Tito Rodriguez - Tito Rodriguez At The Palladium

Pablo Rodríguez Lozada (Santurce; 4 de enero de 1923; - Nueva York; 28 de febrero de 1973), más conocido artísticamente como Tito Rodríguez, fue un cantautor, músico y director de orquesta puertorriqueño.
Pablo “Tito” Rodríguez nació en Santurce, Puerto Rico fue el sexto de los ocho hijos del matrimonio formado por el puertorriqueño de San Sebastián José Rodríguez Fuentes y la cubana de Holguín Severina Lozada Aguilera. Desde su infancia, mostró gran interés en la música y ya en su niñez organizó e integró el conjunto Sexteto Nacional, junto a su amigo desde ese tiempo, el músico Mariano Artau. Luego, a los 13 años integró el "Conjunto Típico Ladí", también denominado "Conjunto de Industrias Nativas" que dirigía el músico Ladislao Martínez, con la cual grabó junto a Rafael Castro, también integrante del grupo, su primer tema, la danza "Amor perdido", de la autoría de Martínez en 1939 para RCA Victor. Ese año, se vincula al grupo "Cuarteto Mayarí" junto con los guitarristas Manuel Jiménez y Francisco "Paquito" Sánchez y el trompetista Plácido Acevedo, quien fungía como director del grupo. Tito tocaba las maracas y hacía la segunda voz en el conjunto, experiencia que nunca fue grabada pues permaneció solo cuatro meses con el grupo.

La isla de Puerto Rico pasaba en ese momento por una situación económica difícil influenciada por la Gran Depresión estadounidense; por lo que Tito escribió a su hermano, el músico y cantante Juan de Capadocia Rodríguez Lozada, conocido artísticamente como Johnny Rodríguez, quien residía en Nueva York desde 1935, expresándole su deseo de marcharse. Había concluido sus estudios de bachillerato y sus padres habían fallecido, lo que precipitó su partida..._(wikipedia)

El álbum "Live at the Palladium" de Tito Rodríguez te ofrece una experiencia única e inolvidable, como si estuvieras en primera fila, de una gran actuación grabada hace 60 años en este palacio de la música latina.

En 1960, Tito Rodríguez y su orquesta seguían en la cima de su carrera. Decidieron grabar este álbum en octubre de ese año. Esto ocurrió casi al mismo tiempo que el entonces senador John F. Kennedy se enfrentaba a una dura contienda presidencial contra el vicepresidente en funciones, Richard Nixon. La carrera de Tito había despegado en los años 50, ¡y quería comenzar los 60 con fuerza!

"Live at the Palladium" incluye 10 canciones: cinco de lo que hoy llamaríamos salsa (aunque el término aún no se había acuñado) y cinco de jazz latino. Estas últimas contaron con la magnífica orquesta de Tito, que incluía a un joven Eddie Palmieri al piano.

Muchos de los aficionados a la salsa de hoy reconocerán dos canciones emblemáticas de Rodríguez: “Mama Güela” y “El Sabio”. Los seguidores del jazz latino no pueden perderse la popular “Satín y encaje”.

Prueba de la popularidad del álbum fue que Tito grabó uno similar, «Tito Rodríguez regresa al Palladium en vivo», al año siguiente (1961).

Humberto Ramírez dedicó uno de sus programas musicales semanales en Facebook Live a este álbum. Hizo un trabajo fantástico, como siempre. Pero este programa en particular me hizo comprender la importancia de esta grabación._Hector Aviles (latinomusiccafe)

                                                                               

                                                                        

Tito Rodriguez - Tito Rodriguez At The Palladium - Live! Performance (1960)

temas:
01. Satin And Lace (Phil Sunkel)
02. Mama Guela (Tito Rodriguez)
03. Te Comiste Un Pan (Rosendo Ruiz Jr.)
04. Liza (George & Ira Gershwin)
05. El Monito Y La Jirafa (Rosendo Ruiz Jr.)
06. El Pollo De Carlitos (Carlos Rigual)
07. Double Talk (Phil Sunkel)
08. El Sabio (Tito Rodriguez)
09. Miedo Al Cha Cha Cha (Rosendo Ruiz Jr.)
10. El Mundo De Las Locas (Aaron Sachs)

Edición original de 1960 en mono de alta fidelidad con portada laminada y un vinilo de más de 180 gramos. Grabado en directo en el antiguo club nocturno Palladium, en la esquina de la calle 53 y Broadway, en Nueva York.

Massimo Faraò Afro Cuban Quintet (Live at Chiara Recording Torino, Italy - Ferrara, December 18th 2021)

Massimo Faraò (nacido el 16 de mayo de 1965 en Génova) es un pianista de jazz italiano.Massimo Faraò estudió con Flavio Crivelli y colaboró ​​con músicos de la zona de Génova, en particular con el bajista Pietro Leveratto. En 1993, visitó Estados Unidos por primera vez, donde, entre otros, tocó con Red Holloway y Albert Heath en una gira por la costa oeste. Ese mismo año, fundó el taller “We Love Jazz”, un evento internacional de música jazz.
Su álbum debut, For Me, fue lanzado en 1993 por Splash; entre sus compañeros de banda se encontraban el trompetista Flavio Boltro y el bajista Aldo Zunino, el pianista Dado Moroni al bajo y Gianni Cazzola a la batería.
En 1994, Massimo Faraò firmó con Monad Records en Nueva York, donde grabó el álbum Ciao Baby (1995). Ese mismo año, se convirtió en pianista y director musical de la banda de Shawnn Monteiro, con Keter Betts y Bobby Durham.

