Massimo Faraò (nacido el 16 de mayo de 1965 en Génova) es un pianista de jazz italiano.Massimo Faraò estudió con Flavio Crivelli y colaboró con músicos de la zona de Génova, en particular con el bajista Pietro Leveratto. En 1993, visitó Estados Unidos por primera vez, donde, entre otros, tocó con Red Holloway y Albert Heath en una gira por la costa oeste. Ese mismo año, fundó el taller “We Love Jazz”, un evento internacional de música jazz. Su álbum debut, For Me, fue lanzado en 1993 por Splash; entre sus compañeros de banda se encontraban el trompetista Flavio Boltro y el bajista Aldo Zunino, el pianista Dado Moroni al bajo y Gianni Cazzola a la batería. En 1994, Massimo Faraò firmó con Monad Records en Nueva York, donde grabó el álbum Ciao Baby (1995). Ese mismo año, se convirtió en pianista y director musical de la banda de Shawnn Monteiro, con Keter Betts y Bobby Durham.
A lo largo de la década de 1990, trabajó, entre otros, con Tony Scott y Jesse Davis; participó en varias giras europeas con el Quinteto de Nat Adderley, con Antonio Hart, Walter Booker y Jimmy Cobb. En 2001, se unió al cuarteto Just in Time de Archie Shepp, con Wayne Dockery y Bobby Durham. De 2001 a 2005, Faraò fue director artístico de la división de jazz del sello Azzurra Music. En 2003, fue invitado al Festival de Piano Jazz de Lucerna; en noviembre de 2004, tocó en Japón. En 2006, grabó un álbum con composiciones de Ennio Morricone. En 2007, realizó una gira por Europa y Estados Unidos en trío con Joey DeFrancesco. Desde 2014, ha actuado y grabado discos anualmente en Estados Unidos con numerosos artistas
de jazz de la Costa Este, entre ellos Ron Carter, Jimmy Cobb, Philip Harper y Louis Hayes. Gracias al estilo interpretativo que desarrolló a través de sus colaboraciones con músicos internacionales, Massimo Faraò ha sido apodado "el pianista italiano más auténtico". El cuarteto Afro Cubano se formó en 2017, integrado por Massimo Faraò, Nicola Barbon, Roberto Bobo Facchinetti y el percusionista Ernesttico, con quienes grabó los álbumes Blue Bossa (2017) y Ladies in Mercedes (2020) para el sello japonés Venus Record._(wikipedia)
Mauricio Einhorn (Río de Janeiro, 29 de mayo de 1932) es un armonicista brasileño. Hijo de inmigrantes judíos polacos, sus padres eran armonicistas. Comenzó a tocar la armónica a los cinco años, actuando en la escuela franco-brasileña donde estudió hasta los trece. La constancia del músico con el instrumento fue tal que, a los diez años, Einhorn comenzó a participar en reconocidos programas de talentos radiofónicos de la época, como "A Hora do Pato" y "Papel Carbono" (en Radio Nacional); e incluso en el programa de Ary Barroso y Gaitas Hering en Radio Tupi, junto a Fred Williams y otros.
Cuando era adolescente tocó en dúos, tríos y cuartetos, y a principios de la década de 1950 se introdujo en los estilos del jazz y el choro. Su primera grabación fue en 1949 cuando, en la canción "Portate Bien", hizo un solo con un conjunto de armónica de los Rascals brasileños. Actuó con Waldir Azevedo y su Regional en Rádio Clube do Brasil. Hacia 1955, en el desaparecido Hotel América, frente al Club Hebraica, conoció a Durval Ferreira durante un baile donde tocaba Maurício Einhorn. La primera canción de los dos, "Sambop", fue grabada en 1959 por Claudete Soares en el LP "Nova Geração em Rítmo de Samba", en el que participó. Luego vinieron: "Estamos aí" (con Durval Ferreira y Regina Werneck) grabada por Leny Andrade; "Tristeza de Nós Dois" (con Durval Ferreira y Bebeto); "Batida Diferente", "Nuvem" y "Clichê" (todos con Durval Ferreira), "SamBlues" (con Durval Ferreira y Regina Werneck) y muchos otros. Destacó en la bossa nova, un movimiento cuya influencia cambió el curso de MPB..._(wikipedia)
La leyenda de la armónica de jazz Toots Thielemans describió a su amigo, el armonicista y compositor Mauricio Einhorn, como «una fuerza vital en la música brasileña, tanto como intérprete como compositor». La influencia de Einhorn se extiende al jazz. Ha trabajado con figuras tan importantes como Jim Hall, David Sanborn, Paquito D’Rivera, Baden Powell, así como con los cantantes Bobby McFerrin y Sarah Vaughan; músicos de la talla de Cannonball Adderley, Herbie Mann y la leyenda de la bossa nova Jobim han grabado sus composiciones. Grabado en Río en 1979, Me fue el primer álbum de Mauricio bajo su propio nombre, ¡y qué grabación! Einhorn reunió a un grupo de músicos excepcionales, todos versados en la música tradicional brasileña y en el jazz. Las diez composiciones originales dan testimonio de la talla de Einhorn como compositor. Tenemos la contagiosa A Different Beat con sobresalientes solos de armónica, piano y
flauta, Saro con sus enérgicos solos de armónica, saxo y bajo Fender, la exquisita balada Alvorada y la alegre joya Estamos Ai. Luego tenemos el suave vals de jazz Toy y un tema escrito para los grandes del jazz Ron Carter y Jim Hall, Limbo con sus potentes voces. La breve pero dulce Claus es seguida por la conmovedoramente romántica Tristeza De Nos Dois y la fascinante Sketch. El apasionado solo de Einhorn en su balada Joy cierra un álbum que satisfará a todo amante de la música brasileña. ¡Jazz latino en su máxima expresión creativa!_ (mps-music)
