Eydie Gormé (nacida Edith Gormezano;1 Nueva York, 16 de agosto de 1928-Las Vegas, 10 de agosto de 2013)2 fue una cantante estadounidense de origen judío a quien se le reconoce, al igual que a su esposo, Steve Lawrence, la contribución de mantener vivo y vigente el repertorio clásico de música pop. A lo largo de su extensa trayectoria, recibió numerosos premios y distinciones, incluidos el premio Grammy y un premio Emmy. La fusión que hizo la pareja de baladas y breezy swing se ha combinado con la continuidad de su matrimonio y su buen humor, lo que los convirtió en iconos estadounidenses, aunque ninguno de los dos haya colocado un disco simple juntos o por separado en la clasificación de los American Top 40 desde 1963..._(wikipedia)
Los Panchos (conocidos también como Trío Los Panchos) fueron un trío musical romántico internacional formado por los mexicanos Chucho Navarro y Alfredo Gil y el puertorriqueño Hernando Avilés en la década de los 40 en la Ciudad de México. Se les considera como uno de los mejores tríos musicales y uno de los artistas latinoamericanos más influyentes de todos los tiempos,1234siendo populares en todo el mundo. Han celebrado conciertos durante más de 70 años y han aparecido en más de 50 películas. El trío se convirtió en uno de los máximos exponentes del bolero y la balada romántica en Latinoamérica..._(wikipedia)
La exitosa grabación de Eydie Gormé de "Biame lt on the Bossa Nova" (CL 2012 / CS 8812") se hizo tan popular en Latinoamérica, así como en Estados Unidos, que la volvió a grabar en español. Por supuesto, se convirtió en un éxito de ventas en toda Sudamérica, México y España.
Mientras las versiones en inglés y español de Eydie mantenían contentos a los dos hemisferios, el famoso grupo latinoamericano Trío Los Panchos visitaba Manhattan. Una de las paradas obligadas de Los Panchos era el Copacabana, donde estaba actuando la nueva sensación del sur de la frontera, Eydie Gorme. Quedaron tan cautivados por su brío, estilo y versatilidad que decidieron en el acto preguntarle a Eydie si podían reunirse con ella para grabar un álbum.
La respuesta de Eydie es AMOR, una feliz colaboración en español entre una de las vocalistas más admiradas de Norteamérica y una de las más destacadas mezcladoras de guitarras y voces de Sudamérica. En lugar de limitarse exclusivamente a conocidos estándares latinoamericanos que aparecen con predecible regularidad en colecciones similares, Eydie, los miembros del trío Alfredo Gil, Johnny Albino y Chucho Navarro y el batería Joe Ouijano, que se une a ellos para este álbum, interpretan nuevos y brillantes éxitos latinoamericanos como Di Que No Es Verdad, Sabor a Mi y Media Vuelta. Éxitos menos recientes, pero no menos lustrosos, son Nosotros, Cuando Vuelva a Tu Lado e Historia de un Amor.
El sonido instrumental -principalmente a ritmo de bolero- es característico del Trío Los Panchos. La vibrante y emocionante forma de cantar es claramente Eydie Gorme, es decir, ¡magnífica!
El bajista Fernando Knopf maneja sus dos sombreros muy cómodamente. Siempre va por delante como bajista y pastorea a su cohorte musical con una habilidad e inspiración dignas de crédito. Lo mejor de todo es que hace que la música parezca engañosamente sencilla y esto es el sello de un músico bueno y bastante maduro. Este álbum, La Música es Sentimientos, es de una temática bien dirigida. Y aunque su topografía musical es muy variada -afrocubana, latinoamericana, brasileña, americana-, está reunida en una atractiva mezcolanza, casi como si el bajista hubiera recorrido muchos kilómetros en su cabeza, por supuesto, para producirla. A pesar de todo, sigue decidido a hacer una música emocionante en todo su esplendor melódico, armónico y rítmico. Muchos músicos han intentado hacer esto y seguir dedicados al tema y al contenido, pero pocos pueden afirmar que lo han hecho con tanta concentración. Esto es lo que hace que esta excursión musical sea memorable.