A lo largo de la década de 1990, trabajó, entre otros, con Tony Scott y Jesse Davis; participó en varias giras europeas con el Quinteto de Nat Adderley, con Antonio Hart, Walter Booker y Jimmy Cobb.
En 2001, se unió al cuarteto Just in Time de Archie Shepp, con Wayne Dockery y Bobby Durham. De 2001 a 2005, Faraò fue director artístico de la división de jazz del sello Azzurra Music.
En 2003, fue invitado al Festival de Piano Jazz de Lucerna; en noviembre de 2004, tocó en Japón. En 2006, grabó un álbum con composiciones de Ennio Morricone. En 2007, realizó una gira por Europa y Estados Unidos en trío con Joey DeFrancesco.
Desde 2014, ha actuado y grabado discos anualmente en Estados Unidos con numerosos artistas

de jazz de la Costa Este, entre ellos Ron Carter, Jimmy Cobb, Philip Harper y Louis Hayes. Gracias al estilo interpretativo que desarrolló a través de sus colaboraciones con músicos internacionales, Massimo Faraò ha sido apodado "el pianista italiano más auténtico".
El cuarteto Afro Cubano se formó en 2017, integrado por Massimo Faraò, Nicola Barbon, Roberto Bobo Facchinetti y el percusionista Ernesttico, con quienes grabó los álbumes Blue Bossa (2017) y Ladies in Mercedes (2020) para el sello japonés Venus Record._(wikipedia)

                                                                                        

                                                                              

Massimo Faraò Afro Cuban Quintet (Live at Chiara Recording Torino, Italy - Ferrara, December 18th 2021) (2022)

Temas:

01. Congalegre

02. Theme from M.A.S.H 

03. That's My Kick

04. And Then She Stopped 

05. Amapola

06. Five O' Clock Whistle

07. Ciao ciao

08. Home Cooking

09. Estrellita

10. Misty 

11. Song to Elitha

12. The Shadow of Your Smile

13. When a Man Loves a Woman

Musicos:

Massimo Faraò (Piano)

Davide Palladin (Guitarra)

Nicola Barbón (Bajo)

Roberto "Bobo" Facchinetti (Batería)

Ernesttico (Congas, percusión)

Orquesta Mayómbe - Con El Ritmo Del Tambo

En los últimos años, Paul Murphy no solo ha reeditado varias joyas raras del jazz dance y fusión a través de su sello Jazz Room Records, sino que también ha lanzado grabaciones esenciales y poco comunes de música latina bailable, incluyendo Ecstasy de Tata Vásquez, Denga con Robin Jones y El Maja. Esta primavera, el sello británico reeditará el álbum de 1981 Con El Ritmo Del Tambó del supergrupo neoyorquino Orquesta Mayombe.
Con una big band de 21 músicos liderada por Chico Álvarez, la sesión también incluye al legendario trompetista Alfredo “Chocolate” Armenteros, los vocalistas José Mangual y Mauricio Smith, el percusionista Orestes Vilato (de los Fania All-Stars) y una impresionante y extensa formación de numerosos músicos de viento y percusionistas adicionales. De principio a fin, este disco de 10 temas es puro ritmo latino que captura brillantemente el sonido underground clásico del barrio neoyorquino de los años 60 y 70. Algunos de los temas más destacados del álbum son "Esa Brujería", "Piñeiro", "Rumba En El Solar" y "Cuba Y Africa Son".
Cabe destacar también la excelente calidad de sonido de esta reedición, remasterizada a partir de las cintas maestras originales.
En definitiva, este es jazz afrocubano en su máxima expresión. Si este disco no te hace bailar, quizás deberías revisarte el pulso. ¡Altamente recomendado!
La reedición de Jazz Room Records de "Con El Ritmo Del Tambó" de la Orquesta Mayombe se lanzo oficialmente el 28 de abril de 2023._(beatcaffeine)

EL TAMBOR. Desde los bohíos y barracones de esclavos....desde los famosos solares habaneros....hasta los teatros salones más lujosos del mundo, la historia del ritmo cubano siempre estuvo ligada a la de su creador....el negro!

El Tambor- En 1936, se escucharon por primera vez tos tambores batá fuera de los templos religiosos. Una década después, repicaban sus cueros junto a una orquesta sinfónica en la ciudad de Paris. Al mismo tiempo, la sonoridad del tambor de barril,

o tumba, interpretada por el pionero afrocubano Chano Pozo, recorría por los pueblos de América, y, por mediación del músico afroamericano Dizzy Gillespie, se dio a conocer como conga drum. Se le llamo así erróneamente, pues se utilizaba la palabra conga para denominar el ritmo afrocubano de comparsa, que el turista americano llego a conocer como the konga (la conga) y se identificó con el artista de televisión Desi Arnaz.

El Tambor- objeto de veneración y culto, interprete de nuestras deidades africanas, perseguido por las autoridades racistas, los golpes de sus parches han narrado el dificil camino del negro en nuestros tiempos.

Hoy día, el tambor goza de una inmensa popularidad. Esto se debe mucho a la emigración en los últimos 30 años de varios grupos de la región del Caribe, particularmente de Cuba, Puerto Rico, Haití y Republica Dominicana.

El Tambor- rey de nuestros  instrumentos musicales....desde el antiguo son al mozambique, de la rumba de solar al guaguancó....hasta lo que actualmente llamamos salsa, el tambor repite la sabrosura de su tumbao inigualable....escucha! Tambo Djuka ....Tambo Batá ....Tambo de Fundamento, Tambo Arará.... cucha el eco del tambo! _(De las notas originales del disco)

                                                                              

                                                                       

Orquesta Mayómbe Canta Chico Alvarez - Con El Ritmo Del Tambó (1981-R.2023)

Temas:

01. El Eden De Los Roncos (Ignacio Piñeiro)

02. Piñeiro (Chico Alvarez)

03. Esa Brujeria (Justo De La Torre)

04. Raices Cubanas (Chocolate Armenteros, Xavier Lynch)

05. Yo Tengo A Chango (Baby Gonzalez, Chico Alvarez, D.R.)

06. Chino's Yambu (D.R., Victor Trias)

07. Rumba En El Solar (Eric Salgado)

08. La Confianza, Pongan Atencion, La Mulata Encarnacion (Chico Alvarez, D.R.)

09. Cuba Y Africa Son (Chocolate Armenteros, Xavier Lynch)

10. Con El Ritmo Del Tambo (Chico Alvarez)

Musicos:

Chico Alvarez (Primera voz, Coros, tumbadora, claves, maracas, güiro, palos)

Hector torres (Timbales, bombo)

James "Mingo" Lewis (Tumbadora, sugunda, quinto)

Oreste Vilato (Claves, palos, cencerro, coro, bombo)

Tony Cruz (Bongó, cencerro)

Hiran Diaz (Tumbadora, quinto)

Rogelio Squitero (Chékere)

José Mangual Jr. (Coro)

Mauricio Smith (Coro)

Felo Barrio (Coro)

Ronnie Baro (Coro)

Eduardo Fortunato (Coro)

Oscar Hernandez (Piano acústico)

Victor "Chino Trias (Tres)

Eddie "Guagu" Rivera (Bajo)

Alfredo "Chocolate" Armenteros (Trompeta, fluglehorn)

Harol Woods (Trompeta)

José Rodriguez (Trombón)

Xavier "Quinn" Lynch (Saxo soprano, saxo Barítono)

George Dibby (Solo de guitarra "Piñeiro)

 

Luiz Bonfá - Amor! The Fabulous Guitar of Luiz Bonfá

Luiz Floriano Bonfá (17 October 1922 – 12 January 2001) was a Brazilian guitarist and composer. He was best known for the music he composed for the film Black Orpheus.

