Arthur Edward Pepper Jr. (1 de septiembre de 1925 - 15 de junio de 1982) fue un músico de jazz estadounidense, conocido sobre todo como saxofonista alto. Ocasionalmente tocó y grabó con saxofón tenor, clarinete (su primer instrumento) y clarinete bajo. Activo sobre todo en el jazz de la costa oeste, Pepper se dio a conocer en la big band de Stan Kenton. Fue conocido por sus interpretaciones cargadas de emoción y varios cambios estilísticos a lo largo de su carrera, y el crítico Scott Yanow lo describió como «el mejor contralto del mundo» en el momento de su muerte en 1982..._ (wikipedia)
En 1977, Art Pepper no creía que se le permitiría entrar en Japón. Todo el mundo sabía que los yonquis convictos estaban en una lista internacional y que los que figuraban en ella eran rechazados a su llegada a suelo japonés y enviados de vuelta a casa. Habíamos oído varias historias deprimentes -sobre otros músicos de jazz y rock- sobre este tema. También habíamos oído que Art era popular en Japón. En 1975 emprendió su último regreso. Grabó dos nuevos álbumes para Contemporary que se vendieron bien en Japón y, a finales del 76, se situó entre los primeros puestos de las encuestas de lectores y críticos de Swing Journal, la elegante biblia mensual del jazz japonés.
Lástima que no pudiera hacer giras. Entonces apareció una ambiciosa pareja japonesa, el apuesto Sr. Terajima, «Terry», y su inteligente esposa. De su inglés cuidadosamente vacilante (pensamos que insinuaban cosas que no decían abiertamente) dedujimos que sólo ellos y su promotor podrían mover los hilos que permitieran a Art actuar en Japón. Le ofrecieron una breve gira: varios conciertos en Tokio y alrededores y uno en Osaka. Le pagarían 1.000 dólares, muy poco para él, incluso entonces. Pero, se insinuó, este viaje rompería el hielo y abriría el camino a futuras contrataciones lucrativas. Insistieron en que Art llevara a su esposa, a mí. Creo que pensaron que lo mantendría alejado de problemas. Viajaríamos con el sexteto de Cal Tjader como una especie de «tapadera», y para que hubiera alguien que actuara si, bueno, se daba el caso. Jimmy Lyons, el director del Monterey Jazz Festival, venía con Cal. Jugó un papel muy importante en todo esto. Y nada de esto parecía del todo correcto, pero era una oportunidad y decidimos no dejarla pasar. Art se preparó cuidadosamente. Aproximadamente un mes antes de partir, hizo copias limpias y hermosas de los nuevos arreglos originales que había tocado en sus últimas grabaciones. Escribió las partes individuales, una para cada miembro de la banda, e insertó cada página en su propia hoja de plástico protectora. Yo copié las melodías de los álbumes en seis casetes. Enviamos este material a Jimmy Lyons, y formaba parte de nuestro acuerdo escrito que las partituras debían ser distribuidas y ensayadas por los chicos de Cal. Art se enfadó profunda y notoriamente (se volvió sombrío y monosilábico) cuando descubrió, esperando nuestro vuelo a Japón, que Cal nunca había dado las partes a los miembros de su banda. A esa tensión se sumó el temor (y, por parte de Art, la pesimista certeza) de que no le dejarían entrar en el país, sino que le humillarían públicamente en el aeropuerto y le meterían, posiblemente encadenado, en un vuelo de vuelta. Y a eso se añadía un terror que sólo Art y yo compartíamos. Él tomaba metadona de mantenimiento. No podía funcionar sin ella, pero habíamos descubierto que era ilegal en cualquier circunstancia introducir metadona en Japón. Sin embargo, yo había metido una semana de metadona líquida en mi equipaje de mano junto con nuestros artículos de aseo. Estaba en una botella de plástico etiquetada como «champú». Durante el vuelo, Art se mantuvo en su estado de resentimiento y creciente aprensión. Se le ocurrió que podría estar viajando tan lejos sólo para pagar, una vez más, por todos sus delitos.
