Art Farmer - Something You Got

Nacido en Iowa, pero crecido en Phoenix (Arizona) una ciudad de rica tradición jazzística, Art Farmer, (21 de agosto de 1928, Council Bluffs, Iowa, Estados Unidos – 4 de octubre de 1999), junto a su hermano gemelo el contrabajista, Edison Farmer, pertenecían a una familia exquisitamente musical. De joven estudió el violín y el piano antes de pasarse a la familia de los metales y trasladarse con dieciocho años en 1945 a Los Ángeles. En aquella época ya se había decantado por la trompeta y tocó con la legendaria banda de Johnny Otis, con quien tuvo la oportunidad de viajar a New York.
En 1948 volvió a Los Ángeles y formó parte de las mejores bandas establecidas en la ciudad como la de Benny Carter, Wardell Gray o la del vibrafonista, Lionel Hampton. En 1953 cruzó el charco por primera vez con destino a Europa con la banda de Lionel Hampton, en la misma gira que viajaba Clifford Brown y Quincy Jones. Aquel mismo año regresó a New York donde estuvo un tiempo tocando con Teddy Charles.
Se integró en 1956 en el grupo del pianista, Horace Silver, y para entonces su estilo estaba ya suficiente pulido y maduro y su sonido era una marca inconfundible en la escena jazzística de New York. En aquella época Farmer, alternó la trompeta con el Flugelhorn, tocando ambos instrumentos con el grupo de Gerry Mulligan, en 1958. En aquél año participó en el Festival de jazz de Newport, grabó su único disco con Mulligan, el espléndido álbum titulado «What Is There To Say» para Columbia en 1958 y dos bandas sonoras para las películas «I Want to Live» y «The Subterraneas». Aquel año grabó para Blue Note uno de sus discos emblemáticos de su discografía titulado «Modern Art».

Sin duda alguna a Art Farmer se le reconoce credibilidad en el jazz por haber creado junto a Benny Golson, en 1960 el grupo «The Jazztet». Allí en su seno combinó muy acertadamente su talento para la dirección y la improvisación con las dotes de Golson para la composición y los arreglos. «The Jazztet», disfrutó mientras duró (1960-1962) un efímero éxito bordeando musicalmente las claves del soul-jazz que antes habían popularizado, Horace Silver o Cannonball Adderley entre otros. En 1960 grabó lo que es considerado el disco fundacional del grupo, titulado «Meet The Jazztet» un autentico manifiesto de intenciones que obtuvo un éxito enorme.

Cuando en 1962 el grupo se disolvió, Art Farmer, formó un cuarteto con el guitarrista, Jim Hall, que duró hasta 1964. Con la irresistible ascensión del rock en los Estados Unidos, Farmer se marchó a Europa donde alternó la dirección de sus propios grupos con su presencia como artista invitado de varias big bands, entre ellas la famosa Clarke-Boland Big Band. En los ultimo años de su vida alternó el fliscornio con la trompeta, retornó a los Estados Unidos donde intentó reconstruir «The Jazztet» pero la muerte le sorprendió en 1999._(apoloybaco)

El encuentro entre el trompetista Art Farmer y el rey de los instrumentos de lengüeta Yusef Lateef, con el pianista y arreglista David Matthews al frente de una big band, resulta trascendental. 

El ritmo relajado del álbum, que se apoya en un jazz-funk desenfadado (la canción que da título al disco) y en extensas improvisaciones funky con impresionantes arreglos de hard bop de Matthews en «Flute Song», lo convierte en una de las visiones más provocadoras del groove jazz en la historia del sello CTI. Farmer y Lateef fueron capaces de moverse con relativa facilidad entre el jazz sofisticado y el soul funky trepidante. Los arreglos de Matthews son desenfadados y se basan en el ritmo no solo para formar la columna vertebral de los solistas, sino también para llenar el espacio intermedio. El guitarrista Hiram Bullock traza aquí una línea maravillosa entre las extrapolaciones aireadas y con mucho swing de los acordes de jazz y el R&B rítmico y escueto. Su solo en «Flute Song» es uno de los mejores que ha grabado. Del mismo modo, la interpretación de «Spain» de Chick Corea, que hace referencia al «Concierto de Aranjuez» y cuenta con un magnífico solo de saxo tenor de Lateef, es una versión carnal y carnevalesca de la melodía con un overdrive empapado de bajo. «Saudade» es el epítome del soul-jazz para una big band; su groove es suelto, galopante y rítmicamente perfecto, y Farmer y Lateef tocan la melodía en primer plano, compenetrándose en los solos y haciendo que el groove se repliegue sobre sí mismo. Esta es una adquisición segura para cualquier colección de Farmer, y vale lo que cueste._Thom Jurek (allmusic)

