El pianista y compositor de jazz contemporáneo David Benoit ha optado por renunciar a muchos de los tropos y métodos de trabajo que ha empleado durante los últimos 30 años en Heroes. En pocas palabras, este es un registro en homenaje a un selecto grupo de músicos que lo inspiraron y le mostraron un camino a seguir. Antes de comenzar con la música, vale la pena señalar que en su breve ensayo, Benoit explica que esta no es una lista completa, y señala a los que dejó por razones justificables, lo que es un buen detalle. La música que ha elegido se mantiene dentro de los parámetros del jazz contemporáneo, pero le da un enfoque más profundo al enfoque de Benoit en general. ¿Cuántas grabaciones hay donde verás melodías de las Puertas ubicadas junto a las de Clifton Davis, Horace Silver, Dave Brubeck, Dave Grusin, el pianista Bill Evans, los Beatles y los equipos de John Bettis y Steve Porcaro, así como Elton John y Bernie Taupin? Benoit ofrece una sola oración de explicación de por qué eligió ciertos cortes aquí, y todos ellos son ciertos, especialmente una vez que los toca.
La banda se desnuda un poco aquí. Benoit toca el piano y el sintetizador, David Hughes toca el bajo eléctrico y acústico, Jamey Tate toca la batería y Brad Dutz presta una mano adicional a la percusión. Andy Suzuki contribuye con sus saxofones alto y tenor en un par de lugares y, para la ayuda de los Beatles "She's Leaving Home", los miembros de la sección de cuerdas de Asia America Symphony. El tamaño básico de trío / cuarteto funciona de maravilla para la mayoría de estas melodías, y Benoit no busca desplazar a su audiencia aquí. La grabación se abre con el área de pop-jazz del fondo musical de Grusin con el maravillosamente articulado "Mountain Dance", seguido del clásico de Bettis-Porcaro "Human Nature": pistas que ejemplifican el género del jazz contemporáneo. El primero se toca directamente en un piano acústico, y el segundo en piano y sintetizador. Son lecturas efectivas, emocionales y profundamente resonantes de estas melodías. Desde aquí se adentra en el popular vernáculo. "Your Song" de Elton John oscila un poco, pero no hace la transición del pop al jazz. El arreglo se siente un poco forzado, pero es agradable. "Light My Fire" hace la transición, y en espadas. La discreta y matizada atención que Benoit le presta a la melodía; Su mano izquierda que agrega un ritmo latino brillante, subrayado con autoridad por la percusión de la mano de Dutz, agrega profundidad y presencia. También es moderno que Benoit cita otras melodías de Doors en el solo. Es difícil arruinar una melodía como "Never Can Say Goodbye", y el pianismo ágil y elegante que muestra Benoit retiene el alma y el romance al tiempo que permite una paleta armónica elegante y sombría que trae las nociones más suaves de la línea lírica. Aquí nuevamente, los tambores de mano agregan algo de peso a la parte inferior y mantienen un ligero borde funky.
"Ella está dejando el hogar", es ciertamente exuberante, pero también sufre un poco de un acuerdo excesivamente tenso. Las últimas cinco melodías, incluyendo una original, son del libro de jazz, que comienza con el estándar "Song for My Father". Benoit afirma que esta fue la primera melodía de jazz que aprendió de oído. Se juega funky y apretado, y su ranura está en el bolsillo. El piano cristalino es un poco chocante, pero la ejecución y la sensación son impecables. El estándar "You Looks So Good to Me" se incluye como un homenaje a Oscar Peterson. Contiene poco de su fuego y se siente como una elegía, pero es una lectura interesante y cambia una vez que se pone en marcha. La melodía más larga aquí es "Waltz for Debbie" de Bill Evans. Benoit se adapta bien a los elementos melódicos con nudos en el estilo de composición de Evans, pero no tiene el mismo alcance armónico. En su lugar, elige un enfoque casi clásico en la introducción de la melodía, pero de alguna manera funciona a la perfección, así que cuando irrumpe en el cuerpo principal, Benoit tiene su ritmo y se revienta. "A Twisted Little Etude" se escribió a sí mismo como un tributo a Brubeck, aunque utiliza voces gnarly de acordes y armónicos densos del objeto como una forma de decir "gracias". El corte final es, por supuesto, "Blue Rondo à la Turk", de Brubeck. Es muy rápido, y el tuyo alto de Suzuki se siente fuera de lugar, no porque no tenga el blues abajo, sino porque su sonido es demasiado crudo como para adaptarse adecuadamente al arreglo, especialmente cuando recuerda la forma seca y cálida de Paul Desmond en la original. Sin embargo, estas son pequeñas quejas, y Benoit ha hecho un disco que está cerca de su corazón y es una adición bienvenida a su catálogo: es una oferta musicalmente sofisticada que es un verdadero placer escuchar._Thom Jurek (allmusic)
David Benoit - Heroes (2008) Temas: 01.Mountain Dance 02.Human Nature 03.Your Song 04.Light My Fire 05.Never Can Say Goodbye 06.She's Leaving Home 07.Song for My Father 08.You Look Good to Me 09.Waltz for Debbie 10.A Twisted Little Etude 11.Blue Rondo à la Turk Musicos: David Benoit-Synthesizer, Piano, Arranger, Conductor, Producer David "Sparky" Hughes-Bass (Electric), Bass (Acoustic) Jamey Tate-Drums Brad Dutz-Percussion Musicos invitados: Yun Tang-Violin, Concert Master Andy Suzuki-Sax (Alto), Sax (Tenor) John Wang-Viola Cathy Biagini-Cello
