Cristina Pato - Latina

                                                                     

Cristina Pato Lorenzo (n. Orense, 1980) es una gaitera, compositora y pianista española residente en Nueva York desde el año 2004.

Cristina Pato nació en Orense y fue en esa ciudad donde inició su formación musical, en el Conservatorio de Orense. Con apenas 6 años de edad ingresó en la Real Banda de Gaitas de Orense, participando como solista y tocando en Berlín, Praga, Edimburgo, Londres, Chicago y Acapulco entre otros lugares. A la edad de 18 años publicó su primer disco en 1999, titulado Tolemia (locura en gallego).[2]​ Con ese álbum se convirtió en la primera mujer en grabar un disco en solitario como gaitera en España.[3]​ Tras este hito participó en un Final del Milenio especial que se emitió por varias televisiones del mundo (TVE, BBC, CNN, entre otras) y participó en giras con The Chieftains y Cherish The Ladies..._(wikipedia)

La primera vez que Edward Perez (bajo) y yo tocamos una muiñeira, no sonaba tradicional gallego en absoluto (quizá porque él es de Texas y ha vivido unos años en Perú), pero a mí sí que me sonaba muy familiar… Edward añadió el patrón del joropo a una canción gallega y con ese cambio sutil, me trajo recuerdos de la forma en la que mi difunto padre, Dositeo Pato, un emigrante gallego en Venezuela, solía tocar.

Tras esta experiencia y cuatro años más de gira juntos, en 2014 encargué a Edward que escribiese la música para una idea narrativa que tenía sobre explorar las diferentes formas de entender una misma palabra a través de un mismo ritmo. Estaba intrigada por el complejo significado de la palabra latina en los Estados Unidos y, a través de la música, quería encontrar una forma de entender y explicar este viaje.

The Latina 6/8 Suite es el resultado de un proceso de colaboración. Abriendo con un fandango, un ritmo que ha viajado en ambos sentidos a través del Atlántico, y cerrando con una tarantella tradicional siciliana y una muiñeira gallega increíblemente similar, el viaje nos lleva a través de fascinantes ritmos latinoamericanos en 6/8. Y cada uno de ellos tiene detrás una apasionante historia de migraciones humanas.

Todos tenemos en común raíces, patrimonio cultural, lengua, manera de vivir… Pero explorar como un patrón básico de 6/8 ha evolucionado en diferentes países latinos pone de relieve muchos otros temas relacionados con el contexto y significado de la palabra latina que también han evolucionado de manera fascinante: género, poder y migraciones humanas.

Este album contiene también música de colaboradores muy cercanos a mi. “Llegará, llegará, llegará” de Emilio Solla y “Let’s Festa” de Victor Prieto estiran nuestro viaje a Argentina y Brasil…_(cristinapato)

                                                                         

                                                                                   

Cristina Pato - Latina (2015)

Temas:

01. Fandango: Prueba de Fuego (Edward Perez)

02. Landó: María Landó (César Calvo, Chabuca Granda)

03. Tanguillo: The High Seas (E. Perez)

04. Joropo-Festejo: Muiñeira de Chantada (Tradicional)

05. Currulao: Currulao de Crisis (E. Perez)

06. Tarantella-Muiñeira: Epilogue (Tradicional)

07. Llegará, llegará, llegará (Emilio Solla)

08. Let’s Festa (Victor Prieto)

09. Bonus Track: Tarantella-Muiñeira (without narration)

Musicos

Cristina Pato (Gaita, piano)

Victor Prieto (Acordeón)

Edward Perez (Contrabajo)

Eric Doob (Batería)

Jesús Valdés Y Su Combo - Jazz Nocturno Jazz

La música que aquí se presenta marca un capítulo fundamental en la evolución de la carrera de Jesús “Chucho” Valdés y su desarrollo como uno de los mejores pianistas de jazz del mundo. Los conceptos que materializó en el Quinteto Cubano de Jazz, la Orquesta Cubana de Música Moderna e Irakere tienen sus raíces en la banda que Chucho formó a principios de la década de 1960, la cual, debido a su limitada distribución, ha recibido poca atención tanto de especialistas como de aficionados al jazz. El álbum de Chucho, Jazz Nocturno, se grabó a principios de la década de 1960.
Durante los años que trabajó para la Orquesta del Teatro Musical de La Habana, formó su propio conjunto con su amigo Carlos Emilio Morales en la guitarra, Paquito D’Rivera en el saxo y el clarinete, Enrique “Kike” Hernández en el bajo, Emilio del Monte en los timbales, Julio Vento en la flauta, Alberto Valdés en el trombón y Oscar Valdés en las congas. Cabe destacar la exclusión por parte de Chucho de la batería tradicional, considerando su intención de tocar jazz.

Las raíces  fundamentales del  Jazz y la música afro-cubana son las mismas: Africa. El aporte cubano a  esa música de nuestro siglo, sobre todo en los elementos ritmicos, ha sido enorme.
En los números de este novel grupo cubano de Jazz, imperan los dúos de flauta y clarinete, siempre con la guia del piano movido y certero, ejecutado por el director Chucho Valdés.
Entre los números esogidos, hay varios inéditos pertenecientes a algunos de sus integrantes, que    han sido creados teniendo en cuenta los conceptos armónicos de nuestra era, para  ajustarlos a   sus gustadas "descargas". Entre ellos, puramente juveniles, en los que tratan el Jazz con ribetes de lo afro-cubano, se cuentan: "Por la Libre", "Atomo" y "Chacha Niña". También hay números conocidos como "Noches de Moscú", "El Paso de Encarnación" y "Mi  Mejor Canción", a los que   dan un toque musical diferente, de amplia sonoridad y en  os cuales imperan los redobles de la paila, el repicar del cencerro y la  tumbadora que marca el compás con cadenciosa persistencia.
En los solos de los diferentes instrumentos --sax, piano, flauta-- domina siempre el elemento  cubano, lo que da una nota de colorido al álbum.
El Jazz, música que canta las tristezas y las esperanzas de los negros de los Estados Unidos, tiene  aquí un buen grupo ejecutante.

