Arthur Maia - O Tempo E A Música

Ya sea por sus maravillosas pistas, por los grupos y artistas con los que ha tocado, o incluso por sus solos brasileños de buen gusto, el bajista Arthur Maia ha tenido una carrera sobresaliente.
Nacido el 9 de abril de 1962 en Río de Janeiro, Maia comenzó su carrera tocando la batería hasta que a los 17 años tuvo su primer bajo eléctrico. El bajo ya estaba en sus venas, ya que el artista es sobrino del gran bajista Luizão Maia -mano derecha de Elis Regina-, de quien aprendió sus primeras técnicas de bajo y de quien heredó la sensibilidad que desarrolló al tocar el instrumento.
En la escena nacional, su nombre es prioritario en las bandas de renombre del país, habiendo tocado junto a Ivan Lins, Luiz Melodia y Márcio Montarroyos, a quien Arthur acompañó a partir de 1976. Entre los diversos grupos de música instrumental de los que ha formado parte se encuentran «Garage», «Varanda», «Pulsar» y la «Banda Black Rio». Su particular forma de hacer música le llevó también a la escena internacional, cuando trabajó con Ernie Watts, Sheila E., Pat Metheny, Carlos Santana y George Benson.

Más tarde, Arthur se unió a un grupo más orientado al pop, fundando la banda «Egotrip». Pero fue el grupo «Cama de Gato», con un sonido más orientado al jazz, del que Arthur era bajista, el que dio un impulso especial a su carrera.
«Maia» fue su primer álbum en solitario, grabado en 1991 y publicado en Brasil y Europa, con una importante aceptación en el mercado. Un año después, fue galardonado con el Premio Sharp a la revelación instrumental.
Su segundo CD, «Sonora», fue lanzado en un concierto en el Canecão en 1996, con entradas agotadas y gran éxito de crítica, lo que llevó a la grabación del especial «Na Corte do Rei Arthur» para SBTVE y, posteriormente, a actuaciones del músico en seis países europeos, Estados Unidos y Japón. En septiembre de ese mismo año, actuó en el Town Hall de Nueva York, en el marco del Festival Brasil / Nueva York.
En 1999, Arthur lanzó el CD «Arthur Maia e Hiram Bullok ao Vivo» en el sello Niterói Discos. Grabado en Mistura Fina a principios de 1998, este disco reúne lo mejor del bajista brasileño con el sonido de un japonés criado en EE.UU., Hiram Bullock, músico que empezó tocando el saxo, pero que ha tocado con una lista de músicos de jazz y pop, como Miles Davis, James Brown, Barbra Streisand, Burt Bacharach, Billy Joel, David Sanborn, Paul Simon y Eric Clapton.
En 2002, también en el sello Niterói Discos, Arthur Maia grabó el álbum «Planeta Música», en el que participaron Paquito D'Rivera, Mike Stern, Marcos Suzano y otros artistas conocidos. En diciembre del mismo año, ofreció el concierto «Arthur Maia Convida» en la Marina da Glória de Río, al que asistieron más de 2.500 oyentes.
A raíz de una entrevista concedida al Programa Jô en 2002, la agenda del artista estuvo especialmente apretada ese año, con invitaciones para participar en conciertos y talleres en Brasil y en el extranjero. Fue entonces cuando Arthur fue invitado a dirigir el Grammy Latino y el musical «Canto das Três Raças», y a actuar en «Utópica Marcenaria» y en los SESC de São Carlos y São José do Rio Preto.
A lo largo de los años, además de dedicarse a su trabajo en solitario, Arthur también ha trabajado con nombres como Caetano Veloso, Djavan, João Bosco, Lulu Santos, Milton Nascimento, Ney Matogrosso, Plácido Domingos, Ricardo Silveira y Gilberto Gil. El bajista trabaja con Gil desde principios de los años 90, habiendo participado en las giras nacionales e internacionales de varios espectáculos del cantante, como «Quanta», «Eu,Tu, Eles» y «Kaya N'Gandaya».
De 2013 a 2016, Arthur Maia se involucró directamente en la política, como Secretario de Cultura de Niterói durante el primer mandato del alcalde Rodrigo Neves.
En abril de 2015, grabó el DVD «O Tempo e a Música» en el Centro de Artes UFF, junto a artistas como Mart'nália, Seu Jorge e Ivan Lins. El álbum fue publicado por Selo Niterói Discos en 2010.