Luiz Floriano Bonfá was born on 17 October 1922, in Rio de Janeiro. His father was an Italian immigrant. He began studying with Uruguayan classical guitarist Isaías Sávio [pt] at the age of 11. These weekly lessons entailed a long, harsh commute (on foot, plus two and a half hours on train) from his family home in Santa Cruz, in the western rural outskirts of Rio de Janeiro, to the teacher's home in the hills of Santa Teresa. Given Bonfá's extraordinary dedication and talent for the guitar, Sávio excused the youngster's inability to pay for his lessons..._(wikipedia)

Eso es la música brasileña. En unas pocas líneas inolvidables, el poeta Olavo Bilac destaca aquí los orígenes exóticos de la música popular de su país natal: una embriagadora mezcla de elementos indígenas, portugueses y africanos. En esa mezcla, el todo se ha convertido en mucho más que la suma de sus partes. En el subcontinente brasileño se ha desarrollado una música propia y de gran calidad que solo rinde un respeto simbólico a su pasado. De principio a fin, es un logro brasileño. Junto a su herencia étnica, este mismo Brasil cuenta con una tradición centenaria de apoyo entusiasta a la ópera italiana y, más recientemente, ha incorporado el jazz estadounidense a su repertorio.

Hay que tener todo esto en cuenta para apreciar a Luiz Bonlull. Su música refleja una experiencia increíblemente amplia. «Indian DanaJ» rinde homenaje a los habitantes originarios de Brasil, esos indígenas dotados de un gran talento musical que la avalancha de la civilización ha empujado hacia los rincones más recónditos de la selva. «Old Times» es un choro, un género musical con profundas raíces en el pasado, pero tan popular como siempre en el Brasil actual. Arabesque evoca a las elegantes bailarinas de Iberia. Marajó, Island Of Trindade y Carnival están marcadas por los ritmos que trajeron a Brasil los esclavos africanos.

Y, sin embargo, otras piezas de este álbum constituyen una sofisticada mezcla de música folclórica con música de salón europea y jazz estadounidense.

Luiz Bonfá nació en Río de Janeiro y ha pasado allí la mayor parte de su vida. A los 12 años comenzó a estudiar la guitarra española, el «instrumento nacional», por así decirlo, dada su popularidad. Hasta hace cincuenta años, nadie se tomaba en serio la guitarra en Brasil; era lo que se buscaba en los cabarets y en las fiestas callejeras, y poco más. La guitarrista de fama mundial Olga Coelho ha escrito, por ejemplo, que hace apenas unas décadas, cuando dio su primer concierto formal en Río de Janeiro, su padre consideró que, al hacerlo, se había deshonrado.

Los serios esfuerzos de músicos como Heitor Villa-Lobos e Isaías Savia, el gran maestro de la guitarra clásica con quien Bonfá estudió durante varios años, llevaron a los brasileños a darse cuenta por fin de que la guitarra es un instrumento ideal para la expresión del genio musical brasileño, ya sea en sus formas populares o en las serias. Hoy en día, todos los compositores destacados de Brasil escriben obras originales para ella, y en los conservatorios de música se pueden cursar estudios de guitarra a la altura de los de cualquier otro instrumento virtuoso.

Las primeras actuaciones públicas de Luiz Bonfá tuvieron lugar en conciertos ofrecidos en Río de Janeiro por alumnos de Isaías Savia. Bonfá se enorgullece enormemente de su vínculo con la tradición de la guitarra clásica, como queda patente, por ejemplo, en su propia composición «Preludio», que puede escucharse en esta grabación. Sin embargo, en los últimos años, Bonfá ha explorado otros ámbitos musicales con el fin de ampliar su abanico expresivo. A los 18 años ya tuvo oportunidades para poner programas de música popular en la radio. También empezó a destacar su talento para componer canciones populares. A día de hoy, cuenta con más de 100 canciones publicadas. «Perdido Amor» y «De Cigarro em Cigarro» son quizás las más conocidas. El repertorio de Bonfá en sus conciertos se compone ahora casi en su totalidad de composiciones propias.

Tras haber tocado en todos los clubes más importantes de Río de Janeiro, Bonfá decidió a finales de 1937 venir a Estados Unidos por un tiempo. Poco después de su llegada, conoció a Mary Martin en un cóctel. Al oírle tocar, ella se entusiasmó tanto que le pidió que se uniera a ella como artista destacado en una gira de conciertos que iba a emprender en septiembre de 1958 y que se prolongaría hasta la primavera de 1959. Los conciertos de Martin estaban concebidos como veladas informales y agradables de relajación musical, y las tranquilas y hermosas canciones que componen el repertorio de Bonfá contribuyeron enormemente a su éxito. Muchas de las selecciones más populares que Bonfá interpretó en estos conciertos (Bagpipes, Marajo, Preludio) se incluyen aquí.

Los estadounidenses que escucharon a Bonfá quedaron asombrados por la variedad de efectos técnicos y cromáticos que producía con su guitarra. «Marajo» podría considerarse un ejemplo especialmente espectacular. Se trata de un solo de guitarra, pero suena como si tuviera toda una batería de percusión detrás de él. La ilusión de timbales y bongos de fondo se consigue golpeando la madera del propio instrumento. Obsérvese también cómo alterna pasajes estridentes y resonantes con otros de tonalidad más relajante, como si se tratara de dos instrumentos en un diálogo violento.

La gaita fue uno de los elementos más populares de los conciertos. Bonfá logra una auténtica proeza al recrear de forma realista con su instrumento el gemido de las gaitas y el traqueteo de los tambores, atenuándolos hacia el final, como si las tropas hubieran desaparecido tras una colina. Sin embargo, la guitarra no es un instrumento de relleno para Bonfá. Tampoco se impone en la escena con nada que no sea del mejor gusto. En algo tan íntimo como Nelly, un tierno vals escrito para su esposa, estoy seguro de que somos nosotros quienes nos entrometemos en su intimidad.

