Anamaría Oramas es una compositora e intérprete de gran relevancia para la escena musical colombiana. Su reciente participación en el Festival Estéreo Picnic (2024) la ha posicionado como la primera artista de jazz en este escenario, convirtiéndose en un referente para la nueva generación de mujeres instrumentistas del género en el país. Durante su gira europea en 2024 debutó en el prestigioso Jazz Club "Porgy and Bess" en Viena y en el "Festival Latir" en Barcelona. Concibe su música desde una dimensión ritual y festiva, por tanto compone piezas donde la gaita, las percusiones y la flauta traversa evocan la alegría fiestera de las bandas pelayeras, el arrullador ritmo del currulao y la cadencia nostálgica de las canciones degaita._(bogotamusicmarket)
Anamaría Oramas (Música y Flautista). Es una flautista y compositora de Bogotá, considerada un referente del jazz colombiano actual y de la nueva generación de mujeres instrumentistas.Estilo y Fusiona las músicas de viento tradicionales de Colombia con la improvisación del jazz. Formó parte del Colectivo Colombia de Antonio Arnedo y del clásico Deciso Dúo. Ha lanzado los álbumes Muntú (2019) y Ramas Lejanas (producido por Rachel Therrien). Se ha presentado en eventos de renombre como el Festival Estéreo Picnic y escenariosinternacionales en Viena y Barcelona_IA
Este trabajo discográfico reseñado como uno de los mejores del 2019 según las revistas Semana y Arcadia, es el comienzo de un recorrido intuitivo por las músicas colombianas. Por primera vez, la gauta emerge dentro del mundo del jazz y la improvisación. Muntu es resultado de un trabajo apasionado por crear un nuevo lenguaje en la flauta traversa colombiana, fraseos que se construyen del entretejido melódico de las músicas de marimba, la improvisación responsorial heredada del bullerengue y el articulado ritmo del chandé: la “memoria colectiva” que evoca las músicas asentadas en Bogotá, resultado de las diásporas internas de la Colombia contemporánea._(anamariaoramas)
Con una trayectoria que supera las tres décadas, Alberto Carrillo Peña, conocido en el ámbito musical como El Gallo, se ha consolidado como una figura emblemática de la música popular cubana. Nacido en Manzanillo, inició su carrera en el grupo de aficionados Los X, donde dio sus primeros pasos, para luego convertirse en voz líder de la Orquesta Original de Manzanillo. Hoy dirige su propia agrupación, El Gallo y su Orquesta, con la que mantiene viva la tradición sonora de su tierra natal. Carrillo Peña no solo es un intérprete carismático, sino también un prolífico compositor. Posee un repertorio de más de 200 temas, entre los que destacan “La pantera”, “Patica de chivo”, “Un pariente en el campo” y “La botellita”. Estas piezas han alcanzado notable popularidad por su capacidad para reflejar la cotidianidad y las raíces culturales cubanas, con letras sencillas, auténticas y de ritmo contagioso. Su más reciente producción discográfica, titulada A mi tierra, constituye un homenaje a la identidad musical manzanillera. Se trata del primer CD oficial de El Gallo y su Orquesta, masterizado en los Estudios Siboney de la EGREM, institución clave en la historia discográfica cubana. La publicación se inserta, además, en las celebraciones por los 40 años de la campaña cultural de Siboney, lo que añade un valor histórico a la obra. El álbum reúne una selección casi inédita de guarachas, cumbias y sones, géneros esenciales del repertorio tradicional cubano. Bajo la dirección vocal y artística de Carrillo Peña, el disco incluye 12 temas grabados en los Estudios 18 de la EGREM y en Cativana Records, en Bayamo, provincia de Granma.
Cuenta con la colaboración de invitados como el Coro Ismaelillo y las vocalistas María Victoria Puig Ortiz, Verónica María Puig Ortiz y Arinledy Rodríguez, quienes enriquecen la propuesta sonora. La producción musical estuvo a cargo de Carlos Alarcón Longoria, mientras que la mezcla y masterización corresponden a Carlos Rafael Puig Battle. La imagen visual fue concebida por el fotógrafo Roberto Karel Boza Blanco y el diseñador Carlos Acosta, aportando coherencia estética al proyecto. Reconocido también como “El Charanguero de Cuba”, Alberto Carrillo Peña es un referente en la preservación y difusión de la música popular cubana. Su compromiso con las raíces y su capacidad de renovación lo confirman como figura imprescindible para las nuevas generaciones.