Enrique Bonne ha desarrollado a lo largo de su vida una intensa labor como compositor, además de desempeñarse como un activo promotor cultural en su natal Santiago de Cuba, donde organizó en 1961 el conjunto de percusión Tambores de Bonne, que vino a jugar un papel muy destacado en las festividades de la región y en particular dentro del carnaval santiaguero. Figuras como Pacho Alonso, Fernando Álvarez, las orquestas Aragón, Original de Manzanillo y Estrellas Cubanas, han convertido en éxitos muchos de sus temas entre los que sobresalen los títulos Yo no quiero piedra en mi camino, Dame la mano, Yo no me lo robé vigilante, A cualquiera se le muere un tío y Que me digan feo, los cuales han pasado a formar parte del repertorio antológico de nuestro país, apareciendo recogidos en el presente álbum a partir de grabaciones realizadas entre los años 1960 y 2001, las cuales fueron objeto de un excelente trabajo de masterización realizado por el ingeniero Jerzy Belc, quien logró pulir al máximo las diferencias de sonido que impone un período tan amplio de tiempo. Dentro del elenco participante en este disco cobra especial significación la presencia de su hijo Angel Bonne, quien se ha dado a la tarea de mantener presente en su discografía la obra de Enrique, destacándose la versión que logran juntos de Pepe Cabecita, un opening insuperable dentro de esta producción. Homenaje a Enrique Bonne (2007) Temas: 01.Pepe Cabecita (2001) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Angel Bonne y su Orquesta Invitado: Enrique Bonne 02.Yo no quiero piedra en mi camino (1960) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Pacho Alonso / Orquesta de Bebo Valdés 03.Alguien como tú (1975) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Fernando Alvarez Dirección de orquesta: Germán Piferrer 04.El que no haya pecado que tenga cuidado (1964) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Estrellas Cubanas Dirección de orquesta: Félix Reina 05.Billy the Kid (1961) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Pacho Alonso / Orquesta de Juanito Márquez 06.Página 70 (1994) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Trío Ensueño 07.Yo no me lo robé Vigilante (1967) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Orquesta Aragón Dirección de orquesta: Rafael Lay 08.Si me faltara el carnaval (1967) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Ajo y su Órgano Oriental 09.Manigueta (1994) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Orquesta Original de Manzanillo Dirección de orquesta: Wilfredo Naranjo Jr. 10.Baila José Ramón (1964) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Pacho Alonso / Los Bocucos 11.Poco a poco (1993) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Fernando Alvarez y su Orquesta 12.Dame la mano (1998) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Angel Bonne y su Orquesta 13.Perdone usted (1994) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Trío Ensueño 14.Pilón a nivel de mambo (1970) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Orquesta Los Taínos 15.Se tambalea (1960) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Pacho Alonso / Orquesta de Bebo Valdés 16.Cada noche que estés sola (1994) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Trío Los Audaces 17.A cualquiera se le muere un tío (1961) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Pacho Alonso / Los Bocucos 18.Que me digan feo (1961) Autor: Enrique Bonne Intérprete: Pacho Alonso / Los Bocucos 19.Usted volverá a pasar (1995). Bonus track Autor: Enrique Bonne Intérprete: Angel Bonne y su Orquesta
Atcheré es un grupo que nace de la unión de siete músicos procedentes de diferentes estilos, (Salsa, Jazz, Rock, etc.) combinación que ha desembocado en la fusión conocida como Jazz Latino. Esta influencia tan dispar que aportan cada uno de los músicos que integran este grupo ha propiciado que su música suene de forma personal, o lo que podría denominarse sonido Atcheré. Esto no pasa desapercibido y comienzan una andadura musical llena de actuaciones de todos los locales de Tenerife, más tarde son llamados para su participación en el FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DE CANARIAS 98, compartiendo cartel con el americano Bill Evans & Push, en el Puerto de la Cruz. El 7 de agosto de ese año actúan en el Festival de verano de Tenerife JAZZ & SOUL TFE. 98 junto a La Ferretería y Ghandara. En 1999 la música de Atcheré hacen que los locales llenen su aforo, motivando que los periódicos hablen de la banda como “una formación homogénea con grandes dosis latinas y connotaciones clásicas y jazzísticas que hacen que su música sea de gran calidad, con un rítmo muy caliente, pero a la vez muy elegante”. También en el 99 participaron en el BIG BAND FESTIVAL, organizado por Cajacanarias, en el que dieron un gran recital. Todos estos acontecimientos y la fama que el grupo adquiere de forma natural les llevan a participar de nuevo en el FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DE CANARIAS 2000, en el que comparten cartel con Chuck Loeb Band. En este año comienzan la grabación de su disco “Amanece” en los estudios de Crater