Pianista, compositor y arreglista, Simón Bolzinger es un apasionado de las músicas tradicionales, muchas de las cuales ha transcripto al piano así también como las ha reescrito para orquesta, con estricto respeto por la tradición, y buscando siempre la autenticidad de las mismas. De formación clásica y jazz se interesa principalmente por las culturas de América del Sur y del Caribe. Director artístico de la Asociación PICANTE en Marsella, organiza cada año, el Encuentro ”Tambor y Tango” sobre las músicas tradicionales, al igual que varios intercambios internacionales que luego conllevarán a la producción de espectáculos y grabaciones. De formación clásica, es por el canto coral que descubre América del Sur, integrándose a los coros universitarios de Caracas, bajo la dirección de Alberto Grau y de María Guinand. Habiendo pasado dos años en Venezuela (1989-1990) se inicia en la salsa y otros polyritmos afro-venezolanos. Obtiene la “Medalla de Oro de la clase de Jazz del Conservatorio de Marsella, bajo la dirección de Guy Longnon (1992).
Al final de sus estudios de Ingeniero en Física y de un doctorado en Acústica (1995), bajo la dirección del compositor Jean-Claude Risset, Bolzinger opta por la carrera de músico profesional y funda el grupo de salsa ZUMBAO que cosechó quince años de giras y de reconocimiento internacional, coronado en la apertura de la Feria de Cali-Colombia, (2006). Fino conocedor de las músicas tradicionales venezolanas, estudia tambien la tradición cubana y conoce a la cantante Martha Galarraga, con quien fundan juntos “Galarumba”(2003). Mas adelante, crea y organiza los reencuentros anuales “Tambor y Canto” en la Cité de la Musique de Marsella (2005) continuando con la presentación de todas las músicas de América del Sur. Le encontraremos también como compositor de voces conjuntas en”Voix de Strass”de Strasbourg, o como arreglador y acompañador para canciones mestizas en espectáculos tales como: “Nougarotrement” con Jean-Phillippe Trotobas,, “Waya’j”con Elsy Fleriag, “Barbara Jazz” con Katy Bolide, “Hispano América”con El Tchoune y Sylvie Paz, “Cabaret Eldorado”con Gil Aniorte, ”Aqua” con Regina Celia, así como también con las cantantes Michele Fernandez y Corinne Vangysel.
He aquí nueve de mis ritmos favoritos, tan apreciados como las canciones, que me gusta tocar al piano o en mi cabeza. Porque llevan en sí la identidad de una región, de un país, de un pueblo o de una música. Los descubrí en los "Encuentros Tambor y Canto" de la Ciudad de la Música de Marsella. Luego empecé a domarlos, colándome con mi teclado entre percusionistas y cantantes. Luego me los llevé a casa, y se los enseñé a mis amigos del jazz... Mis "ritmos queridos" seguramente habrán cambiado desde el principio del viaje, pero qué más da, mientras escuchar a este trío te lleve en un viaje musical a Sudamérica, la tierra de los llaneros, boleristas o candomberos, donde la música es danza, danzón, côco o huayno._Simon Bolzinger(assospicante)
Simon Bolzinger - Ritmos Queridos (2020) Temas: 01. Quitapesares 02. Mambo de Machaguay 03. Montuno en Olinda 04. La Pomeña 05. Como Llora un Estrella 06. Beau Soir & Dindi 07. Danzón para Oxúm 08. Baile de los Morenos 09. El Ciego Musicos: Simon Bolzinger (piano) Willy Quiko (Contrabajo, bajo) Luca Scalambrino (Batería) Invitado:
Que Dafnis Prieto ha emprendido un viaje musical épico queda claro en la música de este disco. Back to the Sunset, es la culminación de un viaje que mira hacia atrás desde el futuro. Esta colorida fantasía sinfónica es la realización de los sueños y aspiraciones de un batería que puede ocupar un asiento detrás de un juego de trampas, pero que en realidad pertenece a cualquier parte de la orquesta. Y mágicamente, el Sr. Prieto se ha convertido en la orquesta que anima y en la miríada de historias que se cuentan o, más apropiadamente, se cantan, los personajes de esta conmovedora y apasionante obra cambian. En algunas de ellas, el personaje principal es una trompeta animada, o un saxofón alto, un trombón, un piano, un bajo y también, si es necesario, un tambor. Hay una dinámica poderosa que impulsa toda esta música. Pero nunca al mismo ritmo.