«[...] El verano pasado, paseaba por las maravillosas arenas del Lago Mayor, cerca de Lugano, en Suiza, cuando conocí a Paquito D'Rivera,... que también estaba allí para actuar con su grupo en el Festival de Jazz. Me preguntó si Arthur Maia era la misma persona que había tocado con Djavan. Sí, le dije. Este tipo es uno de los mejores del mundo. Queridos oyentes, este disco es el primer CD publicado por uno de los mejores bajistas del mundo de su generación, Arturzinho Maia, de Río de Janeiro. Se trata de una grabación que trae raros fragmentos de música que, con inteligencia y fluidez, reproduce lo mejor que él tiene para ofrecer». (Gilberto Gil, en 1996)_ (culturaniteroi)

Falleció el 15 de diciembre de 2018 por problemas cardiacos. 

                                                                            

                                                                          

Arthur Maia - O Tempo E A Música (2007-R.2011 Biscoito Fino)

Temas:

01. Abismo De Rosas (Dilermando Reis)

02. Forró Em Havana

03. Macabú

04. Brejeiro (Ernesto Nazareth)

05. Um Abraço No João (Gilberto Gil)

06. Tuca

07. Montains (Kiko Continentino)

08. Minha Palhoça (J. Cascata)

09. Frevo Do Compadre (Arthur Maia, Fernando Caneca)

10. To Nico

11. O Tempo E A Música (Arthur Maia, Clauber Fabre, César Beleny, Di Stéffano)

Musicos:

Arthur Maia (Bajo, bajo sin trastes, bajo acústico, voz, marimba, percusión, productor, dirección artística, escritos)

Heitor Pereira (Guitarra acústica)

Carlos Malta (Saxo barítono, Saxo soprano)

Ademir Junior (Clarinete)

Di Stéffano (Batería, triángulo, timbales, programado por, repinique, co-productor)

Carlos Bala (Batería)

Scott Henderson (Guitarra)

Fernando Caneca (Guitarra, guitarra acústica)

Gabriel Grossi (Armónica)

Kiko Continentino (Teclados)

Sérgio Chiavazzolli (Mandolina)

Cesinha, Gustavo Di Dalva, Macaco Branco, Thiago da Serrinha (Percusión)

Claudio Andrade (Piano)

Josué Lopez (Saxo tenor)

Marcelo Martins (Saxo tenor, flauta)

Bruno Santos, Chico Oliveira (Trompeta)

Mart'Nália (Invitado #8,#10)

Gilberto Gil (Invitado #5)

Amado Borcela 'Guapachá' - Guapachá El Mejor

Amado Borcela 'Guapacha'. Nace en Manzanillo, provincia Granma el 14 de julio del 1934.Tocaba instrumentos de percusión. Por un tiempo trabajó en tapicería.
Innovador dentro de la música popular cubana; cantaba con peculiar estilo, cercano a la guaracha, dentro de lo que se ha denominado “descarga”.
Conocido con el seudónimo de Guapachá. Actuó brevemente en radio, televisión, teatro y cabaret, grabando, además, un excelente disco de larga duración con el combo de Jesús (Chucho) Valdés.
Chucho Valdés fundó su combo en 1964 con un veradero all stars: Paquito D'Rivera en el saxo, Carlos del Puerto en el contrabajo, Carlos Emilio Morales en la guitarra eléctrica, Papíto Núñez en la percusión y en la parte vocal un percusionista devenido cantante, Amado Borcelá.
Este cantante interpretaba un estilo muy novedoso la guaracha a la que le llamaba "Descarga", donde improvisaba con los mas atrevidos rubateos siguiendo la línea del scat. Aunque esto ya lo había hecho Francisco Fellove cuando grabó unos discos en la década del cincuenta, Borceló hizo tal creación del mismo que a ese estilo se le conoció en lo adelante como "guapachá".
Amado Borcelá falleció en 1966 prematuramente de un colapso en plena ascensión artística y sólo pudo dejar un LP con el combo de Chucho Valdés._(cubanosfamosos)

