Alí Bello presenta Connection Caracas-New York. Atrás quedó la extravagancia que marcó su forma de tocar cuando audicionó para la Orquesta Sinfónica de You Tube 2011, dirigida por Michael Tilson Thomas. El nerviosismo sigue ahí, pero la grandiosidad juvenil ha sido reemplazada por una madurez y una seducción inmensamente atractiva. Esto no solo se refleja en su forma de tocar, sino también en sus destacadas composiciones que aparecen en un disco marcado por una ejecución exquisita por parte de un elenco estelar de músicos profundamente inmersos en la maravillosa música. Y esto dice mucho de la veracidad del registro. Lo que recomienda la música tan completamente es la infusión de material folclórico en casi todo lo que el Sr. Bello toca en su violín, con los otros instrumentos siguiendo su ejemplo; sobre todo los extraordinarios percusionistas. Pero el campo está claramente liderado por el violinista sublimemente talentoso, quien es, sin duda, uno de los músicos más célebres surgidos de El Sistema, el Sistema Nacional de Orquestas Juveniles de Venezuela, el otro es el increíble joven director Gustavo Dudamel.
Alí Bello es un maestro de su instrumento; un intérprete de extraordinario refinamiento, que parece impregnar el violín de una poderosa carga eléctrica mientras lo toca. Su entonación es hermosa. Imita el sonido más primordial: el grito de un águila que se eleva por encima de la montaña más alta; su aullido resuena de una cresta a otra y algo más. La mano izquierda del Sr. Bello parece acariciar las cuerdas tensas a lo largo del mástil sin trastes y el diapasón del violín, desde la barbilla hasta la raíz y más allá. Pero no siempre se mueven lentamente. A menudo, su mano izquierda se ve borrosa, mientras que sus dedos parecen moverse como las serpientes febrilmente silbantes nacidas de Medusa. En otras ocasiones se mueven con gracia cuando la mano derecha del Sr. Bello hace que su arco corte el aire en poderosos arcos; aquí hace que las frases y los versos de la melodía se desvíen como una procesión de gacelas hermosas pero borrachas. Alí Bello juega como un brujo, evocando imágenes vívidas que surgen de su música y se asientan en un lienzo tan bello y vivo como el de Cristóbal Rojas. La sugerencia de que el Sr. Bello es un alma vieja es deliberada. Su interpretación surge como si surgiera de un vórtice que produjo los grandes clásicos del siglo XIX. Pero también es extremadamente moderno y juvenil en su forma de tocar y, si bien aporta colores y texturas folclóricas más antiguas en su interpretación, también impulsa la música hacia adelante con cada hermosa frase tocada en contrapunto a la melodía que él mismo crea. El registro de Bello se compone de algunas de sus composiciones más vibrantes. Comienzan con el
joropo emocionado "Amaré", que presenta no solo una interpretación exquisita del violinista, sino también un tatuaje memorable del percusionista, Neil Ochoa, cuando anuncia la canción con una apertura polirrítmica notablemente batida en quitiplás y culo'e puyas. A esto le sigue un maravilloso pasaje contrapuntístico del violinista y saxofonista tenor Javier Olivencia. La versatilidad del Sr. Bello como compositor se demuestra en su capacidad para cambiar fácilmente de una música que suena con grandeza folclórica a una música que se balancea con la libertad del idioma del jazz. Para ello cuenta con las manos exquisitas del bajista Luques Curtis y el pianista Luis Perdomo mientras se lanzan con el conjunto a un tipo diferente de sabor musical “In G”. Sin embargo, está claro que la belleza perdurable del álbum de Alí Bello se inspira en sus profundas raíces en el folclore y el arte musical venezolanos. Esto no solo es evidente en la música de “Cazón”, sino que alcanza un crescendo en la notable interpretación del canto llano, “Untraveled”. Es aquí donde el virtuosismo de Alí Bello como violinista es claro e inigualable
Sin embargo, este disco brilla no solo por este virtuosismo, sino verdaderamente por la interpretación enérgica que impregna la interpretación moderna con todo lo bello de la tradición. Esto es lo que distingue a Alí Bello de otros jóvenes músicos que tocan música en la actualidad. Alí Bello es único en su clase._Raul Da Gama (latinjazznet)
Ali Bello - Connection Caracas - Nueva York (2013)
Temas:
01. Amaré (Alí Bello)
02. En G (Alí Bello)
03. Kiss (Alí Bello)