La obra de El Gallo no solo evidencia talento, sino también una sostenida vocación por defender la identidad musical del país. Su álbum A mi tierra reafirma la vitalidad y diversidad del panorama sonoro cubano contemporáneo._Luis Carlos Frómeta Agüero (lademajagua)
Alberto Carrillo Peña “El Gallo” - A Mi Tierra (2025) Temas: 01. A Mi Tierra 02. En Puntica De Pie 03. No Me Busques La Lengua 04. El Tiki 05. La Pregunta 06. Tu Soltera 07. El Viajecito 08. Niña Hermosa 09. La Vida Es Un Vaivén 10. La Yuca 11. Segundas Partes 12. Popurrit De Éxitos todos los temas compuestos por Alberto Carrillo Peña “El Gallo” Grabado en los Estudios 18 de la Egrem y en Cativana Records en Bayamo, Granma. Información cedida por Osvaldo M.
PATÁX es un grupo musical español liderado por Jorge Pérez que fusiona flamenco, jazz y música afrocubana para crear reinterpretaciones innovadoras. El proyecto nació en Madrid alrededor de 2010 y se ha destacado por sus versiones de clásicos de artistas como Michael Jackson, The Beatles y Stevie Wonder, combinando elementos tradicionales flamencos con ritmos latinos y armonías de jazz. Su sonido distintivo y sus arreglos sofisticados les han ganado reconocimiento internacional, con actuaciones en importantes festivales y la publicación de varios álbumes que demuestran su creatividad y versatilidad musical. Hoy, PATAX, una de las bandas de fusión más reconocidas internacionalmente, son la más fresca, sorprendente y cosmopolita expresión del Jazz fusión con ingredientes flamencos y afrocubanos.
Bebiendo del legado de leyendas del Jazz como Weather Report, Corea’s Elektric Band, Herbie Hancock, o Zawinul Syndicate, y sin esconder la poderosa influencia de las visionarias propuestas de Irakere, Wayne Shorter, Miles Davis, Enrique Morente, Snarky Puppy, Sixun y Paco de Lucía, PATAX lleva el concepto de “Fusión” hasta un territorio completamente inexplorado, donde su particularísima forma de mezclar el Flamenco, el Funk, el jazz y el folclor Afrocubano, unida al virtuosismo de sus integrantes, produce un explosivo, sorprendente y mágico resultado que ha encontrado adeptos por todo el planeta._(jazzmintmusic)
Tras sacudir la escena en 2013 con Live From Infinity, obra especialísima y rompedora por muchos conceptos, grabada en riguroso directo en audio y video, de una forma muy poco vista en España hasta entonces y muy imitada después, Patáx una de las bandas de Jazz más innovadoras y heterodoxas del panorama actual, propina un nuevo golpe de efecto con este fantástico nuevo trabajo que reúne, en un solo CD, lo mejor de lo mejor de su extensa colección de sabrosas, coloristas y originalísimas versiones del glorioso legado de uno de los artistas más colosales de la Musica Popular de todos los tiempos: Michael Jackson, el “Rey del Pop”.
Reinterpretaciones radicalmente hedonistas de archiconocidos éxitos como Billie Jean, Black Or White, Smooth Criminal o Man In The Mirror, que fascinan tanto por su patente respeto a la versión original, como por los exuberantes aromas a Latin Jazz, Salsa, Flamenco y otras especias exóticas que aportan colores y sabores peculiares a un combinado explosivo, marcado por la energía de alta intensidad de un grupo de músicos en permanente ebullición, formado por algunos de los más brillantes talentos de la última hornada del Jazz, el Flamenco y el Afrobeat “Made In Spain” (Federico Lechner, Alana Sinkey, Alain Pérez, Israel Sandoval, Lidón Patiño, Georvis Pico, Roberto Pacheco, Chuma Segura, Valentín Iturat, Jorge Vera, Marcos Collado, Fabrizio Scarafile, Pedro Medina, Carlos Sánchez, Dani Morales, Rafael Águila, Raúl Gil, Tomás Merlo, Daniel García…), espectacularmente dirigidos, como de costumbre, por un Jorge Pérez en estado de gracia…
Momentos mágicos. Improvisaciones sorprendentes y trances colectivos que resultarían difíciles de imaginar sin las fantásticas grabaciones de video que se hicieron de aquellas descargas. Por algo superan ya, de largo, el millón de visitas en YouTube ¡antes incluso de la publicación del álbum!
