Sorprendentemente, la cantante Pat Thomas está prácticamente olvidada, incluso como parte de la escena de la que fue, demasiado brevemente, un gran talento. En Chicago, donde nació y creció, era la cantante femenina más solicitada por los músicos locales y visitantes, que valoraban su forma de tratar las letras. Pat podría clasificarse como una vocalista de pop-jazz. Tenía un estilo directo y claro mezclado con una lectura sutil de la canción, un sonido vocal cálido, una entonación impecable y un sentimiento sincero del blues.
Tenía sólo 24 años cuando grabó la primera versión en inglés del éxito de la bossa nova, Desafinado, para Verve en 1962; publicado como single de debut con One Note Samba, le valió una nominación a los Grammy. Traspasado a MGM para su publicación, formó parte de Desafinado, el álbum que grabó ese año con algunos músicos notables, como Bud Shank, Laurindo Almeida, Mel Lewis y el arreglista Lalo Schifrin, además de la orquesta. Se vendió bien y dio lugar a un segundo álbum, Moody's Mood, al año siguiente, con orquestas arregladas por Claus Ogerman y varios otros. Con la participación de Johnny Hodges y Hank Jones en algunos temas, demostró que su registro era mucho mayor que su dominio del lenguaje brasileño y confirmó las cualidades de una artista aclamada como «una buena cantante en camino de convertirse en una gran cantante». De alguna manera, eso nunca se materializó; murió, sin ser anunciada, en marzo de 1992._(freshsoundrecords)
Callen Radcliffe Tjader, hijo (San Luis, Misuri, Estados Unidos, 16 de julio de 1925 - Manila, Filipinas, 5 de mayo de 1982), conocido como Cal Tjader, fue un vibrafonista y compositor estadounidense que llegó a ser el más famoso líder de una banda de jazz afrocubano que no era de origen latino. Intérprete inicialmente de bop y de cool, su evolución musical lo llevó a especializarse en la fusión del jazz con la música cubana. Tocaba también la batería y los bongóes. De origen sueco, e hijo de un director musical y productor de vodevil y de una pianista, Tjader creció en medio de un ambiente musical y teatral, llegando a recibir clases de baile durante un breve periodo de tiempo. Estudió en el San Francisco State College, donde se inició en el estudio de la batería bajo la supervisión de Walter Lawrence. A finales de los años 40 empezó a tocar la batería en pequeños grupos musicales de California. Inmediatamente, pasó a formar parte del trío de Dave Brubeck, con quien grabó varios discos, como batería (1949-1951). En 1953 se unió al grupo de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Aunque su estancia con el pianista ciego no duró mucho, fue precisamente durante su estancia en el grupo cuando Tjader se enamoró de la música latina. Cuando dejó este conjunto, al año siguiente, formó su propia banda, que precisamente enfatizó el elemento latino, aunque también tocaba jazz tradicional. Tjader
grabó una serie de álbumes, principalmente de jazz afrocubano, para Fantasy desde mitad de los 50 hasta principios de los 60, cuando cambió a Verve. Ahí, bajo la dirección de Creed Taylor, expandió su paleta estilística y tuvo la oportunidad de colaborar con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. Durante ese tiempo tuvo un éxito en las listas con "Soul Sauce", una versión del tema de Dizzy Gillespie y Chano Pozo "Guachi guaro" y grabó uno de sus mejores álbumes, Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brasil (1962). En 1968 creó, junto a Gábor Szabó y Gary McFarland, el sello Skye Records, un proyecto que solo duró dos años. Tjader regresó a Fantasy en los 70, compañía con la que grabó otro de sus mejores discos, Tambu (1973), en colaboración con el guitarrista acústico Charlie Byrd, llamado el embajador de la música brasileña en Estados Unidos y que en esta ocasión tocó excepcionalmente la guitarra eléctrica. En 1979 volvió a cambiar de compañía, en este caso a Concord, en la que permaneció hasta su muerte. Otros músicos con los que trabajó fueron Eddie Palmieri, Vince Guaraldi, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae y Airto Moreira, entre otros.
Callen Radcliffe Tjader, hijo (San Luis, Misuri, Estados Unidos, 16 de julio de 1925 - Manila, Filipinas, 5 de mayo de 1982), conocido como Cal Tjader, fue un vibrafonista y compositor estadounidense que llegó a ser el más famoso líder de una banda de jazz afrocubano que no era de origen latino. Intérprete inicialmente de bop y de cool, su evolución musical lo llevó a especializarse en la fusión del jazz con la música cubana. Tocaba también la batería y los bongóes. De origen sueco, e hijo de un director musical y productor de vodevil y de una pianista, Tjader creció en medio de un ambiente musical y teatral, llegando a recibir clases de baile durante un breve periodo de tiempo. Estudió en el San Francisco State College, donde se inició en el estudio de la batería bajo la supervisión de Walter Lawrence. A finales de los años 40 empezó a tocar la batería en pequeños grupos musicales de California. Inmediatamente, pasó a formar parte del trío de Dave Brubeck, con quien grabó varios discos, como batería (1949-1951). En 1953 se unió al grupo de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Aunque su estancia con el pianista ciego no duró mucho, fue precisamente durante su estancia en el grupo cuando Tjader se enamoró de la música latina. Cuando dejó este conjunto, al año siguiente, formó su propia banda, que precisamente enfatizó el elemento latino, aunque también tocaba jazz tradicional.