Nací en Río de Janeiro en 1951. Crecer en Ipanema fue fantástico. Sus playas eran hermosas y puras. Ipanema era un barrio compuesto principalmente por casas familiares, con muy pocos edificios y coches. Jugábamos al fútbol en las calles y trepábamos a los árboles. Era muy tranquilo. Tuve la suerte de que a mis padres, João Luiz y Norma, les gustaba la buena música. Crecí escuchando a Frank Sinatra con Nelson Riddle, Julie London con Barney Kessel, Louis Armstrong, Nat King Cole, Chet Baker, Ray Charles y, por supuesto, Antonio Carlos Jobim, Dorival Caymmi, João Gilberto, Luiz Bonfá, Silvio Caldas y muchos otros. Los años 50 fueron una década maravillosa para Brasil. Teníamos un presidente democrático, Juscelino Kubitschek, que fundó la nueva capital, Brasilia, y era querido por la mayoría de la gente. Brasil ganó el Campeonato Mundial de Fútbol por primera vez en 1958. Durante esta época, nació la bossa nova. No hay nada mejor que eso. Para mi decimotercer cumpleaños, pedí una caja. Mi madre y mi hermano Miguel fueron al centro de Río en busca de mi regalo. Era el 31 de marzo de 1964, casualmente el día en que los militares tomaron el control de Brasil (comenzando un período de 20 años de dictadura). Había mucha agitación en el centro, pero finalmente pudieron volver a casa con mi tambor. El futuro presidente, el general Castelo Branco, vivía justo enfrente de nuestra casa, en la Rua Nascimento Silva. Esa noche, su casa estaba rodeada por policías y militares que la custodiaban. Toqué mi tambor toda la noche. Quizás pensaron que estaba celebrando la revolución. Qué equivocados estaban.
Menos de un mes después, conseguí mi primera batería. Poco después, mi hermano Miguel empezó a tocar el bajo y formamos un trío de bossa nova con un amigo pianista. Actuamos por todo Río y aparecimos en programas de televisión. La bossa nova era muy popular en Brasil. Nuestro vecino, el gran baterista Joao Palma, ya era un músico profesional muy conocido en aquella época. Tocó con Roberto Menescal y más tarde con Sergio Mendes y Brasil '66. También tocó en mis álbumes favoritos de Antonio Carlos Jobim: Tide, Stone Flower, Matita Pere y Urubu. Su hermano menor, nuestro buen amigo Marcos, también era baterista. Su casa era un lugar de reunión para músicos increíbles: los bateristas Edison Machado, Dom Um Romao y Milton Banana; los trombonistas Raul de Souza y Edison Maciel; el pianista Tenório Jr., el guitarrista y compositor Dori Caymmi, entre otros. Solíamos escuchar a Art Blakey, Bill Evans, Miles Davis, John Coltrane, Wynton Kelly, Wes Montgomery, Horace Silver, Thelonious Monk y muchos otros. Como nunca recibí una educación musical formal, mi forma de aprender era observar a esos fabulosos músicos y tocar junto con sus álbumes. Al mismo tiempo que la bossa nova de Jobim-Gilberto era un gran éxito, esos fantásticos músicos tocaban «Samba Jazz», samba instrumental con ese «toque de nota azul». Me enamoré de esta forma de arte de inmediato, y eso es lo que he estado tocando y desarrollando desde entonces. En Brasil, nunca fue fácil ganarse la vida tocando música instrumental. Los años de la bossa nova fueron muy prolíficos para el jazz instrumental brasileño. Pero en los años 70, toda la escena musical brasileña, con algunas excepciones, dio un giro al revés. La bossa nova y el samba jazz quedaron abandonados. Quizás fuera un reflejo de la dictadura represiva de la época. La gente quería olvidar sus propias raíces. Encontrar trabajo se hacía cada vez más difícil. La única opción y salida que veía era el aeropuerto. Desde los años 50, grandes músicos estadounidenses han abrazado la forma artística del samba
jazz: Dizzy Gillespie, Charlie Byrd, Stan Getz, Herbie Mann, Paul Winter, Cannonball Adderley, Miles Davis con Gil Evans, Joe Henderson, Bud Shank, Gerry Mulligan, Frank Sinatra, Sarah Vaughan, Phil Woods, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Ron Carter, Lee Konitz, Joanne Brackeen, Stanley Turrentine, Coleman Hawkins, Quincy Jones, Chick Corea, Tom Harrell, Kenny Barran, John Patitucci, Harry Allen, Dennis lrwin, Eddie Gomez, Pat Metheny y muchos otros. En diciembre de 1975, me mudé a Nueva York para perseguir mi sueño de tocar con músicos de jazz estadounidenses y fusionar estas dos hermosas culturas. Dos meses después de llegar a Nueva York, me llamaron para participar en una sesión de grabación en Los Ángeles. Toqué con el difunto y gran trombonista Frank Rosolino, Raúl de Souza, e interpreté un «dúo de batería» con Harvey Masan. Pensé: «Vaya, esto es el sueño americano». Regresé a Nueva York y me gasté todo mi dinero. Compré una preciosa batería Gretsch, otro sueño hecho realidad. Y entonces, todo cambió. Durante más de un año, apenas hubo trabajo. Aunque fueron tiempos muy difíciles, volvería a hacerlo todo de nuevo. Ha sido una gran experiencia de aprendizaje y un viaje fantástico. Estoy muy orgulloso de ser uno de los pocos músicos que a finales de los 70 ayudó a revivir la escena del jazz brasileño en la ciudad de Nueva York. He tenido la suerte de tocar, grabar y hacer amistad con muchos músicos maravillosos.