Como bajista, el Sr. Knopf parece estar dispuesto a dejar que su articulada voz sea el escenario de toda la invención melódica que inspira a los demás instrumentistas. Hace gala de una técnica admirable, con un brillante trabajo de dedos, una forma de tocar personal y, sobre todo, un gran gusto. La atención del bajista al tempo se complementa con un fino sentido melódico. Sus líneas son limpias y cuidadosamente ornamentadas y nunca demasiado ostentosas. El tono del Sr. Knopf es magnífico. Su forma de tocar es alegre y siempre explora la voz, siempre imaginativa en la articulación. A pesar de todo, sigue siendo inventivo, buscando siempre nuevas formas de hacer declaraciones. Esto es evidente por la manera en que yuxtapone lo que podría considerarse esperado con lo que siempre es una sorpresa. Se trata de una cualidad admirable en un músico, sobre todo en un bajista que a veces se ve tentado a jugar a lo seguro de forma puramente rítmica. La música de La Música es Sentimientos llama la atención sobre el mundo de la música latina influenciada por el jazz de una manera maravillosamente nueva. Hay algo impresionantemente conmovedor en el arreglo de "Escualo" de Astor Piazzolla, así como en "Libertango". La chacarera, titulada epónimamente "Chacarera Moderna", está maravillosamente modelada y toma la materia prima de la forma y hace de ella una pieza musical arquitectónicamente exquisita. El Sr. Knopf hace algo más que es admirable en este disco: Ofrece una serie de composiciones originales en una procesión de melodías calculada y emocionante. No sólo la música es original en forma y contenido, sino que a menudo son hipnotizantes y contienen una magnífica fluidez que las hace bastante memorables. La chacarera es sólo un ejemplo de ello, pero todas las demás pueden merecer este galardón.
En resumen, Fernando Knopf está dotado de una concentración ejemplar y de una refinada comprensión de la escritura a gran escala. También hay una energía ilimitada que se basa en su dominio del tiempo y en la gloriosa variedad y dramatismo de las composiciones, y esto es lo que hace que La Música es Sentimientos sea un álbum bastante bueno._ Raúl Da Gama (latinjazznet)
Cuando debutó con la Orquesta de Stan Kenton en 1950, Maynard Ferguson podía tocar más alto que cualquier otro trompetista hasta ese momento en la historia del jazz, y era preciso. De alguna manera, conservó la mayor parte de ese rango a lo largo de su carrera y desde los años 70 ha sido uno de los músicos más famosos del jazz. Aunque nunca se le conoció por su exquisito gusto (algunos de sus trabajos más comerciales son imposibles de escuchar), Ferguson dirigió algunas bandas importantes y definitivamente causó un impacto con su forma de tocar la trompeta. Después de dirigir su propia big band en Montreal, Ferguson llegó a los Estados Unidos en 1949 con la esperanza de unirse a la orquesta de Kenton, pero ese conjunto acababa de disolverse.
En su lugar, Ferguson adquirió experiencia tocando con las grandes bandas de Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey y Charlie Barnet. En 1950, con la formación de la Kenton's Innovations Orchestra, Ferguson se convirtió en una estrella, tocando ridículas notas altas con facilidad. En 1953, dejó a Kenton para trabajar en los estudios de Los Ángeles y, tres años más tarde, dirigió la "Birdland Dreamamband" de estrellas. En 1957, formó una big band regular que duró hasta 1965, grabó regularmente para Roulette (todas las grabaciones de la banda con ese sello están en una enorme caja de Mosaic) e interpretó algunas de las mejores músicas de la carrera de Ferguson. Entre los acompañantes más destacados se encontraban Slide Hampton, Don Ellis, Don Sebesky, Willie Maiden, John Bunch, Joe Zawinul, Joe Farrell, Jaki Byard, Lanny Morgan, Rufus Jones, Bill Berry y Don Menza. Después de que la economía le obligara a abandonar la impresionante banda, Ferguson pasó unos
años en los que sólo estuvo semiactivo en la música, pasando un tiempo en la India y finalmente formando una nueva banda en Inglaterra. Tras volver a Estados Unidos, en 1974 Ferguson derivó rápidamente hacia el comercialismo. Los jóvenes trompetistas de los institutos y las universidades se quedaban asombrados por sus notas altas, pero los aficionados al jazz estaban consternados por las grabaciones de mal gusto que dieron lugar a versiones de éxito de canciones como los temas de La guerra de las galaxias y Rocky y otras mucho peores. Tras reducir su enorme orquesta a principios de los 80, Ferguson grabó algo de bop en una sesión de 1983, dirigió una banda de funk llamada High Voltage durante 1987-1988 y luego volvió al jazz con su "Big Bop Nouveau Band", un conjunto de tamaño medio con el que recorrió el mundo hasta su muerte por insuficiencia renal y hepática el 23 de agosto de 2006._Scott Yanow (allmusic)
