La celebración del 50.º aniversario de The Headhunters, Live From Brooklyn Bowl, ofrece tanto a los fans incondicionales como a los recién llegados la oportunidad de experimentar su sonido innovador en su forma más pura y electrizante. Este lanzamiento rinde homenaje a su increíble trayectoria y subraya su perdurable legado musical. La banda tiene previsto regresar a Europa y Canadá este otoño y embarcarse en una gira internacional en 2024. La historia de The Headhunters sigue evolucionando, dejando una huella imborrable en el mundo de la música. Formados en 1973 bajo el liderazgo del renombrado músico Herbie Hancock, The Headhunters se hicieron rápidamente un nombre. Con miembros como el percusionista Bill Summers, el bajista Paul Jackson, el saxofonista Bennie Maupin y, finalmente, el legendario baterista Mike Clark, cada uno aportó su talento único para crear un legado duradero. Mezclando jazz, funk y rock, el sonido de los Headhunters conectó con el público de todo el mundo, vendiendo más de un millón de álbumes e inspirando a generaciones de músicos, especialmente en el hip-hop, durante los años 80 y 90.
El impacto de los Headhunters perdura hasta hoy, y su etapa con Herbie Hancock fue una experiencia decisiva. La banda lanzó seis álbumes más tras separarse de Hancock a mediados de los 70, entre los que destacan Survival of the Fittest en 1975 y Straight from the Gate en 1977. Más tarde, en 1998, se reunieron de nuevo con Hancock para grabar Return of The Headhunters y continuaron con el lanzamiento de Evolution Revolution en 2003 y Platinum en 2011. Su álbum de estudio más reciente, Speakers In The House, se publicó a finales de 2022 con gran éxito internacional. Hoy en día, los Headhunters, codirigidos por los miembros originales Bill Summers y Mike Clark, siguen prosperando. Han incorporado a su formación a algunos de los mejores músicos de Nueva Orleans, como Kyle Roussel al teclado, Donald Harrison al saxo alto y Chris Severin al bajo de siete cuerdas. Estos amigos de toda la vida han convertido a la banda en una potencia musical.
Para celebrar el 50.º aniversario de su álbum homónimo, los Headhunters emprendieron una gira mundial a principios de 2023. El viaje comenzó con una actuación memorable en el Brooklyn Bowl de Williamsburg, Nueva York, el 9 de febrero de 2023. Esta grabación en directo, mezclada y masterizada por Keenan McRae en Nueva Orleans, captura la increíble energía de la banda. El resultado es un documento en directo que incluye sus grandes éxitos, como «Watermelon Man», «Chameleon», «Butterfly» y el tema original «Rocking At The Mole House» de Speakers In The House._(newreleasesnow)
Este es un disco divertido que muestra un alto nivel musical y un fuerte sentido del humor. Impulsado por el fogoso trabajo de guitarra de Richie Zellon y fuertes dosis de percusión, Metal Caribe ofrece ingeniosas composiciones originales e interpretaciones eléctricas de latin-jazz de temas pop, rock y clásicos. Richie Zellon es un guitarrista nacido en Perú que actualmente reside en EE.UU. El libreto del CD proclama que Zellon es «el Frank Zappa del jazz latino», y aunque esta descripción es válida en ocasiones, sólo cuenta una parte de la historia. La música de Zellon puede ser salvaje y alocada, pero también muy lírica. (Eche un vistazo a la preciosa «Tel Aviv Blue»). Todos los temas de Metal Caribe son agradables, pero mis favoritos incluyen la versión cha-cha de «Sunshine of Your Love» de Cream, un complejo tema afrocubano llamado «Blue Whale Street», una versión cubano-jazz de «Smoke on the Water» de Deep Purple, y una improbable pero maravillosa pieza merengue-meets-klezmer llamada «Rabbi Merrenguewiz». El CD también ofrece versiones extravagantes de «The Twilight Zone» y «Peter and the Wolf» de Prokofiev, así como varios números originales que muestran una impresionante variedad de estilos de jazz latino, desde la samba hasta el festejo y el mambo.
El elenco incluye a Dave Samuels al vibráfono, Alex Acuña a la batería, Dave Liebman y Jerry Bergonzi a los saxos, Edward Simon al piano, Orlando Sánchez a la percusión y Oscar Stagnaro al bajo. Las vibraciones oscilan entre el sutil jazz latino y la fusión de guitarras a todo volumen.
Metal Caribe es ese raro CD que consigue mezclar estilos pop y jazz complicado de forma divertida e interesante. Debería gustar a todos los aficionados al jazz latino eléctrico y a la fusión sin prisas._Ed Kopp (allaboutjazz)
Yilian Cañizares es una música cubana y suiza. Vive en Suiza desde 2000.
