, Vittor Santos (Trombón)

Marcello Isdebski Salles, Marcio Eymard Malard (Violonchelo)

João Gaspar (Bandolím)

Juan Campodónico (Arreglista, programación rítmica)

Mauricio Alves, João Parahyba, Sidinho, Marcelo Costa, Sidinho Moreira (Percusión)

Dalmo Medeiros, Chico Adnet (Voces)

DJ Marcelinho da Lua (Arreglista, rogramación rítmica, scratching)

Grabado en Ambulante Estúdio (SP), Zaga Music, Estúdio Corredor 5 y Estúdio Plage (RJ) de junio de 2007 a enero de 2008.

 

Tata Vasquez And His Orchestra - Ecstasy

 

Músico y director de orquesta cubano. Se trasladó a Estados Unidos en la década de 1960.Roberto «Tata» Vázquez (o Vasquez), también conocido simplemente como Tata, que es un apodo. Su álbum «Ecstasy» de 1979, con una portada poco sutil, está por encima de cualquier sospecha de engaño. La percusión fluye, el bajo navega con ella, las secciones de metal de la parte superior se frotan con aceite sucio de máquina, de modo que suenan gordas y resistentes a la abrasión al mismo tiempo.

Súper oscuro jazz latino de Nueva York magníficamente producido por Eddie Drennon del gran éxito disco de principios de los años 1970 "Let's do the Latin Hustle".
Drennon también fue un conocido arreglista y productor en el circuito latino underground y produjo de esta manera, de izquierda y muy diferente al típico lanzamiento de estilo "Salsa" actual en ese momento.
Algunas interpretaciones muy orientadas al jazz además de los sonidos Vox Pop de las calles de "El Barrio" y subyacentes con algo de percusión latina funky y ardiente.
"Suite Guaracha" fue retomada por el grupo London Ibiza en los años 90 y el equipo Ursula 1000 & Gamm Nu-Jazz en los años 2000, tocó en todo el circuito de clubes alternativos pero aún así se las ha arreglado para permanecer fuera del radar desde entonces, pero ahora un elemento básico del sonido mundial que aparece en las listas de reproducción de DJ en los lugares más de moda, desde Tokio hasta Hamburgo, desde Nueva York hasta Barcelona.
Muy diferente de las salidas habituales de la Fania de finales de los 70, lo que podría ser una pista de sus estilos de sonido algo únicos.
Coros funky, arenosos, crudos, gordos de jazz y espeluznantes.
¡Es estrictamente una sala de jazz!_(bandcamp)

 

                                                                            

Tata Vasquez And His Orchestra - Ecstasy (1979 R.2021)

Temas:
01. La Barberia (Felo Barrio)
02. Cool Breeze (Alberto "Panama" Mercado)
03. El Loco (Tommy Sanchez)
04. Maldito Vicio (Tommy Sanchez)
05. Suite Guaracho Part 1 (Eddie Dee)
06. Suite Guaracho Part 2 (Eddie Dee)
07. Orgullo Y Vanidad (Tommy Sanchez)

Musicos:
Tata Vásquez Y Su Orquesta
Félix Santini (Voz principal)
Akua Dixon, Felo Barrio, Ronnie Baro (Coros)
Mauricio Smith (Solista, solos de flauta, saxo tenor y armónica)

Joe Cain & His Orchestra - Latin Explosion

Joseph Caiani. Nacido el 31 de enero de 1929 en Filadelfia, Pensilvania.
El nombre de Joe Cain aparece en bastantes discos de Space Age Pop, pero su principal contribución a la música ha sido como productor más que como intérprete. A pesar de no hablar español, ha sido uno de los productores de música latina más influyentes de América durante más de 40 años.

