El saxofonista Tony Martínez (Camagüey-Cuba.1968), está adscrito al movimiento del latín jazz, un concepto musical al que se acogen prometedores artistas de salsa y otras corrientes musicales. Carismático, apasionado y sorprendente, en sus conciertos y grabaciones se reflejan claramente su ascendencia cubana. En los últimos años, Tony Martínez y su formación «El Poder de Cuba» han participado en muchos de los festivales más importantes y famosos de Europa, tales como: Festival de Jazz de Montreux (Suiza), Festival de Jazz de Zürich (Suiza), North Sea Jazz Festival de La Haya ( Holanda), Festival de Jazz de Espoo (Finlandia), Internationale Jazzwoche Burghausen (Alemania), Festival de Jazz Baltica (Alemania), Festival Latino Americano de Verona und Milano (Italia), Jazztage Leverkusener (Alemania), Festival de Jazz de Seixal (Portugal), Chipre Musik Días (Chipre), Graz-Jazz Sommer (Austria), París, Nueva Mañana (Francia), Festival de Cittanova Novigrad (Croacia), Festival Caliente Zürich (Suiza), Festival de Jazz de Lyon (Francia), Berna Salsational América Festival (Suiza), Salsa Kongress Baila Basilea (Suiza), Lucerna Festival de Salsa (Suiza).
Debido a todas estas giras por Europa y otras actuaciones musicales Tony Martínez ha tenido la oportunidad de demostrar que él y su «Poder Cubano» forman en realidad una de las bandas de salsa más importantes del mundo. Con un talento innato y con la capacidad de manejar varios instrumentos con destreza (saxo alto, saxo tenor, piano, flauta alemán, cantante, compositor y arreglista) Tony Martínez en poco tiempo se ganó a pulso un nombre en Europa y en los Estados Unidos y ha conseguido situarse como una de las nuevas celebridades de la escena del jazz latino. Tony Martínez trabaja actualmente (2011) para el sello neoyorquino: Blue Jackel, uno de los sellos más famosos en el ámbito de latin jazz y otras músicas del mundo.
Ya su primer disco editado en 1997 y titulado: «Vive La Habana» recibió excelentes críticas de la prensa especializada, y el maestro de los arreglos, Quincy Jones se refirió a él como una estrella ascendente en el mundo de la música. También su segundo álbum «Maferefún», publicado en 1999, recibió críticas muy favorables, así como varios premios, entre ellos una nominación para el premio Grammy y la AFIM (Asociación Mundial de Música Independiente) eligió a «Maferefún como el mejor álbum latino del año. Distinción que también hicieron suya la Asociación de Periodistas de Jazz._(apoloybaco)
No es habitual escuchar a una banda afrocubana liderada por un saxofonista, pero Martínez lo está consiguiendo. En este, su segundo CD, él y su banda ofrecen unos magníficos arreglos para los metales, una percusión chispeante y algunos nuevos matices, además de ritmos tradicionales de probada eficacia. El conjunto de diez músicos se ve enormemente realzado por el increíble pianista Gonzalo Rubalcaba y los destacados solos de trompeta de Julio Padrón. Las tres primeras canciones de las ocho que componen el álbum son de lo mejorcito que se puede encontrar. «Tumbao Pa’ Mi Timbal», un son montuno instrumental con melodía de tumbao, es un espectacular arreglo de metales que recuerda a las voces, con saxos que marcan el ritmo y una percusión que se eleva como un rascacielos. El bailable «Gracias Chucho», de más de 13 minutos de duración y dedicado a Chucho Valdés, es una obra maestra polirrítmica, con cánticos vocales del grupo, una percusión ardiente y un ostinato de piano que prepara el terreno para los instrumentos de viento. El son «Pa’ Lo’ Latino» presenta una tercera partitura para instrumentos de viento excelente, más sencilla que la anterior, pero no por ello menos densa y potente. Martínez toca un animado saxo alto en las dos primeras, y el piano en la tercera. Su homenaje de casi 14 minutos a «Mr Coltrane» es bastante atípico en el estilo de ‘Trane: un tema de fusión muy complejo rítmicamente, con la guitarra eléctrica de Dany Martínez en tándem con los metales, que luego se asienta en un groove para los solistas, en particular Padrón, Martínez al saxo tenor y Rubalcaba.