Nacida en La Habana, Yilian Cañizares comenzó a estudiar violín en su ciudad natal, en la más estricta tradición de la escuela rusa del violín. Con solo 14 años obtuvo una beca de estudios en Caracas y en el año 2000 se trasladó a Suiza para completar sus estudios en el Conservatorio de Friburgo. Poco tiempo después, las principales orquestas del área comenzaron a contactarla y, una vez instalada en Lausanne, colaboró durante seis años con diferentes conjuntos. En Suiza, se abre al jazz y decide empreder un nuevo camino musical incluyendo en canto en su carrera como artista profesional. Fue durante este periodo que la artista decidió formar un cuarteto con músicos de Alemania, Venezuela y Suiza (y posteriormente Cuba), y nació el grupo “Ochumare”, con el que, a solo seis meses de su creación, en 2008, ganó el premio del Montreux Jazz Festival Competition. A partir de ese momento su carrera ha ido creciendo continuamente. En los últimos años, ha compartido escenario con Ibrahim Maalouf, Omar Sosa, Youn Sun Nah, Richard Bona, Chucho Valdés, Roberto Fonseca, Dhafer Youssef, la Orquesta de Cámara de Lausanne y El Comité. También es profesora de violín en la Escuela de Jazz y de Música Actual de Lausana (Ecole de jazz et de musique actuelle de Lausanne EJMA). El éxito de sus álbumes “Ochumare”, producción independiente lanzada en 2013, seguido de “Invocación”, bajo la dirección de Alê Siqueira (quien ha colaborado con Roberto Fonseca, Omara Portuondo), ha consolidado su notoriedad como artista innovadora, capaz de aventurarse y trascender las fronteras musicales. Fue catalogada por el semanario francés Le Nouvel Observateur como “artista revelación del año” por su gran virtuosismo y carisma con el que es capaz de cantar y tocar violín. “Mi sonido refleja la riqueza y la mezcla de culturas que llevo conmigo hasta el día de hoy y representa lo que soy: mujer, cubana, músico y ciudadana del mundo", ha expresado la artista.
Su segunda producción discográfica “Invocación” se posicionó en el top de la lista Qobuz – World Music y fue relanzada en una edición Deluxe. “Aguas”, el álbum producido en colaboración con Omar Sosa, vio la luz en octubre del 2018. Acompañados por otro compatriota, Inor Sotolongo en la percusión, el dúo creó un disco íntimo y personal que refleja los puntos de vista de dos generaciones de artistas cubanos que viven lejos de su tierra. Este álbum es una mezcla de ritmos enérgicos y emotivas baladas que reflejan claramente la inigualable química musical que existe entre ambos artistas. Constituye una potente y única fusión de las raíces afrocubanas, la música clásica y el jazz. El 15 de noviembre de 2019 fue lanzado el nuevo álbum “Erzulie”, con su nueva formación Yilian Cañizares & The Maroons y dedicado a la deidad haitiana del amor y la libertad. Este trabajo discográfico fue grabado en New Orleans y cuenta la participación de numerosos invitados como Christian Scott (trompeta), Michael League (contrabajo), Bill Laurance (piano), Bobby Sparks (órgano) y Justin Stanton (teclados).
Su estilo refleja la variedad de sus influencias, con toques de jazz, de música clásica, de música cubana, con un gran espacio dejado a la improvisación. La revista francesa Les Inrockuptibles habla de una orquestación jazz mezclada con percusiones de ritual yoruba. Canta en español, en yoruba y en francés y uno de sus rasgos distintivos es que canta y toca el violín al mismo tiempo._(wikipedia)
Hay tantas influencias en este álbum; cubana, jazz, venezolana, suiza, que es difícil señalar en cada canción qué tema entra en cada categoría. De hecho, no lo hacen. Hoy en día es demasiado fácil querer encasillar la música en una categoría: esto es jazz; esto es soul; esto es funk. Yilian Canizares, en este maravilloso álbum, rompe los estereotipos y por eso es un placer escucharlo. Dulces estallidos musicales, explosiones de improvisación que saltan por todas partes. Incluso encuentra un hueco para rapear en "Iya Mi" y, obviamente, ¡es brillante!
Si tuviéramos que ponerle una etiqueta, cosa que no me entusiasma, diría que se trata de un álbum de jazz cálido con toques y trucos de infusión latina. La melodía serpenteante de "Beroni Abebe Osun", el primer tema del álbum, es un buen indicador de ello. El bajo palpitante, el latido del tema, con su violín punteado, la sangre que bombea por sus venas.
