Horst Wende (5 de noviembre de 1919 - 23 de enero de 1996) fue un director de orquesta, arreglista y compositor alemán. Compuso discos fáciles de escuchar tanto con su propio nombre como con los nombres artísticos de Roberto Delgado, Die Akkordeon Melodiker, Mister Pepper o Frank Nelson. Formó parte, junto con Bert Kaempfert y James Last, de la ola de músicos populares alemanes de las décadas de 1960 y 1970, especializados en música de fácil escucha (Easy listening).Nacido en Zeitz, Sajonia, manifestó habilidades musicales a temprana edad. Tocó en la banda de su abuelo en un restaurante cuando tenía seis años, y en su adolescencia ya era un experto en tocar el piano, el acordeón, el xilófono y la marimba. Estudió música en el Conservatorio de Leipzig..._(wikipedia)
«Latin Flutes» es una apuesta destacada del catálogo de Roberto Delgado, una colección de atmósferas y ritmos fascinantes que se caracterizan por vibrantes arreglos de viento y un refinado detalle estéreo. Con una coherencia temática y una interpretación precisa, los arreglos centrados en la flauta hacen que este álbum resulte más reflexivo que otros trabajos latinos de Delgado. Como siempre, con un tono optimista, estos arreglos de rumba y samba son rapsódicos y románticos, y en su mayoría ligeros y delicados. Cada tema se centra, como es natural, en las melodías de flauta de Herb Geller, que transmiten buen humor y que, por turnos, son contrarrestadas o acompañadas por el propio Wende al órgano Hammond, la marimba y el vibráfono.
Es un material encantador, pero lo que hace que muchos de los temas de«Latin Flutes» destaquen de verdad son los arreglos de metales. Los trompetistas Charly Tabor, Werner Gutterer, Manfred Moch y Ack Van Rooyen, y los trombonistas Ake Persson y Jiggs Whigham están magníficos en todo momento, aportando graves potentes y contundentes, fanfarrias entusiastas y alegres adornos de mariachi, que despiertan sentimientos de nostalgia, contemplación, satisfacción y optimismo. ¡Qué delicia! Entre los temas más destacados se encuentran la juguetona «Salambo n.º 1», en la que Ladi Geisler —a menudo discreto— aporta una maravillosa parte de guitarra con distorsión, y «La Boliviana», compuesta por Delgado. Si eres fan de Roberto Delgado, sin duda Latin Flutes no te decepcionará y deberías añadirlo a tu colección a la primera oportunidad._Laurie Mercer (allmusic)
Aunque ya no son tan comunes como antes, los lanzamientos de guitarristas de jazz-rock fusión no son difíciles de encontrar. Esta semana, presentamos uno con una amplia gama de estilos de un guitarrista con una trayectoria interesante. Se trata de Bobby Rozario, y su nuevo álbum, el segundo de su carrera, se titula Spellbound. Bobby Rozario se describe a sí mismo como un estadounidense de ascendencia india, brasileña y portuguesa. Su madre era cantante de música clásica india y su padre, baterista de música brasileña. Creció tocando con sus padres y, a principios de la década de 1990, viajó a la India para estudiar con músicos destacados como Ustad Nasir Khan. Como guitarrista, Rozario ha integrado parte de esa influencia india en una fusión de jazz-rock y blues. Desde entonces, ha estado actuando y de gira con músicos indios en sus presentaciones en Estados Unidos, y su primer álbum, titulado Rudra, reflejó esas influencias.
