El teclista David Matthews ha sido, entre otras cosas, una fuente constante de funk, ya sea bebiéndolo del sudor del rítmicamente innovador padrino del soul James Brown o intentando verterlo sobre la cabeza del algo más enclenque Paul Simon. Entre las tendencias, para bien o para mal, a las que Matthews ha estado asociado desde los años 70 se incluyen también el sonido CTI, una exhaustiva lista de bandas sonoras para televisión y anuncios comerciales, y una serie de lanzamientos de la Manhattan Jazz Orchestra que han sido elogiados por la crítica. No hay que confundirlo con el Dave Matthews de la jam band, ni con el anterior arreglista y músico de cañas de la época de las big bands, aunque parece que ambos trabajaron para Frank Sinatra en su día.
Licenciado en composición por la Universidad de Cincinnati, Matthews comenzó su carrera como líder de una banda de baile a finales de los años sesenta. Este grupo realizó numerosas giras por varias partes de Europa y Matthews también empezó a establecer su presencia en la escena jazzística de Cincinnati. En 1970 empezó a trabajar como arreglista y director de orquesta para James Brown, lo que le permitió trasladarse a Nueva York y aprovechar la conexión con Brown para conseguir encargos independientes. Entre sus clientes se encontraban artistas tan exigentes como el batería y director de orquesta Buddy Rich, los cantantes Mark Murphy y Bonnie Raitt, y la Starland Vocal Band, entre muchos otros. A mediados de los 70, se convirtió en arreglista del sello CTI, lo que dio lugar a una serie de producciones suaves que fueron amadas por algunos aficionados al jazz y detestadas por otros. A partir de entonces, Matthews formó sus propios grupos, como el Manhattan Jazz Quintet. Compuso muchas películas para Hollywood, como The Parallax View, la primera versión de The Stepford Wives y Night Moves. También ha tenido bastante notoriedad por sus actividades en Japón._Eugene Chadbourne (allmusic)
David Matthews & The Super Latin Jazz Orchestra - Watermelon Man (1997)
Temas:
01. Caravan (Duke Ellington, Juan Tizol)
02. Watermelon Man (Herbie Hancock)
03. Carioca (Vincent Youmans)
04. Oye Como Va (Tito Puente)
05. Historia de Un Amor (Carlos Almaran Eleta)
06. Bonita Rosita (David Matthews)
07. Nica’s Dream (Horace Silver, Weaver Copeland)
Musicos:
David Matthews (Director, arreglos)
Lew Soloff (Trompeta)
Ryan Kisor (Trompeta)
Conrad Herwig (Trombón)
Chris Hunter (Saxo alto)
George Young (Saxofón tenor)
Joe Temperley (Saxo barítono)
Ross Traut (Guitarra)
Jon Werking (Sintetizador)
Mark Egan (Bajo)
Sammy Figueroa (Congas, cowell)
Gordon Gottlieb (Timbales, pandeiro)
James Saporito (Bongos, shaker, güiro)
Terry Silverlight (Batería)
Grabado en Warehouse Studio, N.Y. 27 y 28 de enero de 1997
Yilian Cañizares es una música cubana y suiza. Vive en Suiza desde 2000.