Maynard Ferguson había dirigido muchas big bands antes de grabar este LP de Palo Alto. Esta no fue una de sus unidades más significativas (pocos de los acompañantes han sido escuchados desde entonces) y la música, aunque más orientada al jazz que sus primeros LPs de Columbia (incluyendo versiones de "Take the 'A' Train" y una característica vocal para MF en "As Time Goes By"), no es realmente tan memorable. Es un esfuerzo menor._Scott Yanow (allmusic)
Miriam Bayard. Talentosa y original cantante cubana, músico profesional, educadora, actriz de teatro y televisión nacida en la Habana, el 7 de diciembre de 1944 y residente en la República Mexicana desde 1991, nación que le otorgó la nacionalidad en el año 2000. Miriam Bayard estudió y obtuvo una formación como músico y como docente, habiendo desempeñado en su país de origen funciones de profesora de francés y de enseñanza primaria. Se graduó como pedagoga de piano, solfeo y teoría, incorporada desde los inicios de su carrera profesional al Coro Nacional de Cuba y al Teatro Musical de la Habana. La expresividad de Miriam Bayard es sugerente y convulsiona con ritmo tropical a quienes se encuentran situados en su proximidad. Ella tiene un carácter y una disciplina que la ha colocado en sitio de preeminencia entre los intérpretes de temas con dejo latino. Además de sus cualidades como artista e intérprete, Miriam Bayard reintrodujo en su patria, Cuba, el merengue dominicano tan en boga durante la década de los 50, gracias a la presencia y actuación del imborrable vocalista dominicano Alberto Beltrán, antiguo cantante de la portentosa “Sonora Matancera”. De la misma manera Miriam Bayard, llevó a la sociedad cubana la sensualísima y provocativa “Lambada” baile que, fundamentalmente, es una mezcla de “Carimbó” y “merengue” que hizo furor en todo el orbe terrestre a mediados de la década de los 70s., y toda la década de los 80s. La artista se distinguió desde sus inicios como vocalista y cantante profesional, en la garbosa provincia oriental de Santiago, ciudad donde “sintió gran atracción por la música que le deleitaban desde un balcón santiaguero un Miguel Matamoros o un Sindo Garay, que con sus trovas fascinantes entregaban serenatas a todos los corazones enamorados de la zona. Su inclinación hacia la música no estuvo errada, pues años más tarde se convertiría en una de las figuras más importantes de la música cubana”.
1980 fue una década prodigiosa para el arte musical latinoamericano. En cuba destacaban las voces de Elena Burke, Leonora Rega, Moraima Secada, Marta Strada, Rita Gil, Mirta Medina, Luisa María Güell y Lourdes Torres, y de otras partes del mundo , Celia Cruz, Lupe Victoria Yolí Raymond “La Lupe”, Olga Guillot y Blanca Rosa Gil imponían su clase y estilo interpretativo en Puerto Rico, México, Estados Unidos, Nicaragua, Panamá, Colombia, Perú, República Dominicana y Venezuela. Miriam Bayard después de haberse construido una sólida infraestructura cultural irrumpió exitosamente en 1981, inaugurando una nueva modalidad para interpretar el originalísimo “son cubano” y el “bolero romántico latinoamericano”. Ella, desde sus inicios obtuvo su espacio como solista en Cuba, audicionando en los cabarets Tropicana, Copa Room del Hotel Habana Rivera, Hotel Capri y Hotel Nacional lugares de esparcimiento que congregaba a un turismo internacional que admiraba y se solazaba con la presencia de artistas de la dimensión de Miriam Bayard. Pero, la desaparición forzada de cabarets y centros de esparcimiento a finales de los 80, e inicio de los 90, llevó a Miriam Bayard, quien sería recibida en tierras aztecas, nutrida de conocimientos, experiencias y esperanzas para hacerse de un cartel que le permitiera demostrar a los públicos de todas las latitudes su valía como intérprete de la esencia de los sones de su ardiente tierra y de embajadora de la música escrita por los inolvidables Miguel Matamoros, Eliseo Grenet Sánchez, Sindo Garay, Gonzalo Roy y Manuel Corona entre los de superior trascendencia en su Cuba natal. También ha hecho autenticas creaciones de los conocidos temas “Caballo Viejo” del venezolano Simón Díaz, Cachita del boricua Rafael Hernández Marín y “Cuando Salí de Cuba” del argentino Luis Aguilé. Ciertamente, Miriam Bayard ha renovado la buena música que se dejó escuchar en la década de los 20, 30, y 50, añadiéndole creatividad dentro de un estilo único que ha recibido admiración y reconocimiento de los más exigentes públicos de España, Hungría, Rusia, Etiopía, Angola, Finlandia, Suecia, Canadá, Perú, Panamá, Nicaragua, Estados Unidos y México, donde Miriam Bayard ha logrado realizarse como una connotada artista.
