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sábado, 16 de noviembre de 2024

Red Garland - Rojo

Fue el padre de Red Garland, (13 de mayo de 1923, Dallas, Texas, Estados Unidos – Ibídem, 23 de abril de 1984), con 17 años quién le enseñó a tocar el clarinete sin que en su infancia demostrara alguna inclinación por la música. Su verdadera pasión era el boxeo. Tuvo de maestro musical a A. S. Jackson que tampoco supo sacar de él toda su valía. Mas tarde conoció a Buster Smith, y de ahí nació su afición al saxo alto. Sus lecciones con Buster dieron el fruto apetecido por sus padres y consiguió aprender música y a interpretar el blues. Fue en 1947, en su época de alistamiento en el Ejercito norteamericano, cuando empezó a tocar el piano escuchando atentamente los discos de Count Basie y Nat King Cole en los juke-boxes del cuartel.
Empezó a interesarse a fondo por el jazz y estudió a los pianista clásicos del swing, como James P. Johnson, Art Tatum, Teddy Wilson y Count Basie. Paralelamente su afición al boxeo le llevó a disputar algunos combates en el peso welter, donde llegó a disputar 31 combates. En 1944 obtuvo un contrato en el «Rose Room» de Dallas para tocar con la orquesta de quien fue su primer maestro, Buster Smith. Por recomendación de este, Garland fichó en el grupo de Hot Lips Page dando comienzo a partir de ese momento la meteórica carrera de Red Garland como pianista de jazz. Actuó en el Apollo de New York en 1945 y tras la disolución de la orquesta de Page se unió durante seis semanas a la de Billy Eckstine donde coincidió y entabló amistad con Charlie Parker, Dexter Gordon, Dizzy Gillespie y todos los músicos del bebop de aquella época.
Entre 1947 y 1949 fue el pianista del club «Down Beat» de Filadelfia y tuvo la fortuna de tocar en el quinteto liderado por Charlie Parker, con el trompetista, Fats Navarro, el saxofonista tenor, Ben Webster y también con John Coltrane. Su apodo de «Red» le vino como consecuencia de una temporada en la que estuvo con el pelo teñido de rojo. En 1949 es llamado por Coleman Hawkins para ocupar el puesto de pianista en su combo y en ese tiempo coincidió y toco con Lester Young.
En 1956 dejó a Coleman Hawkins y se trasladó a Boston con un contrato para tocar en los famosos clubes de aquella ciudad. «Storyville» y «Haig Hat». En junio de 1955, Miles Davis le invita a formar parte de su quinteto donde coincidió con John Coltrane, Paul Chambers, y Elvin Jones. Durante los cuatro años que Garland estuvo en el quinteto de Miles Davis, se grabaron algunas de las piezas mas representativas de la obra de Miles.
En 1959 decidió formar un trío cuando dejó el grupo de Miles Davis, pero su fracaso fue rotundo y no remontó el vuelo hasta 1966. Red Garland fue uno de los grandes pianistas del jazz de todas las épocas y uno de los grandes de ese instrumento en el jazz moderno._(apoloybaco)

El pianista Red Garland grabó frecuentemente con tríos para Prestige durante la segunda mitad de la década de 1950. En esta grabación (reeditada en CD), Garland, el bajista George Joyner y el batería Charlie Persip cuentan con la colaboración de Ray Barretto a las congas, y el énfasis se pone en el swing enérgico. Garland interpreta baladas como «We Kiss in a Shadow» y «You Better Go Now» a un ritmo más rápido de lo esperado. «Ralph J. Gleason Blues» y el aire latino de “Rojo” son algunos de los temas más destacados de este agradable disco._Scott Yanow (allmusic)
                                                                 
                                                                                 

The Red Garland Trio plus Ray Barretto - Rojo (1961-R2022)

Temas:
01. Rojo (Red Garland) 
02. We Kiss in a Shadow (Rodgers, Hammerstein II)  
03. Darling Je Vous Aime Beacoup (Anna Sosenko) 
04. Ralph J. Gleason Blues (Red Garland) 
05. You Better Go Now (Bickley Reichner, Irvin Graham)
06. Mr. Wonderful (Weiss, Bock, Holofcener) 