Para su nuevo álbum, Spellbound, grabado a lo largo de tres años, de 2019 a 2022, antes y después de la pandemia, Rozario amplió considerablemente su repertorio estilístico. El álbum presenta una fuerte influencia latinoamericana, algunos sonidos africanos y solos de guitarra propios del rock jam-band. Si bien es mayormente instrumental, cuenta con vocalistas invitados que aportan autenticidad a los sonidos de África Occidental y Latinoamérica. Reunió a un impresionante elenco de músicos de apoyo, entre los que se incluyen los bateristas Dennis Chambers y Robby Ameen, el pianista de jazz puertorriqueño Edsel Gómez, el organista de jazz Radam Schwartz y los bajistas James Genus y Gary Grainger, provenientes del jazz y el rock, respectivamente. Dada la prominencia de la influencia latina y el virtuosismo guitarrístico de Rozario, se puede apreciar una clara influencia de Carlos Santana en sus temas instrumentales de fusión..._(georgegraham)
Edsel Gomez (Piano en temas #4, #6), órgano en temas #2, #7, #9)
Radam Schwartz (Órgano en temas #5, #8)
Neil Nail Alexander (Teclados en temas #1, #3)
Tim Ouimette (Trompeta en temas #2, #5)
Mauricio Herrera (Conga en temas #2, #3, #4, #9)
Camilo Molina (Percusión, coros en temas #6, #11)
Nii Star (Conga en temas #1)
Ismael Kouyaté Voz en tema #2)
Chris Alfinez (Voz en tema #6, #7, #11)
José Pepito Gómez (Voz en temas #6, #7, #11)
Kate Saba (Corosen temas #6, #8)
Toda la música compuesta por Bobby Rozario, ASCAP, excepto: (2) Bobby Rozario, Ismael Kouyaté; (6) Bobby Rosario, José Pepito Gómez; (11) Bobby Rosario, Chris Alfinez
Anamaría Oramas es una compositora e intérprete de gran relevancia para la escena musical colombiana. Su reciente participación en el Festival Estéreo Picnic (2024) la ha posicionado como la primera artista de jazz en este escenario, convirtiéndose en un referente para la nueva generación de mujeres instrumentistas del género en el país. Durante su gira europea en 2024 debutó en el prestigioso Jazz Club "Porgy and Bess" en Viena y en el "Festival Latir" en Barcelona. Concibe su música desde una dimensión ritual y festiva, por tanto compone piezas donde la gaita, las percusiones y la flauta traversa evocan la alegría fiestera de las bandas pelayeras, el arrullador ritmo del currulao y la cadencia nostálgica de las canciones degaita._(bogotamusicmarket)
Anamaría Oramas (Música y Flautista). Es una flautista y compositora de Bogotá, considerada un referente del jazz colombiano actual y de la nueva generación de mujeres instrumentistas.Estilo y Fusiona las músicas de viento tradicionales de Colombia con la improvisación del jazz. Formó parte del Colectivo Colombia de Antonio Arnedo y del clásico Deciso Dúo. Ha lanzado los álbumes Muntú (2019) y Ramas Lejanas (producido por Rachel Therrien). Se ha presentado en eventos de renombre como el Festival Estéreo Picnic y escenariosinternacionales en Viena y Barcelona_IA
Este trabajo discográfico reseñado como uno de los mejores del 2019 según las revistas Semana y Arcadia, es el comienzo de un recorrido intuitivo por las músicas colombianas. Por primera vez, la gauta emerge dentro del mundo del jazz y la improvisación. Muntu es resultado de un trabajo apasionado por crear un nuevo lenguaje en la flauta traversa colombiana, fraseos que se construyen del entretejido melódico de las músicas de marimba, la improvisación responsorial heredada del bullerengue y el articulado ritmo del chandé: la “memoria colectiva” que evoca las músicas asentadas en Bogotá, resultado de las diásporas internas de la Colombia contemporánea._(anamariaoramas)
Con una trayectoria que supera las tres décadas, Alberto Carrillo Peña, conocido en el ámbito musical como El Gallo, se ha consolidado como una figura emblemática de la música popular cubana. Nacido en Manzanillo, inició su carrera en el grupo de aficionados Los X, donde dio sus primeros pasos, para luego convertirse en voz líder de la Orquesta Original de Manzanillo. Hoy dirige su propia agrupación, El Gallo y su Orquesta, con la que mantiene viva la tradición sonora de su tierra natal. Carrillo Peña no solo es un intérprete carismático, sino también un prolífico compositor. Posee un repertorio de más de 200 temas, entre los que destacan “La pantera”, “Patica de chivo”, “Un pariente en el campo” y “La botellita”. Estas piezas han alcanzado notable popularidad por su capacidad para reflejar la cotidianidad y las raíces culturales cubanas, con letras sencillas, auténticas y de ritmo contagioso. Su más reciente producción discográfica, titulada A mi tierra, constituye un homenaje a la identidad musical manzanillera. Se trata del primer CD oficial de El Gallo y su Orquesta, masterizado en los Estudios Siboney de la EGREM, institución clave en la historia discográfica cubana. La publicación se inserta, además, en las celebraciones por los 40 años de la campaña cultural de Siboney, lo que añade un valor histórico a la obra. El álbum reúne una selección casi inédita de guarachas, cumbias y sones, géneros esenciales del repertorio tradicional cubano. Bajo la dirección vocal y artística de Carrillo Peña, el disco incluye 12 temas grabados en los Estudios 18 de la EGREM y en Cativana Records, en Bayamo, provincia de Granma.
