Silvia Telles - Amor Em Hi-Fi

Sylvia D'Atri Telles ( Río de Janeiro , 27 de agosto de 1934 - Maricá , 17 de diciembre de 1966 ) fue una cantante y compositora brasileña . Es considerada una de las más grandes intérpretes de bossa nova y MPB .
La mayoría de sus álbumes están agotados, lo que dificulta que las generaciones recientes lo entiendan. Sin embargo, ocasionalmente se publica una recopilación con algunas de sus numerosas grabaciones.

Según un artículo publicado en O Globo y firmado por João Máximo, "Sylvinha fue uno de los mejores intérpretes de la música brasileña moderna, entendida como tal desde el Ponto final - con Dick Farney y Amargura , con Lúcio Alves , hasta las canciones que Tom y Vinicius lo hizo después del Orfeu da Conceição "..._(wikipedia)

Silvia Telles no tiene una voz potente, pero afortunadamente no le hace falta para tejer la magia de estos clásicos brasileños como «Corcovado», «Dindi» y «Samba de Uma Nota So» («Samba de una nota»). También prueba con estándares del pop americano, un popurrí de «All the Way», «The Boy Next Door» y «They Can't Take That Away From Me». Telles suena mucho menos segura aquí, aunque su dominio del fraseo en inglés está definitivamente a la altura - y, en las últimas canciones, juega con las letras, sustituyendo «the way we mamboed 'til three» por la original de Gershwin. De nuevo en tierra firme, su «Dindi» evoca mucho más la melancolía anhelante de sus mejores interpretaciones, y su «Oba-La-La» es dulce y seductora. Con material de Roberto Menescal y Oscar Castro Neves, además de los dos pesos pesados Gilberto y Jobim, Silvia Telles demuestra ser una de las vocalistas brasileñas más fuertes de la época pre-bossa, y una influencia considerable en Elis Regina. El acompañamiento, principalmente flauta y vibráfono con percusión ligera y coristas ocasionales, es adecuadamente elegante y discreto._John Bush (allmusic) 

                                                                                 

                                                                                         

Silvia Telles - Amor Em Hi-Fi (1960) 

Temas:

01. Samba Tôrto (Aloysio De Oliveira, Antonio Carlos Jobim)

02. All The Way / The Boy Next Door / They Can't Take That Away From Me ( Sammy Cahn - Jimmy Van Heusen, Hugh Martin, Ralph Blane, George & Ira Gershwin)

03. Corcovado (Antonio Carlos Jobim)

04. Tetê (Roberto Menescal, Ronaldo Bôscoli)

05. Se É Tarde Me Perdoa (Carlos Lyra, Ronaldo Bôscoli)

06. Chora Tua Tristeza (Luvercy Fiorini, Oscar Castro Neves)

07. Dindi (Aloysio De Oliveira, Antonio Carlos Jobim)

08. Oba La La (Aloysio De Oliveira, João Gilberto)

09. Samba De Uma Nota Só (Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça)

10. Gardez Moi Pour Toujours "Por Causa De Você" (Antonio Carlos Jobim, Dolores Duram)

11. Não Gosto Mais De Mim (Sérgio Ricardo)

El Combo Batanga - Spanish Dogs

El Combo Batanga presenta su segundo álbum oficial, «Spanish Dogs», que también marca su primer lanzamiento de larga duración a través del prestigioso sello Ubiquity Records.
Este grupo de nueve integrantes, originario de Madrid, España, ha recorrido un camino lleno de altibajos hasta llegar a «Spanish Dogs». Si bien gran parte de sus orígenes se remontan a que sus miembros se conocen y tocan juntos desde hace años, y también a una buena dosis de suerte, su álbum debut, «Who Cares», se lanzó en plena pandemia en 2020.
El momento elegido ya suponía un gran desafío para recuperarse, así que, respondiendo a la pregunta "¿a quién le importa?", afortunadamente, el sello español Lovemonk Records sí lo hizo, reeditando el disco en 2022. Un álbum rebosante de influencias afrocubanas y soul latino, El Combo Batanga conectó a la perfección con el lema de Lovemonk: "Discos Buenos".
Desde Madrid, España, El Combo Batanga ahora centra su atención en Costa Mesa, California, lo que los lleva al maravilloso sello Ubiquity Records. Un sello que alberga proyectos impulsados ​​por el soul etéreo de Shawn Lee, el funk vibrante de The Soul Surfers y las reediciones de joyas de Gloria Ann Taylor, la energía y la pasión de El Combo Batanga por la música los convierten en la opción ideal para Ubiquity.