Musicos:
Red Garland (Piano)
George Joyner (Contrabajo)
Charlie Persip (Batería)
Ray Barretto (Congas en temas: #1, #3, #4, #6)

Grabado en Hackensack, Nueva Jersey (22 de agosto de 1958)

sábado, 9 de noviembre de 2024

Pat Thomas - Desafinado

Sorprendentemente, la cantante Pat Thomas está prácticamente olvidada, incluso como parte de la escena de la que fue, demasiado brevemente, un gran talento. En Chicago, donde nació y creció, era la cantante femenina más solicitada por los músicos locales y visitantes, que valoraban su forma de tratar las letras. Pat podría clasificarse como una vocalista de pop-jazz. Tenía un estilo directo y claro mezclado con una lectura sutil de la canción, un sonido vocal cálido, una entonación impecable y un sentimiento sincero del blues.

Tenía sólo 24 años cuando grabó la primera versión en inglés del éxito de la bossa nova, Desafinado, para Verve en 1962; publicado como single de debut con One Note Samba, le valió una nominación a los Grammy. Traspasado a MGM para su publicación, formó parte de Desafinado, el álbum que grabó ese año con algunos músicos notables, como Bud Shank, Laurindo Almeida, Mel Lewis y el arreglista Lalo Schifrin, además de la orquesta. Se vendió bien y dio lugar a un segundo álbum, Moody's Mood, al año siguiente, con orquestas arregladas por Claus Ogerman y varios otros. Con la participación de Johnny Hodges y Hank Jones en algunos temas, demostró que su registro era mucho mayor que su dominio del lenguaje brasileño y confirmó las cualidades de una artista aclamada como «una buena cantante en camino de convertirse en una gran cantante». De alguna manera, eso nunca se materializó; murió, sin ser anunciada, en marzo de 1992._(freshsoundrecords)
                                                                        
                                                                                

Pat Thomas - Desafinado (1962)

Temas:
01. Carnival
02. Desafinado (Slightly Out Of Tune)
03. Baia
04. One Note Samba
05. C'est Si Bon
06. Recado Bossa Nova
07. Could Be
08. I Wish You Love
09. Samba De Orfeu
10. Once Again
11. Soft Nights (E Luxo So)
12. To Welcome The Day

Musicos, en temas #01, #03, #04 y #10:
Pat Thomas (Voz)
Lalo Schifrin (Orquesta dirigida y arreglos)
Paul Horn (Flauta)
Laurindo Almeida (Guitarra)
Buddy Clark (Bajo)
Mel Lewis (Batería)
Frank Guerrero y Jack Del Rio (Percusión)
6 violines, 2 violas y 2 ​​violonchelos
Grabado en Los Ángeles, el 1 de octubre de 1962

Musicos, en temas #02, #05, #09, #11 y #12:
Pat Thomas (Voz)
Lalo Schifrin (Orquesta dirigida y arreglos)
Bud Shank (Flauta)
Laurindo Almeida y Al Hendrickson (Guitarras)
Buddy Clark (Bajo)
Mel Lewis (Batería)
Frank Flynn (Baquetas)
Frank Guerrero y Jack Del Rio (Percusión)
6 violines, 2 violas y 2 ​​violonchelos
Grabado en Los Ángeles, el 2 de octubre de 1962

sábado, 2 de noviembre de 2024

Virginia Guantanamera - A Mi Gusto y A Mi Aire

Virginia Guantanamera es una cantante y compositora cubana Internacional que sigue en la primera línea musical dando muestra evidente de la buena salud de la música cubana. 
Natural de Guantánamo,  Cuba, el mestizaje de Virginia marca notoriamente su influencia.Fuerza, energía, musicalidad, afinación, métrica, carácter, son algunos de los elementos que la caracterizan.Como un verdadero torbellino y un volcán de emociones es catalogada por la prensa Internacional. Con más de 40 años de vida artística y que se encuentran reflejados en su diversa Discografía.

