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domingo, 9 de agosto de 2015

Miguel Romero - Cuban Jazz Funk



En Cuba, donde los estudios musicales adquieren la fuerza de un "llamamiento" a pesar de la falta de sensibilidad política para las artes, el espíritu de la música viene a través con un pulso creado a partir de la complejidad polyrhythmic. El misterio de la música es la forma en la combinación de diferentes ya veces opuestas ritmos, a menudo no notatable, puede combinar en una síntesis que apela directamente a los corazones de los oyentes, al igual que toda la música derivada de tambores africanos. Con numerosas influencias que convergen en la isla, la música cubana refleja una serie de géneros, incluso cuando se fusiona todos ellos en una música única atractiva e instantáneamente identificable.

Mientras que muchos teclistas de origen cubano, como Chucho Valdés y Gonzalo Rubalcaba han optado por permanecer con el piano acústico, Miguel Romero en lugar experimentos con las diversas formas de la música latina variando los sonidos de teclado electrónico. O, al menos, tal es el caso de Cuban Jazz Funk. En lugar de utilizar la balanza de pagos como un punto de referencia por su combinación de congas y tambores batá con el jazz, Romero ha avanzado una generación o dos hacia delante para explorar la comunidad de funk y clavé. Observadores astutos como Don Byron y Christian McBride han dado cuenta de que los fundamentos subyacentes sigue siendo similar, con el resultado de que influyen en los oyentes a levantarse y bailar y sentir la música.

Así, en Cuban Jazz Funk, el sexteto de Romero (cuatro de los cuales juegan los tambores o percusión) vigente moderniza la forma en que la música cubana se integra con el jazz o el blues americano. Con sede en Atlanta y ganar una legión creciente de fans, Romero de hecho no usar abiertamente el blues como base para "Montaña rusa del Zorro", los cambios normales que arraigan los solos que siguen el tema de introducción rebotando más afín a carnaval de parque de atracciones.

En "In The Moment", el saxofonista tenor Larry Jackson crea una textura de trance durante un solo acorde, al igual que algunos de los trabajos de Gato Barbieri, como Romero pinta un paisaje sonoro de brillante y se hizo eco de sonar y Tad baterista Gulley cepillos un paseo suave. El mismo efecto de los acordes que reverberan sostenida en varias medidas que funciona en "Sieston", así, el bajista Kurt Mitchell afirmando las líneas de bajo que impulsan y unifican el tono que el resto de los miembros del grupo se extienden. Romero crea un efecto de orquesta para que aparezca el "Sunrise", finalmente se instaló en un efecto tambor de acero para una facilidad vaivén que camina por la delgada línea entre el jazz contemporáneo y la irresistible América.

Quizás la canción más satisfactoria sobre el Jazz Funk cubano es la primera, "Descarga Palmieri", que rinde homenaje a Eddie y Charlie Palmieri, pero que también utiliza un vampiro McCoy Tyner-como-agresiva para llevar a cabo algunos solos notable.

Tras su más relajante álbum Breeze Island con una de las influencias más amplias, Miguel Romero se perfila como uno de los pianistas latinos más populares. Su objetivo es conectar con su público de manera directa que recuerdan sus influencias de la isla mientras se deleitan con la apelación igualmente universal de funk._AAJ Staff  (allaboutjazz)



Miguel Romero - Cuban Jazz Funk (2000)

Temas:
01.Descarga Palmieri,
02.Sunrise
03.Zorro's Rollercoaster
04.In The Moment
05.Citizen Of The World
06.Sieston
07.Meditation

Musicos:
Miguel Romero-keyboard, percussion
Larry Jackson-saxophones, flute
Kurt Mitchell-bass
Tad Gulley-drums
Count Mbutu-congas, percussion
Hassan Ortiz-bongos, bat



Información cedida por Hector Guillermo Copete  

sábado, 8 de agosto de 2015

Irving Fields & Roberto Rodriguez (2006) Oy Vey.....Ole!!!