Durante su estancia en Estados Unidos, Bonfá exploró con entusiasmo nuestra música. El jazz, en particular, le fascinaba profundamente. Con el tiempo, también llegó a conocer bastante bien a muchos músicos de jazz estadounidenses. George Back In Town rinde homenaje a su afecto por George Shearing y le hace un guiño al capturar algo del sonido impresionista del grupo de Shearing. La versatilidad musical de Don Elliott impresionó a Bonfá y le llevó a pedirle que participara en algunas de las grabaciones de este álbum. El auténtico sentimiento jazzístico de I'll Remember April y Lonely Lament, de Bonfá, sugiere que alguien podría formar un combo de jazz muy eficaz en torno a este magnífico brasileño.

Brasil ha sido un crisol de muchas culturas y su música lo refleja, al igual que la nuestra. Esto le aporta color y fuerza. Su música es muy sincopada, como el jazz, y, al igual que este, permite y fomenta la improvisación. No es de extrañar, pues, que Bonfá se haya integrado con tanta facilidad en nuestro círculo musical; y qué maravilla para nosotros que este LP nos permita explorar a fondo el suyo. _Gary Kramer (De las notas originales del disco)

                                                                                            

                                                                                            

Luiz Bonfá - Amor! The Fabulous Guitar of Luiz Bonfá (1959-R.2001)

Temas:

1. Brasília (Luiz Bonfá)

2. I'll Remember April (Gene de Paul / Don Raye / Patrícia Johnston)

3. Lonely Lament (Luiz Bonfá)

4. Manhã de Carnaval (Luiz Bonfá / Antônio Maria)

5. George Back In Town (Luiz Bonfá)

6. Blue Madrid (Luiz Bonfá)

7. Island Of Trindade (Luiz Bonfá)

08. Old Times (Velhos Tempos) (Luiz Bonfá)

09. Marajo (Luiz Bonfá)

10. Indian Dance (Luiz Bonfá)

11. Nelly (Luiz Bonfá)

12. Preludio (Luiz Bonfá)

13. Yesterdays (Jerome Kern / Otto Harbach)

14. Bagpipes (Luiz Bonfá)

15. Arabesque (Luiz Bonfá)

Musicos:

Luiz Bonfá (Guitarra)

Don Elliott (Melófono, vibráfono, triángulo)

Tommy Lopez (Bongos y congas)

Ralph Freundlich (Flauta)

Bobby Sanabria - Tito Puente Masterworks Live!!!

Si la comunidad del jazz latino tuviera su propio Monte Rushmore, el rostro de Tito Puente estaría allí, justo al lado de las imágenes de Machito y Mario Bauza. Los tres son considerados patriarcas o figuras clave en la evolución del movimiento musical afrocubano y, a pesar de que Puente es el único no cubano de esa lista, el propio Bauzá le hizo el mayor de los elogios al afirmar que "nadie en el mundo ha hecho más por la música afrocubana que Tito Puente". Aunque los tres ya han dejado este mundo, su música permanece, y el percusionista Bobby Sanabria, el máximo defensor de la música afrocubana, se está asegurando de que llegue al gran público.
Sanabria se ha convertido en una especie de Wynton Marsalis para el mundo del jazz latino, defendiendo las virtudes y la historia de esta música en documentales emitidos por la PBS, actuando en diversos escenarios de gran relevancia y formando a la próxima generación de músicos con su experiencia y conocimientos del mundo real. En su faceta de educador, Sanabria ejerce como director de la Orquesta de Jazz Afrocubano de la Escuela de Música de Manhattan, pero no se trata de una simple banda universitaria. Esa frase tiene un tono apologético, y esta banda no tiene nada de qué disculparse. Sanabria presentó por primera vez al público una encarnación anterior de este explosivo conjunto cuando rindió homenaje a Machito y Bauzá con Kenya Revisited (Jazzheads, 2009), y en esta grabación centra su atención en la obra de Puente.

La energía y la pasión desempeñan un papel fundamental en esta música, y los ritmos que invitan a bailar siempre están presentes en el fondo. Los metales suenan con tanta fuerza como cualquier otra sección, lanzando acordes volcánicos capaces de descascarillar la pintura de las paredes, lo que sirve para demostrar el entusiasmo de Sanabria por el tema en cuestión, que se contagia claramente a todos los miembros de la banda. Los solos abundan en muchas de las piezas y, aunque los miembros de la banda ponen su corazón y su alma en este repertorio ardiente, algunos destacan más que otros. Norman Edwards demuestra ser una doble amenaza, ofreciendo elegantes líneas de vibráfono («Autumn Leaves») y un dinámico trabajo a la batería («Mambo Beat») con igual destreza, y el saxofonista barítono Michael Sherman hace saltar el techo cada vez que se pone al frente («Mambo Beat» y «Cuban Nightmare»). Paul Stodolka y Anthony Stanco interpretan constantemente a la perfección el papel audaz y vigoroso de la trompeta, mientras que cada miembro de la sección de saxofones está en plena forma en «Cuban Nightmare».

Aunque «Tito Puente Masterworks Live!!!» es un magnífico homenaje al gran Tito Puente, va más allá de una mera repetición de su repertorio. Sanabria y sus jóvenes compañeros de escenario han invocado el espíritu mismo de Puente al dar un toque vibrante a temas clásicos de su catálogo._Dan Bilawsky (allaboutjazz)

                                                                   

                                                                                   

Bobby Sanabria, Manhattan School Of Music Afro-Cuban Jazz Orchestra - Tito Puente Masterworks Live!!! (2011)

Temas:

01. Intro / Elegua Chango 

02. Picadillo 

03. Bohemia (Birdland) After Dark 

04. Autumn Leaves 

05. Cuban Nightmare 

06. Mambo Buddha 

07. Ran Kan Kan 

08. Alegre Cha-Cha-Cha 

09. Ritual Fire Dance 

10. Yambeque 

11. Me Acuerdo De Ti 

12. Mambo Beat 

13. Mambo Adonis 

Musicos:

Bobby Sanabria (Director, vibráfono y marimba #2, batería #3, #4 y #11, timbales #12, bombo #13, coros)

Daniel Jamieson (Saxo soprano y alto)

Jonas Ganzemuller (Saxo alto)