A mi gusto y a mi aire es la nueva producción discográfica que promueve la popular cantante Virginia Orihuela, natural del municipio de Manuel Tames, pero radicada en España, que bajo el sello discográfico de la Empresa de Grabaciones y Ediciones Musicales (Egrem) fue lanzado este año, con la promesa de una gira nacional que empezará por la tierra del Guaso.
En entrevista con la prensa, la versátil intérprete precisó que pretende presentar el álbum por todo el archipiélago, para defenderlo en zonas abiertas y públicas como las plazas, bien cerquita de los bailadores.
El disco está integrado por 10 composiciones propias, una suerte de registro de las vivencias, apuntes de sentimientos, semblanzas y orígenes de la guantanamera, así lo reflejan temas como Intensa, inspirada en su hermana Martica; Un Robertico en tu vida, dedicada a su perro, y con un enfoque casi didáctico aparece A Guantánamo, que nos acerca a la historia del autóctono changüí, desde Chito Latamblé hasta Elio Revé.
Mientras, con otras propuestas como La rueda de la vida, Tu castigo, Fiesta del tambor, Ojalá que… Orihuela demuestra las potencialidades y madurez vocal como artista, que ha logrado colarse con éxito en el género de música popular bailable, por lo general, hegemonizado por los hombres.
Un “regalo musical apetecible”, así calificó Isaac Delgado la nueva propuesta musical, que además reconoce el timbre definido de la guantanamera, que conserva esa esencia del oriente cubano, y la distingue de forma particular.
El disco cuenta otra vez con la producción musical de Juan Manuel Ceruto, arreglista de todos los temas, que aplica en cada sencillo las sapiencias adquiridas durante trabajos anteriores con agrupaciones como NG La Banda y Opus 13.
A mi gusto es el segundo fonograma que saca Virginia bajo el sello de la Egrem, empresa que la acompañó el 2021 en la consumación del compacto Lo mejor de mí, en el que versionó 14 temas infantiles compuestos por Kiki Corona y que mereció el Premio de la Popularidad en el Cubadisco 2021.
Anteriormente, con Soy lo que soy, publicado junto a Unicornio, de Producciones Abdala, y también con los arreglos de Ceruto, Orihuela fue reconocida con el Premio Cubadisco, esta vez en la categoría de Música Tropical Variada durante el 2019._Dairon Martínez Tejeda (venceremos)
                                                                               
                                                                                

Virginia Guantanamera - A Mi Gusto y A Mi Aire (2023)

Temas:
01.  A Guantánamo 
02. Caminito Alegre 
03. Tu Castigo 
04. La Rueda De La Vida 
05. A Mi Gusto Y A Mi Aire 
06. Mi Changüí 
07.Un Robertico En Tu Vida 
08. Ojala Que 
09. La Intensa 
10. Fiesta Del Tambor 

Musicos:
Virginia "Guantanamera" Orihuela (Voz)
Lilibet Daly Jover (Voz Invitada #3)
Miguel Ángel "Wiwi" Garcia Femández (Piano)
Roberto Vázquez Ley (Bass y marimbula)
Roelvis Reyes Simonó (Drums) 
Aniel Tamayo Mestre (Timbal)
Tomás Ramos Ortiz (Congas y percusiones)
Leivy López Guibert (Bongo, campana)
Lázaro Antonio González y Kevin Kedir Peñalver (Trompeta y fllscomo)
Jorge Sergio Ramlrez (Sax barltono)
Juan Manuel Ceruto (Sax tenor, flauta y programación de guitarras y teclados)
César Hechevarrla Mustelier (Tres)
Ana Yadira Cabañas Campos, Rubén Rodrlguez Duconger,
Gabriel Rodrlguez, Duconger y Joaquln Garcla Mejlas (Coros)

Información cedida por Osvaldo M.

sábado, 26 de octubre de 2024

Spanish Harlem Orchestra - Imagenes Latinas

Cualquier álbum dedicado en parte a los difuntos hermanos González -Andy, cuyas líneas de bajo rebotaban con un profundo sabor latino, y su hermano Jerry, trompetista y percusionista con estilo- tiene un listón de oro que alcanzar, e Imágenes Latinas de la Spanish Harlem Orchestra lo consigue y mucho más. Cada una de las 11 pistas está impregnada de ritmos alegres, que requieren una gran disciplina para no saltar del asiento y dar unos pasos privados de salsa, mambo o chachachá. «Llego La Hispánica», compuesta y arreglada por el pianista Oscar Hernández (también productor del álbum) es un ejemplo febril de la manera que
tiene el conjunto de conjurar el ritmo de González, y esto se hace aún más evidente en “Mambo 2021”, donde la flauta de Jeremy Bosch se mezcla maravillosa y alternativamente con los licks del saxo barítono de Mitch Frohman. Las trompetas de Alex Norris y Manuel «Maneco» Ruiz contribuyen con interludios brillantes y chisporroteantes que llevan la canción a otro nivel de intensidad. Y luego el solo de piano de Hernández aumenta con gusto una pista que rebosa imágenes de un paseo veraniego por el este de Harlem. «Como Te Amo» ralentiza el ritmo, y la vocalización, a cargo de Marco Bermúdez, Carlos Cascante y Bosch, es tan armónica como los instrumentos._Herb Boyd (downbeat)
 