Oy Vey! Ole! es un homenaje obligado. Se combinan temas del repertorio de Irving Fields, en el que no falta el conocidísimo Miami Beach Rhumba, y versiones de los dos primeros discos de Roberto Rodríguez. El piano de Irving Fileds ingénuo y divertido, le pega que ni pintado a la música de Rodríguez. En realidad Rodríguez está haciendo lo del veterano Fields, pero en versión moderna y pelín intelectual. Es bonito ver como se entienden los dos músicos a pesar de su gran diferencia de edad. El disco es delicioso, y amablemente sencillo.


Las 12 canciones en Oy Vey! Ole! son momentos de alegría; es un lugar donde los ritmos afrocubanos, klezmer tradicional / melodías hebreas, inmediatez pop y la economía, y Elan jazz enriquecido unen en convergencias de frío. El noventa y algo pianista Irving Fields escribió canciones interpretadas por Dinah Shore, Xavier Cugat, y Sarah Vaughan y tenía un álbum instrumental golpear (Panecillos y Bongos) en 1959. El percusionista Roberto J. Rodríguez es un percusionista con sede en la ciudad de Nueva York de origen cubano que se sumergió en caldo de cultivo de la cultura judía de Miami, y aparte de que lleva sus propias bandas, que ha jugado con Rubén Blades, Joe Jackson, y Marc Ribot. Es una pareja improbable de hepcats, pero funciona. Basta con escuchar a la mezcla efervescente de sonidos: Tango en el templo con el elegante "Pirulí". Luego disfrutar de cócteles al suave "El Polaco" y pretender que estás envuelto en una intriga en Madrid, Tel Aviv, o Brooklyn (o Boca Raton, para el caso). Oy Vey! ... Ole!

Más información relacionada Irving Fields

Mas información relacionada Roberto Rodriguez



Irving Fields & Roberto Rodriguez  Oy Vey.....Ole!!! (2006)

Temas:
01. El Danzon De Moises
02. A Turkish Chasseneh 
03. El Polaco 
04. Miami Beach Rhumba
05. Dice El Sabio Solomon
06. Elephant Tap Dance 
07. Paseo Del Prado 
08. Managua, Nicaragua 
09. Piruli 
10. Pago Pago (Pango Pango) 
11. Wolfie's Corner 
12. Song Of Manila 

Musicos:
Irving Fields (piano)
Roberto Rodríguez (percusión)
Meg Okura (violín)
Gilad Harha (clarinete)
Uri Sharlin (acordeón, órgano)
Natalh Michal (voz)
Jennifer Vincent (bajo acústico)

domingo, 2 de agosto de 2015

Huascar Barradas & Maracaibo – Encuentros


 Huáscar Barradas ha paseado su talento por los escenarios más importantes no sólo de Venezuela, sino también de Estados Unidos, Alemania, Francia, Inglaterra, Canadá, España, Suiza, Turquía, Colombia, Italia, Martinica, Aruba y El Salvador; representando a Venezuela en los más importantes festivales.

Con formación académica en el Conservatorio de Música José Luis Paz en Maracaibo, en el Brooklyn Conservatory de New York, donde egresa Cum Laude; en el Juliard School Music, en la Escuela Superior de Música de Frankfurt, además de realizar estudios de Dirección de Orquesta con Vicent La Selva y Karoly Kope, y de Jazz con Shelton Berg y Ron Carter, Barradas se ha convertido en uno de los músicos más completos de Venezuela.

Desde 1993, cuando estaba en Alemania, ha presentado una propuesta contemporánea y urbana de la música venezolana con su agrupación “Huáscar Barradas y Maracaibo”, con ventas en más de 30 países. En el año 2001 logra definir el estilo y el sonido con el que siempre soñó, con el CD “Candela”, el cual grabó junto a Simón Díaz, Pedro Castillo, Guaco, el Pavo Frank Hernández y Gerry Weil, entre otros.