Alex Lopez, Benjamin Britton (Saxo tenor)

Michael Sherman (Saxo barítono)

Blake Martin (Trompeta)

Paul Stodolka (Trompeta)

Anthony "Stank" Stanco (Trompeta)

Justin Walter (Trompeta)

Tim Vaughn (Trombón)

Sam Bittner-Baird (Trombón)

Luke Malewicz (Trombón)

Frank Cohen (Trombón bajo)

Christian Sands (Piano)

Alex Salwach (Contrabajo)

Norman Edwards (Batería excepto #3, #4 y #11, vibráfono #3, #4 y #11)

Eddy Hacket (Timpani #9,#11,#13, bongó/cencerro #3,#4,#6, güiro macho #8, maracas #1, chekeré #1,#9,#13, clave #7, coros)

Danny Robbins (Maracas #2,#4,#5,#7,#12,#13, gong #6, clave #8-11, chekeré #1, coros)

Obanilú Allende (Bongó/cencerro #2,#5,#11,#13, congas #7,#11,#12, cencerro#1, chekeré #9, coros)

Jake Goldbas (Congas #2-4,#6,#9,#11, caja #1, timbales #8, clave #13, coros)

Cristian Rivera (Congas #1,#13, timbales #2,#5,#11, bongó/cencerro #7,#10, cencerro #9, coros)

Frank Fontaine (Flauta terserola de madera #8,#13)

Itai Dattner - Tranquilo en Cuba

Conocí a Kenia en Trinidad, donde se ganaba la vida bailando. Es joven, negra, guapísima y baila de maravilla. No habían pasado ni 30 minutos desde mi llegada y ya estaba bebiendo ron y tocando con la banda local en el centro del casco antiguo. Ocho músicos, un grupo de bailarinas preciosas, mucho ron y mucha alegría. Un día después, estábamos tocando una melodía que compuse especialmente para Kenia. Tocamos en una pequeña habitación oscura en medio de una calle bulliciosa; si la vieras, no creerías que es posible. Fue tan peculiar que muchos turistas se paraban a sacar fotos.
Alejandro, el baterista, y yo recorrimos La Habana en moto, buscando músicos y un buen estudio. Encontramos músicos excelentes y un estudio estupendo. Todos los músicos son profesores de la ENA, la Escuela Nacional de Arte y Música.
«Vals 11» la compuse hace 5 años. Originalmente tenía 12 compases, pero le quité uno por el 11 de septiembre.

Itai Dattner - Compositor, pianista y productor. Sus raíces están en la música clásica. En los últimos años, Itai ha tocado y actuado con diversos grupos en Israel, entre ellos: una banda de blues llamada 'TaxiJazz', un trío de jazz, un dúo de jazz, un dúo de música clásica con un violonchelista, acompañando a una cantante de ópera, y muchos más. Itai se ha presentado en clubes, teatros y en el Festival de Jazz, Blues y Videocintas de Tel Aviv. Además de componer e interpretar, Itai se especializa en la enseñanza de piano y la dirección de bandas. Junto con 'Tranquilo en Cuba', Itai ha grabado cuatro álbumes._(discogs)

Itai Dattner es un compositor y pianista israelí. Sus raíces se encuentran en la música clásica. En su juventud descubrió el jazz y recibió la influencia de diversos estilos, desde Bach y Debussy hasta Bill Evans y Keith Jarrett, pasando por himnos judíos tradicionales, música del mundo, blues y rock and roll.

Itai acaba de lanzar el primer CD de su proyecto cubano, Tranquilo en Cuba. Este CD es el primer paso de un proyecto que desarrolla en La Habana con un grupo de músicos de jazz cubanos, todos ellos profesores de la ENA (Escuela Nacional Superior de Música y Arte) de La Habana. Son músicos profesionales que actúan diariamente en La Habana y, ocasionalmente, fuera de Cuba. Grabaron este CD juntos en septiembre de 2004. Todas las composiciones y arreglos son obra de Itai Dattner.

Además del proyecto cubano, Itai ha tocado y actuado en los últimos años con diferentes grupos en Israel, entre los que destacan: una banda de blues (TaxiJazz), un trío de jazz, un dúo de jazz, un dúo de música clásica con violonchelista, acompañando a una cantante de ópera, entre otros. Itai se ha presentado en clubes, teatros y en el Festival de Jazz, Blues y Videocintas de Tel Aviv.

Junto con 'Tranquilo en Cuba', Itai ha grabado cuatro álbumes. Dos de ellos con TaxiJazz, una mezcla de estándares y composiciones propias. Uno de los álbumes fue distribuido por NMC, la discográfica más grande de Israel. Posteriormente, grabó otro álbum de estándares con el trío: The Art of Trio._(allaboutjazz)

                                                                                

                                                                             

Itai Dattner - Tranquilo en Cuba (2005)

Temas:

01. Kenia

02. Infinite

03. Blues for Cheli

04. Waltz 11

Musicos:

Itai Dattner (Piano)

Manuel Alejandro Mayor Lopez (Batería)

Aryam Varona Hernandez (Bajo)

Jorge Miguel Vistel Serrano (Trompeta)

Maikel Vistel Serrano (Saxo tenor)

Todas las melodías compuestas y arregladas por Itai Dattner 

Grabado en Scorpio Studio, La Habana, Cuba, del 10 al 12 de octubre de 2004 

Vera Figueiredo - Vera Cruz Island

Vera Figueiredo Nacida el 7 de septiembre de 1957 en São Paulo, Brasil.

Al pensar en la percusión brasileña, es posible que se imaginen ritmos latinos fantásticos y la integración de percusiones de todo el mundo en ritmos enérgicos y vibrantes que hacen bailar hasta al espectador más tímido. En el caso de Vera Figueiredo, este estereotipo es totalmente cierto, pero no refleja completamente su sonido. Vera Figueiredo no solo es una consumada percusionista latina, sino que también fusiona con maestría los géneros latino y rock, lo que le confiere la presencia de una baterista audaz, enérgica, con un talento indiscutible y un gran carisma.

Si bien Figueiredo se ha consolidado como referente de la percusión latina con su estilo afrocubano, como autoproclamada admiradora de bandas como Deep Purple y Led Zeppelin, su estilo es la culminación de la percusión latina, fusión, jazz, rock y funk. Conocida en Brasil como la "Reina de la Batería", su estilo único y su asombrosa personalidad son reconocidos mundialmente. Además de ser una baterista y artista consumada, Figuiredo dirige su propia escuela de batería: el Instituto de Batería Vera Figueiredo, ubicado en Brasil.