Martínez, como pianista, brilla durante el apasionado «Homenaje a Emiliano» —liderado por la trompeta y dedicado a Emiliano Salvador—, un tema de ocho minutos en el que se pasa de un ritmo alegre a un segmento más lento de batería y percusión, para luego dar paso a un intercambio vocal con los metales, en el que Martínez intenta estar a la altura de la brillantez que Rubalcaba había demostrado anteriormente. Hay algunas melodías más ligeras de funk y pop cha-cha-cha, y el final es una adaptación clásica y precisa de «A Babalu Aye», en la que Martínez suena similar al característico registro agudo del saxo alto de David Sanborn. Como líder, Martínez lo tiene todo bajo control, aunque su sonido como saxofonista con un estilo propio queda en segundo plano frente a la dinámica general del grupo. No obstante, este CD contiene música excelente y es muy recomendable para quienes disfrutan de la corriente de jazz latino de Puente, Palmieri e Irakere._Michael G. Nastos (allmusic)
Miguel Núñez Hernández . Importante Músico cubano especialista en el piano ha colaborado en grabaciones y conciertos con artistas nacionales y foráneos. Miguel Núñez Hernández nació el el 27 de noviembre de 1964, en La Habana, Cuba. Hizo estudios musicales en el Instituto Superior de Arte ISA, Cuba, graduándose de Especialista en el piano. Tiene una amplia carrera Musical en Cuba y reconocido en muchos países. Además ha sido anfitrión en varios conciertos bien conocidos, Miguel Núñez forma parte del grupo musical de Pablo Milanés, desde 1998, es además de pianista, compositor y productor musical. Ha sido responsable de la sonoridad de los más recientes discos del trovador, entre los que sobresale El destacado pianista tiene a su favor una amplia experiencia como vocalista, instrumentista y arreglista musical, pues ha colaborado con destacados músicos cubanos y extranjeros, entre los que se encuentran: Leo Brouwer, Fito Páez, Ricardo Arjona, Ana Belén, Mercedes Sosa, Carlos Varela, Omara Portuondo, Richard Egües, César López, Liuba María Hevia, Santiago Feliú]] y Chucho Valdés, por solo mencionar algunos.
Miguel,paralelamente a su trabajo con Pablo, funda la agrupaciónMiguel´s Trío, que además integran Luis Ángel Sánchez en el bajo y Osmany Sánchez. Con este trío concibió el CD, Azul, bajo el sello Unicornio, la música del ballet Tocororo, así como diversas bandas sonoras para el cine como por ejemplo para el filme, Páginas del diario de Mauricio, del director Manuel Pérez._(ecured)
En los últimos años la pianística cubana ha crecido cualitiva y cuantitivamente con el aporte de nuevos valores formados en las escuelas de artes cubanas. Ejemplo significativo para todos y las generaciones venideras, es el pianista Miguel Núñez, joven graduado en el Instituto Superior de Arte, no solo conoce y domina los géneros de la mal llamada "música culta", porque culto es acervo popular y folhlórico de la raíz hispano africana legada en nuestra identidad. Miguelito además, ha experimentado una fusión entre la música tradicional y afrocubana con elementos del jazz rock y música de concierto en perfecta medida, utilizando para ello elementos electrónicos llenos de profesionalidad, complejidades técnica y armónicas que pueden ser logradas gracias a su talento y genialidad pianística.
Su pianismo indiscutible lo destacan como una de las más grandes promesas de la música cubana y su trabajo como Director Musical y arreglista dentro del grupo de Pablo Milanés es un ejemplo fehaciente de ello. Sin dudas ha logrado crear un trabajo significativo, en compañía de músicos de alto nivel, que adornan su magia artística vista en su total sentido de la palabre y, claro está, en su virtuosismo pianístico.