Amado Borcelá, conocido como "Guapachá"  fue un cantante y percusionista que imprimió su propio sello a través de un fraseo particular en su voz, que evocaba a muchos de los cantantes del be-bop americano, pero con sabor cubano, sabor de guaracha. Fue trabajador en el campo de la tapicería, pero en el lado artístico, su debut se da actuando en diferentes cabarets. Fue en uno de ellos llamado "La zorra y el cuervo" cuando es descubierto por el gran maestro Bebo Valdés en 1960. Lo incorporó a su trío, que después se convirtió en un cuarteto con el que tocaba en el cabaret del Hotel Sevilla, y luego en hoteles como el Havana Riviera y el Hilton, a lo que también se sumaron cuatro registros discográficos. Previamente, su talento se le asoció con el conjunto de Luisito Plá y sus Guaracheros, donde alcanzaría a dejar registros con la Panart y la Víctor. 

Con esto se abría un camino expedito para el triunfo artístico, que lo llevó a actuar en la radio, televisión, teatro y en más cabarets. 

Tras el exilio de Bebo, su hijo lo hereda quedando conformado el Combo de Chucho Valdés para

1964, con estrellas como Paquito D'Rivera en el saxo, Carlos del Puerto en el contrabajo, Carlos Emilio Morales en la guitarra eléctrica, Papíto Núñez en la percusión, y nuestro mencionado en la parte vocal y percusiva. Fue la célula inicial de lo que se conoce como Irakere, y plasmó junto a ellos una grabación titulada "Guapachá en La Habana" (Areito 1036). En plena curva ascendente de su carrera, Guapachá sufre una insuficiencia en plena presentación con tan solo 32 años de edad, y prematuramente viajó a terreno celestial. "Guapachá" por lo tanto, queda inmortalizado en aquellas grabaciones con los combos de Bebo y Chucho Valdés, y como un innovador de la canción, que evocaba fácilmente a las figuras del be-bop y el scat norteamericano, o para no ir más lejos, al hoy también rememorado Francisco Fellové, que había hecho lo mismo en los años cincuenta. Saludo celestial a "Guapacha"!_(facebook)

                                                                         

                                                                         

Amado Borcela 'Guapachá' - Guapachá El Mejor (1966)

Temas:

01. Guapachá El Mejor (Guapachá) Luis Sosa Cotilla

02. Oye, Rebeca (Guapachá) Fernando Vivar/José Slater

03. Melodía En Abril (Descarga Jazz) Urbano Gómez Montiel

04. Pudiera Ser (Bat-Chá) Chiquitica Méndez

05. El Mozambiquero (Monzambique) Yañez-Gómez

06. Que No Me Digas Na (Guapachá) Alberto González 

07. Retozón (Son Montuno) Calixto Callava

08. Hoy No Creo En Tí (Guapachá) Luis Iglesias 

09. No Tienes Tema (Guapachá) O. Martínez-R. Montesinos

10. El Panzón (Guapachá) Enrique Martínez 

11. Mi Existir (Descarga) José M. Somoza

12. Indestructible (Bossa Nova) Jesús Valdés-Luis Yañez

Información cedida por Osvaldo M. 

Frank Colón - Latin Lounge

Frank Colón (nacido el 13 de octubre de 1951) es un músico y artista marcial estadounidense de ascendencia puertorriqueña.
Nacido en Washington, D.C., Colón se trasladó de allí a Puerto Rico a la edad de cinco años. Su formación musical comenzó a los once años, con clases de piano clásico, bajo la dirección de Angelina Figueroa y Rafael Figueroa. También estudió percusión brasileña, guitarra, bajo eléctrico y trap drum. Participó activamente en deportes municipales y universitarios, artes marciales y teatro aficionado, y trabajó con varios grupos locales de música pop.
En 1970 regresó a Washington D.C. para cursar estudios universitarios en la American University, donde se especializó en Ciencias Políticas. Durante este tiempo, su orientación musical cambió de los instrumentos melódicos a la percusión. Al terminar sus estudios universitarios, se dedicó por completo a la música.
En 1976, Colón se trasladó a Nueva York para trabajar con el batería Julito Collazo. Allí aprendió a tocar los tambores Batá.