Como artista de Sabian, la batería de Vera Figueiredo cuenta con una gran variedad de platillos, incluyendo varios de la serie HHX Evolution y su favorito, el hi-hat Vault V-FX Distortion. Como baterista de gran talento, Figueiredo ha impartido clases y tocado por todo el mundo en diversas agrupaciones, orquestas y con su propia banda, y es su estilo único y su rico sonido lo que la ha convertido en una de las mejores bateristas latinas de la actualidad._(jazzmusicarchives)

Vera Figueiredo - Vera Cruz Island (2001)

Temas:

01. Vera Cruz Island (Vera Figueiredo)

02. Tererê (Vera Figueiredo/Mônica Côrtes)

03. Devagar (Zaxariades aka Bruce Scott)

04. Renata (Vera Figueiredo)

05. Double V (Vera Figueiredo)

06. Deep Inside (Vera Figueiredo)

07. Reaching Another Day (Vera Figueiredo)

08. Reverse (Maurício Marques)

09. Chamamé (Rodrigo Rheinheimer)

10. Mr. Banana (Vera Figueiredo)

11. Figão's House (Vera Figueiredo)

12. Cai na Real (Maurício Marques)

13. Dave (Vera Figueiredo)

14. Saudade (Vera Figueiredo)

Musicos:

Vera Figueiredo (Batería, percusión, tamborim, repinique, surdo, voz)

Célio Barros (Bajo acústico)

Dave Weckl, Dennis Chambers, Virgil Donati (Batería)

Pedro Ivo (Bajo eléctrico)

Derico Sciotti (Flauta)

Guitarra - Mike Stern

Maurício Marques (Teclados, voz)

Bruno Cardozo (Piano)

Vitor Alcántara (Saxo tenor)

Daniel D'Alcántara (Trompeta, cuerno de fliscorno)

Nahor Gomes Oliveira (Trompeta #1)

Sidnei Aléssio Borgan (Trombón #1)

Luciana Yoshikawa, Paulo Jiraya, Maurício Marques (Voz #1)

Fred Prince ("Güiro & congas #2", "tan tan, repenique, tamborín, agogo-bell #11")

Luis Rabello (Guitarra #2)

Nahor Gomez Oliveira (Solo tompeta #2)

Tiquinho (Trombón #2, #11)

Maurício De Souza (Saxo alto #2, #11)

Célio Barros (Teclados #4)

Mike Stern (Guitarra #6)

Paulo Jiraya (Triángulo y bloque de madera #7, voz)

Marco Bosco (Pandeiro #7)

Jarbas Barboza (Guitarra eléctrica #7, #9. #10)

Edmundo Cassis (Piano #8) 

Elias Rezende (Acordeón #9)

Katia Stübing (Voz #10)

Jean Pierre Ryckebusch (Trompeta #12)

Grabado en el estudio A Luz da Lua de marzo de 1999 a febrero de 2000

Vitor Goncalves - Vitor Goncalves Quartet

Vitor Gonçalves es un pianista, acordeonista, compositor y arreglista de Río de Janeiro, Brasil. Tras una ilustre carrera como músico muy solicitado en Brasil, en la que tocó con iconos como Hermeto Pascoal, Maria Bethânia, Itiberê Zwarg y muchos otros, se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde reside actualmente.
Desde su llegada en 2012, ha cosechado numerosos elogios y ha labrado un currículum repleto de estrellas, que incluye apariciones en el programa Jazz Night in America de la NPR, presentado por Christian McBride, y en The New York Times como invitado de la famosa Spok Frevo Orquestra. Asiduo de los escenarios del Jazz at Lincoln Center, The Jazz Standard y la Jazz Gallery, lidera sus propios proyectos y colabora con figuras de la escena neoyorquina como Anat Cohen, Vinícius Cantuária, Anthony Wilson, Cyro Baptista y Yotam Silberstein.
También ha actuado en festivales de jazz y salas de todo el mundo, como el Newport Jazz, el Jazz à Vienne, el Umbria Jazz Festival, el Queen Elizabeth Hall de Londres y el Coliseo de Lisboa (Portugal).

Vitor se trasladó a Nueva York en 2012 para profundizar en su interés por el jazz y su conexión con la música brasileña, así como para explorar el crisol musical que es la ciudad de Nueva York. Fue allí donde comenzó a liderar su propio grupo y a formar nuevas formaciones, al tiempo que cursaba un máster en el City College. En 2017 lanzó su álbum debut con Sunnyside Records, Vitor Gonçalves Quartet, en el que participaron Dan Weiss (batería), Thomas Morgan (bajo) y Todd Neufeld (guitarra). El álbum recibió una reseña de cuatro estrellas y media en la revista de jazz Downbeat.
Otros grupos que codirige son «SanfoNYa Brasileira», un trío de acordeón con Eduardo Belo al bajo y Vanderlei Pereira a la batería, y «Regional de NY», uno de los principales representantes de la música choro (un rico género brasileño) en Estados Unidos. Ambos grupos han publicado un álbum de temas originales: el primero con Steve Wilson como artista invitado y el segundo con Fred Hersch.
Obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy 2020, a Mejor Álbum de Jazz Latino con Thalma de Freitas y a Mejor Conjunto de Jazz de Gran Formato con Anat Cohen Tentet._(vitorgoncalvesmusic)

Vitor Gonçalves es un pianista, acordeonista, compositor y arreglista de Río de Janeiro, Brasil. Tras una ilustre carrera como músico muy solicitado en Brasil, en la que tocó con iconos como Hermeto Pascoal, Maria Bethânia, Itiberê Zwarg y muchos otros, se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde reside actualmente.
Desde su llegada en 2012, ha cosechado numerosos elogios y ha labrado un currículum repleto de estrellas, que incluye apariciones en el programa Jazz Night in America de la NPR, presentado por Christian McBride, y en The New York Times como invitado de la famosa Spok Frevo Orquestra. Asiduo de los escenarios del Jazz at Lincoln Center, The Jazz Standard y la Jazz Gallery, lidera sus propios proyectos y colabora con figuras de la escena neoyorquina como Anat Cohen, Vinícius Cantuária, Anthony Wilson, Cyro Baptista y Yotam Silberstein.
También ha actuado en festivales de jazz y salas de todo el mundo, como el Newport Jazz, el Jazz à Vienne, el Umbria Jazz Festival, el Queen Elizabeth Hall de Londres y el Coliseo de Lisboa (Portugal).
Vitor se trasladó a Nueva York en 2012 para profundizar en su interés por el jazz y su conexión con la música brasileña, así como para explorar el crisol musical que es la ciudad de Nueva York. Fue allí donde comenzó a liderar su propio grupo y a formar nuevas formaciones, al tiempo que cursaba un máster en el City College. En 2017 lanzó su álbum debut con Sunnyside Records, Vitor Gonçalves Quartet, en el que participaron Dan Weiss (batería), Thomas Morgan (bajo) y Todd Neufeld (guitarra). El álbum recibió una reseña de cuatro estrellas y media en la revista de jazz Downbeat.