Tampoco sigue un camino lineal y predecible. Más bien serpentea, salta en arcos parabólicos, viaja en profundos movimientos de ensueño con gracia y poder. "Back to the Sunset", por ejemplo, es la lujosa balada cromáticamente sinuosa del Sr. Prieto, que cuenta con la voz inconfundiblemente singular de Henry Threadgill al saxofón alto. La pieza, asombrosamente lenta, es muy imaginativa y la retorcida y ornamentada melodía del solo evoca al protagonista explorando la inmensidad del tiempo y el espacio. Lo mismo ocurre con la trepidante "Una Vez Más", que anuncia el sonido de big band desde el principio mientras avanza en una enorme partitura orquestal marcada por sensuales invenciones melódicas que se despliegan en las explosiones de deslumbrante color de Brian Lynch. Lo mismo ocurre con "Song for Chico", una canción dedicada a uno de los mentores del Sr. Prieto, Chico O'Farrill. Aquí Steve Coleman proyecta su gigantesca sombra sobre la pieza. En la música de esta pieza, el Sr. Prieto conserva claramente una profunda reverencia por lo que la mayoría de nosotros seguimos considerando la suma y la perfección del maestro O'Farrill. El Sr. Coleman, al igual que los demás solistas invitados y, de hecho, todos los miembros de la big band, demuestran que han captado la visión y el arte del Sr. Prieto con una perfección de matices.
En toda la música de esta grabación, el Sr. Prieto, su compositor y director, hace que domine la musicalidad. Aprovecha las sutiles artes de sus compañeros intérpretes para crear una grabación de referencia. Las numerosas joyas de esta grabación están marcadas por interpretaciones individuales de enorme habilidad, así como por grandes coros de conjunto como los que uno tendrá que caminar muchos kilómetros para descubrir en su vida.
Dafnis Prieto Big Band - Back to the Sunset es ganador de la 61ª edición de los Premios Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Jazz Latino._Raul Da Gama (latinjazznet)
Luis Diego Bonilla (12 de octubre de 1965) es un trombonista de jazz estadounidense de ascendencia costarricense . También es productor, compositor y educador.
Luis Bonilla nació y creció en Eagle Rock, California, de padres que habían inmigrado a los Estados Unidos desde Costa Rica . Conoció la música y el jazz mientras asistía a Eagle Rock High School en Los Ángeles. Bonilla se inscribió en una "clase de metales" (creyendo que era una clase de taller de metal) solo para descubrir que estaba aprendiendo a tocar el trombón. En Eagle Rock High School estudió con el trompetista John Rinaldo en un programa de música y jazz bien establecido y galardonado que había producido músicos como Roger Ingram , Carlos Vega y Art Velasco. Durante este tiempo estuvo fuertemente influenciado por la interpretación y las grabaciones del legendario trombonista Carl Fontana .
Después de graduarse de Eagle Rock High School, estudió música en la Universidad Estatal de California en Los Ángeles y obtuvo una licenciatura en música. Durante su estancia en CSULA, fue miembro de la big band número uno y del mejor quinteto de jazz que obtuvo los máximos honores en el West Coast Collegiate Jazz Festival. Bonilla grabó cinco grabaciones notables con la big band de CSULA como solista destacado y realizó los arreglos para uno de esos LP. Estudió en Los Ángeles con Don Raffell , Roy Main, David Caffey y el ex trombonista y productor de Stan Kenton, Bob Curnow . Cuando más tarde se mudó a la ciudad de Nueva York , obtuvo una maestría en Interpretación y Composición de Jazz de la Escuela de Música de Manhattan .