La realización de mi primer álbum en solitario fue posible gracias a la colaboración de 21 excelentes músicos, amigos míos (con los que he grabado y tocado a lo largo de los años), que aceptaron mi invitación para participar. Es fantástico que entre ellos se encuentren músicos brasileños y estadounidenses de segunda y tercera generación que continúan con el legado del samba jazz. El año anterior a entrar en el estudio, comencé a planificar el álbum. Organicé las canciones en diferentes formatos (tríos, cuartetos, quintetos, sextetos, etc.) para presentar diversos enfoques y texturas. Empecé a pensar qué canciones y configuraciones se adaptarían mejor a cada músico, y traté de crear un entorno ideal para que cada artista expresara su musicalidad única. Qué suerte tuve de que todos estuvieran disponibles y dispuestos a trabajar en un agitado calendario de grabación de dos días. El tercer día de grabación lo dediqué a añadir percusión y voces. Aquí está, pues, el resultado de la sinceridad y la diligencia.
Me gustaría dedicar este álbum al gran maestro de la percusión brasileña, Edison Machado (1934-1990), que revolucionó el concepto del instrumento y allanó el camino para muchos de nosotros._Samba Jazz Always, Duduka Da Fonseca
Luis Diego Bonilla (12 de octubre de 1965) es un trombonista de jazz estadounidense de ascendencia costarricense . También es productor, compositor y educador.
Luis Bonilla nació y creció en Eagle Rock, California, de padres que habían inmigrado a los Estados Unidos desde Costa Rica . Conoció la música y el jazz mientras asistía a Eagle Rock High School en Los Ángeles. Bonilla se inscribió en una "clase de metales" (creyendo que era una clase de taller de metal) solo para descubrir que estaba aprendiendo a tocar el trombón. En Eagle Rock High School estudió con el trompetista John Rinaldo en un programa de música y jazz bien establecido y galardonado que había producido músicos como Roger Ingram , Carlos Vega y Art Velasco. Durante este tiempo estuvo fuertemente influenciado por la interpretación y las grabaciones del legendario trombonista Carl Fontana .
Después de graduarse de Eagle Rock High School, estudió música en la Universidad Estatal de California en Los Ángeles y obtuvo una licenciatura en música. Durante su estancia en CSULA, fue miembro de la big band número uno y del mejor quinteto de jazz que obtuvo los máximos honores en el West Coast Collegiate Jazz Festival. Bonilla grabó cinco grabaciones notables con la big band de CSULA como solista destacado y realizó los arreglos para uno de esos LP. Estudió en Los Ángeles con Don Raffell , Roy Main, David Caffey y el ex trombonista y productor de Stan Kenton, Bob Curnow . Cuando más tarde se mudó a la ciudad de Nueva York , obtuvo una maestría en Interpretación y Composición de Jazz de la Escuela de Música de Manhattan .
Luis Bonilla (sentado) produciendo Mists: Charles Ives para Jazz Orchestra , abril de 2014
Bonilla se mudó a la ciudad de Nueva York en 1989 con la esperanza de tocar con uno de sus héroes musicales, el baterista Art Blakey . Bonilla finalmente aterrizó con Lester Bowie como trombonista del grupo y continúa inspirándose en Bowie con quien realizó numerosas giras y grabaciones. Bonilla se refiere a Bowie como su "padre fuera de casa", con quien ha aprendido mucho sobre la música y el proceso creativo. Se ha mantenido como músico de sesión y acompañante actuando con McCoy Tyner , Dizzy Gillespie , Tom Harrell , Freddie Hubbard , Astrud Gilberto , Willie Colón y Toshiko Akiyoshi . Ha demostrado su versatilidad como músico trabajando y grabando con artistas tan variados como Tito Nieves , Phil Collins , Tony Bennett , Alejandro Sanz , Diana Ross , Marc Anthony , La India y Mary J. Blige .
Ha sido miembro de la Mingus Big Band y de la Jazz at Lincoln Center Afro Cuban Jazz Orchestra; también ha realizado giras y grabado extensamente con Dave Douglas . En particular, se desempeñó como segundo trombonista (cátedra de jazz) de la Vanguard Jazz Orchestra durante 19 años (1999-2018). En febrero de 2009, recibió dos premios Grammy con la Vanguard Jazz Orchestra y actuó con la Afro Latin Jazz Orchestra . Ambos grupos han ganado numerosos honores con Bonilla como parte de esos conjuntos y como solista destacado. Mostrando su versatilidad como trombón, en 2010 apareció como solista clásico en The Chamber Wind Music de Jack Cooper y como solista de jazz en la grabación de gran conjunto Coming Through Slaughter – The Bolden Legend (SkyDeck). Se desempeñó como productor principal y trombonista en 2014 en el CD Mists: Charles Ives for Jazz Orchestra ( Planet Arts , 2014), que obtuvo elogios internacionales.
