Elza da Conceição Soares (de soltera Gomes; 23 de junio de 1930 – 20 de enero de 2022), conocida profesionalmente como Elza Soares (portugués brasileño: [ˈɛwzɐ ˈswaɾis]), fue una cantante brasileña de samba. En 1999, la BBC Radio la nombró Cantante del Milenio junto con Tina Turner. Elza fue considerada peligrosa por la dictadura militar en Brasil (1964-1985), y en 1970 su casa en el barrio Jardim Botânico, en Río de Janeiro, fue ametrallada por agentes del régimen. Dentro se encontraban su pareja, Garrincha, y sus hijos. La sala de estar, donde estaban los niños pequeños, quedó destruida por las explosiones. Ella y Garrincha tuvieron que huir a Italia, donde fueron recibidos por Chico Buarque de Hollanda, también exiliado._(wikipedia)
La mujer del fin del mundo, Elza Soares, conocida por su capacidad para hacer lo que deseara con su voz —una voz oscura, áspera y potente—, dio a conocer al mundo su segundo álbum de estudio, A Bossa Negra. Originalmente lanzado en 1960 por Odeón y producido por Ismael Corrêa, este trabajo ofrece una vibrante, colorida y enérgica colección de ritmos profundamente arraigados en la cultura negra, con el acompañamiento de metales de big band. Como una bandada de golondrinas volando y llenando el verano de alegría, A Bossa Negra, expone una atmósfera fogosa y contagiosa, y se considera un clásico del sonido «samba-soul». A Bossa Negra consolidó a Elza Soares como una de las voces más destacadas de la música brasileña, donde su característica voz ronca se convirtió en su distintivo más reconocible.
Este álbum está profundamente entrelazado con la creación de una experiencia rica en significados densos y ambiguos, influenciada por sus raíces, las estructuras sociales opresivas y su devenir social; la vida de Soares es una de las historias más impactantes y, en última instancia, refleja cómo la violencia se dirige más hacia unos cuerpos que hacia otros. Creció en la extrema pobreza de una favela en Vila Vintem en Río de Janeiro, y a los 13 años, fue obligada a casarse con un hombre que la violó. Tuvo varios hijos, de los cuales dos murieron de hambre. En una vida llena de ausencias, se casó con el futbolista Garrincha, lo perdió a él debido al alcohol y las mujeres, y también perdió a su otro hijo y a su madre en accidentes de coche. Su primer matrimonio estuvo marcado por la violencia; su ex-esposo Lourdes, en una ocasión, le disparó en el brazo al sospechar que las cantantes eran prostitutas. Sin embargo, Elza se negaba a ser definida en términos fracturados, rechazando ser vista sólo a través de la mirada patriarcal. A Bossa Negra encarna una mezcla quimérica de pasión y fuego, con la contradicción de ritmos alegres y letras tristes.
La incomparable vitalidad que habita en su obra musical se refleja en canciones como «Boato» y «Cadeira Vazia». Estas piezas, que forman parte del disco, son sinónimo de su resistencia inherente, lo cual las ha llevado a alcanzar el máximo reconocimiento en las listas de éxitos en Brasil._Angie Rojas (600discoslatam)
Sylvia D'Atri Telles ( Río de Janeiro , 27 de agosto de 1934 - Maricá , 17 de diciembre de 1966 ) fue una cantante y compositora brasileña . Es considerada una de las más grandes intérpretes de bossa nova y MPB . La mayoría de sus álbumes están agotados, lo que dificulta que las generaciones recientes lo entiendan. Sin embargo, ocasionalmente se publica una recopilación con algunas de sus numerosas grabaciones.
Según un artículo publicado en O Globo y firmado por João Máximo, "Sylvinha fue uno de los mejores intérpretes de la música brasileña moderna, entendida como tal desde el Ponto final - con Dick Farney y Amargura , con Lúcio Alves , hasta las canciones que Tom y Vinicius lo hizo después del Orfeu da Conceição "..._(wikipedia)
Silvia Telles no tiene una voz potente, pero afortunadamente no le hace falta para tejer la magia de estos clásicos brasileños como «Corcovado», «Dindi» y «Samba de Uma Nota So» («Samba de una nota»). También prueba con estándares del pop americano, un popurrí de «All the Way», «The Boy Next Door» y «They Can't Take That Away From Me». Telles suena mucho menos segura aquí, aunque su dominio del fraseo en inglés está definitivamente a la altura - y, en las últimas canciones, juega con las letras, sustituyendo «the way we mamboed 'til three» por la original de Gershwin. De nuevo en tierra firme, su «Dindi» evoca mucho más la melancolía anhelante de sus mejores interpretaciones, y su «Oba-La-La» es dulce y seductora. Con material de Roberto Menescal y Oscar Castro Neves, además de los dos pesos pesados Gilberto y Jobim, Silvia Telles demuestra ser una de las vocalistas brasileñas más fuertes de la época pre-bossa, y una influencia considerable en Elis Regina. El acompañamiento, principalmente flauta y vibráfono con percusión ligera y coristas ocasionales, es adecuadamente elegante y discreto._John Bush (allmusic)
01. Samba Tôrto (Aloysio De Oliveira, Antonio Carlos Jobim)
02. All The Way / The Boy Next Door / They Can't Take That Away From Me ( Sammy Cahn - Jimmy Van Heusen, Hugh Martin, Ralph Blane, George & Ira Gershwin)
03. Corcovado (Antonio Carlos Jobim)
04. Tetê (Roberto Menescal, Ronaldo Bôscoli)
05. Se É Tarde Me Perdoa (Carlos Lyra, Ronaldo Bôscoli)
06. Chora Tua Tristeza (Luvercy Fiorini, Oscar Castro Neves)
07. Dindi (Aloysio De Oliveira, Antonio Carlos Jobim)
08. Oba La La (Aloysio De Oliveira, João Gilberto)
09. Samba De Uma Nota Só (Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça)
10. Gardez Moi Pour Toujours "Por Causa De Você" (Antonio Carlos Jobim, Dolores Duram)
Luiz Floriano Bonfá (17 October 1922 – 12 January 2001) was a Brazilian guitarist and composer. He was best known for the music he composed for the film Black Orpheus.
