Dave Schumacher & Cubeye - Smoke In The Sky

Como saxofonista barítono autónomo, Dave Schumacher, natural de Chicago, lleva más de 30 años en activo en la escena musical neoyorquina. Como miembro de la orquesta de Lionel Hampton entre 1983 y 1987, realizó giras por América y Europa. Volvió a salir de gira con Hamp en 1988 y 1989. Uno de los momentos más destacados de la carrera de Dave fue viajar con la Art Blakey Big Band a Japón en 1987 para actuar en el Festival de Jazz del Monte Fuji.
Dave fue miembro fundador de la orquesta de Harry Connick, Jr. desde sus inicios en 1990 hasta 2009. Ha cautivado al público en giras con Harry por Norteamérica, Europa, Asia (Japón, China, Malasia, Singapur, Filipinas y Corea del Sur) y Australia. Su saxo barítono puede escucharse en cada uno de estos discos de Harry Connick, Jr. publicados por Columbia: *Oh My NOLA*, *Chanson du Vieux Carré*, *Only You*, *When My Heart Finds Christmas*, *Come By Me*, *Blue Light Red Light*, *Songs I Heard*, *Thou Shalt Not*, *What A Night* y otros.

Como artista independiente, Dave formó parte de la gira del T.S. Monk On Monk Ensemble entre 1999 y 2000, con la que recorrió Estados Unidos y Europa, además de realizar una gira por Europa con el Octeto de Tom Harrell en el año 2000. Dave también ha colaborado como músico independiente con la Louis Armstrong Tribute Big Band de Nicholas Payton, el 52nd Street Themes Nonet de Joe Lovano, los grupos de Jack McDuff, Eddie Gladden, la Mel Lewis Jazz Orchestra, la Afro-Cuban Big Band de Chico O’Farrill, la Tom Harrell Big Band, Lin Halliday y muchos otros.

Como líder y compositor/arreglista, Dave ha grabado tres CD: *Every Corner* y *From Another Life*, con el sello Amosaya Music, y *Endangered Species*, con Summit Records. Dave ha grabado como músico acompañante con Lionel Hampton, Harry Connick, Jr., Tom Harrell, Scott Whitfield, Jason Lindner, Mel Torme, Ben Wolfe y el salsero Billy Carrión, entre otros._(allaboutjazz)

El saxofonista barítono Dave Schumacher, nacido en Chicago y afincado en Nueva York, se decanta claramente por las melodías y los ritmos latinos en *Smoke in the Sky*, su disco grabado con un competente septeto al que ha bautizado como Cubeye. El jazz contemporáneo constituye el núcleo de la apuesta intercultural de Schumacher, una iniciativa que sus compañeros de grupo —que comparten su visión— se toman muy en serio, al tiempo que aportan sus conocimientos y experiencia a este proyecto, en su mayor parte cálido y cautivador.

Aunque la potente voz de barítono de Schumacher, que recuerda a Pepper Adams, Ronnie Cuber, Nick Brignola, Gary Smulyan, Cecil Payne y otros maestros del instrumento, ocupa un lugar destacado en cada tema, hay amplio espacio para que brillen otros miembros del grupo, sobre todo el pianista Manuel Valera, el saxofonista Peter Brainin y el bajista Alex «Apolo» Ayala. Los trompetistas Josh Evans y Jesús Ricardo se turnan, siendo Ricardo quien se lleva los solos en el tema inicial «Smoke in the Sky», en la encantadora «Cal Massey» de Stanley Cowell, en la suave y cadenciosa «Walk Spirit Talk Spirit» de McCoy Tyner y en el clásico latino «Poinciana» (atribuido, por alguna razón, a Nina Simone), que pone el broche final a la sesión.

En cuanto al ritmo, un elemento clave en cualquier álbum de música latina, está en las competentes manos de Valera, Ayala, el baterista Joel Mateo y el percusionista Mauricio Herrera. En este aspecto, no hay nada que objetar. Valera es un acompañante magnífico cuyos solos son siempre dignos de elogio, mientras que Ayala y Brainin se muestran precisos y seductores cada vez que les toca ser protagonistas. Además de hacer gala de su saxofón potente a la par que expresivo, Schumacher compuso la canción que da título al álbum, su contrapartida melódica «(No More) Smoke in the Sky» y la animada «El Dilema de Chegui Metralia», que incluye solos estelares de Brainard, Schumacher y Ayala.