Un proyecto valiente, arriesgado, y, sobre todo, altamente disfrutable, en el que la originalidad, el talento y la calidad instrumental del mejor Jazz de hoy en día van de la mano de una producción, una calidad y una intención propias del Pop más sofisticado, inquieto y bailable de la actualidad. Michael estaría orgulloso…_(jazztimemagazine)
Roger Glenn nació el 11 de junio de 1945 en el seno de una familia de leyenda del jazz, siendo hijo de Tyree Glenn, un reconocido trombonista y vibrafonista de la era del swing que tocó con Cab Calloway y Duke Ellington. Criado en la ciudad de Nueva York y, más tarde, en Englewood (Nueva Jersey), Glenn absorbió un amplio abanico de tradiciones musicales durante sus años de formación, sentando así las bases de su carrera como uno de los multiinstrumentistas más versátiles del jazz. Debutó discográficamente junto a la legendaria pianista y compositora Mary Lou Williams, y rápidamente se consolidó como un improvisador de gran talento, capaz de dominar más de 18 instrumentos, entre ellos la flauta, el vibráfono, el saxofón, el clarinete, la marimba, el flautín y el saxofón barítono. A lo largo de su carrera, que se prolongó durante décadas, Glenn se hizo famoso por ser «el ingrediente secreto» detrás de algunas de las grabaciones más emblemáticas del jazz y el jazz latino, colaborando en álbumes clásicos con el maestro de la percusión cubana Mongo Santamaría, el trompetista pionero del funk-jazz Donald Byrd y el virtuoso del jazz latino Cal Tjader. Su versatilidad hizo que siempre estuviera muy solicitado, lo que le llevó a actuar con una extraordinaria variedad de leyendas, entre las que se incluyen Dizzy Gillespie, Herbie Mann, Taj Mahal, Kurt Elling y la Count Basie Orchestra. A pesar de haber participado en más de 40 álbumes y de haber realizado numerosas giras por Norteamérica, Nueva Zelanda y Australia, Glenn permaneció en gran medida entre bastidores, realzando la música de maestros consagrados al tiempo que desarrollaba su propio estilo distintivo, que fusionaba a la perfección la improvisación del jazz con la vitalidad rítmica de las tradiciones afrocaribeñas y latinoamericanas.
A los 80 años, Glenn saltó a la fama como director de orquesta y compositor con su primer álbum nuevo en cuatro décadas, «My Latin Heart», publicado en 2025. Este lanzamiento supuso un hito importante en su carrera, ya que ofrecía la visión más reveladora hasta la fecha de un gigante del jazz que había permanecido oculto a plena vista. La filosofía de Glenn, inculcada por su padre, consistía en «crear tu propio sonido», y su dominio de más de 18 instrumentos le permitía seleccionar la mejor voz para cada momento musical, lo que le convirtió en una figura singular del jazz contemporáneo y la música latina..._ (jazzapedia)
Roger Glenn, hijo del reconocido instrumentista Tyree Glenn, nunca se ha conformado con quedarse en un solo ámbito. Maestro de los instrumentos de lengüeta y del vibráfono, sigue encarnando el espíritu de traspasar fronteras. En *My Latin Heart*, Glenn se embarca en una sesión llena de energía que celebra la vitalidad rítmica de la diáspora africana y que, al mismo tiempo, constituye un manifiesto personal.
Flanqueado por un conjunto estelar de colaboradores veteranos —el pianista David K. Mathews, el guitarrista Ray Obiedo, el bajista David Belove, el difunto y querido baterista Paul van Wageningen y los vocalistas y percusionistas John Santos y Michael Spiro—, Glenn canaliza una energía palpitante que vincula el jazz con sus primos afrocaribeños. Estos músicos, todos ellos veteranos de las altas esferas del jazz, aportan tanto precisión como pasión a esta sesión.