De niño, Cain se trasladó con su familia al Bronx y se inspiró en el ejemplo de Harry James para dedicarse a la trompeta. Tras graduarse en el instituto, se convirtió en músico profesional, trabajando primero en la sección de metales de la banda latina de Rey Dávila. Tenía un don para la música latina, y su habilidad para leer música a primera vista le permitió conseguir trabajo con algunas de las mejores bandas latinas que tocaban en Nueva York en aquella época, como la de Tito Rodríguez, Marcelino Guerra y Charlie Palmieri. A menudo trabajaba la primera parte de la noche en la orquesta de un espectáculo de Broadway y luego se dirigía a un club para tocar con una orquesta de baile hasta altas horas de la madrugada.
También empezó a arreglar y componer para las bandas con las que tocaba, y buscó a Hugo Montenegro para que le enseñara el arte de los arreglos. Cain reconoció más tarde que la recomendación de Montenegro de «no arreglar demasiado para competir con el cantante» fue el mejor consejo que recibió en su vida.
A mediados de la década de 1950, fue contratado para sustituir al trompetista Al Stewart en la banda de Vicentico Valdés, y Cain y Valdés iniciaron una colaboración que duraría hasta la muerte de Valdés en 1995. Valdés era quizás el mejor baladista latino de la época, y Cain tenía talento para componer arreglos lentos que sacaban el máximo partido a su voz.
A finales de la década, Cain pudo pasar de la interpretación a la producción. Trabajó con diversas discográficas, tanto con las especializadas en repertorio latino, como Seeco y Tico, como con discográficas de pop convencional, como MGM. Sus créditos de principios de los 60 parecen una muestra aleatoria de una copia del catálogo de LPs de Schwann: versiones de temas de Broadway, álbumes que sacan provecho de modas bailables como la pachanga, trabajos con cantantes pop y aspirantes a rock, álbumes instrumentales con su propio nombre, incluso un disco de ejercicios para la revista Modern Screen. Su mejor álbum es probablemente Latin Explosion, una sesión de jazz latino en la que participaron Jerome Richardson, Clark Terry y otros gatitos del jazz convertidos en profesionales del estudio, que se reeditó recientemente en vinilo.

Poco a poco, sin embargo, fue eliminando la palabrería y concentrándose en la música latina. A principios de la década de 1970, trabajaba casi exclusivamente para el sello Tico de Morris Levy, y convenció a éste para que reviviera el sello Alegre Records para dar a conocer a artistas como Eddie Palmieri, pionero de lo que se convertiría en el gran movimiento salsero de la década de 1970. Cain desempeñó un papel decisivo en la producción de algunas de las mejores grabaciones latinas de la época, y habría seguido haciéndolo si Levy no hubiera vendido el sello a un competidor, que rápidamente volvió a desactivarlo.

Desde entonces, Cain ha hecho malabarismos con A&R, la producción, la gestión y otros trabajos musicales: sigue centrado en la música latina, pero también dirige la Red Parrot Orchestra, una big band neoyorquina de swing revival._(spaceagepop)

Joe Caín falleció víctima de cáncer 12 febrero  2007 Ciudad de Nueva York

Uno de los pocos álbumes publicados como líder por el gran Joe Cain -- ¡un maravilloso arreglista latino con un oído realmente loco para el groove! El enfoque de Cain es a menudo bastante entrecortado en los ritmos - cortos, duros y muy, muy agudos - y luego rematados con líneas más dulces y jazzísticas - interpretadas en este disco por Clark Terry a la trompeta, Jerome Richardson al tenor y la flauta, y Frank Anderson al piano y algunas líneas de órgano especialmente bonitas. La percusión es muy intensa, a cargo de José Mangual, Chocolate y Marcelino Valdés, con una vibración muy adecuada a los ritmos, y el apoyo adicional de Cachao al bajo y Herbie Lovelle a la batería. Los ritmos son increíbles, bastante diferentes de todo lo que había en Mainstream Records en aquel momento, e incluso diferentes de la mayoría de la escena neoyorquina, y entre los títulos se incluye el asombroso «It's A Mad Mad Mad Mambo (parts 1 & 2)» (también conocido en otros lugares como «Mambo Au Go Go»), un corte que suena como una especie de loco golpeteo de percusión vanguardista, todo hecho para seguir el ritmo del mambo, con solos de órgano jazzísticos por encima. Otros títulos son «Mungo Mungo Baby», «Pa-Pa Bajo», «Que Paso», «Tanga Pa Katanga» y «Chunga Uhuruh Chunga»._(dustygroove)

                                                                                

                                                                                  

Joe Cain & His Orchestra - Latin Explosion (1960) 

Temas:

01. Tanga, Pa Katanga (Ray Santos) Afro-Montuno

02. Chunga, Uhuruh, Chunga (J. Cain) Mambo Pachanga

03. A Bailar Guajira (Vicentico Valdes-Rene Hernandez) Guajira

04. Wild Horses (Fred Rodriguez) Mambo Stomp

05. It's A Mad, Mad, Mad, Mad Mambo Part 1 (J. Cain) Mad Mambo

06. It's A Mad, Mad, Mad, Mad Mambo Part 2 (J. Cain)) Mad Mambo

07. Que Paso (Vicentico Valdes-Rene Hernandez) Rhumba Jazz

08. Pa-Pa Bajo (J. Cain) Cha-Cha

09. Listen, Dos Trompetas (J. Cain) Mambo Jazz

10. Kenyatta (J. Cain) Afro-Mambo

11. Rio Muni (J. Cain) Bolero Montuno

12. Mungo, Mungo, Baby  (Vicentico Valdes) Woble

Musicos:

Joe Cain (Arreglos y dirección) 

Jerome Richardson ( Saxo tenor, saxo barítono, flauta, piccolo)

Clark Terry (Trompeta) 

Jimmy Nottingham (Trompeta)

Frank Anderson (Piano, órgano)

Herbie Lovelle (Batería)

José Mangual (Bongós)

Alfredo "Chocolate" Armenteros (Congas)

Marcelino Valdés (Timbales)

Israel López «Cachao» (Bajo)

Los Gatos (Coros)

Celio González, Chivarico Dávila, Vicentico Valdés (Coros)

Edward Simon - Latin American Songbook

Edward Simon (nacido el 27 de julio de 1969) es un pianista y compositor de jazz venezolano.Simon nació en Punta Cardón, Venezuela. A los diez años viajó a Estados Unidos para estudiar en la Performing Arts School de Filadelfia. Tras graduarse, asistió a la Universidad de las Artes de Filadelfia, donde estudió piano clásico, y después a la Manhattan School of Music, donde estudió piano jazz.
En 1988, grabó como músico de acompañamiento con Greg Osby, y después trabajó como miembro de la banda Horizon, dirigida por Bobby Watson. Durante los ocho años siguientes fue miembro de la banda de Terence Blanchard. También ha trabajado con Herbie Mann, Paquito D'Rivera, Bobby Hutcherson, Jerry Gonzalez, John Patitucci, Arturo Sandoval, Manny Oquendo y Don Byron. Simon grabó Beauty Within (AudioQuest, 1994), su primer álbum como director de orquesta, con Horacio Hernández y el bajista Anthony Jackson. Ese mismo año fue finalista del Concurso Internacional de Piano Jazz Thelonious Monk. Al año siguiente compuso Rumba Neurótica para el Ensemble Relache.

Formó Ensemble Venezuela en 2003 para combinar el jazz con la música de Venezuela. Recibió un encargo de Chamber Music America para escribir «Venezuelan Suite». Grabó el álbum en 2012 con músicos de Venezuela, Colombia y Estados Unidos.

Simon ha tocado en varios discos de jazz nominados a los Grammy. Además de su trío lidera el Sexteto Venezuela, el Cuarteto Afinidad, y el grupo Simon, Simon, & Simon con sus hermanos. Ha enseñado en la New School for Jazz and Contemporary Music de Nueva York y ha sido artista residente en la Western Michigan University._(wikipedia)

Desde su actual residencia en San Francisco, Edward Simon recuerda la música que marcó su infancia. Una de las ventajas de crecer en Venezuela», escribe en las notas del CD, »fueron las diferentes influencias musicales de todas partes del continente americano y del Caribe. Hay tanta buena música en esta parte del mundo que uno podría dedicar fácilmente un álbum a cada país y no estaría a la altura de hacerle justicia». Por esta razón, el pianista decidió elegir sólo aquellas piezas que le son especialmente queridas, que mantienen una fuerte conexión con los recuerdos de la infancia.
Tras la aclamada grabación de Venezuelan Suite con Ensemble Venezuela, volvemos a encontrar a Simon en el trío de piano más habitual, pero con una nueva pareja. En lugar de John Patitucci al contrabajo y Brian Blade a la batería, que le acompañaban desde 2003, tenemos ahora a Joe Martin y Adam Cruz, dos socios que ya han colaborado con el pianista en varias ocasiones.
Es bien sabido que Simon no es el típico instrumentista latino y filtra las reminiscencias de estas piezas a través de la sensibilidad jazzística y la formación clásica. En este trabajo, se confirma como uno de los mejores pianistas de su generación al interpretar largas y coloristas improvisaciones, donde la impetuosidad del fraseo boppish se diluye en ocasionales abandonos melódicos de impronta latina o clásica.

Temas emblemáticos del tango y la bossa nova como «Libertango» y «Chaga de Saudade» se rediseñan a la luz de un ajustado directo, mientras que otros se impregnan de melancolía, entre la adhesión lírica a las melodías originales y los toques de música de cámara abstracta. Nos referimos en particular a «Alfonsina y el mar» y «Gracias a la vida». El primer tema fue escrito por Ariel Ramírez en memoria de la poeta Alfonsina Storni, fallecida por suicidio, y contiene un conmovedor diálogo con Joe Martin; el segundo pertenece a la gran Violeta Parra y Simón realza su identidad de himno humanista.

