El percusionista, compositor y arreglista Roberto Juan Rodríguez, cuya mezcla única de música latina y judía ha creado un nuevo híbrido, nació en Cuba, hijo del veterano trompetista Roberto Luis Rodríguez. El joven Rodríguez estudió violín, piano y trompeta en La Habana, donde también aprendió a tocar la batería. A los nueve años se marchó de Cuba a Miami con su familia. Cuando aún era un adolescente, Rodríguez empezó a tocar la batería con los diversos grupos de su padre en la zona de Miami, y también comenzó a sumergirse en la cultura de la numerosa población judía de la zona, percibiendo similitudes históricas entre los expatriados cubanos y la diáspora judía. Tras especializarse en jazz y música en la Universidad de Miami, Rodríguez se trasladó a Nueva York, donde se estableció rápidamente como baterista de renombre, trabajando con artistas de la talla de T-Bone Burnett, Phoebe Snow, Rubén Blades, Paul Simon, Julio Iglesias, Miami Sound Machine, Joe Jackson y muchos otros.
También se convirtió en el batería del aclamado grupo Los Cubanos Postizos de Marc Ribot. Cuando John Zorn le planteó la posibilidad de grabar un álbum de música judía para Tzadik Records, Rodríguez aprovechó la oportunidad y se lanzó a componer por primera vez. El resultado fue el maravilloso álbum judeo-cubano El Danzón de Moisés, que Tzadik publicó en 2002 con gran éxito de crítica (y que contó con la colaboración musical del padre de Rodríguez, Roberto Luis). ¡Una exploración más profunda de esta nueva música, que podría denominarse klezmer afrocubano, llegó con el segundo álbum de Rodríguez, Baila! Gitano Baila!, publicado en 2004, de nuevo por Tzadik. ¡Un tercer proyecto de Tzadik, Oy Vey! Ole!, apareció en 2006, seguido de The First Basket y Timba Talmud en 2009.~ Steve Leggett (allmusic)
2009 será un año decisivo para el compositor, percusionista y director de orquesta cubano Roberto Juan Rodríguez. Timba Talmud es su segundo disco para Tzadik de John Zorn en cinco meses y el quinto para el sello en total. Mientras que First Basket sirvió como banda sonora de un documental sobre los orígenes del baloncesto americano, Timba Talmud es más bien una propuesta de klezmer latino. No, hay una errata. A lo largo de 13 cortes, Rodríguez y su sexteto ofrecen chachachás, pachangas, mambos, boleros, sones y salsas unidos inseparablemente a la tradición folclórica yiddish del klezmer. El grupo incluye al brillante clarinetista Gilad Harell, al acordeonista Uri Sharlin (que también toca el piano y el órgano), al violinista Jonathan Keren, al bajista Bernie Minoso, al conguero Igor Arias Baro, a Rodríguez tocando la batería y la percusión de mano, además de encargarse de las tareas de programación en un corte. Además del Sexteto hay cuatro invitados: el guitarrista Oz Noy, el trompetista Oscar Onoz, Ben Lapidus al tres y el flautista Itai Kris. Un excelente ejemplo del genio literal que se utiliza aquí está en «EL Sabor Del Shabat». Aquí, ritmos de son y clave bajo marcan una lúgubre balada yiddish.
Los ritmos afrocubanos parecen una parte original de la arquitectura de la melodía, son tan fluidos. Los cadenciosos violines, el canto, el lúgubre clarinete, el acordeón y los pinos del piano entrelazados armónica y rítmicamente ofrecen una paleta tan amplia para una canción tan íntima y espiritual, que deslumbran a pesar del tempo lento. Además, el puente se convierte en un precioso cha-cha-cha.