Nacida en La Habana, Yilian Cañizares comenzó a estudiar violín en su ciudad natal, en la más estricta tradición de la escuela rusa del violín. Con solo 14 años obtuvo una beca de estudios en Caracas y en el año 2000 se trasladó a Suiza para completar sus estudios en el Conservatorio de Friburgo. Poco tiempo después, las principales orquestas del área comenzaron a contactarla y, una vez instalada en Lausanne, colaboró durante seis años con diferentes conjuntos. En Suiza, se abre al jazz y decide empreder un nuevo camino musical incluyendo en canto en su carrera como artista profesional. Fue durante este periodo que la artista decidió formar un cuarteto con músicos de Alemania, Venezuela y Suiza (y posteriormente Cuba), y nació el grupo “Ochumare”, con el que, a solo seis meses de su creación, en 2008, ganó el premio del Montreux Jazz Festival Competition. A partir de ese momento su carrera ha ido creciendo continuamente. En los últimos años, ha compartido escenario con Ibrahim Maalouf, Omar Sosa, Youn Sun Nah, Richard Bona, Chucho Valdés, Roberto Fonseca, Dhafer Youssef, la Orquesta de Cámara de Lausanne y El Comité. También es profesora de violín en la Escuela de Jazz y de Música Actual de Lausana (Ecole de jazz et de musique actuelle de Lausanne EJMA). El éxito de sus álbumes “Ochumare”, producción independiente lanzada en 2013, seguido de “Invocación”, bajo la dirección de Alê Siqueira (quien ha colaborado con Roberto Fonseca, Omara Portuondo), ha consolidado su notoriedad como artista innovadora, capaz de aventurarse y trascender las fronteras musicales. Fue catalogada por el semanario francés Le Nouvel Observateur como “artista revelación del año” por su gran virtuosismo y carisma con el que es capaz de cantar y tocar violín. “Mi sonido refleja la riqueza y la mezcla de culturas que llevo conmigo hasta el día de hoy y representa lo que soy: mujer, cubana, músico y ciudadana del mundo", ha expresado la artista.
Su segunda producción discográfica “Invocación” se posicionó en el top de la lista Qobuz – World Music y fue relanzada en una edición Deluxe. “Aguas”, el álbum producido en colaboración con Omar Sosa, vio la luz en octubre del 2018. Acompañados por otro compatriota, Inor Sotolongo en la percusión, el dúo creó un disco íntimo y personal que refleja los puntos de vista de dos generaciones de artistas cubanos que viven lejos de su tierra. Este álbum es una mezcla de ritmos enérgicos y emotivas baladas que reflejan claramente la inigualable química musical que existe entre ambos artistas. Constituye una potente y única fusión de las raíces afrocubanas, la música clásica y el jazz. El 15 de noviembre de 2019 fue lanzado el nuevo álbum “Erzulie”, con su nueva formación Yilian Cañizares & The Maroons y dedicado a la deidad haitiana del amor y la libertad. Este trabajo discográfico fue grabado en New Orleans y cuenta la participación de numerosos invitados como Christian Scott (trompeta), Michael League (contrabajo), Bill Laurance (piano), Bobby Sparks (órgano) y Justin Stanton (teclados).
Su estilo refleja la variedad de sus influencias, con toques de jazz, de música clásica, de música cubana, con un gran espacio dejado a la improvisación. La revista francesa Les Inrockuptibles habla de una orquestación jazz mezclada con percusiones de ritual yoruba. Canta en español, en yoruba y en francés y uno de sus rasgos distintivos es que canta y toca el violín al mismo tiempo._(wikipedia)
Hay tantas influencias en este álbum; cubana, jazz, venezolana, suiza, que es difícil señalar en cada canción qué tema entra en cada categoría. De hecho, no lo hacen. Hoy en día es demasiado fácil querer encasillar la música en una categoría: esto es jazz; esto es soul; esto es funk. Yilian Canizares, en este maravilloso álbum, rompe los estereotipos y por eso es un placer escucharlo. Dulces estallidos musicales, explosiones de improvisación que saltan por todas partes. Incluso encuentra un hueco para rapear en "Iya Mi" y, obviamente, ¡es brillante!
Si tuviéramos que ponerle una etiqueta, cosa que no me entusiasma, diría que se trata de un álbum de jazz cálido con toques y trucos de infusión latina. La melodía serpenteante de "Beroni Abebe Osun", el primer tema del álbum, es un buen indicador de ello. El bajo palpitante, el latido del tema, con su violín punteado, la sangre que bombea por sus venas.