Diseño: Silvio Gayton (Cuba)

                                                                              

                                                                                      

Jesús Valdés Y Su Combo - Jazz Nocturno Jazz (1964)

Temas:

01. Pa' Gozar (Descarga)

02. Noches De Moscu (Descarga)

03. Mercy's Cha (Cha-cha-chá)

04. Tu No Sabes De Amor (Descarga)

05. Descarga De Kike (Descarga)

06. El Paso de Encarnacion (Descarga)

07.Átomo (Cha-cha-chá)

08. Cha Cha Niña (Cha-cha-chá)

09. Bebada (Descarga)

10. Quien Baila Mejor (Guaparachá)

11. Por La Libre (Descarga)

12. Mi Mejor Cancion (Bolero)

Musicos:

Chucho Valdés (Piano)

Paquito D'Rivera (Saxo alto y clarinete)

Julio Vento (Flauta)

Alberto Giral (Trombón)

Emilio Morales (Guitarra)

Enrique "Kike" Hernández (Bajo)

Óscar Valdés (Congas)

Emilio Del Monte (Timbales) 

Eliane Elias - So Far So Close

Eliane Elias (São Paulo, 19 de marzo de 1960) es una pianista brasileña de música clásica y popular, que se aproxima constantemente al jazz y a la fusión de este con las llamadas músicas del mundo, entre ellas la bossa nova de su país de nacimiento. Vive en Nueva York.
Heredó su talento musical de su madre, Lucy, pianista clásica que también se interesaba por el jazz. Tras estudiar seis años en el Centro Livre de Aprendizagem Musical (CLAM) en São Paulo, siguió estudiando técnica clásica con Amilton Godoy y Amaral Vieria. Ya de adolescente, Elias compuso sus primeros temas y empezó a actuar en clubs de jazz. Realizando una gira por Europa en 1981, conoció al bajista de jazz Eddie Gómez que la animó a viajar a Nueva York, donde estudió con Olegna Fuschi en la Juilliard School of Music.
La carrera profesional de Elias consiguió un avance importante cuando fue invitada a unirse al grupo Steps Ahead, formado por Michael Brecker, Peter Erskine, Mike Manieri y Eddie Gómez. Grabó el disco Steps Ahead con el grupo, en 1983. Tras abandonar el conjunto, empezó a colaborar con el trompeta Randy Brecker, con quien se casaría más tarde y grabaría un disco a dúo con él titulado "Amanda" (1984).

Su siguiente paso profesional fue el de convertirse ella misma en líder de sus grupos, con los que ha realizado varias giras, contando con músicos como Jack DeJohnette y Gómez, en su primer trío; y Erskine y Marc Johnson, con quien actualmente está casada, en el segundo. Su tercer trío contó con Marc Johnson al bajo y Satoshi Takeshi a la batería.

Su disco de 1995 Solos and Duets lo realizó con Herbie Hancock. Aunque muchas de sus grabaciones han sido solo instrumentales, Elias ha incorporado también su voz en discos como Eliane Elias Plays Jobim de 1989. Trabaja también periódicamente con el Toots Thieleman's Brasil Project y como directora musical del grupo de Gilberto Gil. Actualmente sigue tocando hoy en día.__ (wikipedia)

So Far So Close es el cuarto álbum de estudio de la artista brasileña de jazz Eliane Elias. 

Fue lanzado en 1989 a través del sello Blue Note. Escribió ocho composiciones para este álbum. Este es su primer álbum grabado con Blue Note.

Recepción. En su reseña, Scott Yanow de Allmusic declaró: "Tras haber consolidado sus credenciales como excelente pianista acústica, volvió a su trabajo menos personal con sintetizadores y contribuyó con voces bastante mundanas y sin palabras. La música (que incluye algunos solos del saxofonista tenor Michael Brecker y Randy Brecker al fliscorno) no es terrible, pero carece de un toque aventurero y suena como si su principal objetivo fuera la difusión en la radio"._ (wikipedia)

                                                                                    

                                                                                    

Eliane Elias - So Far So Close (1989, Blue Note)

Temas:

01. At First Sight (Elias)

02. Bluestone (Elias)

03. Barefoot (Elias)

04. Nightimer (Elias)

05. Still Hidden (Elias)

06. So Far So Close (Elias) 

07. Straight Across (To Jaco) (Elias)

08. With You in Mind (Elias)

09. Two Way Street (Palanker) 

Musicos:

Eliane Elias (Piano, sintetizador, voz)

Michael Brecker (Saxo tenor)

Randy Brecker (Fliscorno)

Will Lee (Bajo)

Peter Erskine (Batería)

Don Alias ​​(Percusión)

Café (Percusión)

Jim Beard (Programación de sintetizadores)

Alan Palanker (programación de sintetizadores)

Miguel Zenón - Música De Las Américas

Miguel Zenón (nacido el 30 de diciembre de 1976) es un saxofonista alto, compositor, director de banda, productor musical y educador puertorriqueño. Ganó un premio Grammy, recibió una beca Guggenheim, una beca MacArthur y un premio Doris Duke Artist. También posee un Doctorado Honoris Causa en Artes de la Universidad del Sagrado Corazón. Zenón ha lanzado numerosos álbumes como director de banda y ha participado en más de 100 grabaciones como acompañante..._ (wikipedia)
 

Con ‘Música de las Américas’ el saxofonista puertorriqueño Miguel Zenón ha hecho el que es su mejor disco hasta la fecha desde que debutó profesionalmente hace ahora veintidós años.