Colón es practicante de Tai chi y cinturón negro pionero estadounidense, instructor superior del sistema israelí de defensa personal Krav-Maga, certificado por el Instituto Wingate de Israel y Krav-Maga International, Inc. Él fue el primer Vice-Presidente elegido de la Asociación americana de Instructores de Krav maga (AAKMI), hoy conocido como La Federación de Krav maga. Él actualmente tiene el rango de Profesor Cinturón Negro Dan 2._(wikipedia)

A lo largo de su carrera, Frank Colón ha sido un percusionista muy solicitado por artistas tan populares como Manhattan Transfer, Aretha Franklin y Tania Maria. Pero aunque su percusión es una parte prominente de los conjuntos de "Latin Lounge", es su escritura y el uso de los variados colores de los otros músicos lo que hacen de ésta una grabación particularmente notable.

Grabado en Río de Janeiro, Brasil, "Latin Lounge" cuenta con el talento de músicos brasileños de la talla del trompetista José Arimateia, el flautista Carlos Malta, Julio Falavigna a la batería y el bajista Estevão Lima, además de armónica, acordeón, dos cuerdas y cuatro guitarristas muy diferentes.

Sus diez originales están llenos de ricas melodías, ambientes pintorescos y contagiosos ritmos latinos. Los títulos de las canciones a menudo definen la música, como la exótica "Emerald Coast", los ritmos optimistas de "Easy Does It" y "Summer Cocktail", y la sensual "Let's Just Go...", con su patrón de bajo especialmente pegadizo. La guitarra acústica de Jamie Glaser en la funky "Wishful Thinking", el uso del acordeón en "Tango Lucumí" y la guitarra flamenca de Roman Miroshnichenko en "Spanish Heart" añaden un toque memorable a la variedad de este conjunto atmosférico.

A lo largo de su carrera, Colón ha trabajado con muchos artistas de primera fila, como Manhattan Transfer, Wayne Shorter, Gato Barbieri, Michel Camilo, Chucho Valdés, Michel Petrucciani, Joe Zawinul, Flora Purim, Dr. Billy Taylor, Milton Nascimento, Harry Belafonte, Airto Moreira y Paquito D'Rivera, entre otros. Sus CD anteriores incluyen: "Live At Vartanjazz" y "Latin Wonder".

"Latin Lounge" está lleno de música a la que es difícil resistirse. Como dice con precisión Frank Colón, "Latin Lounge moverá tu cuerpo, tocará tu corazón y calmará tu alma.La mezcla de culturas musicales eleva la conciencia, une a la gente y promueve la paz. Latin Lounge' transporta al oyente a una tierra que siempre ha imaginado, pero que nunca supo que existía"._(jazzpromoservices)

                                                                                    

                                                                            

Frank Colón - Latin Lounge (2019)

Temas:

01. Emerald Coast 

02. Summer Cocktail 

03. Easy Does It

04. Let's Just Go...

05. Samba Gitano

06. Spanish Heart 

07. Wishful Thinking

08. Tango Lucumí

09. The Whales of Bahia 

10. Bali 

Musicos:

FrankColón (Percusión,voz,programación)

José Arimateia (Trompeta, fliscorno)

Raphael Batista (Violín)

Julio Falavigna (Batería)

Daniel Figueiredo (Sintetizadores)

Jamie Glaser (Guitarra acústica)

Estevão Lima (Bajo)

Jr. Lobbo (Guitarra eléctrica)

Luana Mallet (Voz)

Carlos Malta (Flauta, flauta baja)

Kleyton Martins (Teclados)

Roman Miroshnichenko (Guitarra flamenca)

Elton Ricardo (Fender Rhodes)

Cristiano Rocha (Batería)

José Staneck (Armónica)

MatheusStarling (Guitarraeléctrica)

Cristiano Veneza (Violín, viola, violonchelo)

MateusViano (Acordeón)