Llegamos a Narita y pasamos por las formalidades aduaneras habituales, Art (y yo) desfallecido de ansiedad y presentimiento. Pero no había indicios de lista. No nos prestaron ninguna atención especial. Nos dejaron entrar. El Sr. y la Sra. Terajima parecían tan asombrados como nosotros por este milagro. Aquella noche no hubo tiempo para un ensayo real, sólo para una prueba de sonido. Y se hizo evidente que nadie había tenido la intención de tocar las melodías de Art, porque su aparición real había sido tan incierta. El prometer, que no quería arriesgar su reputación ni atraer la atención de las autoridades, sólo había anunciado una gira de Cal Tjader. La visita de Art a Japón se había mantenido en secreto para sus fans. Sólo se supo cuando pasamos la aduana a salvo. Para el primer concierto, la sala, muy grande (Yubin Chokin Hall), ni siquiera se llenó. Pero nada de eso importó cuando, tras el intermedio, Art fue presentado y por fin apareció. Nos habían advertido de que los japoneses eran un pueblo poco demostrativo; no aplaudían mucho. Cuando Art salió de los bastidores y subió al escenario, esta multitud de japoneses sobriamente vestidos y educados se puso en pie y aplaudió, gritó, zapateó, silbó y chilló. Y no paraba. Una y otra vez, aplausos y gritos, una catarata de ruido, de emoción vehemente, un rugido de amor como el que Art había estado escuchando durante toda su vida, una bendición atronadora. Se quedó perplejo, luego atónito, luego tan feliz, mientras yo lloraba entre el público (muchos de ellos también lloraban) rodeado de aquel clamor magnífico e interminable. En una carta a un amigo que aparece en su autobiografía, Straight Life, Art escribió que «estaba allí de pie haciendo reverencias y esperando a que pararan y sintiendo la sensación más hermosa que creo haber sentido nunca en mi vida». .... [No importaba la música que tocaran, aunque Art estaba decidido a devolver a la multitud una parte de lo que le habían dado. A cambio de su amor, les dio belleza: les regaló la dulce tristeza de «Here's That Rainy Day». Les dio alegría: improvisó un blues boyante, «The Spirit ls Here», y les dio júbilo cuando consiguió que la banda tocara su deslumbrante «Straight Lite» (es rápida, pero los cambios de acordes, basados en «Alter You've Gone», son fáciles). Y Art estaba loco por la música latina, así que cuando él y Cal se juntaron, al final, en el honie ground de Cal, se desgañitaron. Después del concierto, la gente hacía cola para pedir autógrafos, sorne con pilas de viejos álbumes de Art, por el pasillo, por la puerta, por la calle. El promotor nos agotó durante los días siguientes: dos conciertos al día, un programa de radio y entrevistas. También vimos los cerezos en flor en el castillo de Osaka (era abril) y comimos la mejor cena china del mundo en un comedor privado dorado.
Y una luminosa noche de Tokio nos fuimos de excursión en limusina mientras Ray Charles cantaba en la pletina. Art se hizo amigo de la magnífica banda de Cal y de Cal, un hombre fácil de querer. Art y Poncho Sánchez (el sublime percusionista de Cal, ahora famoso con su propia banda) hablaban del este de Los Ángeles e intercambiaban cumplidos, y Ciare Fischer (uno de los grandes teclistas del mundo), no conocido por su calidez, se mostraba maravilloso con los enfurruñamientos e incertidumbres de Art. Ayudaba, por supuesto, que Art adorara la forma de tocar de Clare, que decía sentirse tremendamente inspirado por su elección de acordes y por cómo los expresaba. Especialmente en las baladas. Este precioso disco contiene la parte de Art del último concierto de la gira, el segundo en el Yubin Chokin Hall. Fue grabado por la radio japonesa. En los años siguientes, Art ganó regularmente las encuestas del Swing Journal con su instrumento, llegando a convertirse una vez en «Jazzman of the Year». Y aunque perdimos la pista del Sr. y la Sra. Terajima, sí que, como ellos predijeron, volvimos muchas veces a Japón, donde Art y su público siempre se comunicaban tan claramente entre sí. Entre Art y sus fans japoneses fluía el mejor lenguaje de Art: el lenguaje puro de la emoción, de la leve._Laurie Pepper, 1995
Diana Jean Krall (Nanaimo, 16 de noviembre de 1964) es una pianista, compositora, cantante y productora canadiense de jazz. Hasta la fecha, ha ganado dos Premios Grammy y diez Premios Juno, nueve discos de oro, tres de platino y siete multiplatino. Es la única cantante de jazz con ocho álbumes que debutaron en el top de los álbumes de jazz de Billboard. Ha vendido más de 6 millones de discos en los Estados Unidos y más de 15 millones en todo el mundo. En total, vendió más discos que cualquier otra artista de jazz durante las décadas de 1990 y 2000. Alcanzó fama mundial en el año 2004 y el 11 de diciembre de 2009, la revista Billboard la nombró la artista de jazz de la década 2000-2009..._(wikipedia)