En este disco Zenón está acompañado del combo con el que lleva trabajando en los últimos trabajos, entre los que hay que destacar al pianista venezolano Luis Perdomo, a los que hay que añadir algún refuerzo de lujo a la percusión desde su natal isla de Puerto Rico.

‘Música de las Américas’ presenta un balance muy atractivo en los ocho temas del álbum entre el jazz latino más clásico junto a las formas más modernas de jazz, adentrándose si es necesario en las procelosas aguas del free (‘Venas abiertas’), así como en la música tradicional de su país de origen.

Las composiciones de Zenón quieren reflejar el dinamismo y la complejidad de las culturas indígenas de América (‘Taínos y caribes’, que abre el disco), así como sus encuentros con los europeos y las consecuentes implicaciones históricas resultantes, como por ejemplo ‘Imperios’.

Tal y como ha reconocido el propio Miguel Zenón, «la música del nuevo disco está inspirada en la historia del continente americano, no sólo antes de la colonización europea, sino también en lo que ha sucedido desde entonces».

‘Música de las Américas’ viene a ser una suerte de manifiesto de lo que Zenón considera su concepto de América como continente.

Esta nueva entrega discográfica de este saxofonista alto nacido en San Juan de Puerto Rico en 1976 se gestó durante la pandemia (¿se acuerda alguien que durante los años 2020 y 2021 hubo una pandemia originada en la República Popular China y que dejó miles de muertos?) y en su desarrollo tuvo una notable importancia el libro ‘Venas Abiertas’ del escritor uruguayo Eduardo Galeano, fallecido en 2015 y que fue una de las figuras más destacadas de la izquierda latinoamericana.

En definitiva ‘Música de Las Américas’ es el producto de la curiosidad intelectual de Zenón por conocer más de la historia de América (el continente) y plasmar esa historia en música._ (distritojazz)    

                                            

                                                                                      

Miguel Zenón - Música De Las Américas (2022)

Temas:

01. Tainos y Caribes

02. Navegando (Las Estrellas Nos Guían)

03. Opresión y Revolución

04. Imperios

05. Venas Abiertas

06. Bámbula

07. América, El Continente

08. Antillano

Musicos:

Miguel Zenón (Saxo alto)

Luis Perdomo (Piano)

Hans Glawischnig (Bajo)

Henry Cole (Batería)

Musicos Invitados:

Los Pleneros de La Cresta (Emil Martinez, Edwin "Wechin" Aviles, Joshuan Ocasio, Joseph Ocasio y Jeyluix Ocasio) (Panderos, percusión y voz en el #2)

Paoli Mejías (Percusión #3)

Víctor Emmanuelli (Barril de bomba #6)

Daniel Díaz (Congas #8)

Grabado en Big Orange Sheep, Brooklyn, Nueva York, del 21 al 22 de marzo de 2022

Bud Shank / Clare Fischer / Joe Pass - Brasamba!

A estas alturas (enero de 1963) está claro que la Bossa Nova va a ser, o ya es, una moda musical en Estados Unidos. Como el twist (nacido en 1960, muerto en 1962) hace demasiado dinero para no ganar la clasificación de moda y como tal fenómeno para autodestruirse en pocos años como medio en Norteamérica de pura expresión musical. Sin embargo, la Bosa Nova es bastante diferente de la mayoría de los fenómenos que alcanzan el estatus de moda: tocada correctamente, requiere artistas talentosos, sensibles y capaces de entender sus reglas y raíces. Además, cuando se toca correctamente, se sostiene sobre dos patas extremadamente robustas: una de sutil emoción y otra de pura belleza musical, ambas intemporales. Por estas razones, la Bossa Nova seguirá atrayendo a músicos y oyentes de talento mucho después de que se haya consumido en los medios de la música popular. Y para nosotros, quizás un tercer punto sea aún más significativo. Los muchos jazzistas que se sintieron atraídos por la bossa nova mucho antes de que llegara al oído del público la asimilarán gradualmente en su personalidad musical y emocional y se enriquecerán artísticamente por ello. 
El saxofonista alto y flautista BUD SHANK, el pianista, compositor y arreglista CLARE FISCHER, el guitarrista JOE PASS, el baterista y vibraharpista LARRY BUNKER, el bajista RALPH PEÑA y los percusionistas MILT HOLLAND y CHUCK FLORES, los hombres en esta grabación, son todos músicos que han llegado lejos en hacer del lenguaje de la Bossa Nova una teoría propia y parte de su samba jazz (Bosa nova interpretada por jazzmen), desde su ascenso a la popularidad hace un año, Bud, por supuesto, se ha convertido en una personalidad en la historia de esta música debido a sus grabaciones de samba jazz de los años 1950 con el guitarrista Laurindo Almeida (World Pacific 1412, 1419, 1425), grabaciones que aparentemente fueron fundamentales en el desarrollo de la Bossa Nova en Brasil. Fischer, como he señalado anteriormente, ha tenido interés por la música latina desde hace mucho tiempo, ha liderado su propia banda de Bossa Nova, ha tocado y grabado en México y produjo un maravilloso álbum de música brasileña y mexicana con Cal Tjader. Por lo tanto, estos dos están eminentemente adaptados a la producción sensible y auténtica de la samba jazzística. Sin embargo, el guitarrista JOE PASS es harina de otro costal. Antes de estas grabaciones Pass nunca había tocado la Bossa Nova ni, que él supiera, había escuchado ninguna grabación de la misma. Sin embargo, antes de que la primera sesión apenas hubiera comenzado, Joe estaba dejando a todos boquiabiertos por la facilidad con la que abrazaba la música. Como Pass no había tenido la oportunidad de familiarizarse con los entresijos de la composición rítmica peculiar de la Bossa Nova, Fischer se reunió con él varias veces en el estudio y en su casa, mostrando a Joe las muchas variaciones que dan dinamismo e interés a las líneas del acompañante. 