Cualquiera que sea aficionado al jazz con un toque sureño encontrará aquí mucho que admirar, ya que «Smoke in the Sky» ofrece una música latina brillante y luminosa con mayúscula. La música es elocuente y agradable, al igual que la interpretación de Schumacher y su admirable septeto._Jack Bowers (allaboutjazz)

                                                                               

                                                                                    

Dave Schumacher & Cubeye - Smoke In The Sky (2024)

Temas:

01. Smoke In The Sky (Dave Schumacher)

02. You Know It's Wrong (Eddie Harris)

03. Caridad (AfroCuba De Matanzas)

04. No More) Smoke In The Sky (Dave Schumacher)

05. El Dilema de Chegui Metralla (Dave Schumacher)

06. Cal Massey (Stanley Cowell)

07. Walk Sprit Talk Spirit (McCoy Tyner)

08. Poinciana (Nat Simon)

Musicos:

Dave Schumacher (Saxo barítono)

Josh Evans (Trompeta en temas #1, #5 a #8)

Jesús Ricardo (Trompeta en temas  #2, #3)

Peter Brainin (Saxon tenor y saxo soprano en temas #1, #5 a #8)

Manuel Valera (Piano) 

Alex “Apolo” Ayala (Contrabajo) 

Mauricio Herrera (Conga, tambores bata y chekeré)

Joel Mateo (Batería y campanas) 

Grabado el 19 de abril y el 13 de junio de 2023.

Estudio de grabación Trading 8s, Paramus, NJ.

Roni Ben-Hur - Abriendo Puertas

 

Roni Ben-Hur (Dimona, 9 de julio de 1962) es un guitarrista de jazz israelí que emigró a los Estados Unidos en 1985. Sus padres eran judíos sefardíes de Túnez.
Creció en Dimona, Israel. Es el menor de siete hermanos y uno de dos nacidos después de que la familia emigró de Túnez en 1955. Su apellido fue cambiado legalmente a Ben-Hur mediante un ritual a los 10 años.
Cuando tenía once años empezó a tocar la guitarra. Aprendió sobre jazz gracias a la colección de discos de un amigo de la escuela secundaria. En Israel actuó en clubes, bodas y bar mitzvahs hasta que tuvo suficiente dinero para mudarse a los EE. UU. Llegó a la ciudad de Nueva York en 1985 y pasó un tiempo en el Jazz Cultural Theatre de Barry Harris. Recibió lecciones de Harris y luego se convirtió en miembro de su banda.

Su experiencia como educador se remonta a 1981 en Israel. En Estados Unidos inició programas de música de jazz en la Professional Performing Arts School, la Coalition School for Social Change y en la Lucy Moses School. A petición de Bette Midler, inició un programa de jazz para escuelas secundarias de la ciudad de Nueva York.[3] Ben-Hur inició un campamento de jazz en Saint-Cézaire-sur-Siagne, Francia, con Santi Debriano. Con Nilson Matta, inició un campamento de jazz y música brasileña en Bar Harbor, Maine, ambos destinados a adultos aficionados al jazz. Es el director fundador del programa de jazz de la Escuela Lucy Moses del Kaufman Center en Manhattan, donde enseña..._(wikipedia)

El título sugiere una invitación, pero también algo más íntimo: la voluntad de entrar. No para llegar a lo grande, ni para reclamar un lugar con demasiada prisa, sino para cruzar un umbral con atención. Esa cualidad ha definido desde hace tiempo la forma de tocar de Roni Ben-Hur. Su guitarra no se impone en una estancia. Primero escucha. Busca la temperatura humana de una frase, el pequeño giro emocional dentro de una melodía, el lugar donde el ritmo y la respiración comienzan a reconocerse mutuamente.

«Abriendo Puertas» se grabó en La Habana, pero el álbum no gira en torno al drama de la llegada. Su belleza reside en otra parte: en que los músicos encuentren un espacio compartido y dejen que ese espacio transforme la música.