                                                                             

                                                                                           

Art Farmer - Something You Got (1977)

Temas:

01. Something You Got (Chris Kenner)

02. Flute Song (David Matthews)

03. Saudhade (Fritz Pauer)

04. Sandu (Clifford Brown)

05. Spain (Chick Corea9

06. Hombre Del Sol (David Matthews)

Musicos:

Art Farmer (Fliscorno)

Yusef Lateef (Saxo tenor)

David Matthews (Piano eléctrico, arreglos)

Harvie Swartz (Bajo )

Jim Madison (Batería)

Hiram Bullock (Guitarra)

Sue Evans (Percusión)

David Tofani (Saxo soprano, flauta)

Frank Vicari (Saxo tenor)

Kenny Berger (Saxo barítono, clarinete bajo)

Burt Collins (Trompeta, fliscorno)

Joe Shepley (Trompeta, fliscorno)

Fred Griffin (Trompa)

Sam Burtis (Trombón)

Tony Price (Tuba)

Grabado en los estudios Electric Lady en julio de 1977

Mauricio Einhorn - Me

Mauricio Einhorn (Río de Janeiro, 29 de mayo de 1932) es un armonicista brasileño.
Hijo de inmigrantes judíos polacos, sus padres eran armonicistas. Comenzó a tocar la armónica a los cinco años, actuando en la escuela franco-brasileña donde estudió hasta los trece.
La constancia del músico con el instrumento fue tal que, a los diez años, Einhorn comenzó a participar en reconocidos programas de talentos radiofónicos de la época, como "A Hora do Pato" y "Papel Carbono" (en Radio Nacional); e incluso en el programa de Ary Barroso y Gaitas Hering en Radio Tupi, junto a Fred Williams y otros.

Cuando era adolescente tocó en dúos, tríos y cuartetos, y a principios de la década de 1950 se introdujo en los estilos del jazz y el choro. Su primera grabación fue en 1949 cuando, en la canción "Portate Bien", hizo un solo con un conjunto de armónica de los Rascals brasileños. Actuó con Waldir Azevedo y su Regional en Rádio Clube do Brasil. Hacia 1955, en el desaparecido Hotel América, frente al Club Hebraica, conoció a Durval Ferreira durante un baile donde tocaba Maurício Einhorn. La primera canción de los dos, "Sambop", fue grabada en 1959 por Claudete Soares en el LP "Nova Geração em Rítmo de Samba", en el que participó. Luego vinieron: "Estamos aí" (con Durval Ferreira y Regina Werneck) grabada por Leny Andrade; "Tristeza de Nós Dois" (con Durval Ferreira y Bebeto); "Batida Diferente", "Nuvem" y "Clichê" (todos con Durval Ferreira), "SamBlues" (con Durval Ferreira y Regina Werneck) y muchos otros. Destacó en la bossa nova, un movimiento cuya influencia cambió el curso de MPB..._(wikipedia)

La leyenda de la armónica de jazz Toots Thielemans describió a su amigo, el armonicista y compositor Mauricio Einhorn, como «una fuerza vital en la música brasileña, tanto como intérprete como compositor». La influencia de Einhorn se extiende al jazz. Ha trabajado con figuras tan importantes como Jim Hall, David Sanborn, Paquito D’Rivera, Baden Powell, así como con los cantantes Bobby McFerrin y Sarah Vaughan; músicos de la talla de Cannonball Adderley, Herbie Mann y la leyenda de la bossa nova Jobim han grabado sus composiciones. Grabado en Río en 1979, Me fue el primer álbum de Mauricio bajo su propio nombre, ¡y qué grabación! Einhorn reunió a un grupo de músicos excepcionales, todos versados ​​en la música tradicional brasileña y en el jazz. Las diez composiciones originales dan testimonio de la talla de Einhorn como compositor. Tenemos la contagiosa A Different Beat con sobresalientes solos de armónica, piano y

flauta, Saro con sus enérgicos solos de armónica, saxo y bajo Fender, la exquisita balada Alvorada y la alegre joya Estamos Ai. Luego tenemos el suave vals de jazz Toy y un tema escrito para los grandes del jazz Ron Carter y Jim Hall, Limbo con sus potentes voces. La breve pero dulce Claus es seguida por la conmovedoramente romántica Tristeza De Nos Dois y la fascinante Sketch. El apasionado solo de Einhorn en su balada Joy cierra un álbum que satisfará a todo amante de la música brasileña. ¡Jazz latino en su máxima expresión creativa!_ (mps-music)