Luis Bonilla es el ganador del premio Rising Star de la revista Downbeat en 2010 y 2011.
Como artista de trombón, fue incluido en la encuesta de lectores de Downbeats en 2012. Bonilla también fue incluido en la encuesta de críticos de JazzTimes de 2011 para los mejores artistas de trombón de ese año.
Luis Bonilla ha enseñado en la Escuela de Música de Manhattan , la Universidad de Temple y el Conservatorio de Nueva Inglaterra . Desde 2013, Bonilla se ha desempeñado como director musical de la JM Jazz World International Youth Jazz Orchestra realizando giras por muchas partes de Europa. [7] Ha sido artista invitado y clínico en numerosos colegios y escuelas de música en los Estados Unidos e internacionalmente, incluyendo la Universidad de Memphis , la Universidad del Norte de Iowa , Riverside City College , la Universidad de Wellington (Nueva Zelanda) y muchas más. Ha enseñado en la Universität für Musik und darstellende Kunst en Graz, Austria._(wikipedia)
Kenny Garrett (9 de octubre de 1960) es un saxofonista de jazz y flautista que obtuvo fama en su juventud como miembro de la Orquesta de Duke Ellington y de la banda de Miles Davis. Desde entonces ha seguido una carrera de éxito y ha sido descrito como "El más importante saxo alto de su generación" por el Washington City Paper y "Uno de los más admirados saxos altos de jazz después de Charlie Parker" por The New York Times. Kenny Garrett nació en Detroit, Míchigan y en 1978 se licencia en la Mackenzie High School. Su padre era carpintero y tocaba en saxo tenor como hobby. La carrera de Garrett como saxofonista despunta cuando se une a la Orquesta de Duke Ellington en 1978, entonces dirigida por el hijo de Duke, Mercer Ellington. Tres años más tarde toca en la Orquesta de Mel Lewis, tocando la música de Thad Jones y también en el Cuarteto de Dannie Richmond, centrando en la música de Charles Mingus. En 1984, graba su primer álbum como líder, Introducing Kenny Garrett, en el sello CrissCross. Después graba dos álbumes con Atlantic: Prisoner of Love y African Exchange Student. A continuación Garrett firmó con Warner Bros. empezando con el álbum Black Hope, en 1992. Entre sus registros en Warner Bros. están Pursuance: La Música de John Coltrane, grabado en 1996 y Songbook, su primer álbum enteramente de composiciones propias, grabado en 1997 y nominado para un Grammy.
Durante su carrera, Garrett ha actuado y grabado con muchos grandes del jazz como Miles Davis, Art Blakey, Joe Henderson, Brad Mehldau, Freddie Hubbard, Woody Shaw, McCoy Tyner, Pharoah Sanders, Brian Blade, Marcus Miller, Chick Corea, John McLaughlin, Herbie Hancock, Bobby Hutcherson, Ron Carter, Elvin Jones, y Mulgrew Miller. La música de Garrett a veces exhibe influencias asiáticas, un aspecto qué es especialmente relevante en su álbum de 2006 Beyond the Wall nominado al Grammy. Garrett es más conocido en muchos círculos por los cinco años con Miles Davis, durante el periodo eléctrico de Davis y declara que se ha acostumbrado a la asociación:
"Estuve en la banda de Miles aproximadamente cinco años. Creo que la etiqueta siempre permanecerá. Fueron cinco años de mi vida. Aquello era una situación musical única ya que duró mucho más del año habitual. Para mi fueron cinco años muy buenos y he podido utilizar esa experiencia. Algunas personas se fijaron en mí a través de Miles y después vendrían a mis conciertos. Creo que es parte de mi historia y estoy orgulloso de ello. Todavía estoy probando a forjarme un nombre propio y mi propia música. Cada vez que mencionan a Kenny Garrett, probablemente habrá alguna asociación con Miles Davis, igual que cuándo mencionan a Herbie Hancock, siempre mencionan a Miles Davis o a Wayne Shorter". (allaboutjazz)..._(wikipedia
En su tercer álbum para Mack Avenue Records, Kenny Garret explora muchos terrenos. Utiliza a dos pianistas diferentes, Vernell Brown y Benito González, al bajista Corcoran Holt, a los baterías Marcus Baylor, McClenty Hunter y Mark Whitfield Jr., así como a un cuarteto de cuerda en "Brother Brown" (en la que Garret toma el relevo al piano). Todas menos una de estas 12 melodías ofrecen sofisticadas pruebas de su propio viaje a través del linaje del jazz y su empuje en los márgenes del post-bop. Hay una profunda confianza en la melodía y el canto a través de sus trompas, incluso cuando las cosas se ponen musicalmente complejas como en el tema que da título al disco, en el que explora terrenos musicales modales y orientales con su soprano. Hay citas de "My Favorite Things" de Coltrane en su solo, pero también hay momentos de armonía oriental, subrayados por los gruesos acordes de Brown, sus arpegios y sus declaraciones abiertas. También hay un par de guturales cantos vocales suyos y del pianista -el suyo cristiano, el del pianista budista- que se combinan a la perfección para señalar directamente la naturaleza espiritual de la melodía. Otros números ofrecen guiños manifiestos a sus antepasados, colaboradores e influencias. "Hey, Chick", con su aire morisco-flamenco, evoca temas que Chick Corea exploró en My Spanish Heart. "Chucho's Mambo", con su vibración de rumbero y son, es un guiño directo al pianista Chucho Valdés y también cuenta con la participación del trompetista Ravi Best y el percusionista Rudy Bird (en una de varias apariciones). "J'Ouvert" se subtitula "Homenaje a Sonny Rollins" y se inspira en el uso que el coloso del saxofón hace de los ritmos, cadencias y temas líricos del calipso. "A Side