Miriam Bayard planifica desde su base situada en Ciudad de México, las giras que ha de emprender por países remotos del orbe terrestre, con mente organizada que desempeña admirablemente sus funciones profesionales como artista y como administradora de su hogar. Es una mujer talentosa, objetiva y triunfadora. Manufactura y edita sus propios proyectos musicales.
Recientemente, con la colaboración de José A. Quintana y Hammadi Bayard publicó su más reciente CD que tituló “Cuando salí de Cuba”, obra de expresivo contenido latinoamericanista que resume según la ilustrada opinión de José Antonio Quintana Díaz, la vida artística de Miriam Bayard, cuando afirma expresamente que “es sinónimo de cubanía, sabrosura y son”._ (ecured)
El vocalista, guitarrista, compositor, arreglista y director de orquesta Luis Mario Ochoa nació en La Habana, Cuba, y sus primeras influencias musicales proceden de su padre, Luis Ochoa padre, uno de los fundadores del Trío Voces de Oro. Luis Mario comenzó sus estudios musicales en algunos de los conservatorios más prestigiosos de La Habana, completándolos en 1987, con una licenciatura en guitarra clásica por el Instituto Superior de Artes (ISA). En 1990, Luis Mario se instaló en Toronto y pronto formó su grupo Cimarrón, con el que grabó tres discos aclamados por la crítica. Sus dos primeros -A La Cubana y La Fiesta- fueron algunas de las primeras grabaciones que surgieron de la escena musical latina de Toronto y los temas de estos CDs aparecieron en películas y programas de televisión como Traders, la producción estadounidense Brave New Girl y la canadiense Bailey's Billions, así como en la serie de televisión The Associates. Su tercer CD, Cimarrón, incluye un elenco de estrellas de músicos de jazz y latinos de Toronto, así como invitados especiales: Paquito D'Rivera, Guido Basso y el padre de Luis. En 2008, lanzó el Luis Mario Ochoa Acoustic Quintet y más tarde ese mismo año lanzó su CD Momentos Cubanos con canciones originales y clásicas de América Latina. ¡El CD alcanzó el puesto número 2 en las listas de música del mundo en Earshot Canada! Luis Mario ha participado en la mayoría de los principales festivales de jazz y del mundo de Canadá, como los de Montreal, Toronto, Vancouver, Halifax y el Chamberfest de Ottawa. Entre los eventos internacionales más destacados se encuentran el Barbados Jazz Festival y el Dizzy's Club del Lincoln Center de Nueva York como invitado especial del ganador de varios premios Grammy Paquito D' Rivera.
"Con raíces en la música popular cubana, la emotiva voz de Ochoa y su delicado toque en la guitarra de cuerdas de nylon, exhiben un cambio de los estándares del jazz latino. Ochoa ha sido aclamado por su "...fuego, delicadeza y autenticidad" (Jazz Times) y por crear "...jazz latino de alto calibre [que] cocina" (Descarg.com).
"Luis Ochoa tiene una voz excepcional. Su elevado tenor se eleva por encima de las trompas y la percusión, entregando las letras con sinceridad y poder." Revista Jazz Improv.
Luis Mario ha hecho recientemente de Miami su segundo hogar y ha reunido su Miami Acoustic Quintet, que presentará al público de Miami en la serie de jazz de la WDNA el 24 de octubre, seguida de una actuación el 31 de octubre en el club de jazz del centro de Miami Le Chat Noir._ (luismario)
Esta reunión del guitarrista-cantante cubano Luis Mario Ochoa le reúne con muchos de sus músicos favoritos. El personal difiere en cada selección con la música que va desde la salsa orientada a las voces hasta el ardiente jazz latino y las versiones latinizadas de "Old Devil Moon" y "Days of Wine and Roses". El invitado Paquito d'Rivera aparece tocando el clarinete en su "To Brenda with Love", el flügelhornista Guido Basso y el pianista Hilario Durán son piezas clave en el proyecto, y Ochoa llega a interactuar con su padre, el cantante Luis Ochoa, Sr. No tiene lugar nada inusual, pero el espíritu alegre de este conjunto debería complacer a los oyentes que disfrutan tanto de la música latina de baile como del jazz afrocubano._Scott Yanow (allmusic)