Cañizares también es lingüista, por si no era suficiente para que todos la admiráramos. La forma en que pasa del español a un francés de sílabas perfectas en su versión de "Je Ne Regrette Rien" de Edith Piaf (una versión preciosa, por cierto) no tiene fisuras y se le podría perdonar que pensara que es su primera lengua. No es fácil versionar canciones tan grandes como el clásico de Piaf, pero Cañizares lo hace con estilo, clase y, lo que es más importante, gracia. Todo lo que no sea gracia en un tema como éste lo convierte en una mala versión. Podría ser su propio tema, las cuerdas perfectamente ligeras para complementar la calma de la voz y la facilidad con la que la letra de Piaf nos quita el peso del mundo de encima. No me arrepiento de nada". Tan sencillo. Yilian Canizares, te saludamos. Y estaremos atentos al próximo álbum._(kreolmagazine)
Shigeharu Mukai (向井 滋春, Mukai Shigeharu, nacido el 21 de enero de 1949 en Nagoya) es un trombonista de jazz japonés.
Mukai estudió en la Universidad de Doshisha, pero la abandonó antes de obtener su título para dedicarse profesionalmente a la música. Al principio de su carrera trabajó con Yoshio Otomo, Ryo Kawasaki e Hiroshi Fukumura, y después dirigió su propio conjunto, con una actuación en el Festival de Jazz de Shinjuku. Posteriormente trabajó con Terumasa Hino, Akira Sakata, Kazumi Watanabe y Yosuke Yamashita, así como con el conjunto Spik and Span y con músicos internacionales como João Bosco, Billy Hart y Elvin Jones. En las décadas de 1990 y 2000 impartió clases de jazz en la escuela de música Senzoku Gakuen._(wikipedia)
Este álbum fue publicado en 1984 por Orissa, un grupo formado por el trombonista de jazz Shigeharu Mukai, que sigue muy activo en la actualidad. En el sello japonés crossover Better Days. Presenta un vibrante sonido afrobrasileño en A1, una fusión de reggae caribeño suavemente oscilante en A2 y una afrofusión cósmica aguda en A4. El álbum es una fusión primigenia y tropicalde etnias africanas, caribeñas, latinoamericanas y asiáticas. Recomendado para todos.
Brian Bromberg es un bajista acústico y eléctrico muy versátil, capaz de tocar jazz directo, funk y fusión. Se ha labrado una respetada carrera tocando con numerosas luminarias y publicando sus propios álbumes, que gozan de gran prestigio. Influenciado por el virtuoso estilo de Stanley Jordan, Bromberg a veces suena como tres bajistas a la vez durante sus solos, a menudo estruendosos. Su talento le llevó a formar parte del grupo de Stan Getz a los 19 años. Desde entonces, ha sido un valioso acompañante de artistas como Dave Grusin, Billy Cobham y Michael Bublé, entre otros. Grabó sus primeros álbumes como líder en los años 80 con fechas como 1988's Basses Loaded with Ernie Watts, y desde entonces ha equilibrado el trabajo de sesión con la grabación de sus propias fechas variadas, como 1991's It's About Time: The Acoustic Project, 2010's Bromberg Plays Hendrix, y 2021's A Little Driving Music. Nacido en 1960 en Tucson (Arizona), Bromberg creció en una familia de músicos. Hijo de un batería, empezó tocando la percusión, pero pronto se decantó por el bajo. Cuando terminó el instituto ya era un intérprete impresionante, y se convirtió en un músico de directo muy solicitado, que tocaba en conciertos durante toda la semana. En 1979, llamó la atención del bajista Marc Johnson, quien más tarde conectó al joven bajista con el saxofonista Stan Getz. Bromberg estuvo de gira con Getz durante aproximadamente un año antes de unirse al pianista Bob Ravenscroft y lanzar su propia carrera. Los primeros álbumes de Bromberg como líder fueron de jazz suave, como A New Day (1986), Basses Loaded (1988) y Magic Rain (1989).
Sin embargo, en 1991 cambió de rumbo con It's About Time: The Acoustic Project, un disco de jazz acústico más convencional. Sin embargo, en su siguiente álbum, Brian Bromberg, de 1993, volvió al estilo de jazz suave de sus primeros discos. Tras firmar con Zebra Records, Bromberg publicó en 1998 You Know That Feeling, en el que colaboraron Rick Braun, Joe Sample, Jeff Lorber, Everette Harp y otras figuras notables del género del smooth jazz. Bromberg volvió al jazz directo en Wood, de 2002, seguido de un homenaje al bajista Jaco Pastorius, titulado simplemente Jaco, en 2003. La continuación de Wood, Wood II, apareció en 2005, y Bromberg había salido claramente de su etapa de smooth jazz, sobre todo con los rápidos y sorprendentes solos de bajo de Metal, que apareció más tarde en 2005. También se convirtió en un productor muy solicitado, con varios proyectos de éxito en su currículum. En 2009, Bromberg se salió de lo convencional con It Is What It Is. Al año siguiente, rindió homenaje a la leyenda de la guitarra Jimi Hendrix con Bromberg Plays Hendrix. Después reunió a un elenco de músicos de lujo, como Alex Acuña, Randy Brecker, George Duke y Béla Fleck, para Compared to That, de 2012.