Daniel Ponce - Chango Te Llama

Daniel Ponce es un percusionista nacido en La Habana, Cuba un 21 de julio de 1953, su primer contacto con la música es a través de su abuelo, un reconocido baterista. Fue músico en varias agrupaciones folclóricas, donde ejecuto la tumbadora y los tambores bata. A los 11 años, inicia su carrera artística tocando en el grupo de mozambique llamado Los Brillantes, durante su adolescencia, toca en la Comparsa Estudiantil Universitaria.
Se presentó en los Carnavales Habaneros hasta 1980 fecha en que debe abandonar la isla y llega a los Estados Unidos, tras un breve paso por Miami, se radica en la Ciudad de New York, donde comienza a tocar con los hermanos Jerry y Andy Gonzáles en el Village Gate, al tiempo que colabora como músico invitado en dos álbumes del saxofonista cubano Paquito D'Rivera y se integra a la Orquesta de Eddie Palmieri; es en New York donde Ponce ha consolidado una notable carrera como percusionista.

Ha participado en conciertos y ha grabado discos con notables músicos, entre ellos Paquito Rivera, McCoy Tayner, Eddie Palmieri, Herbie Hancock, Mick Jagger, Ginger Baker, Celia Cruz, Mario Bauzá, Dizzie Guillespie, Tito Puente. Su línea de trabajo se ubica dentro de la música afrocubana, el Jazz y la salsa..._(last.fm)

Un percusionista estrella y uno de los mejores de Cuba desde el apogeo de Chano Pozo, Cándido Camero y Armando Peraza, Daniel Ponce mostró un dominio rítmico tanto de los sonidos cubanos tradicionales como de los ritmos afroamericanos contemporáneos. El abuelo de Ponce fue un famoso baterista y le dio a su nieto su primera formación. Ponce tocaba el cencerro con Los Brillantes en La Habana a los 11 años. Cambió a las congas cuando era adolescente y tocó con Comparso Federación Estudiantil Universitario. Llegó a Estados Unidos en 1980 y pronto se mudó a Nueva York. Andy y Jerry González invitaron a Ponce a sentarse en el Village Gate, donde conoció al saxofonista Paquito d'Rivera. Más tarde tocó en un par de álbumes de d'Rivera e hizo sesiones para Eddie Palmieri. Pero el productor/bajista Bill Laswell realmente ayudó a Ponce. Le consiguió una sesión con Herbie Hancock que condujo al exitoso lanzamiento comercial y crítico Future Shock a mediados de los años 80. Ponce hizo varias sesiones para OAO y Celluloid, y emitió su primera sesión como líder, New York Now!, en 1983. Su siguiente salida, Arawe, llegó en 1987, seguida de Chango Te Llama en 1991. Ponce también dirigió un par de Los grupos de Nueva York, New York Now y Jazzbata, además de un considerable trabajo de sesión en fechas lideradas por otros._Ron Wynn (allmusic)

                                                                          

                                                                                 

Daniel Ponce - Chango Te Llama (1991)

Temas:

01. Chango te Llama

02. Bacalaitos

03. Mas Blues

04. Oferere

05. Bilongone

06. Midnight Mambo

07. Latin Perspective

08. Recoje y vete

Musicos:

Daniel Ponce (Conga, shekere, mezcla)

Oscar Hernandez (Piano, Mezcla, Conga, Director)

Sal Cuevas (Bajo, piano)

Edgardo Miranda (Voz, Cuatro)

Marc Quiñones (Timbales)

Óscar Quiñones (Timbales)

Mario Rivera (Flauta, flauta alto, saxos)

David Sánchez (Sax tenor)

Steve Berrios (Batería, Batá)

Robbie Ameen (Batería)

Héctor Hernández (Batería)

Joe Gonzalez (Saxo, bells, güiro)

Rae Serrano (Sintetizador)

Ángel Papo Vásquez (Trombón)

David "Piro" Rodríguez (Trompeta)

Michael Mossman (Trompeta)

Milton Cardona (Voz, voz fondo)

Tito Allen (Voz, voz fondo)

Ricky González (Arreglista)