         
                                                                               

Spanish Harlem Orchestra - Imagenes Latinas (2022)

Temas:
01. Llegó la Hispánica
02. Imágenes Latinas
03. Vestido de Flores
04. De mi para tí
05. Romance Divino
06. Como te Amo
07. Mambo 2021
08. Sentimiento y Son
09. Cuando la Hispánica Toca
10. Mi Amor Sincero
11. La Música Latina

Musicos:
Oscar Hernández (Piano y director musical)
Marco Bermúdez (Voz y coro)
Carlos Cascante (Voz y coro)
Jeremy Bosch (Voz, coro, flauta)
Manuel "Maneco" Ruiz (Trompeta)
Alex Norris (Trompeta)
Doug Beavers (Trombón)
Juan Gabriel Lakunza (Trombón)
Mitch Frohman (Saxo barítono, flauta travesera)
Jerry Madera (Bajo)
Luisito Quintero (Timbales, maracas, güiro)
George Delgado (Congas)
Jorge González (Bongos)

sábado, 19 de octubre de 2024

Conrad Herwig - The Latin Side of Mingus

El trombonista de jazz neoyorquino Conrad Herwig está considerado uno de los músicos de jazz
más completos del mundo, tanto en el campo de la interpretación como en el de la enseñanza del jazz, además de contar con numerosos créditos como compositor y arreglista.  Hasta la fecha, ha publicado 20 grabaciones como líder, además de participar en cerca de 200 sesiones de grabación con algunos de los artistas más notables del jazz.  Ha tocado y grabado con Miles Davis, Joe Henderson, Eddie Palmieri, Tito Puente, Frank Sinatra, Joe Lovano y Tom Harrell, entre muchos otros.   
Nacido el 1 de noviembre de 1959 en Lawton (Oklahoma), Herwig forma parte del Salón de la Fama del Jazz de ese estado.  Pasó sus años de formación musical en Hawai bajo el aura del trombonista Trummy Young, icono del jazz, y se graduó en el Punahou High School. El talentoso trombonista estudió después en la Universidad del Norte de Texas, donde formó parte de la famosa One O'Clock Jazz Lab Band. Más adelante en su carrera completaría sus estudios en el Goddard College de Plainfield, Vermont, donde se licenció en etnomusicología afrocaribeña.  Los estudios formales de Herwig concluyeron con un máster en estudios de jazz en el Queens College, una rama de la City University de Nueva York..._(allaboutjazz)

El trombonista Conrad Herwig, miembro clave del grupo La Perfecta II de Eddie Palmieri desde principios de la década de 2000, así como antiguo y actual miembro de la Mingus Big Band, lleva realizando homenajes con temática de jazz latino a iconos del jazz desde The Latin Side of John Coltrane, nominado a los Grammy en 1996. Este homenaje a Charles Mingus, alimentado por la clave, combina dos aspectos paralelos de su extraordinaria carrera. Herwig, un técnico superior en su instrumento, que muestra en solos estelares en las interpretaciones salseadas de «Boogie Stop Shuffle», «Gunslinging Bird» y «Better Get Hit in Your Soul» de Mingus, también se beneficia enormemente de la apretada sección rítmica del pianista Bill O'Connell, el bajista Luques Curtis, el batería Robby Ameen y el conguero Camilo
Molina, que colectivamente impulsan estos temas con mucho fuego. Otros solos destacados incluyen el ataque de notas altas del trompetista Randy Brecker en «Boogie Stop Shuffle» y el intercambio a tres bandas sobre un groove de son montuno entre Herwig, Brecker y el saxofonista Craig Handy en una acelerada «Hora Decubitus». El trompetista habitual de la Mingus Big Band, Alex Sipiagin, también brilla en una versión cha cha cha de «Goodbye Pork Pie Hat» y en una hermosa versión bolero de «Duke Ellington's Sound of Love», en la que destaca su radiante fliscorno._(theabsolutesound)
   