Sound. En él incluyen además de sus propios temas, varias versiones de clásicos del jazz como el Watermelon Man de Herbie Hancock entre otros. En Marzo del 2001 presentan en el CICCA en Las Palmas de Gran Canaria su nuevo disco y el 25 de abril del mismo año lo presentan en Cajacanarias en S/C de Tenerife, iniciando así una gira por diferentes escenarios del archipiélago. En abril del 2002 son requeridos para impartir un curso de jazz latino en la especialidad de música, organizado por la facultad de magisterio de la Universidad de La Laguna. De todas las actuaciones a lo largo de este año cabe destacar la realizada junto a Giraldo Piloto componente de Climax, en la que son invitados a participar en el Festival Internacional de la Habana “Jazz Plaza”. En este año comienzan a preparar su siguiente trabajo discográfico con nuevos temas propios y versiones adaptadas de Christian Mc Bride, The Brand New Heaves, Herbie Hanckock, Sonny Rollins, Michel Camilo, etc., en la que fusionan flamenco, jazz, funky, etc. sin perder la esencia latina que caracteriza al grupo. Actualmente Atcheré, un grupo consolidado desde 1996, cuyos componentes colaboran en los diferentes trabajos discográficos de artistas como Arístides Moreno, Mayelin, Los Sabandeños, Braulio, José Manuel Ramos, Benito Cabrera, Jose Antonio Ramos, Climax, etc.~(Atcheré)
Atcheré - Menjunje (2005) Temas: 01.Songo Pa Heliena 02.James 03.Para Benny 04.Oleo 05.Lilli 06.In a Hurry 07.Que Voy a Hacer 08.Homenaje al Mambo 09.Bilongo Musicos: Luis Ramirez-voz y percusión Samuel Labrador-teclados Manuel Angel Lorenzo-trompeta Jordi Arocha-percusión Fede Beuster-bateria Carlos Perdomo-Babby Bass y Bajo Fernando Barrios-saxos Información cedida por Candela
El baile de Diablos es una de las tradiciones más arraigadas inicialmente en Catalunya, yposteriormente al País Valenciano y a las Islas Baleares. Actualmente, su participación en los pasacalles, en las procesiones y en los correfocs se han convertido en una parte esencial de las fiestas mayores de muchos pueblos y ciudades.
El origen de los bailes hablados es incierto y arriesgado de precisar, pero parece que deriva del teatro medieval de calle. Básicamente, la vía de transmisión del baile popular (bailes hablados o con parlamentos, danzas, etc.) ha sido la vía oral, es lógico que en este traspaso hayan llegado alterados respeto a su versión original.
La primera noticia escrita sobre un Baile de Diablos, según Joan Amades, fecha del año 1150 con motivo del casamiento del conde de Barcelona, Ramon Berenguer IV con Peronella de Aragón. Posteriormente, entre los siglos XIV y XV, ya encontramos importante documentación de la participación de los Diablos en diferentes celebraciones a poblaciones como Cervera, Tarragona, Reus, Igualada, El Vendrell, Vilafranca, Vilanova, etc.
Con respecto al baile de diablos, pese a que se lo reconoce popularmente como "baile", hace falta considerarlo un entremés puesto que este tipo de actuación se hacía entre plato y plato en los ágapes de la nobleza a la edad mediana. Pertenezco a aquellos bailes que se denominan "hablados", todos ellos con un contenido dramatúrgic.
La síntesis del baile de diablos es una representación teatral de la lucha del Bien contra el Mal. Su contexto escénico también fue utilizado, principalmente por las fiestas de Corpus, a las procesiones eclesiásticas como acompañamiento por dar un aspecto más ceremonioso y espectacular. Los diablos, diablots o demonios desfilaban adalides a la comitiva por anunciar su llegada con barullos de toda clase. De forma estrepitosa y ruidosa apartaban el público asistente abriendo paso a la procesión. A la Patum de Berga, por ejemplo, el baile de diablos pervive en el que ahora se denomina Salto de mazas. Demonios en un baile de diablos.
De todas maneras encontramos la figura del diablo o diablot en el origen de todos los bailes hablados. Es un personaje que no tiene que ver con la obra que se representa, pero que se pone de por medio y da risa con sus piruetas. Al final de la obra dice unos versots satíricos relacionados con la vida política o pública de la población dónde se representa, y que todo el mundo espera con deleite.
Este podría haber sido el origen del baile de diablos. Partiendo de un personaje que cada vez tomó más protagonismo y que llegó a superar la expectativa de la obra original, quedó la parte del diablo como la más popular. La primera noticia escrita sobre un baile de diablos, según Joan Amades, fecha del año 1150. El acto va ser representado en el banquete del casamiento del conde de Barcelona, Ramon Berenguer IV con princesa Peronella, hija del rey de Aragón. La crónica nos dice que representaba la lucha de unos demonios, dirigidos por Lucifer, contra el Arcàngel SanSanto Miquel y una pandilla de ángeles.
La segunda referencia escrita que conocemos, citada en el Libro de Solemnidades de Barcelona, es por las fiestas de 1423 rememorando la venida en Barcelona del rey Alfons V de Aragón, procedente de Nápoles. También en Cervera participan los diablos por las fiestas de Corpus del año 1426. Otro golpe en Barcelona, con motivo de la llegada del duque de Calàbria el septiembre de 1467, se organizan unas fiestas dónde los diablos también fueron presentes.