Rodríguez está trabajando duro en algo. No sólo una fusión, sino la fusión de la música afrocubana con el klezmer. A lo largo de sus cinco grabaciones ha ido borrando gradualmente las líneas, se ha vuelto cada vez más orgánico en su enfoque y ha permitido que las dos tradiciones milenarias se unan en una sola nueva, criada en las calles de Nueva York. Echa un vistazo a «The Son of 2nd Avenue», donde una salsa compleja y moderna da pie a los ritmos y modalidades yiddish, con órgano farfisa, línea de violín hermanada y congas y bongos que saltan dentro y alrededor del ritmo de clave principal. El clarinete de Harell se eleva y se abalanza sobre todo el procedimiento, mientras el violín añade elementos de swing gitano a la mezcla para conseguir un embriagador brebaje de sonidos y texturas, más aún en la más enérgica «Oran Oran», donde tres ritmos diferentes se imponen sobre la clave, y la línea melódica se convierte en un contrapunto de cada uno de ellos. El estribillo vocal de la mitad del tema es una chorrada, pero acentúa lo quemador que es esto. Ray Barretto y Dave Karasony estarían orgullosos. Timba Talmud es una prueba más de que Rodríguez se está haciendo más fuerte y creando su propia marca en la música de la cultura judía radical de Nueva York. El atractivo de esta música proviene de la gran escala de sus colores, texturas, temas y ritmos, ritmos, ritmos. No hay nada parecido en el mercado.~ Thom Jurek (allmusic)
Temas: 01. La Hora 02. El Sabor Del Shabat 03. Mambo Kitsch (Para Susie) 04. The Son Of 2nd Avenue 05. Kids Club Chá-Chá 06. Descarga 1492 07. Danzonete Emanuel 08. Timba Talmud 09. Havana Shmoltz (Para Tio Kúcho Y Su Violin) 10. Babailón! 11. Oran Oran (Homage To Maurice "Papi" El Medioni) (Homage To Maurice "Papi" El Medioni) 12. Moishe's Lullaby 13. Oyemayá (Para Barack Hussein Obama "Omó" "Ochá")
Musicos:
Roberto Juan Rodriguez (Percusión, batería, programación, productor)
La primera formación de la legendaria banda de retorno de Chick Corea, la fusión a Forever debutó en el álbum clásico (llamado después de que el grupo, pero atribuye a Corea), con Joe Farrell en el saxo soprano y flauta, el equipo brasileño de la vocalista Flora Purim y el baterista y percusionista Airto Moreira , y el bajo eléctrico genio de Stanley Clarke. No fue lanzada en los EE.UU. hasta 1975, razón por la cual el segundo álbum del grupo, Ligero como una pluma, inicialmente el nombre de Return to Forever. Sin embargo, Return to Forever es tan clásico, utilizando una mezcla de ritmos similares spacy eléctrica de fusión de piano y de Brasil y de América. Todo es muy cálido, luminoso, y bien iluminada, como una brisa suave en una playa tropical - no el tipo de enfoque incendiario a la fusión que Miles Davis, Tony Williams, y la Mahavishnu Orchestra estaban estudiando, y mucho menos sus raíces en el funk o el rock . Corea también se baña el álbum en un trasfondo de misticismo trippy, no sólo en la (ciertamente fecha) letras de canciones, pero en sus viajes cósmicos de teclado, que siguen siendo melódico y accesible a través de la mayoría de los registros. Hay una canción pop genuino en la samba Groovy "What Game Shall We Play Today", y mientras que "Sometime Ago" tiene elementos similares, es parte de un lado ambicioso medley de largo que ofrece una corriente de conciencia y una introducción de júbilo, español / mexicano-sección final estilo llamado "La Fiesta", con castañuelas y los modos del flamenco. La canción es otra de trabajo multi-seccionados, con Corea y Purim al unísono sin palabras, en dos diferentes, temas pegadizos, más el trabajo con