                                                                            

Mauricio Einhorn - Me (1979 R.2016)

Temas:

01. Batida Differente "A Different Beat" (Durval Ferreira / Mauricio Einhorn)

02. Sarro (Arnaldo Costa / Mauricio Einhorn)

03. Alvorada (Arnaldo Costa / Luiz F. Freire / Mauricio Einhorn)

04. Estamos Aí (Durval Ferreira / Mauricio Einhorn / Regina Verneck)

05. Brinquedo (Toy) (José Schettini / Mauricio Einhorn)

06. Limbo (Theme For Ron Carter And Jim Hall) (Arnaldo Costa / Mauricio Einhorn)

07. Claus (Celso Loch / Mauricio Einhorn)

08. Tristeza De Nos Dois ( Bebeto / Durval Ferreira / Mauricio Einhorn)

09. Sketch (José Schettini / Mauricio Einhorn)

10. Joia "Joy" (Alberto Arantes / Mauricio Einhorn)

Musicos:

Mauricio Einhorn (Armónica, técnico remezcla)

Nelson Ayers (Piano, arreglos, dirección)

Luizão (Bajo) 

Sebastiao Tapajos (Guitarra acústica)

Gegê (Batería en pista #7)

Paulo Braga (Batería en pistas #6 a #9)

Marku (Batería, percusión, voz

Roberto Sion (Flauta, saxo alto, saxo soprano)

Vera Figueiredo - Vera Cruz Island

Vera Figueiredo Nacida el 7 de septiembre de 1957 en São Paulo, Brasil.

Al pensar en la percusión brasileña, es posible que se imaginen ritmos latinos fantásticos y la integración de percusiones de todo el mundo en ritmos enérgicos y vibrantes que hacen bailar hasta al espectador más tímido. En el caso de Vera Figueiredo, este estereotipo es totalmente cierto, pero no refleja completamente su sonido. Vera Figueiredo no solo es una consumada percusionista latina, sino que también fusiona con maestría los géneros latino y rock, lo que le confiere la presencia de una baterista audaz, enérgica, con un talento indiscutible y un gran carisma.

Si bien Figueiredo se ha consolidado como referente de la percusión latina con su estilo afrocubano, como autoproclamada admiradora de bandas como Deep Purple y Led Zeppelin, su estilo es la culminación de la percusión latina, fusión, jazz, rock y funk. Conocida en Brasil como la "Reina de la Batería", su estilo único y su asombrosa personalidad son reconocidos mundialmente. Además de ser una baterista y artista consumada, Figuiredo dirige su propia escuela de batería: el Instituto de Batería Vera Figueiredo, ubicado en Brasil.

Como artista de Sabian, la batería de Vera Figueiredo cuenta con una gran variedad de platillos, incluyendo varios de la serie HHX Evolution y su favorito, el hi-hat Vault V-FX Distortion. Como baterista de gran talento, Figueiredo ha impartido clases y tocado por todo el mundo en diversas agrupaciones, orquestas y con su propia banda, y es su estilo único y su rico sonido lo que la ha convertido en una de las mejores bateristas latinas de la actualidad._(jazzmusicarchives)

                                                                   

Vera Figueiredo - Vera Cruz Island (2001)

Temas:

01. Vera Cruz Island (Vera Figueiredo)

02. Tererê (Vera Figueiredo/Mônica Côrtes)

03. Devagar (Zaxariades aka Bruce Scott)

04. Renata (Vera Figueiredo)

05. Double V (Vera Figueiredo)

06. Deep Inside (Vera Figueiredo)

07. Reaching Another Day (Vera Figueiredo)

08. Reverse (Maurício Marques)

09. Chamamé (Rodrigo Rheinheimer)

10. Mr. Banana (Vera Figueiredo)

11. Figão's House (Vera Figueiredo)

12. Cai na Real (Maurício Marques)

13. Dave (Vera Figueiredo)

14. Saudade (Vera Figueiredo)

Musicos:

Vera Figueiredo (Batería, percusión, tamborim, repinique, surdo, voz)

Célio Barros (Bajo acústico)

Dave Weckl, Dennis Chambers, Virgil Donati (Batería)

Pedro Ivo (Bajo eléctrico)

Derico Sciotti (Flauta)

Guitarra - Mike Stern

Maurício Marques (Teclados, voz)

Bruno Cardozo (Piano)

Vitor Alcántara (Saxo tenor)

Daniel D'Alcántara (Trompeta, cuerno de fliscorno)

Nahor Gomes Oliveira (Trompeta #1)

Sidnei Aléssio Borgan (Trombón #1)

Luciana Yoshikawa, Paulo Jiraya, Maurício Marques (Voz #1)

Fred Prince ("Güiro & congas #2", "tan tan, repenique, tamborín, agogo-bell #11")

Luis Rabello (Guitarra #2)

Nahor Gomez Oliveira (Solo tompeta #2)

Tiquinho (Trombón #2, #11)

Maurício De Souza (Saxo alto #2, #11)

Célio Barros (Teclados #4)

Mike Stern (Guitarra #6)

Paulo Jiraya (Triángulo y bloque de madera #7, voz)

Marco Bosco (Pandeiro #7)

Jarbas Barboza (Guitarra eléctrica #7, #9. #10)

Edmundo Cassis (Piano #8) 

Elias Rezende (Acordeón #9)

Katia Stübing (Voz #10)

Jean Pierre Ryckebusch (Trompeta #12)

Grabado en el estudio A Luz da Lua de marzo de 1999 a febrero de 2000

Vitor Goncalves - Vitor Goncalves Quartet

Vitor Gonçalves es un pianista, acordeonista, compositor y arreglista de Río de Janeiro, Brasil. Tras una ilustre carrera como músico muy solicitado en Brasil, en la que tocó con iconos como Hermeto Pascoal, Maria Bethânia, Itiberê Zwarg y muchos otros, se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde reside actualmente.
Desde su llegada en 2012, ha cosechado numerosos elogios y ha labrado un currículum repleto de estrellas, que incluye apariciones en el programa Jazz Night in America de la NPR, presentado por Christian McBride, y en The New York Times como invitado de la famosa Spok Frevo Orquestra. Asiduo de los escenarios del Jazz at Lincoln Center, The Jazz Standard y la Jazz Gallery, lidera sus propios proyectos y colabora con figuras de la escena neoyorquina como Anat Cohen, Vinícius Cantuária, Anthony Wilson, Cyro Baptista y Yotam Silberstein.
También ha actuado en festivales de jazz y salas de todo el mundo, como el Newport Jazz, el Jazz à Vienne, el Umbria Jazz Festival, el Queen Elizabeth Hall de Londres y el Coliseo de Lisboa (Portugal).

Vitor se trasladó a Nueva York en 2012 para profundizar en su interés por el jazz y su conexión con la música brasileña, así como para explorar el crisol musical que es la ciudad de Nueva York. Fue allí donde comenzó a liderar su propio grupo y a formar nuevas formaciones, al tiempo que cursaba un máster en el City College. En 2017 lanzó su álbum debut con Sunnyside Records, Vitor Gonçalves Quartet, en el que participaron Dan Weiss (batería), Thomas Morgan (bajo) y Todd Neufeld (guitarra). El álbum recibió una reseña de cuatro estrellas y media en la revista de jazz Downbeat.
Otros grupos que codirige son «SanfoNYa Brasileira», un trío de acordeón con Eduardo Belo al bajo y Vanderlei Pereira a la batería, y «Regional de NY», uno de los principales representantes de la música choro (un rico género brasileño) en Estados Unidos. Ambos grupos han publicado un álbum de temas originales: el primero con Steve Wilson como artista invitado y el segundo con Fred Hersch.
Obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy 2020, a Mejor Álbum de Jazz Latino con Thalma de Freitas y a Mejor Conjunto de Jazz de Gran Formato con Anat Cohen Tentet._(vitorgoncalvesmusic)