Luis Mario Ochoa & Friends - Cimarrón (2005) Temas: 01. Como Penelope (Luis Mario Ochoa) 02. To Brenda With Love (Paquito D'Rivera) 03. Lamento Cubanno (Eliseo Grenet) 04. Days Of Wine And Roses (Henry Mancini, Johnny Mercer) 05. Afro-Cuban Chant (Luis Mario Ochoa) 06. Alma Con Alma (Juanito Márquez) 07. Mestizos (Luis Mario Ochoa) 08. Old Devil Moon (E.Y. "Yip" Harburg) 09. Bacuranao (Luis Mario Ochoa) 10. Declaracion De Amor (Luis Mario Ochoa) Musicos: Luis M. Ochoa (Guitarra #1 al #3, #5 al #9, guitarra de doce cuerdas #4, voz #1, #3, #6 al 8#, arreglos, #1 al #3, #5, #6, #8, #9) Alexis Baro (Trompeta #1, #4, #5, #7 al #9, flugelhorn #2, arreglos #4, #7) Yoskar Rodríguez (Bajo acústico #9, bajo eléctrico #1, 8, coros #1) Rosendo "Chandey" León* (Batería #1 al #5, #7 al #10, bongos #6, pequeña percusión latina #10) Luis Orbegoso (Congas, except # 6, percusión brasileña #2, pequeña percusión afrocubana #5, pequeña percusión Latina #1, #4, #6, #10, güiro #3) Luis Deniz (Saxo alto) John "Woog" Johnson (Flauta, saxo alto) Jeff Rey (Saxo tenor) Pequeño Russ (Trombón) Joelson "Manihno" Costa* (Percusión brasileña #2) Luis A. Guerra (Piano) Rubén Vásquez (Piano) David Virelles (Piano, piano eléctrico) Hilario Durán (Piano #4, #6) Yanker González (Trompeta #3) Cvetelina Bratanova (Viola) Aleksandar Gajic (Violín) Ricky Franco ( Coros #1, #10) Paquito D'Rivera (Clarinete #2) Guido Basso (Flugelhorn #6)
Historia De La Musica Cubana (5) Música Para Vivir (2008) Un documental de Manuel Gutiérrez Aragón
La música en Cuba es más que un simple divertímento, es toda una filosofía.
Para mucha gente es un alimento para vivir. Y resistir...
A raíz del triunfo de la Revolución, el jazz fue considerado en Cuba una contaminación ideológica que era necesario suprimir. Pese a las pohibiciones, algunos grupos amantes de esta música siguieron practicándola en secreto. En el humilde barrio habanero de Santa Amalia, uno de estos grupos tenía como promotor a un empleado de una fábrica de tabacos, Gilberto Torres, su memoria permanece viva entre sus viejos amigos, que suigen practicando el jazz. Hoy, su hijo Willian Torres prepara el aniversario de la fundación de la peña.
Argentina aportó el tango, Brasil la samba y la bossa nova. Cuba la rumba. Ahora Venezuela añade la onda nueva a la gran conflagración rítmica latinoamericana. ¿Onda nueva? Literalmente, significa "onda nueva". Lo que es, de hecho, es una forma musical, un compás de tres cuartos de tiempo que puede ser bailado, cantado, tocado, tarareado, silbado, golpeado en ollas y sartenes, golpeado con el pie desnudo en una alfombra o pulsado nerviosamente con un duro tacón de cuero en un suelo más duro. Lo que no es, en realidad o en fantasía, es otra nueva "sensación de baile que barre la nación" del tipo que solía abarrotar las películas, los programas de radio y los clubes nocturnos de los años treinta y cuarenta. Es una música sólida en todo momento, una fascinante mezcla de majestuosidad y desenfreno, a menudo muy digna, pero nunca tan rígida que olvide su ritmo esencial. Cuando escuché por primera vez a Aldemaro Romero en Caracas en 1968. No estaba seguro de si estaba tocando jazz, pop latinoamericano o música de un clasicismo inflexible de la España del siglo de oro. Entonces, después de media docena de piezas. Me di cuenta de que lo estaba mezclando todo como nadie lo había hecho antes. Este álbum, una hermosa colaboración con un guitarrista cuya gama musical coincide con la de Aldemaro, deja esa mezcla deliciosamente clara. El compás es de 3/4, pero el baterista toca a menudo en 2, dando al compás una calidad de 4/4. O el compás se toca en 6, rociando los acentos de tal manera que uno no tiene tiempo de contar los tiempos del compás; todo lo que uno puede hacer es zapatear, mecerse, balancearse con la música. Onda nueva es una música muy bailable, bailable de la manera más moderna, bailable con todo el cuerpo. Pero Onda nueva es también una música estatuaria, en la que los pasajes lentos y reflexivos se animan de vez en cuando con un compás que recuerda al fandango español. Charlie Byrd entra de lleno en la música de Aldemaro con sus propias y elegantes líneas de guitarra, pasando con facilidad de los ritmos cadenciosos de