Luis Bonilla (sentado) produciendo Mists: Charles Ives para Jazz Orchestra , abril de 2014
Bonilla se mudó a la ciudad de Nueva York en 1989 con la esperanza de tocar con uno de sus héroes musicales, el baterista Art Blakey . Bonilla finalmente aterrizó con Lester Bowie como trombonista del grupo y continúa inspirándose en Bowie con quien realizó numerosas giras y grabaciones. Bonilla se refiere a Bowie como su "padre fuera de casa", con quien ha aprendido mucho sobre la música y el proceso creativo. Se ha mantenido como músico de sesión y acompañante actuando con McCoy Tyner , Dizzy Gillespie , Tom Harrell , Freddie Hubbard , Astrud Gilberto , Willie Colón y Toshiko Akiyoshi . Ha demostrado su versatilidad como músico trabajando y grabando con artistas tan variados como Tito Nieves , Phil Collins , Tony Bennett , Alejandro Sanz , Diana Ross , Marc Anthony , La India y Mary J. Blige .
Ha sido miembro de la Mingus Big Band y de la Jazz at Lincoln Center Afro Cuban Jazz Orchestra; también ha realizado giras y grabado extensamente con Dave Douglas . En particular, se desempeñó como segundo trombonista (cátedra de jazz) de la Vanguard Jazz Orchestra durante 19 años (1999-2018). En febrero de 2009, recibió dos premios Grammy con la Vanguard Jazz Orchestra y actuó con la Afro Latin Jazz Orchestra . Ambos grupos han ganado numerosos honores con Bonilla como parte de esos conjuntos y como solista destacado. Mostrando su versatilidad como trombón, en 2010 apareció como solista clásico en The Chamber Wind Music de Jack Cooper y como solista de jazz en la grabación de gran conjunto Coming Through Slaughter – The Bolden Legend (SkyDeck). Se desempeñó como productor principal y trombonista en 2014 en el CD Mists: Charles Ives for Jazz Orchestra ( Planet Arts , 2014), que obtuvo elogios internacionales.
Luis Bonilla es el ganador del premio Rising Star de la revista Downbeat en 2010 y 2011.
Como artista de trombón, fue incluido en la encuesta de lectores de Downbeats en 2012. Bonilla también fue incluido en la encuesta de críticos de JazzTimes de 2011 para los mejores artistas de trombón de ese año.
Luis Bonilla ha enseñado en la Escuela de Música de Manhattan , la Universidad de Temple y el Conservatorio de Nueva Inglaterra . Desde 2013, Bonilla se ha desempeñado como director musical de la JM Jazz World International Youth Jazz Orchestra realizando giras por muchas partes de Europa. [7] Ha sido artista invitado y clínico en numerosos colegios y escuelas de música en los Estados Unidos e internacionalmente, incluyendo la Universidad de Memphis , la Universidad del Norte de Iowa , Riverside City College , la Universidad de Wellington (Nueva Zelanda) y muchas más. Ha enseñado en la Universität für Musik und darstellende Kunst en Graz, Austria._(wikipedia)
Hace unos diez años tuve la satisfacción de invitar al gran escritor Julio Cortázar a la presentación de un grupo de jazz que actuaba en el cabaret Parisién, del hotel Nacional, en La Habana. El momento culminante de la interpretación del grupo era un duelo de trompetas entre Jorge Varona, de los lrakere, y Arturo Sandoval. "increíble", me dijo el autor de Rayuela. "No podía imaginar que en Cuba hubiera trompetistas de jazz de esa calidad". Esta opinión no era intrascendente. Cortázar, gran fanático del jazz en Rayuela y su narración El perseguidor, basada en la figura de Charlie Parker, que están entre lo mejor que se haya escrito sobre el tema, sin olvidar a Thomas Merton o Jack Kerouac. Un año más tarde el encuentro de Cortázar con Sandoval, el joven trompetista cubano tocaba con uno de los grandes del jazz al mismo tiempo era su ido/o, Dizzie Gillespíe, durante la visita que éste hizo a Cuba en 1977. Y al año siguiente se presentaba con el grupo lrakere en el Festival de Newport, donde