A principios del siglo XV, a las procesiones del Corpus de Barcelona se clausuraba la comitiva con un entremés, formado por una pandilla de ángeles y otra de diablos...Más información
La Noche del fuego de la Barceloneta (L'Ostia) es una de las verbenas más consolidadas de los barrios de la ciudad. Su proximidad con la zona de playas han hecho que últimamente sea uno de los eventos con más asistencia de público. La fiesta llega de la mano del Sol y la Luna con un Pasacalle y fuegos de artificio. Después acostumbra a haber verbena y baile de diablos.
José "Cheo" Marquetti (4 de abril de 1909, Alquízar, Cuba - 29 de marzo de 1967, La Habana, Cuba) fue un cantante cubano importante, pero poco apreciada (reginero y sonero) y compositor en el estilo de la guajira-son. Comenzó su carrera a finales de 1930 como cantante de danzons con la Orquesta de Belén Puig, así como Conjunto Ernesto Muñoz. Entonces se unió a una serie de septetos, entre ellos Septeto Cauto, liderado por Mozo 'Manuel' Borgella con quien por vez primera en 1940, seguido por Septeto Hatuey, Septeto Fachenda y el famoso Septeto Habanero. En un esfuerzo por lograr un reconocimiento más amplio que salió de Cuba a México a mediados de los años cuarenta. Un gran éxito, regresó en 1953. De regreso en La Habana se incorporó Orquesta Sensación, dirigida por Rolando Valdez (para reemplazar brevemente el mucho más famoso sonero Abelardo Barroso). Este compromiso fue seguido por temporadas temporal en un grupo cuya fama sobrevive hoy en día, Y Sus Estrellas Chappottín, cuyos miembros en la cima de su éxito y la fama fueron Félix Chappottín, Miguelito Cuni, René Alvarez y Lili 'Luis Martínez, así como Marquetti. Entre 1955 y 1957 tuvo su propio conjunto con el que grabó un par de discos para el la Panart y etiquetas Egrem. En 1957 viajó a Venezuela ya su regreso se reincorporó a la Orquesta Sensación. En 1958 dejó el grupo y formó otro conjunto de más grabaciones. En 1961 se disolvió su grupo para ir a Panamá. Regresó a La Habana en 1963. Después de su regreso fue un colaborador ocasional a Grupo Tutankamen. Murió, casi olvidada, en 1967 a la edad relativamente joven de 57 años. Su primo, Luis Marquetti, fue un famoso compositor, responsable, entre otras, la clásica canción de Deuda. Cheo Marquetti cantante es un verdadero "cantante" con una voz hermosa lírica y expresiva. vocalistas y músicos contemporáneos como Henry Fiol que cuente como una gran influencia. A pocas recopilaciones de grabaciones en solitario Cheo Marquetti han sido recientemente reeditado.~(wikipedia)
Cheo Marquetti - Patria Querida (1959) Temas: 01. Patria Querida 02. Quatro Paredes 03. Si Te Gusta Mi Montuno 04. En Un Final Me Importa Poco 05. Pa' La Loma 06. Yenyere Becun 07. Guantanamo, Ciudad Jardin 08. Añoranza Lejana 09. La Reina Del Guaguanco 10. Dejame Que Yo Te Diga 11. Empezo La Molienda 12. Come Platano Burro
El trío de Carles Benavent, Tino Di Geraldo y Jorge Pardo apareció como continuación del anterior grupo de Jorge Pardo y Carles Benavent, el sexteto que hizo historia en el nuevo flamenco y que cumplió su ciclo en el verano del 98 con una apoteósica gira por los más importantes festivales de jazz que los llevó desde Vitoria a Montreal. En aquel sexteto -éste es un riguroso hecho histórico- empezó a desarrollarse la improvisación sobre el soporte de la más rigurosa rítmica flamenca, con una actitud jazzística y basándose en las composiciones de Pardo y Benavent contenidas en sus anteriores discos. Con la llegada de Tino se formó este magistral trío, compuesto por tres auténticos maestros de la fusión del flamenco y el jazz. El Concierto de Sevilla, fue el primer testimonio sonoro editado. Un disco que se grabó durante los dos conciertos realizados en el Teatro Central de Sevilla e Diciembre de 1999. Una extraordinaria fusión entre el jazz, el flamenco y la música mediterránea, donde juntos repasaban temas de sus carreras discográficas. Sin Precedentes es el título elegido para el segundo disco, donde se recogen composiciones originales de Benavent, Di Geraldo y Pardo. En este nuevo trabajo, ‘El trío’ prosigue viaje... a su ritmo. Casi una década se han tomado Jorge Pardo, Carles Benavent y Tino di Geraldo para volver al ruedo discográfico. El saxofonista, el bajista y el batería hacen, según Jorge, “una puesta al día de la propuesta” que, hasta ahora, sólo se había plasmado en ‘El directo de Sevilla’. La evidente diferencia con aquel primer álbum es el trabajo en estudio. Como dice Tino, “en el laboratorio aprietas al máximo”. Tanto, que hasta ellos mismos han quedado sorprendidos por aspectos como el “sonidazo” y las “ocurrencias”. Para Carles es “un disco para escuchárselo muchas veces”. Para Jorge, “un disco sin precedentes... en la historia”...Más información Más información relacionada