You Get Me Crazy (Tonta, Gafa y Boba). Moliendo Cafe (Coffee-Grinder), y un uptempo What the World Needs Now a la tenue It Never Ends (Anauco), la apropiadamente soñadora aunque middle-tempo Sueño de una Niña Grande, y Romance, en la que su toque evoca dos Segovias, la ciudad española del Renacimiento y el gran guitarrista clásico. Charlie, al igual que las trompas y las cuerdas, se relaja en la música de los pájaros, el grande (El Gavilán) y el pequeño (Pojarillo en Ondo Nueva); hay aquí un delicado juego de palabras musical, que une a un Byrd de la guitarra con un halcón y un pájaro de la nueva ola. También hay una música magnífica. Latina y jazzística y contagiosa de manera desafiante, en el medilativo y granulado tema de amor (Tema de Amor), en el expresivo y alentador El Catire y en el jazz directo de Carretera----, que significa High Road. Al escuchar este elegante conjunto de interpretaciones se entiende por qué el gobierno de Venezuela ha apoyado la música con un festival anual, con premios lucrativos para las nuevas composiciones del género. Uno escucha los arreglos, la composición y la dirección de un hombre ampliamente dotado y experimentado, que trabaja aquí con sus socios invariables en la onda nueva, el baterista Frank Hernández y el bajista Jorge Romero, y un nuevo colega, espléndidamente adecuado por talento, gusto y temperamento para unirse a la nueva ola, Charlie Byrd._ Barry Ulanov
Charlie Byrd / Aldemaro Romero - Onda Nueva / The New Wave (1972) Temas: 01. You Get Me Crazy (Tonta, Gafa Y Boba) 02. It Never Ends (Anauco) 03. What The World Needs Now Is Love 04. Sueño De Una Niña Grande 05. Moliendo Cafe 06. Romance 07. El Gavilan 08. Pajarillo En Onda Nueva 09. Pray For Me, I'm In Love (Tema De Amor) (from the film "Simon Bolivar") 10. El Catire
Los compartimentos musicales no significan nada para David Amram, cuyas composiciones y actividades han cruzado sin miedo el mundo clásico y el del jazz, así como los del jazz latino, el folk, la televisión y la música de cine. Además de su rara especialidad (para el jazz), la trompa, Amram también ha grabado con el piano, la flauta dulce, la guitarra española y varios instrumentos de percusión.
Amram pasó un año en el Conservatorio del Oberlin College (1948), pero se licenció en Historia por la Universidad George Washington en 1952. Su larga relación con la música latina comenzó en 1951 en D.C., cuando tocó la trompa y la percusión en la banda latina de Buddy Rowell, a la vez que era trompa clásica en la Orquesta Sinfónica Nacional. Destinado con el Séptimo Ejército en Europa, Amram grabó con Lionel Hampton en París en 1955, y luego regresó a Nueva York ese mismo año para unirse al Taller de Jazz de Charles Mingus, actuando con Mingus y Oscar Pettiford. Amram dirigió un cuarteto con el saxofonista tenor George Barrow que grabó un álbum para Decca en 1957 y más tarde tocó regularmente en el Five Spot de Nueva York en 1963-1965. Sin embargo, la carrera de Amram se orientó principalmente hacia la música clásica después de la década de 1950, produciendo piezas orquestales e instrumentales, música incidental (su partitura para J.B. de Archibald MacLeish ganó un premio Pulitzer) y otras obras que atrajeron suficiente respeto como para que la Filarmónica de Nueva York lo contratara como su primer compositor residente (1966-1967).
La Habana/Nueva York. En 1977, Amram navegó en el crucero Daphne desde Nueva Orleans a La Habana con Dizzy Gillespie, Stan Getz y Earl "Fatha" Hines, que fueron de los primeros ciudadanos estadounidenses en visitar legalmente Cuba en 16 años. Se realizó una emocionante grabación en directo de "En Memoria de Chano Pozo" de Amram en La Habana con miembros de Irakere (incluidos Arturo Sandoval y Paquito D'Rivera) y varios estadounidenses de visita, que puede escucharse en el álbum Havana/New York (Flying Fish). La visita de Amram a Cuba recibió una amplia cobertura informativa en su momento y también proporcionó a muchos estadounidenses su primera visión de Irakere.