Dejando a un lado su trabajo en solitario, Bromberg apareció en álbumes de Till Brönner, Andrea Bocelli y Andreas Varady, entre otros. En 2016, regresó con Full Circle, que incluía apariciones como invitados de Arturo Sandoval, Kirk Whalum y otros. Thicker Than Water llegó en 2018 y contó con la participación de Najee, George Duke y Randy Brecker, entre otros. Tras un álbum navideño en 2020, Bromberg volvió a sus composiciones originales funky con A Little Driving Music de 2021._Scott Yanow (allmusic)
En su debut como líder, el bajista Brian Bromberg alterna la música acústica con la eléctrica y recibe a invitados como el tenor Ernie Watts, Joe Farrell (en su última grabación) y, durante "Take a Walk in the Park With Me", el fliscornista Freddie Hubbard. Este variado LP (que aún no se ha reeditado en CD) va desde un estilo bastante directo hasta algo de funk y fusión; Bromberg interpreta seis originales, además de "Summertime" y "My Funny Valentine". Un conjunto agradable, aunque no esencial._Scott Yanow (allmusic)
Las tradiciones musicales de Oriente y Occidente se unen a través de las improvisaciones del percusionista y vocalista Trilok Gurtu, nacido en Bombay (India). La maestría de Gurtu en el jazz post-bop no ha pasado desapercibida. La revista Downbeat le nombró "mejor percusionista" en tres encuestas de crítica y popularidad y proclamó: "musicalmente, el mundo es su escenario". La revista de jazz Straight No Chaser tuvo una opinión similar, escribiendo: "esta música tiene una cualidad trascendental y elimina cualquier obstáculo que se interponga entre la música improvisada occidental y oriental". El enfoque ecléctico de Gurtu le ha permitido colaborar con algunos de los mejores músicos del mundo. Miembro de la banda del trompetista Don Cherry de 1976 a 1978, Gurtu ha trabajado con músicos tan influyentes como los guitarristas de jazz Philip Catherine, John McLaughlin, Ralph Towner, Pat Metheny y Larry Coryell, el guitarrista de rock David Gilmore, los saxofonistas Jan Garbarek y Bill Evans, la percusionista Nana Vasconcelos, el teclista de jazz Josef Zawinul y las pianistas clásicas Katia y Marielle Labeque. Gurtu fue miembro del grupo de jazz fusión acústico Oregon de 1984 a 1988. Natural de Bombay (India),
Gurtu procede de una familia de músicos. Su abuelo era un conocido intérprete de sitar y su madre, Shobha Gurtu, una influyente cantante de música clásica india. Tras estudiar tablas desde los seis años, Gurtu atrajo la atención internacional a mediados de la década de 1970, cuando actuó con Charlie Mariano y John Tchicai. En 1977, acompañó a la vocalista Asha Bhosle en sus conciertos de Nueva York. Tras dos años de giras y grabaciones con Don Cherry, Gurtu emigró a Hambug (Alemania) en 1978. Poco después, realizó una gira con el guitarrista belga Philip Catherine y grabó un álbum, End Of August, con Catherine y Mariano. En el verano de 1993, Gurtu recorrió Europa en dúo con Josef Zawinul y grabó un álbum, Crazy Saints, con Zawinul y Pat Metheny. Gurtu sigue impartiendo cursos de batería y actuando en eventos clásicos con la bailarina de danza moderna Carolyn Carlson. En el verano de 1998, realizó una gira con Andy Summers y Larry Coryell. En 2000 publicó African Fantasy. Beat of Love le siguió en la primavera siguiente._Craig Harris (allmusic)
Hay teorías sobre la forma en que los continentes se unieron en tiempos prehistóricos, pero el percusionista indio Trilok Gurtu intenta una nueva conexión entre masas de tierra en el sentido musical con su octavo álbum African Fantasy, que probablemente debería haberse llamado "Indo-A frican Fantasy" para dejar las cosas claras a los posibles compradores. Como músico indio, Gurtu está impregnado de la música de su patria, con sus tablas y sus sitares, pero como percusionista debe de estar fascinado por los diversos ritmos procedentes de África. Aquí ha dado rienda suelta a ese interés escribiendo música que fusiona ambas tradiciones, que interpreta con su banda habitual, pero a la que incorpora a varios vocalistas africanos: Sabine Kabongo (del grupo europeo Zap Mama), Esmeralda Sciascia, Angelique Kidjo y Oumou Sangare.