Cañizares también es lingüista, por si no era suficiente para que todos la admiráramos. La forma en que pasa del español a un francés de sílabas perfectas en su versión de "Je Ne Regrette Rien" de Edith Piaf (una versión preciosa, por cierto) no tiene fisuras y se le podría perdonar que pensara que es su primera lengua. No es fácil versionar canciones tan grandes como el clásico de Piaf, pero Cañizares lo hace con estilo, clase y, lo que es más importante, gracia. Todo lo que no sea gracia en un tema como éste lo convierte en una mala versión. Podría ser su propio tema, las cuerdas perfectamente ligeras para complementar la calma de la voz y la facilidad con la que la letra de Piaf nos quita el peso del mundo de encima. No me arrepiento de nada". Tan sencillo. Yilian Canizares, te saludamos. Y estaremos atentos al próximo álbum._(kreolmagazine)
Randy Weston (Brooklyn, Nueva York; 6 de abril de 1926-ib., 1 de septiembre de 2018) fue un compositor, músico y pianista estadounidense de jazz. Creció en un ambiente de músicos. Conocía a Max Roach, Cecil Payne y Duke Jordan, Eddie Heywood era su vecino, Wynton Kelly su primo y Thelonious Monk fue uno de sus primeros profesores y una gran influencia. A finales de la década de 1940 da comienzo su carrera profesional, trabajando en agrupaciones de r&b. La primera grabación de Weston como líder vio la luz en 1954 con el título Randy Weston plays Cole Porter - Cole Porter in a Modern Mood. Durante la década de 1950 Weston trabaja en el área de Nueva York con músicos como Cecil Payne, Kenny Dorham y Melba Liston y adquirie una gran reputación como compositor, con temas que hoy pertenecen al repertorio de standards como «Hi-Fly» o «Little Niles». El interés por sus raíces lo lleva a visitar África, un lugar que siemrpe ha estado muy presente en la obra y en la vida de Weston; en 1961 y 1963 visita Nigeria, y desde 1968 hasta 1973 se asienta en Marruecos, donde queda fascinado por la música y la espiritualidad del continente y desde donde continúa viajando en busca de nuevos talentos para su música.
Durante el resto de la década de 1970 Randy Weston continúa efectuando giras y editando trabajos para Arista, Polydor y CTI, pero a mediados de la siguiente década vuelve a Marruecos. Tras un pequeño período de inactividad en los estudios, retoma su actividad a finales de la década de 1980, grabando una serie de álbumes para Antilles y Verve entre los que cabe destacar su trilogía Portrait (dedicados a Elington, Monk y a sí mismo) y su ambicioso The Spirits of Our Ancestors un álbum de blues que traza los orígenes de esa música con la colaboración de músicos marroquíes. En 1993 y 1995, fue premiado con dos Grammy y desde entonces continúa con su actividades y sus colaboraciones con músicos de otras culturas..._(wikipedia)
Hace casi cincuenta años que el pianista y compositor Randy Weston tocó por primera vez en África, y desde entonces ha regresado en numerosas ocasiones -tres sólo este año 2010- para absorber los infinitos ritmos y colores del continente madre. Quizá más que ninguno de sus contemporáneos, Weston ha ahondado en las raíces africanas del jazz, ensalzando la belleza y riqueza de la cultura africana y estableciendo la conexión entre el pasado y el presente. The Storyteller, una grabación en directo maravillosamente íntima, es la primera grabación del quinteto African Rhythms (más el batería invitado Lewis Nash) desde Live in St. Lucia (Image Entertainment, 2003), y es conmovedora por ser la última grabación del trombonista Benny Powell, que falleció en junio tras 27 años cocinando blues en el conjunto de Weston. El disco se abre con una pieza para piano solo dedicada al percusionista afrocubano Chano Pozo, que desempeñó un papel fundamental en la fundación de las raíces del jazz latino junto al trompetista Dizzy Gillespie en la década de 1940. Sin embargo, es el espíritu del pianista Thelonious Monk el que canta con fuerza. Weston fue uno de los primeros pianistas de los años 50 en dejarse moldear por el sonido de Monk, y aquí construye sobre las melodías más sencillas un vocabulario de elegancia y disonancia. Grandes acordes graves y notas de bajo salpican ruidosamente entre ligeros figurines de la mano derecha, trinos, ecos de zancadas y patrones nudosos que se resuelven en frases que fluyen suavemente, de refinamiento y lirismo: es una narración hipnótica.