La mayoría de las grabaciones de samba bossa nova-jazz producidas en este país han revelado una sorprendente falta de atención a la hora de conseguir esta variedad y, por lo tanto, han permanecido rítmicamente estrechas y rígidas en comparación con las grabaciones de esta música realizadas en Brasil, pero la soltura y el swing capturados por Pass y Fischer en estos esfuerzos no dejan nada que desear.
Para esta grabación se decidió que el tono general de la música sería más bajo que el producido por Fischer y Shank en su primera grabación (PJ-58). La presencia de la guitarra y el deseo de Bud de utilizar la flauta un poco más también hicieron que esto pareciera lógico. Además, en la primera grabación, Bud y Clare llegaban al estudio tras tocar jazz muy activamente en clubes, por lo que era quizás natural que la unión de la bossa nova y el jazz en esos primeros intentos fuera más abiertamente emotiva y, digamos, más jazzística que en las versiones actuales. En cualquier caso, aquí el sonido de alto de Shank es tan sutilmente ahumado como siempre lo fue en los años 50. Los solos de Fischer caen del teclado como una suave lluvia, y los trabajos de guitarra de Pass logran una belleza ingenua de forma y estructura en este estilo, como cabría esperar de su talentoso improvisador.
Dos selecciones aquí, sin embargo, representan cambios notables de ritmo con respecto a la suavidad que se asocia habitualmente con la bossa nova en este país. Los músicos familiarizados con la variedad de color y atmósfera que los músicos brasileños logran en la samba, se han mostrado cada vez más preocupados por el hecho de que la versión norteamericana se ha basado con demasiada frecuencia únicamente en las variantes suaves y delicadas de esta música.
Cualquiera que recuerde la música de la gran película brasileña Blak Orpheus recordará que, si bien toda la música de esa obra se clasificaba como samba (o bossa nova), alcanzaba una gama de expresión emocional casi tan amplia como era posible, desde la tranquilidad de una canción de cuna hasta los coloridos bailes callejeros, rebosantes de emoción libre (pero no dura ni caótica). Bud y Clare decidieron mostrar esta forma abierta y alegre de la samba en dos obras de estilo carnavalesco. Samba de Orpheu se presentó en Black Orpheus en una escena callejera.

La otra fue escrita por Shank. Los únicos instrumentos melódicos que se escuchan son la flauta de Shank y la guitarra de Pass. Fischer y Peña se unen a la sección de percusión, que incluye, a continuación, un conjunto habitual de tambores, pandereta, tom-toms, cabaça y campanas brasileñas. Estas pistas deberían disipar la idea de que los jazzistas que exploran la música brasileña no pueden encontrar un matiz emocional. Sin embargo, cabe destacar que una cierta ligereza o ligereza impregna estas selecciones. Como dice Fiscer: «La bossa nova y otras sambas pueden ser emocionantes, pero nunca son crudas, como puede serlo el jazz». Si bien creo que es importante tener presente al escuchar esta grabación que Bud Shank y Clare Fischer ocupan puestos de relevancia histórica en el desarrollo de la bossa nova en Estados Unidos, se encuentran, de forma más pertinente, entre sus intérpretes más lúcidos. Considero que BRASAMBA es, musicalmente, el álbum más importante de este movimiento producido hasta la fecha por jazzistas. El valor ISO debería sobrevivir con bastante facilidad a la avalancha de innumerables modas que están por venir._JohnWilliam  Hardy

                                                                           

                                                                     

Bud Shank / Clare Fischer / Joe Pass - Brasamba! (1963)

Temas:

01. Brasamba (Bud Shank)

02. Otem A Note (Clare Fischer)

03. Autumn Leaves (Jacques Prévert/Johnny Mercer/Joseph Kosma)

04. Sambinha (Bud Shank)

05. Gostoso (Clare Fischer)

06. If I Should Lose You (Leo Robin/Ralph Rainger)

07. Barquinho (Roberto Menescal/Ronaldo Boscoli)

08. Serenidade (Clare Fischer)

09. Elizete (Clare Fischer)

10. Samba De Orfeu (Antônio Maria/Luiz Bonfá)

Musicos:

Bud Shank (Saxo alto, flauta)

Larry Bunker (Vibráfono, batería)

Clare Fischer (Piano)

Joe Pass (Guitarra)

Ralph Peña (Bajo)

Chuck Flores, Milt Holland (Percusión) 

Daymé Arocena - One Takes

Daymé Arocena (nacida en enero de 1992) es una cantante de jazz afrocubana de La Habana, descrita como la "mejor cantante joven de Cuba". Ganó el Premio Juno de 2015 al mejor álbum de jazz como miembro de la banda de jazz Maqueque, junto a la canadiense Jane Bunnett.
Arocena figura en la lista de los 50 álbumes favoritos de 2015 de la Radio Pública Nacional (NPR) con su álbum Nueva Era. Al describir la voz de Arocena, el presentador de NPR, Félix Contreras, la describió como "una mezcla entre Celia Cruz y Aretha Franklin", y afirmó que su nombre "merece estar junto a esas dos voces legendarias".