No les hago perder tiempo con esta lectura, cscuchen a uno de los más grandes músicos cubanos: Miguel Núñez. Yo lo recomiendo._ Chucho Valdés (De las notas originales del disco)
George Edward «Ted» Heath (30 de marzo de 1902-18 de noviembre de 1969) fue el músico inglés y el director de una de las orquesta más importantes de la posguerra, con más de 100 álbumes grabados y más de 20 millones de discos vendidos. Su banda fue considerada la más famosa y exitosa del Reino Unido,permaneciendo activa 55 años, hasta el año 2000. Heath nació en Londres, Inglaterra. Aprendió a tocar la trompa alto con seis años de edad. Su padre, líder de la Wandsworth Town Brass Band, le incentivó a pasarse al trombón. Con el fin de ganarse la vida en la posguerra, tanto él como su hermano Harold y otros tres músicos formaron una banda que tocaba para los transeúntes en la Estación de London Bridge, antes de hacerlo cerca de Queen’s Hall Gardens. Fue allí donde inició su carrera profesional, tras recibir una oferta para tocar en la formación de Jack Hylton,[8] quien residía en la zona. Aunque no estuvo mucho tiempo con Hylton, consiguió el impulso necesario para seguir adelante con su carrera..._(wikipedia)
Dejemos pasar la próxima revolución y hablemos de la historia de la música iatín-americana. Probablemente creas que la inventó Carmen Miranda, que solía comprar sus sombreros en las fruterías e imitaba a Tommy Trinder, pero no fue así en absoluto. La primera pista que tuvimos de ello en este país fue el tango, un baile muy escandaloso que implicaba dar algunas patadas, lo cual, en 1912, no le hacía ninguna gracia a la alta sociedad. Pero se lo acabaron pasando por alto, y el tango pronto se convirtió en un baile tan respetable que ya nadie se molestaba en bailarlo. En los años treinta, la música popular había descubierto que Brasil no era solo «el lugar de donde vienen las nueces», según la inmortal frase de Brandon Thomas, sino la cuna de muchos ritmos de baile estimulantes. También se descubrieron México, Cuba, Venezuela y otros lugares al sur de la frontera, justo a tiempo para traernos rumbas, sambas, pasodobles (que daban un gran rodeo desde España), congas y similares. Al principio no se tomaban muy en serio, y se consideraba necesario que las bandas se pusieran sombreros graciosos y trozos de manta a rayas cada vez que se permitían tocar estos temas. Los ingleses son gente bastante conservadora; para nosotros, el ritmo se redujo durante mucho tiempo a los bailes morrsi (bailes muy rígidos, por cierto) y a marchar un poco al son de las bandas de música, por lo que pasaron años antes de que se esperara que una banda de baile inglesa normal incluyera una buena selección de temas latinoamericanos en su repertorio. Puede que los directores de orquesta se resistieran a asumir el gasto que suponía comprar todos esos instrumentos adicionales, por supuesto (por no hablar de los sombreros ridículos —solo Acker Bilk puede permitírselos—, pero la causa fundamental fue sin duda el conservadurismo de los gringos.
Elis Regina Carvalho Costa (Porto Alegre, 17 de marzo de 1945 - São Paulo, 19 de enero de 1982) fue una cantante brasileña, considerada una de las mayores representantes del género musical conocido como música popular brasileña (MPB). Su temprana muerte, a los 36 años, se debió a una sobredosis de cocaína y alcohol, aunque se baraja la teoría de que habría sido víctima de la dictadura imperante. Muchos críticos, músicos e intérpretes la consideran una de las mejores cantantes de Brasil..._(wikipedia)
Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Río de Janeiro; 25 de enero de 1927 - Nueva York; 8 de diciembre de 1994), conocido como Antônio Carlos Jobim o Tom Jobim, fue un compositor, arreglista, cantante, guitarrista y pianista brasileño de bossa nova, música popular brasileña y música clásica.