Los miembros de la banda se conocieron inicialmente a través de su anterior grupo, Los Chocolatiers, integrado por el guitarrista Julián Olivares, el percusionista Pepe Prat, el contrabajista Yago Saloria y el baterista Rodrigo Díaz. Un encuentro casual con el vocalista Alejandro Gutiérrez, quien acababa de ver a la banda en directo, propició su incorporación a la formación apenas unas semanas después. Ahora, con su formación principal, la banda cuenta con la incorporación del pianista Rubén García y Aarón Pozón, Javier Martínez y César Medina en las secciones de vientos.
Y al sopesar el impacto de los nuevos miembros y la variedad de músicos invitados que contribuyen al álbum, resulta evidente que «Spanish Dogs» se beneficia enormemente de ello. Desde la sublime arrogancia de 'La Cuota' hasta la balada orquestal y conmovedora 'Darling', 'Spanish Dogs' demuestra ser un álbum que exhibe fantásticas propuestas musicales a lo largo de sus diez temas, mostrando brillantemente la

pasión de la banda por los ritmos afrocubanos, el boogaloo y la música latina.
Si bien «Who Cares» rendía un sutil homenaje a James Brown & The Famous Flames con su primer sencillo, «Please, Please, Please», en esta ocasión «Spanish Dogs» rinde tributo a Nat King Cole con «Straighten Up and Fly Right», reinventando la canción, a menudo versionada, con una interpretación cargada de vientos y notablemente carismática.

El Combo Batanga ha entregado una fantástica continuación de su álbum debut, demostrando un crecimiento como grupo marcado por una fascinante evolución de las bases establecidas en «Who Cares». ¡Un álbum impresionante!_ (ukvibe)

                                                                      

                                                                                  

El Combo Batanga - Spanish Dogs (2025)

Temas:

01. Batanga Caballero

02. Spanish Dog

03. Cocacho Mambo

04. La Cuota

05. Darling

06. You Better Watch Out

07. Galeno

08. Straighten Up And Fly Right

09. Esto Es Lo Que Hay

10. Bruca Maniguá

Musicos:

Alejandro Gutiérrez (Voz principal)

Rubén García (Piano, teclados)

Julián Olivares (Guitarra, charango) 

Yago Salario (Bajo)

Aarón Pozón (Saxo)

Javier Martínez (Trompeta)

César Medina (Trombón)

Rodrigo Díaz "Niño" (Batería, timbales)

Pepe Prat (Conga, batá, percusión)

Colaboración:

Natty Bo (Voz #8)

Cley Giralda (Coros)

Héctor Flavio (Coros #2,#6,#8)

Jaime Vázquez (Coros ·#1,##3,#7,#9,#10) 

Carlos Julio Ramírez "el Oso" (#1,#3,#7,#9,#10) 

Shirley Davis (Niña perdida #6)

Simbo (Discurso #4,#6) 

Galeno Prat (Solo de timbal #7) 

Cuarteto Leonor (#5): 

Delphine Caserta (Violín 1)

Ana Rodríguez (Violín 2)

Jaime Huertas (Viola)

José Luis López (Violonchelo)

Massimo Faraò Afro Cuban Quintet (Live at Chiara Recording Torino, Italy - Ferrara, December 18th 2021)

Massimo Faraò (nacido el 16 de mayo de 1965 en Génova) es un pianista de jazz italiano.Massimo Faraò estudió con Flavio Crivelli y colaboró ​​con músicos de la zona de Génova, en particular con el bajista Pietro Leveratto. En 1993, visitó Estados Unidos por primera vez, donde, entre otros, tocó con Red Holloway y Albert Heath en una gira por la costa oeste. Ese mismo año, fundó el taller “We Love Jazz”, un evento internacional de música jazz.
Su álbum debut, For Me, fue lanzado en 1993 por Splash; entre sus compañeros de banda se encontraban el trompetista Flavio Boltro y el bajista Aldo Zunino, el pianista Dado Moroni al bajo y Gianni Cazzola a la batería.
En 1994, Massimo Faraò firmó con Monad Records en Nueva York, donde grabó el álbum Ciao Baby (1995). Ese mismo año, se convirtió en pianista y director musical de la banda de Shawnn Monteiro, con Keter Betts y Bobby Durham.