Luiz Floriano Bonfá was born on 17 October 1922, in Rio de Janeiro. His father was an Italian immigrant. He began studying with Uruguayan classical guitarist Isaías Sávio [pt] at the age of 11. These weekly lessons entailed a long, harsh commute (on foot, plus two and a half hours on train) from his family home in Santa Cruz, in the western rural outskirts of Rio de Janeiro, to the teacher's home in the hills of Santa Teresa. Given Bonfá's extraordinary dedication and talent for the guitar, Sávio excused the youngster's inability to pay for his lessons..._(wikipedia)
Eso es la música brasileña. En unas pocas líneas inolvidables, el poeta Olavo Bilac destaca aquí los orígenes exóticos de la música popular de su país natal: una embriagadora mezcla de elementos indígenas, portugueses y africanos. En esa mezcla, el todo se ha convertido en mucho más que la suma de sus partes. En el subcontinente brasileño se ha desarrollado una música propia y de gran calidad que solo rinde un respeto simbólico a su pasado. De principio a fin, es un logro brasileño. Junto a su herencia étnica, este mismo Brasil cuenta con una tradición centenaria de apoyo entusiasta a la ópera italiana y, más recientemente, ha incorporado el jazz estadounidense a su repertorio.
Hay que tener todo esto en cuenta para apreciar a Luiz Bonlull. Su música refleja una experiencia increíblemente amplia. «Indian DanaJ» rinde homenaje a los habitantes originarios de Brasil, esos indígenas dotados de un gran talento musical que la avalancha de la civilización ha empujado hacia los rincones más recónditos de la selva. «Old Times» es un choro, un género musical con profundas raíces en el pasado, pero tan popular como siempre en el Brasil actual. Arabesque evoca a las elegantes bailarinas de Iberia. Marajó, Island Of Trindade y Carnival están marcadas por los ritmos que trajeron a Brasil los esclavos africanos.
Y, sin embargo, otras piezas de este álbum constituyen una sofisticada mezcla de música folclórica con música de salón europea y jazz estadounidense.
Luiz Bonfá nació en Río de Janeiro y ha pasado allí la mayor parte de su vida. A los 12 años comenzó a estudiar la guitarra española, el «instrumento nacional», por así decirlo, dada su popularidad. Hasta hace cincuenta años, nadie se tomaba en serio la guitarra en Brasil; era lo que se buscaba en los cabarets y en las fiestas callejeras, y poco más. La guitarrista de fama mundial Olga Coelho ha escrito, por ejemplo, que hace apenas unas décadas, cuando dio su primer concierto formal en Río de Janeiro, su padre consideró que, al hacerlo, se había deshonrado.
Los serios esfuerzos de músicos como Heitor Villa-Lobos e Isaías Savia, el gran maestro de la guitarra clásica con quien Bonfá estudió durante varios años, llevaron a los brasileños a darse cuenta por fin de que la guitarra es un instrumento ideal para la expresión del genio musical brasileño, ya sea en sus formas populares o en las serias. Hoy en día, todos los compositores destacados de Brasil escriben obras originales para ella, y en los conservatorios de música se pueden cursar estudios de guitarra a la altura de los de cualquier otro instrumento virtuoso.
Las primeras actuaciones públicas de Luiz Bonfá tuvieron lugar en conciertos ofrecidos en Río de Janeiro por alumnos de Isaías Savia. Bonfá se enorgullece enormemente de su vínculo con la tradición de la guitarra clásica, como queda patente, por ejemplo, en su propia composición «Preludio», que puede escucharse en esta grabación. Sin embargo, en los últimos años, Bonfá ha explorado otros ámbitos musicales con el fin de ampliar su abanico expresivo. A los 18 años ya tuvo oportunidades para poner programas de música popular en la radio. También empezó a destacar su talento para componer canciones populares. A día de hoy, cuenta con más de 100 canciones publicadas. «Perdido Amor» y «De Cigarro em Cigarro» son quizás las más conocidas. El repertorio de Bonfá en sus conciertos se compone ahora casi en su totalidad de composiciones propias.