entonces le tocó el turno de asombrar a Maynard Ferguson. En el propio año 1977, en el Teatro de los Campos Elíseos, el joven pianista cubano Jorge Luis Prats ganaba el Primer Gran Premio del Concurso Marguerite Long, y además los premios Chevillon-Bonnaud y Maurice Ravel. En esa ocasión el novelista y musicólogo cubano Alejo Carpentier, que como Cortázar trabajaba entonces en París escribió una elogiosa nota en la que aseguraba hacerse eco de la crítica al calificar a Prats de "pianista fenomenal". Toot suite, del compositor francés Claude Bolling, unió a estos dos asombrosos instrumentistas. La obra en si, una suite para trompeta y "piano de jazz" se pudiera calificar de ecléctica y en gran medida lo es, pues integra de manera muy funcional el barroquismo de un Vivaldi con el clasicismo de un Mozart y toda una tradición francesa que incluye los nombres de lbert, Lalo, D'lndy, Massenet, Frank, Paul Dukas Ravel, Paul Bonneau, Eugene Bozza, Faure, Jolivet, Henri Broser, Michel Lagrand, y en sus últimos exponentes incorpora elementos del jazz, género que siempre tuvo su avanzada europea en Francia. Lo más sorprendente y paradójico en apariencia la ejecución de esta obra por estos dos solistas es descubrir al jazzista Sandoval como un intérprete impecable dentro de la gran tradición concertante europea y al concertista Prats atacar con sabor y swing genuinos las inflexiones jazzístícas de la obra.
Pero la sorpresa se diluye si recordamos una vez más al propio Carpentier, cuando al señalar las condiciones excepcionales de Prats como intérprete citaba que su ejecución de las Danzas rituales de André Jolivet había provocado el asombro de la viuda del compositor, autora de un libro sobre Edgar Varese, a tal punto que le dijo al novelista: " al escuchar a su compatriota creía oír al autor interpretándola". Y en cuanto a Arturo Sandoval, nos muestra de nuevo su facilidad en cualquier linea de trabajo, igualmente en el jazz la música ligera y la música popular cubana. Por eso se le ha visto desempeñarse con igual maestría junto al gran sonero Félix Chappotín y en festivales o jam' sessions con los mejores trompetistas de jazz de hoy : Gillespíe, Ferguson, Woody Shaw, John Faddis y Wynton Marsalis, y a semejanzas de este último, incursionar cada vez más en los dos terrenos más exigentes y repartir su trabajo entre lo "clásico" y el jazz.
Este disco es, por tanto, un regalo. Tanto para los más exigentes en los matices del jazz como para los aficionados a la música llamada "culta". Y un banquete para quienes esperan de la música solo y todo lo que es, música. Desarrollada por dos colosos._ Leonardo Acosta
Incluso para alguien que no esté muy versado en los rigores del negocio de la música, la hazaña de mantener unido a un conjunto de jazz repleto de talento durante 16 años no debería dejar de impresionar. En Revelation, el sexto álbum de la Afro Bop Alliance (ABA), con sede en Washington DC, escuchamos al batería y líder Joe McCarthy y a sus colegas alcanzar niveles aún más altos de excelencia técnica y aventura compositiva.
Formada como septeto, la ABA se ha convertido en una big band completa en dos de sus cinco lanzamientos anteriores, el primero en 2008 con el Caribbean Jazz Project, ganador del Grammy Latino: Afro Bop Alliance Featuring Dave Samuels, y en 2011 con Una Más. Esto convierte a Revelation en el tercer trabajo para big band, y su fuerza sónica es evidente. Victor Provost, el virtuoso del steel pan que subió a bordo de la ABA para su maravilloso lanzamiento de 2014 Angel Eyes, regresa con dos composiciones propias, «Magharibi» y «Soufriere». La mezcla de steel pan -tres intérpretes adicionales de steel pan, de hecho- con voicings de big band tan potentes y resonantes es una de las delicias de Revelation. Toda una revelación.