Carles Benavent, Tino Di Geraldo, Jorge Pardo-Sin Precedentes (2008) Temas: 01.Fandango 02.Maid Mariam 03.Mi Carmen 04.El tiempo vuela 05.Cora Cora 06.Ahora 07.Diego 08.Sujétame…que la mato Musicos: Carles Benavent-Bajo Tino Di Geraldo-Batería Jorge Pardo-Flauta, Saxofón
Nacido en La Habana el 17 de diciembre (San Lázaro) 1940, Lázaro Valdés inicia sus clases de piano con los miembros de su ya prestigiosa familia: su padre, Oscar Valdés y sus tíos y Vincentico Alfredito Valdés. Como niño su primer concierto fue el "Claire de Luna" de Beethoven, realizado en el Anfiteatro de Marianao. A los 18 años, Lázaro comienza su carrera profesional con Benny Moré y su Banda Gigante, en 1958, participando en muchos éxitos: "Que Solo Las Mujeres Acaricien Tu Cara", "Dolor y Perdón", Cuando uno Llegué Varadero ", Se Te Cayó el Tabaco", Rezo en la Noche "y" Guantanamera ". Después de la muerte del Gran Sonero Lázaro continúa como director de la banda hasta 1966. Lázaro entonces trabaja con varias orquestas cubanas conocidas: Casino de la Playa, Orquesta Riverside, Sabor a Cuba, Conjunto Niño Rivera y el Teatro Martí de la Orquesta bajo la dirección de Rodrigo Prats. Más tarde, lanza su primer grupo "Te Con E" en 1972 y hace su premier en el Cabaret Tropicana de Cuba junto a divas Elena Bourke y Omara Portuondo. De 1995-97 es director musical del Cabaret Parisien en el Hotel Nacional de La Habana. Su giras internacional incluyen: Alemania, Angola, Mongolia, Italia, Perú, Canadá, Martinica, México, Japón, Hungría, Rumania, Rusia, Panamá, España y Tailandia. Un reconocido profesor y conferenciante, Lázaro tiene varios premios internacionales en Cuba y otros países. Ha dictado conferencias en muchas universidades alrededor de las raíces y orígenes del Son Cubano y el Nacimiento de Ragtime en Cuba. A partir de 2003, Lázaro Valdés ha estado trabajando con su quinteto SON JAZZ. Su potente sonido complete una fusión del Son, Timba y Jazz con el Danzón, Contradanza y la música clásica, con virtuosismo y originalidad. Ha tocado en todos los Festivales Internacionales de Jazz Plaza y recientemente en el Festival de 2006 Huan Hin, en Tailandia. Lázaro Valdés y su Grupo TE con E - Bailando el Son (1982)
Temas: 01. AHora Soy Tan Feliz - Hector Tellez 02. Dulce Embeleso - Hector Tellez 03. Amarnos De Verdad - Hector Tellez 04. Tin Marin - Amelis 05. Que No Me Cambie La Emisora - Juan Carlos 06. El Bobo De La Yuca - Amelis 07. Son De La Loma - Elena Burke 08. Dejame Olvidarte - Elena Burke 09. Tu Eres Un Barco - Elena Burke 10. Acariciarse Tambien Las Espinas - Elena Burke 11. Rica Pulpa - Elena Burke 12. Chicharritas Y Chicharrones - Juan Carlos Iformación cedida porOsvaldo M.
Una grabación en vivo de una ceremonia de Palo, en La Habana, Cuba, la incorporación de cajones, cajas de madera de sonido como instrumentos de percusión. En esta grabación, se oye sólo dos cajones y una Guataca. Cuanto más grande, profundo cajón suena lleva el ritmo básico que implica golpes bajos, mientras que los más pequeños, mayor improvisa cajón lanzó encima de él. Este concepto de un solo de tambor más agudo es tomado de la Rumba en el quinto. En todos los otros países africanos y afro-cubana tambores estilos, incluyendo Palo Congo, suele ser el instrumento grande, profundo sonido que tiene la función solos.
Religious Music Of Palo Monte - A Cajon Ceremony (2002) Tema 1: Es la apertura musical de la ceremonia, curiosamente una invocación de tres Orishas (deidades yoruba) conocida como guerreros tres ("los tres guerreros") por los nombres de Elegguá, Ogún y Ochosi, que tradicionalmente se saludaron por primera vez en todos los bembé o toque de santo (lukumí tambores ceremonia) para abrir el camino para un ritual exitoso y sin molestias. Tema 2: Contiene dos rezos himno ("oraciones"): "Lube-Lube" y "Erisi Balande", los cuales resultan ser mencionado por el musicólogo cubano Fernando Ortiz en su libro publicado 1950 "La Africania de la Música Folklórica de Cuba" . Ortiz atribuye la primera canción a la tradición Briyumba, el segundo a la liturgia Kimbisa. Notificación de la percusión "ruido" en el canto, que de alguna manera me recuerda el concepto de tiempo de la estadounidense American Free Jazz 1960ies.