Tras haber tocado en todos los clubes más importantes de Río de Janeiro, Bonfá decidió a finales de 1937 venir a Estados Unidos por un tiempo. Poco después de su llegada, conoció a Mary Martin en un cóctel. Al oírle tocar, ella se entusiasmó tanto que le pidió que se uniera a ella como artista destacado en una gira de conciertos que iba a emprender en septiembre de 1958 y que se prolongaría hasta la primavera de 1959. Los conciertos de Martin estaban concebidos como veladas informales y agradables de relajación musical, y las tranquilas y hermosas canciones que componen el repertorio de Bonfá contribuyeron enormemente a su éxito. Muchas de las selecciones más populares que Bonfá interpretó en estos conciertos (Bagpipes, Marajo, Preludio) se incluyen aquí.
Los estadounidenses que escucharon a Bonfá quedaron asombrados por la variedad de efectos técnicos y cromáticos que producía con su guitarra. «Marajo» podría considerarse un ejemplo especialmente espectacular. Se trata de un solo de guitarra, pero suena como si tuviera toda una batería de percusión detrás de él. La ilusión de timbales y bongos de fondo se consigue golpeando la madera del propio instrumento. Obsérvese también cómo alterna pasajes estridentes y resonantes con otros de tonalidad más relajante, como si se tratara de dos instrumentos en un diálogo violento.
La gaita fue uno de los elementos más populares de los conciertos. Bonfá logra una auténtica proeza al recrear de forma realista con su instrumento el gemido de las gaitas y el traqueteo de los tambores, atenuándolos hacia el final, como si las tropas hubieran desaparecido tras una colina. Sin embargo, la guitarra no es un instrumento de relleno para Bonfá. Tampoco se impone en la escena con nada que no sea del mejor gusto. En algo tan íntimo como Nelly, un tierno vals escrito para su esposa, estoy seguro de que somos nosotros quienes nos entrometemos en su intimidad.
Durante su estancia en Estados Unidos, Bonfá exploró con entusiasmo nuestra música. El jazz, en particular, le fascinaba profundamente. Con el tiempo, también llegó a conocer bastante bien a muchos músicos de jazz estadounidenses. George Back In Town rinde homenaje a su afecto por George Shearing y le hace un guiño al capturar algo del sonido impresionista del grupo de Shearing. La versatilidad musical de Don Elliott impresionó a Bonfá y le llevó a pedirle que participara en algunas de las grabaciones de este álbum. El auténtico sentimiento jazzístico de I'll Remember April y Lonely Lament, de Bonfá, sugiere que alguien podría formar un combo de jazz muy eficaz en torno a este magnífico brasileño.
Brasil ha sido un crisol de muchas culturas y su música lo refleja, al igual que la nuestra. Esto le aporta color y fuerza. Su música es muy sincopada, como el jazz, y, al igual que este, permite y fomenta la improvisación. No es de extrañar, pues, que Bonfá se haya integrado con tanta facilidad en nuestro círculo musical; y qué maravilla para nosotros que este LP nos permita explorar a fondo el suyo. _Gary Kramer (De las notas originales del disco)
Luiz Bonfá - Amor! The Fabulous Guitar of Luiz Bonfá (1959-R.2001)
Temas:
1. Brasília (Luiz Bonfá)
2. I'll Remember April (Gene de Paul / Don Raye / Patrícia Johnston)
Mauricio Einhorn (Río de Janeiro, 29 de mayo de 1932) es un armonicista brasileño. Hijo de inmigrantes judíos polacos, sus padres eran armonicistas. Comenzó a tocar la armónica a los cinco años, actuando en la escuela franco-brasileña donde estudió hasta los trece. La constancia del músico con el instrumento fue tal que, a los diez años, Einhorn comenzó a participar en reconocidos programas de talentos radiofónicos de la época, como "A Hora do Pato" y "Papel Carbono" (en Radio Nacional); e incluso en el programa de Ary Barroso y Gaitas Hering en Radio Tupi, junto a Fred Williams y otros.
