jueves, 27 de febrero de 2014

Tony Perez - From Enchantment And Timba... To Full Force Jazz




Nacido en Sancti Spiritus , Cuba , Tony Pérez comenzó su formación de jazz en la Escuela Nacional de Artes de Cuba . Fue allí donde se ganó el aprecio por Irakere , un grupo de jazz latino popular que comenzó a idolatrar . Desarrolló su propio estilo de tocar el piano y comenzó a colaborar con el también músico Isaac Delgado y el ex miembro de Irakere , José Luis Cortés. Él continuó trabajando en su propio material , uniéndose a grupo de salsa Klimax y actuando en el famoso Festival de Jazz de Montreaux . En 1997 fue uno de los más jóvenes directores musicales de jazz latino en el género , en colaboración con Irakere después de haber sido seleccionados por los compañeros músico Chucho Valdés para dirigir la banda. A pesar de su condición de grupo , se las ha arreglado para trabajar con muchos otros grupos y músicos de jazz , y pasó una buena parte de la gira de los 90 finales y la grabación con un sinnúmero de otros músicos. En 2001 , su gira americana con Irakere se detuvo debido a los ataques terroristas en Nueva York , por lo que se trasladó a Boston para promover el material de su banda , mientras que se quedaron en Cuba debido a su cancelado visas._Bradley Torreano

En Cuba , son y salsa bandas no se rompen cuando los miembros importantes mueren o se jubilan - se limitan a contratar a nuevos miembros y seguir perseverando . Es por eso que una institución cubana , como el Septeto Nacional de Ignacio Piñero ( que se formó en 1927) era todavía juntos cuando el siglo 21 llegó - a pesar del hecho de que el propio Piñero murió en 1968 . Aunque Irakere no va tan lejos como Septeto Nacional - pianista Chucho Valdés fundó la banda en 1973 - también se considera una institución cubana y ha tenido su parte de los cambios de personal . Cuando Valdés se retiró de Irakere en la década de 1990 , la persona que puso a cargo era compañero pianista cubano Tony Pérez . Desde Enchantment y Timba ... To Jazz Full Force , lanzado en los EE.UU. en 2001, es el primer lanzamiento americano de Pérez con su propio nombre . Este esfuerzo de jazz latino no es innovador o con visión de futuro , pero es inspirada y memorable. Aunque Pérez ofrece un número de salsa orientada vocal ( Arsenio Rodríguez "Mi China") , encantamiento es ante todo un disco de instrumentales de jazz latino - ser, bop duro específico y post -bop con ritmos afrocubanos . 
Mientras que el pianista ( que escribió siete de las 11 selecciones ) es lírica e introspectiva en la suave " Kay' Nay " y el reflexivo " Analógico ", que es igual de probable que sea extrovertida y duro - tirándole. Actuaciones exuberantes de Willie Colón " Jazzy " y Eddie Palmieri de " Picadillo " son obra de un músico que suena como él creció escuchando a Dizzy Gillespie, Machito , Mongo Santamaría, Cal Tjader , Poncho Sánchez, y otros pesos pesados ??del jazz latino. ¿Es este derivado álbum? Por supuesto. Pero derivado no significa aburrida y , mientras Enchantment no trata de reinventar la rueda afrocubana , es sólida y enjoyable._Alex Henderson






Tony Perez - From Enchantment And Timba... To Full Force Jazz (2001)

Temas:
01.Picadillo 
02.Encanto 
03.Analógico 
04.Jazzy 
05.A La Antigua 
06.Ninon 
07.La Diferencia 
08.La Danza 
09.Mi China  
10.A Puerto Padre Me Voy 
11.Kay' Nah  

Musicos:
Tony Pérez-Piano
Braulio Fernández-Bass
Coky Garcia-Drums and timbales
Miguel Valdés-Percussion and bongos
Mario Felix Hernández "El Indio"-Trumpet
Alexander Brown-Trumpet
Reynaldo Pérez "El Bola"-Flute
Alfred Thompson-Tenor sax
Emilio Suarez Martinez-Vocals
Alberto Bermudez-Vocals

miércoles, 26 de febrero de 2014

Paco de Lucía - Cositas Buenas



Francisco Sánchez Gómez (Algeciras, Cádiz, España, 21 de diciembre de 1947 - Playa del Carmen, Quintana Roo, México, 25 de febrero de 2014),2 de nombre artístico Paco de Lucía, fue un compositor y guitarrista español de flamenco.
Recibió, entre otros muchos galardones, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1992), la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002) y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004). Fue Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por el Berklee College of Music, distinción concedida en mayo de 2010.
Aunque casi toda su obra se desarrolla en el flamenco, grabó algunos trabajos en otros estilos, como la música clásica, la fusión del flamenco con el jazz y otros estilos musicales.

Tanto su madre, Lúcia Gomes La Portuguesa ("españolizado" para Lucía Gomes), como su padre, Antonio Sánchez, influyeron mucho en su vocación. Recibió las primeras clases de guitarra de su padre, que a su vez había aprendido de la mano de Manuel Fernández "Titi de Marchena" (primo hermano de Melchor de Marchena, 1907-1980) en los años veinte, y de su hermano Ramón de Algeciras (1938-2009).8 Su padre hacía que Paco practicase muchas horas de guitarra diarias durante su niñez. El nombre "De Lucía" quedó ligado a él durante su niñez, ya que, como él mismo cuenta, en su barrio había muchos Pepes, Pacos, etc., y entonces se los identificaba por el nombre de la madre, por lo que él era conocido como "Paco, el de Lucía" en el barrio algecireño de La Bajadilla.
Era hermano de artistas flamencos: de Pepe de Lucía (1945-), cantaor profesional ya de niño, y del fallecido Ramón de Algeciras (1938-2009), guitarrista también profesional. Durante muchos años le acompañaron en grabaciones y giras, teniendo ellos sus propias carreras en solitario y trabajando con otros artistas.
A finales de los años sesenta conoce a Camarón de la Isla (1950-1992), con quien crea una mítica unión musical, fruto de la cual son los primeros discos de ambos.9 Se muestran como excelentes intérpretes del flamenco más ortodoxo. Grabaron diez discos entre 1968 y 1977. Después, juntos y por separado, fueron precursores de un flamenco más popular y mestizo entrando en el terreno del pop, el rock y el jazz.