Tema 3 - Tema 11: Las secuencias de varias canciones de la tradición de Palo, cantada en un lenguaje del Congo, a menudo entrelazados con las palabras y frases en español. Uno de los cantos ("Oko Kala") pertenece al repertorio lukumí para el Orisha Ogún, que es la deidad de la guerra y patrón de los herreros, y se corresponde con el espíritu llamado Sarabanda congoleño. La mayoría de las canciones es en 6/8-meter, acompañado de un patrón de campana que se puede escuchar en casi todas partes del continente africano, y que se juega en varios estilos de la música afro-caribeña y la música afro-brasileña. Este patrón ha sido identificado como la abuela de la cubana Clave. La única excepción son las canciones delo tema 6, que se encuentran en metro binario, basado en un modelo de cinco notas rítmicas denominada cinquillo. La mayoría del material presentado en estas pistas se juega en un tempo muy rápido. Esto es típico de la música de Palo y de la danza de Palo, que pueden ser especialmente enérgico y físicamente agotador. posesión Trance puede ocurrir, similar a las ceremonias de santería. Sin embargo, un espíritu Palo sólo posee la cabeza del individuo, mientras que un Orisha se incorpora en todo el cuerpo del iniciado. En Palo, la persona también puede llegar a ser poseído por el espíritu de la prenda (nganga), el caldero mágico de gran alcance del sacerdote Palo. Tema 8: asistimos al cambio de la cantante. La última canción del tema 11 es muy probablemente tomada de la liturgia católica. Esta canción, además de la apertura a los Guerreros tres, da una indicación de que el caso documentado en este CD sea del Santo Cristo Kimbisa o por lo menos en una ceremonia Briyumba.~Thomas Altmann
Caridad Hierrezuelo (El Caney, 1924 – Havana, 6 February 2009) . Hija de un destacado tresero y cantante, y una madre que también vocalizaba lo mejor de la trova, y con diez hermanos, entre los cuales Lorenzo Hierrezuelo (el Compadre) y Reynaldo Hierrezuelo (Rey Caney) ayudaron a inscribir el apellido Hierrezuelo en la gran dinastía de nuestra música, Caridad también descolló en otros géneros, por lo que también fue conocida como La Guarachera de Oriente, gracias a su personal versión de Guarapo, pimienta y sal, de la autoría de Reynaldo, entre otros muchos temas que convirtió en éxitos. Afincada en Santiago, Caridad fue reclamada para actuar en estelares espacios de la radio y la televisión, así como en nuestros más importantes centros nocturnos y eventos de la música, como fue el caso del Festival de la Canción en Varadero. Durante más de 50 años estuvo vinculada a orquestas y conjuntos de primera línea como Los Taínos de Mayarí, Rumbavana y el maravilloso Conjunto Caney. Además de actuar varias veces con la Vieja Trova Santiaguera, Caridad cantó con Ibrahim Ferrer y Eliades Ochoa, y recordaba con gratitud el trabajo que hizo con Manolito Simonet. Este grabó su CD Como yo quería, uno de los mejores de su discografía. A partir del 2001 y gracias a la gestión del disquero español Antonio Martínez, radicado en Alemania, y quien bien conocía de su valía, Caridad centralizó el Festival Son de Cuba, el cual fue acogido por exigentes salas de Europa. Esto fue también comprobado por nuestro público, cuando en el 2004, en la jornada inicial de la Feria Cubadisco el espectáculo fue presentado en el Teatro América. Junto al cariño y admiración de su pueblo, Caridad Hierrezuelo recibió importantes reconocimientos, entre ellos la Distinción por la Cultura Nacional otorgada por el Ministerio de Cultura.~soncubano.com
Caridad Hierrezuelo - Con Sabor (2000) Temas: 01.Hechizo Antillano 02.Maracaibo Oriental 03.Con Sabor 04.Mata Siguaraya 05.El Compositor No Se Equivoc 06.Quiero Hablar Contigo 07.Saoco 08.Cuba Conga 09.Macumba 10.Sabor a Caney 11.Guarapo, Pimienta y Sal 12.Anoche Aprendi 13.Babal
Hovedøen Social Club & Kringkastingsorkesteret (KORK) in concert from Store Studio NRK, Oslo Sverre Indris Joner - piano & arrangements, Carlos del Puerto - bass, Eduardo Cedeño - congas, Tony Moreaux Charon - drums/timbales, Jose Alberto Varona - trumpet, Sergio Gonzalez - guiro, conductor- Lars Erik Gudim, concertmaster - Frode Larsen.