Tjader grabó una serie de álbumes, principalmente de jazz afrocubano, para Fantasy desde mitad de los 50 hasta principios de los 60, cuando cambió a Verve. Ahí, bajo la dirección de Creed Taylor, expandió su paleta estilística y tuvo la oportunidad de colaborar con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. Durante ese tiempo tuvo un éxito en las listas con "Soul Sauce", una versión del tema de Dizzy Gillespie y Chano Pozo "Guachi guaro" y grabó uno de sus mejores álbumes, Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brasil (1962). En 1968 creó, junto a Gábor Szabó y Gary McFarland, el sello Skye Records, un proyecto que solo duró dos años. Tjader regresó a Fantasy en los 70, compañía con la que grabó otro de sus mejores discos, Tambu (1973), en colaboración con el guitarrista acústico Charlie Byrd, llamado el embajador de la música brasileña en Estados Unidos y que en esta ocasión tocó excepcionalmente la guitarra eléctrica. En 1979 volvió a cambiar de compañía, en este caso a Concord, en la que permaneció hasta su muerte. Otros músicos con los que trabajó fueron Eddie Palmieri, Vince Guaraldi, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae y Airto Moreira, entre otros.
Aunque puede parecer poco probable que Frank Zappa haya tenido mucha influencia en el trabajo de Lalo Schifrin, uno puede detectar algún cruce cultural en There's a Whole Lalo Schifrin Goin 'On. Schifrin era tanto un genio del jazz-pop como siempre, pero en este álbum los ritmos de rock, la sátira musical, los efectos de sonido y el exotismo se usan como campamento de una manera que recuerda inquietantemente a los más pensativos esfuerzos de Zappa. Schifrin siendo Schifrin, cada corte tiene una melodía distinta y pegadiza, pero hay temas caprichosos y satíricos incrustados en la música. En ninguna parte es esto más obvio que en "Hawks Vs. Doves", en el que se juega un alegre tema de carnaval en contrapunto a un aire marcial, cada uno interfiriendo con el otro. Por otra parte, Schifrin usa percusión inusual, disonancia y un piano tenso y sónico fragmentado para crear paisajes sonoros que son diferentes a la mayoría del resto de su obra. "Secret Code" integra los tambores tabla, que no es un instrumento común en el jazz americano de la época, con un sintetizador frío tipo flauta, probablemente la primera vez que esos dos instrumentos se usaron juntos. Este álbum estaba adelantado a su tiempo en términos de instrumentación, pero fue un producto de su época en el que las formas establecidas de hacer las cosas estaban siendo desafiadas. Los fanáticos de la obra de Lalo Schifrin lo encontrarán en su mejor nivel, y aquellos que no estén familiarizados con nada más que con el tema de Misión Imposible serán atraídos por el genio excéntrico que se muestra aquí. Nota: al igual que muchos de los álbumes de Schifrin de la época, no hay una lista de músicos en la portada del álbum, por lo que es difícil saber quién es el responsable de las maravillosas actuaciones aquí, a excepción de las contribuciones de Schifrin._ Richard Foss (allmusic) Más información relacionada
Lalo Schifrin - There's A Whole Lalo Schifrin Goin' On (1968) Temas: 01. Secret Code 02. Dissolving 03. Machinations 04. Bride Of The Wind 05. Life Insurance 06. How To Open At Will The Most Beautiful Window 07. Vaccinated Mushrooms 08. Two Petals, A Flower And A Young Girl 09. Wheat Germ Landscapes 10. The Gentle Earthquake 11. Hawks Vs. Doves Musicos: Lalo Schifrin - composer & conductor, piano, synthesizer Bill Pitman - guitar Ray Brown - bass Shelly Manne - drums Milt Holland - tabla Emil Richards & Joe Porcaro - percussion Bud Shank, Ronnie Lang & Sam Most - reeds
Fernando Knopf Cantante, bajista, pianista, compositor, arreglista, productor, nació en Buenos Aires, Argentina en 1977. Sus primeras conexiones con la música comenzaron en su casa en Buenos Aires, rodeado de Jazz, Música Clásica y Sudamericana. Comenzó a estudiar Piano, Teoría de la Música, formación vocal y Bajo a los 14 años con profesores privados de Buenos Aires.
En 1996, Knopf dejó Argentina y se mudó a Tel Aviv, Israel.
En el nuevo país recibió una beca completa para asistir a la prestigiosa “Escuela Rimon de Jazz y Música Contemporánea” afiliada a Berklee, donde estudió durante cuatro años en el programa Jazz Performing, recibiendo un “Jazz Major” en 2000.
Después de graduarse con honores de Rimon, Knopf continuó estudiando bajo con Arie Volinez, enfocándose en la improvisación de Jazz / Fusion y con el reconocido contrabajo Eli Magen.