Arocena comenzó a actuar de forma semiprofesional a los ocho años; a los 14, se convirtió en la cantante principal de la banda Los Primos. Es considerada un prodigio musical y es compositora, arreglista, directora de coro y líder de banda, además de cantante. Arocena es una firme creyente de la santería, una religión afrocaribeña basada en principios yoruba; para marcar su fe, frecuentemente actúa usando un turbante y vestida de blanco._(wikipedia)

La música siempre ha tenido una capacidad particular para alegrar la vida, ya sea mediante la elegancia de sonidos magistralmente arreglados o incluso la belleza de la portada de un álbum. La música, cuando es excelente, lleva tras de sí el diseño, la literatura, el lenguaje y muchas otras actividades humanas. El último EP de la cantante cubana Daymé Arocena, One Takes, es un ejemplo de un álbum capaz de animar a cualquier sociedad, ciudad o individuo, sumiéndolos en un viaje de placer, movimiento y contemplación. Con One Takes, ilustra sus singulares dotes vocales y el virtuosismo de su banda, dando testimonio de la apreciación de Arocena y su banda por la universalidad del arte, sin olvidar el arte de su propia tierra.
One Takes se compone de cinco versiones, con Arocena interpretando "Stuck" de Peven Everett, "Asking Eyes" de Rafaella Renzulli, "Gods Of Yoruba" de Horace Silver, "African Sunshine" de Eddie Gale y "El 456" de El Brito, además del tema original "Muy Cerquita de Ti". Algunas canciones tienen ritmos latinos bailables y otras son jazz. En "Muy Cerquita de Ti" se escucha una voz de alto que merece ser más conocida, al igual que todos los músicos de este álbum.

Si no se sabe o no se les dice que las canciones de One Takes son versiones, la mayoría de los oyentes probablemente asumirían que son composiciones originales. Así de bien han sido interpretadas. "African Sunshine" y "Gods of Yoruba", en particular, están increíblemente bien concebidas, pero "Muy Cerquita de Ti" es, sin duda, el punto culminante del álbum. Tras un increíble inicio de bajo, presenta trompetas, palmas y voces que entran y salen en una canción que uno desea que nunca termine. Es apropiado que la mejor canción de este álbum sea la más cercana, especialmente al compararla con las cosmopolitas versiones de Arocena de la música de otros. El primer cosmopolita oficial de la historia occidental fue Diógenes, conocido por la frase "Soy ciudadano del mundo", del cosmos. Creemos que Arocena expresa exactamente la misma frase cantando una canción italiana y una estadounidense. Cuando canta, la voz de Arocena nos ofrece más textura que cualquiera de los instrumentos, y eso es lo que hace brillar estas canciones. Por muy ligero que suene el piano o mágico que sea un platillo, la voz de Arocena nos cautiva como ningún otro instrumento hasta que volvemos a la instrumentación habitual. Los instrumentos tienen mucho más tiempo para actuar por sí solos que con Arocena, y la estrategia aquí es combinar unas pocas voces con una gran cantidad de instrumentos bien ejecutados.

Arocena y su banda poseen un talento excepcional, incluso en un mundo globalizado: la capacidad de dominar diversas composiciones. One Takes es un EP fenomenal. Sigamos su ejemplo y el de su banda y dejemos que el mundo entero entre en nuestras vidas, sin olvidar que cada uno de nosotros proviene de un hogar que merece expresarse con la complejidad suficiente para incluir instrumentos, canto y palmas._ Adolf Alzuphar (soundsandcolours)

                                                      

                                                                                        

Daymé Arocena - One Takes (2016 Brownswood)

Temas:

01. Gods of Yoruba (Escrito por Horace Silver)  

02. African Sunshine (Escrito porEddie Gale) 

03. El 456 (Escrito por Alfredo Brito, Julio Brito) 

04. Asking Eyes (Escrito porClaude Gouiffé, Raffaela Renzulli) 

05. Stuck (Escrito porPeven Everett) 

06. Muy cerquita de ti (Close to You) (feat. Jose Pilar, Jesus Dedeu, Luis Stock, Ruben Bulnes, Julio Padron) (Escrito por Burt Bacharach, Daymé Arocena, Hal David, Julio Padrón)

Musicos:

Dayme Arocena (Voz)

Jorge Luis Lagarza (Piano)

Gastón Joya (Contrabajo)

Ruly Herrera (Batería #1-5)

Yaroldy Abreu (Percusión #1-3,5)

Bárbaro Y. Crespo (Percusión #6)

Joel Bulnes (Percusión #6)

Lucumi (Percusión #6)

Ramón Tamayo (Percusión #6)

Yovani Diaz (Percusión #6)

Emir Santacruz (saxo tenor #1,3,5)

Carlos Miyares (saxo tenor#2)

Yoandy Argudin (Trombón #1-3,5)

Julio Padrón (Trompeta, voz #6)

Jesús Dedeu, Carlos Bravo, Luis Stock, Raysel Sotomayor, Yassel Sotomayor José Pilar, Ruben Bulnes (Voces #6)

Grabado en Egrem Studios, Havana

Baden Powell - Tristeza On Guitar

Baden Powell de Aquino (Varre-e-Sai, 6 de agosto de 1937 - Río de Janeiro, 26 de septiembre de 2000) ampliamente conocido como Baden Powell, fue un guitarrista brasileño. Interpretó muchos estilos de música brasileña, tales como bossa nova, samba, jazz brasilero, pop brasilero, jazz latino y música popular brasileña (MPB). Es padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Luis Marcel Powell de Aquino..._(wikipedia)

En 2018 se celebró el 50.º aniversario de la fundación del sello alemán de jazz MPS. Para celebrar la ocasión, se lanzó en descarga el catálogo de más de 400 álbumes del sello, y se inició un programa de reediciones en vinilo y CD. Tristeza on Guitar, del guitarrista brasileño Baden Powell, es uno de los primeros discos. Publicado originalmente en 1966, es un tesoro imperecedero de la música brasileña del siglo XX.