Los resultados son interesantes, aunque provisionales. Tal vez si Gurtu hubiera colaborado con músicos africanos, sobre todo con bateristas, podría haber conseguido que una mayor parte del continente estuviera presente en su música. Así las cosas, hay una textura superficial, especialmente en las voces, de las muchas músicas del continente, pero el núcleo del sonido sigue siendo indio. Ello no impide que se produzcan yuxtaposiciones sorprendentes y que se toquen algunas piezas maravillosas. Pero el concepto de fusión india/africana sigue siendo una fantasía, al menos en esta ejecución._William Ruhlmann (allmusic)
Altercat presenta la reedición definitiva de una de las joyas de la corona del jazz sudamericano. El proyecto Viejas Raíces, creación de Jorge López Ruiz, figura emblemática del jazz argentino, marcó el alejamiento de López Ruiz de las formas tradicionales del jazz. Sugerencia El trío que grabó este álbum, formado por López Ruiz, su amigo de toda la vida el baterista Pocho Lapouble y el talentoso pianista chileno Matías Pizarro, creó una emocionante mezcla de jazz y candombe uruguayo, rodeada de un innegable aire cinematográfico espoleado por la larga experiencia de López Ruiz en el campo de las bandas sonoras. La combinación del nombre del grupo y del título del álbum (en inglés: "Old Roots of the Colonies of the River Plate"), inteligentemente elegida, es un elemento que permite adivinar el tipo de sonidos a los que se enfrentará el oyente cuando se sumerja en este LP.
Grabado en 1976 a raíz del "Proceso de Reorganización Nacional", el período más sangriento de la dictadura en Argentina, el álbum fue inicialmente mal visto por la crítica y el público, ambos firmemente arraigados en el tradicionalismo del jazz y obviamente no preparados para las nuevas ideas que músicos como López Ruiz estaban experimentando. A pesar de ser un fracaso comercial en el momento de su publicación, el álbum ha gozado de una creciente reputación en las últimas dos décadas, aclamado por los entusiastas del jazz que lo valoran desde una perspectiva histórica diferente y abrazan su experimentación durante este revolucionario periodo de cambio.
Cuarenta y cinco años después de su lanzamiento, el álbum recibe el tratamiento Altercat con una muy merecida reedición de lujo, con sonido directo de las cintas maestras y un libreto de 12 páginas que lo acompaña, con imágenes inéditas y notas bilingües que cuentan todo lo que siempre quisiste saber sobre el álbum y quienes lo hicieron posible.
Reedición oficial de una de las joyas de la corona del jazz sudamericano, publicado originalmente en 1976 en Argentina._(soundohm)
Viejas Raices - De Las Colonias Del Rio De La Plata (1976)
Hermeto Pascoal (Arapiraca, 22 de junio de 1936) es un compositor, arreglista, productor musical y un virtuoso multinstrumentista (principalmente pianista, bandoneonista, flautista, melodista, saxofonista y guitarrista) de Brasil., comenzó a tocar flauta con solo ocho años de edad y ya con 14 años era músico profesional en Recife. Junto con sus hermanos, todos albinos, comenzó a tocar el piano en la década de los cincuenta en formato de trío. En 1964, formó el "Sambrasa Trío" , con Airto Moreira y el bajista Humberto Clayber. En 1966, Airto Moreira, que tocaba en un grupo llamado "Trío Novo", con el guitarrista, Heraldo do Monte y el bajista, Theo de Barros, animó a Hermeto a unirse al grupo, formando así el grupo que le dio a conocer internacionalmente: "Quarteto Novo", uno de los mas importantes grupos de música instrumental de la historia de Brasil. El grupo estaba provisto de una magnifica técnica y fue una de las claves de la fusión del jazz con los ritmos brasileiros. En 1968, Hermeto Pacoal, escribe su primer arreglo orquestal para la música de Gudin que se estrena en el Festival de la Canción de TV bajo el titulo de "Choro do Amor Vivido". Poco después, ya en los años setenta, recibe una invitación de Airto Moreira, para trasladarse a los Estados Unidos donde graba su primer disco para el sello "Cobblestone" titulado genéricamente "Hermeto".