En 2000, el Sr. Knopf comenzó a tocar y hacer arreglos profesionalmente en conjuntos de jazz, grupos de salsa y brasileños, orquestas y producciones.
Desde 2001 hasta 2010, Fernando actuó con artistas internacionales que incluyen:
Gira con Efrain Toro (Puerto Rico-USA), Cantante Deborah Brown (USA), Saxofonista Eli Degibri (NYC), Cantante Nancy King (USA) con el Pianista Steve Cristoffersson (USA), Pianista virtuoso Alon Yavnai, Trombonista y arreglista Avi Lebovich, Baterista Norberto Goldberg (NYC), Zig Zag Latin Jazz Quintet (Israel - USA), Violinista Ricardo Herz (Brasil- París) 'Trompetista Gregory Rivkin (NYC), Baterista Vince Cherico (Nueva York), Percusionista Roberto Quintero (USA), Yelsy Heredia (Cuba-España), Shlomo Idov, Yoram Gaon, Din Din Aviv, Marina Maximilian Blumin, Italo Gonzales (Chile), Missa Criolla con Ensamble Latino Americano, Din Din Aviv, Amikam Kimelman, Guri Agmon, Holon Big Band, The Tel Aviv Jazz Big Band, Israel Kibbutz Orchestra, The Israel Chamber Orchestra, The Jerusalem Salsa Band, Conjunto Tipico, Laila Malcos, Flamenco Guitarist Baldi Olier, Bandonionista Eduardo Abramson (Argentina), Oud Player y Violinista Yair Dallal, Eyal Sela, Ilan Salem, Eric Niceberg, espectáculo musical "Sweet Charity", Ka hol Irish Band, Uri Miles, Bustan Sefaradi y muchos más.
En 2004 Fernando formó su propia Banda de Jazz Latino, una fusión de ritmos latinoamericanos / caribeños, Jazz, canciones originales, composiciones y arreglos. El Grupo se desempeñó ampliamente durante 3 años.
Desde 2005 hasta hoy, el Sr. Knopf es también el Director Musical de THE ISRAEL SALSA BAND, una banda de salsa de clase mundial.
En 2006, Fernando lanzó a nivel mundial su CD debut con su Latin Jazz Band, con la colaboración de distinguidos artistas invitados y trombonista / compositor Avi Lebovich como coproductor.
En noviembre de 2005, Fernando fue galardonado y distinguido en Buenos Aires, Argentina con el “Premio al Logro Cultural Judío” 2005.
En julio de 2006 Knopf formó parte de una entrevista especial con el maestro Lalo Schifrin.
En 2008 Fernando formó su "Nuevo Quinteto". The Music es una combinación de poderosas canciones y composiciones populares y originales con ritmos latinoamericanos, World Music, Jazz, Funk y más.
Actualmente, Fernando está actuando en el extranjero con artistas de talla mundial y con su banda, y ha actuado con gran éxito en el aclamado Festival Internacional de Jazz del Mar Rojo, Festival de Jazz de Tel Aviv, Teatro Mercaz Enav, Festival de Salsa de Eilat, Festival de Música de Nestlé en Kikar Rabin 2007. , Zappa Club, Kamelot Club, Shablul Jazz Club, Milestone Club, Jerusalem Theatre, Haifa Theatre, Tel Aviv Museum of Arts y muchos más.
Fernando ha actuado en Buenos Aires, Argentina, Israel, Estados Unidos, España, Grecia, Turkia y más.
Además, el Sr. Knopf enseña en el "Rimon College of Jazz and Contemporary Music" afiliado a Berklee en Tel Aviv. Dirige la Orquesta de Jazz Latino / Salsa, Cursos de Música Latinoamericana, Líneas de Bajo y más.