04. Guajira (Pedro Cortés)
05. Mofongo (Kimson Plaut)
06. Cazón (Alí Bello)
07. Zapateao (Pedro Cortés)
08. Moliendo Café (Hugo Blanco)
09. Untraveled (Alí Bello)
Musicos:
Alí Bello (Violín acústico, eléctrico y barítono, palmas y percusión menor)
Luis Perdomo (Piano /tm.2, 5 y 8)
Juancho Herrera (Guitarras, cuatro y bandola /tm.1, 3 y 6)
Javier Olivencia (Saxo tenor y soprano /tm.1 y 6)
Raul Agraz (Fliscorno y trompeta /tm.5)
Álvaro Benavides (Bajo /tm.1, 3 y 6)
Luques Curtis (Contrabajo /tm.2 y 5)
Neil Ochoa (Quitiplás & culo‘e puyas /tm.1 & 6)
Willie Martínez (Batería y güiro /tm.2 y 5)
Leonardo Granados (Maracas y voz /tm.7 y 10)
Pedro Cortés (Guitarra acústica /tm.4 y 7)
Sean Kupisz (Bajo /tm.4 y 7)
José Moreno (Cajón, palmas y percusión /tm.3, 4 y 7)
"El Yerberito Moderno" Andy Durán con Canelita Medina
Canelita Medina y Andy Durán han tenido una trayectoria muy grande en el medio musical, en el cual compartieron con la guarachera de cuba Celia Cruz, en el 2003 después de su muerte realizaron un homenaje a la reina de la salsa Celia Cruz en la Fundación Corp Group (Venezuela) y un año mas tarde ("2004") lanzado como producción musical "En Concierto Tributo A Celia", donde se destaco la cálida voz de Canelita Medina y los arreglos de latín jazz, propios de Andy Durán y su Big Band.
Andy Durán nació en Caracas el 02 Enero del 1949 es músico venezolano - arreglista, compositor y director - combina de forma explosiva y excitante ritmos como el mambo y el jazz. Andy Durán y su gran banda musical han ganado un merecido sitial de honor en la discografía nacional e internacional por su constancia, disciplina y amor a nuestra latinidad, logrando un magnífico sonido de "Big Band" actualizado, tal como lo hicieran Glen Miller, Duke Ellington, Pérez Prado, Tito Puente y Tito Rodríguez, entre otros.
Rogelia Medina Romero (La Guaira; 6 de marzo de 1939) también conocida profesionalmente como Canelita Medina o simplemente Canelita, es una artista musical venezolana. Ostenta los títulos de "La Sonera del Caribe" y "La Sonera de Venezuela" que le han otorgado diversos medios de comunicación. Es una artista que se destaca en el género musical Son cubano, desde pequeña soñaba con ser cantante e imitaba a la legendaria sonera cubana Celia Cruz. Al pasar el tiempo ella entró en un programa radial de talentos en Radio Continente, ella con su extraordinaria voz logró llamar la atención de empresarios que estaban interesados por su gran talento y voz. Al pasar de los años Canelita logró tener mucho éxito nacional e internacionalmente hasta hoy en día.
Ted Piltzecker ha actuado en festivales de Estados Unidos y de todo el mundo. Sus cinco álbumes como líder han sido aclamados por la crítica e influyentes en el mundo de la percusión y el jazz. El actual lanzamiento "Brindica" refleja su reciente aventura de cuatro meses alrededor del mundo. Fue grabado en Nueva York y en Buenos Aires, y evoca encuentros musicales en Islandia, India, Nepal y Bali. "Piltzecker escribe y arregla melodías que se nutren de influencias de tango, segunda línea, afrocubanas, sudafricanas e incluso carnáticas, siempre de forma orgánica, divertida y respetuosa. El resultado es un caleidoscopio estilístico de un álbum que revela nuevas combinaciones de ritmo y armonía a cada paso y siempre chispea con ingenio y buen humor." Lista caliente de CD Ted Piltzecker ha recibido premios del National Endowment, del Consejo del Estado de Nueva York, del Consejo del Estado de Nueva Jersey, del Lincoln Center Institute y de la Fundación ASCAP. Es profesor de composición musical en el Purchase Conservatory of Music, SUNY y también enseña vibráfono en la Hartt School de CT. Graduado por las escuelas Eastman y Manhattan, actúa con vibráfonos Musser y sus característicos mazos Mike Balter._(tedvibes)
Un poco fuera de lo común, se nos presentó de nuevo el vibráfono -el pedal steel del jazz- por un maestro. Ted Piltzecker, antiguo trompetista del Jazz Ensemble de Chuck Mangione y del Quinteto de George Shearing, era en realidad un vibrafonista en el armario, practicando primero en su dormitorio de la Eastman School of Music, y luego perfeccionando sus habilidades durante su estancia con Mangione. Después de salir de una de las giras de Shearing, Piltzecker dijo: "Puse la trompeta en el estuche y al día siguiente estaba fuera de casa. Nunca la volví a tocar".
