Después de incorporar al conguero de origen cubano Carlos «Patato» Valdés a su grupo de acompañamiento por recomendación del DJ de jazz Sid Torin, Herbie Mann emprendió una gira por África patrocinada por el Departamento de Estado que amplió aún más sus horizontes musicales. Flautista, grabado en directo en el Basin Street East de Nueva York en junio de 1959, capta la inmersión cada vez mayor del flautista en ritmos y armonías globales, documentando una estética de jazz pancultural que señala el camino para la multitud de músicas del mundo que siguieron a su estela. Favoreciendo una sutil y reflexiva combinación de melodías bebop y ritmos afrocubanos, el grupo -que también incluye a Valdés, el vibrafonista Johnny Rae, el bajista Knobby Totah y los percusionistas Santos Miranda y Luis Mangual- ofrece una interpretación maravillosamente ligera pero hipnóticamente insistente que no sufre ninguna de las torpezas endémicas de este tipo de primeras fusiones. Mann incluso se desvía al Lejano Oriente para una interpretación fresca y elegante de la canción exótica «Caravan». La reedición de Verve de 1998 incluye un par de cortes inéditos, «Delilah» y «Basin Street Este»._Jason Ankeny (allmusic)
Faustino Oramas Osorio (4 de enero de 1911 - 27 de marzo de 2007) fue un músico cubano y compositor, el último sobreviviente de la tradicional cubana trova. La mayor parte de su repertorio consistía de los hijos y guaracha-hijos, muchos de ellos con doble sentido en la letra. Una de sus composiciones fue incluida en el Buena Vista Social Club álbum. Mas información relacionada Faustino Oramas-El Tren de la Vida (1998) Temas: 01 - Mi Son Retozon 02 - Manana me Voy pa Sibanici 03 - En Guayabero 04 - Por Culpa de las Mujeres 05 - Ya Volo 06 - Como Baila Marieta 07 - A Pissi Corre 08 - Imprudente Peatones 09 - Ritmo Suave 10 - Te Votaron 11 - Oye el Consejo 12 - Dale Suave
George Allen Russell (nacido el 23 de junio de 1923), pianista, compositor y teórico del jazz estadounidense, es considerado uno de los primeros músicos de jazz en contribuir a la teoría musical general con una teoría de la armonía basada en el jazz en lugar de la música europea, en su libro de 1953, The Lydian Concepto cromático de organización tonal que allanó el camino para las revoluciones modales de Miles Davis y John Coltrane. El alcance estilístico de Russell en sus propias composiciones finalmente se hizo omnívoro, abarcando el bop, el gospel, el blues, el rock, el funk, los elementos clásicos contemporáneos, la música electrónica y los ritmos africanos en sus recientes y ambiciosas obras extensas, lo que resulta más evidente en su suite de 1983 a gran escala. una big band ampliada, The African Game.