El álbum arranca con una sacudida dinámica: «Zambo's Mambo» es un tema trepidante en clave menor impulsado por la flauta de Glenn, a la vez etérea y imponente, que se desliza sobre una sección rítmica que funciona como una máquina bien engrasada. Mathews interpreta un solo lleno de inspiración y gran variedad. «Cal’s Guajira» es a la vez un guiño respetuoso y una evolución, en la que destaca la hábil interpretación de Glenn al vibráfono, que evoca el espíritu de Cal Tjader sin caer en la imitación. Obiedo se suma a la mezcla, demostrando su amplia experiencia con los ritmos latinos y contribuyendo a la vertiginosa combinación de melodía y groove que honra el linaje al que Glenn rinde homenaje.
«A Night Of Love» suaviza el conjunto con un lirismo sensual. La flauta de tono grave de Glenn se desliza con la suavidad de un susurro. El piano de Mathew llena el fondo con sutiles toques armónicos que evocan el romanticismo de la bossa nova. «Energizer» inyecta a la sesión una ráfaga dinámica de energía y color tonal. La interpretación de Glenn al vibráfono es eléctrica —percusiva, pero melódicamente ágil— y se eleva por encima del conjunto, que crepita de energía.
Es un magnífico ejemplo de cómo fusiona la sofisticación y la espontaneidad.
La banda explora la conexión afro-nuevoorleanesa con «Congo Square», un lugar de encuentro histórico entre los metales europeos y los ritmos africanos. Aquí, Glenn nos recuerda que el jazz no es solo una forma de arte, sino una fusión cultural, mientras su vibráfono y la guitarra de Obiedo se unen para contar la historia. El broche final lo pone «Samba De Carnaval», un tema que rebosa color y ritmo. Con Glenn a la flauta, él y la banda ofrecen una coda muy acertada que vibra con la exuberancia brasileña, ese tipo de fastuosidad rítmica que cierra el álbum con una sonrisa y un baile._Pierre Giroux (allaboutjazz)
Miguel Núñez Hernández . Importante Músico cubano especialista en el piano ha colaborado en grabaciones y conciertos con artistas nacionales y foráneos. Miguel Núñez Hernández nació el el 27 de noviembre de 1964, en La Habana, Cuba. Hizo estudios musicales en el Instituto Superior de Arte ISA, Cuba, graduándose de Especialista en el piano. Tiene una amplia carrera Musical en Cuba y reconocido en muchos países. Además ha sido anfitrión en varios conciertos bien conocidos, Miguel Núñez forma parte del grupo musical de Pablo Milanés, desde 1998, es además de pianista, compositor y productor musical. Ha sido responsable de la sonoridad de los más recientes discos del trovador, entre los que sobresale. El destacado pianista tiene a su favor una amplia experiencia como vocalista, instrumentista y arreglista musical, pues ha colaborado con destacados músicos cubanos y extranjeros, entre los que se encuentran: Leo Brouwer, Fito Páez, Ricardo Arjona, Ana Belén, Mercedes Sosa, Carlos Varela, Omara Portuondo, Richard Egües, César López, Liuba María Hevia, Santiago Feliú]] y Chucho Valdés, por solo mencionar algunos.
Miguel,paralelamente a su trabajo con Pablo, funda la agrupaciónMiguel´s Trío, que además integran Luis Ángel Sánchez en el bajo y Osmany Sánchez. Con este trío concibió el CD, Azul, bajo el sello Unicornio, la música del ballet Tocororo, así como diversas bandas sonoras para el cine como por ejemplo para el filme, Páginas del diario de Mauricio, del director Manuel Pérez._(ecured)
En los últimos años la pianística cubana ha crecido cualitiva y cuantitivamente con el aporte de nuevos valores formados en las escuelas de artes cubanas. Ejemplo significativo para todos y las generaciones venideras, es el pianista Miguel Núñez, joven graduado en el Instituto Superior de Arte, no solo conoce y domina los géneros de la mal llamada "música culta", porque culto es acervo popular y folhlórico de la raíz hispano africana legada en nuestra identidad. Miguelito además, ha experimentado una fusión entre la música tradicional y afrocubana con elementos del jazz rock y música de concierto en perfecta medida, utilizando para ello elementos electrónicos llenos de profesionalidad, complejidades técnica y armónicas que pueden ser logradas gracias a su talento y genialidad pianística.