McCoy Tyner - McCoy Tyner And The Latin All-Stars

En 1998, la perspectiva de McCoy Tyner al frente de un grupo de Latinjazz para un conjunto animado de melodías construidas sobre ritmos afrocubanos no solo tiene sentido, sino que genera anticipación. Tyner, después de todo, es uno de los pianistas más respetados e imitados del jazz moderno, con un estilo a la vez terrenal y sofisticado, una improvisación al vernáculo totalmente suya y una calidad de percusión contundente y original.
Esta grabación llega en un momento en que la música de toda América Latina está encontrando su camino, cada vez más, a los oídos estadounidenses. Los ejecutivos estadounidenses de A&R se apresuran a viajar a Cuba para ver de qué se trata el alboroto; los productores están extrayendo los cancioneros de compositores brasileños y puertorriqueños para lanzamientos populares en los Estados Unidos. Músicos estadounidenses, cubanos, brasileños, panameños y africanos lo están mezclando en mayor número y con más libertad que nunca. Todos están redescubriendo, tal vez incluso reinventando, una conexión que ha existido durante la mayor parte de un siglo, una que -con este vigor renovado y un flujo más libre- ha sido restaurada a lo que una vez prometió ser: un conducto vital de información compartida. inspiración, información y ritmo.

Para Tyner, nada de esto representa una nueva fascinación o un rumbo diferente. Los ingredientes básicos ya están en su forma de tocar: una poderosa conciencia de las cosas africanas y afrocaribeñas ha sido central en la historia de Tyner desde el principio.
"Cuando era adolescente estaba involucrado en la cultura africana", recuerda Tyner de los días en Filadelfia. "Me interesé. Más que política, crecí en un ambiente que quería conectarme con aspectos de mis raíces y entender más sobre cultura negra. Para entender más sobre la cultura, punto, pero la cultura negra especialmente porque era algo que no necesariamente nos enseñaban en la escuela".
Entonces, Tyner se interesó temprano en la cultura africana y las culturas de la diáspora africana. Como la mayoría de los músicos que conocía, Tyner se centró en la percusión. Conoció a un baterista de lo que entonces se llamaba Costa de Marfil y se empapó de lo básico. Aprendió sobre la danza africana. Incluso tocó una conga, "hasta que mis dedos sintieron el castigo", dice.
A los diecisiete años conoció al saxofonista John Coltrane. En la década de 1960, cuando tenía poco más de veinte años, Tyner era el pianista del cuarteto de Coltrane con el bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones. Fue una experiencia que no sólo alteraría para siempre la vida de Tyner, sino que literalmente cambiaría el curso del jazz. La música del grupo tenía un golpe de percusión legendario, una poderosa dimensión espiritual y, para aquellos que escuchaban con comprensión, despertó conexiones africanas profundamente arraigadas. Tyner y Coltrane hablaron un poco sobre esas cosas. También estaba todavía muy en el aire. La banda de Coltrane tocó en el mismo cartel con la orquesta afrocubana de Machito en el Apollo, y un joven Tyner pudo apreciar de primera mano la emoción que generó esa banda.
Tyner trabajó en algunos escenarios con congas y percusión africana desde la década de 1960 y desde entonces ha tocado dentro de una concepción del jazz latino. Sin embargo, no fue hasta su grabación de 1981, La Leyenda de la Hora, que Tyner hizo una grabación basada en conceptos de Latinjazz. El proyecto fue impulsado en parte por la deserción a los Estados Unidos del saxofonista Paquito D'Rivera, y fue anclado por incondicionales latinos como el percusionista Daniel Ponce y el baterista Ignacio Berroa y estrellas del jazz estadounidense como el vibrafonista Bobby Hutcherson, el trompetista Marcus Belgrave y saxofonista Chico Freeman. Incluía amplios arreglos de los originales latinos de Tyner, algunos con acompañamiento de sección de cuerdas.