Ben-Hur llega hasta aquí con una trayectoria musical ya llena de cruces. Nacido en Dimona (Israel) y formado a lo largo de más de cuatro décadas en el mundo del jazz neoyorquino, ha construido un lenguaje inconfundiblemente arraigado en el bebop y el swing, pero que nunca se ha visto limitado por ellos. Otras corrientes atraviesan su sonido: los giros melódicos de la canción mediterránea, trazas de música norteafricana y árabe judía, la intimidad de la guitarra brasileña, el tirón rítmico de las tradiciones afrolatinas, la claridad expresiva de un intérprete que siempre ha entendido la melodía como algo cercano al habla. Ninguno de estos elementos aparece entre comillas. Viven en su forma de frasear. Por eso este álbum resulta tan natural.

A lo largo de todo el álbum, se percibe a un músico que no tiene nada que demostrar. Quizá por eso el disco transmite una sensación de apertura. Ben-Hur permite que su propia trayectoria musical entable un diálogo con otra, y ese diálogo no es abstracto; se manifiesta en el ritmo, en el tacto, en la forma en que el conjunto respira al unísono. La guitarra es un instrumento especialmente adecuado para este tipo de cruce: portátil, íntima, históricamente inquieta, percusiva o lírica, solitaria o social. Aquí se sitúa en el umbral: entrando, escuchando, respondiendo, dejando huellas de sí misma sin cerrar nunca el espacio a su paso.

Quizás ese sea el significado más profundo de «Abriendo Puertas». La puerta no se abre una sola vez y se queda abierta. Se va abriendo continuamente, frase a frase, respiración a respiración, idea a idea; cada músico la mantiene abierta para el siguiente.

Nueva York-La Habana — «Abriendo Puertas» forma parte de «Cuban Notes», una serie discográfica coproducida por Johanan «Jo» Bickhardt, fundador de Dot Time Records, y el guitarrista Roni Ben-Hur. Este álbum se grabó en La Habana, en colaboración con músicos cubanos, y aborda la música cubana como una forma de pensar y de habitar el mundo.._(dottimerecords)

                                                                         

                                                                                

Roni Ben-Hur - Abriendo Puertas (2026)

Temas:

01. Abriendo puertas (Alejandro Falcón)

02. Mi Mejor Canción (José Antonio Méndez)

03. Dos gardenias (Isolina Carrillo )

04. Gua' One Blues Pal Bobby (Alejandro Falcón)

05. Esta tarde vi llover (Armando Manzanero)

06. Lo que es del César (Alejandro Falcón)

07. El Teide (Alejandro Falcón)

Musicos:

Roni Ben-Hur (Guitarra)

Alejandro Falcón (Piano)

Pedro Pablo Gutiérrez (Bajo acústico)

Ruy López-Nussa (Batería)

Octavio Rodríguez Rivera (Percusión)

Emir Santa Cruz (Saxofón tenor en pistas #1, #4, #5, #7)

Osdalgia Lesmes (Voz en pistas #3, #5)

Grabado en los estudios DBega, La Habana, noviembre de 2025

Tito Rodriguez - Tito Rodriguez At The Palladium

Pablo Rodríguez Lozada (Santurce; 4 de enero de 1923; - Nueva York; 28 de febrero de 1973), más conocido artísticamente como Tito Rodríguez, fue un cantautor, músico y director de orquesta puertorriqueño.
Pablo “Tito” Rodríguez nació en Santurce, Puerto Rico fue el sexto de los ocho hijos del matrimonio formado por el puertorriqueño de San Sebastián José Rodríguez Fuentes y la cubana de Holguín Severina Lozada Aguilera. Desde su infancia, mostró gran interés en la música y ya en su niñez organizó e integró el conjunto Sexteto Nacional, junto a su amigo desde ese tiempo, el músico Mariano Artau. Luego, a los 13 años integró el "Conjunto Típico Ladí", también denominado "Conjunto de Industrias Nativas" que dirigía el músico Ladislao Martínez, con la cual grabó junto a Rafael Castro, también integrante del grupo, su primer tema, la danza "Amor perdido", de la autoría de Martínez en 1939 para RCA Victor. Ese año, se vincula al grupo "Cuarteto Mayarí" junto con los guitarristas Manuel Jiménez y Francisco "Paquito" Sánchez y el trompetista Plácido Acevedo, quien fungía como director del grupo. Tito tocaba las maracas y hacía la segunda voz en el conjunto, experiencia que nunca fue grabada pues permaneció solo cuatro meses con el grupo.