Cuenta con la colaboración de invitados como el Coro Ismaelillo y las vocalistas María Victoria Puig Ortiz, Verónica María Puig Ortiz y Arinledy Rodríguez, quienes enriquecen la propuesta sonora. La producción musical estuvo a cargo de Carlos Alarcón Longoria, mientras que la mezcla y masterización corresponden a Carlos Rafael Puig Battle. La imagen visual fue concebida por el fotógrafo Roberto Karel Boza Blanco y el diseñador Carlos Acosta, aportando coherencia estética al proyecto. Reconocido también como “El Charanguero de Cuba”, Alberto Carrillo Peña es un referente en la preservación y difusión de la música popular cubana. Su compromiso con las raíces y su capacidad de renovación lo confirman como figura imprescindible para las nuevas generaciones.
La obra de El Gallo no solo evidencia talento, sino también una sostenida vocación por defender la identidad musical del país. Su álbum A mi tierra reafirma la vitalidad y diversidad del panorama sonoro cubano contemporáneo._Luis Carlos Frómeta Agüero (lademajagua)
Alberto Carrillo Peña “El Gallo” - A Mi Tierra (2025) Temas: 01. A Mi Tierra 02. En Puntica De Pie 03. No Me Busques La Lengua 04. El Tiki 05. La Pregunta 06. Tu Soltera 07. El Viajecito 08. Niña Hermosa 09. La Vida Es Un Vaivén 10. La Yuca 11. Segundas Partes 12. Popurrit De Éxitos todos los temas compuestos por Alberto Carrillo Peña “El Gallo” Grabado en los Estudios 18 de la Egrem y en Cativana Records en Bayamo, Granma. Información cedida por Osvaldo M.
PATÁX es un grupo musical español liderado por Jorge Pérez que fusiona flamenco, jazz y música afrocubana para crear reinterpretaciones innovadoras. El proyecto nació en Madrid alrededor de 2010 y se ha destacado por sus versiones de clásicos de artistas como Michael Jackson, The Beatles y Stevie Wonder, combinando elementos tradicionales flamencos con ritmos latinos y armonías de jazz. Su sonido distintivo y sus arreglos sofisticados les han ganado reconocimiento internacional, con actuaciones en importantes festivales y la publicación de varios álbumes que demuestran su creatividad y versatilidad musical. Hoy, PATAX, una de las bandas de fusión más reconocidas internacionalmente, son la más fresca, sorprendente y cosmopolita expresión del Jazz fusión con ingredientes flamencos y afrocubanos.
Bebiendo del legado de leyendas del Jazz como Weather Report, Corea’s Elektric Band, Herbie Hancock, o Zawinul Syndicate, y sin esconder la poderosa influencia de las visionarias propuestas de Irakere, Wayne Shorter, Miles Davis, Enrique Morente, Snarky Puppy, Sixun y Paco de Lucía, PATAX lleva el concepto de “Fusión” hasta un territorio completamente inexplorado, donde su particularísima forma de mezclar el Flamenco, el Funk, el jazz y el folclor Afrocubano, unida al virtuosismo de sus integrantes, produce un explosivo, sorprendente y mágico resultado que ha encontrado adeptos por todo el planeta._(jazzmintmusic)
Tras sacudir la escena en 2013 con Live From Infinity, obra especialísima y rompedora por muchos conceptos, grabada en riguroso directo en audio y video, de una forma muy poco vista en España hasta entonces y muy imitada después, Patáx una de las bandas de Jazz más innovadoras y heterodoxas del panorama actual, propina un nuevo golpe de efecto con este fantástico nuevo trabajo que reúne, en un solo CD, lo mejor de lo mejor de su extensa colección de sabrosas, coloristas y originalísimas versiones del glorioso legado de uno de los artistas más colosales de la Musica Popular de todos los tiempos: Michael Jackson, el “Rey del Pop”.