Fernando Knopf – Fernando Knopf Latin Jazz Band (2006) Temas:
EI líder de esta grabación es uno de los percusionistas más rescetado de la escena y también de los más veteranos. CANDIDO llegó a EE.UU. procedente de La Habana, en 1952 permaneciendo en aquellas tierras asiduamente -sobre todo en Nueva York- donde fijó su residencia. Allí, con motivo del auge de la música afrocubana, Cándido trabajó y grabó con una auténtica legión de Jazzmen (Kenny Burrell, Gene Ammons, Benny Green, Art Blakey, Dizzy Gillespie, Stan Getz, Wes Montgomery, Lalo Schiffrin, Joe Williams, Sonny Rollins, Randy Weston, Elvis Jones, JATP ... ) y con músicos con sus mismas raíces (Machito, Tito Puente ... ). Como observarán la variedad de contextos ha sido aplastante. Muy posiblemente, este álbum fue la primera oportunidad de Candido Camero de grabar como líder de sesión en EE.UU. Para tal acontecimiento reunió a cinco importantes jazzmen. El baterista Charlie Persip es el «partenaire» que más trabajo tiene en la sesión, sobre todo en la Cara A. Su labor en la misma está, lógicamente. muy vinculada con la de Cándido. El pianista Lalo Schiffrin, el trombonista Jimmy Cleveland, el saxofonista-flautista Jay Cameron y los bajistas Milt Hinton (<>, <>, <> y <>) y George Duvivier (resto de los temas) también intervienen en la sesión. Los arreglos han corrido a cargo de la pluma del argentino Lalo Schiffrin y han sido dirigidos, claro está, hacia el lucimiento de Cán- dido, quién demuestra a través de las congas y los bongos, un sentido melódico altamente desarrollado. A lo largo de la sesión nos encontramos con <> (<>, <>, <>, <>) a los que Cándido, también Lalo, dan el toque afro-cubano y dentro de esta vertiente, distintas gamas. <>, antes de cambiar radicalmente el ambiente, nos ofrece a Cándido dentro de su faceta como cantante. Particularmente y sin dudar, me quedo con la de percusionista. Espero que este álbum dé a conocer al público de estos contornos, lagran valía del protagonista de <>, CANDIDO CAMERO. Sin duda, es uno de los mejores de su terreno._ Carlos González Más información relacionada
Internacionalmente celebrado como el hombre que esencialmente retomó donde lo dejó Chano Pozo, Cándido Camero fue uno de los percusionistas cubanos y caribeños más ubicuos que animaron y enriquecieron el panorama musical de América del Norte durante la segunda mitad del siglo XX. Uno de los primeros en popularizar el uso de múltiples tambores de conga y uno de los instigadores involuntarios de la locura del bongo de la década de 1950, sobrevivió a la mayoría de sus contemporáneos y seguía actuando con extraordinaria pasión y precisión mucho después de alcanzar el estatus de octogenario. Cándido de Guerra Camero nació en el barrio El Cerro de San Antonio de los Baños en La Habana, Cuba, el 22 de abril de 1921. De niño tocaba el contrabajo. Después de operar una guitarra de tres con el Conjunto Gloria Habanera a la edad de 14 años, comenzó a concentrarse en los bongos y pronto se graduó en la conga. Además de la combinación panafricana de influencias folclóricas yoruba, portuguesa y española, Candido nombró a los bateristas de jazz estadounidenses Max Roach y Kenny Clarke como inspiraciones principales. Grabó con varios directores de orquesta cubano, incluido Machito, trabajó durante seis años en la banda de la casa de la estación de radio CMQ en La Habana, y actuó en el club Tropicana allí como miembro de la orquesta de Armando Romeu de 1947 a 1952. El capítulo norteamericano de su carrera comenzó en octubre de 1952 y se inauguró con un compromiso de seis semanas en el Clover Club de Miami, seguido de un traslado a Nueva York sugerido por su nuevo amigo, el trompetista Dizzy Gillespie, quien lo llevó personalmente a el Downbeat Club para sentarse con el pianista Billy Taylor. Durante 1953 y 1954 grabó con el trío de Taylor y con Erroll Garner, ayudó a Gillespie en la realización de "Manteca Suite" (la primera de muchas colaboraciones grabadas con Diz) y realizó una gira con la Orquesta Stan Kenton. Luego formó su propio grupo (incluido el saxofonista Al Cohn); hizo sus primeras grabaciones como líder en 1956; y realizó una extensa gira por Venezuela, República Dominicana, Puerto Rico, Miami y Nueva York.
A finales de los 50, a lo largo de los 60 y bien entrados los 70, Candido se convirtió en el percusionista latinoamericano más activo tanto en el jazz como en la música pop, apareciendo en televisión de manera inusual y grabando con los saxofonistas Charlie Parker, Gene Ammons, Stan Getz, Phil Woods, Sonny Rollins, Illinois Jacquet y Coleman Hawkins; los guitarristas Kenny Burrell y Wes Montgomery; los pianistas George Shearing y Marian McPartland; y los vocalistas Dinah Washington, Lena Horne, Patti Page, Tony Bennett, Charo y Antonio Carlos Jobim. Apareció con los líderes de la banda Tommy Dorsey, Duke Ellington, Woody Herman, Lionel Hampton, Doc Severinsen, Chico O'Farrill, Lalo Schifrin; el baterista / líder de banda Art Blakey, Elvin Jones, Mongo Santamaria y Tito Puente; y sus compañeros maestros de conga Giovanni Hidalgo y Carlos "Patato" Valdés.