Paco de Lucía en el Vito Jazz Festival en julio de 2010.
Paco de Lucía recibió la influencia de dos escuelas: la del Niño Ricardo (1904-1972), considerado como una de las figuras más destacadas de la guitarra flamenca y el precursor más directo de Paco de Lucía, y la de Sabicas (1912-1990), a quien se considera como el máximo influyente en el desarrollo y perfeccionamiento de la guitarra flamenca como instrumento de concierto (antes, la guitarra era un instrumento de acompañamiento al cantaor).
La contribución de Sabicas en el flamenco es doble: por un lado, amplía la técnica de la guitarra flamenca (inventó, por ejemplo, la alzapúa en una cuerda y el rasgueo de tres dedos), y por otro destaca como un compositor de categoría, ya que sus obras se caracterizan no por unir falsetas ?frases líricas que toca el guitarrista cuando el cantaor deja de cantar?, sino por crear una estructura melódica, rítmica y armónica perfectamente coherente de principio a fin, como en cualquier obra clásica, cosa que en el flamenco nunca se había hecho, a excepción de algunas figuras coetáneas ?por ejemplo, Esteban de Sanlúcar (1910-1989), en creaciones como Mantilla de feria o Panaderos flamencos?. Pocas cosas cabe objetar al toque de Sabicas, que gozaba de una extraordinaria técnica con una amplia sonoridad ?muchas veces tocaba en los escenarios sin micrófono? debida a su fuerte pulsación y a la enorme calidad de sus composiciones.
La mayor contribución de Paco de Lucía al flamenco es la de haber conseguido popularizarlo e internacionalizarlo, aunque ello haya supuesto muchas veces una merma de la pureza en el toque. Está considerado como un espléndido intérprete por su virtuosismo y su personalísimo estilo, que se puede definir como vigoroso y rítmico. Este estilo se manifiesta en la calidad de numerosas obras del artista.[cita requerida] Entre ellas, Entre dos aguas (rumba), La Barrosa (alegrías), Barrio la Viña, Homenaje al Niño Ricardo (soleá), Almoraima (bulerías), Guajiras de Lucía y Río Ancho (rumba).
Es importante además el esfuerzo que ha realizado este artista por dar a conocer el flamenco al público de fuera de España y el haberse atrevido a "darle otro aire" mezclándolo con otros estilos, que, aunque de estructuras melódicas y rítmicas diferentes, pueden congeniar bien con él. Paco de Lucía ha abierto el camino para este tipo de experimentaciones y fusiones del flamenco con diversas músicas.
Otro aporte de Paco de Lucía al arte flamenco contemporáneo ha sido la inclusión del cajón. Este instrumento de la música afroperuana es conocido por Paco de Lucía en Perú a fines de los años setenta, de manos de Carlos Caitro Soto de la Colina, cajonero y compositor peruano. Paco de Lucía intuye y entiende, al conocer este instrumento peruano, que puede ser una solución a la permanente necesidad de percusión que requiere el flamenco, y lo añade, en complicidad con Rubem Dantas, a los elementos percusivos utilizados en su sexteto de entonces, convirtiéndose el cajón desde ese momento y con el paso del tiempo en un instrumento imprescindible del arte flamenco contemporáneo y luego, de otras corrientes musicales internacionales.


Falleció debido a un infarto el 25 de febrero de 2014 en la ciudad de Playa del Carmen (México), a donde fue trasladado desde Tulum, donde solía residir durante prácticamente todo el año. El artista falleció en el área de urgencias del hospital Hospitem, a donde llegó con un fuerte dolor de pecho._wikipedia







Paco de Lucía - Cositas Buenas (2004)

Temas:
01.Patio Custodio (Buleria)
02.Cositas Buenas (Tangos)
03.Antonia (Buleria por Solea)
04.El Dengue (Rumba)
05.Volar (Buleria)
06.El Tesorillo (Tientos)
07.Que Venga El Alba (Buleria)
08.Casa Bernardo (Rumba)

Musicos:
Paco de Lucía - Bouzouki, Guitar, Mandolin, Lute, Vocals, Choir, Chorus, Singer, Producer, Palmas
Angela Bautista - Vocals, Choir, Chorus, Palmas
Montse Cortes - Vocals, Choir, Chorus, Singer, Palmas
Guadiana - Choir, Chorus, Palmas
Alain Perez - Bass
Pirana - Percussion
Potito - Vocals, Choir, Chorus, Singer, Palmas
Alejandro Sanz - Tres
Tomatito - Guitar 

Paco de Lucía muere a los 66 años



Paco de Lucía muere a los 66 años. Enmudeció el pellizco genial de la guitarra de Paco de Lucía. El intérprete flamenco ha muerto en México a los 66 años, según confirman fuentes de su entorno y del Ayuntamiento de Algeciras (Cádiz), su ciudad natal y a cuyo perfil portuario estará para siempre asociado su inimitable sonido con las seis cuerdas. De Lucía se 

encontraba jugando con sus nietos en una playa en Tulum, donde poseía una casa, cuando se ha sentido súbitamente indispuesto, según un amigo íntimo del músico, Victoriano Mera.

El artista ha muerto de camino al hospital. Las primeras conjeturas apuntan a que el guitarrista, galardonado con el Príncipe de Asturias de las Artes en 2004, guía del arte jondo por nuevos e inexplorados caminos al frente de su sexteto de trazas jazzísticas y eternamente recordado por su asociación en el olimpo del flamenco con Camarón durante los 60 y 70, ha fallecido a causa de un infarto. 

El músico vivía desde hace años en Palma de Mallorca, tras su paso por lugares como la Península del Yucatán o Toledo, donde se dejaba ver (poco), con una mezcla irresistible de bonhomía yreclusión. En los últimos tiempos fijó su residencia en Cuba. Los que lo trataron en Mallorca lo recuerdan con una cierta alergia hacia la guitarra, que dejó de tocar durante un tiempo, con ganas de compartir ratos con gentes sencillas, alejado de los cenáculos artísticos e intelectuales y dedicado a sus dos hijos de corta edad.