Entre 1966 y 1976, Powell grabó nueve álbumes para MPS, todos producidos (con un toque ligero) por el erudito del jazz Joachim-Ernst Berendt. Tristeza on Guitar, grabado en Río de Janeiro después de que Berendt pasara casi una semana buscando al bohemio y escurridizo Powell, fue el primero de ellos. El quinteto que lo acompaña está compuesto por la flor y nata de los músicos contemporáneos de bossa nova/samba e incluye al percusionista Alfredo Bessa y al baterista Milton Banana. El álbum presenta diversas combinaciones de músicos, desde Powell como solista hasta la formación completa.
Además de ser un guitarrista con una técnica formidable y una gran alma, Powell era un compositor talentoso, y seis de las diez piezas de este álbum son originales. Entre ellas se encuentran los populares "Canto de Xango" y "Canto de Ossanha", ambos incluidos en 1966 en Os Afro Sambas de Baden e Vinicius (Forma), la obra maestra vocal de Powell, creada con el poeta y letrista Vinicius de Moraes. Las cuatro piezas no originales son "Round About Midnight" de Thelonious Monk y Cootie Williams, "Tristeza" de Haroldo Lobo, "Manha De Carnaval" de Luiz Bonfa y "Das Rosas" de Dorival Caymni. 

A pesar de su título, el tono de Tristeza en Guitarra es generalmente exuberante y festivo.

La notable excepción es "Manha de Carnaval", popularizada por la película de Marcel Camus de 1959, Orfeo Negro, que resulta conmovedoramente emotiva. Años posteriores se grabarían versiones animadas y revisionistas, pero en 1966 la pieza seguía tan estrechamente asociada a la película que reformularla como una alegre travesura habría sido impensable. "Canto de Xango" y "Canto de Ossanha", dedicados a los orishas de los que toman sus nombres, son etéreos pero vibrantes. "Round About Midnight", una de las dos versiones de la melodía que grabó Powell, y aquí interpretada solo con guitarra y bajo, evoca soledad, pero no soledad. "Tristeza" en sí misma (que no debe confundirse con "Tristeza e Solidao" de Powell y de Moraes, de Os Afro Sambas) es más alegre que triste. Todos los álbumes MPS de Powell son un negocio, pero este, grabado en Brasil con una formación 100% brasileña dos años antes de que Powell se mudara definitivamente a Francia, tiene una magia especial._Chris May (allaboutjazz)

                                                                                 

                                                                                

Baden Powell - Tristeza On Guitar (1966, 2017, MPS)

Temas:

01. Tristeza (Haroldo Lôbo, Nitinho)

02. Canto De Xango (Baden Powell, Vinicius De Moraes)

03. Round About Midnight (Cootie Williams, Thelonious Monk)

04. Sarava (Baden Powell)

05. Canto De Ossanha (Baden Powell, Vinicius De Moraes)

06. Manha De Carneval (Antônio Maria, Luiz Bonfá)

07. Invencao Em 7 1/2 (Baden Powell)

08. Das Rosas (Dorival Caymmi)

09. Som Do Carnaval (Baden Powell, Copinha)

10. O Astronauta (Baden Powell, Vinicius De Moraes)

Musicos:

Baden Powell  (Guitarra, agogo, surdo)

Nicolino Cópia "Copinha"  (Flauta, agogo)

Sergio Barroso  (Bajo)

Alfredo Bessa (Atabaque, guica)

Amauri Coelho (Pandeiro, atabaque)

Milton Banana (Batería) 

Alexis Cuadrado - A Lorca Soundscape

Cuando los tiempos son difíciles, la injusticia está en el aire y hay que decir algo, el jazz siempre encuentra la manera de hacerlo. ¡En el pasado, Billie Holiday cantaba «Strange Fruit» en Cafe Society, el batería Max Roach y el vocalista Abbey Lincoln se desahogaban en We Insist! Max Roach's Freedom Now Suite (Candid, 1960), el bajista Charles Mingus y el bajista Charlie Haden sermoneando con su Liberation Music Orchestra; hoy, es el bajista Alexis Cuadrado quien mira a través de una lente lorquiana de su propia creación.
El paisaje sonoro lorquiano de Cuadrado, que surgió como un encargo de Chamber Music America, habla de las injusticias actuales, del lado oscuro de la vida neoyorquina/estadounidense y de la división entre los que tienen y los que no, haciendo referencia a una obra poética que hizo lo mismo más de ochenta años antes. El poeta y dramaturgo español Federico García Lorca llegó a Nueva York en 1929, justo a tiempo para presenciar el crack bursátil que desencadenó la Gran Depresión. Lorca fue testigo de la triste situación que siguió a aquel épico colapso económico. Se encontró con «un espectáculo de suicidios, de gente histérica y de grupos desmoralizados. Un espectáculo espantoso ausente de grandeza». Lo que vio le sirvió de inspiración para escribir Poeta en Nueva York, y el barcelonés afincado en Nueva York Cuadrado utilizó esa obra como inspiración para su propio arte de protesta, nacido a raíz de la Gran Recesión; todo un paralelismo si los hay.

En A Lorca Soundscape, Cuadrado combina lo atrevido («New York (Oficina Y Denuncia)») y lo bello («Vals En Las Ramas»), afirmando que la música protesta no tiene por qué ser fea o abrasiva. La vocalista Claudia Acuña hace las veces de portavoz literal de las palabras de Lorca, pronunciando frases elegantes pero innegablemente firmes, pero la música también habla mucho. Los ostinatos entrecruzados crean una introducción minimalista y española sobre la percusión en «Danza De La Muerte», el saxofón alto de Miguel Zenón y el bajo de Cuadrado unen sus fuerzas y pintan una escena lúgubre pero elegante al comienzo de «La Aurora», y el pianista Dan Tepfer sirve de guía direccional en la plácida «Vals En Las Ramas».
La música que aquí se presenta es realmente poderosa y transmite mensajes importantes que necesitan ser transmitidos. Cuadrado ha dado a luz una obra maestra ligada al pulso de Nueva York a través de España en 2013._Dan Bilawsky (allaboutjazz)

                                                                           

                                                                             

Alexis Cuadrado - A Lorca Soundscape (2013)

Temas:

01. Vuelta De Pasdeo

02. Norma Y Paraíso - El Rey De Harlem

03. Asesinato (Dos Voces De Madrugada En Riverside Drive)

04. Danza De La Muerte

05. La Aurora

06. New York (Oficina Y Denuncia)

07. Vals En Las Ramas

Musicos:

Alexis Cuadrado (Bajo, bombo legüero en temas #1, #4, cajón, palmas, coros en tema #4)

Claudia Acuña (Voz) 

Miguel Zenón (Saxo alto)

Dan Tepfer (Piano)

Mark Ferber (Batería)

Gilmar Gomes (Congas en tema #3, djembé, campanas, rebolo y pandeiro en tema #4).