Ha grabado los discos: “Folk Music” (1993), “Nueva Onda” (1996), “Signos” (1997), “Mundo
Nuevo” (1997), “Gracias a la vida” (1998), “Candela” (2001), “Trío acústico venezolano” (2003), “Encuentros” (2004); en los cuales ha compartido con los más laureados artistas nacionales e internacionales.

Su manera de representar las fusiones de la música venezolana con el jazz, regaee, rock, tambor, flamenco y gaita; ha sido aceptada no sólo por el público, sino también por la crítica especializada.(elcomercio.es)





Huascar Barradas & Maracaibo – Encuentros (2004)

Temas:
01. Onda 925 (Huáscar Barradas)
02. Habanera (From Opera Carmen) (G. Bizet/H. Barradas)
03. Mereng-Miles (Huáscar Barradas)
04. Pavo Real (César del Avila)
05. Anhelante (José Sifontes)
06. My Favorite Things (Richard Rodgers)
07. Joropo Bachiano (J.S.Bach/H. Barradas)
08. Serenata Criolla (Luis Laguna)
09. Chimbangleando (Huáscar Barradas)
10. Canción Para Kú (Huáscar Barradas)
11. Morrocoy (Vytas Brenner)


Músicos:
Huáscar Barradas : Flautas
Jorge Polanco : Cuatro, Voces
César Orozco : Piano, Teclados
Elvis Martínez : Bajo, Voces
Fernando Valladares : Batería, Percusión y Teclados

Musico invitados: 
Gilberto Ferrer (temas 01, 06): Teclados
Agustín Espina (temas 02, 04): Teclados
Carlos Almarza (temas 05, 09): Teclados
Olegario Díaz (tema 09): Teclados
Alexander Livinalli (temas 02, 04, 06): Percusiones Varias
El "Goyo" (tema 01): Percusiones Varias
Juan Pablo Martínez & Endry Tovila (tema 09): "Chimbangueles"
José Ferrer (temas 01, 06): "Tambora" & "Charrasca"
Ernesto Laya (temas 04, 06, 07): Maracas
José Ferrer (tema 06): "Furro" o gaita Zuliana
Gerry Weil (tema 10): Piano
El "Goyo" Reyna (tema 10): Handclaps y harmonias
Carmelo Medina (track 01): Guitarra
Gil Ferrer (track 04): Harpa
Germán Quintero (temas 01, 02): Trompeta
Juan Carlos Salas (tema 03): Trompeta
Leslie Pozo (temas 01, 02, 04): Trombon
Franklyn Díaz (temas 01, 02): Saxo Tenor
Jonathan Gaviria (tema 06): Clarinete
Armando Lovera (tema 01): Voces
Rafael Brito (temas 01, 04, 09) Voces
Angela (tema 02): Voces & Background Vocals
Pipo & Leo (tema 02): Voces, Raps & Background Vocals
Armando Hernández (tema 02): Background Vocals

sábado, 1 de agosto de 2015

Terry Gibbs - The Latin Connection



Uno de los más hiperactivo de todos los músicos de jazz (incluso sus baladas se toman sobre todo el doble de tiempo), Terry Gibbs es un vibrafonista constantemente emocionante y competitivo. 
Como xilofonista, ganó un concurso de aficionados cuando tenía 12. Después de pasar tres años en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, Gibbs tocó en la calle 52, gigged con Tommy Dorsey (1946 y 1948), Chubby Jackson (recorriendo Escandinavia durante 1947- 1948), Buddy Rich (1948), de Woody Herman Segunda Herd (1948-1949), y Benny Goodman (1950-1952). Gibbs se instaló en Los Ángeles en 1957, trabajó en los estudios, dirigido orquestas de jazz (su versión de finales de los años 50 fue llamado Terry Gibbs Sueño Band), fue el director musical de The Steve Allen Mostrar durante la década de 1960, y en los años 1980 y '90 se unieron en un quinteto con Buddy DeFranco. Gibbs - que grabó como líder para Prestige, Saboya, Brunswick, EmArcy, Mercurio, Verve, Tiempo, Impulse, Dot, Xanadu, Jazz a la carta, y Contemporáneo (entre otros) - tenía tales pianistas finas como sus acompañantes a través de de los años como Terry Pollard, Pete Jolly (en el acordeón en 1957), Alice McLeod (en 1963 antes de que ella se convirtió en Alice Coltrane), y John Campbell._Scott Yanow (allmusic)