Otros grupos que codirige son «SanfoNYa Brasileira», un trío de acordeón con Eduardo Belo al bajo y Vanderlei Pereira a la batería, y «Regional de NY», uno de los principales representantes de la música choro (un rico género brasileño) en Estados Unidos. Ambos grupos han publicado un álbum de temas originales: el primero con Steve Wilson como artista invitado y el segundo con Fred Hersch.

Obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy 2020, a Mejor Álbum de Jazz Latino con Thalma de Freitas y a Mejor Conjunto de Jazz de Gran Formato con Anat Cohen Tentet._(vitorgoncalvesmusic)

                                                    

                                                                                 

Vitor Goncalves - Vitor Goncalves Quartet (2017)

Temas:

01. Sem Nome (Vitor Gonçalves)

02. Cortelyou Road (Vitor Gonçalves) 

03. Samba Do Perdão (BadenPowel/Paulo César Pinheiro)

04. Desleixada (Vitor Gonçalves) 

05. Winter Landscapes (Vitor Gonçalves) 

06. Se É Por Falta De Adeus (A.C. Jobim/Dolores Duran) 

07. De Cazadero Ao Recife (Vitor Gonçalves) 

08. The Touch Of Your Hand (Vitor Gonçalves)

Musicos:

Vitor Gonçalves (Piano, compositor, arreglista)

Todd Neufeld (Guitarra)

Thomas Morgan (Bajo)

Dan Weiss (Batería)

Se lanzó el 20 de enero de 2017

José Luiz Martins - Odyssey Mixtape

Originario de la vibrante ciudad de São Paulo, Brasil, José Luiz Martins es un pianista, compositor, director de banda y productor radicado en el área de Washington, D. C. Es muy reconocido por su enfoque innovador y su música profundamente expresiva. Inspirándose en el rico patrimonio musical de su tierra natal, José (pron. "Joe-zay") combina a la perfección ritmos brasileños con influencias del jazz, la música clásica, el rock y la música contemporánea, creando un sonido único y cautivador.

José Luiz Martins se ha presentado en prestigiosos escenarios y festivales de Brasil, Europa y América, compartiendo escenario con músicos y conjuntos de renombre. Sus grabaciones como solista, director de banda y colaborador han recibido un gran reconocimiento de la crítica, lo que le ha valido premios y reconocimiento de la comunidad musical nacional e internacional..._(joseluizmartins)

El pianista, compositor y arreglista brasileño José Luiz Martins tiene una forma especial de fusionar sus raíces culturales con el jazz fusión americano, los ritmos hip hop, la música clásica europea y el funk. El resultado es una flor musical fresca y hermosa.  El álbum "Odyssey Mixtape" de Martins cuenta con la participación de varios invitados especiales, entre ellos el guitarrista John Lee, que brilla con un solo en el tema inicial, "Incerteza".  Incerteza se traduce como "incertidumbre", pero no percibo nada incierto o contemplativo en esta maravillosa primera composición de José Luiz Martins.  Comienza con mucha energía y emoción, inspirada por la fluidez y creatividad de Martins al teclado.
En la pista n.º 2, titulada "Don't Act Like", la voz de Nakama añade una cálida textura al arreglo. José Luiz Martins utiliza técnicas de sintetizador y ritmos funky para despertar el interés musical del oyente. Este arreglo también cuenta con la participación de Tyrone Allen II al bajo eléctrico y Florian Haas a la batería.
A pesar de su lucha contra la distonía focal, un trastorno neurológico que interrumpió su carrera

musical de una manera muy difícil, Martins superó esta adversidad. En consecuencia, su álbum es un testimonio de su fenomenal fuerza de voluntad. En él se reflejan su talento como compositor, su determinación y la interacción entre la depresión y la esperanza. Esto se refleja como un tema recurrente en su música original.
"Odyssey Mixtape" es el cuarto álbum publicado por este talentoso pianista y compositor.

Alex Hamburger, cantante y flautista, aporta su tierna voz en "Bloom". Aunque no he podido encontrar ningún vídeo disponible de este álbum, en una publicación anterior se puede ver a la Sra. Hamburger junto a José Luiz Martins interpretando "Solitude" de forma magnífica. Su tema más reciente, "Bloom", tiene un estilo más pop/rock. Prefiero su interpretación de "Tierra Extraña", una composición muy jazzística de Martins. Su exploración pianística durante su solo improvisado es encantadora._(makingascene)

                                                           

José Luiz Martins - Odyssey Mixtape (2025)

Temas:

01. Incerteza 

02. Don't Act Like 

03. Cravo e Canela 

04. Bloom 

05. Yatra-Tá 

06. Metamorphosis 

07. Tierra Extraña

Musicos:

José Luiz Martins (Piano, teclados, sintetizadores, composiciones, letras y arreglos)

Alex Hamburger (Flauta, voz y letras)

Romeir Mendez (Bajo)

Dana Hawkins (Batería)

Invitados especiales:

John Lee (Guitarra en pistas #1, #4 y #5)

Nakama  (Voz/letras en pista #2)

Tyrone Allen II (Bajo eléctrico en pista #2)

Florian Haas - (Batería en pista #2)       

Edmundo Ros And His Orchestra - Latin Melodies Old And New

Edmundo William Ros (Puerto España, Trinidad y Tobago, Indias Occidentales Británicas, 7 de diciembre de 1910 - Alicante, España, 21 de octubre de 2011)​ fue un músico, vocalista y director de orquesta, conocido internacionalmente por su fusión de la música latinoamericana tradicional y moderna. En el mundo anglosajón, se le llama a veces con el sobrenombre de "King of Latin American Music" ("El rey de la Música Latinoamericana")..._(wikipedia)

El corazón y el alma de la música latina es el ritmo, el «beat», esas figuras pulsantes que vibran, empujan y nunca cesan. En la música latina, el ritmo lo es todo, e incluso afecta a la melodía que se apoya en él; una buena melodía en la música latina es aquella que se adapta, o se hace adaptar, al patrón rítmico.