Cambiar los metales por la percusión afinada llevó a Piltzecker a otros medios de expresión, y en Brindica ("Brasil, India, África") es responsable no sólo del vibráfono y la marimba, sino del tambor parlante, la campana, las palmas, algo de percusión vocal -que juraría que son clucks-, así como del teclado. Teniendo en cuenta toda esa participación y el hecho de que el álbum, mayoritariamente instrumental, sólo tiene una pista vocal (con letra del poeta Langston Hughes), el vibráfono no acapara el protagonismo en Brindica. "From the Center" teje un ambiente de Nueva Orleans con vientos, teclados y una generosa pizca de marimba: si los portugueses hubieran colonizado Luisiana en lugar de los franceses, esta es la música que estaríamos escuchando en el barrio. El piano, el saxo tenor y alto, la trompeta, el trombón, el clarinete, la
flauta, la flauta alta y el piano tienen todos ellos solos, y la amplia gama de percusión -desde la campana hasta el steel pan y al menos seis tambores diferentes- desempeña un papel importante.
Ligero y sobre todo melódico, es fácil escuchar Brindica muchas veces para seguir descubriendo nuevos elementos, pero si te apetece soñar despierto con algo de música de fondo, lo último de Piltzecker también puede levantarte el ánimo sin hacerte sentir como si estuvieras haciendo un examen._Suzanne Cadgène (elmoremagazine)
Alfredo De La Fé: Es un violinista cubano-estadounidense, Es el responsable de transformar el violín a un sonido mucho más adecuado para la Salsa y la música latina, además de haber fabricado y patentado su propio violín. Nació el 7 de febrero de 1954 La Habana, Cuba. Empezó sus estudios a los siete años en el conservatorio Amadeo Roldán de La Habana. En 1961 gana una beca para estudiar en el conservatorio de Varsovia en Polonia. En 1965 se traslada a Nueva York, y se hace merecedor a otra beca en Julliard Arts de la misma ciudad. Ese mismo año entra a la orquesta del Metropolitan Opera. En 1966, con tan sólo 12 años toca en la orquesta de José Fajardo, quien le enseñó la música latina, cambiando su rumbo clásico por el de la salsa. Tocó con los grandes grupos musicales (La Fania All Stars, Johnny Pacheco, Héctor Lavoe. En 1968, lo llamaron de la “Orquesta Broadway”, de los hermanos Zervigón, para hacerles unos solos de violín. A los 18 años trabajo con Ismael Miranda y con Larry Harlow... (ecured)
Agrupación santiaguera que llevara el nombre de “Conjunto Sur Caribe” antes de 1987, año en que asume la dirección de la orquesta el maestro Ricardo Leyva Caballero, y queda a su vez identificado el conjunto como: Ricardo Leyva y Sur Caribe. Por su estilo particular de defender géneros populares cubanos, caribeños y latinoamericanos en poco tiempo, estos talentosos músicos ganaron el reconocimiento y el gusto popular. Bajo la guía de Ricardo Leyva, prolífico compositor y excelente orquestador; la agrupación consigue crear números musicales muy contagiosos, únicos en su género. Leyva se desempeña también como productor discográfico, obras de su cosecha personal han concursado y obtenido premios y menciones en Concursos nacionales de composición e interpretación. Ejemplo de su quehacer en esta última faceta es el lanzamiento de una colección de 12 CD´s, bajo el nombre de “Forever Havanna”, que incluyen boleros, sones, danzones, y donde aparece más de una veintena de temas compuestos por Leyva e interpretados por músicos de la zona oriental de Cuba.