«Capullito» y “Volver” son los momentos en los que la síntesis de jazz y rasgos latinos resulta tan personal e imaginativa como siempre: piezas de rico aliento interno, en mágico equilibrio entre dinamismo rítmico y sutilezas tímbrico-armónicas._Angelo Leonardi (allaboutjazz)

                                                                                    

                                                                            

Edward Simon - Latin American Songbook (2016)

Temas:

01. Libertango (Astor Piazzolla)

02. Alfonsina y El Mar (Ariel Ramírez) 

03. Capullito (Rafael Hernández)

04. Volver (Carlos Gardel)

05. Gracias A La Vida ( Violeta Parra) 

06. Chega De Saudade (Antonio Carlos Jobim) 

07. En La Orilla Del Mundo (Martin Rojaz)

Musicos

Edward Simon (Piano)

Joe Martin (Bajo)

Adam Cruz (Batería)

El Comité - Un Domingo En El Teatro Martí

Cada cierto tiempo, la narrativa de la música popular cubana es sacudida por la   emergencia de un inédito colectivo que arranca expresiones de asombro por su caprichosa conformación o por la excelsa calidad de los músicos en su roster. Me vienen a la mente, sin pretensiones de una minuciosa cronología, los ejemplos del Conjunto Matamoros con Benny Moré, Los Amigos, la Orquesta Cubana de Música Moderna, Irakere, NG La banda, Opus 13, Afrocuba, Buena Vista Social Club.

Así, aunque las raíces de su gestación se remontan a dos años atrás y, para variar, no precisamente dentro de nuestras fronteras, este 2019 nos sorprende con la emergencia de El Comité, un septeto conformado nada más y nada menos que por Harold López-Nussa y Rolando Luna en piano y teclados, Rodney Barreto (batería), Yaroldy Abreu (percusión), Gastón Joya (bajo eléctrico, contrabajo), Carlos Sarduy (trompeta), e Irving Acao (saxo tenor). Un verdadero quién es quién del jazz cubano contemporáneo. Basta mirar su historial como músicos de sesión, sus trabajos como artistas en solitario (por solo citar un ejemplo, Harold es parte del catálogo del sello Mack Avenue Records de Quincy Jones), el linaje de las agrupaciones de las que han formado parte o sencillamente su demostrado virtuosismo, que irrumpe con este primer disco titulado de manera nada inocente: Y Qué!? So what, toda una declaración de principios. Es inevitable preguntarse: ¿Estaremos en presencia de un supergrupo?_ Agapito Martínez (magazineampm)

Una pieza de jazz en activo de siete jóvenes cubanos que mezcla afrobeat, funk, jazz latino, baladas, etc.

Por encima de todo, representa la continuidad de la hermosa historia de la música cubana.

La transmisión de la música entre generaciones sigue siendo muy importante en Cuba.

Es esta sólida base la que ha permitido que esta música evolucione a lo largo de las décadas sin olvidar sus raíces.

El Comité rinde homenaje a grandes predecesores como Chucho Valdés, Emiliano Salvador y Gabriel Hernández, así como a figuras importantes del jazz como Miles Davis, pero también a cómo los jóvenes músicos se expresan de diferentes maneras. También establece nuevos sonidos, arreglos y paisajes sonoros. .

A pesar de su corta edad, los más de 15 años que llevan en la escena musical internacional le dan a este álbum una verdadera madurez.

Un combo de la mejor nueva generación de talentos del jazz cubano, El Comité reúne los mejores elementos del jazz y la música afrocubana.

                                                                         

                                                                       

El Comité - Un Domingo En El Teatro Martí (2022)

Temas:
01. Gran Via (Harold Lopez-Nussa)
02. La Gitana (Gastón Joya Perellada)
03. Transiciones (Rolando Luna)
04. Carlito's Swing (Cazrlos Sarduy)
05. Nada Más (Irving Acao)
06. Son a Emiliano (Gabriel  Hernandez- arrg. Rolando Luna)

Musicos:
Harold Lopez-Nussa (Piano, teclados)
Rolando Luna (Piano, teclados)
Rodney Barreto (Batería)
Yaroldy Abreu (percusión)
Gaston Joya (Contrabajo, bajo eléctrico)
Cazrlos Sarduy (Trompeta, fliscorno)

Irving Acao (Saxo tenor y soprano)