Vitor Gonçalves es un pianista, acordeonista, compositor y arreglista de Río de Janeiro, Brasil. Tras una ilustre carrera como músico muy solicitado en Brasil, en la que tocó con iconos como Hermeto Pascoal, Maria Bethânia, Itiberê Zwarg y muchos otros, se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde reside actualmente.
Desde su llegada en 2012, ha cosechado numerosos elogios y ha labrado un currículum repleto de estrellas, que incluye apariciones en el programa Jazz Night in America de la NPR, presentado por Christian McBride, y en The New York Times como invitado de la famosa Spok Frevo Orquestra. Asiduo de los escenarios del Jazz at Lincoln Center, The Jazz Standard y la Jazz Gallery, lidera sus propios proyectos y colabora con figuras de la escena neoyorquina como Anat Cohen, Vinícius Cantuária, Anthony Wilson, Cyro Baptista y Yotam Silberstein.
También ha actuado en festivales de jazz y salas de todo el mundo, como el Newport Jazz, el Jazz à Vienne, el Umbria Jazz Festival, el Queen Elizabeth Hall de Londres y el Coliseo de Lisboa (Portugal).
Vitor se trasladó a Nueva York en 2012 para profundizar en su interés por el jazz y su conexión con la música brasileña, así como para explorar el crisol musical que es la ciudad de Nueva York. Fue allí donde comenzó a liderar su propio grupo y a formar nuevas formaciones, al tiempo que cursaba un máster en el City College. En 2017 lanzó su álbum debut con Sunnyside Records, Vitor Gonçalves Quartet, en el que participaron Dan Weiss (batería), Thomas Morgan (bajo) y Todd Neufeld (guitarra). El álbum recibió una reseña de cuatro estrellas y media en la revista de jazz Downbeat.

Otros grupos que codirige son «SanfoNYa Brasileira», un trío de acordeón con Eduardo Belo al bajo y Vanderlei Pereira a la batería, y «Regional de NY», uno de los principales representantes de la música choro (un rico género brasileño) en Estados Unidos. Ambos grupos han publicado un álbum de temas originales: el primero con Steve Wilson como artista invitado y el segundo con Fred Hersch.

Obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy 2020, a Mejor Álbum de Jazz Latino con Thalma de Freitas y a Mejor Conjunto de Jazz de Gran Formato con Anat Cohen Tentet._(vitorgoncalvesmusic)

                                                    

                                                                                 

Vitor Goncalves - Vitor Goncalves Quartet (2017)

Temas:

01. Sem Nome (Vitor Gonçalves)

02. Cortelyou Road (Vitor Gonçalves) 

03. Samba Do Perdão (BadenPowel/Paulo César Pinheiro)

04. Desleixada (Vitor Gonçalves) 

05. Winter Landscapes (Vitor Gonçalves) 

06. Se É Por Falta De Adeus (A.C. Jobim/Dolores Duran) 

07. De Cazadero Ao Recife (Vitor Gonçalves) 

08. The Touch Of Your Hand (Vitor Gonçalves)

Musicos:

Vitor Gonçalves (Piano, compositor, arreglista)

Todd Neufeld (Guitarra)

Thomas Morgan (Bajo)

Dan Weiss (Batería)

Se lanzó el 20 de enero de 2017

Stanley Black And His Piano With Latin American Rhythm - Cuban Moonlight

Stanley Black (14 de junio de 1913 - 27 de noviembre de 2002) fue un compositor, arreglista, pianista y director de orquesta británico. Escribió y arregló varias bandas de sonido para películas, y grabó diversas obras en los sellos discográficos London y London Phase 4 de la empresa Decca Records.

Comenzó en el ambiente del jazz en la década de 1930 con músicos como Coleman Hawkins y Benny Carter, y luego fue cambiando al estilo latino en sus interpretaciones y arreglos, para luego ganar reconocimiento por la dirección de obras clásicas..._(wikipedia)

Stanley Black pertenece a esa rara especie de músicos de renombre mundial que desafían cualquier intento de categorización. De hecho, su carrera tiene tantas facetas —pianista, director de orquesta, compositor, arreglista, director musical; música clásica, música ligera, jazz, música latinoamericana; radio, televisión, cine, sala de conciertos y estudio de grabación— que debe de haber miles de personas a ambos lados del Atlántico que no están del todo seguras de si todas estas «etiquetas» pertenecen a una misma persona. televisión, cine, salas de conciertos y estudios de grabación —que debe de haber miles de personas a ambos lados del Atlántico que no están del todo seguras de si todas estas «etiquetas» pertenecen a una misma persona.