Order of Hijiki" no hace referencia a las algas culinarias japonesas de su título, sino a la forma de tocar que describió el difunto Mulgrew Miller. Es una jam post-bop, con ostinatos afilados de González y una línea de bajo furiosa y palpitante de Holt. Una sorpresa notable es la inclusión de "I Say a Little Prayer for You" de Burt Bacharach y Hal David, con un sutil marco latino que, por lo demás, sigue el arreglo escrito para Dionne Warwick. Este es el Garrett más cancionero, y su intento más directo en el álbum de comunicarse melódicamente; como en el pasado, también revela la profunda y temprana influencia de Junior Walker en su forma de tocar. Pushing the World Away es un disco muy diverso para Garrett. Lo que no revela en swing lo hace en complejidades, sombras, arreglos impresionantes y sorprendente musicalidad._Thom Jurek (allmusic)
Paul Emil Breitenfeld (San Francisco, 25 de noviembre de 1924 - Nueva York, 30 de mayo de 1977), conocido como Paul Desmond, fue un saxofonista (saxofón alto) estadounidense de jazz. Fue una figura representativa de la corriente principal del jazz y del cool, especializado en baladas y en la improvisación melódica; se caracteriza también por sus citas de música clásica y de canciones folk..._(wikipedia)
Paul Desmond es ampliamente reconocido por su genialidad como improvisador melódico y como referente de los saxofonistas de cool jazz. Su tono cálido y elegante era uno que, según se reconoce, intentaba hacer sonar como un martini seco. Él y Art Pepper eran prácticamente los únicos contraltos de su generación que no estaban directamente influenciados por Charlie Parker. Desmond estaba influenciado por Lester Young, pero lo llevó más allá, hacia mundos melódicos y armónicos nunca antes recorridos por los músicos de la caña, especialmente en los registros superiores. Desmond es más conocido por sus años con el Dave Brubeck Quartet (1959-1967) y su conocida composición "Take Five". Conoció a Brubeck a finales de los años 40 y tocó con su Octeto. El Cuarteto se formó a finales de 1950 y tomó forma definitiva con Eugene Wright y Joe Morello unos años después. Jazz at Oberlin y Take Five fueron consideradas compras esenciales por los estudiantes universitarios de la época, pero Jazz Impressions of Japan fue su grabación más innovadora. Desmond tocaba sus solos, lentos, ordenados e intrincados, en contraste directo con la obsesión del pianista por los grandes acordes, creando una miríada de texturas para el contrapunto melódico y rítmico como nunca se había oído en el jazz. Sus ingeniosas citas de musicales, piezas clásicas y canciones populares eran también una marca de agua de su arte. Cuando el Cuarteto se separó en 1967, Desmond comenzó una carrera discográfica intermitente pero satisfactoria. Incluyó fechas con Gerry Mulligan para Verve, varias sesiones con Jim Hall y un concierto con el Modern Jazz Quartet. Tocó sus últimos conciertos con el Brubeck Quartet en reuniones antes de morir de cáncer de pulmón. Las grabaciones de Desmond para RCA han sido objeto de una caja y Mosaic ha publicado una de las sesiones completas con Hall. También hay reediciones de A&M y CTI, aunque las grabaciones de Artist House y Finesse siguen lamentablemente descatalogadas._Thom Jurek (allmusic)
Mientras pasaba el tiempo en un semi-retiro tras la disolución del Dave Brubeck Quartet en 1967, Paul Desmond se dejó atraer de nuevo al estudio de grabación por el productor Creed Taylor, que sabía exactamente qué hacer con su ocioso, pero en absoluto gastado, contralto. El resultado es un álbum de música ecléctica y bellamente producido que revive la idea de la "bossa antigua" de Desmond y la envía en diferentes direcciones, directamente hacia Brasil y varias regiones caribeñas, así como de vuelta a los jazzísticos Estados Unidos. "Samba With Some Barbecue" es una maravillosa versión bossa nova de la canción de Louis Armstrong "Struttin' With Some Barbecue", cuyos primeros compases guardan un asombroso parecido con los de la "Samba de Orpheus" (que el erudito Desmond sin duda conocía). No importa cuántas veces hayas escuchado "Autumn Leaves", el tratamiento de la bossa nova de Desmond te dará una nueva sacudida, ya que suelta de improviso las cavilaciones más exquisitamente oscilantes; lástima que se desvanezca después de sólo tres minutos.