Roy Haynes - Togyu

Roy Owen Haynes (13 de marzo de 1925 - 12 de noviembre de 2024) fue un batería de jazz estadounidense. En la década de 1950 recibió el apodo de «Snap Crackle» por su característico sonido de caja y su vocabulario musical. Fue uno de los bateristas de jazz más grabados. A lo largo de más de ocho décadas de carrera, tocó swing, bebop, jazz fusión y jazz de vanguardia. Se le considera un pionero de la batería de jazz.
Haynes dirigió grupos como el Hip Ensemble. Sus álbumes Fountain of Youth y Whereas fueron nominados a los premios Grammy. En 1999 ingresó en el Modern Drummer Hall of Fame.
Haynes nació en el barrio de Roxbury de Boston, hijo de Gustavas y Edna Haynes, inmigrantes de Barbados. Su hermano menor, Michael E. Haynes, se convirtió en un importante líder de la comunidad afroamericana de Massachusetts, colaborando con Martin Luther King Jr. durante el movimiento por los derechos civiles, representando a Roxbury en la Cámara de Representantes de Massachusetts y ejerciendo durante cuarenta años como pastor de la Iglesia Bautista Duodécima. King había sido miembro de la iglesia mientras cursaba su doctorado en la Universidad de Boston.
Haynes debutó profesionalmente en 1942 en Boston y comenzó su carrera profesional a tiempo completo en 1945. De 1947 a 1949 trabajó con el saxofonista Lester Young, y de 1949 a 1952 fue miembro del quinteto del saxofonista Charlie Parker. También grabó con el pianista Bud Powell y los saxofonistas Wardell Gray y Stan Getz. De 1953 a 1958 realizó giras con la cantante Sarah Vaughan y grabó con ella. En la década de 1950 recibió el apodo de «Snap Crackle».
Haynes dirigió bandas, entre ellas el Hip Ensemble.

Jim Keltner y Charlie Watts, de los Rolling Stones, grabaron una canción de homenaje, y apareció en el escenario con la Allman Brothers Band en 2006 y con Page McConnell, de Phish, en 2008. «Parece que la edad le ha pasado de largo», observó Watts. «Tiene ochenta y tres años y en 2006 fue elegido mejor batería de jazz contemporáneo [en la encuesta de los lectores de la revista Modern Drummer]. Es increíble».
Haynes, George Wein's CareFusion Jazz Festival 55, Newport, Rhode Island, agosto de 2009

En 2008, Haynes puso voz a un DJ de la emisora ficticia de jazz clásico Jazz Nation Radio 108.5 en el videojuego de mundo abierto Grand Theft Auto IV. Su último álbum, Roy-Alty, se publicó en 2011..._(wikipedia)

Roy Haynes, Roy Haynes, Roy Haynes, ¡ese Roy Haynes! Después de conocer a Roy durante más de 10 años y tener la oportunidad y el honor de trabajar con él durante casi tres años, todavía digo y oigo a otras personas decir, ese Roy Haynes.

Como toda la gente animosa, elitista, elegante y guapa del centro de Tokio, Roy toca la batería como baila Mr. Bojangles; o, les hace un número a los tambores como boxean Muhammed Ali o Sugar Ray Robinson. Únicos en sus estilos individuales y sin fecha. Roy siempre se ha adelantado a los tiempos en lo que respecta a su instrumento. Además de ser una de las mejores personas que he tenido el placer de conocer, también es muy, muy HIP, ¡ese Roy Haynes! Después de escuchar los sonidos de Roy Haynes lo único que querrás decir es «¡ese Roy Haynes...! Como mi padre y mis hermanos, yo también le quiero._Teruko Nakamura

                                                                              

Roy Haynes - Togyu (1975)

Temas:

01. Azteca (Kenny Barron)

02. Tin Tin Deo (Chano Pozo)

03. Togyu (Bull Fight) (Roy Haynes)

04. Dear Old Stockholm (Stan Getz)

Musicos:

Roy Haynes (Batería y voz)

Richard Davis (Bajo)

Kenny Barron (Piano)

Teruo Nakamura (Percusión)