Hay una vibración afrocubana más evidente en "African Sunrise", encargada para el Festival de Jazz de Chicago de 1984 en homenaje a Dizzy Gillespie y la Machito Orchestra. Junto con Gillespie y el pianista Ahmad Jamal, Weston ha sido uno de los pocos líderes del jazz que ha empleado sistemáticamente percusión africana y afrocubana en sus pequeños conjuntos, y el percusionista Neil Clarke y el siempre versátil Nash hacen girar la música poderosamente tras una emocionante y escalada introducción percusiva. El largo y serpenteante solo del saxofonista T.K. Blue alcanza cotas de éxtasis, mientras que el bajista Alex Blake y Powell sostienen un fondo groove. Weston anima al conjunto de forma perspicaz y discreta, y bajo su batuta el sexteto se cocina como la banda de Duke Ellington de 1940. Un seductor solo de piano, "Tehuti", y un solo de bajo maravillosamente percusivo y funky de Blake cierran los 14 minutos de "Jus' Blues". Los tres segmentos constituyen "The African Cookbook Suite" y proporcionan otra deliciosa porción de Ellingtonia. El trombón gruñendo, el saxofón elevándose, el conjunto tocando ajustadamente y la vibrante percusión que sube y baja en oleadas son apuntalados por la discreta y engatusadora forma de tocar de Weston. El solo de blues de Powell es un modelo del poder del fraseo por encima del virtuosismo, y en general su forma de tocar a lo largo de The Storyteller desmiente sus 80 años y su salud en declive. Durante 40 años Weston recurrió a la arreglista Melba Liston para dar forma a sus ideas musicales, y su enorme experiencia en las bandas de Gillespie, Gerald Wilson, Count Basie, Dexter Gordon y Billie Holiday sin duda ha dejado huella en Weston, cuyos arreglos elegantes y vibrantes consiguen que un combo de seis músicos cante como una big-band. En su autobiografía African Rhythms (Duke University Press, 2010), Weston cuenta que "Caravan" -la melodía de Juan Tizol/Irving Mills/Ellington- fue la primera canción africana que escuchó, y puede que tuviera un profundo efecto en Weston, ya que el lento y metódico ritmo de "The Shrine" y la exótica melodía evocan una caravana por el desierto. T.K. Blue aporta una encantadora flauta cantante a la mezcla y el trombón de Powell ronronea en un lento vaivén. El solo de Weston está muy bien ponderado, y sus vibrantes y ondulantes motivos tienen un aire casi elegíaco. Este número altamente atmosférico se desvanece suavemente como los últimos rayos del sol al final del día, y las campanadas susurrantes y los platillos fantasmales evocan imágenes de espejismo.
Los ritmos enérgicos de "Loose Wig" proporcionan el marco para que Weston explore toda la gama de las teclas, combinando acordes de bajo profundos con ráfagas rápidas en los registros más altos. La canción apareció por primera vez en The Modern Art of Jazz (Dawn, 1956) cuando los oídos de Weston estaban abiertos a Monk, y no es de extrañar que en la interpretación de Weston resida más de una pizca de la personalidad de Monk, aunque este arreglo es rítmicamente más dinámico que el original. Dos temas perennes de Weston completan el conjunto. Su tema emblemático, "Hi-Fly", es aquí completamente reajustado y ralentizado para convertirse en una balada suavemente bluesy, aunque la coda, "Fly-Hi", cierra el círculo y devuelve el tema a su dinamismo de medio tempo de hace medio siglo, con un ligero sabor latino. El último número y el único no original, "Love the Mystery of", escrito por el influyente batería ghanés Guy Warren, presenta cantos bajos y una dulce flauta en compañía de una percusión al galope.