Nacido y criado en Londres, la carrera musical de Stanley Black comenzó cuando recibió sus primeras clases de piano a los siete años y, más tarde, cuando se convirtió en alumno de la famosa Escuela de Música Manhay, se le auguraba una brillante carrera como pianista concertista.  Pero incluso en aquellos primeros días, su naturaleza inquieta se rebeló ante la idea de ser «solo un pianista», por lo que comenzó a componer y a estudiar orquestación y, a la tierna edad de doce años, una de sus primeras composiciones orquestales fue retransmitida por la Orquesta Sinfónica de la BBC, dirigida por el Dr. Joseph Lewis. 

Poco después de terminar la escuela, se interesó por el jazz y, tras ganar un concurso de arreglos patrocinado por «The Melody Maker», pronto se consolidó como uno de los principales pianistas y arreglistas de jazz de Gran Bretaña. Grabó y participó en programas de radio con Coleman Hawkins, Benny Carter y Louis Armstrong cuando estos artistas visitaron Gran Bretaña en la década de 1930, y también escribió varias composiciones por encargo de Hawkins para una serie de grabaciones especializadas.

En 1938, Stanley Black visitó Sudamérica y se interesó profundamente por la música de los países latinoamericanos. Al profundizar en el tema con la minuciosidad que se convertiría en el sello distintivo de toda su obra, no tardó en ser considerado una de las principales autoridades europeas en ritmos sudamericanos. 

Hacia el final de la guerra y su servicio en la RAF, saltó a la fama al tomar las riendas de la B. B.C. Dance Orchestra, cargo que ocupó durante nueve años, tiempo en el que no solo alcanzó una media de seis programas a la semana, sino que también compuso sintonías y música incidental para numerosas series y documentales radiofónicos, así como la música para los intervalos del Light Programme. En octubre de 1951, la orquesta fue uno de los elementos destacados del Royal Command Variety Show.

En el mundo de la música cinematográfica, Stanley Black ha compuesto las bandas sonoras y ha sido director musical de más de 95 películas británicas y angloamericanas, y en 1958 fue nombrado director musical de los estudios Elstree de la Associated British Picture Corporation. En 1960 compuso un nuevo tema musical y una biblioteca musical completa para Pathe Newsreel, y en 1963 su banda sonora para el musical de Cliff Richard «Summer Holiday» le valió el premio Novello a la mejor banda sonora de una película musical del año. Una de sus bandas sonoras más recientes fue la de la película «Crossplot», protagonizada por Roger («El Santo») Moore.

Stanley Black acaba de celebrar su vigésimo quinto aniversario bajo contrato exclusivo con The Decca Record Company Limited y sus álbumes muestran más claramente que cualquier palabra su gran versatilidad y su profundo conocimiento de todo el espectro musical:

Los álbumes latinoamericanos como «Tropical Moonlight», «Gershwin Goes Latin», etc., en los que su brillante e inimitable estilo pianístico es el eje de su mundialmente famoso grupo latinoamericano; los álbumes orquestales para los que él mismo realiza todas las orquestaciones, como «Film Spectaculars», «Spain», «Russia», «Broadway Spectacular», «Dimensions in Sound», etc., etc.; y los álbumes orquestales en los que dirige las principales orquestas del país: la London Symphony Orchestra y la London Festival Orchestra. La Royal Philharmonic Orchestra y la London Philharmonic Orchestra, en obras del repertorio clásico estándar de Tchaikovsky, Grieg, Debussy, Dvorák, Borodin, etc. Uno de ellos, su grabación del «Capriccio Español» de Rimsky-Korsakov, fue elegido por «The Gramophone» como uno de los discos clásicos del año «elegidos por la crítica» (1965). Todos estos álbumes, en particular los de la serie Phase 4 Stereo, se han publicado en todo el mundo con un éxito extraordinario, especialmente en Estados Unidos y Japón. Las ventas de los álbumes de Stanley Black han alcanzado ya varios millones y ha recibido varios discos de oro.