Durante varias décadas combinó su altamente desarrollado arte afrocubano con el disco, el funk y prácticamente cualquier otra cosa que estuviera en el aire. Con más de 16 álbumes en su haber (incluido un espectacular reencuentro con la vocalista estrella de Machito, Graciela Pérez en 2004), un Cándido triunfante navegó por los primeros años del siglo XXI tan resistente, creativo y lleno de vida como siempre. Su línea característica de tambores premium viene en tres modelos distintos: el Quinto, el Conga y el resonante Tumbadora. ~ Arwulf Arwulf (allmusic)
Un largo tiempo con Chano Pozo, Cándido fue una influencia fundamental en el apasionante matrimonio de los ritmos alrocubanos y el jazz. Mostrado en estos dos exitosos álbumes, el gran intérprete cubano de conga y bongo tiene la oportunidad de demostrar sus dotes frente a los fondos orquestales proporcionados por Ernie Wilkins y Manny Albam. En Candido the Volcanic Wilkins arregló seis de las ocho melodías, mientras que Lady in Red y Moonlight in Vermont son obra de Albam. Los lugares en solitario son compartidos por grandes del jazz como Art Farmer, Hank Jones, Frank Rehak, Ernie Royal y Charlie Shavers. En Latin Fire, Albam compuso una colección de melodías de jazz vintage con notable habilidad, tomando cuatro voces y, menos letras, y usándolas como cuernos. Las ligaduras de latón se benefician del impacto de los cuernos de la sección superior, mientras que Phil Woods toca con originalidad y vitalidad. Y Cándido, la razón de ser de este conjunto, muestra su estilo característico con los polirritmos afrocubanos y saca una variedad inlinita de sonidos de un solo parche de batería. Más información relacionada
Candido - The Volcanic Plus Latin Fire (2011)
Temas:
The Volcanic (Mono)
01. Peanut Vendor
02. Takeela
03. Moonlight In Vermont
04. Kinda Dukish
05. Warm Blue Stream
06. Take The A Train
07. The Lady In Red
08. Tin-Tin-Deo
Latin Fire (Stereo)
09. Swinging The Blues
10. Exactly Like You
11. King Porter Stomp
12. JaDa.mp3
13. It Don't Mean A Thing If It Ain't Got That Swing
14. Ain't She Sweet
15. When The Saints o Marchin' In
16. Honeysuckle Rose
17. Sweet Sue
18. Royal Garden Blues
Musicos:
Cándido Camero: conga drums & bongo
Orchestra Arranged and Conducted by Ernie Wilkins:
Tracks #1-5: Bernie Glow, Art Farmer, Charlie Shavers
Jimmy Nottingham, trumpets; Jimmy Cleveland, Frank Rehak Tommy Mitchell, trombones; Jimmy Buffington, French horn Jay MeAllister, tuba; Hank Jones, piano; Bill Crow, bass
Osie Johnson, drums
Tracks #6-8: Ernie Royal, trumpet; Ed London, French horn
and Osear Pettiford, bass, replace Farmer, Buffington and Crow Recorded in New York City, February 20 (#1-5) & 25 (#6-8),1957
Orchestra Arranged and Conducted by Manny Albam:
Marky Markowitz (replaced by Bernie Glow in one session)
Ernie Royal, Niek Travis, Al DeRisi (replaced by Charlie Shavers on #14, 15 & 17), trumpets; Phil Woods, alto sax
George Duvivier, bass; Charlie Persip, drums
Machito, maracas (#14,15 & 17), and the Diek Williams Singers Recorded in Ne« York City, February 20, and March 2 & 4, 1959
Pucho & His Latin Soul Brothers fue un jazz latino , el jazz alma y R & B grupo formado en 1959por los timbales jugador Henry "Pucho" Brown . De los muchos músicos que trabajaron en su grupo, Chick Corea se encuentra entre ellos. En 1973 disolvió el grupo y se centró más en la música latina tradicional . En la década de 1990, su música recibió el interés de la escena del Acid Jazz británico, y los reformados Latin Soul Brothers actúan hoy. ~ (wikipedia)
Henry "Pucho" Brown y sus Latin Soul Brothers reconstituidos de nueve piezas (más tres invitados) claramente no están de humor para acomodarse en una bolsa en este CD importado salvaje y refrescantemente ecléctico, donde los ritmos latinos tradicionales y varios modismos de R&B se encuentran y chocan . El tono de esta banda de pensamiento libre se establece justo al principio cuando el rapero McBabee Power nos informa con precisión que la banda está "a punto de caer con el sonido antiguo / nuevo" sobre el ritmo fusionado de latín / hip-hop de "The Latin Almas gemelas." "Kool And the Gang I" está dedicado al funk de los 70 con un chonking de guitarra rítmica al estilo de James Brown y un impulso insistente que dura casi diez minutos (una repetición al cierre del álbum lo retoma desde donde lo dejó) . En otros lugares, la banda intercambia mambos, cha-chas lentos, guajiras y ritmos soul en varios estados de calor, con un giro ocasional, particularmente fluido, en las vibraciones del invitado Joe Locke. ~Richard S. Ginell (allmusic)
Temas: 01. The Latin Soul Brothers (Henry "Pucho" Brown, MC Babee Power) 02. Theme from "Mission Impossible" (Lalo Schifrin) 03. Kool & the Gang I (Henry "Pucho" Brown) 04. Heat (Jimmy Phillips) 05. Blues March (Benny Golson 06. DJ Russ Dewbury Mambo (Henry "Pucho" Brown) 07. The Pain (Henry "Pucho" Brown, MC Babee Power) 08. Got My Mojo Workin (Preston Foster) 09. Floridian Night (Henry "Pucho" Brown) 10. Kool & the Gang II (Henry "Pucho" Brown)