Cuando era adolescente tocó en dúos, tríos y cuartetos, y a principios de la década de 1950 se introdujo en los estilos del jazz y el choro. Su primera grabación fue en 1949 cuando, en la canción "Portate Bien", hizo un solo con un conjunto de armónica de los Rascals brasileños. Actuó con Waldir Azevedo y su Regional en Rádio Clube do Brasil. Hacia 1955, en el desaparecido Hotel América, frente al Club Hebraica, conoció a Durval Ferreira durante un baile donde tocaba Maurício Einhorn. La primera canción de los dos, "Sambop", fue grabada en 1959 por Claudete Soares en el LP "Nova Geração em Rítmo de Samba", en el que participó. Luego vinieron: "Estamos aí" (con Durval Ferreira y Regina Werneck) grabada por Leny Andrade; "Tristeza de Nós Dois" (con Durval Ferreira y Bebeto); "Batida Diferente", "Nuvem" y "Clichê" (todos con Durval Ferreira), "SamBlues" (con Durval Ferreira y Regina Werneck) y muchos otros. Destacó en la bossa nova, un movimiento cuya influencia cambió el curso de MPB..._(wikipedia)
La leyenda de la armónica de jazz Toots Thielemans describió a su amigo, el armonicista y compositor Mauricio Einhorn, como «una fuerza vital en la música brasileña, tanto como intérprete como compositor». La influencia de Einhorn se extiende al jazz. Ha trabajado con figuras tan importantes como Jim Hall, David Sanborn, Paquito D’Rivera, Baden Powell, así como con los cantantes Bobby McFerrin y Sarah Vaughan; músicos de la talla de Cannonball Adderley, Herbie Mann y la leyenda de la bossa nova Jobim han grabado sus composiciones. Grabado en Río en 1979, Me fue el primer álbum de Mauricio bajo su propio nombre, ¡y qué grabación! Einhorn reunió a un grupo de músicos excepcionales, todos versados en la música tradicional brasileña y en el jazz. Las diez composiciones originales dan testimonio de la talla de Einhorn como compositor. Tenemos la contagiosa A Different Beat con sobresalientes solos de armónica, piano y
flauta, Saro con sus enérgicos solos de armónica, saxo y bajo Fender, la exquisita balada Alvorada y la alegre joya Estamos Ai. Luego tenemos el suave vals de jazz Toy y un tema escrito para los grandes del jazz Ron Carter y Jim Hall, Limbo con sus potentes voces. La breve pero dulce Claus es seguida por la conmovedoramente romántica Tristeza De Nos Dois y la fascinante Sketch. El apasionado solo de Einhorn en su balada Joy cierra un álbum que satisfará a todo amante de la música brasileña. ¡Jazz latino en su máxima expresión creativa!_ (mps-music)
Laura Ann Singh es una cantante, artista discográfica y compositora estadounidense multilingüe, a menudo asociada con la música popular brasileña y los boleros latinos. Ha actuado internacionalmente en Europa, Rusia y Sudamérica, y con Miramar ha aparecido en Tiny Desk de NPR y ha sido cabeza de cartel del globalFEST en la ciudad de Nueva York. Ha grabado con Daptone Records, Barbès Records y Electric Cowbell, así como en docenas de grabaciones independientes. Su repertorio abarca toda América Latina, especialmente Brasil, pero incluye estándares del American Songbook, compositoras y música original..._(arts.vcu.edu)
Kevin Harding y Laura Ann Singh formaron Quatro na Bossa en 2003 a partir de su interés compartido por la historia de la música popular brasileña. El bajista Rusty Farmer y el baterista y compositor Scott Clark completan el cuarteto. Aunque en un principio exploraban composiciones de la época de la bossa nova (ca. 1960), ahora tocan una amplia selección de canciones brasileñas de diferentes regiones y épocas. Kevin ha recibido clases de los guitarristas brasileños Romero Lubambo y Toninho Horta, y en Río de Janeiro con el guitarrista de choro Bilinho Teixeira, mientras que Laura Ann estudió con la vocalista Fabiana Cozza en São Paulo. Además de actuar en Virginia y en el área de Washington D. C., el cuarteto ha actuado en numerosas ocasiones en el Dizzy's Club Coca Cola (Jazz at Lincoln Center), con invitados como Nilson Matta, Maucha Adnet, Romero Lubambo, Rogerio Boccato y Harry Allen. También en Nueva York grabaron su primer álbum, Summer Samba, para el sello japonés Venus Records, con
la colaboración de Adriano Santos (batería) y Rodrigo Ursaia (saxofón y flauta). En otoño de 2012, el cuarteto lanzó su segundo CD, Bossa Nossa, con el baterista Rogerio Boccato. Actualmente están trabajando en su tercera grabación.
Quatro na Bossa espera poner de relieve el poder de la música popular brasileña para traspasar las fronteras del idioma y la cultura, el lugar y el tiempo._(quatronabossa)
En noviembre de 1962, varios músicos brasileños importantes, entre ellos João Gilberto, Oscar Castro-Neves, Luis Bonfá y Sergio Mendes, llegaron a Nueva York para ofrecer un concierto en el Carnegie Hall. Si bien Stan Getz no tocó en el concierto (y es posible que ni siquiera asistiera), el éxito de su álbum «Jazz Samba» (codirigido con Charlie Byrd) había impulsado el interés estadounidense por la bossa nova. Muchos brasileños decidieron quedarse en Nueva York unos meses para aprovechar la popularidad del género. El productor de Getz en Verve, Creed Taylor, decidió reunir al saxofonista con varios de ellos para crear una colección de discos de bossa nova que publicaría a lo largo de varios años.
Grabado en marzo de 1963, “Getz/Gilberto” fue un auténtico encuentro entre músicos brasileños: Getz al saxo tenor, Antonio Carlos Jobim al piano y João Gilberto a la guitarra y con voz en portugués. Los acompañaban otros dos brasileños: el bajista Sebastião Neto y el baterista Milton Banana. Gilberto era un conocido recluso, y la esposa de Getz fue llamada para recogerlo de su hotel, situado a pocas manzanas. Es posible que durante esta negociación, la esposa de Gilberto, Astrud, fuera invitada a participar y cantar las letras en inglés de dos de las canciones. Sea como fuere, la voz tímida y susurrante de Astrud fue probablemente la clave del éxito que finalmente alcanzó el álbum.