Ya con una dilatada y reconocida experiencia, Miles Davis, le encarga algunos arreglos y de esa colaboración sale la invitación a que Hermeto Pascoal, colabore en la grabación del disco de Miles Davis, titulado "Live Evil". Hermeto vuelve a Brasil en 1973 y graba un disco titulado: "A Música Livre De Hermeto Pascoal", retornando en 1976 para los Estados Unidos, donde nuevamente graba otro disco titulado "A missa dos escravos". Hermeto Pascoal, es un compositor muy prolífico y tiene grabados cerca de 3000 canciones. Entre el 23 de junio de 1966 y 23 de junio de 1996, Hermeto escribe "Calendario do Som"; un total de 366 composiciones musicales, una para cada día del año en los mas diversos géneros, y que realizó con un tesón admirable, componiendo una canción por cada día. Sus composiciones fueron interpretadas por la Orquestra Sinfónica de Brooklyn, la Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Sao Paulo, y otras por el estilo. Hermeto Pascoal, ha tocado con los mas grandes de la música brasileña e internacional, como Elis Regina, Ron Carter, o Raúl de Souza, y participó en el homenaje al gran bandoneista argentino, Astor Piazzola en Buenos Aires._(apoloybaco)
"Festa dos Deuses" es una obra que clasifico como Música Universal en todos los sentidos: rítmica, armónica y melódica, y principalmente original. Estoy muy contento de contar con personalidades ilustres, como el presidente Collor de Mello, la profesora de educación física Fabíula Pascoal y el gran actor-poeta Mário Lago como invitados especiales en este disco. Todos ellos cantan maravillosamente bien con el sonido del aura, captado con sensibilidad por mí. Es imposible explicar con palabras o adjetivos lo que es el Sonido del Aura, pero de una cosa estoy seguro: depende mucho del nivel musical y perceptivo del músico. Me dijo por teléfono: "Padrinho, sólo llego desde el Mi por debajo de la 3ª línea del suplemento inferior hasta el Fa de la 5ª línea", pero en el transcurso de la grabación se fue soltando cada vez más y acabó llegando al Re por encima de la 2ª línea del suplemento superior, y así grabó 7 canciones con nosotros. Me complace presentar a Luciana Souza, una nueva y hermosa voz. Soy suspicaz cuando hablo de estos grandes músicos instrumentistas, mis hermanos del grupo: Carlos, Jovino, Itibeê, Marcío, Fálbio y Pernambuco, pero tengo una semilla que agradecer por todo lo que dan de sí a la música con mucha verdad y amor._Hermeto Pacoal
Uno de los conjuntos de jazz fusión más innovadores y arriesgados de finales de los 70, Caldera combinó jazz, funk y rock con una amplia variedad de música latina. Caldera recibió la influencia de exploradores de la fusión de la década de 1970 como Return to Forever y Weather Report, pero los miembros de la banda también fueron influenciados por todo, desde Earth, el soul-funk de Wind & Fire hasta la salsa afrocubana, la samba brasileña y la música andina / peruana. Dirigido por el tecladista Eduardo del Barrio y el guitarrista Jorge Strunz, Caldera contó con miembros de toda América Latina y partes de los EE. UU. Mientras que el bajista Dean Cortez y el saxofonista Steve Tavaglione nacieron en los EE. UU., Otros miembros nacieron en Costa Rica (Strunz), Argentina (del Barrio), Cuba (baterista Carlos Vega) y Brasil (percusionista Mike "Baiano" Azevedo). En 1976, Caldera firmó con Capitol y grabó su álbum debut homónimo, al que siguieron Sky Islands en 1977, Time and Chance en 1978 y Dreamer en 1979. En un mundo ideal, Caldera habría tenido una larga vida, pero sus cuatro LPs de Capitol (solo el primero de los cuales ha sido reeditado en CD después del cambio de milenio) no se vendieron, y la banda lo dejó en 1979. Sin embargo, la mayoría de los miembros de Caldera se mantuvieron ocupados mucho después de la ruptura de la banda. . Strunz, por ejemplo, pasó a formar el dúo de guitarras Strunz & Farah con el guitarrista iraní / persa Ardeshir Farah, mientras que en las décadas de 1980 y 1990 del Barrio trabajó con todos, desde Earth, Wind & Fire hasta Stan Getz y Dianne Reeves.
Los fanáticos de Caldera, algo de lo que no tenía suficiente, esperaban que Dreamer fuera el LP para hacer famosa a la banda en el mundo del jazz-fusión. Pero Caldera siguió siendo oscura, a pesar de ofrecer una mezcla cautivadora y aventurera de jazz, funk, rock y música latina. Fiel a su estilo, la escritura es excelente en este álbum: uno no puede acusar a los miembros de Caldera de escribir débil en el "Rain Forest" de influencia sudamericana, la "Celebración" de samba, las "Brujerías" de influencia flamenca o el Carlos. Abridor de Santana-ish, "To Capture the Moon". Para Caldera, el término "música latina" significaba una variedad de cosas, desde flamenco español y salsa afrocubana hasta samba brasileña y música andina, y en este LP, todas esas cosas interactúan exitosamente con el jazz, el funk y Roca. Al igual que los tres álbumes anteriores de Capitol de Caldera, Dreamer se agotó después de la ruptura de la banda y aún no se ha reeditado en CD._Alex Henderson (allmusic)