Leandro “Gato” Barbieri (Rosario, Argentina; 28 de noviembre de 1932), es un saxofonista de jazz argentino. Representante destacado del jazz latino, participó en su juventud en la banda de otro destacado jazzista argentino, Lalo Schifrin. Ha abordado también en su carrera el jazz de vanguardia, sobre todo en la década de 1960, y el pop y la fusión a finales dela década de 1970. Ha sido influenciado por John Coltrane, Pharoah Sanders y Carlos Santana. Su música tiene frecuentemente un tono desgarrado, a base de notas largas y con un volumen elevado. A los doce años aprende a tocar el clarinete tras sentirse impresionado por la escucha de "Now's the Time" de Charlie Parker. Se traslada con su familia a Buenos Aires en 1947 y continua recibiendo lecciones de música, cambiándose al saxo alto; hacia 1953 se convierte en una celebridad musical gracias a sus actuaciones en la orquesta de Lalo Schifrin. A finales de la década, comenzó a dirigir sus propios grupos, tocando ya el saxo tenor. Se traslada a Roma en 1962 y conoce en París a Don Cherry, uniéndose a su grupo y empapándose del jazz de vanguardia. Tocó también con Mike Mantler's Jazz Composers' Orchestra a finales de la década de 1960. Ya en la década de 1970, experimenta un cambio musical y se decide por la reincorporación en su música de melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos sudamericanos, con dos excelentes músicos, Domingo Cura y Adalberto Cevasco. Discos como el directo El Pampero on Flying Dutchman y sus obras para Impulse, con exploraciones de ritmos y texturas brasileñas, afrocubanas y argentinas, le proporcionaron un gran prestigio en el mundo del jazz. Fue, no obstante, un éxito comercial el que lo llevaría a sus cotas más altas de popularidad: su sensual banda sonora para la película de Bernardo Bertolucci El último tango en París, de 1972. Un contrato con A&M en los Estados Unidos le llevó a realizar discos de fusión entre jazz y el pop a finales de la década de 1970. Se centró luego, a principios de la década de 1980, en un sonido suramericano más intenso e influenciado por el rock, aunque sus oscilaciones estilísticas son constantes en su carrera. Aquejado de serios problemas al corazón y afectado por la muerte de su mujer, Barbieri estuvo inactivo prácticamente a lo largo de toda la década de 1990, pero regresó en 1997, tocando intensamente en el Playboy Jazz Festival de Los Ángeles, grabando a partir de entonces varios discos.
Musicos: Gato Barbieri-Sax Joe Beck-Guitar Ryo Kawashi-Guitar Dave Spinozza-Guitar Bill Washer-Guitar Lincoln Goines-Bass Buddy Williams-Drums Portinho-Drums Warren Bernhardt-Fender rhodes Frank Ferrucci-Piano Frankie Colon-Congas Carol Steel-Percussion Guillermo Franco-Percussion
Las raíces de gran parte de la danza contemporánea y la música electrónica se encuentran en losritmos de América Latina, y este álbum une elegantemente los puntos entre estas dos formas musicales. Con el legendario percusionista latino Robin Jones sentando las bases y una gran cantidad de los mejores productores de danza experimental del Reino Unido a los mandos, Afro-Cuban Rhythms es un álbum que inspira, educa, pero lo más importante, lleva tus pies directamente a la pista de baile. Robin Jones podría ser legítimamente llamado el abuelo de la escena latina del Reino Unido (¡no pienses en Werther's Original, piensa en un genio de la percusión inspirador!). Además de tocar con músicos de renombre como Charlie Palmieri, Lalo Schifrin y Stan Getz, Robin también dirige dos de sus propias bandas, King Salsa y The Robin Jones Latin Jazz Sextet. En palabras del jefe de Royal Palm, Mike Hazell, 'no hay nadie más en el Reino Unido que ame la música y les enseñe a los jóvenes sangre una o dos cosas, más que Conguero Robin Jones'.
En pocas palabras, la idea detrás de este proyecto era que Robin Jones (con la ayuda del músico y percusionista brasileño Bosco de Oliveira) grabara versiones de ritmos afrocubanos clásicos que luego pasarían a algunos de los retocadores más inspiradores de la música electrónica. twiddlers para una mezcla completa. Los primeros frutos (y el primer lanzamiento de Royal Palm) vinieron con el lanzamiento de un 12 'con' Royal Mozambique 'y el remake retorcido de Bullitnut, que fue recibido con gran éxito. Siguieron más 12, con Fila Brazillia, Fretless AZM, Raj Gupta, Jimpster y Audiomontage, todos contribuyendo con remixes.
Ahora todas estas pistas están reunidas en este CD (con una mezcla inédita de Tim 'Love' Lee incluida en buena medida). Una vez más, Mike Hazell da en el clavo de lleno en su conclusión de las notas de la portada (muy informativas) del álbum: “Me enorgullece decir que este es el primer CD de este tipo que se hace en Inglaterra ('Hecho en Inglaterra'). Las grabaciones almacenadas en su interior son para disfrutarlas y aunque nunca se concibió como una herramienta educativa, si acabas sabiendo la diferencia entre un merengue y un mambo, eso solo puede ayudar a mantener el espíritu de una de las más sensuales y libres. y formas honestas de la tradición musical viva. Los ritmos de este CD, como el majestuoso Royal Palm, tienen raíces fuertes y profundas, y son los cimientos sobre los que se construye el sello Royal Palm ''.