Era la forma en la que Francisco Sánchez Gómez, tal era su nombre real, huía de su propia leyenda. Un mito que también obtuvo sus recompensas comerciales; en 1973, su celebérrima rumba Entre dos aguas lo aupó a lo más alto de las listas de éxitos con la conjura propia de las casualidades. La composición fue la última en entrar en el repertorio de aquel disco que 

acabaría invadiendo centenares de miles de hogares aquellos años en los que España se sacudía el polvo negro de la dictadura.

Ya solo su asociación con Camarón de la Isla, la entente de dos amigos de infancia curtidos en los tablaos que en aquellos setenta andaba dando sus últimas bocanadas, le habría servido para ingresar en las enciclopedias de la música popular. Pero habría mucho más. Sus primeros escarceos con el jazz, por los que fue acusado de bastardización del arte jondo, datan de finales de la década anterior, cuando colaboró, aunque sin figurar, en los discos de jazz flamenco del saxofonista navarro Pedro Iturralde. A mediados de los 70, fue dando forma a una banda irrepetible, nutrida del talento de sus hermanos, Pepe de Lucía y Ramón de Algeciras, y los jóvenes Jorge Pardo, Carles Benavent y Rubem Dantas, con el que se introdujo el cajón peruano en la ecuación flamenca. La cristalización de la leyenda de aquella banda única se dio a principios de los 80, con los discos Solo quiero caminar (1981) y Live... One summer night (1984).

De los ochenta data también su asociación con dos titanes de la improvisación a las seis cuerdas: Al di Meola y John McLaughlin. Juntos giraron por todo el mundo asombrando a auditorios de todas las clases y tamaños con su contagioso virtuosismo. 

Además de cruzar flamenco con jazz, De Lucía hizo lo propio con el blues, la música hindú, la salsa, la bossa nova o la música árabe. También contribuyó a difuminar las frontera entre la música culta y la popular con históricos registros en el Teatro Real.

Doctor honoris causa por la Universidad de Cádiz y el Berklee College of Music, el jurado de los Premios Príncipe de Asturias le reconoció su "honradez interpretativa" y su capacidad de trascender "fronteras y estilos" que le convirtieron en "un músico de dimensión universal". "Todo cuanto puede expresarse con las seis cuerdas de la guitarra está en sus manos", destacó el fallo.

El Ayuntamiento de Algeciras, que ha decretado tres días de luto oficial, está haciendo las gestiones, en contacto con la familia, para facilitar la posible repatriación del cadáver. Además, esta mañana, se han suspendido todos los actos municipales previstos para esta jornada._C. Romaguera / I. Seisdedos (El Pais)



 Gracias Paco de Lucía, por todo el legado que nos dejas, siempre estarás en nuestros corazones.

martes, 25 de febrero de 2014

Wagon Cookin' - Appetizers



Wagon Cookin' es el proyecto acariciado por los hermanos Luis y Javier Garayalde, dos inquietos músicos cuyas propuestas marcan tendencia en la escena más contemporánea.

Desde mediados de los 80 forman parte en bandas de Jazz y completan su formación musical en piano, bajo, contrabajo, fagot, batería y percusión en el conservatorio. En los 90 surge un acercamiento a la música de baile, tanto acid jazz, electrónica, house? De la combinación de música, la buena cocina y la experiencia de vivir en un vagón de tren de principios de siglo XX, nace Wagon Cookin', un grupo único en su género en España y de gran proyección internacional. Muy bien recibidos por la crítica y el público, después de vivir por tres años en Salvador de Bahía en Brasil y realizar conciertos en diferentes países, han trasladado su cocina a Madrid como centro de operaciones para llegar a toda Europa.

Editan 3 maxisingles con el sello inglés Odori propiedad de Chris Duckenfield, otros tres bajo su propio sello Appetizers que se convierten en éxitos mundiales con apoyos de gente como Masters At Work que les remezclan, Trüby Trio o Gilles Peterson. En 2002 publican su exitoso Appetizers, primer álbum como tal de los hermanos, que cosecha éxitos por toda Europa y les lleva a tocar en el Popkomm de Colonia, el Midem de Cannes y que culminan con su banda tocando cuatro días consecutivos en el mítico Blue Note de Tokio, una experiencia al alcance de muy pocos y compartiendo cartel con Eddie Palmieri, Azymuth, Marcos Valle o Chick Corea. Tras la edición en 2003 de un larga duración denominado Assorted Cookin, en el que hacían recuento de sus producciones para otros sellos, así como un par de nuevos temas que servían de aperitivo para lo que sería su tercer trabajo.


Éste vino precedido de un cambio de aires: su amor por la música brasileña les lleva a dejar España y trasladarse a Salvador de Bahía. Allí se empapan de música y ritmo, reclutan a la plana mayor de músicos de la ciudad y crean Everyday Life, y reúnen bajo el mismo techo la bossa clásica heredera de Joao Gilberto, con el broken beat o el house más actual. Everyday Life fue elegido finalista de los premios de la música, en la categoría de mejor disco de jazz, junto a Bebo Valdes y Paloma Berganza. Todo este trabajo de producción viene acompañado por su trabajo incansable tras los platos: sesiones de Dj en las que recrean en directo sus propios temas, modificándolos en actuaciones únicas e irrepetibles, que han llevado por media Europa, América y Japón. Ya a principios del 2006 editaron su segundo álbum en Japón titulado Sunny Side up, y posteriormente grabaron este Two Faces que ahora presentamos, del que se lanzó un adelanto en 12' titulado Start to play para el verano 2006 con gran éxito de crítica nacional e internacional.

Tras el lanzamiento y el éxito de crítica en octubre de 2006 del maxisingle Start to Play editado por el sello Compost Black Label y que salió como adelanto de este nuevo álbum, Javier y Luis Garayalde presentan Two Faces. Un disco doble que incorpora todas las inquietudes musicales de Wagon Cookin' a lo largo de su trayectoria en un disco que será el deleite de los Dj's. Un disco doble que muestra las dos caras de Wagon Cookin' la que siempre les ha identificado: fusiones de jazz, soul, latin, Brasil, funk, house entre otros ingredientes y otra en la línea de tendencia electrónica de club, ahora en 2008 presentan su album de remixes 2Faces remixed, en esta ocasión, grandes nombres de la electrónica actual se encargan de reinterpretar y dar un nuevo aroma sus canciones: Osunlade, Llorca, Atjazz, Sasse, Christiam Prommer, Nacho Marco, Shape, Inverse Cinematics, Isaac and Trotz, Motor City Drum Ensemble?.