Está considerado como uno de los grandes exponentes de la música brasileña, y como uno de los grandes compositores de música popular del siglo XX. Fue el artista que internacionalizó la bossa nova y, con la ayuda de importantes artistas estadounidenses, la fusionó con el jazz para estandarizar en los años 1960 un nuevo sonido cuyo éxito popular fue muy destacable..._(wikipedia)
A comienzos de 1974, Elis Regina y Antônio Carlos Jobim estaban en momentos distintos de sus respectivas carreras. Elis Regina ya era una figura muy popular, considerada una de las grandes voces de la MPB, con más de diez álbumes bajo el brazo y en una constante ascendente con cuatro grandes álbumes editados en los años anteriores (…Em pleno verão -1970-, Ela -1971-, Elis -1972- y Elis -1973-), pero le faltaba ese gran álbum consagratorio que uniera la aclamación del público con la crítica. Antônio Carlos Jobim, por otro lado, ya era una figura más que consagrada de la música brasileña, creador de un gran número de clásicos y había participado de discos con reconocimiento a nivel internacional como Getz / Gilberto (1964) y Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim (1967), y luego de eso, discos en solitario que se encuentran entre lo grande del repertorio brasileño como Wave (1967), Stone Flower (1970) y Matita Perê (1972). Pero 1974 lo encontraba en un período sin grandes ventas ni popularidad, viviendo en Estados Unidos y sin mucha visibilidad en su tierra natal. Hay dos versiones de cómo se pensó el encuentro. Elis Regina estaba cumpliendo diez años con
Philips, y una versión dice que el presidente de la discográfica, André Midani, le ofreció un regalo, y ella pidió “grabar canciones de Tom Jobim… con Tom”; pero otras versiones dicen que fue idea del mismo André hacerle ese regalo. Importa poco a esta altura, lo importante es que el 20 de enero de 1974 Elis Regina estaba viajando desde Brasil a Los Ángeles, donde Jobim la esperaba para, sin saberlo, hacer historia juntos. El álbum, con la producción de Aloísio de Oliveira, y todas las canciones compuestas por Jobim (algunas junto a otros compositores), comienza con esos acordes inconfundibles de la versión que se convirtió en la definitiva de «Águas de Março», con Elis y Tom cantando casi como un juego, con ese solo de piano a media canción, y el final respondiéndose palabra a palabra y riéndose juntos. En “Pois É”, compuesta junto a Chico Buarque al igual que “Retrato em branco e preto”, el drama se apodera de los arreglos, con ese órgano y piano que acompañan a Elis. Y es que los arreglos son muy protagonistas del disco, con el trabajo del pianista, y entonces marido de Elis, César Camargo Mariano, la utilización del piano eléctrico queda como una marca registrada de la bossa nova presentada en Elis & Tom. Y si el piano es muy protagonista en “Pois É”, “Só tinha de ser com você”, “O que tinha de ser” y en la triste “Inútil paisagem”, que cierra el disco; los arreglos de cuerdas lo son en “Modinha”, y “Por toda a minha vida”, y es en “Retrato em branco e preto” donde piano y cuerdas se encuentran de manera perfecta entre ellos y con la voz de Elis de una manera estremecedora, en otra versión definitiva que dejó este álbum. Y es que el álbum está lleno de grandes piezas que con el tiempo se convirtieron en el estándar de dichas composiciones, ahí están “Triste”, “Corcovado”, “Fotografía”, con un bajo y un piano muy del jazz, y “Chovendo na roseira”.
Es así como con los maravillosos arreglos, la hermosa y dulce voz de Elis, la química que se siente a lo largo del álbum junto a Jobim, y las grandes composiciones elegidas de este último, no es de extrañar que Elis & Tom se haya convertido en uno de los discos brasileños más vendidos de todos los tiempos, y con gran recepción de la crítica. Un álbum consagratorio para Elis y que llevó a Jobim de regreso al éxito en Brasil._Jorge Cárcamo (600discoslatam)
Alejandro David Falcón Rodríguez (Matanzas, 18 de mayo de 1981), más conocido como Alejandro Falcón, es un pianista, compositor y productor musical especializado en jazz. Aborda diferentes géneros de la música popular cubana, el jazz y la música de concierto. Ha integrado diversas agrupaciones de música popular de Cuba con las cuales ha realizado giras por numerosos países del mundo y ha participado en más de 100 grabaciones como pianista, arreglista y productor musical. En su obra resulta frecuente la presencia del danzón, género popular surgido en Matanzas en el siglo XIX, que es el baile nacional de Cuba y que es revitalizado en su lenguaje jazzístico.