¿Quién no la conoce? Las legendarias películas y series de televisión de los 60 y 70, como"Breakfast at Tiffany's", "The Thomas Crown Affair", "Bullit", "UFO" o "Columbo" ... Además de un diseño inconfundible , actores legendarios y la "frescura" de estas películas tenían una cosa en común: música inolvidable. Los años sesenta fueron también la época dorada de la música lounge, se recuerdan las orquestas de Henry Mancini, Les Baxter, Hugo Montenegro o Percy Faith. Llevar este sonido de días lejanos al escenario actual de la manera más auténtica posible (y sobre todo en vivo) fue una de las razones por las que Heinz Fallmann y Martin Ptak dieron vida a la orquesta de 15
piezas “Velvet Elevator”. Los arreglos cinematográficos y bailables van desde la "música de cine de persecución de coches de los años 70" estadounidense hasta la bossa nova, el funk, el cha cha, el jazz y fueron arreglados especialmente para el conjunto. Se pueden escuchar piezas de reconocidos compositores como Lalo Schifrin, Ennio Morricone, John Barry, Michel Legrand, Antoine Sabé, Antonio Carlos Jobim, Francis Lai, Barry Gray, Benny Golson, ... Todo lo que queda por decir es: Let's lounge, infantil...
Algunos de los materiales que conoce de Dizzy Gillespie mejores y más bien de los años 60 con una banda de verdadero talento se incluye en esta esperada reedición de grabaciones hechas en Francia. Un grupo de expatriados estadounidenses y los europeos en realidad los músicos de todo el mundo acompañar a la trompeta a la música que abarca la balanza de pagos, los sonidos brasileños, y los originales. El pianista argentino Lalo Schifrin toca el piano y contribuye al régimen y Leo Wright es papel principal de Gillespie en flauta y saxo alto, mientras que Hungría Elek Bacsik toca la guitarra en formas sutiles que reflejan el estilo general de los sonidos inspirados en la Riviera francesa. Un clásico, estirados de tomar "de Antonio Carlos Jobim No More Blues" se inicia el juego, con el sonido de los niños en una playa del océano que conduce a Gillespie y mitades de comercio Wright, de la línea de la melodía tan juguetona como los niños de una desempeñado perfectamente Bossa. Otra norma Jobim, "Desafinado", ha flauta brillantes de Wright y la trompeta con sordina de Diz en un ambiente romántico más pensativo, pero todavía tiene esperanzas. "Yo esperaba por ti" es el lánguido final, por el que se espera en balada, con estribillos Schifrin's cuing dilaciones el trompetista, mientras que "Long Summer Long" es la oda al pianista de un asunto sombrío con luz ultravioleta - tonalidades suaves incluido en un vaivén y un enfoque multimodal. "Para los gitanos", escrito por el líder, ha Bacsik más adelantado rítmicamente, como la flauta misteriosa Wright contrasta fuertemente con las notas precisas de Gillespie en el ritmo de bossa furtivo rápida. También escrito por Dizzy, "Here It Is" es una canción tan memorable como lo han hecho, una firma pavoneándose shuffle jazz / blues que ejemplifica la alegría en la vida siempre presente en su música. Que todos los participantes son muy talentosos y pueden mezclar y emparejar con Gillespie bonito hace de este un CD que se debería hacer un llamamiento universal a todos los amantes del jazz, y especialmente su mayor fan. ~ Michael G. Nastos, All Music Guide Más información relacionada Dizzy Gillespie - Dizzy on the French Riviera (2009) Grabado en Francia el 24 de julio de 1962 Temas: 01.No More Blues 02.Long, Long Summer 03.I Waited For You 04.+Desafinado 05.Here It Is 06.Pau De Arara 07.For The Gypsies Musicos: Dizzy Gillespie (vocals, trumpet) Leo Wright (vocals, flute, alto saxophone) Elek Bacsik (guitar) Lalo Schifrin (piano) Chris White (bass instrument) Ruby Collins (drums) Pepito Riestria (percussion). Arranger: Lalo Schifrin
Veterano organista, compositor y arreglista Dave Siebels suena como que está completamente cómodo en casa y como invitado con el pianista Gordon Goodwin del aclamado Gran Phat Band. Funk contemporáneo, moderno big-band gráficos, y un poco de bebop forman el núcleo de la banda, ya que desempeña un conjunto de normas, melodías pop, y siete originales Siebels por escrito, de los cuales seis acuerdos por Goodwin, y dos de menor conjunto recortes . La música es bastante previsible, pero bien reverenciado como solistas el guitarrista Grant Geissman, el saxofonista tenor Brian Scanlon, trombonista Andy Martin, el saxofonista Eric Marienthal alto, flautista y Sal Lozano aumento emergente y creativa de la banda cociente. Siebels mismo prefiere corcheas atascos o cuando juega detrás de la gran banda que en tres de sus canciones, el