Diana Krall tiene una buena voz y toca decentemente el piano, pero este CD de Verve, con un envoltorio un tanto ridículo, parece un intento evidente de convertirla en un icono del pop y, además, en un símbolo sexual. Los anodinos arreglos de Claus Ogerman (que dirige la Orquesta Sinfónica de Londres o la Orquesta de Sesión de Los Ángeles en cada tema) rozan lo fácil de escuchar, mientras que Krall y sus diversos músicos de apoyo, como John Pisano, Russell Malone, Christian McBride y Peter Erskine (entre otros), parecen claramente sofocados por sus respectivos papeles. Hay un montón de composiciones fuertes aquí, incluyendo estándares como «I Remember You», «The Night We Called It a Day» y «I Get Along Without You Very Well», pero los gráficos poco imaginativos y a menudo almibarados pasan factura a las interpretaciones. Lo que resulta aún más
ridículo es la insistencia de la discográfica en intentar fotografiar a la artista en varias poses sensuales, que ella evidentemente quiere disuadir negándose a sonreír (se rumorea que no está nada contenta con esta parte del negocio). Si lo que se busca es música de fondo poco desafiante, éste es el disco adecuado, pero se recomienda a los aficionados al jazz que consulten los primeros discos de Krall._Ken Dryden (allmusic)
Ya sea por sus maravillosas pistas, por los grupos y artistas con los que ha tocado, o incluso por sus solos brasileños de buen gusto, el bajista Arthur Maia ha tenido una carrera sobresaliente. Nacido el 9 de abril de 1962 en Río de Janeiro, Maia comenzó su carrera tocando la batería hasta que a los 17 años tuvo su primer bajo eléctrico. El bajo ya estaba en sus venas, ya que el artista es sobrino del gran bajista Luizão Maia -mano derecha de Elis Regina-, de quien aprendió sus primeras técnicas de bajo y de quien heredó la sensibilidad que desarrolló al tocar el instrumento. En la escena nacional, su nombre es prioritario en las bandas de renombre del país, habiendo tocado junto a Ivan Lins, Luiz Melodia y Márcio Montarroyos, a quien Arthur acompañó a partir de 1976. Entre los diversos grupos de música instrumental de los que ha formado parte se encuentran «Garage», «Varanda», «Pulsar» y la «Banda Black Rio». Su particular forma de hacer música le llevó también a la escena internacional, cuando trabajó con Ernie Watts, Sheila E., Pat Metheny, Carlos Santana y George Benson.
Más tarde, Arthur se unió a un grupo más orientado al pop, fundando la banda «Egotrip». Pero fue el grupo «Cama de Gato», con un sonido más orientado al jazz, del que Arthur era bajista, el que dio un impulso especial a su carrera. «Maia» fue su primer álbum en solitario, grabado en 1991 y publicado en Brasil y Europa, con una importante aceptación en el mercado. Un año después, fue galardonado con el Premio Sharp a la revelación instrumental. Su segundo CD, «Sonora», fue lanzado en un concierto en el Canecão en 1996, con entradas agotadas y gran éxito de crítica, lo que llevó a la grabación del especial «Na Corte do Rei Arthur» para SBTVE y, posteriormente, a actuaciones del músico en seis países europeos, Estados Unidos y Japón. En septiembre de ese mismo año, actuó en el Town Hall de Nueva York, en el marco del Festival Brasil / Nueva York. En 1999, Arthur lanzó el CD «Arthur Maia e Hiram Bullok ao Vivo» en el sello Niterói Discos. Grabado en Mistura Fina a principios de 1998, este disco reúne lo mejor del bajista brasileño con el sonido de un japonés criado en EE.UU., Hiram Bullock, músico que empezó tocando el saxo, pero que ha tocado con una lista de músicos de jazz y pop, como Miles Davis, James Brown, Barbra Streisand, Burt Bacharach, Billy Joel, David Sanborn, Paul Simon y Eric Clapton. En 2002, también en el sello Niterói Discos, Arthur Maia grabó el álbum «Planeta Música», en el que participaron Paquito D'Rivera, Mike Stern, Marcos Suzano y otros artistas conocidos. En diciembre del mismo año, ofreció el concierto «Arthur Maia Convida» en la Marina da Glória de Río, al que asistieron más de 2.500 oyentes. A raíz de una entrevista concedida al Programa Jô en 2002, la agenda del artista estuvo especialmente apretada ese año, con invitaciones para participar en conciertos y talleres en Brasil y en el extranjero. Fue entonces cuando Arthur fue invitado a dirigir el Grammy Latino y el musical «Canto das Três Raças», y a actuar en «Utópica Marcenaria» y en los SESC de São Carlos y São José do Rio Preto. A lo largo de los años, además de dedicarse a su trabajo en solitario, Arthur también ha trabajado con nombres como Caetano Veloso, Djavan, João Bosco, Lulu Santos, Milton Nascimento, Ney Matogrosso, Plácido Domingos, Ricardo Silveira y Gilberto Gil. El bajista trabaja con Gil desde principios de los años 90, habiendo participado en las giras nacionales e internacionales de varios espectáculos del cantante, como «Quanta», «Eu,Tu, Eles» y «Kaya N'Gandaya». De 2013 a 2016, Arthur Maia se involucró directamente en la política, como Secretario de Cultura de Niterói durante el primer mandato del alcalde Rodrigo Neves. En abril de 2015, grabó el DVD «O Tempo e a Música» en el Centro de Artes UFF, junto a artistas como Mart'nália, Seu Jorge e Ivan Lins. El álbum fue publicado por Selo Niterói Discos en 2010.