Ha compartido escenario y colaborado con artistas cubanos e internacionales como: Andy Narell, Arturo O'Farrill, Bárbara Llanes, Brad Mehldau, Buena Vista Social Club, Cándido Fabré, Cesária Évora, Chucho Valdés, Danny Rivera, Dave Valentin, Dave Weckl, El Gran Combo de Puerto Rico, Gal Costa, Giovanni Hidalgo, Herbie Hancock, José Alberto “El Canario”, La India, Marcus Miller, María del Mar Bonet, Miriam Ramos, Los Muñequitos de Matanzas, Omara Portuondo, Oscar de León, Pablo Milanés, Papo Vásquez, Polito Ibáñez, Randy Brecker, Tata Güines o Pilar Boyero..._(wikipedia)
Alejandro Falcón vuelve a las raíces del lenguaje musical cubano con «Falcón in Blue»
Nueva York—Dot Time Records se enorgullece de anunciar el lanzamiento de «Falcón in Blue», del compositor y arreglista habanero Alejandro Falcón. Como parte de «Cuban Notes», el proyecto artístico y cultural en curso producido por Johanan Bickhardt, fundador del sello, y el guitarrista Roni Ben-Hur, este primer álbum de la serie revisita los géneros fundamentales de la música cubana —entre ellos el danzón, el son, la rumba, el cha-cha-chá y el bolero— desde la perspectiva del presente. En lugar de tratar estas formas como piezas patrimoniales o artefactos nostálgicos, Falcón las aborda como lenguajes vivos, moldeados por la memoria, la experiencia y el intercambio artístico más allá de las fronteras. El álbum refleja un compromiso más amplio con la colaboración entre músicos cubanos e internacionales.
A lo largo del proyecto, la música cubana no se entiende como algo fijo o folclórico, sino como una práctica en constante evolución que se sustenta a través del diálogo, la escucha y la continuidad. «Falcón in Blue» recorre un periodo en el que Falcón exploró territorios más experimentales, incluyendo la composición sinfónica y la música para televisión. Aquí, vuelve conscientemente al corazón del lenguaje musical cubano, no para repetir ideas conocidas, sino para replanteárselas. Él mismo ha descrito el álbum como una especie de renacimiento: uno que evoca el espíritu de su debut en 2010, *Claroscuro*, al tiempo que lo amplía mediante nuevas composiciones, arreglos muy ingeniosos y artistas invitados cuidadosamente seleccionados.
Muchas de las piezas del álbum tienen su origen en una dedicación personal. «Una tarde enPuerto Padre», un danzón compuesto durante la pandemia, rinde homenaje al difunto pianista Emiliano Salvador, haciendo un sutil eco de los propios vínculos musicales de Salvador con Puerto Padre y convirtiendo el recuerdo en un diálogo intergeneracional. «El Rey David», escrita para el hijo de Falcón, ofrece uno de los momentos más íntimos del álbum, mientras que la canción que da título al disco, «Falcon in Blue», se convierte en una declaración de identidad artística, al entrelazar la sensibilidad rítmica cubana con la profundidad emocional del blues.
Los colaboradores del álbum son fundamentales para su concepto y significado. Entre los artistas invitados se encuentran el saxofonista Ted Nash, que participa en «Ted in Havana», la trompetista Rachel Therrien, el trompetista Maykel González, el guitarrista Roni Ben-Hur, el saxofonista Janeu Abreu, el flautista Orlando Valle «Maraca», el saxofonista tenor Emir Santa Cruz y el bajista Pedro Pablo Gutiérrez. La sección rítmica —formada por Ruy López-Nussa, José Julián Moregón y Arnulfo Guerra— aporta el pulso y la base llena de matices del álbum.
Markado por las ricas experiencias de Falcón, sus estudios en el Instituto Superior de Arte de La Habana —así como por las enseñanzas de su mentor, el compositor y pedagogo Roberto Valera—, «Falcón in Blue» refleja una visión compositiva basada en la intuición, la disciplina y la claridad emocional. El resultado es un álbum que, al volver a escucharlo, revela una nueva profundidad. Con *Falcón in Blue*, Alejandro Falcón reafirma su lugar en el jazz cubano contemporáneo como compositor para quien la tradición no es una barrera, sino una fuente viva de renovación._(dottimerecords)
Como saxofonista barítono autónomo, Dave Schumacher, natural de Chicago, lleva más de 30 años en activo en la escena musical neoyorquina. Como miembro de la orquesta de Lionel Hampton entre 1983 y 1987, realizó giras por América y Europa. Volvió a salir de gira con Hamp en 1988 y 1989. Uno de los momentos más destacados de la carrera de Dave fue viajar con la Art Blakey Big Band a Japón en 1987 para actuar en el Festival de Jazz del Monte Fuji. Dave fue miembro fundador de la orquesta de Harry Connick, Jr. desde sus inicios en 1990 hasta 2009. Ha cautivado al público en giras con Harry por Norteamérica, Europa, Asia (Japón, China, Malasia, Singapur, Filipinas y Corea del Sur) y Australia. Su saxo barítono puede escucharse en cada uno de estos discos de Harry Connick, Jr. publicados por Columbia: *Oh My NOLA*, *Chanson du Vieux Carré*, *Only You*, *When My Heart Finds Christmas*, *Come By Me*, *Blue Light Red Light*, *Songs I Heard*, *Thou Shalt Not*, *What A Night* y otros.