The Storyteller es una de las grabaciones más satisfactorias de la larga y distinguida carrera de Weston, y un digno testamento del arte de Benny Powell, que se ha ido para unirse a los antepasados._Ian Patterson (allaboutjazz)
Papa Boco", el primer disco de Milestone de la vocalista Adela Dalto, integra sofisticados elementos de la música latina y brasileña con el jazz para crear una atractiva mezcla de sensuales ritmos ardientes y sensuales voces. "Papa Boco" ha sido coproducido por Todd Barkan y el pianista y arreglista Aloisio Aguiar, colaborador de Adela durante los últimos quince años, y cuenta con el respaldo de un elenco de músicos latinos y brasileños como el trompetista Claudio Roditi, el flautista Dave Valentin y el guitarrista Romero Lubambo, así como los percusionistas Milton Cardona, Steve Berrios y Cafe. Los arreglos fueron escritos por Adela y Aguiar, que también toca los teclados en ocho de los diez temas del álbum. La enérgica canción que da título al disco, "Papa Boco", en la que destaca el estimulante trabajo de trompeta de Roditi, fue escrita por un amigo de Adela, el Dr. Sánchez Acosta, y cuenta la historia de un médium de la santería que protege a los creyentes del mal llevando un pañuelo rojo y un puro en una mano y una vela en la otra. La santería, que se practica en muchos segmentos de la comunidad latina, cuenta con Adela entre sus creyentes; ella siente que "cuanto menos sepa de ella, mejor protegida estaré. Pero mantengo mi vaso de agua cerca de la puerta principal". Adela se enamoró de "Peace", del pianista y compositor Horace Silver, cuando trabajaba con un grupo de jazz latino y buscaba canciones interesantes. Rápidamente la añadió a su repertorio y está encantada de grabarla por fin. La versión de Adela, quizá la interpretación vocal definitiva del jazz, cuenta con un solo de tenor de Dick Oatts, veterano de la Mel Lewis Jazz Orchestra. "Papagaio Rei", una apetitosa samba escrita por Adela y Aloisio Aguiar, lleva el nombre de Aguiar. "Aloisio", explica Adela, "es un gran hablador, así que algunos de los chicos le apodaron Papagaio, que significa loro. Cuando llamé a Claudio y le pedí que tocara en la sesión, me dijo que también tenía una canción llamada 'Papagaio', que en portugués también significa cometa. Así que Aloisio sugirió que añadiéramos la palabra Rey al título". La composición empezó como un gancho de Aloisio que Adela utilizó para una introducción de una composición de Jo o Donato, pero "luego decidí que era demasiado bonito para desperdiciarlo, así que nos juntamos y se nos ocurrió esta melodía."