                                                                                   

Conrad Herwig - The Latin Side of Mingus (2022)

Temas:
01. Gunslinging Bird (Arreglos-Conrad Herwig)
02. Boogie Stop Shuffle (Arreglos-Bill O'Connell)
03. No Dejes Que Pase Aqui (Don't Let It Happen Here) (Arreglos-Conrad Herwig, Howard Johnson)
04. Goodbye Pork Pie Hat (Arreglos-Bill O'Connell, Conrad Herwig)
05. Hora Decubitus (Arreglos-Conrad Herwig)
06. Duke Ellington's Sound Of Love (Arreglos-Marc Stasio)
07. All The Things You Could Be By Now If Sigmund Freud's Wife Was Your Mother (Arreglos- Bill O'Connell)
08. Better Get Hit In Your Soul (Arreglos-Bill O'Connell)

Musicos:
Conrad Herwig  (Trombón, lider)
Randy Brecker (Trompeta)
Alex Sipiagin (Trompeta, fliscorno #6)
Craig Handy (Saxo tenor #1,2,5-8, flauta #4, clarinete bajo #3)
Bill O'Connell (Piano, Fender Rhodes #6)
Luques Curtis (Bajo)
Robby Ameen (Batería)
Camilo Molina (Congas)
Ruben Blades (Narración #3)

Grabado en Trading 8s Recording Studio, Paramus, NJ.

sábado, 12 de octubre de 2024

David Virelles - Igbo Alakorin (The Singer's Grove), Vol. I & II

David Virelles nació en Cuba en 1983 y creció en Santiago. Su padre es José Aquiles, cantautor; su madre era flautista de la Sinfónica de Santiago de Cuba. Virelles comenzó sus estudios de piano clásico a los siete años y escuchó diversas formas de música cubana durante su infancia. Conoció a la música canadiense Jane Bunnett en Cuba y ella le invitó a Toronto. Con el tiempo, estudió en la Universidad de Toronto y en el Humber College. Virelles también grabó y realizó giras con Bunnett, incluso para su álbum Alma de Santiago, de 2001. Comenzó a comunicarse por correo electrónico y teléfono con Steve Coleman alrededor de 2006; el saxofonista le respondía detalladamente a preguntas sobre música.
Una beca del Consejo Canadiense de las Artes permitió a Virelles estudiar con Henry Threadgill en Nueva York. Virelles se trasladó a Nueva York de forma permanente en 2009 y pronto tocó con importantes figuras del jazz, como los saxofonistas Coleman, Chris Potter y Mark Turner.
Virelles formó parte de un trío en 2010, con el bajista Ben Street y el batería Andrew Cyrille, que tocaba música en gran parte improvisada. 
El pianista añadió más tarde a este grupo al percusionista Román Díaz. En 2011, Virelles tocó el piano preparado, la celesta y el armonio en el álbum de Potter The Sirens. Virelles hizo su debut como líder de ECM Records con el lanzamiento de 2014 Mbókò. El crítico de The Guardian informó que «Virelles explora antiguas músicas sagradas y rituales afrocubanas a través de fusiones imaginativas con materiales contemporáneos. Principalmente lo hace utilizando los dos bajos como drones, mezclando espaciosos ambientes de acordes con estallidos de sorprendente improvisación en un flujo de estilos, y centrando gran parte de la melodía en [los dos] bateristas"._(wikipedia)