En un estado de ánimo flexible, Desmond incluso consiente en grabar una nueva melodía de los Beatles, "Ob-La-Di, Ob-La-Da", al estilo samba, citando de paso "Hey Jude" (es muy posible que se sintiera atraído por el protagonista de la letra, un tipo llamado Desmond), y hace música potente de melodías de películas como "Emily" e incluso la elegante "Lady in Cement". Don Sebesky aporta algunos arreglos inteligentemente elaborados para big band aumentados por trompas francesas, Herbie Hancock realiza algunos solos a menudo brillantes en varios momentos destacados, Ron Carter está al bajo, y Leo Morris y Airto Moreira se alternan en la batería. Nunca antes se había grabado el contralto de Desmond de forma tan deslumbrante -la ingeniería de Rudy Van Gelder le da un nuevo brillo dorado- y el LP original tenía una portada genial y sarcástica: carámbanos brillantes._Richard S. Ginell (allmusic)
Hermeto Pascoal (Arapiraca, 22 de junio de 1936) es un compositor, arreglista, productor musical y un virtuoso multinstrumentista (principalmente pianista, bandoneonista, flautista, melodista, saxofonista y guitarrista) de Brasil., comenzó a tocar flauta con solo ocho años de edad y ya con 14 años era músico profesional en Recife. Junto con sus hermanos, todos albinos, comenzó a tocar el piano en la década de los cincuenta en formato de trío. En 1964, formó el "Sambrasa Trío" , con Airto Moreira y el bajista Humberto Clayber. En 1966, Airto Moreira, que tocaba en un grupo llamado "Trío Novo", con el guitarrista, Heraldo do Monte y el bajista, Theo de Barros, animó a Hermeto a unirse al grupo, formando así el grupo que le dio a conocer internacionalmente: "Quarteto Novo", uno de los mas importantes grupos de música instrumental de la historia de Brasil. El grupo estaba provisto de una magnifica técnica y fue una de las claves de la fusión del jazz con los ritmos brasileiros. En 1968, Hermeto Pacoal, escribe su primer arreglo orquestal para la música de Gudin que se estrena en el Festival de la Canción de TV bajo el titulo de "Choro do Amor Vivido". Poco después, ya en los años setenta, recibe una invitación de Airto Moreira, para trasladarse a los Estados Unidos donde graba su primer disco para el sello "Cobblestone" titulado genéricamente "Hermeto".
Ya con una dilatada y reconocida experiencia, Miles Davis, le encarga algunos arreglos y de esa colaboración sale la invitación a que Hermeto Pascoal, colabore en la grabación del disco de Miles Davis, titulado "Live Evil". Hermeto vuelve a Brasil en 1973 y graba un disco titulado: "A Música Livre De Hermeto Pascoal", retornando en 1976 para los Estados Unidos, donde nuevamente graba otro disco titulado "A missa dos escravos". Hermeto Pascoal, es un compositor muy prolífico y tiene grabados cerca de 3000 canciones. Entre el 23 de junio de 1966 y 23 de junio de 1996, Hermeto escribe "Calendario do Som"; un total de 366 composiciones musicales, una para cada día del año en los mas diversos géneros, y que realizó con un tesón admirable, componiendo una canción por cada día. Sus composiciones fueron interpretadas por la Orquestra Sinfónica de Brooklyn, la Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Sao Paulo, y otras por el estilo. Hermeto Pascoal, ha tocado con los mas grandes de la música brasileña e internacional, como Elis Regina, Ron Carter, o Raúl de Souza, y participó en el homenaje al gran bandoneista argentino, Astor Piazzola en Buenos Aires._(apoloybaco)
"Festa dos Deuses" es una obra que clasifico como Música Universal en todos los sentidos: rítmica, armónica y melódica, y principalmente original. Estoy muy contento de contar con personalidades ilustres, como el presidente Collor de Mello, la profesora de educación física Fabíula Pascoal y el gran actor-poeta Mário Lago como invitados especiales en este disco. Todos ellos cantan maravillosamente bien con el sonido del aura, captado con sensibilidad por mí. Es imposible explicar con palabras o adjetivos lo que es el Sonido del Aura, pero de una cosa estoy seguro: depende mucho del nivel musical y perceptivo del músico. Me dijo por teléfono: "Padrinho, sólo llego desde el Mi por debajo de la 3ª línea del suplemento inferior hasta el Fa de la 5ª línea", pero en el transcurso de la grabación se fue soltando cada vez más y acabó llegando al Re por encima de la 2ª línea del suplemento superior, y así grabó 7 canciones con nosotros. Me complace presentar a Luciana Souza, una nueva y hermosa voz. Soy suspicaz cuando hablo de estos grandes músicos instrumentistas, mis hermanos del grupo: Carlos, Jovino, Itibeê, Marcío, Fálbio y Pernambuco, pero tengo una semilla que agradecer por todo lo que dan de sí a la música con mucha verdad y amor._Hermeto Pacoal