Attilio Joseph Macero (30 de octubre de 1925 - 19 de febrero de 2008), más conocido como Teo Macero, fue un productor discográfico, compositor y saxofonista de jazz. Tras graduarse del Juilliard School of Music en 1953, se asoció con Charles Mingus y confundaron el Charles Mingus' Jazz Composers Workshop, y produjo su primer álbum Monk's Dream. Macero se hizo famoso siendo productor discográfico de jazz de la compañía Columbia Records. Tuvo una larga y fructífera relación con Miles Davis. Produjo algunos clásicos de Davis, como Kind of Blue (1959), el álbum de jazz más vendido en la historia, Porgy and Bess (1958), Sketches of Spain (1960) y Someday My Prince Will Come (1961). Después, Davis se aventuraría con un nuevo estilo y se fusionaría con la música electrónica, álbumes como In a Silent Way (1969), Bitches Brew (1970), o A Tribute to Jack Johnson (1971), trabajos de gran importancia gracias a las innovadoras técnicas de Macero para mezclar y grabar, inspiradas en parte por el compositor de avant-garde Edgar Varèse, uno de los pioneros en la música electrónica, y con quien Macero había colaborado en Juilliard. Durante su estancia en Columbia, también produjo álbumes para artistas como Thelonious Monk, Dave Brubeck, J. J. Johnson, Johnny Mathis, Mahalia Jackson y Simon and Garfunkel, incluyendo la banda sonora de El Graduado, álbum que contiene el éxito "Mrs.Robinson". Aunque Macero estaba semijubilado por unos cuantos años, siempre estuvo activo en la música. Junto con Prince Paul, produjo el primer álbum en solitario de Vernon Reid, y tocó el saxofón en el debut de DJ Logic._(wikipedia) Teo Macero, mejor conocido como productor, solo ha grabado como saxofonista tenor de manera muy poco frecuente a lo largo de las décadas. Este insólito álbum cuenta con cuatro grupos muy diferentes que interpretan los originales de Macero. El vibrafonista Lionel Hampton y el saxofonista tenor Gato Barbieri (una pareja extraña) se escuchan en cinco números junto con una sección de saxofón, dos teclados, dos guitarras y una sección de ritmo. "Summer Rain" combina al flautista Dave Valentin y al soprano-saxofonista Dave Liebman, mientras que "Silent Summer" es un dúo de piano para Mike Nock y Mal Waldron. Macero solo aparece en un número, formando equipo con Liebman, el contralto Carlos Ward, el bajista Cecil McBee y Orlando Digirolamo en acordeón; todo un quinteto. En general, la escritura no es tan fuerte como los solos, pero este álbum algo excéntrico ciertamente se destaca entre la multitud._Scott Yanow (allmusic)
Teo Macero - Acoustical Suspension (1985) Temas: 01. The Man With The Horn 02. Slow And Easy 03. 8 Minus 10 04. Summer Rain 05. Silent Summer 06. Acoustical Suspension 07. Hey Man, What's Happenin'? 08. Sun Rays (Violet Bleu) Musicos en: "The Man With The Horn", "Slow And Easy", "Acoustical Suspension", "Hey Man, What's Happenin'?", "Sun Rays (Violet Blue)": Lionel Hampton - Vibraphone Gato Barbieri - Tenor Saxophone Solos Dave Valentin - Flute David Liebman - Soprano Saxophone Alex Foster - Alto Saxophone Bill Evans, John Stubblefield - Tenor Saxophones Mike Nock - Fender Rhodes, Mini Moog Jorge Dalto - Acoustic Piano Larry Coryell, Ryo Kawasaki - Guitars Lincoln Goines - Fender Bass Carol Steele - Percussion Buddy Wiliams - Drums "8 Minus 10": Teo Macero - Alto Saxophone Solo, Tenor Saxophone David Liebman - Soprano Saxophone Carlos Ward - Alto Saxophone Orlando Di Girolamo - Accordian Cecil McBee - Bass "Summer Rain": Dave Valentin - Flute David Liebman - Soprano Saxophone Mike Nock - Keyboards Jorge Dalto - Acoustic Piano Ryo Kawasaki - Guitar Alyrio Lima, Carol Steele - Percussion Buddy Wiliams - Drums "Silent Summer": Piano Duet by Mike Nock and Mal Waldron
Diamela del Pozo (Guantánamo, Cuba, 1976). Ya a temprana edad mostraba su pasión por el canto y la música. Desde su debut en Holguín en 1991 con la orquesta de Gustavo Márquez no ha dejado de cantar, tenía entonces quince años. A partir de ahí, se unió a varias agrupaciones salseras y timberas de la Isla, incluyendo Acheré y Las Mulatas del Fuego, Las Chicas del Sol, Azúcar Negra, Cotó y su Eco del Caribe, Son Catedral y la orquesta femenina ‘Son Damas’ con quien recorrió en poco tiempo cerca de veinte países, cantó en escenarios y salas de reconocido prestigio internacional, participó en importantes festivales de Jazz de Europa, incluso compartió escenario con el gran Oscar D' León y su orquesta. Su carisma y entrega en el escenario cautivan rápidamente la atención del público. Con más de dos décadas de trayectoria artística y media alejada de la escena musical, Diamela del Pozo regresa con fuerzas