Reinterpretaciones radicalmente hedonistas de archiconocidos éxitos como Billie Jean, Black Or White, Smooth Criminal o Man In The Mirror, que fascinan tanto por su patente respeto a la versión original, como por los exuberantes aromas a Latin Jazz, Salsa, Flamenco y otras especias exóticas que aportan colores y sabores peculiares a un combinado explosivo, marcado por la energía de alta intensidad de un grupo de músicos en permanente ebullición, formado por algunos de los más brillantes talentos de la última hornada del Jazz, el Flamenco y el Afrobeat “Made In Spain” (Federico Lechner, Alana Sinkey, Alain Pérez, Israel Sandoval, Lidón Patiño, Georvis Pico, Roberto Pacheco, Chuma Segura, Valentín Iturat, Jorge Vera, Marcos Collado, Fabrizio Scarafile, Pedro Medina, Carlos Sánchez, Dani Morales, Rafael Águila, Raúl Gil, Tomás Merlo, Daniel García…), espectacularmente dirigidos, como de costumbre, por un Jorge Pérez en estado de gracia…
Momentos mágicos. Improvisaciones sorprendentes y trances colectivos que resultarían difíciles de imaginar sin las fantásticas grabaciones de video que se hicieron de aquellas descargas. Por algo superan ya, de largo, el millón de visitas en YouTube ¡antes incluso de la publicación del álbum!
Un proyecto valiente, arriesgado, y, sobre todo, altamente disfrutable, en el que la originalidad, el talento y la calidad instrumental del mejor Jazz de hoy en día van de la mano de una producción, una calidad y una intención propias del Pop más sofisticado, inquieto y bailable de la actualidad. Michael estaría orgulloso…_(jazztimemagazine)
Roger Glenn nació el 11 de junio de 1945 en el seno de una familia de leyenda del jazz, siendo hijo de Tyree Glenn, un reconocido trombonista y vibrafonista de la era del swing que tocó con Cab Calloway y Duke Ellington. Criado en la ciudad de Nueva York y, más tarde, en Englewood (Nueva Jersey), Glenn absorbió un amplio abanico de tradiciones musicales durante sus años de formación, sentando así las bases de su carrera como uno de los multiinstrumentistas más versátiles del jazz. Debutó discográficamente junto a la legendaria pianista y compositora Mary Lou Williams, y rápidamente se consolidó como un improvisador de gran talento, capaz de dominar más de 18 instrumentos, entre ellos la flauta, el vibráfono, el saxofón, el clarinete, la marimba, el flautín y el saxofón barítono. A lo largo de su carrera, que se prolongó durante décadas, Glenn se hizo famoso por ser «el ingrediente secreto» detrás de algunas de las grabaciones más emblemáticas del jazz y el jazz latino, colaborando en álbumes clásicos con el maestro de la percusión cubana Mongo Santamaría, el trompetista pionero del funk-jazz Donald Byrd y el virtuoso del jazz latino Cal Tjader. Su versatilidad hizo que siempre estuviera muy solicitado, lo que le llevó a actuar con una extraordinaria variedad de leyendas, entre las que se incluyen Dizzy Gillespie, Herbie Mann, Taj Mahal, Kurt Elling y la Count Basie Orchestra. A pesar de haber participado en más de 40 álbumes y de haber realizado numerosas giras por Norteamérica, Nueva Zelanda y Australia, Glenn permaneció en gran medida entre bastidores, realzando la música de maestros consagrados al tiempo que desarrollaba su propio estilo distintivo, que fusionaba a la perfección la improvisación del jazz con la vitalidad rítmica de las tradiciones afrocaribeñas y latinoamericanas.