Grabado el 21 de octubre de 1973 en Sound Ideas, Nueva York

Red Garland - Rojo

Fue el padre de Red Garland, (13 de mayo de 1923, Dallas, Texas, Estados Unidos – Ibídem, 23 de abril de 1984), con 17 años quién le enseñó a tocar el clarinete sin que en su infancia demostrara alguna inclinación por la música. Su verdadera pasión era el boxeo. Tuvo de maestro musical a A. S. Jackson que tampoco supo sacar de él toda su valía. Mas tarde conoció a Buster Smith, y de ahí nació su afición al saxo alto. Sus lecciones con Buster dieron el fruto apetecido por sus padres y consiguió aprender música y a interpretar el blues. Fue en 1947, en su época de alistamiento en el Ejercito norteamericano, cuando empezó a tocar el piano escuchando atentamente los discos de Count Basie y Nat King Cole en los juke-boxes del cuartel.
Empezó a interesarse a fondo por el jazz y estudió a los pianista clásicos del swing, como James P. Johnson, Art Tatum, Teddy Wilson y Count Basie. Paralelamente su afición al boxeo le llevó a disputar algunos combates en el peso welter, donde llegó a disputar 31 combates. En 1944 obtuvo un contrato en el «Rose Room» de Dallas para tocar con la orquesta de quien fue su primer maestro, Buster Smith. Por recomendación de este, Garland fichó en el grupo de Hot Lips Page dando comienzo a partir de ese momento la meteórica carrera de Red Garland como pianista de jazz. Actuó en el Apollo de New York en 1945 y tras la disolución de la orquesta de Page se unió durante seis semanas a la de Billy Eckstine donde coincidió y entabló amistad con Charlie Parker, Dexter Gordon, Dizzy Gillespie y todos los músicos del bebop de aquella época.

Entre 1947 y 1949 fue el pianista del club «Down Beat» de Filadelfia y tuvo la fortuna de tocar en el quinteto liderado por Charlie Parker, con el trompetista, Fats Navarro, el saxofonista tenor, Ben Webster y también con John Coltrane. Su apodo de «Red» le vino como consecuencia de una temporada en la que estuvo con el pelo teñido de rojo. En 1949 es llamado por Coleman Hawkins para ocupar el puesto de pianista en su combo y en ese tiempo coincidió y toco con Lester Young.
En 1956 dejó a Coleman Hawkins y se trasladó a Boston con un contrato para tocar en los famosos clubes de aquella ciudad. «Storyville» y «Haig Hat». En junio de 1955, Miles Davis le invita a formar parte de su quinteto donde coincidió con John Coltrane, Paul Chambers, y Elvin Jones. Durante los cuatro años que Garland estuvo en el quinteto de Miles Davis, se grabaron algunas de las piezas mas representativas de la obra de Miles.

En 1959 decidió formar un trío cuando dejó el grupo de Miles Davis, pero su fracaso fue rotundo y no remontó el vuelo hasta 1966. Red Garland fue uno de los grandes pianistas del jazz de todas las épocas y uno de los grandes de ese instrumento en el jazz moderno._(apoloybaco)

El pianista Red Garland grabó frecuentemente con tríos para Prestige durante la segunda mitad de la década de 1950. En esta grabación (reeditada en CD), Garland, el bajista George Joyner y el batería Charlie Persip cuentan con la colaboración de Ray Barretto a las congas, y el énfasis se pone en el swing enérgico. Garland interpreta baladas como «We Kiss in a Shadow» y «You Better Go Now» a un ritmo más rápido de lo esperado. «Ralph J. Gleason Blues» y el aire latino de “Rojo” son algunos de los temas más destacados de este agradable disco._Scott Yanow (allmusic)

                                                                 

                                                                                 

The Red Garland Trio plus Ray Barretto - Rojo (1961-R2022)

Temas:

01. Rojo (Red Garland) 

02. We Kiss in a Shadow (Rodgers, Hammerstein II)  

03. Darling Je Vous Aime Beacoup (Anna Sosenko) 

04. Ralph J. Gleason Blues (Red Garland) 

05. You Better Go Now (Bickley Reichner, Irvin Graham)

06. Mr. Wonderful (Weiss, Bock, Holofcener) 

Musicos:

Red Garland (Piano)

George Joyner (Contrabajo)

Charlie Persip (Batería)

Ray Barretto (Congas en temas: #1, #3, #4, #6)

Grabado en Hackensack, Nueva Jersey (22 de agosto de 1958)

Pat Thomas - Desafinado

Sorprendentemente, la cantante Pat Thomas está prácticamente olvidada, incluso como parte de la escena de la que fue, demasiado brevemente, un gran talento. En Chicago, donde nació y creció, era la cantante femenina más solicitada por los músicos locales y visitantes, que valoraban su forma de tratar las letras. Pat podría clasificarse como una vocalista de pop-jazz. Tenía un estilo directo y claro mezclado con una lectura sutil de la canción, un sonido vocal cálido, una entonación impecable y un sentimiento sincero del blues.