Wagon Cookin' - Appetizers (2002)

Temas:
01.Intro
02.Natural High
03.Salt & Pepper
04.Earth
05.No Complications
06.Appetizer
07.Magic
08.Mar
09.El Primero Con Cuchara
10.Con Un Daiquiri
11.El Segundo Servir Muy Caliente
12.Stretch Your Mind
13.Hotter Than Fire
14.One Way No Way 

domingo, 23 de febrero de 2014

Xavier Cugat - The Original Latin Dance King



Grabado entre 1941 y 1955. Xavier Cugat tuvo una carrera musical que se extendió durante muchos más años de los que están cubiertos en esta colección. Pero esto solo-disco, 26 canciones antología de los lados de los años 1940 y 1950 ha de ser considerada como la mejor colección de su obra. Este era el primer de Cugat, y las pistas cuentan con una mejor fidelidad de los que hizo antes de 1940, si se considera su mejor momento al haber empezado antes. Al oír estas mezclas animados y excepcionalmente bien realizados, pioneros de la música pop latina, jazz, y, uno se sorprende de que Cugat no ha recibido respeto de la crítica más grave a lo largo de las líneas de Machito y Tito Puente. El lapso 1940-1957 se asegura una buena cantidad de variedad en los músicos de orquesta y los numerosos vocalistas destacados, con Miguelito Valdés manejo de aquellos con más frecuencia que cualquier persona en varias canciones de principios de los años 40, pero muchos otros (incluyendo una cantante femenina, Abbe Lane) turnándose también.
 "Babalu", presentado aquí en una grabación de 1941 con Valdés en la voz principal, podría ser la más famosa canción, pero en realidad se trata de la energía prácticamente sin parar y diversión mambo, cha cha, rumbo, y tal, juega con el tiempo consumado y humor. Esto sólo cruces ocasionales más en el territorio de la novedad, entre los que destacan "Yo Ta Namoa", donde Valdés desata alguna increíble fraseo tartamudez, la portada de "Mambo Jambo" de Pérez Prado, y una magnífica versión cinematográfica de "Bésame Mucho". ~ Richie Unterberger





Xavier Cugat - The Original Latin Dance King (2002)

Temas:
01. Babalu
02. Jamay
03. Anana Boroco Tinde
04. The Brand New Cha Cha
05. Cuca
06. Bim Bam Bum
07. A Bailar Merengue
08. Coco Seco
09. Suavecito
10. Miami Beach Rhumba
11. Yo Quiero Un Mambo
12. Son Los Dandis
13. Mambo Jambo
14. Ritmo Tropical
15. (The Chi Chi) Cha Cha Cha
16. Yo Ta Namora
17. The Anything Can Happen Mambo
18. Mambo Gordo
19. Besame Mucho
20. Tumbao
21. Bread, Love And Cha Cha Cha
22. La Mucura
23. Cuban Mambo
24. Mondonguero
25. Mondongo
26. Who Me?

sábado, 22 de febrero de 2014

Rumbantela-Let´s Go To The Rumba




Algunos de los verdaderos héroes no reconocidos del jazz latino convergen en la Rumbantela Vayamos a la Rumba ! Tan penetrante es el talento en este disco que es imposible de seleccionar la estrella que brilla en el grupo. Equipos de gran percusionista puertorriqueño Egui Castrillo arriba con Tito de Gracias y David Rosado - todos han " tocado con " listas siempre y cuando su brazo. Héroe bass América Oskar Cartaya y reconocido pianista Edsel Gómez se unen por el trompetista / director de orquesta Humberto Ramírez y el saxofonista Frankie Pérez. Grabado en su totalidad en Puerto Rico , nos dejó va a la Rumba ! es un CD de hip increíblemente bien equilibrado. Un verdadero dream team , la sección de percusión ranuras gusta, con un increíble equilibrio entre la creatividad y el espacio. Edsel Gómez y Oskar Cartaya son un regalo especial para los oídos. Gómez es consistentemente el solista más agradable en el expediente, y de las actuaciones de Cartaya es suave y elegante. 
Se podría esperar una a toda velocidad , levante el techo - Descarga del título del disco, pero el ambiente es más a menudo relajada que los nervios de punta . Los cuernos ofrecen una melancolía de blues que no es típico de este tipo de registro. Incluso en las selecciones uptempo , la banda parece tumbarse y disfrutar del paseo en lugar de empujar. Hay pocos discos fuera hoy que suenan como una verdadera colaboración , y este es uno de ellos . Hay muchos proyectos que pretenden status " all-star " . Este disco realmente se lo merece. ~ Evan C. Gutierrez



Masacot Blues

Rumbantela-Let´s Go To The Rumba (2003)

Temas:
01.Masacot Blues
02.Bernie's Tune
03.Tertulia
04.Despues D'esto
05.Great Time
06.Corcovado
07.Jammin
08.Entorno

Musicos:
Humberto Ramirez-Trumpet and flugelhorn
Frankie Perez-Tenor and soprano sax
Oskar Cartaya-Bass
Edsel Gomez-Piano
Tito De Gracia-Timbales, congas, bongo, bata & percussion
Eguie Castrillo-Congas, bongo & percussion
David Rosado-Timbales, bongo, bata & percussion

jueves, 20 de febrero de 2014

Rumbatá Big Band Goes Colombia



En 1990 se inició la historia de Rumbatá con tres conciertos en importantes escenarios amsterdameses: Melkweg, Paradiso y Meervaart. Rápidamente, Rumbatá, bajo dirección del colombiano Jaime Rodríguez, estableció una reputación no sólo en Holanda sino también a escala internacional, como prominente orquesta de salsa, lo que le permitió presentar su espectáculo en importantes escenarios como el North Sea Jazz Festival de La Haya , Sunsplash Festival, en Austria; Neuchâtel Jazz Fest, en Suiza; Gronau Jazz Fest, en Alemania; las fiestas municipales de Luxemburgo; Open Tropen, en Bélgica; el Tabarka Jazz Festival, en Túnez; el Festival Bahia das Gatas, en Sao Vicente, en Islas de Cabo Verde; el Mylos Festival, en Salónica, Grecia, el Festival Benny Moré en Cuba y los festivales de jazz de Monatlcino y Villa Celimontana en Roma, Italia. En Colombia, Rumbatá tuvo el honor de inaugurar uno de los principales festivales de salsa del mundo, La Feria de Cali, convirtiéndose en la única orquesta europea de salsa que ha sido invitada a participar en este evento.