La isla de Puerto Rico pasaba en ese momento por una situación económica difícil influenciada por la Gran Depresión estadounidense; por lo que Tito escribió a su hermano, el músico y cantante Juan de Capadocia Rodríguez Lozada, conocido artísticamente como Johnny Rodríguez, quien residía en Nueva York desde 1935, expresándole su deseo de marcharse. Había concluido sus estudios de bachillerato y sus padres habían fallecido, lo que precipitó su partida..._(wikipedia)

El álbum "Live at the Palladium" de Tito Rodríguez te ofrece una experiencia única e inolvidable, como si estuvieras en primera fila, de una gran actuación grabada hace 60 años en este palacio de la música latina.

En 1960, Tito Rodríguez y su orquesta seguían en la cima de su carrera. Decidieron grabar este álbum en octubre de ese año. Esto ocurrió casi al mismo tiempo que el entonces senador John F. Kennedy se enfrentaba a una dura contienda presidencial contra el vicepresidente en funciones, Richard Nixon. La carrera de Tito había despegado en los años 50, ¡y quería comenzar los 60 con fuerza!

"Live at the Palladium" incluye 10 canciones: cinco de lo que hoy llamaríamos salsa (aunque el término aún no se había acuñado) y cinco de jazz latino. Estas últimas contaron con la magnífica orquesta de Tito, que incluía a un joven Eddie Palmieri al piano.

Muchos de los aficionados a la salsa de hoy reconocerán dos canciones emblemáticas de Rodríguez: “Mama Güela” y “El Sabio”. Los seguidores del jazz latino no pueden perderse la popular “Satín y encaje”.

Prueba de la popularidad del álbum fue que Tito grabó uno similar, «Tito Rodríguez regresa al Palladium en vivo», al año siguiente (1961).

Humberto Ramírez dedicó uno de sus programas musicales semanales en Facebook Live a este álbum. Hizo un trabajo fantástico, como siempre. Pero este programa en particular me hizo comprender la importancia de esta grabación._Hector Aviles (latinomusiccafe)

                                                                               

                                                                        

Tito Rodriguez - Tito Rodriguez At The Palladium - Live! Performance (1960)

temas:
01. Satin And Lace (Phil Sunkel)
02. Mama Guela (Tito Rodriguez)
03. Te Comiste Un Pan (Rosendo Ruiz Jr.)
04. Liza (George & Ira Gershwin)
05. El Monito Y La Jirafa (Rosendo Ruiz Jr.)
06. El Pollo De Carlitos (Carlos Rigual)
07. Double Talk (Phil Sunkel)
08. El Sabio (Tito Rodriguez)
09. Miedo Al Cha Cha Cha (Rosendo Ruiz Jr.)
10. El Mundo De Las Locas (Aaron Sachs)

Edición original de 1960 en mono de alta fidelidad con portada laminada y un vinilo de más de 180 gramos. Grabado en directo en el antiguo club nocturno Palladium, en la esquina de la calle 53 y Broadway, en Nueva York.

Angelique Kidjo - Celia

Angélique Kpasseloko Hinto Hounsinou Kandjo Manta Zogbin Kidjo (Ouidah; 14 de julio de 1960), conocida como Angélique Kidjo, es una cantante y compositora originaria de Benín, nominada a los premios Grammy cuatro veces, conocida por sus distintas influencias musicales y por su creatividad en vídeos musicales. Según su familia han dicho esto “Kidjo tiene un don impresionante para los vídeos musicales, Tiene mucha creatividad”.