En este campo, Edmundo Ros tiene pocos rivales, y así ha sido durante años. Edmundo entró en el negocio como hombre del ritmo (percusionista de una importante orquesta sinfónica cuando dejó Venezuela; hombre de la batería, marcando el compás en los clubes de cabaret de Londres y en sesiones de grabación con personajes tan notables como Fats Waller; y, por supuesto, a lo largo de los años, estableciéndose en el campo de la percusión y el ritmo latinoamericanos, del que es un experto).
En una sesión, es muy estimulante ver a Edmundo ensayar las secciones de ritmo y percusión: lo que no le gusta lo corrige cogiendo el instrumento en cuestión para hacer una demostración. Una vez establecido el ejemplo, la sección nunca falla. El ritmo, en un LP de Edmundo Ros, es entonces una sólida pieza de magia musical.

A las secciones que crean la melodía, los metales y los instrumentos de viento-madera, les enseña el arte del fraseo. No se trata, según él, de una simple cuestión de notas y valores, sino de «sentir»; «sentir» la frase en relación con el ritmo, los patrones que se mueven bajo la melodía. La diferencia es la que hay entre «falso» y «auténtico», «artificial» y «real». El resultado traza una línea entre lo que es aceptable y lo que es mágico.

Los resultados mágicos han sido el sello distintivo de los LP de Edmundo Ros durante años y este no es una excepción. Con algunas de las mejores canciones de ayer y de hoy, este álbum es un producto perfecto para bailar, escuchar y disfrutar como fondo musical alegre.

©1965, The Decca Record Company Limited, London

                                                                                   

Edmundo Ros And His Orchestra - Latin Melodies Old And New (1965)

Temas:

01. La Cucaracha (Tradicional)

02. One Note Samba (Antonio Carlos Jobim, Jon Hendricks, Newton Mendonça)

03. The Girl From Ipanema (Antonio Carlos Jobim, Norman Gimbel, Vinicius De Moraes)

04. Valencia (José Padilla Sánchez)

05. Blame It On The Bossa Nova (Mann And Weil)

06. La Paloma (Sebastián de Yradier)

07. La Golondrina (Narciso Serradell)

08. Mexico (Boudleaux Bryant)

09. Meditation (Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça, Norman Gimbel)

10. Spanish Gipsy Dance (Pascual Marquina)

11. Jet Flight Edmundo Ros, Roland Shaw)

12. Vaya Con Dios (Buddy Pepper, Inez James, Larry Russell)                                         

Laura Ann & Quatro Na Bossa - Summer Samba

Laura Ann Singh es una cantante, artista discográfica y compositora estadounidense multilingüe, a menudo asociada con la música popular brasileña y los boleros latinos. Ha actuado internacionalmente en Europa, Rusia y Sudamérica, y con Miramar ha aparecido en Tiny Desk de NPR y ha sido cabeza de cartel del globalFEST en la ciudad de Nueva York. Ha grabado con Daptone Records, Barbès Records y Electric Cowbell, así como en docenas de grabaciones independientes. Su repertorio abarca toda América Latina, especialmente Brasil, pero incluye estándares del American Songbook, compositoras y música original..._(arts.vcu.edu)

Kevin Harding y Laura Ann Singh formaron Quatro na Bossa en 2003 a partir de su interés compartido por la historia de la música popular brasileña. El bajista Rusty Farmer y el baterista y compositor Scott Clark completan el cuarteto. Aunque en un principio exploraban composiciones de la época de la bossa nova (ca. 1960), ahora tocan una amplia selección de canciones brasileñas de diferentes regiones y épocas.
Kevin ha recibido clases de los guitarristas brasileños Romero Lubambo y Toninho Horta, y en Río de Janeiro con el guitarrista de choro Bilinho Teixeira, mientras que Laura Ann estudió con la vocalista Fabiana Cozza en São Paulo. Además de actuar en Virginia y en el área de Washington D. C., el cuarteto ha actuado en numerosas ocasiones en el Dizzy's Club Coca Cola (Jazz at Lincoln Center), con invitados como Nilson Matta, Maucha Adnet, Romero Lubambo, Rogerio Boccato y Harry Allen. También en Nueva York grabaron su primer álbum, Summer Samba, para el sello japonés Venus Records, con

la colaboración de Adriano Santos (batería) y Rodrigo Ursaia (saxofón y flauta). En otoño de 2012, el cuarteto lanzó su segundo CD, Bossa Nossa, con el baterista Rogerio Boccato. Actualmente están trabajando en su tercera grabación. 

Quatro na Bossa espera poner de relieve el poder de la música popular brasileña para traspasar las fronteras del idioma y la cultura, el lugar y el tiempo._(quatronabossa)

                                                                  

                                                                             

Laura Ann & Quatro Na Bossa - Summer Samba (2015)

Temas:

01. Gentle Rain (Matt Dubey, Luiz Bonfá)

02. Jardim (Keren Ann Zeidel, Benjamin Biolay)

03. Dindi (Aloysio De Oliveira, Antonio Carlos Jobim)

04. Samba de Verao (Summer Samba) (Marcos E Paulo, Sérgio Valle)

05. Desafinado (Newton Mendonça, Antonio Carlos Jobim)

06. Eu Sei Que Vou Te Amar (Vinicius De Moraes, Antonio Carlos Jobim)

07. Flor de Lis (Djavan)

08. Lucidez (Cleber Augusto, Jorge Aragão)

09. De Conversa em Conversa (Lúcio Alves, Haroldo Barbosa)

10. Triste (Vinicius De Moraes, Antonio Carlos Jobim)

11. Que Pana (A. M. Diaz)

Musicos:

Laura Ann Boyd (Voz)

Kevin Harding (Guitarra)

Rusty Farmer (Bajo)

Adriano Santos (Batería)

Rodrigo Ursaia (Saxo, flauta)

Grabado en The Studio, Nueva York, el 1 y 2 de septiembre de 2007