Al igual que su colega Gil Evans, Russell nunca dejó de crecer, pero su trabajo no es tan conocido como el de Evans, siendo más difícil de comprender y, en cualquier caso, no tan bien documentado por las discográficas de los EE. UU. Tratamos de remediar esto aquí con esta magnífica sesión de 1978 cuando Russell dirigió una gran banda de 19 integrantes en Village Vanguard de Nueva York durante seis semanas, en una actuación tremendamente diversa que muestra las múltiples facetas de su arte, incluida su primera composición famosa, la en dos partes "Cubano Be, Cubano Bop" escrito en 1947 para la Orquesta Dizzy Gillespie que sirvió como un sólido vehículo de los experimentos pioneros de esa banda para fusionar el bebop y el jazz cubano, disfruta. Todo ese jazz._(camjazz)
04. Cubano Be, Cuban Bop (Dizzy Gillespie, Russell)
05. Mystic Voices (Stanton Davis)
06. God Bless the Child (Arthur Herzog Jr., Billie Holiday)
07. Listen to the Silence (Part II)
Musicos:
George Russell (Piano, Órgano) Americo Bellotto (Trompeta) Arne Domnerus (Saxo alto, clarinete) Babafumi Akunyon (Conga) Bengt Edvarsson (Trombón) Bernt Rosengren (Saxo tenor) Bertil Lovgren (Trompeta) Carl Atkins (Saxo barítono, clarinete bajo) David Taylor (Trombón bajo) Erik Nilsson (Saxo barítono) Gary Valente (Trombón) Goetz Tangerding (Piano Acústico) Haken Nyquist (Trompeta) Ian Uling (Saxo alto) Jan Allan (Trompeta) Jorgen Johansson (Trombón) Lars Olofsson (Trombón) Lars-Urban Helje (Bajo) Lee Genesis (Vocal) Lennart Aberg (Saxo tenor, saxo soprano, flauta) Lew Soloff (Trompeta, Flugelhorn) Marty Ehrlich (Saxo alto, flauta) Ricky Ford (Saxo tenor) Ricky Martinez (Piano Eléctrico, Órgano) Roger Rosenberg (Saxo tenor) Rune Gustafsson (Guitarra eléctrica) Sabu Martinez (Conga) Stanley Cowell (Piano) Stanton Davis (Trompeta, Flugelhorn) Sven Larsson (Trombón bajo) Terumasa Hino (Trompeta, corneta, percusión) Vlodek Gulgowski (Piano Acústico, Piano Eléctrico) Warren Smith (Vibráfono, percusión múltiple, batería) Cameron Brown (Bajo) John Clark (French Horn) Mark Slifstein (Guitarra) Lars Beijbon (Batería) Swedish Radio Jazz Orchestra (Orquesta)
Grabado en Estrad, Sodertalje, Suecia, el 10 de marzo de 1977 (pista 4) y la ciudad de Nueva York, el 16 de agosto de 1978 (pistas 1-3 y 5-7)
Jerry González (Nueva York, 5 de junio de 1949-Madrid, 1 de octubre de 2018) fue un músico de jazz estadounidense de raíces puertorriqueñas. Trompetista y percusionista, es uno de los pioneros del jazz latino.
Jazzista con vocación de rumbero, o viceversa, Jerry González es uno de los músicos más
progresivos del jazz latino. Durante sus años de universitario, integra un quinteto de jazz latino con su hermano Andy y el trompeta Kenny Dorham. Conoce al batería Rashied Ali, su primer guía en la vanguardia. A partir de 1969, graba con importantes jazzistas, como George Benson, Dizzy Gillespie y Houston Person. Colabora con la orquesta Jazz Composers, de Clifford Thornton. A partir de 1974, participa en importantes sesiones latinas con los hermanos Palmieri, Bobby Paunetto y el Grupo Folklórico Experimental Nuevayorkino. En 1979, Kip Narran le ofrece la oportunidad de grabar en solitario. A raíz de la grabación, surge la Fort Apache. La banda lleva por nombre el del problemático barrio hispano de Nueva York donde crece Jerry y donde brota esa música – desenfadada, intensa y sensual –que de manera imprevisible une a dos culturas distintas. Por su compromiso con la búsqueda de nuevas modalidades, los Apache se sitúan de inmediato en la vanguardia del jazz latino. Además de Monk, otras referencias de la banda son Miles Davis y sus discípulos Ron Carter y Wayne Shorter. De hecho, durante años, González suena como el fantasma de Davis en trompeta. En 1981, participa en el debut norteamericano de Paquito D’Rivera; también, con Totico y sus rumberos. Colabora con McCoy Tyner, por primera vez, en 1982. Será el percusionista de su big band diez años más tarde. En 1983 aporta percusión a la vocalista Abbey Lincoln. Hace jazz punk con Jaco Pastorius. En años recientes, lo escuchamos con Dave Valentin, David Sanchez y la orquesta de Chico O’Farrill.