Dimitris Kalantzis nació en Atenas y estudió piano y teoría en la Escuela de Música de Atenas y en la Escuela de Música Ateniense, graduándose con un título de piano y fuga (alta distinción). En 1990 continuó sus estudios en la Academia de Música Liszt Ferenc ( Departamento de Jazz) y se graduó en 1994 logrando su Diploma con Distinción. Más tarde, recibió una beca de música del Berklee College of Music como resultado de una audición celebrada en la F.Nakas School of Music. Trabajó como profesor en varias escuelas, como la High School secundaria de música del Pireo, la escuela de música Athenaeum y la universidad jónica (departamento de jazz). Ha colaborado con destacados músicos de la escena del jazz griego e internacional como: Andy Sheppard, Alex Foster, Ralph Peterson, Rex Richardson, Dennis Baptiste, Abram Wilson, Marcelo Peliteri, Ron Afif, Tony Remy, Amik Guerra y Takis Paterelis, Takis Barberis, Giorgos Fakanas, Dimos Dimitriadis, Dimitris Vassilakis, Alex Ktistakis, Yiannis Lukatos, Yiorgos Georgiadis, Serafim Bellos... Ha tocado en las siguientes grabaciones: "Let the blues talk" - T.Paterelis, "Secret Path" - D. Vassilakis , "Blink" - G.Polyhronakos, "Echos" - G.Fakanas, y vive en el "Jazz Upstairs" - Rex Richardson y otros. Fue miembro de la Orquesta Nacional de Música Griega bajo la dirección de Stavros Xarhakos durante algunos años. En el marco de la Orquesta (K.O.E.M) tuvo la oportunidad de colaborar con artistas como: Dionyssis Savvopoulos, Loukianos Kilaidonis, Notis Mavroudis, Vasilis Dimitriou, Ilias Andriopoulos, Marios Tokas, Manolis Mitsias, Dimitra Galani, Maria Farantouri._(jazzonline) ¡Este no es solo otro de esos ritmos funky! Este es el ambiente navideño del funk y el jazz, un proyecto llamado "Danza secreta de Santa" creado por el músico griego de piano Dimitris Kalantzis. En el álbum escucharás nuevas composiciones de delicias navideñas de jazz y también algunas de las canciones navideñas más conocidas. ¡Es un cuento de jazz para Navidad! Aquí, como melodía de la semana, presentamos el "Funky Funky Christmas", un sencillo con excelentes voces de Sugahspank. Toca en voz alta y ponte de humor Funk de Navidad ._ (nickzois)
Dimitris Kalantzis - Santa's Secret Dance. A Jazz Tale For Christmas (2014) Temas: 01 . Driving home for christmas (Chris Rea) (feat. Mariza Rizou) 02. Funky funky Christmas (Original) (C. Colbert, P. Wilson) (feat. Sugahspank) 03 . Have yourself a merry little christmas (Original) (Ralph Blane-Hugh Martín) (feat. Lucia Paleologou) 04. Christmas waltz (Jule Styne-Sammy Cahn) (feat. Mariza Rizou) 05. Sleigh ride (Original) (Leroy Anderson-Mitchell Parish) (feat. Mariza Rizou) 06. I'II be home for ChristmaS (Walter Kent-Kim Gannon-Buck Ram) (feat. Lucia Paleologou) 07. Love is not blind (Dimitris Kalantzis-Mary Dai) (feat. Mariza Rizou) 08. Merry christmas baby (Johnny Moore-Lou Baxter) (feat. Sugahspank) 09. Back door santa (Original) (Clarence Carter-Markus Daniel) (feat. Sugahspank) 1O. Jingle bells (James Lord Pierpont) (feat. Lucia Paleologou) 11. Silent night (Franz Xavier Gruber-Joseph Mohr) (feat. Lucia Paleologou & Mariza Rizou) Musicos: Dimitris Kalantzis: Piano, arrangements Spyros Panagiotopoulos: Drums Ntinos Manos: AC .& el. bass Dimitris Papadopoulos: Trumpet, fluegelhorn Andreas Polyzogopou los: Trumpet Takis Paterelis: Sax Dimitris Tsakas: Sax Yiorgos Zareas: Trombone Louis- Enrique "Kiki" Bu Pascual: Percussion Eleftheria Pologeorgi: Flute String quartet : Sergiu Nastasa: Violin Otilia Alitei: Violin Laurentiu Matasaru: Viola Christopher Humphrys: Violoncello Mariza Rizou: Voz Sugahspank: Voz Lucia Paleologou: Voz Información cedida por Lalo Lalona
La grabación más perdurable de Bob James es quizás una de las menos aventureras. Lleno de sencillas melodías relajadas, surcos ligeros y aireados, y telones de fondo silenciosos, es una "obra maestra" de jazz suave. Es una parte duradera de su catálogo y fue la plataforma de lanzamiento para muchos proyectos de cine y televisión, y para una serie de grabaciones exitosas para el sello Warner en los años 70, 80 y 90. En efecto, aseguró su seguridad financiera para el futuro. El set es notable por su elenco de peso pesado que incluye a David Sanborn, Ron Carter, Idris Muhammad, Steve Gadd, Eric Gale, Hubert Laws y Earl Klugh. También capturó el éxito de monstruo "Angela (Theme from Taxi)", que continuó transmitiéndose en estaciones suaves de jazz en el siglo XXI. James es un pianista, arreglista y compositor muy desarrollado, y aunque la música aquí es tan segura como la leche, sin embargo, habló a millones._Thom Jurek (allmusic)