La leyenda brasileña ya fallecida Antonio Carlos Jobim compuso la lírica "Falando de Amor", y Adela la eligió porque "me encantan muchas de sus canciones y todas son muy bonitas. Esta canción es de uno de sus discos más antiguos, que solía escuchar hace mucho tiempo, antes de hablar portugués. Nunca supe realmente lo que decía la canción antes, pero ahora que hablo portugués, la letra ("hablando de amor") cobró vida, y decidí que era el momento de grabarla". "Guajiro Mio" es un vigoroso chachachá compuesto por Adela, su difunto marido Jorge y el teclista Aguiar. Adela cuenta que "Guajiro es el apodo de los montañeses de Puerto Rico y Carlos Santana grabó una canción titulada Vamonos Guajira', así que esto es en respuesta a su canción". "April Child" fue escrita por Moacir Santos, un brasileño afincado en California. "Esta melodía existe desde hace tiempo", explica Adela, "y me pareció apropiado grabarla en este álbum, que es una combinación de música brasileña, latina y jazz". Oatts vuelve para otra pausa de tenor que sirve para animar los ya alegres procedimientos. Aunque está definitivamente en la onda latina, Adela cree que su original "I'll Always Remember" es "más una melodía pop. Cuando escribo, se me ocurren melodías y letras al mismo tiempo". Aloisio se sienta al piano a buscar acordes y probar cosas. Aloisio y yo trabajamos mucho juntos y ésta es una canción que arreglamos con un sentimiento pop". "Sad Love Song" se basa en el estándar brasileño "Menina Moáa", grabado por Stan Getz y Lee Konitz. Adela grabó originalmente la composición con Konitz, pero prefería una letra americana; así que un día en Japón, mirando desde su habitación de hotel, dio rienda suelta a su imaginación, creando la nueva letra. El arreglo de Aguiar incluye la flauta contralto de Valentin.
Adela escribió la letra de "Up Jumped Spring", del trompetista Freddie Hubbard, y el resultado es "Sweet Spring". Después de sentarse con Hubbard y cantar el estándar "It Might As Well Be Spring", él le pidió que escribiera una nueva letra para su composición, "Up Jumped Spring". "Describió la canción como escrita para su hijo, que había nacido esa primavera. Me dijo que parecía que su hijo acababa de salir de la tierra como una flor de primavera. Lo tuve en cuenta cuando escribí la letra, que le gustó mucho. Así que me dejó cambiarle el título". El cierre, otro original de Dalto, "Estaba en Nada", significa literalmente "[él] no era nada". "Es una canción divertida sobre una chica que habla a sus amigas de un tipo estupendo que acaba de conocer, pero resulta que no tenía coche, no tenía dinero para el autobús, estaba casado, tenía seis hijos y vivía con su suegra, ya sabes, estaba en nada".
Nacida en Texas de padres mexicanos, Dalto se crió en Gary, Indiana. Estuvo muy influenciada por el r&b y el jazz. Fue su difunto marido, Jorge Dalto, quien animó a Adela a iniciar su carrera profesional. Jorge, antiguo pianista y director musical de George Benson, ayudó a Adela a desarrollar su interés por el jazz y la introdujo en los sutiles y emocionantes ritmos de la música latina y brasileña. Cuando empezó a estudiar y a cantar profesionalmente, Adela se vio muy influenciada por las cantantes de jazz Sarah Vaughan y Dinah Washington, las vocalistas latinas Graciela y Celia Cruz, así como por las brasileñas Elis Regina y Leny Andrade.
Tras varios años actuando localmente en Nueva York, Adela se unió a la InterAmerican Band de Jorge y grabó "Ease My Pain" en su CD Urban Oasis de 1985. Desde entonces, ha trabajado con los favoritos latinos Jerry González y Hilton Ruiz, además de actuar con la Latin Jazz Orchestra del saxofonista panameño Mauricio Smith en el Rainbow Room de Nueva York. Adela también fue vocalista destacada de la Orquesta Afrocubana de Mario Bauza y del conjunto AfroJazzia de Carlos "Patato" Valdés. Recientemente, la cantante residente en Nueva York ha actuado regularmente con su propio grupo y como vocalista invitada en clubes tan conocidos de Manhattan como Blue Note, S.O.B.'s y Birdland._(concord)
Desde muy corta edad, René Herrera ya despertaba un gran interés por la música y seguía con gran afán la carrera musical del maestro Richard Egües. Egües observa en él unas condiciones naturales para tocar la flauta y habla con la madre de éste para que le matricule en la carrera de música. Poco después tiene la oportunidad de hacer una prueba con el maestro Ignacio Puey, que por aquel entonces era flautista de la orquesta Elio Revé, donde es aceptado. Unos años más tarde, pasa a formar parte de la orquesta de Joseito Fernández hijo. En ésta permanece durante siete años, ya como profesional. En 1988 se integra en la orquesta América dirigida por el maestro Jorge Machado. Nueve años más tarde, cambia de formación, esta vez pasa a formar parte de la orquesta Enrique Jorrín dirigida por el pianista Rubén González.