Como director de orquesta, Stanley Black se ha involucrado cada vez más en el mundo de la música clásica durante los últimos años. Dirigió la Royal Philharmonic Orchestra en siete conciertos durante 1967; realiza numerosas giras como director invitado en Gran Bretaña y en el continente; fue nombrado director principal de la B. B.C. Northern Ireland Orchestra en septiembre de 1968, pero tuvo que renunciar al cargo al cabo de un año debido a sus numerosos compromisos cinematográficos y discográficos en Londres. En septiembre de 1965 fue invitado a Japón para una gira de conciertos con su grupo discográfico latinoamericano y también dirigió la Orquesta Sinfónica de Tokio. La gira tuvo tanto éxito que fue invitado a realizar otra en abril de 1967. Se le pidió una tercera gira, que se llevó a cabo en abril de 1969, esta vez sin el grupo latinoamericano y únicamente como director invitado de la Orquesta Sinfónica de Tokio, la Orquesta Filarmónica de Osaka y la Orquesta Sinfónica de la NHK; y, increíblemente, como único artista occidental al que se ha invitado con tanta frecuencia, ha sido invitado una vez más a dirigir las mismas orquestas durante la temporada de la EXPO '70 este verano. A finales de 1971 se traslada a Nueva Zelanda para dirigir la Orquesta Sinfónica de la New Zealand Broadcasting Corporation durante toda una temporada de «Proms».

Para Stanley Black no hay nada extraño en la idea de dirigir una orquesta sinfónica un día y tocar el piano en un grupo de jazz o latinoamericano al día siguiente; o pasar de componer una banda sonora de cine inspirada en el jazz a escribir una nueva y exquisita versión de «Clair de Lune» de Debussy; o relajarse escuchando discos tanto de Mozart como de Sergio Mendes, o de Elgar y Duke Ellington. Rechaza la especialización porque nunca ha sentido la necesidad o el impulso de especializarse. Se considera ante todo un músico y, por lo tanto, todo lo relacionado con la música entra dentro de su ámbito de comprensión y entendimiento instintivos. Quizás el secreto radique en el hecho de que hace «todo lo relacionado con la música» de forma brillante, y si lleva una desconcertante cantidad de sombreros musicales, todos le quedan de maravilla. Como él mismo dice de forma tan sucinta: «Todo es música, música para estudiar y disfrutar y poner a disposición de otros para que la disfruten; la única música imperdonable es la que es aburrida, está mal escrita o mal interpretada». Así que, como dirían nuestros primos estadounidenses, «disfruten, disfruten»: elijan entre la increíblemente amplia gama de álbumes de Stanley Black. Están ahí para que los disfruten, para todos los estados de ánimo, todos los gustos, todas las edades; un elocuente testimonio de la inspirada obra de uno de los músicos más destacados de nuestro tiempo._ The Decca Record Company Limited, Londres (1969)

                                                                                    

                                                                                  

Stanley Black And His Piano With Latin American Rhythm - Cuban Moonlight (1969)

Temas:

01. Vereda Tropical (Gonzalo Curiel)

02. Majorca (Georges Bonnet/Johnny Lehmann/Louis Gasté)

03. Siboney (Ernesto Lecuona)

04. Ay-Ay-Ay (Osman Perez Freire)

05. El Truco De Pernambuco (Manuel Salina)

06. Green Eyes (Nilo Menéndez/Reginald Connelly/Wolfe Gilbert)

07. Rumba Matumba (Bobby Collazo)

08. Stars In Your Eyes (Gabriel Ruiz)

09. Os Quindins De Yaya (Ary Barroso)

10. The Moon Was Yellow (Edgar Leslie/Fred E. Ahlert)

11. Nostalgia (Stanley Black)

12. Hold Me Close Tonight (Stanley Black)

13. Perfidia (Alberto Dominguez)

14. Frenesi (Alberto Dominguez)

Elio Revé y su Charangón - Fresquecito

Orquesta de Elio Revé. Agrupación musical fundada en 1956. Por su quehacer musical ha ganado gran prestigio nacional e internacional. Continuadores de una obra musicalmente importante, capaces de convocar a más de 25 mil personas en varias plazas del país, unido a grabaciones de importantes discos compactos y presentaciones en prestigiosos escenarios nacionales e internacionales, Elito Revé Jr. y Charangón van conformando una nueva etapa en la historia de esta orquesta dando muestras de profesionalidad y logrando mantener siempre la expectativa de un público conocedor de la buena música cubana.
Fundada en el año 1956 por el maestro Elio Revé Matos, figura relevante de la música cubana, la orquesta Elio Revé y su Charangón es desde hace muchos años, una de las agrupaciones musicales de mayor prestigio en Cuba y en otras partes del mundo.