Sin ella (o sin otra vocalista), “Getz/Gilberto” habría sido un álbum de música brasileña magníficamente interpretado, pero la voz sin restricciones de Astrud llevó las tiernas y melancólicas letras de “La chica de Ipanema” y “Corcovado” al público estadounidense. En general, el álbum no es muy arriesgado —ni Jobim ni los Gilberto eran improvisadores consumados, y Getz parece contenerse en todos los temas excepto en “Só Danço Samba”—, pero la química musical es visceral, desde los delicados obbligatos de Getz hasta la voz y guitarra discretas (pero muy influyentes) de João Gilberto, los delicados solos de piano de Jobim y el impecable ritmo entre Neto y Banana.
Elizeth A Divina Moreira Cardos (Río de Janeiro, 16 de julio de 1920 - 7 de mayo de 1990) fue una cantante, y actriz brasileña. Fue conocida por su nombre artístico A Divina, Elizeth es considerada una de las mayores intérpretes de la música brasileña y de las más talentosas cantantes de todos los tiempos, reverenciada por el público y la crítica.
Elizeth nació en la rua Ceará, en los suburbios del Barrio São Francisco Xavier, y cantaba desde pequeña, por los barrios de la Zona Norte carioca, cobrando ingreso (10 monedas de un centavo) para otros niños que oían cantar los éxitos de Vicente Celestino. Su padre, seresteiro, tocaba la guitarra clásica y a su madre le gustaba cantar._(wikipedia)
Han pasado dos años desde que Antônio Carlos Jobim (Tom, si lo prefieres) y yo nos reunimos para escribir las sambas de mi obra Orfeu da Conceicão, una de las cuales se convirtió en un éxito popular, "Se Todos Fôssem lguais a Você". El encuentro también dio lugar a una sólida amistad. Es evidente que los socios discrepan, y la historia de la música popular brasileña está llena de esas disputas, generalmente basadas en la vanidad y los celos, en poner un nombre por encima de los demás, o por razones aún más inelegantes y mezquinas. Pero en nuestro caso, tanto nuestra estrecha amistad como la profunda afinidad de nuestra sensibilidad musical permiten que nuestra tarea más importante, escribir sambas y canciones, siga siendo algo extraordinariamente ligero y libre.
Este LP, nacido gracias al entusiasmo de Irineu Garcia, es la mejor prueba posible de la sinceridad de esa amistad y esa colaboración. Desde que escribimos esas dos sambas para Orfeu da Conceião, rara vez Tom y yo nos reuníamos sin componer algo nuevo. Por eso creo que este es el verdadero lenguaje de nuestra relación. Si ponemos a Antônio Carlos Jobim al piano —y es difícil encontrarlo lejos de uno—, en poco tiempo, comenzando con dos o tres acordes, compartiremos una mirada de comprensión. Y de sus comentarios encriptados ("¡Esto es lo que son las rocas, poeta!"; "Los pequeños caracoles escondidos bajo las hojas caídas..."; "Las grandes migraciones de los corales..."; "Al otro lado del arroyo...", "Hemos llegado a la galaxia...") aprendí a extraer exactamente lo que él quiere oír a través de mis letras. Y ninguno de los dos se sintió tentado a presionar al otro cuando su imaginación se bloqueaba momentáneamente. Esto bien podría deberse a que él cree en la poesía de la música, y yo creo en la música o la poesía. Porque la verdad es que disfruto mucho de las letras que escribe de vez en cuando, como "As Praias Desertas"; y la prueba de que disfruta de las melodías que compongo de vez en cuando es que orquestó con cariño mi "Serenata do Adeus" y mi "Mêdo de Amar", ambas incluidas en este LP. Con este LP no pretendemos demostrar nada. En cambio, queremos mostrar una etapa de nuestra trayectoria como amigos y compañeros, escribiendo sambas y canciones brasileñas, pero sin nacionalismos elevados, alimentando así a quienes aman cantar, algo que ayuda a la gente a vivir. La belleza de los arreglos de Antônio Carlos Jobim no es nueva, así que no la volveré a mencionar. Quisiera destacar la creciente simplicidad y funcionalidad de sus melodías y armonías, cada vez más libres de la tendencia algo mórbida y abstracta que antaño tenían. Esto demuestra ampliamente su inteligencia y sensibilidad, su comprensión de los dilemas del tiempo y la naturaleza constructiva de su espíritu, al enfrentarse a los valores permanentes de las relaciones humanas.