A los 80 años, Glenn saltó a la fama como director de orquesta y compositor con su primer álbum nuevo en cuatro décadas, «My Latin Heart», publicado en 2025. Este lanzamiento supuso un hito importante en su carrera, ya que ofrecía la visión más reveladora hasta la fecha de un gigante del jazz que había permanecido oculto a plena vista. La filosofía de Glenn, inculcada por su padre, consistía en «crear tu propio sonido», y su dominio de más de 18 instrumentos le permitía seleccionar la mejor voz para cada momento musical, lo que le convirtió en una figura singular del jazz contemporáneo y la música latina..._ (jazzapedia)
Roger Glenn, hijo del reconocido instrumentista Tyree Glenn, nunca se ha conformado con quedarse en un solo ámbito. Maestro de los instrumentos de lengüeta y del vibráfono, sigue encarnando el espíritu de traspasar fronteras. En *My Latin Heart*, Glenn se embarca en una sesión llena de energía que celebra la vitalidad rítmica de la diáspora africana y que, al mismo tiempo, constituye un manifiesto personal.
Flanqueado por un conjunto estelar de colaboradores veteranos —el pianista David K. Mathews, el guitarrista Ray Obiedo, el bajista David Belove, el difunto y querido baterista Paul van Wageningen y los vocalistas y percusionistas John Santos y Michael Spiro—, Glenn canaliza una energía palpitante que vincula el jazz con sus primos afrocaribeños. Estos músicos, todos ellos veteranos de las altas esferas del jazz, aportan tanto precisión como pasión a esta sesión.
El álbum arranca con una sacudida dinámica: «Zambo's Mambo» es un tema trepidante en clave menor impulsado por la flauta de Glenn, a la vez etérea y imponente, que se desliza sobre una sección rítmica que funciona como una máquina bien engrasada. Mathews interpreta un solo lleno de inspiración y gran variedad. «Cal’s Guajira» es a la vez un guiño respetuoso y una evolución, en la que destaca la hábil interpretación de Glenn al vibráfono, que evoca el espíritu de Cal Tjader sin caer en la imitación. Obiedo se suma a la mezcla, demostrando su amplia experiencia con los ritmos latinos y contribuyendo a la vertiginosa combinación de melodía y groove que honra el linaje al que Glenn rinde homenaje.
«A Night Of Love» suaviza el conjunto con un lirismo sensual. La flauta de tono grave de Glenn se desliza con la suavidad de un susurro. El piano de Mathew llena el fondo con sutiles toques armónicos que evocan el romanticismo de la bossa nova. «Energizer» inyecta a la sesión una ráfaga dinámica de energía y color tonal. La interpretación de Glenn al vibráfono es eléctrica —percusiva, pero melódicamente ágil— y se eleva por encima del conjunto, que crepita de energía.
Es un magnífico ejemplo de cómo fusiona la sofisticación y la espontaneidad.
La banda explora la conexión afro-nuevoorleanesa con «Congo Square», un lugar de encuentro histórico entre los metales europeos y los ritmos africanos. Aquí, Glenn nos recuerda que el jazz no es solo una forma de arte, sino una fusión cultural, mientras su vibráfono y la guitarra de Obiedo se unen para contar la historia. El broche final lo pone «Samba De Carnaval», un tema que rebosa color y ritmo. Con Glenn a la flauta, él y la banda ofrecen una coda muy acertada que vibra con la exuberancia brasileña, ese tipo de fastuosidad rítmica que cierra el álbum con una sonrisa y un baile._Pierre Giroux (allaboutjazz)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Carlos Nuñez - A Irmandade das Estrelas (1996)
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*Carlos Núñez es un estudioso de la música celta y en el panorama
internacional es considerado un erudito del tema. Sus investigaciones
siguen básic...
Global Tranquility (2026)
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Música para Gatos - Ep. 90 - Referencias gatunas.
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Hoy os vamos a entregar uno de aquellos capítulos a los cuales solemos
denominar Jazz Free, es decir, un...
Myrsini Kagarlis / Ravel
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Myrsini Kagarlis (13) performs Ravel's Sonatine at the 5th Summer Music
Performance Program at Anatolia College, Thessaloniki, Greece, on July 2,
2019.
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