La música de Rumbatá se caracteriza por su moderno enfoque de los ritmos de salsa, con líneas melódicas y una original y rica estructura armónica. El repertorio propio se distingue por una novedosa mezcla de arreglos para instrumentos de viento y una sobria, impetuosa y sólida sección rítmica. La orquesta sirve de firme base a sus vocalistas, permitiendo simultáneamente sorpresivas y alegres improvisaciones.

Luego de sus exitosas producciones Rumbatá Big Band “Goes Colombia”, Rumbatá “Patria y bandera” y Rumbatá “Cuatro estaciones de América Latina”, llega la nueva producción de esta gran orquesta: “Traigo de todo”, la cual congrega once cortes y un bonus track, donde se hace evidente el talento de estos músicos, destacándose en este álbum las fabulosas versiones del clásico inmortalizado por Richie Ray y Bobby Cruz “Colombia’s Boogaloo” y “Contigo aprendí” del maestro Armando Manzanero. Grabado, mezclado y masterizado en Ámsterdam por Jaime Rodríguez, “Traigo de Todo” promete ser uno de los mejores álbumes de salsa del presente año._ Milenium





Rumbatá Big Band Goes Colombia (2004)

Temas:
01.Prende La Vela
02.Diana María
03.Hombre Al Agua
04.El Pescador
05.La Molinera
06.Atlántico
07.Mi Buenaventura
08.Porro Medley
09.La Pollera Colorá
10.Chivirica
11.El Coco De La Vieja
12.Carmen De Bolivar
13.Sanjuanero 

martes, 18 de febrero de 2014

Gibson Brothers - Cuba



Nacidos en Martinica, estos tres talentosos hermanos, Chris, Patrick, y Alex Gibson, comenzaron a actuar juntos en 1976. Su sonido ha sido llamado disco-salsa por algunos, simplemente caliente por otros.

El single, "Come to America", fue grabado ese primer año, 1976. Aterrizó en muchas listas de música de Europa, convirtiéndose en un éxito número uno en algunos. En 1977, sintonizar los Gibson Brothers "," Non Stop Dance ", fue un vendedor de millones. Este golpe solo encontró las listas europeas también. Tres años más tarde, los hermanos rompieron en las listas de éxitos de todo el mundo, incluyendo la American Billboard Top Ten, con un poco de número llamado "Cuba". Se vendieron más de cuatro millones de copias y obtuvo 14 discos de oro. El curso parecía dispuesto, y otros lanzamientos como "Ooh What a Life" y "Que Sera Mi Vida" hizo así, y aún mejor.

Álbum The Gibson Brothers, Emily, fue lanzado en 1987 y les ganó un Grupo de la concesión del año. En 1995 y 1996, el trío lanzó dos compilaciones, Cuba y el mejor de los Gibson Brothers. Los discos están llenos de discoteca de rock suena como "You" y "Better Do It Salsa". El álbum producido-belga, Move On Up, fue lanzado a nivel mundial en 1997. Se llevó a cabo una mezcla de viejas canciones junto con el nuevo.





Gibson Brothers - Cuba (2000)

Temas:
01. Cuba
02. Que Sera Mi Vida
03. Better Do It Salsa
04. Ooh What A Life
05. Mariana
06. My Heart's Beating Wild
07. Latin America
08. Come To America
09. Heaven
10. Non Stop Dance
11. Carribean Concerto
12. Are You Ready
13. Silver Nights
14. I Left My Heart In America
15. Party Tonight

domingo, 16 de febrero de 2014

Rudy Calzado - La Música Tipíca De Cuba



Con "A Tribute To Mario Bauzá", Pedro "Rudy" Calzado asumió la herencia de su ex líder de la banda y amigo. El sucesor de ese álbum, "La Musica Típica de Cuba", por su parte, vuelve a estilos de juego más tradicionales. En su último disco Calzado vuelve a los estilos que le hicieron famoso en la década de 1950 y 60. El cantante, compositor, arreglista y percusionista registran en gran medida sus propias composiciones anteriores, vuelva a hacerlo en unos arreglos más bailables y demostrar que él tiene el mando completo y expertos de toda la gama de montuno, el bolero y el cha-cha-cha de Descarga.

Pedro Calzado Suárez. Cantante y compositor. Creció como cantante en medio de Orquestas Cubanas que se creaban y luego se fusionaba en otras de mejor sonido, de voces maravillosas y de hermosos acordes, él estaba en esa metamorfosis rumbera mezclado y participando en casi todas estas propuestas musicales de alto calibre.

Nacido en Santiago de Cuba, Cuba, el 27 de noviembre de 1929 y muere en Nueva York, Estados Unidos, el 11 de mayo de 2002. Inició su carrera profesional como cantante de la orquesta de Pancho Portuondo en Santiago de Cuba, con los también vocalistas Angelito Villavicencio y Fernando Álvarez; posteriormente pasó al conjunto de Apolunio Puente, entre cuyos integrantes estaban Fernando Álvarez y Pacho Alonso.

En la década del 50 se trasladó para La Habana, donde actuó con las orquestas de Esteban Antúnez, en el Montmartre, y Fajardo y sus Estrellas; después viajó a Ciudad de México México con la orquesta de Enrique Jorrín y más tarde con Estrellas Cubanas, conducida por el violinista y compositor Félix Reyna.