Chucho Valdés - Chucho Valdés

Dionisio Jesús Valdés Rodríguez, más conocido como Chucho Valdés (Quivicán, Cuba, 9 de octubre de 1941),​ es un pianista cubano de jazz afrocubano, fundador del grupo Irakere.
Su padre fue el también pianista de jazz afrocubano Bebo Valdés (1918-2013). Ambos nacieron un 9 de octubre en la misma ciudad, Quivicán.
Ganador de doce GRAMMY's; siete GRAMMYs y cinco Latin GRAMMYs y el Premio a La Excelencia Musical de La Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación™ y también fue iniciado en el Salón de la Fama de los Compositores Latinos (Latin Songwriters Hall of Fame), Dionisio Jesús «Chucho» Valdés Rodríguez es natural de Quivicán, provincia de La Habana, Cuba.

Nacido en 1941, el pianista, compositor, profesor de música, arreglista musical y director de grupo comenzó su formación musical en la infancia, en su casa, bajo la influencia de su padre "el gran Bebo Valdés", y su madre, Pilar Rodríguez, profesora de piano y cantante. A la edad de 3 años ya tocaba al piano las melodías que escuchaba en la radio, de oído, con las dos manos, en cualquier tono. El ambiente musical de la familia le permitió adentrarse con soltura en el conocimiento de los más diversos estilos y géneros de la música. Casado con Lorena Salcedo desde 2009. Chucho Valdés tiene seis hijos : Chuchito Valdés Cortes, Emilio Valdés Cortes, Yousi Valdés Torres, Leyanis Valdés Reyes, Jessie Valdés Reyes, Julian Valdés Salcedo..._(wikipedia)

                                                                        

Chucho Valdés - Chucho Valdés (1970, Areito LDA-3345)

Temas:

01. El Manisero ( Moisés Simons)

02. Dos Perlas Y Un Dolor (Osvaldo Urrutia)

03. La Sombra (Chucho Valdés)    

04. Preludio Nº1 En D (Chucho Valdés)

05. Me Faltabas Tú (José A. Méndez)

06. Canción De La Tarde (D.R.)

07. Canción De Un Festival (César Portillo De La Luz)

08. Sony (D.R.)     

09. Realidad Y Fantasía (César Portillo De La Luz)    

10. Novia Mía (José A. Méndez)

11. Tú, Mi Delirio (César Portillo De La Luz)    

12. Invento Nº4 (Chucho, Pla, Cachaíto)

Musicos:

Chucho Valdés (Piano)

Orlando "Cachaíto" López (Contrabajo en temas #2 a 12)

Enrique Plá (Batería en temas #2 a 12)

Producido y Distribuido por EGREM Habana-Cuba (Curva RIAA)

Babatunde Lea - Soul Pools

Babatunde Lea (nacido Michael Wayne Lea; 18 de febrero de 1948) es un percusionista estadounidense que toca jazz afrocubano y worldbeat. Tomó su nombre del batería nigeriano Babatunde Olatunji.

Michael Lea se crió en Englewood, Nueva Jersey, mientras se desplazaba regularmente a la calle 116 y Amsterdam de Nueva York, donde vivía el resto de su familia tras mudarse de su ciudad natal, Danville, Virginia. Su tía fue una de las primeras mujeres en tocar en una banda de música. Empezó a tocar el tambor a los 11 años, cuando, sin experiencia en ello, ayudó a una línea de tambores a conseguir un ritmo correcto. Ese mismo año, su primo le llevó a ver a Babatunde Olatunji y su «Drums of Passion», y la influencia de Olatunji fue tan grande que Michael adoptó su nombre de pila. A los 16 años, participó por primera vez en una sesión de grabación profesional con Ed Townsend. En 1968, se trasladó a San Francisco, donde se unió a Bata Koto, dirigida por Bill Summers. Se unió a una banda llamada Juju, que se trasladó a Richmond, Virginia, a principios de la década de 1970..._(wikipedia)

El maestro percusionista y batería Babatunde Lea ha convocado el espíritu del ritmo en compañía de algunas de las mayores luminarias del jazz y las músicas del mundo. En Soul Pools, Lea lidera un nuevo equipo de estrellas que incluye a John Benítez al bajo, Kevin Jones a la percusión, Ku-umba Frank Lacy a los vientos y la voz, Hilton Ruiz al piano y Mario Rivera al saxo y la flauta. Su asombroso debut para Motema Music muestra su exhaustivo trabajo de batería y percusión, emocionante, estimulante y espiritual. Brillante solista, Lea está sensacional en «Jackie and The Beanstalk» de Kenny Garrett. Su solo está lleno de pasión, profundidad y la musicalidad adquirida tras años de viajes, formación y trabajo con músicos afines. Además de los grandes artistas de músicas del mundo y jazz instrumental que actuarán en este programa, Babatunde Lea ha invitado a la vocalista Jana Herzen a interpretar su composición original cargada de blues titulada «Round The World». 