«[...] El verano pasado, paseaba por las maravillosas arenas del Lago Mayor, cerca de Lugano, en Suiza, cuando conocí a Paquito D'Rivera,... que también estaba allí para actuar con su grupo en el Festival de Jazz. Me preguntó si Arthur Maia era la misma persona que había tocado con Djavan. Sí, le dije. Este tipo es uno de los mejores del mundo. Queridos oyentes, este disco es el primer CD publicado por uno de los mejores bajistas del mundo de su generación, Arturzinho Maia, de Río de Janeiro. Se trata de una grabación que trae raros fragmentos de música que, con inteligencia y fluidez, reproduce lo mejor que él tiene para ofrecer». (Gilberto Gil, en 1996)_ (culturaniteroi)
Falleció el 15 de diciembre de 2018 por problemas cardiacos.
Arthur Maia - O Tempo E A Música (2007-R.2011 Biscoito Fino)
Temas:
01. Abismo De Rosas (Dilermando Reis)
02. Forró Em Havana
03. Macabú
04. Brejeiro (Ernesto Nazareth)
05. Um Abraço No João (Gilberto Gil)
06. Tuca
07. Montains (Kiko Continentino)
08. Minha Palhoça (J. Cascata)
09. Frevo Do Compadre (Arthur Maia, Fernando Caneca)
10. To Nico
11. O Tempo E A Música (Arthur Maia, Clauber Fabre, César Beleny, Di Stéffano)
Musicos:
Arthur Maia (Bajo, bajo sin trastes, bajo acústico, voz, marimba, percusión, productor, dirección artística, escritos)
Heitor Pereira (Guitarra acústica)
Carlos Malta (Saxo barítono, Saxo soprano)
Ademir Junior (Clarinete)
Di Stéffano (Batería, triángulo, timbales, programado por, repinique, co-productor)
Carlos Bala (Batería)
Scott Henderson (Guitarra)
Fernando Caneca (Guitarra, guitarra acústica)
Gabriel Grossi (Armónica)
Kiko Continentino (Teclados)
Sérgio Chiavazzolli (Mandolina)
Cesinha, Gustavo Di Dalva, Macaco Branco, Thiago da Serrinha (Percusión)
El Club Musical Oriente Cubano es un proyecto de contestación del Este de Cuba (Santiago) al Oeste (La Habana) basado en el Buena Vista Social Club, una contestación en el espíritu de las «contestaciones» en boga en Cuba en los años 30, cuando las letras de las canciones de los equipos de Sindo Garay y Manuel Corona se contestaban mutuamente, un espíritu, por tanto, de emulación más que de imitación._(facebook)Hacia el final del camino de mi vida, me quedé dormido y tuve un sueño cuya banda sonora era un puñado de canciones que habían sido a su vez la banda sonora de mi infancia, adolescencia, y temprana juventud. Estas canciones me compelían a ser revividas. Para hacerlo, necesitaba un poco de gran ayuda de mis amigos, y como son músicos cubanos, luego de grabar con ellos tres discos de música cubana tradicional, les pedí que experimentaran lo inusual, por una vez.