A lo largo de la década de 1990, trabajó, entre otros, con Tony Scott y Jesse Davis; participó en varias giras europeas con el Quinteto de Nat Adderley, con Antonio Hart, Walter Booker y Jimmy Cobb.
En 2001, se unió al cuarteto Just in Time de Archie Shepp, con Wayne Dockery y Bobby Durham. De 2001 a 2005, Faraò fue director artístico de la división de jazz del sello Azzurra Music.
En 2003, fue invitado al Festival de Piano Jazz de Lucerna; en noviembre de 2004, tocó en Japón. En 2006, grabó un álbum con composiciones de Ennio Morricone. En 2007, realizó una gira por Europa y Estados Unidos en trío con Joey DeFrancesco.
Desde 2014, ha actuado y grabado discos anualmente en Estados Unidos con numerosos artistas

de jazz de la Costa Este, entre ellos Ron Carter, Jimmy Cobb, Philip Harper y Louis Hayes. Gracias al estilo interpretativo que desarrolló a través de sus colaboraciones con músicos internacionales, Massimo Faraò ha sido apodado "el pianista italiano más auténtico".
El cuarteto Afro Cubano se formó en 2017, integrado por Massimo Faraò, Nicola Barbon, Roberto Bobo Facchinetti y el percusionista Ernesttico, con quienes grabó los álbumes Blue Bossa (2017) y Ladies in Mercedes (2020) para el sello japonés Venus Record._(wikipedia)

                                                                                        

                                                                              

Massimo Faraò Afro Cuban Quintet (Live at Chiara Recording Torino, Italy - Ferrara, December 18th 2021) (2022)

Temas:

01. Congalegre

02. Theme from M.A.S.H 

03. That's My Kick

04. And Then She Stopped 

05. Amapola

06. Five O' Clock Whistle

07. Ciao ciao

08. Home Cooking

09. Estrellita

10. Misty 

11. Song to Elitha

12. The Shadow of Your Smile

13. When a Man Loves a Woman

Musicos:

Massimo Faraò (Piano)

Davide Palladin (Guitarra)

Nicola Barbón (Bajo)

Roberto "Bobo" Facchinetti (Batería)

Ernesttico (Congas, percusión)

Orquesta Mayómbe - Con El Ritmo Del Tambo

En los últimos años, Paul Murphy no solo ha reeditado varias joyas raras del jazz dance y fusión a través de su sello Jazz Room Records, sino que también ha lanzado grabaciones esenciales y poco comunes de música latina bailable, incluyendo Ecstasy de Tata Vásquez, Denga con Robin Jones y El Maja. Esta primavera, el sello británico reeditará el álbum de 1981 Con El Ritmo Del Tambó del supergrupo neoyorquino Orquesta Mayombe.
Con una big band de 21 músicos liderada por Chico Álvarez, la sesión también incluye al legendario trompetista Alfredo “Chocolate” Armenteros, los vocalistas José Mangual y Mauricio Smith, el percusionista Orestes Vilato (de los Fania All-Stars) y una impresionante y extensa formación de numerosos músicos de viento y percusionistas adicionales. De principio a fin, este disco de 10 temas es puro ritmo latino que captura brillantemente el sonido underground clásico del barrio neoyorquino de los años 60 y 70. Algunos de los temas más destacados del álbum son "Esa Brujería", "Piñeiro", "Rumba En El Solar" y "Cuba Y Africa Son".
Cabe destacar también la excelente calidad de sonido de esta reedición, remasterizada a partir de las cintas maestras originales.
En definitiva, este es jazz afrocubano en su máxima expresión. Si este disco no te hace bailar, quizás deberías revisarte el pulso. ¡Altamente recomendado!
La reedición de Jazz Room Records de "Con El Ritmo Del Tambó" de la Orquesta Mayombe se lanzo oficialmente el 28 de abril de 2023._(beatcaffeine)

EL TAMBOR. Desde los bohíos y barracones de esclavos....desde los famosos solares habaneros....hasta los teatros salones más lujosos del mundo, la historia del ritmo cubano siempre estuvo ligada a la de su creador....el negro!