Su sensual voz de contralto adquiere mayor dimensión gracias a los excelentes solos de acompañamiento de Raul Midon a la guitarra y Frank Lacy al trombón. En general, el arte sin concesiones de Babatunde Lea está bien respaldado a lo largo de este esfuerzo estelar. La mejor apuesta: «Soul Pools» por su belleza intrínseca, sus magníficos arreglos de trompa y su naturalidad lírica. Este CD es imprescindible para los entusiastas de las músicas del mundo y del jazz que disfrutan con los compases dinámicos, el ritmo y la síncopa de los maestros de la batería y la percusión._Paula Edelstein (allmusic)

                                                                                

                                                                          

Babatunde Lea - Soul Pools (2002)

Temas:

01. Confrontation (Babatunde Lea)

02. Jackie And The Beanstalk (Kenny Garrett)

03. Isabella (Frank Lacy)

04. Round The World (Jana Herzen)

05. Whoa Baba! (Babatunde Lea)

06. 1055 (Raul Midón)

07. Ejercito Moreno (Babatunde Lea)

08. Yerba Buena (Raul Midón)

09. Outlyer (Babatunde Lea)

10. Soul Pools (Babatunde Lea)

11. Carolyn's Dance (Frank Lacy)

12. "Live At Rasselas" Footprints (Wayne Shorter)

Musicos:

Babatunde Lea (Batería, percusión)

Ku-umba Frank Lacy (Trombón, trompeta, fliscorno, voz)

Hilton Ruiz (Piano)

John Benitez (Bajo)

Mario Rivera (Saxo soprano, saxo tenor, flauta travesera)

Kevin Jones (Percusión)

Artistas invitados

Jana Herzen (Voz)

Raul Midon (Guitarra, voz trompeta, coros)

Grabado en Showplace Studios, Dover, NJ.

Cesare Mecca - Afro Cuban

Cesare Mecca, nacido en 1996, se apasionó por la música a una edad temprana y comenzó a estudiar trompeta con Roberto Ferro a los siete años, en la Filarmonica Bosconerese (dirigida por el Maestro Pietro Marchetti), donde actualmente toca la 1ª trompeta.
A los 11 años comenzó a estudiar trompeta clásica en el Conservatorio G. Verdi de Turín bajo la dirección del Maestro Paolo Russo. Fue seleccionado para la final del 'Premio Abbado 2015', sección de trompeta clásica (ex. Premio Nacional de las Artes).
Obtuvo su diploma de trompeta a los 18 años y, al mismo tiempo, la Maturità scientifica en el Liceo A. Volta de Turín. Actualmente cursa el máster de trompeta de jazz en el 'Conservatorium van Amsterdam' - Holanda.
Paralelamente a sus estudios en el Conservatorio, estudia trompeta jazz en la Filarmonica Jazz Band de Pianezza (To) con el maestro Sergio Chiricosta y piano jazz con el maestro Guido Canavese, gracias al cual, a los 12 años, pudo conocer y tocar con Marcello Rosa, Alfredo Ponissi, Mauro Battisti y Flavio Boltro.
Actualmente está matriculado en el primer año de Composición en el Conservatorio G. Verdi de Torio con el Maestro Giuseppe Elos.
Colaboraciones con orquestas: Orchestra Sinfonica del Conservatorio G. Verdi di Torino (dirigida por M° Giuseppe Ratti y -en una producción- por M° Donato Renzetti); Brass Band del Conservatorio G. Verdi di Torino (dirigida por M° Lorenzo Della Fonte); Participación en la primera interpretación nacional de la Sinfonía nº 3 de Kchachaturian con la Orchestra Vivaldi di Sondrio dirigida por M° Lorenzo Passerini.

Tocó en el Festival de Jazz de Turín y Andora Jazz con la Orquesta Gatsby de Alessandro Muner.
Durante el Festival de Jazz de Turín en 2016 actuó en el escenario principal en Piazza Castello seleccionado durante el taller de la Juilliard School.
Tras su participación en los talleres Juilliard, como parte de la colaboración entre la Juilliard School y el Departamento de Jazz del Conservatorio de Turín (basado en un proyecto del maestro Emanuele Cisi), tuvo la oportunidad de pasar una semana en el Lincoln Centre de Nueva York como invitado de la Juilliard School.
Tocó como invitado del trío manouche Accordi Disaccordi.
Ha actuado en los Festivales de Jazz de Ivrea y Novara.
Actualmente colabora en dos cuartetos de jazz con el baterista Alessandro Minetto y en un septeto con Fabio Giachino, Luca Begonia, Gianni Virone, Paolo Porta, Ruben Bellavia y Davide Liberti.

En verano de 2016 participó en los Umbria Jazz Clinics, donde obtuvo una beca para la Berklee School of Music de Boston y fue seleccionado para abrir el Orvieto Jazz Winter 2016._(countbasie)

El segundo álbum del trompetista de jazz italiano de rápido ascenso, Cesare Mecca, es un bello y misterioso mundo de jazz afrocubano, ¡con trompetas románticas llenas de notas peligrosas!

                                                                                      

                                                                                  

Cesare Mecca - Afro Cuban (2024)

Temas:

01. Rumbola (Dizzy Gillespie)

02. Beautiful Maria Of My Soul (Robert Kraft)

03. Marianela (Arturo Sandoval)

04. Tin Tin Deo (Dizzy Gillespie)

05. Sabor A Mi (Alvaro Carrillo)

06. Historia De Un Amor (Carlos Eleta Almarán)

07. Feelings (Morris Albert)

08. Mambo Inn (Mario Bauzá)

09. Until We Meet Again (Herb Alpert)

Musicos:

Cesare Mecca (Trompeta)

Massimo Faraò (Piano)

Nicola Barbon (Bajo)

Davide Palladin (Guitarra)

Byron Landham (Batería)

Ernesttico (Percusión)

Claudia Zannoni (Voz)