Como artista independiente, Dave formó parte de la gira del T.S. Monk On Monk Ensemble entre 1999 y 2000, con la que recorrió Estados Unidos y Europa, además de realizar una gira por Europa con el Octeto de Tom Harrell en el año 2000. Dave también ha colaborado como músico independiente con la Louis Armstrong Tribute Big Band de Nicholas Payton, el 52nd Street Themes Nonet de Joe Lovano, los grupos de Jack McDuff, Eddie Gladden, la Mel Lewis Jazz Orchestra, la Afro-Cuban Big Band de Chico O’Farrill, la Tom Harrell Big Band, Lin Halliday y muchos otros.
Como líder y compositor/arreglista, Dave ha grabado tres CD: *Every Corner* y *From Another Life*, con el sello Amosaya Music, y *Endangered Species*, con Summit Records. Dave ha grabado como músico acompañante con Lionel Hampton, Harry Connick, Jr., Tom Harrell, Scott Whitfield, Jason Lindner, Mel Torme, Ben Wolfe y el salsero Billy Carrión, entre otros._(allaboutjazz)
El saxofonista barítono Dave Schumacher, nacido en Chicago y afincado en Nueva York, se decanta claramente por las melodías y los ritmos latinos en *Smoke in the Sky*, su disco grabado con un competente septeto al que ha bautizado como Cubeye. El jazz contemporáneo constituye el núcleo de la apuesta intercultural de Schumacher, una iniciativa que sus compañeros de grupo —que comparten su visión— se toman muy en serio, al tiempo que aportan sus conocimientos y experiencia a este proyecto, en su mayor parte cálido y cautivador.
Aunque la potente voz de barítono de Schumacher, que recuerda a Pepper Adams, Ronnie Cuber, Nick Brignola, Gary Smulyan, Cecil Payne y otros maestros del instrumento, ocupa un lugar destacado en cada tema, hay amplio espacio para que brillen otros miembros del grupo, sobre todo el pianista Manuel Valera, el saxofonista Peter Brainin y el bajista Alex «Apolo» Ayala. Los trompetistas Josh Evans y Jesús Ricardo se turnan, siendo Ricardo quien se lleva los solos en el tema inicial «Smoke in the Sky», en la encantadora «Cal Massey» de Stanley Cowell, en la suave y cadenciosa «Walk Spirit Talk Spirit» de McCoy Tyner y en el clásico latino «Poinciana» (atribuido, por alguna razón, a Nina Simone), que pone el broche final a la sesión.
En cuanto al ritmo, un elemento clave en cualquier álbum de música latina, está en las competentes manos de Valera, Ayala, el baterista Joel Mateo y el percusionista Mauricio Herrera. En este aspecto, no hay nada que objetar. Valera es un acompañante magnífico cuyos solos son siempre dignos de elogio, mientras que Ayala y Brainin se muestran precisos y seductores cada vez que les toca ser protagonistas. Además de hacer gala de su saxofón potente a la par que expresivo, Schumacher compuso la canción que da título al álbum, su contrapartida melódica «(No More) Smoke in the Sky» y la animada «El Dilema de Chegui Metralia», que incluye solos estelares de Brainard, Schumacher y Ayala.
Cualquiera que sea aficionado al jazz con un toque sureño encontrará aquí mucho que admirar, ya que «Smoke in the Sky» ofrece una música latina brillante y luminosa con mayúscula. La música es elocuente y agradable, al igual que la interpretación de Schumacher y su admirable septeto._Jack Bowers (allaboutjazz)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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2019.
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