Kidjo nació en Ouidah, Benín, y desde los seis años fue parte del grupo de teatro de su madre. Ese acercamiento le permitió gozar de una precoz apreciación de la música y de la danza. Los constantes conflictos políticos en Benín la obligaron a emigrar a París, en 1982. Se inició como cantante de apoyo en bandas locales antes de empezar su propia banda en los 1980. Hoy es una de las cantantes en vivo más reconocidas de París. Está casada con el cantante y productor Jean Hebrail, con quien tiene una hija llamada Naima (nacida en 1993), y vive actualmente en Nueva York..._(wikipedia)

El concierto que presenció cuando aún era una niña Angelique Kidjo lo recuerda como uno de los momentos que más le han impresionado.  Celia Cruz (1925-2003)  recaló en la costa oeste africana en una de sus giras, y entre el público se encontraba Kidjo que tiempo después recuerda aquella velada con gran intensidad, “la vi cantar en Benín su energía y alegría me cambiaron  la vida”.  Lo que aquella joven no podía imaginar ─o sí, tal vez fue su deseo secreto que terminó cumpliéndose─ es que ella misma sería una gran cantante y llegaría a compartir escenario en París con aquella mujer tan poderosa que estaba disfrutando. La gran artista beninesa ya se aproximó a la Reina de la Salsa con el “Djovamin yi”, incluido en “Oyaya!” (2004), que formó parte de una trilogía dedicada a las músicas surgidas a causa del tráfico de esclavos y que le llevó a visitar musicalmente Estados Unidos, Brasil y finalmente el Caribe. “Músicas que yo pensaba eran tradicionales de Benin, fueron muy influenciadas por los esclavos que regresaron tras la abolición de la esclavitud” explicaba en las entrevistas hace tres lustros. 

Aquí revisa los grandes números de la diva de la música latina eso si en clave afro-cubana y poniendo especial énfasis en la conexión transcontinental, va al origen de unas músicas que hicieron un camino de de ida y vuelta para completar un ciclo. ‘La vida es un carnaval’, ‘Toro mata’ o ‘Bemba colorá’ y así hasta una decena con la producción de David Donatien. Hay invitados de excepción como el legendario batería nigeriano Toni Allen ─creador del afrobeat y desaparecido recientemente─, la increíble formación beninesa The Gangbe Brass Band y Shabaka Hutchings & Sons of Kemet. ‘La Guarachera de Cuba’ revisada por una de las artistas más influyentes de la música africana contemporánea, ¡pura energía!_(ossonidosdelplanetaazul)

                                                                                       

Angelique Kidjo - Celia (2019)

Temas:

01. Cucala (escr. comp. por Wilferdo Figueroa)

02. La Vida Es Un Carnaval (comp. por Tito Puente / escr.Roberto Daniel Victor)

03. Sahara (escr. comp. por Eligio Varela Mora)

04. Baila Yemaya (escr. comp. por Ezequiel Frias Gomez)

05. Toro Mata (escr. comp. por Pedro Carlos Soto De La Colina)

06. Elegua (escr. comp. por Julio Collazo)

07. Quimbara (escr. comp. porLuis Cepeda)

08. Bembe Colora (escr. comp. por José Claro Fumero)

09. Oye Diosa (escr. comp. por Blanco Leonard Julio)

10. Yemaya (escr. comp. por Ezequiel Frias Gomez)

Musicos:

Angelique Kidjo (Voz principal)

Amen Viana (Coros en pistas #1, #5, #6), Angelique Kidjo(Coros en pistas #1, #2, #4, a #8, #10)

David Donatien (Bajo enpistas #3, #4, #6, #8, #9, percusión en pistas #1 a #4, #6, #9, #10, guitarra en #1, teclados en #1 )

Meshell Ndegeocello (Bajo en pistas #1, #2, #5, #7)

Tony Allen (Batería en pistas #1, #2, #5, #7)

Amen Viana (Guitarra en pistas #1, #2, #5, #7, a #9)

Dominic James (Guitarra en pistas #1, #2, #5)

David Willy Benni Amoussou (pistas #1, #2, #4 a #7)

Benoît Avihoue (Percusión en pistas #1, #2, #4 a #7)

Xavier Tribolet (Teclados en #2, #3)

Shabaka Hutchings (Saxo tenoren #2, #5 )

Gangbé Brass Band:

Benoît Avihoue (Percusión, trompeta, voz en pistas #1, #2, #4 a #7)

Lucien Gbaguidi (Saxo en pistas #1, #2, #4 a #7)

James Vodoounnon (Trombón, bombardino, voz en pistas #1, #2, #4 a #7)

Martial Ahouandjinou (Trombón, voz en pistas #1, #2, #4 a #7)

Aristide Agondanou (Trompeta, voz, percusión en pistas #1, #2, #4 a #7)

Athanase Obed Dehoumou (Trompeta, voz, percusión en pistas #1, #2, #4 a #7)

Samuel Gnonlonfoun (Trompeta, voz, percusión en pistas #1, #2, #4 a #7)

David Willy Benni Amoussou (Trompeta, voz, percusión en  pistas #1, #2, #4 a #7)

Jean S. Gnonlonfoun (Percusión, Voz en pistas #1, #2, #4 a #7)

Joseph Houessou (Percusión, Voz en pistas #1, #2, #4 a #7)

Elsa Soares - A Bossa Negra

Elza da Conceição Soares (de soltera Gomes; 23 de junio de 1930 – 20 de enero de 2022), conocida profesionalmente como Elza Soares (portugués brasileño: [ˈɛwzɐ ˈswaɾis]), fue una cantante brasileña de samba. En 1999, la BBC Radio la nombró Cantante del Milenio junto con Tina Turner. Elza fue considerada peligrosa por la dictadura militar en Brasil (1964-1985), y en 1970 su casa en el barrio Jardim Botânico, en Río de Janeiro, fue ametrallada por agentes del régimen. Dentro se encontraban su pareja, Garrincha, y sus hijos. La sala de estar, donde estaban los niños pequeños, quedó destruida por las explosiones. Ella y Garrincha tuvieron que huir a Italia, donde fueron recibidos por Chico Buarque de Hollanda, también exiliado._(wikipedia)

La mujer del fin del mundo, Elza Soares, conocida por su capacidad para hacer lo que deseara con su voz —una voz oscura, áspera y potente—, dio a conocer al mundo su segundo álbum de estudio, A Bossa Negra. Originalmente lanzado en 1960 por Odeón y producido por Ismael Corrêa, este trabajo ofrece una vibrante, colorida y enérgica colección de ritmos profundamente arraigados en la cultura negra, con el acompañamiento de metales de big band. Como una bandada de golondrinas volando y llenando el verano de alegría, A Bossa Negra, expone una atmósfera fogosa y contagiosa, y se considera un clásico del sonido «samba-soul». A Bossa Negra consolidó a Elza Soares como una de las voces más destacadas de la música brasileña, donde su característica voz ronca se convirtió en su distintivo más reconocible. 

Este álbum está profundamente entrelazado con la creación de una experiencia rica en significados densos y ambiguos, influenciada por sus raíces, las estructuras sociales opresivas y su devenir social; la vida de Soares es una de las historias más impactantes y, en última instancia, refleja cómo la violencia se dirige más hacia unos cuerpos que hacia otros. Creció en la extrema pobreza de una favela en Vila Vintem en Río de Janeiro, y a los 13 años, fue obligada a casarse con un hombre que la violó. Tuvo varios hijos, de los cuales dos murieron de hambre. En una vida llena de ausencias, se casó con el futbolista Garrincha, lo perdió a él debido al alcohol y las mujeres, y también perdió a su otro hijo y a su madre en accidentes de coche. Su primer matrimonio estuvo marcado por la violencia; su ex-esposo Lourdes, en una ocasión, le disparó en el brazo al sospechar que las cantantes eran prostitutas. Sin embargo, Elza se negaba a ser definida en términos fracturados, rechazando ser vista sólo a través de la mirada patriarcal. A Bossa Negra encarna una mezcla quimérica de pasión y fuego, con la contradicción de ritmos alegres y letras tristes.  