Actualmente pertenece a la orquesta de Guillermo Rubalcaba y a la charanga Havana All Stars. No obstante, a pesar de tener una carrera tan prolífera, a René le faltaba cumplir un sueño: realizar su propia grabación. Para ello ha contado en la dirección con Jorge Machado y Luis Domínguez. Destacaremos algunos temas como el primer corte del álbum “Cha-cha-chá Para Un Flautista”, que da título genérico al álbum, u otros temas como “Sin Amor No Vivo Yo”, “La Muela”, “Cachita” y “Mi Jeva”, entre otras._(envidialujuriamusic)
René Herrera "El Sinsonte de Alamar" - Cha-Cha-Chá Para Un Flautista (2003)
Cinco amantes de la música tradicional cubana fundaron en 2003 el grupo Caimán Verde, que se traduce como 'cocodrilos verdes'. Después de actuaciones en varios clubes de ZG, siguió el álbum debut "Cuba Linda", en el que se presentó al público local cómo suena cuando los croatas van de campaña a Cuba. El álbum contiene 12 canciones, la mayoría de las cuales son covers y solo dos son originales. Las canciones "Rumba de Malecon" y "Oye Mi Son" fueron compuestas por Hrvoje Rupčić, quien también es invitado especial y productor del álbum. La mencionada "Rumba de Malecón" es también el sencillo de presentación, y en ella está invitado Máximo Estupiñán, cantante del cubismo. En la lista de invitados también estaban Ricardo Luque, en la canción El Cuarto de Tula, luego Kristina Rupčić, Damir Kresnik y Davor Dedić. Aunque mi conocimiento del idioma español se reduce a unas pocas palabras aprendidas a través de las omnipresentes telenovelas, esto no presenta ningún problema para lograr algún tipo de química entre este álbum y yo. Al fin y al cabo, la música es el factor más importante para conquistar a los oyentes.
Es difícil destacar alguna canción en particular, porque cada una de ellas esconde un cierto encanto, y creo que estos ritmos de baile harían que todos se balancearan al menos un poco al ritmo.
Goran Vilupek, Danko Burić, Marijan Zagajšak, Spomenko Gazda e Igor Štimac presentaron su visión de la música tradicional cubana de una manera realmente atractiva, y creo que los fans de este tipo de música no quedarán decepcionados con este nuevo álbum en la escena latina croata._(muzika)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Relativity - Relativity (1985)
-
*Bonito, y etéreo, álbum de los miembros de la Bothy Band Micheal O
Domhnaill, su hermana Triona Ni Dhomhnaill y los hermanos folkies escoceses
Jo...
The Zawose Queens – Maisha (2024)
-
La música de *The Zawose Queens* está llena de energía y pasión. Se siente
la presencia de los ancestros a través de instrumentos tradicionales: el
violín...
Celia Cruz y la censura vergonzante
-
A lo largo de seis décadas, en el caso de Cuba y sus instituciones
gubernamentales, perdura una férrea voluntad para mantener unido el nombre
de Celia Cr...
Música para Gatos - Ep. 90 - Referencias gatunas.
-
Música para Gatos - Ep. 90 - Referencias gatunas.
Hoy os vamos a entregar uno de aquellos capítulos a los cuales solemos
denominar Jazz Free, es decir, un...
-
Symphony No.1 in G minor "To the Red Army" - Mieczysław Weinberg
Gothenburg Symphony Orchestra conducted by Thord Svedlund
I - Allegro moderato - Larghetto...
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.png)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