La mayoría de las grabaciones disponibles de Amram también pueden encontrarse en Flying Fish. Además, se puede escuchar al abierto Amram tocando alegres cornos franceses, flautas de pico y pianos obligatorios en algunos extraños temas de 1971 del poeta beat Allen Ginsberg (títulos de muestra: "Vomit Express" y "Going to San Diego"), que posteriormente se publicaron en el sello homónimo de John Hammond._Richard S. Ginell (allmusic)
Músico muy versátil, interesado en combinar la música folclórica de otros países con el jazz, David Amram ha grabado sorprendentemente pocos discos a lo largo de los años como líder. De hecho, este excelente conjunto de Flying Fish fue sólo su tercer álbum, y el primero desde 1957. En 1977, varios músicos estadounidenses pudieron viajar a Cuba para realizar una breve visita, lo que dio como resultado el largo "En Memoria de Chano Pozo", que combina a Amram (en la guitarra, el piano, la flauta, el penny whistle, la trompa, el xilófono y la percusión) con una sección rítmica estadounidense y dos cubanos entonces desconocidos: el contralto Paquito D'Rivera y el trompetista de 20 años Arturo Sandoval. Otras dos selecciones en el set presentan principalmente a estadounidenses (incluyendo al trompetista Thad Jones, el baritonista Pepper Adams y el tenor de Billy Mitchell) con algunos cubanos expatriados (incluyendo a Cándido y Ray Mantilla entre los percusionistas), mientras que "Broadway Reunion" tiene a Amram en la flauta sentado con una banda cubana visitante en las calles de Nueva York. Este disco poco conocido cruza varias fronteras musicales y merece la pena buscarlo._Scott Yanow (allmusic)
Los fans de Martin Denny se alegrarán de descubrir que el viejo hombre de la exótica sigue al piano. Más que un tributo o la última banda de Denny, Don Tiki ya parece más logrado en varios aspectos que el Martin Denny Group en su mejor momento. En primer lugar, el mayor crédito debe ir al líder "Perry Coma" (Kit Ebersbach) por escribir 3/4 de los 13 temas del CD de debut. (Denny escribió y toca en "Exotica '97" y en la indulgencia de piano final, "Forever & Ever"). Además, el gurú de la publicidad, Lloyd Kandell, ha hecho un trabajo de primera clase en el embalaje y la promoción. También gracias a Kandell, la banda alcanza la esencia de la "cultura del cóctel" sin pisotear a Hawai.
Don Tiki está haciendo lo que una banda del estilo de Denny debería hacer hoy en día. The Forbidden Sounds of Don Tiki es un bienvenido alejamiento de la exótica de los años 50. Casi todas las melodías son originales, y "An Occasional Man" tiene éxito tanto como una adaptación como una de las varias voces de la canción exótica. Al igual que el canto, la percusión, tan importante, es jazzística y aventurera, pero no excesiva. Los aumentos, desde la flauta y el arpa hasta el vibráfono y los silbidos, también están en un punto intermedio entre lo sutil y lo impresionante. (Lopaka Colon, hijo de August Colon en el Grupo Denny, continúa con las llamadas de pájaros de su padre). El estilo desenfadado y no del todo absurdo de Don Tiki brilla en todo momento, con una energía que no es ni más ni menos que la de una fiesta en las islas; la no seriedad también les permite eludir el intento de hacer que los instrumentos exóticos suenen plausibles en el CD. Música divertida para gente divertida, Forbidden Sounds es un viaje de moda en un barco de fiesta, o por lo menos un ambiente que todo chiringuito necesita._Tony Wilds (allmusic)
Don Tiki - The Forbidden Sounds of Don Tiki (1997, Taboo)
Temas:
01. Exotica `97
02. An Occasional Man
03. Barbi In Bali
04. Hot Like Lava
05. Close Your Eyes
06. Maidenhair Fern
07. Terminal
08. Polyamoré
09. Clutch Cargo Cult
10. Bam-Boozled
11. Itchy Palms
12. Da T`ing He Grow
13. Forever & Ever
Musicos:
Hai Jung Aholelei (Bajo, voz en "An Occasional Man", "Bam-Boozled" )
Perry Coma (Piano, órgano Hammond, Yamaha DX7, Akai S3000, piano eléctrico Wurlitzer)
Carlinhos De Oliveira (Congas, bongo, güiro, pandeiro, reco reco, cuica de orpheus, surdo, udum, caxixi, rain stick, shakers, golden tambourine)
A lo largo de la década de 1970, Chuck Mangione fue una celebridad. Su música, ligera a propósito, era pop melódico alegre, optimista y a veces edificante. Los discos de Mangione eran grandes éxitos de ventas, pero pocos de sus fans de la época sabían que su objetivo original era ser bebopper. Su padre había llevado a menudo a Chuck y a su hermano mayor Gap (teclista) a ver conciertos de jazz, y Dizzy Gillespie era amigo de la familia. Mientras Chuck estudiaba en la Eastman School, los dos Mangione codirigieron un quinteto de bop llamado Jazz Brothers que grabó varios álbumes para Jazzland, a menudo con Sal Nistico al tenor. Chuck Mangione tocó con las big bands de Woody Herman y Maynard Ferguson (ambas en 1965) y con Art Blakey's Jazz Messengers (1965-1967). En 1968, Mangione se dedicó principalmente a tocar el flügelhorn, un instrumento de tonos suaves, y formó un cuarteto en el que también participaba Gerry Niewood como tenor y soprano.