El Tambor- En 1936, se escucharon por primera vez tos tambores batá fuera de los templos religiosos. Una década después, repicaban sus cueros junto a una orquesta sinfónica en la ciudad de Paris. Al mismo tiempo, la sonoridad del tambor de barril,

o tumba, interpretada por el pionero afrocubano Chano Pozo, recorría por los pueblos de América, y, por mediación del músico afroamericano Dizzy Gillespie, se dio a conocer como conga drum. Se le llamo así erróneamente, pues se utilizaba la palabra conga para denominar el ritmo afrocubano de comparsa, que el turista americano llego a conocer como the konga (la conga) y se identificó con el artista de televisión Desi Arnaz.

El Tambor- objeto de veneración y culto, interprete de nuestras deidades africanas, perseguido por las autoridades racistas, los golpes de sus parches han narrado el dificil camino del negro en nuestros tiempos.

Hoy día, el tambor goza de una inmensa popularidad. Esto se debe mucho a la emigración en los últimos 30 años de varios grupos de la región del Caribe, particularmente de Cuba, Puerto Rico, Haití y Republica Dominicana.

El Tambor- rey de nuestros  instrumentos musicales....desde el antiguo son al mozambique, de la rumba de solar al guaguancó....hasta lo que actualmente llamamos salsa, el tambor repite la sabrosura de su tumbao inigualable....escucha! Tambo Djuka ....Tambo Batá ....Tambo de Fundamento, Tambo Arará.... cucha el eco del tambo! _(De las notas originales del disco)

                                                                              

                                                                       

Orquesta Mayómbe Canta Chico Alvarez - Con El Ritmo Del Tambó (1981-R.2023)

Temas:

01. El Eden De Los Roncos (Ignacio Piñeiro)

02. Piñeiro (Chico Alvarez)

03. Esa Brujeria (Justo De La Torre)

04. Raices Cubanas (Chocolate Armenteros, Xavier Lynch)

05. Yo Tengo A Chango (Baby Gonzalez, Chico Alvarez, D.R.)

06. Chino's Yambu (D.R., Victor Trias)

07. Rumba En El Solar (Eric Salgado)

08. La Confianza, Pongan Atencion, La Mulata Encarnacion (Chico Alvarez, D.R.)

09. Cuba Y Africa Son (Chocolate Armenteros, Xavier Lynch)

10. Con El Ritmo Del Tambo (Chico Alvarez)

Musicos:

Chico Alvarez (Primera voz, Coros, tumbadora, claves, maracas, güiro, palos)

Hector torres (Timbales, bombo)

James "Mingo" Lewis (Tumbadora, sugunda, quinto)

Oreste Vilato (Claves, palos, cencerro, coro, bombo)

Tony Cruz (Bongó, cencerro)

Hiran Diaz (Tumbadora, quinto)

Rogelio Squitero (Chékere)

José Mangual Jr. (Coro)

Mauricio Smith (Coro)

Felo Barrio (Coro)

Ronnie Baro (Coro)

Eduardo Fortunato (Coro)

Oscar Hernandez (Piano acústico)

Victor "Chino Trias (Tres)

Eddie "Guagu" Rivera (Bajo)

Alfredo "Chocolate" Armenteros (Trompeta, fluglehorn)

Harol Woods (Trompeta)

José Rodriguez (Trombón)

Xavier "Quinn" Lynch (Saxo soprano, saxo Barítono)

George Dibby (Solo de guitarra "Piñeiro)

 

Luiz Bonfá - Amor! The Fabulous Guitar of Luiz Bonfá

Luiz Floriano Bonfá (17 October 1922 – 12 January 2001) was a Brazilian guitarist and composer. He was best known for the music he composed for the film Black Orpheus.

Luiz Floriano Bonfá was born on 17 October 1922, in Rio de Janeiro. His father was an Italian immigrant. He began studying with Uruguayan classical guitarist Isaías Sávio [pt] at the age of 11. These weekly lessons entailed a long, harsh commute (on foot, plus two and a half hours on train) from his family home in Santa Cruz, in the western rural outskirts of Rio de Janeiro, to the teacher's home in the hills of Santa Teresa. Given Bonfá's extraordinary dedication and talent for the guitar, Sávio excused the youngster's inability to pay for his lessons..._(wikipedia)

Eso es la música brasileña. En unas pocas líneas inolvidables, el poeta Olavo Bilac destaca aquí los orígenes exóticos de la música popular de su país natal: una embriagadora mezcla de elementos indígenas, portugueses y africanos. En esa mezcla, el todo se ha convertido en mucho más que la suma de sus partes. En el subcontinente brasileño se ha desarrollado una música propia y de gran calidad que solo rinde un respeto simbólico a su pasado. De principio a fin, es un logro brasileño. Junto a su herencia étnica, este mismo Brasil cuenta con una tradición centenaria de apoyo entusiasta a la ópera italiana y, más recientemente, ha incorporado el jazz estadounidense a su repertorio.