renovadas al mundo del espectáculo. Su singular estilo de interpretar poderosamente influenciado por el Son, la Rumba y el Changüí, da nueva vida a canciones iconos de destacados cantantes. Sacar a la luz sus composiciones, rendir tributo a grandes leyendas de la música cubana y la Salsa, experimentar con el Latin Jazz, los ritmos afrocubanos y otros géneros de la música afroamericana conforman su trabajo creativo y discográfico actual. Mientras, su voz e improvisaciones continúan expandiéndose y atrayendo la atención de la comunidad salsera. Países donde se ha presentado: Alemania, Andorra, Austria, Barbados, Bélgica, Colombia, Croacia, España, Francia, Grecia, Italia, Jamaica, Japón, México, Mónaco, Países Bajos, Portugal y Suiza. En 1994, residiendo en Isla de la Juventud, Cuba, se incorpora a un grupo folklórico de la zona, integrado entre otros por varios músicos del popular conjunto folklórico de Santiago de Cuba. En sus performance se desempeñó como solista e inició en la percusión afro-cubana. Más tarde, a su paso por La Habana, tuvo la oportunidad de observar y aprender de los grandes maestros del folklor y la Rumba cubana ‘los Aspirina’. Cantar, bailar y tocar marcó definitivamente su personalidad musical y artística. En 1997, estando en ‘Son Damas’ seleccionada en Cuba mejor orquesta femenina del año, hace su primer registro “Llegó Son Damas”, dos años más tarde “A Todo Ritmo” el segundo y último trabajo discográfico con la orquesta al separarse de esta en el 2000. En 1998 graba “El Mal De La Hipocresía” incluido en el álbum Sonero Soy (Various Artists) – Homenaje a la obra y talento musical de Adalberto Álvarez, entre los participantes estuvieron los cantantes Felix Valoy, Mario Rivera (Mayito), Alexander Díaz, Manuel Denis Martínez y Rolo Martínez, la parte musical estuvo a cargo de los geniales músicos cubanos Lázaro Dagoberto González, Juan Manuel Ceruto, Germán Velazco, Julito Padrón, Orlando Pérez, Alexander Abreu, Yonder de Jesús Peña y Pancho Amat entre otros. Debido al gran éxito del disco, en 1999 volvió a participar en las grabaciones encargándose de un tema del legendario Gonzalo Asencio Hernández (Tío Tom) “Consuélate Como Yo” incluido en el álbum Cuba Humanidad - Tribute to Carlos Embale (Various Artists), acompañada musicalmente por la prestigiosa agrupación folclórica, premio Grammy Latino 2001 Los Muñequitos de Matanzas. En 2001 colaboró para el Grupo Mi Son y su álbum Pasaje A...! El 7 de julio de 2018, lanza oficialmente su primer sencillo “En la Boca del Pez”, un tema escrito, arreglado y producido por ella, distribuido en las plataformas de streaming y tiendas digitales más importantes en todo el mundo. (iTunes, Spotify, Deezer, Google Play, Tidal, Amazon Music, CD Baby) A mediados de octubre de 2018, Diamela del Pozo publica su segundo single "Mozambicando" con este tema ha querido rendir tributo a Pedro Izquierdo Padrón "Pello El Afrokán" el padre del ritmo Mozambique. (iTunes, Amazon Music, Deezer, Google Play, Spotify, CD Baby, Tidal) Recomendaciones: Juan de Marcos González, Bandleader, Composer, Arranger & Producer at The Afro-Cuban All Stars “Diamela es uno de los grandes músicos de su generación. Una sonera excepcional que no sacrifica su literatura en favor de un mercadeo fácil, sino que lucha por representar dignamente aquello gracias a lo cual es. Interpreta, compone y orquesta sus temas utilizando su instrucción académica, su herencia cultural y su genoma Guantanamero, lo que la convierte en una de las sucesoras de los grandes de su tierra que es, por lo demás, la madre patria de la música criolla.” (1 de agosto de 2018)
Steve Roitstein, Leader of PALO!, Grammy & Latin Grammy-nominated Afro-Cuban Funk band Professor, Music Business at Miami Dade College “Encuentro la voz de Diamela fascinante y encantadora. Su creatividad como compositora y productora demuestra que no tiene miedo de romper las fronteras tradicionales mientras sigue reflejando sus influencias y raíces. ¡Brava!” (21 de agosto de 2018) Próximos conciertos de Diamela del Pozo: Bandsintown, Songkick, Facebook, Wegow, Eventbrite
La cantautora cubana, continua presentando Colaita E’ Café, su proyecto más reciente, una apuesta audaz en la que hace convivir sus raíces afrocubanas con el Jazz y el Flamenco. La formación acompañante la integran actualmente cinco talentosos músicos, quienes afirman estar cautivados por la sonoridad y potencial del proyecto.
Además de sus composiciones, el repertorio incluye versiones de temas inmortalizados por grandes figuras de la música cubana entre los años 40 y 50, clásicos de la música afroamericana, así como conocidos estándares de Jazz ahora vistos desde una nueva perspectiva. En definitiva, una propuesta única.
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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