El saxofonista tenor y principal de la ABA, Luis Hernández, contribuye con «Dialed In», originalmente una composición para un pequeño grupo, que se escucha aquí en una versión ampliada repleta de color armónico, en una sensación lenta y relajada de 12/8. Y la apertura «CuBop», co-compuesto por McCarthy y ABA alto / saxofonista soprano / arreglista principal Vince Norman, es un guiño al nombre original de la banda y la celebración de su toma única en el legado del jazz afro-cubano. El guitarrista Jim Roberts emerge como una voz melódica clave desde el principio, su tono eléctrico limpio trae a la mente elementos de John Abercrombie y Joe Beck.
El resto del programa está dedicado a la obra de Roland Vázquez, cuyas partituras implicadas e ilimitadamente imaginativas le sitúan como uno de los compositores de jazz más importantes de nuestro tiempo. Los logros de Vázquez (como baterista y compositor) se remontan a mediados de la década de 1970, incluyendo una etapa fundamental con su mentor Clare Fischer. Experimentado pedagogo, Vázquez ha acumulado una variada producción que incluye obras para big bands, orquestas, grupos de cámara y conjuntos de percusión, entre otros. Su disco The Visitor, publicado en 2010, fue aclamado por todo el mundo y atrajo la merecida atención hacia esta gran voz infravalorada del jazz para grandes formaciones.
Los tres temas dirigidos por Vázquez en el estudio son «No Rest for the Bones of the Dead», «Family of Four» y «Créencias», de poco más de 10 minutos de duración cada uno. La primera se abre con una melodía anhelante de Hernández en primer plano, con sutiles acelerandos y deslizamientos de tempo que llevan a la pieza por un largo camino hacia un buen solo de tenor de Hernández. En la segunda, Alex Norris toca el fliscorno, en un hermoso vuelo al principio de la canción, y Matt Stuver regresa para un apasionado saxo tenor en la parte final.
En la tercera, «Créencias», los acordes de bloque declarativos de la apertura dan paso a un tema ineludiblemente apretado y groove y a una densa y gloriosa espesura de escritura lineal angular y contrapunto seccional laberíntico. Siguen los solos del trompetista y principal de la ABA Tim Stanley, el trombonista Victor Baranco y luego McCarthy, en una conmovedora y compleja sección de llamada y respuesta con la banda. Un breve pero efectivo retozo del pianista y director de la ABA Harry Appelman pone fin a la pieza, mientras la dinámica desciende, el ambiente se calma y la pieza -el álbum- llega a un enigmático y flotante final.
De principio a fin, Revelation es el clavé en toda su elasticidad y permutación, animado por una sección rítmica de consumada claridad y delicadeza. La ágil interacción de McCarthy con el percusionista Roberto Quintero (en los temas de Vázquez, Samuel Torres) está magníficamente captada por los micrófonos. El sólido ritmo y la versatilidad de los bajistas -el principal de ABA, Tom Baldwin; en los temas de Vázquez, Oscar Stagnaro- son cruciales para la cohesión y la pegada de cada pieza. Y no hay duda del hábil manejo de los arreglos por parte de Appelman y de sus fugaces giros como solista, especialmente en «Dialed In».
El saxofonista barítono y clarinetista bajo Darryl Brenzel, un destacado compositor y arreglista por derecho propio, es una especie de arma secreta en Revelation: salta para doblar una sección de metales con sordina o una línea de bajo o para subrayar un pasaje para flauta, clavando cada entrada y salida precisa. Su instrumento salta a la vista en la mezcla, uno de los muchos detalles intrincados de la paleta sonora de ABA. Otro es el vibrafonista Ed Fast, que aparece en los temas de Vázquez y aporta un brillo metálico a las orquestaciones (similar en cierto modo al de Provost en los temas que no son de Vázquez).