Su pianismo indiscutible lo destacan como una de las más grandes promesas de la música cubana y su trabajo como Director Musical y arreglista dentro del grupo de Pablo Milanés es un ejemplo fehaciente de ello. Sin dudas ha logrado crear un trabajo significativo, en compañía de músicos de alto nivel, que adornan su magia artística vista en su total sentido de la palabre y, claro está, en su virtuosismo pianístico.
No les hago perder tiempo con esta lectura, cscuchen a uno de los más grandes músicos cubanos: Miguel Núñez. Yo lo recomiendo._ Chucho Valdés (De las notas originales del disco)
George Edward «Ted» Heath (30 de marzo de 1902-18 de noviembre de 1969) fue el músico inglés y el director de una de las orquesta más importantes de la posguerra, con más de 100 álbumes grabados y más de 20 millones de discos vendidos. Su banda fue considerada la más famosa y exitosa del Reino Unido,permaneciendo activa 55 años, hasta el año 2000. Heath nació en Londres, Inglaterra. Aprendió a tocar la trompa alto con seis años de edad. Su padre, líder de la Wandsworth Town Brass Band, le incentivó a pasarse al trombón. Con el fin de ganarse la vida en la posguerra, tanto él como su hermano Harold y otros tres músicos formaron una banda que tocaba para los transeúntes en la Estación de London Bridge, antes de hacerlo cerca de Queen’s Hall Gardens. Fue allí donde inició su carrera profesional, tras recibir una oferta para tocar en la formación de Jack Hylton,[8] quien residía en la zona. Aunque no estuvo mucho tiempo con Hylton, consiguió el impulso necesario para seguir adelante con su carrera..._(wikipedia)
Dejemos pasar la próxima revolución y hablemos de la historia de la música iatín-americana. Probablemente creas que la inventó Carmen Miranda, que solía comprar sus sombreros en las fruterías e imitaba a Tommy Trinder, pero no fue así en absoluto. La primera pista que tuvimos de ello en este país fue el tango, un baile muy escandaloso que implicaba dar algunas patadas, lo cual, en 1912, no le hacía ninguna gracia a la alta sociedad. Pero se lo acabaron pasando por alto, y el tango pronto se convirtió en un baile tan respetable que ya nadie se molestaba en bailarlo. En los años treinta, la música popular había descubierto que Brasil no era solo «el lugar de donde vienen las nueces», según la inmortal frase de Brandon Thomas, sino la cuna de muchos ritmos de baile estimulantes. También se descubrieron México, Cuba, Venezuela y otros lugares al sur de la frontera, justo a tiempo para traernos rumbas, sambas, pasodobles (que daban un gran rodeo desde España), congas y similares. Al principio no se tomaban muy en serio, y se consideraba necesario que las bandas se pusieran sombreros graciosos y trozos de manta a rayas cada vez que se permitían tocar estos temas. Los ingleses son gente bastante conservadora; para nosotros, el ritmo se redujo durante mucho tiempo a los bailes morrsi (bailes muy rígidos, por cierto) y a marchar un poco al son de las bandas de música, por lo que pasaron años antes de que se esperara que una banda de baile inglesa normal incluyera una buena selección de temas latinoamericanos en su repertorio. Puede que los directores de orquesta se resistieran a asumir el gasto que suponía comprar todos esos instrumentos adicionales, por supuesto (por no hablar de los sombreros ridículos —solo Acker Bilk puede permitírselos—, pero la causa fundamental fue sin duda el conservadurismo de los gringos.
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Syran Mbenza - Rumba Africa (2025)
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Originaria del Congo, y floreciendo incluso durante la dolorosa época en
que el país pasó a llamarse Zaire, la rumba africana se convirtió en uno de
los t...
Música para Gatos - Ep. 90 - Referencias gatunas.
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Música para Gatos - Ep. 90 - Referencias gatunas.
Hoy os vamos a entregar uno de aquellos capítulos a los cuales solemos
denominar Jazz Free, es decir, un...
Myrsini Kagarlis / Ravel
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Myrsini Kagarlis (13) performs Ravel's Sonatine at the 5th Summer Music
Performance Program at Anatolia College, Thessaloniki, Greece, on July 2,
2019.
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