funk elegante-a-bop abrelatas "The Coupe", los Brecker Brothers tipo skunk funk "Not That There's Anything Wrong with That", y el fresco para caminar" Da Blues ", donde se desempeña más líneas unísono con el cuerno de la sección. "Sort of Like a Samba" de Brasil es en realidad a base de un quinteto con sólo, mientras que "The Eleventh Hour" es otro típico número funky, con el cambio a Goodwin para saxo tenor solista. Hay una versión creíble de Neal Hefti fresco organistas del clásico "favoritos" Girl Talk "(con Geissman) y un despertar, la diversión de tomar Lalo Schifrin Boogaloo ranura del tema" The Cat ". Stevie Wonder de "I Wish" es una adaptación inteligente, especialmente en su introducción complejos, como los diferentes cambios clave son enlazados antes de entrar en la recta familiar funk sintonizar todo el mundo sabe. La gran banda y de los pequeños conjuntos, lamentablemente, perder el impulso durante el "The Gospel According to Hammond" y "I Love You Even More Again", melodías que es difícil expresar mucho entusiasmo. Si bien es un Siebels organista competente, que en el tercio inferior de favoritos. Un trío de fecha sería bienvenida para conocer cómo se puede extender de manera efectiva con los huesos más desnuda combo, por lo que los oyentes pueden evaluar sus verdaderos colores. ~ Michael G. Nastos, All Music Guide Dave Siebels with Gordon Goodwin's Big Phat Band Temas: 01-The Coupe 02-Not That There's Anything Wrong with That 03-Da Blues 04-Girl Talk 05-I Wish 06-The Gospel According to Hammond 07-I Love You Even More Again 08-The Cat 09-Sort of Like a Samba 10-The Eleventh Hour Musicos: Gordon Goodwin-Piano, Arranger, Conductor, Sax (Tenor), Producer, Soloist, Musician Eric Marienthal-Sax (Alto) Andy Martin-Trombone, Soloist, Musician Charlie Morillas-Trombone Dave Spurr-Drums, Musician Craig Ware-Trombone (Bass) Roy Wiegand-Trumpet, Musician Brian Scanlon-Sax (Tenor), Musician, Soloist Ed "Edgardo" Smart-Sax (Tenor), Musician Wayne Bergeron-Trumpet Dan Savant-Trumpet, Contractor Jay Mason-Sax (Baritone) Rick Shaw-Bass Pete DeSiena-Trumpet Brad Dutz-Percussion Bernie Dresel-Drums Jeff Driskill-Sax (Tenor) Dan Fornero-Trumpet Grant Geissman-Guitar, Soloist, Musician Alexander Iles-Trombone Sal Lozano-Flute, Musician, Sax (Alto), Soloist
"Historia de un amor" es un álbum que se escucha y el baile a dos. El nacimiento del disco: una noche en 1500 parejas de bailarines de todo el mundo se reúnen para un concierto en Rennes Dany Brillant, Dany ese día sabe que dedicará su próximo álbum para bailar juntos. El ritmo de la apertura de clases de baile que llevan a dos jóvenes de entre 10 y 30 años en todo el mundo opta por Dany 12 canciones Dalida hecho famoso por Elvis Presley, Charles Aznavour, Dean Martin, o Luis Prima, cada estas canciones rindiendo homenaje a un baile. TANGO, MAMBO, SWING, BOSSA, ROCK, SLOW ... que disminuyó el ritmo del jazz latino en 12 canciones que le son costosas. Dirigió y produjo este álbum. Estas canciones tienen ahora una nueva imagen, nueva vida, entre las grandes bandas de sonidos de Broadway y el cine de Henry Mancini y Lalo Schifrin. El primer baile con Dany que se abre el nuevo álbum de tango es un bolero. Es la nueva luz que quería dar a la canción hecha famosa por Dalida, que necesariamente debe presentar su disco: "una historia de amor" no es nada menos que la canción en la que sus padres se encontraron. Dany Brillant - Histoire d'un amour (2007) Temas: 01- Viens Danser (Swing de Bop) 02- Histoire d'Un Amour (Tango Bolero) 03- Mambo Italiano 04- Strangers in the Night (Jerk) 05- Volare [Lindy Hop) 06- Ay! Mourir Pour Toi (Samba Bossa Nova)] 07- You Don't Have to Say You Love Me (Slow) 08- Hava Naguila (Quick Step) 09- Besame Mucho (Fox-Trot) 10. Belle Vie (Slow Fox) 11- Buona Sera (Boogie Woogie) 12- Moulins de Mon Coeur (Rumba Lente) Musicos: Dany Brillant-Guitar (Acoustic), Adaptation, Realization Michael Cohen-Director Matt Lemmler-Piano, Orchestra, Clavier, Arranger Hans Glawischnig-Contrabass, 6-String Electric Bass Dave Carbonara-Contrabass Helen Gillet-Violoncello Allen Nisbet-Violoncello Mark Mullins-Trombone Scott Bourgeois-Sax (Alto), Sax (Tenor) Eric Trolsen-Trombone Dennis Dotson-Trumpet Sean Jones-Trumpet Michael Genevay-Trombone (Bass) Michael Skinkus-Percussion Jean Marie Ecay-Guitar (Electric) Olivier Constantin-Choeurs Murielle Lefebvre-Choeurs Dany Vasnier-Choeurs
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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Gothenburg Symphony Orchestra conducted by Thord Svedlund
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