brisa de Farrell y mucha interacción con sabor brasileño-rítmica. Y el ensueño, la meditación "Crystal Silence" es una joya subestimada en espera de ser redescubierta. Ciertamente, esta edición de Return to Forever no se inclinaba hacia el alto voltaje de jazz-rock (como el día, se), pero dos álbumes de este grupo siguen vigentes como algunos de los más imaginativos y distintivo grabaciones de fusión temprana. ~ Steve Huey, All Music Guide Chick Corea- Return To Forever (1972) Temas: 01-Return to Forever 02-Crystal Silence 03-What Game Shall We Play Today? 04-Sometime Ago/La Fiesta
Musicos: Chick Corea-Piano, Piano (Electric) Flora Purim-Percussion, Vocals Joe Farell-Flute, Sax (Soprano) Airto Moreira-Percussion, Drums, Drums (Snare) Stanley Clarke-Bass, Bass (Electric), Guitar (Bass), Double BassJoe Farrell-Flute, Sax (Soprano), Sax (Tenor)
La Orquesta Maravilla de Florida surgió en la ciudad de Camagüey, Cuba, en el año 1948, a partir de la iniciativa de un grupo de jóvenes aficionados a la música, naturales del poblado de Florida, situado a unos 500 kilómetros de la capital cubana. En sus inicios recibió el nombre de "Armonía del 48" y un año después de su fundación se dan en llamar "Jóvenes Estrellas", luego "Maravilla" y definitivamente, en 1959, adoptan el nombre de "Maravilla de Florida". La orquesta se asentó en la preferencia del público y se tornó imprescindible su presencia en bailes y fiestas, primero en Camagüey, y después a lo largo y ancho de la Isla, donde han actuado en escenarios de fama mundial como el Cabaret Tropicana; en los mejores centros nocturnos del balneario de Varadero; en los salones de los hoteles insignes de la capital cubana y en los más prestigiosos teatros de La Habana y de las capitales de provincias.
En la década del 70 del siglo pasado, se produce un amplio despliegue internacional de la orquesta, y actúan en Siria, Líbano, Marruecos, Sierra Leona, Nigeria, Guinea , El Congo Brazaville, Malí, Angola, Zimbabwe, Etiopía, así como en capitales de Europa del Este. Han recorrido más de 20 países de Europa, África, Asia y América, llevando un repertorio de ritmos cubanos como el son, el danzón, el bolero, el mambo, el cha-cha-chá y la guaracha, aunque la integral preparación de sus músicos también le permite incursionar en el latin jazz, y en otros caribeños como el merengue y la cumbia. La Maravilla de Florida ha contado con excelentes líderes durante su historia, como José Reyes, Fernando Cabrera y Manolito Simonet. Desde 1997 el director de la Orquesta es el compositor, arreglista y pianista Norberto Puentes, quien inició su vida profesional en 1984, y antes de convertirse en músico de la Maravilla de Florida, en 1994, tuvo la experiencia de integrar diversas agrupaciones como " Sonido Caliente", "Yakeré", " Charanga 86", "Conjunto Sorpesa" y " Orquesta Tínima". Hoy la orquesta se nutre de músicos jóvenes que continúan el legado de sus fundadores, logrando
la ansiada mezcla sonora de tradición y contemporaneidad. Su participación en más de veinte producciones avalan la sólida carrera discográfica de la Maravilla de Florida, y en ellas se aprecian los más importantes éxitos de la orquesta desde su creación. Los investigadores y musicólogos la califican como la segunda agrupación más antigua de música popular, y la sitúan entre las primeras orquestas charangas de su país. Luego de más de 55 años de historia, la Maravilla de Florida sigue representando los más altos valores musicales de su Camagüey natal y de Cuba entera. Más información relacionada Orquesta Maravilla de Florida - Luchando Con Fé (2005) Temas:
01. Su Orquesta Va A Comenzar (Norberto Puentes)
02. Luchando Con Fé (Norberto Puentes)
03. La Bola (Norberto Puentes)
04. Por Amarte Así (d.r.)
05. Yo Te Doy La Clave (Norberto Puentes)
06. No Me Arrepiento (Norberto Puentes)
07. No Te Cojas Lucha (J.E. Queralta)
08. Anduriña (J. Pardo-J. Morales)
09. Allà Tú(Bernardo Nash)
10. Amarte De Noche (Norberto Puentes)
11. Ya No Puedo Parar (Norberto Puentes)
12. Te Voy A Dar (Norberto Puentes)
Musicos:
Norberto Puentes (Piano)
Roberto Vázquez (Bajo)
Emerson Florat (Conga)
Juan José Gómez (Timbal)
José Miguel González (Teclado)
Noel E. Pérez (Güiro)
Emil Mario Castillo (Violín)
Orlando Julio Beltrán (Violín)
Reicel Pedroso (Violín)
Julien Beso (Violín)
Eduardo A. Nelson (Flauta)
Bernando Nash (Voz y coro en temas #1,#2,#5,#9)
José Enrique Queralta (Voz y coro en temas #3,#7,#12)
Mi Bossa Nova es el segundo álbum de estudio de Filipinas, la bossa nova cantante Sitti. A diferencia de su esfuerzo de estudio anterior Café Bossa, el álbum se centró en las canciones más recientes y había muy pocos "tradicionales" canciones de bossa nova. Sitti también co-escribió una canción, "A Song For Penny Brown". Sitti Navarro o simplemente Sitti (29 de noviembre de 1984, Las Piñas), es una cantante de música pop filipina, conocida actualmente como la voz nueva de jazz. Empezó a los 16 años a dedicarse a la música, aunque también ha trabajado en cadenas televisivas como en 2004 en la MTV Philippines started y MTV Supahstar. Sitti - My Bossanova (2007) Temas: 01-Cross My Heart 02-Time And Tide 03-With Or Without You 04-My Ever Changing Moods 05-Baby I Love Your Way 06-2 Become One 07-Kung Di Rin Lang Ikaw 08-Hinahanap Hanap Kita 09-Take A Bow 10-I Won’t Stand In Your Way 11-Smooth Operator 12-Tayo’y Mag Samba 13-If You Leave Me Now 14-When I Fall In Love 15-Ikaw Lamang 16-I Need To Be In Love 17-A Song For A Penny Brown 18-The Look Of Love Musicos: Sitti Navarro - vocals Chito Servanez - piano Erskine Basilio - acoustic guitar Steven Mora - drums Jigs Lacap - percussion Lakshmi Ramirez - double bass Archie Lacorte - saxophone
Un difícil título - «Atro cubano Kaleidoscop" En caso de que se 'Alro Puerto Rico? Alterar todo, la escena de Nueva York Salsa los años 60 y 70 de músicos compuesto principalmente, il no nativas de Puerto Rico, ascendencia puertorriqueña - se derivan de nuevo a la migración en masa lo Irom los EE.UU. de la isla a finales de los años 40's en adelante. El la belleza de la salsa es la gloriosa crisol de cubanos y Los ritmos de Puerto Rico, a veces sofisticadas armonías del jazz e incluso de Soul y Rock [typilied como por la música en la flamily de etiquetas que rodean Fania Records]. Pero, como hay una abscence de los PR rhythrns aquí - como la Bomba y Plena - la única fusión de estilos que estamos tratando aquí es de cubanos y jazz.
A menos que tuvimos la suerte en el Reino Unido, usted no puede realmente obtener un majorily de los títulos aquí unti11989, cuando el [supposedJ todo el catálogo de Fania relaled se volvió a publicar en vinilo en Venezuela y entró en lo Ihis país-cubo Ioads. Prensadas y la atención se detalle lo diabólico, pero Ihey haría unlil un original vino. Un disco no se publicó en Venezuela fue IHE santo grial de Latín [AZZ - «Jazz Espagnole» por Sabu Martínez de Alegre. Nunca se nos suerte de gel que hasta IHE japonés hizo una nueva emisión de vinilo beautilul que a principios de los 1990. Especialmente necesario que todos los que lor lurious bailarín "El Oráculo", en este leatured eompilation. Los originales de este disco siguen siendo imposible lind y aún habla en tonos silenciosos.