Su creador, nacido en Guantánamo, provincia oriental de Cuba, el 23 de junio de 1930 y fiel exponente de los mejores valores de la música cubana, fue catalogado como "Padre del Changüí" por los aportes que hizo a este ritmo, además de ser uno de sus más grandes defensores.
Dentro de la carrera de Elio Revé Matos se destaca el hecho de ser el primero en utilizar el timbal de cinco llaves en el formato de Charanga también introdujo los trombones en sus arreglos y por último, llevó a su orquesta los tambores Batá pertenecientes a la religión Yoruba. Lo anterior sumado a su carismática simpatía, a esa voz ronca e inconfundible que le acompañó siempre al cantar, unido a su rigor profesional como percusionista y a su talento innato y cultivado, le valieron para alcanzar la popularidad en muy breve tiempo.
Maestro de maestros pues en su orquesta se formaron figuras de la talla de Chucho Valdés, Juan Formell, Yumurí, Carlos Alfonso y hasta su propio hijo Elito, por solo citar algunos ejemplos, Elio Revé Matos logró convencer en cada actuación. La vida y obra de este importante músico y compositor siguen siendo de gran trascendencia en la historia musical cubana.
Tras fallecimiento de Elio Revé en el año 1997, su hijo Elio Revé Jr. graduado de nivel superior de música, quien además de haber sido preparado por su padre, ya formaba parte de la orquesta como pianista y arreglista, asume el reto de continuar la obra de Revé y para ello asume la dirección de la orquesta logrando mantener además de la popularidad, la sonoridad y el sello que durante tantos años habían acompañado a esta agrupación.

Elio Revé Jr. y su Charangón con rigor y gran sentido estético y musical alcanzaron desde entonces los primeros lugares del Hit Parade nacional de la radio y la televisión cubanas, se han presentado en escenarios de Francia, Holanda, Estados Unidos, España, Bélgica, Suiza, Italia y México donde la orquesta era conocida y donde lograron que el público les recibiera con entusiasmo gracias precisamente al hecho de haber mantenido la misma sonoridad..._(ecured)

                                                                        

                                                                              

Elio Revé y su Charangón - Fresquecito (2007)

Temas:

01. Fresquecito.com (Elio Revé Duverger)

02. El Teléfono (Aisar Hernández Segundo)

03. El Dinero (Dagoberto Vásquez)

04. El Martes (Juan Formell)

05. La Viuda (Aisar Hernández Segundo)

06. Ya No Te Doy Mas Nà (Alexei Sánchez)

07. El Jonrón (Sofiel Del Pino)

08. Vamos A Bailar El Changüí (Elio Revé Duverger)

09. A Sancochar Boniato ( Aisar Hernández Segundo)

10. No Me Pegues Con El Pie (D.R.)

11. La Madrugada (Alexei Sánchez)

Musicos:

Elito Revé Duverger (Voz, arreglos y director musical)

Aisar Hernández Segundo (Bajo, arreglos, director musical)

Wilfredo A. Naranjo "Pachy Jr." (Piano)

Jorge Luis Vila (Tres)

Andy Fornet (Timbales, güiro, batá)

Arián Chacón (Congas, batá)

Ariel Hernández (Bongos, campanas, batá)

Maikel Díaz (Güiro)

Eulices Benavides, Orlando Montander, Yamer Pérez (Metales)

Dagoberto Vásquez (Voz, coros en pistas: #1,#3,#4,#7,#10)

Pascual Matos "El Sansote" (Voz, coros en pistas: #4,#5,#8)

Eric E. Broche "El Chino" (Voz en pistas: #4,#6)

Lázaro Cuesta "El Bello" (Voz en pistas: #2,#4,#9,#11)

Músicos invitados:

Irwing Frontela (Violín "Orquesta Van Van")

Roberto Hernández "Robertón" (Voz "Orquesta Van Van")

Miguel Martínez Roja (Bongocero de changüi)

Roberto Morales (Coros)