No fue solo por amistad que Elizete Cardoso fue elegida para cantar en este LP. Está claro que, con sus interpretaciones, adquiere un valor adicional. Porque sigue siendo la obra conjunta de tres grandes amigas: personas que se quieren lo mejor mutuamente; personas que, en cualquier circunstancia, cuentan entre sí; personas, sobre todo, a quienes no les importa un comino el estrellato, la vanidad ni la gloria. La diversidad de sambas y canciones también exigía una voz particularmente afinada, con un timbre popular brasileño, pero capaz de respirar por encima de lo puramente popular, con un registro amplio y natural tanto en los registros graves como en los agudos, y sobre todo, una voz experimentada, con la punzada de quienes han amado y sufrido, moldeada por la pátina de la vida. Y así fue como la Divina se impuso como la Luna para una noche de serenatas._Vinícius de Moraes (Rio, abril 1958)
Antonio Adolfo Maurity Sabóia (Río de Janeiro, 10 de febrero de 1947) es un pianista, tecladista y compositor brasileño. Hijo del compositor Ruy Maurity y Carol Saboya, una violinista de la Orquesta Sinfónica de Brasil, a los dieciséis años ya pertenecía al exclusivo club de la Bossa nova como pianista.
De regreso a Brasil, en 1977, fue pionero de la producción independiente al publicar el álbum Hecho en Casa, del sello Artezanal, comercializado ese mismo año de manera directa en las disquerías, iniciando así un movimiento de autogestión que motivaría la aparición de artistas que discrepaban con las leyes del mercado tradicional. Desde 1985 se ha dedicado a su escuela de música, el Centro Musical Antonio Adolfo, además de participar en eventos internacionales como músico y educador, sin dejar de lado su carrera como intérprete. Recibió dos Premios Sharp por sus trabajos Antonio Adolfo y Chiquinha con jazz, respectivamente..._(wikipedia)
Con más de treinta álbumes a su nombre, el compositor y pianista brasileño Antonio Adolfo ha creado un himno realmente atractivo al maestro saxofonista y compositor Wayne Shorter. La selección de temas es excelente, ya que demuestra claramente la importancia de Shorter para el jazz. No reproduce la colección de Blue Note de 1988, "The Best Of Wayne Shorter", pero sí incluye tres temas de ese álbum.
"Deluge" ofrece una cálida invocación, dirigida por un conjunto, de este cautivador tema de Ju Ju. También hay una versión relajada del clásico de Shorter, "Footprints", embellecida por la voz sin palabras de Zé Renato. "Prince of Darkness", del álbum de Miles Davis de 1967, Sorcerer, es exquisitamente rica en percusión (incluyendo una profunda introducción de percusión de Baião similar a la tabla). "Black Nile", del álbum Night Dreamer de 1964, es una interpretación satisfactoria del original con el brillante piano de Adolfo.
La elegancia de "La Bella y la Bestia" se resume en su mezcla de bossa y samba (Adolfo la llama SamBossa) y es uno de los dos temas del álbum "Native Dancer" de Shorter, grabado con Milton Nascimento. El tema principal de "Speak No Evil" es un ejemplo de majestuosidad, con su tema musical majestuoso y memorable y el rico solo de tenor de Marcelo Martins, mientras que la elegante "Ana María", también de "Native Dancer", luce la ágil guitarra de Lula Galvão.
Para concluir el set, Adolfo incluye una pieza solista de su propia autoría, "Afosamba", un ejemplo perfecto de su excepcional talento como compositor. Los arreglos son sólidos y, para quienes conocen todos los temas de Shorter, les otorgan una nueva y vibrante dimensión. Para quienes no estén familiarizados con los temas, el álbum servirá como una excelente y atractiva introducción, antes de probar el material original. También es un oportuno recordatorio de la importancia de Shorter en su ilustre catálogo de composiciones._Roger Farbey (allaboutjazz)
Antonio Adolfo - Hybrido - From Rio To Wayne Shorter (2017)
Temas:
01. Deluge
02. Footprints
03. Beauty And The Beast
04. Prince Of Darkness
05. Black Nile
06. Speak No Evil
07. E.S.P.
08. Ana Maria
09. Afosamba
Musicos:
Antonio Adolfo (piano)
Lula Galvão (Guitarra eléctrica)
Jorge Helder (Contrabajo)
Rafael Barata (Batería, percsión)
André Siqueira (Percusión)
Jessé Sadoc (Trompeta)
Marcelo Martins (Saxos tenor y soprano, flauta #3)
Trombón Serginho (Trombón)
Zé Renato (Voz #2)
Claudio Spiewak (Guitarra acústica #3)
Todas las composiciones de Wayne Shorter, excepto "Afrosamba", de Antonio Adolfo
Nací en Río de Janeiro en 1951. Crecer en Ipanema fue fantástico. Sus playas eran hermosas y puras. Ipanema era un barrio compuesto principalmente por casas familiares, con muy pocos edificios y coches. Jugábamos al fútbol en las calles y trepábamos a los árboles. Era muy tranquilo. Tuve la suerte de que a mis padres, João Luiz y Norma, les gustaba la buena música. Crecí escuchando a Frank Sinatra con Nelson Riddle, Julie London con Barney Kessel, Louis Armstrong, Nat King Cole, Chet Baker, Ray Charles y, por supuesto, Antonio Carlos Jobim, Dorival Caymmi, João Gilberto, Luiz Bonfá, Silvio Caldas y muchos otros. Los años 50 fueron una década maravillosa para Brasil. Teníamos un presidente democrático, Juscelino Kubitschek, que fundó la nueva capital, Brasilia, y era querido por la mayoría de la gente. Brasil ganó el Campeonato Mundial de Fútbol por primera vez en 1958. Durante esta época, nació la bossa nova. No hay nada mejor que eso. Para mi decimotercer cumpleaños, pedí una caja. Mi madre y mi hermano Miguel fueron al centro de Río en busca de mi regalo. Era el 31 de marzo de 1964, casualmente el día en que los militares tomaron el control de Brasil (comenzando un período de 20 años de dictadura). Había mucha agitación en el centro, pero finalmente pudieron volver a casa con mi tambor. El futuro presidente, el general Castelo Branco, vivía justo enfrente de nuestra casa, en la Rua Nascimento Silva. Esa noche, su casa estaba rodeada por policías y militares que la custodiaban. Toqué mi tambor toda la noche. Quizás pensaron que estaba celebrando la revolución. Qué equivocados estaban.