Las grabaciones de Bob James prácticamente han definido pop / jazz y crossover durante las últimas décadas. Muy influenciado por la música pop y cinematográfica, James a menudo ha presentado solistas de R & B-ish (sobre todo Grover Washington, Jr.) que añaden un toque de jazz a lo que es esencialmente un conjunto pop instrumental. De hecho comenzó en la música yendo en una dirección muy diferente. En 1962, James grabó un trío de bop-ish para Mercury, y tres años más tarde su álbum para ESP fue bastante vanguardista, con cintas electrónicas usadas para efectos. Después de un período con Sarah Vaughan (1965-1968), se convirtió en músico de estudio, y en 1973 estaba arreglando y trabajando como productor para CTI. En 1974, James grabó su primer esfuerzo puramente comercial como líder; Más tarde realizó grandes álbumes para su propia marca Tappan Zee, Columbia, y Warner Bros., incluidas colaboraciones con Earl Klugh y David Sanborn. James permanece relativamente ocupado en el estudio y desde el 2000 ha lanzado varios álbumes incluyendo Dancing on the Water en 2001, That Steamin 'Feelin' en 2002, Hi-Fi en 2003, y Urban Flamingo en 2006, entre otros. En 2011, se unió al pianista Keiko Matsui para Altair & Vega. Dos años más tarde, entregó su segunda colaboración con el saxofonista David Sanborn, Quartette Humaine de 2013. En 2015, James se emparejó con el bajista Nathan East en la sesión de estudio relajada, The New Cool._Scott Yanow (allmusic)
Temas: 01. Angela (Theme From "Taxi") 02. Touchdown 03. I Want To Thank You (Very Much) 04. Sun Runner 05. Caribbean Nights
Musicos: Composed By Arranged By Synthesizer [Oberheim Polyphonic] – Bob James Acoustic Bass - Ron Carter (tracks: 3 to 5) Acoustic Guitar – Earl Klugh (tracks: 3 to 5) Alto Saxophone – Dave Sanborn* (tracks: 2), Jerry Dodgion, Phil Bodner Baritone Saxophone – Howard Johnson (3) Cello – Charles McCracken, Jonathan Abramowitz, Richard Locker, Seymour Barab Clarinet – Harvey Estrin Concertmaster [Strings] – David Nadien Contrabass Clarinet – Howard Johnson (3) Design – Paula Scher Drums – Idris Muhammad (tracks: 1), Steve Gadd (tracks: 2 to 5) Electric Bass – Gary King (tracks: 1, 2) Electric Guitar – Eric Gale (tracks: 2, 5), Hiram Bullock (tracks: 2 to 5) Electric Piano [Fender Rhodes, Electric Yamaha Grand] – Bob James Engineer – Joe Jorgensen Engineer [Assistant] – Harold Tarowsky, Lou Jannone, Ted Brosnan, Tim Bomba English Horn – George Marge Flute – George Marge, Harvey Estrin, Hubert Laws (tracks: 3 to 5), Jerry Dodgion, Phil Bodner Mastered By [Mastering Engineer] – Vladimir Meller* Oboe – George Marge, Phil Bodner Percussion – Mongo Santamaria (tracks: B2), Ralph MacDonald (tracks: 1 to 4) Piano [Acoustic] – Bob James Rhythm Guitar [Acoustic] – Richie Resnicoff* (tracks: 1) Soloist, Bass [Piccolo Bass] – Ron Carter (tracks: B2) Soloist, Electric Guitar – Eric Gale (tracks: 1), Hiram Bullock (tracks: 5) Soloist, Vocals – Hiram Bullock (tracks: 5) Tenor Saxophone – George Marge, Harvey Estrin Trombone – Alan Raph, Dave Bargeron, Wayne Andre Trumpet – Jon Faddis, Mike Lawrence, Randy Brecker, Ron Tooley Viola – Emanuel Vardi, Jean Dane*, Sue Pray, Theodore Israel Violin – Diana Halprin, Harold Kohon, Harry Cykman, Harry Lookofsky, Herbert Sorkin, John Pintavalle, Lewis Eley, Louis Gabowitz, Matthew Raimondi, Max Ellen, Richard Sortomme
Pablo Gil, Saxofonista, Flautista y compositor venezolano. Inició sus estudios de música en la Ciudad de Mérida, Venezuela, para luego trasladarse a Caracas. Posteriormente fue becado por el CONAC, FUNDAYACUCHO y la Embajada de Francia para seguir sus estudios en Francia donde obtuvo varios reconocimientos.
Pablo Gil Rodulfo es un saxofonista y flautista venezolano que nace en 1965. Sus primeros pasos musicales los da como baterista, en la ciudad de Mérida; instrumento el cual cambia para dedicarse al saxofón. Se traslada a Caracas donde es becado para finalizar sus estudios musicales en Paris (Francia) recibiendo diferentes distinciones como el diploma de enseñanza superior de música moderna otorgado por el Centro de Informaciones Musicales (Paris, 1992), Medalla de Oro en Saxofón en el Conservatorio Nacional De Paris (1995), primer premio de Saxofón en Paris (1995) y el grado en arreglo, composición, piano e historia de jazz otorgado por el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza (Paris, 1996). Se traslada a Estados Unidos donde perfecciona su estilo con músicos como Ron Carter, Bruce Barth, Steve Slagle y Rich Perry. Ha tocado o grabado con artistas o bandas entre los que destacan Ellington Orchestra, John Benítez, Steve Turre, Ron Carter, Patato Valdez, Juan Carlos Torres, Orlando Poleo, Mario Rivera, Soledad Bravo, el Trío de Andrés Briceño, Grupo Cimarrón, Leo Blanco, Víctor Mestas y muchos otros. Sus presentaciones se han producido en tierras venezolanas y en países como Francia, Estados Unidos, Inglaterra, Panamá, Costa de Marfil, Colombia, Portugal, Turquía y Senegal. Discográficamente debuta con el álbum Major Delights (2002). Su segunda producción se titula Símbolos (2004). Posteriormente publicó el álbum Empatía (2006) junto con Gerry Weil y Carlos "Nené" Quintero; al cual sigue una grabación en vivo titulada Suka Jazz en Directo (2007), en formato de doble CD, y donde comienza a experimentar con la fusión de elementos de jazz y música electrónica. Recientemente ha publicado el álbum Baladas (2008)._(las.fm)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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Myrsini Kagarlis (13) performs Ravel's Sonatine at the 5th Summer Music
Performance Program at Anatolia College, Thessaloniki, Greece, on July 2,
2019.
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