Desde su llegada a España en 2001 ha grabado trabajos como Jerry González y los Piratas del Flamenco, y ha abierto una ventana a los flamencos para que estos dos lenguajes musicales se estimulen, se provoquen, se combinen y se seduzcan hasta doler. González ha tocado en diferentes trabajos de Paco de Lucía, Enrique Morente, Martirio, El niño Josele, y un largo etc. de figuras del flamenco, lidera su propia banda de latin jazz. Music for big band no solamente es la primera grabación realizada en España por Jerry González con una big band, es también el álbum que confirma el talento de arreglista de Miguel Blanco, el bajista de La Calle Caliente quien además ha dirigido y producido las sesiones. La relación musical de Blanco y González data de la grabación en 2002 de la composición Invitation que figura en el álbum Mozambique Soul de La Calle Caliente. “Este nuevo disco tiene que ver con la muerte sin pretenderlo” dice bromeando Blanco. “Fijámonos en los títulos: Goodbye Porkpie Hat es un tema por la muerte de Lester Young; Rumba p’a Kenny está dedicado al difunto Kenny Kirkland; Fall (¡Otoño!), Nightfall (¡Anochecer!) ¿Será que nos estamos riendo de la muerte? ¡Jerry lo hace! » Music for Big Band tiene una real vocación mestiza. A lo largo del álbum Blanco recurre a una paleta de percusiones proveniente de diferentes culturas musicales, lo que da un carácter embrujador a todos los arreglos : cajón, bongo, congas, shekere, clave, timbales, catá, bendir, caxixis. Esta combinación nada clásica permite una mezcla de patrones afrocubanos en un género flamenco. Aparte del trompetista la orquesta comprende solistas de primera línea como los pianistas Albert Sanz y Edu Tancredi, los saxofonistas Perico Sambeat y Gorka Benitez, el flautista Jorge Pardo, el trombonista Norman Hogue, los guitarristas Pep Mendoza y Dani Perez. Según Fernando Trueba, conocido erudito del latin jazz, el mejor disco de big band grabado nunca. Mas información relacionada
Ray Mantilla nació en 1934 en la atmósfera rica en ritmo y enloquecida por la danza del sur del Bronx, donde las formas rítmicas afrocubanas se transfiguraron con armonías y sensibilidades del jazz en las calles, los hogares y los salones de baile. A los 21, Mantilla estaba en el quiosco tocando tambores de conga junto con sus contemporáneos Eddie Palmieri y Ray Barretto, tocando esa síntesis única neo-nuyorican conocida como 'salsa'.
Con el flautista Herbie Mann, Ray Mantilla entró en el centro de atención internacional en 1960. Luego, Max Roach lo invitó a ser parte de la clásica grabación "Freedom Now Suite". Después de una temporada en Puerto Rico, donde perfeccionó sus habilidades en la trampa, Ray regresó a los Estados Unidos para encontrarse de gira a nivel nacional y en Europa y Japón con Art Blakey y los Jazz Messengers. Durante los siete años que Ray estuvo con Blakey, ocupó sus horas libres trabajando en el estudio mientras grababa y actuaba con casi todas las figuras importantes del jazz, incluidas las cantantes Eartha Kitt y Josephine Baker.
En 1977, Ray Mantilla se convirtió en el primer músico latino norteamericano en tocar en Cuba desde la Revolución Cubana cuando apareció allí como un miembro esencial del conjunto histórico de buena voluntad dirigido por Dizzy Gillespie.
La carrera de Ray Mantilla ha incluido la membresía en muchos conjuntos legendarios de Jazz y Latin Jazz. Una breve lista de los créditos de Mantilla incluye a Max Roach, Charles Mingus, Ray Barretto, Gato Barbieri, Sonny Stitt, Bobby Watson, Herbie Mann, Tito Puente, Cedar Walton y Freddie Hubbard. Prolífico en el estudio, Mantilla se puede escuchar en más de 200 álbumes. Ha aparecido en los principales clubes de la ciudad de Nueva York: Apollo Theatre, Palladium, Blue Note, SOB's, Birdland, Fat Tuesday's, Village Gate y Village Vanguard, además de muchos de los principales festivales internacionales de jazz como Sanremo, Pori Jazz. Festival, JVC Jazz Festival, Montreaux Jazz Festival y el Grande Parade du Jazz.