Al final de los años 50 cuando se llevó a cabo unas de las mayores inmigraciones de los músicos cubanos hacia los EUA y fue precisamente Nueva York quien los acogió y asimiló. En su estancia en Nueva York, Rudy integró a diversas orquestas lográndose destacar en la:

La Charanga La Duboney del maestro Charly Palmieri La Charanga del maestro Belisario López La Charangadel maestro Mario Bauzá

Participó en diversos proyectos newyorquinos de carácter charanguero como actuar junto a Pacheco, Fajardo y Charly Palmieri o descarguistas que fueron dirigidos por Mongo Santamaría, Ray Barretto, Chihuahua Martínez y Charlie Palmieri, entre otros. Su amigo Carlos “Patato” Valdés lo bautizó de manera cariñosa con el apelativo de “Cabeza de Queso”. Considerado como “persona non-grata” por el monopolio disquero de Jerry Masucci, Calzado se fue con su música para Los Ángeles, California, por década y media e incursionando subsecuentemente en otras comarcas geográficas, desde Ciudad México y Casablanca en Marruecos hasta Barcelona España y París Francia.

En Chicago,Estados Unidos junto al flautista Rolando Lozano y el pianista René Hernández, fundó la orquesta "Nuevo Ritmo de Cuba" con la que debutó en el Palladium de Nueva York; luego viajaron a Puerto Rico y de allí a Los Ángeles, California, para presentarse en el Hollywood Palladium.

El imperio salsero de Fania Records ya había desaparecido cuando Calzado retornó a la Gran Manzana – a principios de los noventas – colaboró como vocalista y compositor en los tres últimos discos de la Orquesta de Don Mario Bauzá. Cruzó el nuevo milenio de una manera incólume, fuerte, aferrado a su creencia de renunciar a morir –dado a que Rudy fue un creyente de la reencarnación. Además le tocó la alta responsabilidad de dirigir y mantener el sonido claro, transparente y sutil de la prestigiosa Orquesta de Don Mario. "Creo en la reencarnación", aseguró. "Tú te empiezas a morir desde el primer minuto que naces. Pero el espíritu y el alma jamás mueren, sólo cambian de forma. Ojalá que yo pueda cambiar de forma en una canción"

Rudy condensa lo que nos expresó de una manera muy humana e interior uno de sus biógrafos, el señor Luis G. De Quesada columnista del prestigioso portal salsero Descarga: “Para mi Rudy Calzado fue un cantante por excelencia de charangas y como una vez señale en uno de mis artículos sobre él, que, un coro de charanga sonaba mejor si Rudy lo integraba.

En virtud de la fama adquirida por Rudy Calzado, fue llamado por Johnny Ventura para organizar una nueva charanga en la ciudad de Nueva York. Más adelante formó su propia orquesta con la que viajó a París Franci] y trabajó en el Club Keur Samba y luego en el Maxim y en otros centros de esa ciudad. Finalmente, trabajó como vocalista de la orquesta de Mario Bauzá.

Aparece en los filmes Yo soy del son a la salsa, del cubano Rigoberto López, y Celos de mí, del alemán Wim Wenders. Con su orquesta Cubarama, actuó por última vez el 31 de diciembre de 2001 en Atenas, Grecia.

Rudy también se distinguió como compositor y dejo una huella imborrable en la música cubana grabada. Sus hermanos, Sergio y Luis Mariano Calzado eran también muy buenos cantantes de charanga, sobre todo Sergio quien por mucho tiempo fue la primera voz de las orquestas del maestro Fajardo y de las Estrellas Cubanas de Felix Reyna”... Seguir leyendo

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Rudy Calzado - La Música Tipíca De Cuba (2000)

Temas:
01.La Botija Del Abuelo (Rudy Calzado)
02..Tumba La Caña (Pio Leyva)
03.La Reina Del Cafe (Rudy Calzado & Pio Leyva)
04.Celos De Mi (Rudy Calzado)
05.Que Te Pasa Corazon (Anais Abreu)
06.La Malanga (Rudy Calzado)
07.Nuevo Milenio (Rudy Calzado)
08.Cancion De La Alegria (Anais Abreu)
09.Esta Noche (Rudy Calzado)
10.Nunca Pienses Que Te Olvide (Rudy Calzado)
11.Descarga Jose (Rudy Calzado & Pio Leyva)

Musicos:
Rudy Calzado-Vocals
Pio Leyva-Vocals
Anais Abreu-Vocals
Julio Padron-Trumpet
Alexander Abreu-Trumpet
Hugo Morejon-Trombone
Jorge Leliebre-Flute
Ernesto "Boris" Luna-Piano
Cesar "Pupi" Pedroso-Piano on "La Malanga and "Celos De Mi"
Pedro Fajardo-Violin
Gerado Miro-Violin
Juan De La Luz-Tres
Adalberto 'Candelita' Avila-Bass
Tata Guines-Congas
Samuel Formell-Timbgales
Roberto Hernandez Acea-Bongo, bells
Victor 'Pasito' Herrera-Guiro

sábado, 15 de febrero de 2014

Septeto Nacional De Ignacio Piñeiro - Sones Cubanos



Septeto Nacional. Agrupación emblemática de la música cubana y en especial del Son. Fundada por Ignacio Piñeiro.

Fue fundado como sexteto en La Habana el 13 de diciembre de 1927, integrado por Ignacio Piñeiro]], director y contrabajo; Alberto Villalón, guitarra; Francisco González Solares (Panchito Chevrolet), tres y voz prima del coro; Juan de la Cruz, tenor y claves; Bienvenido León, barítono y maracas, y José Incharte (El Chino), bongó. Con esta nómina viajó a Nueva York para grabar. A su regreso ingresó a esta agrupación el trompetista Lázaro Herrera, quien a partir de entonces haría las transcripciones de las obras de Piñeiro, convirtiéndose la agrupación en septeto. Es contratado por la academia de baile Havana Sport.

En 1929 participó en la Feria-Exposición de Sevilla, España; en ese país fue contratado como artista exclusivo por la empresa SEDECA, y realizó una gira por otras ciudades de ese país: Vigo, La Coruña, Santander (en el Cine España, estrenaron el 3 de octubre de 1929, el son Asturias, patria mía), Madrid y Valladolid; además, actuó en los teatros Torero, Jovellanos, el Cine-Teatro Grado, y el cabaret Maicú, todos en Madrid. En este viaje el septeto lo integraban: Ignacio Piñeiro, director y contrabajo; Francisco González Solares, tres; Eutimio Constantín, guitarra; José Jiménez (Cheo) —falleció en el barco durante la travesía—, cantante; Agustín Gutiérrez, bongó; Juan de la Cruz y Bienvenido León, cantantes, y Lázaro Herrera, trompeta.