Hay que tener todo esto en cuenta para apreciar a Luiz Bonlull. Su música refleja una experiencia increíblemente amplia. «Indian DanaJ» rinde homenaje a los habitantes originarios de Brasil, esos indígenas dotados de un gran talento musical que la avalancha de la civilización ha empujado hacia los rincones más recónditos de la selva. «Old Times» es un choro, un género musical con profundas raíces en el pasado, pero tan popular como siempre en el Brasil actual. Arabesque evoca a las elegantes bailarinas de Iberia. Marajó, Island Of Trindade y Carnival están marcadas por los ritmos que trajeron a Brasil los esclavos africanos.

Y, sin embargo, otras piezas de este álbum constituyen una sofisticada mezcla de música folclórica con música de salón europea y jazz estadounidense.

Luiz Bonfá nació en Río de Janeiro y ha pasado allí la mayor parte de su vida. A los 12 años comenzó a estudiar la guitarra española, el «instrumento nacional», por así decirlo, dada su popularidad. Hasta hace cincuenta años, nadie se tomaba en serio la guitarra en Brasil; era lo que se buscaba en los cabarets y en las fiestas callejeras, y poco más. La guitarrista de fama mundial Olga Coelho ha escrito, por ejemplo, que hace apenas unas décadas, cuando dio su primer concierto formal en Río de Janeiro, su padre consideró que, al hacerlo, se había deshonrado.

Los serios esfuerzos de músicos como Heitor Villa-Lobos e Isaías Savia, el gran maestro de la guitarra clásica con quien Bonfá estudió durante varios años, llevaron a los brasileños a darse cuenta por fin de que la guitarra es un instrumento ideal para la expresión del genio musical brasileño, ya sea en sus formas populares o en las serias. Hoy en día, todos los compositores destacados de Brasil escriben obras originales para ella, y en los conservatorios de música se pueden cursar estudios de guitarra a la altura de los de cualquier otro instrumento virtuoso.

Las primeras actuaciones públicas de Luiz Bonfá tuvieron lugar en conciertos ofrecidos en Río de Janeiro por alumnos de Isaías Savia. Bonfá se enorgullece enormemente de su vínculo con la tradición de la guitarra clásica, como queda patente, por ejemplo, en su propia composición «Preludio», que puede escucharse en esta grabación. Sin embargo, en los últimos años, Bonfá ha explorado otros ámbitos musicales con el fin de ampliar su abanico expresivo. A los 18 años ya tuvo oportunidades para poner programas de música popular en la radio. También empezó a destacar su talento para componer canciones populares. A día de hoy, cuenta con más de 100 canciones publicadas. «Perdido Amor» y «De Cigarro em Cigarro» son quizás las más conocidas. El repertorio de Bonfá en sus conciertos se compone ahora casi en su totalidad de composiciones propias.

Tras haber tocado en todos los clubes más importantes de Río de Janeiro, Bonfá decidió a finales de 1937 venir a Estados Unidos por un tiempo. Poco después de su llegada, conoció a Mary Martin en un cóctel. Al oírle tocar, ella se entusiasmó tanto que le pidió que se uniera a ella como artista destacado en una gira de conciertos que iba a emprender en septiembre de 1958 y que se prolongaría hasta la primavera de 1959. Los conciertos de Martin estaban concebidos como veladas informales y agradables de relajación musical, y las tranquilas y hermosas canciones que componen el repertorio de Bonfá contribuyeron enormemente a su éxito. Muchas de las selecciones más populares que Bonfá interpretó en estos conciertos (Bagpipes, Marajo, Preludio) se incluyen aquí.