Hicieron un buen disco para Mercury en 1972, pero por lo demás las grabaciones de Mangione en los años 70 solían utilizar grandes orquestas y vocalistas (incluida Esther Satterfield), haciendo hincapié en melodías ligeras como "Hill Where the Lord Hides", "Land of Make Believe", "Chase the Clouds Away" y el gran éxito de 1977 (con el guitarrista Grant Geissman) "Feels So Good". Tras la grabación de un concierto en el Hollywood Bowl en 1978 que resumía sus años de pop y un conjunto de dos LP en 1980 que alternaba pop y bop (con Dizzy Gillespie como invitado), Mangione fue desapareciendo gradualmente de la escena musical. En los años 70, Chuck Mangione grabó para Mercury y A&M; en los 80 publicó un par de álbumes muy olvidables en Columbia, y en los 90 no se supo nada de él hasta que en 1997, en una gira de regreso, se reencontró con su banda "Feels So Good". The Feeling's Back le siguió en 1999._Scott Yanow (allmusic)
Gracias a su tema principal de influencias latinas, Children of Sanchez se convirtió en otro gran éxito para Chuck Mangione. La canción principal le valió incluso un Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop, y los oyentes de jazz serios detectarán un problema con ese premio: era por pop, no por jazz. Esto, por supuesto, es una evaluación precisa de la música de Mangione, ya que no hay mucha improvisación en el álbum. En su lugar, hay una selección de temas instrumentales españoles y latinos, dispuestos como para dar la impresión de que el álbum es un ciclo de canciones. Si es así, se trata de un ciclo de canciones/álbum conceptual que no va a ninguna parte. No obstante, hay suficiente música agradable para satisfacer a los fans de su estilo pop._Thomas Erlewine (allmusic)
Olga Chorens y Tony Alvarez ambos nacieron en la Habana Cuba, ella en el 1924 y él en 1919. Olga y Tony se conocieron en 1940, Tony era locutor de radio en un programa llamado “Ritmos del Plata”; por otra parte Olga comenzó cantando desde que tenía 11 años en programas infantiles de radio. Comenta Olga, que esto se desarrolla porque un día después de la escuela se le escapó a su mamá, para cantar en una prueba de talento radial; y ganó el primer premio del show. Luego participó en varios otros programas de radio y ganó de nuevo. Casi se podía decir que Olga y Tony estaban destinados a encontrarse eventualmente en su mundo artístico. Pues eventualmente se encontraron y cinco años más tarde, el 6 de Mayo de 1945; unieron sus vidas en frente del altar. El evento paralizó los medios de comunicaciones el día entero en el país, su matrimonio duró hasta que la muerte de Tony los separó en 2001.
Olga y Tony fueron un gran ejemplo para novios y artistas de la época. En sus primeros años de casados hicieron giras a varios países de habla española, comenzando en Panamá y terminando en Argentina. Olga estaba en estado a fines de 1946, y mientras estaba en Lima Perú, su primera hija Lissette decidió venir al mundo; el día 10 de marzo del 1947. Su segunda hija Olguita nació en el 1950. Entre los años 1950 y 1958 Olga y Tony realizaron varios programas de radio y televisión, los cuales tenían mucha fama. En 1951, Olga y Tony se convirtieron en estrellas de la Televisora CMQ con “El Show de Olga y Tony” el cuál le dio la reputación de “la pareja ideal”. En el 1954 se unieron al grupo “La Sonora Matancera” cantando el título “Linda Caleñita” más otras dos canciones “Mis Noches sin Ti” y “Margarita”. En 1955 recibe un premio y trofeos nombrados “Miss y Mister Televisión 1955”. Años después, obtuvieron un segmento famoso de cocina en el canal 7 llamado “La Cocina de
Olga y Tony”; pues ya para ese tiempo todos querían tener a Olga y Tony en sus segmentos televisivos. Más todo no era color de rosa, las cosas comenzaron a cambiar en el 1959, por problemas de la política en Cuba y la llegada de Fidel Castro.
Olga y Tony se retiraron de los escenarios cubanos y sus programas radiales, para nunca regresar. La situación se empeoraba más y más conforme pasaban los meses y comenzaron planes para re-localizarse fuera del país con sus hijas._(vintagemusic)
Olga Y Tony-Lisette Y Olguita - Felices Navidades (1966)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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