Tenía sólo 24 años cuando grabó la primera versión en inglés del éxito de la bossa nova, Desafinado, para Verve en 1962; publicado como single de debut con One Note Samba, le valió una nominación a los Grammy. Traspasado a MGM para su publicación, formó parte de Desafinado, el álbum que grabó ese año con algunos músicos notables, como Bud Shank, Laurindo Almeida, Mel Lewis y el arreglista Lalo Schifrin, además de la orquesta. Se vendió bien y dio lugar a un segundo álbum, Moody's Mood, al año siguiente, con orquestas arregladas por Claus Ogerman y varios otros. Con la participación de Johnny Hodges y Hank Jones en algunos temas, demostró que su registro era mucho mayor que su dominio del lenguaje brasileño y confirmó las cualidades de una artista aclamada como «una buena cantante en camino de convertirse en una gran cantante». De alguna manera, eso nunca se materializó; murió, sin ser anunciada, en marzo de 1992._(freshsoundrecords)

                                                                        

                                                                                

Pat Thomas - Desafinado (1962)

Temas:

01. Carnival

02. Desafinado (Slightly Out Of Tune)

03. Baia

04. One Note Samba

05. C'est Si Bon

06. Recado Bossa Nova

07. Could Be

08. I Wish You Love

09. Samba De Orfeu

10. Once Again

11. Soft Nights (E Luxo So)

12. To Welcome The Day

Musicos, en temas #01, #03, #04 y #10:

Pat Thomas (Voz)

Lalo Schifrin (Orquesta dirigida y arreglos)

Paul Horn (Flauta)

Laurindo Almeida (Guitarra)

Buddy Clark (Bajo)

Mel Lewis (Batería)

Frank Guerrero y Jack Del Rio (Percusión)

6 violines, 2 violas y 2 ​​violonchelos

Grabado en Los Ángeles, el 1 de octubre de 1962

Musicos, en temas #02, #05, #09, #11 y #12:

Pat Thomas (Voz)

Lalo Schifrin (Orquesta dirigida y arreglos)

Bud Shank (Flauta)

Laurindo Almeida y Al Hendrickson (Guitarras)

Buddy Clark (Bajo)

Mel Lewis (Batería)

Frank Flynn (Baquetas)

Frank Guerrero y Jack Del Rio (Percusión)

6 violines, 2 violas y 2 ​​violonchelos

Grabado en Los Ángeles, el 2 de octubre de 1962

Spanish Harlem Orchestra - Imagenes Latinas

Cualquier álbum dedicado en parte a los difuntos hermanos González -Andy, cuyas líneas de bajo rebotaban con un profundo sabor latino, y su hermano Jerry, trompetista y percusionista con estilo- tiene un listón de oro que alcanzar, e Imágenes Latinas de la Spanish Harlem Orchestra lo consigue y mucho más. Cada una de las 11 pistas está impregnada de ritmos alegres, que requieren una gran disciplina para no saltar del asiento y dar unos pasos privados de salsa, mambo o chachachá. «Llego La Hispánica», compuesta y arreglada por el pianista Oscar Hernández (también productor del álbum) es un ejemplo febril de la manera que

tiene el conjunto de conjurar el ritmo de González, y esto se hace aún más evidente en “Mambo 2021”, donde la flauta de Jeremy Bosch se mezcla maravillosa y alternativamente con los licks del saxo barítono de Mitch Frohman. Las trompetas de Alex Norris y Manuel «Maneco» Ruiz contribuyen con interludios brillantes y chisporroteantes que llevan la canción a otro nivel de intensidad. Y luego el solo de piano de Hernández aumenta con gusto una pista que rebosa imágenes de un paseo veraniego por el este de Harlem. «Como Te Amo» ralentiza el ritmo, y la vocalización, a cargo de Marco Bermúdez, Carlos Cascante y Bosch, es tan armónica como los instrumentos._Herb Boyd (downbeat) 

         

                                                                               

Spanish Harlem Orchestra - Imagenes Latinas (2022)

Temas:
01. Llegó la Hispánica
02. Imágenes Latinas
03. Vestido de Flores
04. De mi para tí
05. Romance Divino
06. Como te Amo
07. Mambo 2021
08. Sentimiento y Son
09. Cuando la Hispánica Toca
10. Mi Amor Sincero
11. La Música Latina

Musicos:
Oscar Hernández (Piano y director musical)
Marco Bermúdez (Voz y coro)
Carlos Cascante (Voz y coro)
Jeremy Bosch (Voz, coro, flauta)
Manuel "Maneco" Ruiz (Trompeta)
Alex Norris (Trompeta)
Doug Beavers (Trombón)
Juan Gabriel Lakunza (Trombón)
Mitch Frohman (Saxo barítono, flauta travesera)
Jerry Madera (Bajo)
Luisito Quintero (Timbales, maracas, güiro)
George Delgado (Congas)