IHE uno de cientos de álbumes emitidos en Venezuela, sin embargo, fue 'Tico-Alegre AII Estrellas Live At Carnegie Hall ". Un álbum imposible de obtener, este disco vino a continuación, la demanda actual IHE particular relenlless potencia "Tito Oddessey '- que fue un clásico de todos los tiempos en Iloorfiller Gilles Pelersons romper barreras al período de sesiones lunchlime Domingo Dingwalls en IHE fines de los 80. Por fin estaba en plentilul oferta. Ahora todos podemos tocar!
Mirando al este en mis selecciones de aquí, yo diría que la mayoría de estos en mi colección son de ascendencia venezolana, por lo que me demuestra lo bueno que la importación de registros Ihese hizo, y también lo ayuda a cerca de la fecha cuando fueron populares aquí Wilh IHE IHE potentes bailarines en Reino Unido Jazz Dance escenario de la nuestra. Como percusionista, a largo plazo, el artista de jazz latino y d.]. especializados en esta música, no voy a hacer huesos sobre esto: la selección willupset aquí a mucha gente. De la estabilidad de las etiquetas relacionadas con Fania [como Tico, Alegre, etc], las pistas de aquí son los más raros, la mayoría de indemand, colección de jazz latino de ese género, y más irnportantly, el el más popular de la danza Iloor. Y ahora dispone de ellos.~Snowboy Mas información relacionada Snowboy Presents - Afro Cuban Kaleidoscope (2006) Temas: 01- 110th Street And 5th Avenue - Tito Puente 02- Bamboleate - Eddie Palmieri & Cal Tjader 03- Por Las Nubes - Cabrerita 04- Ya Yi Ki - Johnny Colon 05- Arranca En Fa - Pete Rodriguez 06- Joe Cuba's Mambo - Joe Cuba Sextette 07- Descargo No 1 - Ray, Ricardo & Bobby Cruz 08- Alegra Te Invita - Alegre All Stars 09- The Oracle - Sabu Martinez 10- Take More Candi - Candido 11- Bomboncito De Pozo - Eddie Palmieri 12- Zip Zap - Bobby Valentin 13- Chin Chon Chow - Louie Ramirez 14- La Odisea De Tito - Tico Alegre All Stars
El extraordinario contrabajista y compositor, Charlie Haden (Shenandoah, Iowa, 6 de agosto de 1937 – Los Ángeles, California, 11 de julio de 2014), comenzó su actividad profesional en 1959 con el cuarteto de Ornette Coleman, una figura clave en la historia del jazz moderno, y muy pronto empezó a investigar en esa dirección que Coleman inició conocida como freejazz. En ese contexto, Charlie Haden participó en el bautismo discográfico de ese movimiento con el álbum grabado el 22 de mayo de 1959 para el sello Atlantic y titulado: «The Shape of Jazz to Come» con la valiosísima colaboración de Don Cherry, otro músico inigualable y líder junto a Coleman de aquel movimiento musical revolucionario que todavía hoy perdura.
En 1960 participó con otro contrabajista, Scott LaFaro en un manifiesto operístico titulado: «Free Jazz» de quien ambos eran insignes representantes en su instrumento. En 1964 trabajó con el trío de Denny Zeitin y en 1966 volvió con Ornette Coleman al tiempo que expandía su área de actuaciones con colaboraciones a diestro y siniestro. En esos ámbitos destacó por su participación en las reuniones de trabajo, de estudio y de grabación de la «Jazz Composer’s Orchestra» y en 1969 pudo por fin ver hecho realidad un deseo que llevaba persiguiendo desde años atrás: grabar su primer disco a su nombre en el seno de la «Liberation Music Orchestra». Con unos arreglos originalísimos hechos por Carla Bley, la música de la Liberation también destacaba por el carácter político de los temas, siendo la primera vez que en ese contexto, un grupo de jazz se hacia eco de las canciones populares alusivas al bando republicano de la Guerra Civil Española.