Menos de un mes después, conseguí mi primera batería. Poco después, mi hermano Miguel empezó a tocar el bajo y formamos un trío de bossa nova con un amigo pianista. Actuamos por todo Río y aparecimos en programas de televisión. La bossa nova era muy popular en Brasil. Nuestro vecino, el gran baterista Joao Palma, ya era un músico profesional muy conocido en aquella época. Tocó con Roberto Menescal y más tarde con Sergio Mendes y Brasil '66. También tocó en mis álbumes favoritos de Antonio Carlos Jobim: Tide, Stone Flower, Matita Pere y Urubu. Su hermano menor, nuestro buen amigo Marcos, también era baterista. Su casa era un lugar de reunión para músicos increíbles: los bateristas Edison Machado, Dom Um Romao y Milton Banana; los trombonistas Raul de Souza y Edison Maciel; el pianista Tenório Jr., el guitarrista y compositor Dori Caymmi, entre otros. Solíamos escuchar a Art Blakey, Bill Evans, Miles Davis, John Coltrane, Wynton Kelly, Wes Montgomery, Horace Silver, Thelonious Monk y muchos otros. Como nunca recibí una educación musical formal, mi forma de aprender era observar a esos fabulosos músicos y tocar junto con sus álbumes. Al mismo tiempo que la bossa nova de Jobim-Gilberto era un gran éxito, esos fantásticos músicos tocaban «Samba Jazz», samba instrumental con ese «toque de nota azul». Me enamoré de esta forma de arte de inmediato, y eso es lo que he estado tocando y desarrollando desde entonces. En Brasil, nunca fue fácil ganarse la vida tocando música instrumental. Los años de la bossa nova fueron muy prolíficos para el jazz instrumental brasileño. Pero en los años 70, toda la escena musical brasileña, con algunas excepciones, dio un giro al revés. La bossa nova y el samba jazz quedaron abandonados. Quizás fuera un reflejo de la dictadura represiva de la época. La gente quería olvidar sus propias raíces. Encontrar trabajo se hacía cada vez más difícil. La única opción y salida que veía era el aeropuerto. Desde los años 50, grandes músicos estadounidenses han abrazado la forma artística del samba
jazz: Dizzy Gillespie, Charlie Byrd, Stan Getz, Herbie Mann, Paul Winter, Cannonball Adderley, Miles Davis con Gil Evans, Joe Henderson, Bud Shank, Gerry Mulligan, Frank Sinatra, Sarah Vaughan, Phil Woods, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Ron Carter, Lee Konitz, Joanne Brackeen, Stanley Turrentine, Coleman Hawkins, Quincy Jones, Chick Corea, Tom Harrell, Kenny Barran, John Patitucci, Harry Allen, Dennis lrwin, Eddie Gomez, Pat Metheny y muchos otros. En diciembre de 1975, me mudé a Nueva York para perseguir mi sueño de tocar con músicos de jazz estadounidenses y fusionar estas dos hermosas culturas. Dos meses después de llegar a Nueva York, me llamaron para participar en una sesión de grabación en Los Ángeles. Toqué con el difunto y gran trombonista Frank Rosolino, Raúl de Souza, e interpreté un «dúo de batería» con Harvey Masan. Pensé: «Vaya, esto es el sueño americano». Regresé a Nueva York y me gasté todo mi dinero. Compré una preciosa batería Gretsch, otro sueño hecho realidad. Y entonces, todo cambió. Durante más de un año, apenas hubo trabajo. Aunque fueron tiempos muy difíciles, volvería a hacerlo todo de nuevo. Ha sido una gran experiencia de aprendizaje y un viaje fantástico. Estoy muy orgulloso de ser uno de los pocos músicos que a finales de los 70 ayudó a revivir la escena del jazz brasileño en la ciudad de Nueva York. He tenido la suerte de tocar, grabar y hacer amistad con muchos músicos maravillosos.