Jorge González (Bongos)

Conrad Herwig - The Latin Side of Mingus

El trombonista de jazz neoyorquino Conrad Herwig está considerado uno de los músicos de jazz
más completos del mundo, tanto en el campo de la interpretación como en el de la enseñanza del jazz, además de contar con numerosos créditos como compositor y arreglista.  Hasta la fecha, ha publicado 20 grabaciones como líder, además de participar en cerca de 200 sesiones de grabación con algunos de los artistas más notables del jazz.  Ha tocado y grabado con Miles Davis, Joe Henderson, Eddie Palmieri, Tito Puente, Frank Sinatra, Joe Lovano y Tom Harrell, entre muchos otros.   

Nacido el 1 de noviembre de 1959 en Lawton (Oklahoma), Herwig forma parte del Salón de la Fama del Jazz de ese estado.  Pasó sus años de formación musical en Hawai bajo el aura del trombonista Trummy Young, icono del jazz, y se graduó en el Punahou High School. El talentoso trombonista estudió después en la Universidad del Norte de Texas, donde formó parte de la famosa One O'Clock Jazz Lab Band. Más adelante en su carrera completaría sus estudios en el Goddard College de Plainfield, Vermont, donde se licenció en etnomusicología afrocaribeña.  Los estudios formales de Herwig concluyeron con un máster en estudios de jazz en el Queens College, una rama de la City University de Nueva York..._(allaboutjazz)

El trombonista Conrad Herwig, miembro clave del grupo La Perfecta II de Eddie Palmieri desde principios de la década de 2000, así como antiguo y actual miembro de la Mingus Big Band, lleva realizando homenajes con temática de jazz latino a iconos del jazz desde The Latin Side of John Coltrane, nominado a los Grammy en 1996. Este homenaje a Charles Mingus, alimentado por la clave, combina dos aspectos paralelos de su extraordinaria carrera. Herwig, un técnico superior en su instrumento, que muestra en solos estelares en las interpretaciones salseadas de «Boogie Stop Shuffle», «Gunslinging Bird» y «Better Get Hit in Your Soul» de Mingus, también se beneficia enormemente de la apretada sección rítmica del pianista Bill O'Connell, el bajista Luques Curtis, el batería Robby Ameen y el conguero Camilo

Molina, que colectivamente impulsan estos temas con mucho fuego. Otros solos destacados incluyen el ataque de notas altas del trompetista Randy Brecker en «Boogie Stop Shuffle» y el intercambio a tres bandas sobre un groove de son montuno entre Herwig, Brecker y el saxofonista Craig Handy en una acelerada «Hora Decubitus». El trompetista habitual de la Mingus Big Band, Alex Sipiagin, también brilla en una versión cha cha cha de «Goodbye Pork Pie Hat» y en una hermosa versión bolero de «Duke Ellington's Sound of Love», en la que destaca su radiante fliscorno._(theabsolutesound)   

                                                                                   

Conrad Herwig - The Latin Side of Mingus (2022)

Temas:
01. Gunslinging Bird (Arreglos-Conrad Herwig)
02. Boogie Stop Shuffle (Arreglos-Bill O'Connell)
03. No Dejes Que Pase Aqui (Don't Let It Happen Here) (Arreglos-Conrad Herwig, Howard Johnson)
04. Goodbye Pork Pie Hat (Arreglos-Bill O'Connell, Conrad Herwig)
05. Hora Decubitus (Arreglos-Conrad Herwig)
06. Duke Ellington's Sound Of Love (Arreglos-Marc Stasio)
07. All The Things You Could Be By Now If Sigmund Freud's Wife Was Your Mother (Arreglos- Bill O'Connell)
08. Better Get Hit In Your Soul (Arreglos-Bill O'Connell)

Musicos:
Conrad Herwig  (Trombón, lider)
Randy Brecker (Trompeta)
Alex Sipiagin (Trompeta, fliscorno #6)
Craig Handy (Saxo tenor #1,2,5-8, flauta #4, clarinete bajo #3)
Bill O'Connell (Piano, Fender Rhodes #6)
Luques Curtis (Bajo)
Robby Ameen (Batería)
Camilo Molina (Congas)
Ruben Blades (Narración #3)

Grabado en Trading 8s Recording Studio, Paramus, NJ.