Una introducción útil a la música de Xavier Cugat, esta compilación Era Vida se centra en los años 1935-1946. El material es anterior a las grabaciones Cugat glitzier salón desde la década de 1950 y 60, con ejemplos de libros de texto de rumbas, tangos, congas, boleros, sambas y. Estos encanto pasado de moda "exótica" interpretaciones se mezclan la música tradicional de baile latino de América del Norte con la sensibilidad pop estadounidense, usando un conjunto atractivo de guitarras, flautas, cañas, violines, acordeón sanguíneo, y la marimba meliflua. "La dama de rojo", una rumba registrado 01 de abril 1935, fue la inspiración para la entrega swing famoso Louis Prima, encerado, el 17 de ese año con Pee Wee Russell clarinetista de mayo. Además de la voz más o menos auténticos por Chacha Aguilar, la Chata, Alfredo Valdez, y la esposa de Cugat, Carmen Castillo, esta muestra cuenta con Bing Crosby, Dinah Shore, Don Reid, Romay Lena, Buddy Clark, y Ray Leah. La gama de material es perfectamente representativa del repertorio estándar Cugat, desde suavemente romántico y cursi kicky. ~ Arwulf arwulf, All Music Guide Más información relacionada Xavier Cugat -South America Take It Away (1997) Temas: 01.Lady in Red, The 02.Jalousie (Jealousy) 03.Estrellita 04.Ahi, Viene la Conga (Here Comes the Conga) 05.Golondrina, La (The Swallow) 06.Cielito Lindo (Lovely Sky) 07.Paloma, La (The Dove) 08.Night Must Fall 09.Perfidia (Tonight) 10.Yours (Quiereme Mucho) 11.La Cumparsita 12.Jungle Drums 13.The Breeze and I 14.Frenesi (Frenzy) 15.Green Eyes 16.I, Yi, Yi, Yi, Yi (I Like You Very Much) 17.Brazil 18.Tico Tico 19.Siboney 20.Baia 21.Hasta Manana (Until Tomorrow) 22.You Belong to My Heart 23.No Can Do 24.South America, Take It Away! Xavier Cugat-Dirección musical Voces: Lena Romay Don Reid Buddy Clark Chacha Aguilar Alfredo Valdez Carmen Castillo Bing Crosby Dinah Shore
Producción discografica de la decada del 60 realizada en la Habana, Cuba con arreglos de "Chico" O´Farril, Rene Hernandez y Rafael Sonavilla para el sello Felsted.
Acerca de Antobal: Director de orquesta. Cienfuegos, de abril de 1890-USA, 1966. Eusebio Santiago Aspiazu, hermano de Don Aspiazu, hizo estudios regulares en Estados Unidos. Al parecer, su padre era un político local vinculado con el Presidente Menocal, y fue objeto de una famosa conga pre-electoral del Partido Liberal contrario: "Aé, aé, aé la Chambelona/ Aspiazu me dio botella/ y yo voté por Varona".(Botella = puesto laboral donde no se trabaja y se cobra un salario). En 1922 Antobal está en Nueva York y se relaciona con la cantante y bailarina Marion Sunhine, con la cual casa. Viaja a Cuba y de ahí marcha a París, donde en circunstancias que nunca se han aclarado, toma la dirección de la Orquesta de su hermano, Don Aspiazu. Más tarde fundó su propia orquesta, donde tuvo una actuación destacada su esposa Marion. Hacen grabaciones en 1932 en Estados unidos. "La orquesta siguió la misma trayectoria que había seguido la de Don Azpiazu: mientras el primer número que tuvo éxito de esta orquesta era un son lento cantado por Antonio Machín, El Manisero, las grabaciones posteriores introducen cantantes en inglés, o se hace que Machín cante en inglés; los números son muchas veces mixtos de música cubana con el fox-trot en boga en aquellos momentos, o sea, empiezan como son y terminan como fox, o viceversa. El propósito era evidente: crear una banda, un estilo, que interesara al público norteamericano. Pero ni Azpiazu, ni Antobal, lograron encontrar la fórmula perfecta de los dos ingredientes, música latina y sajona, capaz de interesar a los sajones. Eso lo lograría Xavier Cugat".(Díaz Ayala) Con la orquesta de Antobal trabajaron numeroso vocalistas latinos, como Panchito Riset, Antonio Machín y Alfredito Valdés, así como músicos de la isla de la calidad del flautista Alberto Socarrás, Julio Brito. Obdulio Morales hizo algunos arreglos para esta orquesta, y la condujo para algunas grabaciones. También contó con arreglos de Peruchín, como en el disco Lp Brunswick BL-54104 "Antobal's latin all stars.~(soncubano)
Mickey Hart es un bateria, un etnomusicólogo, y un autor. Se unió a la banda Grateful Dead como percusionista segundo en 1967. En 1970, Hart abandonó la corte Muerto y el solo de álbum de los Rolling Thunder en 1972, con varios miembros de los Muertos. Hart regresó a la banda en 1974. actividades musicales fuera de Hart los muertos han sido extensos. En 1976, Ronda de los Muertos Records lanzó Diga por la Banda Diga Rhythm, un experimento a principios de la fusión worldbeat elaborado por Hart. Su interacción con los bateristas de todo el mundo provocó un interés permanente en el papel del tambor en otras culturas - y una curiosidad constante expansión sobre músicas no occidentales. 1979 y 1980 vio el lanzamiento de dos álbumes de música de la película Apocalypse Now, en gran parte aportados por Hart. En 1983, Hart lanzado discos bajo el título del mundo. Estos comenzaron con una nueva emisión de Diga ritmo de banda (un álbum de Babatunde Olatunji producido por Hart). Luego vino una serie de álbumes de música Hart había registrado en todo el mundo. En 1989 Hart lanzó Música para a cargo, un álbum basado en el latido del corazón de su hijo en el útero, y 1990 vio el lanzamiento simultáneo del primer libro de Hart,-Percusión en el borde de la Magia, y un álbum, en el borde. En 1991, otro libro y el disco, ambos llamados tambor Planeta, apareció. Ambos álbumes hecho la parte alta de la nueva era y las cartas de música del mundo. Supralingua seguido en 1998, y dos años más tarde regresó con Hart Espíritu al sonido. 2007 vio el lanzamiento de Global tambor Proyecto con Zakir Hussain, Sikiru Adepoju y Giovanni Hidalgo en Shout! Fábrica. ~ Ruhlmann William & Bob Tarte, All Music Guide Más información relacionada