La realización de mi primer álbum en solitario fue posible gracias a la colaboración de 21 excelentes músicos, amigos míos (con los que he grabado y tocado a lo largo de los años), que aceptaron mi invitación para participar. Es fantástico que entre ellos se encuentren músicos brasileños y estadounidenses de segunda y tercera generación que continúan con el legado del samba jazz. El año anterior a entrar en el estudio, comencé a planificar el álbum. Organicé las canciones en diferentes formatos (tríos, cuartetos, quintetos, sextetos, etc.) para presentar diversos enfoques y texturas. Empecé a pensar qué canciones y configuraciones se adaptarían mejor a cada músico, y traté de crear un entorno ideal para que cada artista expresara su musicalidad única. Qué suerte tuve de que todos estuvieran disponibles y dispuestos a trabajar en un agitado calendario de grabación de dos días. El tercer día de grabación lo dediqué a añadir percusión y voces. Aquí está, pues, el resultado de la sinceridad y la diligencia.
Me gustaría dedicar este álbum al gran maestro de la percusión brasileña, Edison Machado (1934-1990), que revolucionó el concepto del instrumento y allanó el camino para muchos de nosotros._Samba Jazz Always, Duduka Da Fonseca
Astrud Evangelina Weinert (Salvador, Bahía, Brasil, 29 de marzo de 1940-Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, 5 de junio de 2023), conocida como Astrud Gilberto, fue una cantante de bossa nova, samba, jazz y pintora brasileña. Su vinculación con el mundo de la música comenzó cuando se casó en 1959 con uno de los primeros guitarristas de bossa nova, João Gilberto. En 1963 estaba acompañando a su esposo en Nueva York mientras grababa con el pianista y compositor Antonio Carlos Jobim y con el saxofonista estadounidense Stan Getz un disco de fusión entre el jazz y la bossa nova. A instancias de su esposo (y no de Getz según otras versiones), cantó unas estrofas y gustó tanto su voz que, a pesar de no tener experiencia previa, grabó el disco Getz/Gilberto, aunque no figuró en los créditos del disco en la primera edición. Pocos años más tarde se divorció de João Gilberto, pero contrariamente al rumor de un amorío con Getz, fue por la relación del guitarrista con Miúcha, la hermana de Chico Buarque.
Su éxito cantando Garota de Ipanema la catapultó como una de las intérpretes más conocidas de una época de oro de la música brasileña a pesar de los intentos de Getz de atribuirse todos los méritos como había logrado con el sencillo de Desafinado de sus sesiones con Charlie Byrd. A partir de entonces emergió como nombre reconocible en todo el mundo y comenzó una larga carrera artística llegando a colaborar con Ennio Morricone, Chet Baker, George Michael, Toots Thielemans, Stanley Turrentine y James Last. Grabó en varios idiomas, entre ellos el español. Comenzó a escribir canciones en los años 70. Fue también pintora y activista por los derechos de los animales.Recibió el premio "Latin Jazz USA Award for Lifetime Achievement" y fue inducida en 2002 al "International Latin Music Hall of Fame"._(wikipedia)
Para su segundo LP con Verve, Astrud Gilberto amplió su repertorio, pasando de una serie de estándares de Gilberto/Jobim a abarcar el amplio y obviamente abrumador catálogo del pop clásico estadounidense. Con arreglos de Don Sebesky y Claus Ogerman (además de dos de su compatriota João Donato), The Shadow of Your Smile no puede evitar poner de relieve la débil voz de Gilberto, especialmente cuando canta temas que anteriormente habían interpretado cantantes de la talla de Frank Sinatra o Sarah Vaughan. Incluso los arreglos íntimos y discretos de canciones como «Day by Day», la canción que da título al álbum, y «Fly Me to the Moon» eclipsan el limitado registro de la cantante. Las canciones brasileñas, como las cinco de Luiz Bonfá, son más agradables de escuchar, aunque el predominio de las flautas, las cuerdas y la trompeta con sordina en los arreglos es muy propio de mediados de los años 60, para bien y para mal. (Y la descripción de «O Ganso» en las notas como un «ejercicio de vocalización basado en los sonidos bah y dah» es más que generosa). Sin duda, ningún vocalista estadounidense podría aspirar a igualar la tortuosa sintaxis y las interpretaciones, en cierto modo entrañables, de estas canciones; aún así, Verve lo hizo mucho mejor con Gilberto más adelante, cuando le dieron canciones brasileñas alegres para cantar y no intentaron forzar la comparación con vocalistas estándar de jazz/pop._John Bush (allmusic)
Astrud Gilberto - The Shadow Of Your Smile (1965) Temas: 01. Love Theme From "The Sandpiper" (The Shadow Of Your Smile) 02. (Take Me To) Aruanda 03. Manha De Carnaval 04. Fly Me To The Moon 05. The Gentle Rain 06. Non-Stop To Brazil 07. O Ganso 08. Who Can I Turn To 09. Day By Day 10. Tristeza 11. Funny World (Theme From "Malamondo") Grabado en Nueva York. Estudios RCA, 4 de febrero de 1965. Ingeniero de grabación: Bob Simpson.
Estudios A&R, 21 de octubre de 1964; 25 de mayo, 3 y 4 de junio de 1965. Ingeniero de grabación: Phil Ramone y Rudy Van Gelder
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Clannad - Anam - 1990
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*El nombre de Clannad surge de la frase gaélica "an Clann as Dobhar" que
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Myrsini Kagarlis (13) performs Ravel's Sonatine at the 5th Summer Music
Performance Program at Anatolia College, Thessaloniki, Greece, on July 2,
2019.
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