Ellos aceptaron el desafío con mucho entusiasmo. Sin embargo, también quería que el álbum sonara "cubano", de alguna manera. En lugar de convertir las canciones en sones, boleros, mambos, etc., decidimos mantener sus estructuras originales y confiar exclusivamente en la percusión afrocubana y en la lengua española. Algunas canciones ya tenían su versión en español y adaptamos las restantes. El resultado de nuestro esfuerzo es este disco titulado Tiempo Fugaz, que espero que disfrutes tanto como nosotros disfrutamos haciéndolo._ Paolo Franco, april 2024
Azteca fue un grupo de rock latino formado en 1972 por Coke Escovedo y su hermano Pete Escovedo, que acababan de formar parte del grupo pionero del rock latino Santana. Azteca fue el primer intento a gran escala de combinar múltiples elementos musicales en el contexto de una orquesta latina, y contaba con vientos, maderas, múltiples teclados, tres vocalistas, guitarras, baterías y múltiples percusionistas latinos. En el escenario, la banda estaba formada por entre 15 y 25 miembros, y realizó giras con artistas como Stevie Wonder. Otros miembros destacados de Azteca fueron los vocalistas Wendy Haas y Errol Knowles, el guitarrista Neal Schon, los trompetistas Tom Harrell y Eddie Henderson, el bajista Paul Jackson, los baterías Lenny White y John H. Brinck Jr. y el percusionista Victor Pantoja. El grupo también fue un punto de partida musical para la percusionista latina Sheila E. (hija de Pete Escovedo), que apareció con la banda cuando era adolescente. Se publicaron dos álbumes en Columbia Records, el autotitulado Azteca (1972) y Pyramid of the Moon (1973), antes de que la banda se separara.
El 15 de septiembre de 2007, varios de los miembros supervivientes de Azteca actuaron juntos por primera vez en más de treinta años en Hollywood, California. El concierto se grabó para su posterior publicación en DVD._(wikipedia)
Coke Escovedo, Tito Puente, Pete Escovedo
La grabación en directo From the Ruins es el primer álbum de Azteca en 35 años y representa la reunión de esta banda derivada de Santana, originalmente liderada por el percusionista Coke Escovedo, que se separó en 1976. El cineasta Daniel E. Meza, autor de las notas, fue el responsable de reunir de nuevo al grupo para su documental Azteca: La Piedra del Sol, junto con el hermano de Coke Escovedo, Pete Escovedo, también percusionista y miembro original de la banda. (Coke Escovedo murió en 1986.) Convencieron a otros siete músicos que formaban parte de la veintena que tocó en Azteca en sus primeros años y que aparecen en sus dos LP de Columbia Records Azteca (1972) y Pyramid of the Moon (1973) para ensayar y tocar en un concierto en el Key Club de Hollywood, California, el 15 de septiembre de 2007. También se incluyeron cuatro músicos más para formar una banda de 12 músicos compuesta por dos cantantes/percusionistas, dos percusionistas/cantantes, cuatro vientos (dos lengüetas y dos metales), teclados, guitarra, bajo y batería. Por grande que parezca este conjunto, es más pequeño que el Azteca de 17 miembros que apareció en el primer álbum. Pero el grupo sigue tocando a las mil maravillas e, interpretando canciones de esos dos álbumes,
sigue siendo una banda de jazz-rock con percusión latina, los timbales de Pete Escovedo y las congas de Víctor Pantoja a la cabeza, con muchos solos para los metales, el guitarrista Bill Courtial y el teclista Murray Low (uno de los nuevos miembros). Como señala Pete Escovedo en sus comentarios sobre el escenario, las letras que él, Pantoja y los cantantes Wendy Haas y Errol Knowles cantan expresan sentimientos idealistas y antibelicistas típicos de su época (los títulos incluyen «New Day Is on the Rise» y «Peace Everybody»), pero añade que también son relevantes en 2007, lo que parece bastante cierto. From the Ruins resucita un proyecto musical digno, aunque casi olvidado, que para sus seguidores entra en la categoría de «debería haber sido, podría haber sido» de artistas merecedores de un mayor reconocimiento que, por las razones que sean, nunca alcanzaron el nivel de éxito que podrían haber tenido. (Entre los invitados no acreditados que colaboran en el bis, «Whatcha Gonna Do», se encuentra la hija de Pete Escovedo, Sheila E., que fue miembro de Azteca en sus últimas etapas)._William Ruhlmann (allmusic)