Vibrafonista Terry Gibbs suena bien en esta fecha jazz Latina, que también incluye altoist Frank Morgan, el pianista Sonny Bravo, bajista Bobby Rodríguez y tres percusionistas, incluyendo Tito Puente tocando los timbales en tres de los nueve números. La mayoría de las melodías son bop y swing estándares (tales como "Scrapple de la manzana," "Groovin' High," "Buen cebo" y "Sing, Sing, Sing") y tienen excelentes lugares para Gibbs, Morgan y la sección de percusión. Una buena fecha._Scott Yanow (allmusic)





Terry Gibbs - The Latin Connection (1986)

Temas:
01. Scrapple From The Apple
02. For Keeps
03. Groovin' High
04. Chelsea Bridge
05. Sing Sing Sing
06. Kick Those Feet
07. Good Bait
08. Flamingo
09. Sweet Young Song Of Love

Musicos:
Vibraphone, Arranged By – Terry Gibbs
Alto Saxophone – Frank Morgan
Piano – Sonny Bravo
Bass – Bobby Rodriguez  
Tito Puente (tracks: 1, 5, 6)
Orestes Vilato (tracks: 2, 3, 4, 7, 8, 9)
Bongos, Percussion – Johnny Rodriguez
Congas, Percussion – Jose Madera
Arranged By, Orchestrated By – Serge Kasimoff

domingo, 26 de julio de 2015

Rubén González Con El Noneto Cubano De Jazz de Pucho Escalante - Sentimento



Rubén González fue uno de los últimos grandes pianistas afrocubanos de Cuba. Aunque había tocado y grabado con la banda de Enrique Jorrín, el creador del cha-cha-chá, durante un cuarto de siglo, se había retirado de la música a mediados de los ochenta. Las cosas empezaron a cambiar cuando González grabó con Afro-Cuban All Stars en 1996. El álbum, A Toda Cuba Le Gusta, lanzado al año siguiente, ayudó a inspirar una fascinación internacional por la música afrocubana y llamó la atención de González. audiencia global. Su actuación en el álbum Buena Vista Social Club producido por Ry Cooder lo convirtió en un fenómeno internacional. Al firmar un contrato con el sello de Cooder, World Circuit, González lanzó su álbum debut en solitario, Introducing ... Rubén González, a la edad de 78 años.

González se graduó en el Conservatorio de Cienfuegos en 1934, que mostró una gran promesa como pianista desde temprana edad. Aunque asistió brevemente a la facultad de medicina, con la esperanza de convertirse en médico, el atractivo de la música resultó insuperable. Al salir de la escuela, González se mudó a La Habana para convertirse en músico a tiempo completo en 1941. Después de grabar con el influyente multinstrumentista Arsenio Rodríguez, González se unió a la Orquestra de los Hermanos, un grupo con el percusionista cubano Mongo Santamaría. Luego de un largo período en Panamá y Argentina, durante el cual trabajó con músicos de tango, regresó a La Habana y tocó con una serie de bandas de cabaret. A principios de la década de los 60, González se unió a la banda de Enrique Jorrín, permaneciendo con el grupo hasta la muerte de Jorrín. Aunque asumió el liderazgo de la banda, González se vio obligado, por artritis, a anunciar su retiro. Mantuvo una presencia discreta hasta 1996. Durante su regreso, sin embargo, González disfrutó de la fama que se le debía desde hacía mucho tiempo; lanzó dos álbumes en los Estados Unidos, incluido Introducing ... de 1997 y Chanchullo de 2000. El pianista octogenario falleció en diciembre de 2003 en su casa de La Habana, Cuba. _ Craig Harris (allmusic)