En 1930 se dejó escuchar por la radioemisora CMCQ, La Loma del Mazo, y después en el cabaret Sans-Souci; en 1931 se presentó en las radioemisoras Lavín y CMCG; en 1932, en el hotel Dos Hermanos, donde estrena Buey viejo, de Ignacio Piñeiro, y en la Sociedad Los Anaranjados. En 1933 participó en la Feria-Exposición Un Siglo de Progreso, celebrada en Chicago, Estados Unidos. En este período, 1930-1933, sus integrantes eran: Ignacio Piñeiro, director y contrabajo; Francisco González Solares, tres; Eutimio Constantín, guitarra; Alfredo Valdés, tenor; Bienvenido León, barítono, y Abelardo Barroso, voz prima y guía; Miguel Ángel Portillo, bongó, y Lázaro Herrera, trompeta... Seguir leyendo

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Septeto Nacional De Ignacio Piñeiro - Sones Cubanos

01.Mayeya, No Jugues Con Los Santos (Son Habanero)
02.Bardo (Bolero Son)
03.Lejana Campiña (Guajira Son)
04.Canta La Vueltabajera (Guajira Son)
05.Guanajo Relleno (Guaracha Son)
06.Esas No Son Cubanas (Son Habanero)
07.Suavecito (Son Capricho)
08.Alma guajira (Guajira Son)
09.Castigador (Son Habanero)
10.Echale salsita (Pregón Son)

jueves, 13 de febrero de 2014

Afro Bop Alliance - Encarnación



Jazz latino que se ha llamado la unión perfecta : la ingeniosa combinación de los ritmos dinámicos del Caribe con la sofisticación melódica del jazz. Esto también describe la música de AfroBop Alliance , un emocionante conjunto de 7 piezas con sede en el área de Washington DC . Con el lanzamiento de su primer CD, " Encarnación ( Encarnación ) " AfroBop Alianza hace una declaración acerca de su acercamiento al jazz latino.

" Encarnación " cuenta con 8 composiciones que reflejan lo largo y ancho del jazz latino contemporáneo. Los clásicos están bien representados . De Cal Tjader Viva Cepeda no pierde la sensación de su quinteto clásico , ahora que se dispone para los tres cuernos AfroBop . Dizzy Gillespie Con Alma recibe un trato especial de arreglista residente de AfroBop y trombonista Dan Drew-. La banda agregó un golpe adicional a la estándar de jazz Stolen Moments , sin embargo, nunca se pierde nada de su swing. Y que la mayoría de América de todos los estándares de jazz Caravan se juega con el sabor que compositor puertorriqueño Juan Tizol debe haber imaginado para ella.

Cabe destacar en este punto de la empresa AfroBop Alianza mantiene . Destacado en el CD son dos de Nueva York más en los músicos de la demanda , el trompetista Ray Vega y el pianista Arturo O'Farrill . Trompeta América bop - influenciada de Vega (¿o es al revés ? ) Recuerda tanto bebop pequeño grupo , así como el Conjunto típico tan popular en la música cubana . Tomando un descanso de la realización de Jazz en la prestigiosa nueva Orquesta Afro América del Lincoln Center, O ' Farrill trabaja sus estilismos de piano en el tejido del estrecho vínculo que el grupo ha desarrollado .
Líder y baterista de AfroBop Joe McCarthy sabe cómo detectar el talento. Su elección del compositor Michael Phillip Mossman para escribir la mayor parte del material de " Encarnación " permite una introducción a esta primera clase afrocubano compositor. Su danza de negación era un elemento básico en los últimos años de mucho jazz de Ray Barretto sabor trajes de jazz latino . La pieza central emocional del disco es la Sabiduría Para el Premio del grupo revolucionario conocido como Jerry González y Fort Apache. El corte del título está escrito por Ed Fast , un amigo de la banda que lo escribió especialmente para McCarthy y sus compañeros de banda : el trompetista Tim Stanley , el saxofonista Luis Hernández , el trombonista Drew, el bajista James Fowler, pianistas Harry Appleman y Mike Whitaker y percusionista Félix Contreras .


Nunca ha habido un mejor momento para ser un fanático del jazz latino. AfroBop Alianza comparte su dedicación al pasado , mientras que aferrarse a una visión para el futuro con el lanzamiento de su CD " Encarncaión " .

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Afro Bop Alliance - Encarnación (2004)

Temas:
01.Encarnación
02.Chachanita
03.Con Alma
04.Dance of Denial
05.To Wisdom The Prize
06.Mama Soho
07.Caravan
08.Viva Cepeda
09.Stolen Moments
10.Mosscode

lunes, 10 de febrero de 2014

Ray Mantilla Space Station-Hands of Fire



Raymond Mantilla (Nueva York, 22 de junio de 1934) es un percusionista estadounidense de jazz y jazz latino. Ha trabajado como músico de sesión y como colaborador en giras, con los principales músicos de jazz de su época. Mantilla ha sido también director de big bands, destacando el grupo "M'Boom", co-liderado con Max Roach.

Mantilla comkenzó a tocar en Nueva York, a mediados de los años 1950. En esa época, trabajó con un gran número de bandas de latin jazz, entre las que se incluyen La Playa Sextet, las big bands de Xavier Cugat, Lou Perez, René Touzet, Miguelito Valdez, y el Monguito Conjunto. Acompañó a la cantante Eartha Kitt, en 1955. En 1960 realizó una gira con la banda de Herbie Mann y grabó con Max Roach. También grabó con Al Cohn, en 1961, y con Freddie Hubbard, Buddy Rich, y Larry Coryell. Desde 1963 a 1969, Mantilla lideró su propia big band en Puerto Rico, uniendo en 1970 fuerzas con Max Roach, para formar el grupo de percusiones, "M'Boom".