Los estadounidenses que escucharon a Bonfá quedaron asombrados por la variedad de efectos técnicos y cromáticos que producía con su guitarra. «Marajo» podría considerarse un ejemplo especialmente espectacular. Se trata de un solo de guitarra, pero suena como si tuviera toda una batería de percusión detrás de él. La ilusión de timbales y bongos de fondo se consigue golpeando la madera del propio instrumento. Obsérvese también cómo alterna pasajes estridentes y resonantes con otros de tonalidad más relajante, como si se tratara de dos instrumentos en un diálogo violento.

La gaita fue uno de los elementos más populares de los conciertos. Bonfá logra una auténtica proeza al recrear de forma realista con su instrumento el gemido de las gaitas y el traqueteo de los tambores, atenuándolos hacia el final, como si las tropas hubieran desaparecido tras una colina. Sin embargo, la guitarra no es un instrumento de relleno para Bonfá. Tampoco se impone en la escena con nada que no sea del mejor gusto. En algo tan íntimo como Nelly, un tierno vals escrito para su esposa, estoy seguro de que somos nosotros quienes nos entrometemos en su intimidad.

Durante su estancia en Estados Unidos, Bonfá exploró con entusiasmo nuestra música. El jazz, en particular, le fascinaba profundamente. Con el tiempo, también llegó a conocer bastante bien a muchos músicos de jazz estadounidenses. George Back In Town rinde homenaje a su afecto por George Shearing y le hace un guiño al capturar algo del sonido impresionista del grupo de Shearing. La versatilidad musical de Don Elliott impresionó a Bonfá y le llevó a pedirle que participara en algunas de las grabaciones de este álbum. El auténtico sentimiento jazzístico de I'll Remember April y Lonely Lament, de Bonfá, sugiere que alguien podría formar un combo de jazz muy eficaz en torno a este magnífico brasileño.

Brasil ha sido un crisol de muchas culturas y su música lo refleja, al igual que la nuestra. Esto le aporta color y fuerza. Su música es muy sincopada, como el jazz, y, al igual que este, permite y fomenta la improvisación. No es de extrañar, pues, que Bonfá se haya integrado con tanta facilidad en nuestro círculo musical; y qué maravilla para nosotros que este LP nos permita explorar a fondo el suyo. _Gary Kramer (De las notas originales del disco)

                                                                                            

                                                                                            

Luiz Bonfá - Amor! The Fabulous Guitar of Luiz Bonfá (1959-R.2001)

Temas:

1. Brasília (Luiz Bonfá)

2. I'll Remember April (Gene de Paul / Don Raye / Patrícia Johnston)

3. Lonely Lament (Luiz Bonfá)

4. Manhã de Carnaval (Luiz Bonfá / Antônio Maria)

5. George Back In Town (Luiz Bonfá)

6. Blue Madrid (Luiz Bonfá)

7. Island Of Trindade (Luiz Bonfá)

08. Old Times (Velhos Tempos) (Luiz Bonfá)

09. Marajo (Luiz Bonfá)

10. Indian Dance (Luiz Bonfá)

11. Nelly (Luiz Bonfá)

12. Preludio (Luiz Bonfá)

13. Yesterdays (Jerome Kern / Otto Harbach)

14. Bagpipes (Luiz Bonfá)

15. Arabesque (Luiz Bonfá)

Musicos:

Luiz Bonfá (Guitarra)

Don Elliott (Melófono, vibráfono, triángulo)

Tommy Lopez (Bongos y congas)

Ralph Freundlich (Flauta)

Bobby Sanabria - Tito Puente Masterworks Live!!!

Si la comunidad del jazz latino tuviera su propio Monte Rushmore, el rostro de Tito Puente estaría allí, justo al lado de las imágenes de Machito y Mario Bauza. Los tres son considerados patriarcas o figuras clave en la evolución del movimiento musical afrocubano y, a pesar de que Puente es el único no cubano de esa lista, el propio Bauzá le hizo el mayor de los elogios al afirmar que "nadie en el mundo ha hecho más por la música afrocubana que Tito Puente". Aunque los tres ya han dejado este mundo, su música permanece, y el percusionista Bobby Sanabria, el máximo defensor de la música afrocubana, se está asegurando de que llegue al gran público.
Sanabria se ha convertido en una especie de Wynton Marsalis para el mundo del jazz latino, defendiendo las virtudes y la historia de esta música en documentales emitidos por la PBS, actuando en diversos escenarios de gran relevancia y formando a la próxima generación de músicos con su experiencia y conocimientos del mundo real. En su faceta de educador, Sanabria ejerce como director de la Orquesta de Jazz Afrocubano de la Escuela de Música de Manhattan, pero no se trata de una simple banda universitaria. Esa frase tiene un tono apologético, y esta banda no tiene nada de qué disculparse. Sanabria presentó por primera vez al público una encarnación anterior de este explosivo conjunto cuando rindió homenaje a Machito y Bauzá con Kenya Revisited (Jazzheads, 2009), y en esta grabación centra su atención en la obra de Puente.