Los oyentes -sencillos y sofisticados- que ya se han acostumbrado a la música de David Virelles pueden esperar que con cada grabación se amplíen los límites de la música que ha surgido de su herencia afrocubana, especialmente desde sus dos últimas grabaciones con músicos de jazz legendarios como Henry Threadgill y Steve Coleman. 
Con Igbó Alákorin The Singer's Grove Vol. I & II les espera, no una sorpresa, sino una conmoción; sorpresa porque con esta grabación el Sr. Virelles vuelve a los días de gloria de los trovadores (de hace al menos cien años) y sorpresa porque toca la música en el auténtico estilo que se tocaba entonces, a la gran manera de los músicos de Santiago de Cuba (u Oriente, como se llamaba antes de 1905), y de músicos como los de la Orquesta Chepín-Chovén (como nos cuenta en sus breves notas), una de las legendarias bandas afrocubanas de Cuba.
Sin embargo, aunque se trata de un nostálgico regreso a su propia herencia afrocubana, en la que nació y fue educado por su padre (y su madre), está lejos de ser sentimental y retrógrado, sino más bien una excursión musical a lo que hace que la música afrocubana -danzón, oriental, chepinsón, pregón, bolero y trova- sea tan mágica. Y aunque haya que esperar hasta "Sube la Loma, Compay" para que la disonancia angular emerja del pianismo del Sr. Virelles, es un viaje de ensueño en todo momento. En muchos aspectos, este viaje musical podría hacerse innumerables veces y cada una de ellas se sentirá como si fuera la primera vez, al igual que lo es escuchar los Lieder de Schubert o los de Mahler por primera vez, porque al igual que la canción clásica, esta música, que lleva siglos gestándose, está siempre fresca, sin duda como lo está en esta grabación.
La música también sitúa al joven Sr. Virelles en la envidiable compañía de sus antepasados, como Bebo y Chucho Valdés, por la deslumbrante sencillez tanto de su musicalidad como de su pianismo. En ningún momento se distrae al oyente con virtuosismos gratuitos. Cada nota y cada frase, con cada matiz acentuado, es un modelo de artesanía. Este único disco consta de dos volúmenes. El primero destaca la música interpretada en un entorno orquestal y presenta a los incomparables trovadores Emilio Despaigne Robert y Alejandro Almenares, que también se acompaña a sí mismo en el requinto, una guitarra única de Cuba, ambos evocan los días felices de los trovadores. El segundo volumen destaca al Sr. Virelles en un dúo con Rafael Ábalos, que le acompaña al güiro en una interpretación virtuosa que pone el listón a una nueva altura para ese instrumento.
Este repertorio consta de catorce canciones y, en conjunto, la grabación se desarrolla como la banda sonora de una película clásica en la que las imágenes aparecen como lienzos mojados que se funden unos con otros mientras la música fluye y refluye hasta su desenlace final. A lo largo de todo el disco, tanto si aparece con su instrumento como si toca en la sombra de los focos que iluminan a uno u otro vocalista o músico solista, el Sr. Virelles nos ofrece un testimonio estelar de su ingeniosa musicalidad, mientras nos quedamos hipnotizados no sólo por la belleza desnuda de esta música, sino también por el genio desenfrenado del joven pianista que está devolviéndole la vida eterna._ Raul Da Gama (latinjazznet)
                                                         


David Virelles - Igbo Alakorin (The Singer's Grove), Vol. I & II (2018)

Temas:
01. Bodas de Oro
02. El Rayaero 
03. Grato Recuerdo 
04. Echa Pa' Allá 
05. Canto a Oriente 
06. Un Granito de Arena 
07. Sube La Loma, Compay 
08. Cosas de Mi Cuba 
09. Ojos de Sirena 

10. Tápame Que Tengo Frío 
11. Tira la Cuchara y Rompe el Plato 
12. Mojito Criollo 
13. Mares y Arenas 
14. Tres Lindas Cubanas 

Musicos en Vol.I:
David Virelles (Piano, coros)
Alejandro Almenares (Requinto, voz en temas #3,#5,#8,#9, coros)
Emilio Despaigne Robert (Voz en temas #2,#7, coros)
Rafael Ábalos (Timbal, güiro, coros)
José Ángel Martínez (Bajo)
Lázaro Bandera (Congas)
Román Filiú (Saxo alto)
René «La Flor» Domínguez (Saxo tenor)
Baudelis Rodríguez (Saxo barítono)
Abel Virelles (Trompeta)
José Aquiles Virelles (Coros)
Gabriel Montero (Pailitas criollas, claves en temas#2,#7)
- con John Benitez (Bajo en temas #5,#8)

Musicos en Vol.II:
David Virelles (Piano)
Rafael Ábalos (Güiro)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
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De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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