Mantilla fue miembro de los Jazz Messengers de Art Blakeya comienzos de los años 1970, realizando giras por EE. UU., Europa y Japón. A continuación, grabó con Gato Barbieri, Joe Farrell (1974), Richie Cole, Don Pullen (1976–77), Charles Mingus (1977–78), Walter Bishop, Jr., y Morgana King (1979). Realizó una gira por Cuba con Dizzy Gillespie, en 1977.


En 1979 fundó un grupo llamado "The Ray Mantilla Space Station", y a lo largo de la década de 1980, trabajó en directo y en grabaciones, con músicos como Muhal Richard Abrams, Kenny Burrell, Shirley Scott o Warren Chiasson. en 1991 puso en marcha una nueva banda, "The Jazz Tribe"._wikipedia



Estación espacial del percusionista Ray Mantilla (un grupo que incluye a Dick Oatts en saxos y flauta, el pianista Eddie Martínez, el bajista Peter Barshay, Joe Cámaras en la batería y vibráfono, y Steve Berrios en la batería y percusión) hicieron su debut discográfico con Manos de Fuego. Hay muchas pequeñas sorpresas en el camino durante este conjunto afrocubana incluida la libre-forma casi empezando a la apertura "Ode to Vivian" (antes de que se instala en una ranura de América), la forma en que rollo de Chambers a veces da al grupo un sonar similar a Cal Tjader de, las pantallas de percusión concisas, y algunos excelentes bop con sabor latino. Con la excepción de la tradicional "En Nos Otros", toda la música está compuesta por originales del grupo, mezclando estilos juntos mayores con las nuevas ideas._Scott Yanow




Ray Mantilla Space Station-Hands of Fire (1984)

Temas:
01. Ode to Vivian
02. Gourdo Lobo
03. Six for Kim
04. Mariposa
05. En Nos Otros
06. Mantilla's Blues
07. Carajillo con Mantilla

Musicos:
Ray Mantilla (percussion)
Eddie Martinez (piano)
Peter Barshay (bass) 
Dick Oatts (flute, saxophone)
Joe Chambers (vibraphone, drums)
Steve Berrios (drums, percussion)

domingo, 9 de febrero de 2014

Anna Estrada - Obsesión



Cuando Elis Regina murió, la mayoría de los brasileños pensaban que el vacío creado por la pérdida no puede ser llenado. Entonces llegó Rosa Passos y Anna Estrada. Los dos cantantes no compiten por un puesto en la ranura vacía que Regina dejó atrás, sin embargo ambos han llenado de forma individual con la extraordinaria amplitud y el alcance de su talento. Passos se mantiene dentro del ethos brasileño más a menudo que no, y si Obsesion es cualquier cosa ir cerca, entonces Estrada parece ser más aventurero que abarca todo el ethos latinoamericano y afro-brasileña. 

Sin embargo, aquí es donde todas las comparaciones adicionales deben terminar. Estrada posee una voz única, con un rango dinámico que se extiende de dos octavas y media. Ella es maravillosamente expresiva y más propensos a vivir en los personajes de sus canciones que cualquier artista brasileño en la actualidad. En Obsesion ella ha elegido lo que se puede argumentar que un espectro más estrecho de la canción-una mirada en el "amor" en varias formas. En realidad, es al revés-el registro profiere una asombrosa variedad de estados de ánimo, las sensibilidades y retablos, provocando sentimientos intensos. 

Es notable que Estrada canta en Inglés, Español y Portugués. Por sí mismo, esto puede ser ningún gran logro, pero ser conscientes de cada idiosincrasia, de toda forma rítmica y expresión de tales culturas musicales dispares representa toda una hazaña. Por ejemplo, en español se vuelve el viejo favorito, "La Mentira" (La Mentira) en un nuevo estándar deslumbrante. 
"Nature Boy", cantado en Inglés, está impregnada de un espíritu maravilloso que pocos, y sólo los que tienen el alma de la canción profunda, puede hacer surgir de las entrañas. 

"Llorona" es una de las reconstrucciones más negras brillantes y más estremecedor de la mito de Medea. Sólo un cantante que puede lanzar el hechizo del duende de la parte más oscura del alma podría haber sacado esta canción fuera. "Soledad" captura la naturaleza melancólica de la soledad, de la misma a medida que Al Hibbler vez lo hizo con la Duke Ellington Orquesta en "Soledad". La otra canción Inglés en el expediente, Burt Bacharach y Hal David "Always Something There To Remind Me", se remonta a algunos de los más bellos hijo formas en Cuba. 

La comida brasileña es notable por la variedad de estados de ánimo que transmiten las canciones. Vinicius De Moraes "Carta Ao Tom 74" probablemente se mantiene más fiel a la manera en que se escribió la canción, pero de inmediato recuerda la época dorada de vocalastics brasileñas bajo Elis Regina. El chorinho, "Upa Neguinho" es refrescante y trae "la niña negro" a la vida una vez más. "Adeus America" ??es una de los 50 antiguos boogie-woogie escrito a la altura de la fascinación de Brasil con la canción americana. Estrada llena la sala con su presencia cuando ella se balancea en esta canción y hacer que resuene con saudade . 

Otros dos notables contribuciones en el CD incluyen la percusión de Michelle Goerlitz largo y de magnífica armónica de Damien Masterson, especialmente en "Llorona"._Raul d'Gama Rose

Llorona


Anna Estrada - Obsesión (2009)

Temas:
01. La Mentira
02. Nature Boy
03. Carta Ao Tom 74
04. Obsesion
05. Llorona
06. Upa Neguinho
07. Flor Sin Retono
08. Always Something There To Remind Me
09. Soledad   
10. Adeus America 

Musicos:
Anna Estrada: vocals
Ray Scott: guitar (1-3, 6, 8-10)
Alex Baum: bass(1-8, 10)
Jonathan Alford: piano (1-7, 10)
Phil Thompson: drums (1, 2, 4, 6. 8. 10)
Michelle Goerlitz: percussion (1, 3, 4, 6. 8. 10)
Raul Ramirez: dumbek, cajon (2, 5, 7)
Damien Masterson: harmonica (3, 5)
Charlie McCarthy: saxophone (1, 4)
Tommy Kesecher: vibraphone (8)
Chuck Bennett: trombone (1)
Wayne Wallace: trombone (4)

El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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