Más información relacionada
                                                                                
                                                                                    

Rubén González Con El Noneto Cubano De Jazz de Pucho Escalante - Sentimento (2000)

Temas:
01. Soplete
02. Serenata Para los Monos
03. Sancho
04. Ambrosio
05. Ciudad Oscura
06. Noneto
07. Moby Dick
08. De Que Te Quejas?
09. Zancudo
10. Que Infelicidad
11. Sentimiento
12. Fantoche 

Musicos:
Rubén González (Piano)
Pucho Escalante (Trombón)
Eddy Martínez (Trompeta)
Luis Toledo (Fliscorno, trompeta)
Braulio Hernández (Saxo tenor)
Osvaldo Urrutia (Saxo barítono)
Héctor Rodríguez (Contrabajo)
Salvador Almiral (Batería)
Oscar Valdés (Tumbadora)

Dirigido por, Productor– Leopoldo "Pucho" Escalante Preval

sábado, 25 de julio de 2015

David Sanchez - Melaza



En este álbum de titulación Melaza ("melaza" en Español), tenor y soprano saxofonista David Sánchez hace referencia a los campos de caña de azúcar de su natal Puerto Rico. Observando que las condiciones de trabajo inhumanas producción un producto de sabor dulce irónicamente, Sánchez establece un tono político, que hace más explícito por dedicar el disco a "la extensión de África, los pueblos indígenas de las Américas y la comunidad de Vieques para sus años de lucha por la paz. En consonancia con este mensaje seria, la música en el álbum, que extrae profundamente ritmos de Puerto Rico, posee una extraordinaria urgencia. Coproducida por Sánchez y Branford Marsalis (quien interpreta a tenor en epopeya de Sánchez "Canción del Cañaveral"), Melaza es accionado por banda de trabajo de Sánchez: Miguel Zenón el alto, Edsel Gómez en el piano, Hans Glawischnig en bajo, Antonio Sánchez en la batería y Pernell Saturnino en la percusión. Adam Cruz toca la batería en tres pistas; Héctor "Tito" Matos y William Cepeda aparecen como percusionistas de invitado. 


Cinco de las ocho pistas son originales de Sánchez; Estos incluyen el abridor contundente "Puerto San Juan," el majestuoso "Canto a Loíza," el maniaco "Centinela" y el astuto, que hace pivotar "Against Our Will". Solos de tenor de Sánchez nunca han sonado más intensas, y su banda, afilada por meses de presentaciones en vivo, es uno de los mejores. Bassist Glawischnig contribuye la viva y laberíntico "Orbitando," que ofrece Sánchez en soprano y percusión de un monstruo solitario por Saturnino. "El Ogro" de Zenón es otra canción de fuego y "Veja Esta Cançáo" de Milton Nascimento cierra el álbum en una nota romántica, con Sánchez y Gómez llegando a alturas líricas._ David R. Adler (allmusic)

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David Sanchez - Melaza (2000)

Temas:
01. Puerto San Juan  
02. Canto A Loiza  
03. El Ogro  
04. Canción Del Canaveral (Song Of The Sugar Cane Field) 
05. Orbitando  
06. Against Our Will  
07. Centinela  
08. Veja Esta Cançào

Musicos:
David Sánchez (tenor saxophone 1-4, 6, 8; soprano saxophone 5, 7)
Branford Marsalis (tenor saxophone 4)
Miguel Zenón (alto saxophone 1-7)
Edsel Gomez (piano)
Hans Glawischnig (bass)
Antonio Sánchez (drums 1, 3-6), Adam Cruz (drums 2, 7, 8)
Pernell Saturnino (congas, bata drum, udu drum, chekere, cowbell, percussion, barrels 2-8)
William Cepeda (barrels 2, 7)
Hector Tito Matos (panderos 1)

Grabado en el Music Hall Tarrytown, NY, el 11 a 14 febrero 2000
Mezclado por Rob "Wacko!" Hunter en Manhattan Center Studios, Nueva York, 12 a 16 abril 2000
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
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De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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