Leyva cambió el formato original de la orquesta, en busca de un sonido personal, colocando en el centro de la creación musical las necesidades y deseos de los bailadores. Esta estrategia condujo a la orquesta, ya en 1989, a ubicarse entre las de mayor popularidad en la región oriental del país. Sur Caribe ha actuado en las más importantes plazas bailables de toda Cuba, y ha participado en importantes festivales como: “Jazz Plaza”, “Matamoroson”, “Boleros de Oro”, “Fiesta del Fuego”, Cubadisco, el Festival de la Trova “Pepe Sánchez” y muchos otros. También ha logrado un lugar importante en los medios de difusión y piezas de su repertorio se han mantenido durante meses, consecutivamente, entre las preferidas del público bailador. En 2005, el CD “Credenciales” les hizo monarcas absolutos del panorama de la música bailable con el tema “Añoranza por la conga”, de la autoría de Leyva. Este tema musical, se convirtió en todo un himno, y los cubanos dieron la bienvenida al año 2006 escuchando a Leyva con Sur Caribe y su “Añoranza por la conga”, que también acompañó a toda Cuba durante los impactantes momentos del primer Clásico Mundial de Béisbol. Los Premios Cubadisco 2006 reconocieron a esta conga singular como el tema del año.
A partir del éxito notorio conseguido, la orquesta redobló su presencia internacional, visitando países de América Latina y Europa. Entre sus actuaciones más difundidas destacan los carnavales de Londres, en el año 2006, donde Sur Caribe asombró e hizo disfrutar el público con una versión de "Hey Jude", de Los Beatles, a ritmo de conga. En lo adelante Sur Caribe continuará repasando el acervo musical cubano, nuestros géneros más tradicionales, para dotarlos de la contemporaneidad necesaria y relanzarlos al mundo._(suenacubano)
Neil Angilley Trio ha trabajado regularmente en la escena del jazz de Londres y en todo el Reino Unido. En el último año, el trío se ha presentado en 'The International Jazz Festival' en Trieste, Italia, durante una gira y muchos festivales como Herts Jazz Festival & Rye Int. Festival de Jazz. También aparece en clubes como Ronnie Scott's, The Stables, 606 Club, Swansea Jazz club, The Hideaway y muchos más. Su show en vivo es fascinante, no solo te impresiona con su virtuosismo instrumental, sino que también canta en armonía de 3 partes, lo que agrega una dimensión única al muro de sonido que solo este trío crea.
En su programa actual, tocan lo más destacado de su álbum de Lake District seguido de su versión única del Latin Jazz que te trae ritmos contagiosos de Brasil y Cuba. En 2007, el Neil Angilley Trio grabó su primer álbum, 'Havana Club' - “Neil Angilley ha sido durante mucho tiempo uno de los secretos mejor guardados del Reino Unido en el mundo del jazz. El álbum debut de Neil Angilley Trio - Havana Club es nada menos que espectacular, recuerda, en ocasiones, a los grandes trabajos de Michel Camillo y Chick Corea, este álbum de trío de fusión brasileña es de clase mundial y es una escucha muy satisfactoria.
No destacaré ningún título en particular del álbum, ya que todos son geniales, así que, como digo: tómate un momento para verlo. “Revista Blues & Soul Su 2da grabación es 'Chango' y es un homenaje a la gente de Yoruba. Es la música, el espíritu, la cultura y su Dios, Chango, que fue la inspiración para hacer este álbum. El álbum fue votado como mejor álbum por la revista francesa - Mundo Latino. Compuesto por Neil Angilley, el trío acaba de lanzar una nueva grabación llamada 'The Lake District'. Es una obra sinfónica para piano, bajo eléctrico y batería que es una mezcla ecléctica de jazz y música clásica. La pieza está escrita en 9 movimientos que son una descripción musical del hermoso Lake District en Inglaterra. El trabajo es una dedicación a la autora infantil y conservacionista Beatrix Potter, quien poseía y donó gran parte de la tierra al National Trust. La composición se basa en influencias de grandes compositores clásicos británicos como Elgar & Vaughan Williams. Miembro original de la banda nominada al Grammy, Down To The Bone, Neil co-escribió y tocó en muchos álbumes número uno. Más recientemente, 'The Sweetness', que coescribió con el productor Stuart Wade, se ubicó en el número 1 en las listas de Billboard de EE. UU. Para Jazz / Funk.
Neil también ha aparecido como solista invitado en varios álbumes, incluidos 'An Ordinary Day in an Unusual Place' - US3, 'Fuzzy Logic' - David Benoit (GRP) y 'Crush' - Richard Elliot (Verve). escenario principal en Glastonbury con Dame Shirley Bassey, Neil ha trabajado con muchos de los más brillantes de la industria, trabajando como Director Musical de Vanessa - Mae (desde 1997), actuando con Maceo Parker, Roy Hargrove, Snowboy & the Latin Section, Lionel Richie & Lisa Stansfield, Three Friends (Gentle Giant) entre muchos otros._ (PizzaExpress Jazz Club)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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