La energía y la pasión desempeñan un papel fundamental en esta música, y los ritmos que invitan a bailar siempre están presentes en el fondo. Los metales suenan con tanta fuerza como cualquier otra sección, lanzando acordes volcánicos capaces de descascarillar la pintura de las paredes, lo que sirve para demostrar el entusiasmo de Sanabria por el tema en cuestión, que se contagia claramente a todos los miembros de la banda. Los solos abundan en muchas de las piezas y, aunque los miembros de la banda ponen su corazón y su alma en este repertorio ardiente, algunos destacan más que otros. Norman Edwards demuestra ser una doble amenaza, ofreciendo elegantes líneas de vibráfono («Autumn Leaves») y un dinámico trabajo a la batería («Mambo Beat») con igual destreza, y el saxofonista barítono Michael Sherman hace saltar el techo cada vez que se pone al frente («Mambo Beat» y «Cuban Nightmare»). Paul Stodolka y Anthony Stanco interpretan constantemente a la perfección el papel audaz y vigoroso de la trompeta, mientras que cada miembro de la sección de saxofones está en plena forma en «Cuban Nightmare».

Aunque «Tito Puente Masterworks Live!!!» es un magnífico homenaje al gran Tito Puente, va más allá de una mera repetición de su repertorio. Sanabria y sus jóvenes compañeros de escenario han invocado el espíritu mismo de Puente al dar un toque vibrante a temas clásicos de su catálogo._Dan Bilawsky (allaboutjazz)

                                                                   

                                                                                   

Bobby Sanabria, Manhattan School Of Music Afro-Cuban Jazz Orchestra - Tito Puente Masterworks Live!!! (2011)

Temas:

01. Intro / Elegua Chango 

02. Picadillo 

03. Bohemia (Birdland) After Dark 

04. Autumn Leaves 

05. Cuban Nightmare 

06. Mambo Buddha 

07. Ran Kan Kan 

08. Alegre Cha-Cha-Cha 

09. Ritual Fire Dance 

10. Yambeque 

11. Me Acuerdo De Ti 

12. Mambo Beat 

13. Mambo Adonis 

Musicos:

Bobby Sanabria (Director, vibráfono y marimba #2, batería #3, #4 y #11, timbales #12, bombo #13, coros)

Daniel Jamieson (Saxo soprano y alto)

Jonas Ganzemuller (Saxo alto)

Alex Lopez, Benjamin Britton (Saxo tenor)

Michael Sherman (Saxo barítono)

Blake Martin (Trompeta)

Paul Stodolka (Trompeta)

Anthony "Stank" Stanco (Trompeta)

Justin Walter (Trompeta)

Tim Vaughn (Trombón)

Sam Bittner-Baird (Trombón)

Luke Malewicz (Trombón)

Frank Cohen (Trombón bajo)

Christian Sands (Piano)

Alex Salwach (Contrabajo)

Norman Edwards (Batería excepto #3, #4 y #11, vibráfono #3, #4 y #11)

Eddy Hacket (Timpani #9,#11,#13, bongó/cencerro #3,#4,#6, güiro macho #8, maracas #1, chekeré #1,#9,#13, clave #7, coros)

Danny Robbins (Maracas #2,#4,#5,#7,#12,#13, gong #6, clave #8-11, chekeré #1, coros)

Obanilú Allende (Bongó/cencerro #2,#5,#11,#13, congas #7,#11,#12, cencerro#1, chekeré #9, coros)

Jake Goldbas (Congas #2-4,#6,#9,#11, caja #1, timbales #8, clave #13, coros)

Cristian Rivera (Congas #1,#13, timbales #2,#5,#11, bongó/cencerro #7,#10, cencerro #9, coros)

Frank Fontaine (Flauta terserola de madera #8,#13)