Ana Carla Maza, nacida el 14 de junio de 1995 en La Habana, es una violonchelista, cantante de jazz, compositora y productora cubana. Ana Carla Maza nació en el barrio de Bahía de La Habana, de padre músico chileno, Carlos Maza, y madre guitarrista cubana, Mirza Sierra. "Nacer un 14 de junio, como el Che Guevara, deja huella: '¡Hasta la victoria, siempre venceremos!', que siempre es comunista", dice. Empezó a tocar el piano a los 5 años, de la mano de la hermana del pianista Chucho Valdés. Sus padres se trasladaron a un pequeño pueblo y allí crearon una escuela de música. Descubre la rumba y las ceremonias musicales de la santería. Empezó a tocar el violonchelo a los 8 años y subió por primera vez a un escenario en La Habana con apenas 10 años. En 2007, su familia se marchó de Cuba a España. A los 13 años empezó a colaborar en los proyectos musicales profesionales de su padre. Tocó en dos grabaciones que su padre publicó en 2010, Carlos Maza en Familia y Quererte. Participó en sus primeros concursos musicales, interpretando a Piotr Ilitch Tchaikovsky y Camille Saint-Saëns como solista en una orquesta sinfónica. También empezó a cantar mientras tocaba el violonchelo. Se trasladó a París en 2012 para estudiar en el Conservatorio de Música de la capital francesa. Continuó sus estudios musicales en el Pôle supérieur d'enseignement artistique Paris Boulogne-Billancourt (PSPBB), perteneciente a la Sorbonne Universités, y luego emprendió una carrera en solitario, actuando por toda Europa, conociendo entonces al violonchelista Vincent Ségal, que la animó. En 2016, publicó Solo Acoustic Concert, inspirado en las tradiciones musicales de su infancia, desde la bossa nova brasileña hasta la habanera cubana y un vocabulario musical más amplio, y en 2020 publicó La Flor, su primer álbum de estudio.
Ambos álbumes incorporan ritmos latinos, melodías pop, armonías de jazz y técnicas clásicas. En febrero de 2022 publicó un nuevo álbum, Bahía, una mezcla de violonchelo clásico y voz, también inspirada en el son cubano, la samba, la bossa nova, el tango, el jazz y la chanson, con una gira de más de 150 conciertos en 15 países. Ha actuado en festivales como el Festival de Jazz de París, Souillac en Jazz y Jazz à la Villette, EFG London Jazz Festival, International Bergamo Jazz Festival, Blue Note Milano, L'Auditorium Parco della Musica Roma e Internationale Jazzwoche Burghausen en Alemania. En 2023 se produjo un nuevo álbum de estudio, Caribe, que grabó como sexteto._(wikipedia)
La compositora, violonchelista y cantante cubana Ana Carla Maza se reencuentra con su infancia en La Habana y su herencia latinoamericana con Caribe, un álbum autoproducido que presenta un vibrante cuarteto de metales. La grabación rinde homenaje a las descargas afrocubanas de los años 50, al tiempo que explora los ricos ritmos del Caribe, los tangos argentinos y toques de bossa-jazz y samba brasileños, dando como resultado una alegre fusión musical. Nacida en Cuba cuando Wim Wenders grababa Buena Vista Social Club, la virtuosa violonchelista y cantante Ana Carla Maza debutó en los escenarios a los diez años y desde entonces no ha dejado de evolucionar internacionalmente.
Ana Carla comenzó su vida musical con sólo 5 años, iniciada en el piano por la difunta Miriam Valdés, hermana de la leyenda viva Chucho Valdés. Se inició en el violonchelo, el instrumento que le daría forma, a los 8 años y subió por primera vez a un escenario en La Habana con apenas 10 años. Desde su infancia musical en La Habana hasta 2012, cuando se trasladó a París para estudiar en el Conservatorio, un paso decisivo ya que fue el comienzo de su carrera en solitario y París se convertiría en la base de su espectáculo en directo, desde donde comenzó a difundir su sonido por toda Europa (en 2022 realizó más de 150 conciertos).
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Inoyama Land - Inoyama Land (1997)
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El proyecto Inoyama Land de Makoto Inoue y Yasushi Yamashita abarca casi
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Hoy os vamos a entregar uno de aquellos capítulos a los cuales solemos
denominar Jazz Free, es decir, un...
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Symphony No.1 in G minor "To the Red Army" - Mieczysław Weinberg
Gothenburg Symphony Orchestra conducted by Thord Svedlund
I - Allegro moderato - Larghetto...
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