El mayor de dieciocho hijos, Bartolomé Maximiliano Moré nació en Santa Isabel de las Lajas (24 de agosto de 1919), en la antigua provincia de Las Villas, actual provincia de Cienfuegos, en el centro de Cuba. Su tatarabuela materna, Ta Ramón Gundo Paredes, se dice que era la hija del rey de una tribu en el Congo que fue capturada por traficantes de esclavos y vendida al propietario de una plantación cubana. Cuando era niño, Benny aprendió a tocar la guitarra con un primer instrumento fabricado por su madre y él mismo a los seis años, con un tablero y unos alambres. En 1936, a los diecisiete años de edad, salió de Las Lajas para La Habana, donde trabajó vendiendo frutas y verduras y hierbas medicinales. Seis meses más tarde regresó a Las Lajas y se fue a cortar caña durante una temporada con su hermano Teodoro. Con el dinero que ganó y el ahorro de Teodoro, se compró su primera guitarra decente. En 1940, Moré regresó a La Habana. Vivió tocando en bares y cafés, pasando el sombrero. Su primer gran logro fue ganar un concurso de radio que le dio cierto reconocimiento en la zona. A principios de la década de 1940, la emisora CMQ tenía un programa llamado "La Corte Suprema del Arte" en el que participó una amplia variedad de artistas, entre ellos, Moré. Posteriormente, obtuvo su primer trabajo estable con el conjunto liderado por Mozo Borgellá. También cantó en la emisora CMZ con el sexteto Fígaro de Lázaro Cordero, con lo que obtuvo un gran éxito. En 1941, hizo su debut en Radio Mil Diez con el Sexteto de Mozo Borgella. Ciro Rodríguez, del famoso Trío Matamoros, escuchó a Moré cantando en el bar El Templete y quedó muy impresionado. En 1942, el Conjunto Matamoros fue contratado para una actuación en vivo, pero Miguel Matamoros estaba indispuesto, por lo que el Trío pidió a Mozo Borgellá (director del Septeto Cauto), que le prestara un cantante. Borguellá envió a Moré, quien permaneció varios años colaborando con el Trío Matamoros, haciendo una serie de grabaciones. Moré sustituyó a Miguel Matamoros como cantante principal, y este se dedicó a liderar la banda. El 21 de junio de 1945, se fue con el Conjunto Matamoros a México, donde actuó en dos de los más famosos cabarets de la época, el Montparnasse y el Río Rosa. Realizó varias grabaciones en México. En la Ciudad de México, Moré hizo grabaciones para RCA Victor, con Pérez Prado: "Bonito y sabroso", "Mucho corazón", "Pachito Eche", "La Mucura", "Rabo y oreja" y otra canciones. Grabó, además, "Dolor Karabalí", que Moré consideraba su mejor composición grabada con Pérez Prado. Moré también grabó con la orquesta de Mariano Mercerón: "Me voy pal pueblo" y "Desdichado", "Mucho corazón", "Ensalada de Mambo", "Rumberos de Ayer" y "Encantado de la Vida". Durante la primavera de 1952, Moré regresó a Cuba. Él ya era una estrella reconocida en México, Panamá, Colombia, Brasil y Puerto Rico, pero prácticamente desconocido en la isla. Sus primeras grabaciones cubanas fueron con Mariano Merceron y su Orquesta, canciones como "Fiesta de Tambores", "Salomón", "La Chola", etc. Moré comenzó alternando actuaciones en la Cadena Oriental y viajes a La Habana para grabar en los estudios RCA en CMQ Radio Centro. En La Habana, Moré trabajó para la emisora RHC Cadena Azul, con la orquesta de Bebo Valdés, quien presentó el nuevo estilo llamado "batanga". A raíz de la Revolución cubana, muchas de las principales figuras musicales cubanas emigraron, pero Moré se quedó en Cuba con, como él dijo, "mi gente". Años depués, fundó la llamada Banda Gigante de Benny Moré cuya primera actuación tuvo lugar en el programa Cascabeles Candado de la emisora CMQ. La banda la formaban más de 40 músicos y podía compararse en tamaño con la big band de Xavier Cugat. Entre 1956 y 1957 la agrupación realizó una gran gira por Venezuela, Jamaica, Haití, Colombia, Panamá, México y Estados Unidos, donde actuó en la ceremonia de entrega de los Oscar. En 1960 Moré era alcohólico, y comenzó a mostrar signos de insuficiencia hepática. Cuando murió en 1963 con 43 años de cirrosis en el hígado(La Habana, 19 de febrero de 1963), se estima que 100.000 aficionados asistieron a su funeral._(cibercuba) Más información relacionada
Beny Moré - Pare...Que Llego El Barbaro (1958) Temas: 01. Mi Amor Fugaz 02. Soy Campesino 03. Maracaibo Oriental 04. Preferí Perderte 05. Camarera del Amor 06. Que Me Hace Daño 07. Oh, Vida 08. Pongan Atención 09. Fiebre de Ti 10. Como Arrullo de Palma 11. No Puedo Callar 12. De La Rumba Al Cha, Cha, Cha Información cedida por Osvaldo M.
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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