En términos de profundidad, sofisticación y maestría, ABA puede situarse en la cima del jazz de concierto, pero el grupo sigue enraizado en el ritmo de baile afrocubano, la primacía del ritmo y de la melodía. A pesar de su inclinación por las formas extendidas y la armonía modernista, esta música atrae directamente al oyente. En una palabra, tiene alma en abundancia._ David R.Adler - Nueva York, mayo de 2016
Virgilio Martí, nace en el año 1919 La Habana, Cuba. Fino Rumbero, Cantante, Compositor, Arreglista, Percusionista, Actor y Director de orquesta, bien conocido desde finales de los años 40's, especialmente como cantante de guaguancó.
Empezó a hacer giras por todo el mundo en el año 1949 y conoció a quien luego fue su esposa, en el año 1960, en Perú. En ese mismo año, se instaló en Nueva York, participando en la escena local. Participó en el LP "Patato y Totico" de 1967, también participó con su hermano Eloy Martí, en un Quinteto acompañado de Gene Golden, para el año 1979. También Israel López (Cachao), Arsenio Rodríguez, Héctor Cadavieco, Francisco Valdés, Papaíto, Tony Mayari y Mario Cadavieco, trabajaron en ese álbum. Participó en el "Grupo Folklórico Experimental Newyorkino, donde fue vocalista y percusionista del mismo, en 1975. En su estadía con ellos, compuso el tema "Cuba Linda". Otro trabajo de Martí de gran recordación, lo el disco titulado: "Saludando A Los Rumberos", publicado por la firma Caimán a inicios de los años 80’s y en el cual el cubano funge como vocalista y responsable o estrella principal en el mismo. En él, Martí se involucra con talentos como: Tony Cofresí, Andy y Jerry González, Yomo Toro, Paquito Pastor, Ray Romero, Claudio Roditti e Ignacio Berroa, entre otros. "Iya Modapue", constituye en si, un guaguancó con rumba abierta siendo a la vez el número favorito del "Grupo Folklórico", e incluso el primer surco que se grabó. Los niveles de experimentación y la libertad para descargar varios ritmos en una sola ejecución musical son los factores productores de la atracción de los músicos por "Iya Modupue" (que significa Gracias Madre). La parte vocal está en manos de Virgilio Martí. Sobresalen la trompeta de “Chocolate” Armenteros, en los trombones José Rodríguez y Reinaldo Jorge, la flauta de Gonzalo Fernández y la percusión de Frankie Rodríguez.
"Se Me Olvidó" - un bolero de Lolita de la Colina- pero adaptado en guaguancó al estilo del Grupo Folklórico, que dicho sea de paso resultó ser la pieza de mayor difusión radial en el ambiente tropical y por ende, el que le abriría las puertas a la agrupación. El tema fue interpretado por Virgilio Martí, quien en él también ejecuta las congas. En "Se Me Olvidó", sobresale el violín del cubano Alfredo de la Fe, el quinto de Julito Collazo, el redoblante callejero de Jerry González y una marimba mexicana tocada por Andy González en contrapunto a las notas del contrabajo, ejecutado también por Andy. Aquí vale acotar, que Alfredo de la Fe constituye el virtuosismo en los toques del violín y entre sus múltiples ejecutorias, recuerdo su trabajo con Eddie Palmieri, Larry Harlow (el judío maravilloso), las Estrellas de Fania y la vanguardista Típica 73. A principio de los 80's integró un banda con los hermanos Andy y Jerry González, y el percusionista Ignacio Berroa. Cabe destacar, la actuación en 1985 de Virgilio Martí en la película -del cineasta cubano León Ichaso- titulada :Crossover Dreams" (Sueños truncados). En la misma el habanero encarna el papel de “Cheo Babalú” y vocaliza el tema "Llora Timbero". En esa producción cinematográfica realizada en la ciudad de Nueva York, participa el también actor Rubén Blades, quien personifica a "Rudy Veloz". Allí entonan el tema "Todos Vuelven". Para 1990, contribuyó con la "Banda Sonora" de la película Azucar Amarga. Mantenía una gran destreza para convertir canciones de otros géneros, en arreglos de rumba. Podemos citar la adaptación del tema del compositor brasileño Jorge Ben, "Mas Que Nada", el cual aparece en el LP con Patato y Totico. Martí, falleció el 17 de octubre del año 1995._(Tom Datos "facebook")
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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