Después del disco grabado por Impulse en 1976 titulado: «Song for Che» en homenaje a Ernesto Che Guevara, Charlie Haden forma junto a Don Cherry, el cuarteto «Old and New Dreams» con el que recorrió toda Europa, Asia y Norteamérica. A finales de los ochenta, Charlie Haden elabora un discurso musical nuevo en el marco de su nueva formación titulada «Quartet West». El disco fundacional de ese nuevo discurso fue un disco extraordinario titulado genéricamente así: «Quartet West» todo un manifiesto musical de gran belleza y uno de los álbumes imprescindibles del jazz contemporáneo. A partir de 1990, Charlie Haden explora universos jazzísticos mas íntimos dando entrada en su discurso al formato de dúo.
En ese contexto el músico se explaya en la composición y su relajamiento junto al otro protagonista nos descubre una música de gran inventiva, limpia en la ejecución y abordados desde una óptica puramente instrumental. Es así como el jueves 14 de Noviembre de 2002, Charlie Haden se presenta en Sevilla en el Teatro Central junto al maestro de la guitarra, Jim Hall para ofrecer un concierto portentoso, lleno de sensibilidad, arte y talento. Afortunadamente Apoloybaco estuvo presente esa noche mágica en Sevilla y Charlie Haden todavía elabora una música de altísimo nivel. ~ (apoloybaco)
Charlie Haden vuelve a formar equipo con el joven pianista cubano Gonzalo Rubalcaba en este álbum melancólico y relajante. Ignacio Berroa, a la batería y la percusión, completa el trío principal. Entre los invitados especiales figuran los saxofonistas tenores Joe Lovano y David Sánchez, el violinista Federico Britos Ruiz y el guitarrista Pat Metheny (sólo un tema). Rubalcaba contribuye con orquestaciones en dos cortes, en ambos se omite la batería y la percusión. La intención de Haden es explorar el bolero, un distintivo ritmo de baile latino que Ignacio Berroa acentúa con un suave y sutil redoble de caja, tocado con escobillas, que comienza en la «y» del primer tiempo del compás y termina en el segundo. Este ritmo es perfecto para un baile lento y, de hecho, todo el álbum es muy romántico, con melodías agridulces y cadencias cadenciosas.
El único problema es que la figura del bolero de Berroa está presente en casi todos los temas, tal vez lo que cabría esperar de un álbum de boleros, pero no se puede evitar el hecho de que la música suene prácticamente igual en todos los temas. (Para ser justos, Berroa no es el único culpable de la uniformidad.) La mayoría de las canciones, salvo dos originales de Haden y una de Rubalcaba, son estándares cubanos y mexicanos, y son bellezas. La reticencia de Haden a meterse con ellos es comprensible. Pero los arreglos, siempre sencillos, se desvanecen con demasiada facilidad en el fondo. Puede que Nocturne sea la mejor música para una cena a la luz de las velas, pero Haden y sus invitados son capaces de mucho más.. ~ David R. Adler (allmusic)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Catrin Finch – Notes To Self (2026)
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El primer álbum en solitario en una década de la célebre arpista y
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To Self*...
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*Ancient Future fue fundada en 1978 por el guitarrista Matthew Montfort.
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denominar Jazz Free, es decir, un...
Myrsini Kagarlis / Ravel
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Myrsini Kagarlis (13) performs Ravel's Sonatine at the 5th Summer Music
Performance Program at Anatolia College, Thessaloniki, Greece, on July 2,
2019.
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