Ray Mantilla describe su música como "Latin Jazz con auténticos ritmos latinos". Su objetivo, dice, "es seguir tocando buena música, que la gente venga a vernos y preservar la tradición". En 2003 Ray Mantilla firmó con Savant Records y se lanzó su primer disco para el sello, "Man-Ti-Ya" (SCD 2059). Su última grabación, "Good Vibrations" (SCD 2073) agrega el sonido único de las vibraciones de Mike Freeman a su conjunto.
Ray Mantilla, un conguero, timbalero y director de orquesta que fue uno de los percusionistas de mano más prolíficos tanto en el jazz latino como en el jazz en general, murió el 21 de marzo (2020) en el New York-Presbyterian / Columbia University Medical Center en Manhattan. Tenía 85 años. D.E.P.
Mas información relacionada Ray Mantilla with Bobby Watson - Dark Powers(1988) Temas: 01. Dark Powers 02. Catch Me If You Can 03. Dialogue 04. Curveball 05. The Things You Do 06. Hostage 07. Rostro de Ti Musicos: Ray Mantilla (Percusión) Bobby Watson (Sax alto) Eddie Martinez (Piano) Viven Ara Martinez (Vocals) Dick Oatts (Flauta, Sax soprano), Sax tenor) Rubén Rodríguez (Bajo) Steve Berrios ( Batería, percusión)
Añadiendo cuatro vocalistas excepcionales a su programa, el trompetista Tom Harrell lleva al oyente en un viaje a través del tiempo y el espacio. Músicas contemporáneas del mundo, funk de hace 30 años, arreglos de swing de banda de escenario y la ardiente presencia de su trompa, colorean con autoridad el programa de Harrell. Las diez piezas son composiciones suyas. El quinteto, que incluye a Jimmy Greene, Xavier Davis, Ugonna Okegwo y Quincy Davis, proporciona una base firme sobre la que el trompetista y los invitados especiales se apoyan con confianza. Aunque Harrell y sus invitados están en plena forma, el programa parece diseñado para desalentar la emoción exacerbada. Entre las melosas baladas del compositor con cuerdas y sus deslucidos arreglos de banda, el vigésimo álbum del líder como líder toma un camino diferente al de sus más exitosas aventuras. El único destello de ardiente emoción llega a través de "Heavens", donde la flauta y el fliscorno tocan ligeramente desafinados en una especie de "Desafinado". Las líricas frases de piano de Davis ayudan a interpretar el espíritu de originalidad que se pretende en la pieza, pero el contrapunto se mantiene en un patrón de espera durante tanto tiempo que empieza a cansar. Varias piezas funk invitan al magnetismo de los ritmos que golpean los pies y sacuden los hombros, pero deambulan en círculos sin llegar a una conclusión.
Los solistas clave de la sesión dan al programa un impulso considerable. Gil Goldstein y Antoine Silverman aportan un brillo resplandeciente a "Paz". Los saxofonistas Myron Walden y Jimmy Greene se pavonean en varios momentos álgidos. Marvin Sewell balancea "See You at Seven" con la sabiduría del blues de un veterano. Cassandra Wilson, Dianne Reeves y Jane Monheit comparten momentos más tristes con el trompetista. La interpretación de Claudia Acuña de "Radiant Moon" tiene matices más brillantes que, sin embargo, siguen siendo algo comedidos. El tema que da título a la obra de Harrell conlleva una majestuosidad procesional con dirección fúnebre. Atemporal en su capacidad expresiva de imaginería intuitiva, la pieza resume este álbum como un viaje, vacío de aventuras y repleto de reflexiones. ~ Jim Santella (allaboutjazz)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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