La incomparable vitalidad que habita en su obra musical se refleja en canciones como «Boato» y «Cadeira Vazia». Estas piezas, que forman parte del disco, son sinónimo de su resistencia inherente, lo cual las ha llevado a alcanzar el máximo reconocimiento en las listas de éxitos en Brasil._Angie Rojas (600discoslatam)

                                                         

                                                                                     

Elsa Soares - A Bossa Negra (1960-R2025)

Temas:

01. Tenha Pena De Mim (Babahú, Ciro De Sousa)

02. Boato (João Roberto Kelly)

03. Fala Baixinho (Arcenio De Carvalho, Edson Menezes)

04. Marambaia (Henricão, Rubens Campos)

05. O Samba Está Com Tudo (Denis Brean, Oswaldo Guilherme)

06. Cadeira Vasia (Lupicínio Rodrigues)

07. Perdão (Don Carlos, J. Assumpção)

08. Beija-Me (Mário Rossi, Roberto Martins)

09. O Bilhete (Dunga)

10. O Samba Brasileiro (Claribalte Passos)

11. As Polegadas Da Mulata ( Hianto De Almeida, Macedo Neto)

12. Eu Quero É Sorongar (Dias Da Cruz, Pedro Santos)

Silvia Telles - Amor Em Hi-Fi

Sylvia D'Atri Telles ( Río de Janeiro , 27 de agosto de 1934 - Maricá , 17 de diciembre de 1966 ) fue una cantante y compositora brasileña . Es considerada una de las más grandes intérpretes de bossa nova y MPB .
La mayoría de sus álbumes están agotados, lo que dificulta que las generaciones recientes lo entiendan. Sin embargo, ocasionalmente se publica una recopilación con algunas de sus numerosas grabaciones.

Según un artículo publicado en O Globo y firmado por João Máximo, "Sylvinha fue uno de los mejores intérpretes de la música brasileña moderna, entendida como tal desde el Ponto final - con Dick Farney y Amargura , con Lúcio Alves , hasta las canciones que Tom y Vinicius lo hizo después del Orfeu da Conceição "..._(wikipedia)

Silvia Telles no tiene una voz potente, pero afortunadamente no le hace falta para tejer la magia de estos clásicos brasileños como «Corcovado», «Dindi» y «Samba de Uma Nota So» («Samba de una nota»). También prueba con estándares del pop americano, un popurrí de «All the Way», «The Boy Next Door» y «They Can't Take That Away From Me». Telles suena mucho menos segura aquí, aunque su dominio del fraseo en inglés está definitivamente a la altura - y, en las últimas canciones, juega con las letras, sustituyendo «the way we mamboed 'til three» por la original de Gershwin. De nuevo en tierra firme, su «Dindi» evoca mucho más la melancolía anhelante de sus mejores interpretaciones, y su «Oba-La-La» es dulce y seductora. Con material de Roberto Menescal y Oscar Castro Neves, además de los dos pesos pesados Gilberto y Jobim, Silvia Telles demuestra ser una de las vocalistas brasileñas más fuertes de la época pre-bossa, y una influencia considerable en Elis Regina. El acompañamiento, principalmente flauta y vibráfono con percusión ligera y coristas ocasionales, es adecuadamente elegante y discreto._John Bush (allmusic) 

                                                                                 

                                                                                         

Silvia Telles - Amor Em Hi-Fi (1960) 

Temas:

01. Samba Tôrto (Aloysio De Oliveira, Antonio Carlos Jobim)

02. All The Way / The Boy Next Door / They Can't Take That Away From Me ( Sammy Cahn - Jimmy Van Heusen, Hugh Martin, Ralph Blane, George & Ira Gershwin)

03. Corcovado (Antonio Carlos Jobim)

04. Tetê (Roberto Menescal, Ronaldo Bôscoli)

05. Se É Tarde Me Perdoa (Carlos Lyra, Ronaldo Bôscoli)

06. Chora Tua Tristeza (Luvercy Fiorini, Oscar Castro Neves)

07. Dindi (Aloysio De Oliveira, Antonio Carlos Jobim)

08. Oba La La (Aloysio De Oliveira, João Gilberto)

09. Samba De Uma Nota Só (Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça)

10. Gardez Moi Pour Toujours "Por Causa De Você" (Antonio Carlos Jobim, Dolores Duram)

11. Não Gosto Mais De Mim (Sérgio Ricardo)