Más recientemente, Tyner ha realizado numerosas giras con una pequeña banda de Latinjazz, tocando en lugares como Blue Note de Nueva York y Yoshi's de San Francisco, así como en festivales europeos. El concepto de Tyner se basa en la colaboración total y completa, la esencia del jazz latino. "No estamos tratando de hacer salsa ni nada tradicionalmente latino", señala. “Recuerdo que una mujer se me acercó después de una cita en Yoshi's y me dijo: 'No estás tocando el piano al estilo cubano real'. "Él se ríe. Bueno, soy un músico de jazz. Mi cultura está aquí, ¿sabes? Crecí en Estados Unidos. No soy cubano, aunque las raíces son las mismas. Voy a tocar jazz". Estoy tratando de sintetizarlo todo en mi propia declaración".
El baterista Berroa está en esta grabación, en una sección rítmica con el percusionista Giovanni Hildalgo y el timbalero Johnny Almendra. En la trompetista Claudia Roditi y el flautista Dave Valentin, Tyner ha elegido a dos músicos igualmente distinguidos en los estilos latino y americano. Y en el bajista Avery Sharpe, el trombonista Steve Turre y el saxofonista Gary Bartz, Tyner ha reclutado aliados musicales de confianza desde hace mucho tiempo.
La apertura del álbum, Festival in Bahia, un original de Tyner, se extrae de una grabación anterior (lnner Voices de 1977). En ese álbum, la melodía con sabor brasileño de Tyner fue interpretada por piano, bajo y batería con un coro que decía la melodía. Aquí, recibe un desarrollo más completo por parte de todo el conjunto. La declaración a lo largo del álbum parece clara: esta grabación no es una pieza fija, es un documento de una banda de trabajo. Vale la pena notar cuán bien, de hecho, cuán completamente, las características de Tyner como improvisador encajan dentro del ritmo afrocubano establecido por la sección rítmica. De esa manera, la melodía captura uno de los placeres centrales del álbum, y una de las razones por las que esta concepción funciona tan bien: Tyner no ha alterado nada de su estilo para adaptarse a este material, simplemente se ha propuesto extraer una hebra importante de su tapiz musical familiar.

El programa de Tyner también está repleto de algunas composiciones familiares escritas por importantes contribuyentes a los legados africanos y latinos del jazz. Poinciana, probablemente la melodía más conocida del libro del pianista Ahmad Jamal, recibe aquí una interpretación majestuosa y amorosa. Donde el original de Jamal sonaba completamente africano en su orientación, el tratamiento de Tyner aquí baila sobre una alfombra mágica, tal vez. Uno actualmente flotando en algún lugar entre África, América Latina, América del Sur y los Estados Unidos, aterrizando suavemente donde y cuando quiera McCoy Tyner._Larry Blumenfeld, Editor- in-chief, Jazziz

                                                                                                   

                                                                                

McCoy Tyner - McCoy Tyner And The Latin All-Stars (1999)

Temas:

01. Festival In Bahia (McCoy Tyner)

02. Poinciana (Buddy Bernier, Nat Simon)

03. Afro Blue (Mongo Santamaria)

04. A Song For Love (McCoy Tyner)

05. La Habana Sol (McCoy Tyner)

06. We Are Our Fathers Sons (Avery Sharpe)

07. Blue Bossa (Kenny Dorham)

Musicos:

McCoy Tyner (Piano)

Johnny Almendra (Timbales)

Gary Bartz (Saxofones)

Ignacio Berroa (Batería)

Giovanni Hidalgo (Percusión)

Claudio Roditi (Trompeta y fliscorno)

Avery Sharpe (Bajo)

Steve Turre (Trombón y conchas)

Dave Valentín (Flauta) 

Luis Mario Ochoa & Friends - Cimarrón

El vocalista, guitarrista, compositor, arreglista y director de orquesta Luis Mario Ochoa nació en La Habana, Cuba, y sus primeras influencias musicales proceden de su padre, Luis Ochoa padre, uno de los fundadores del Trío Voces de Oro. Luis Mario comenzó sus estudios musicales en algunos de los conservatorios más prestigiosos de La Habana, completándolos en 1987, con una licenciatura en guitarra clásica por el Instituto Superior de Artes (ISA).
En 1990, Luis Mario se instaló en Toronto y pronto formó su grupo Cimarrón, con el que grabó tres discos aclamados por la crítica. Sus dos primeros -A La Cubana y La Fiesta- fueron algunas de las primeras grabaciones que surgieron de la escena musical latina de Toronto y los temas de estos CDs aparecieron en películas y programas de televisión como Traders, la producción estadounidense Brave New Girl y la canadiense Bailey's Billions, así como en la serie de televisión The Associates. Su tercer CD, Cimarrón, incluye un elenco de estrellas de músicos de jazz y latinos de Toronto, así como invitados especiales: Paquito D'Rivera, Guido Basso y el padre de Luis.  En 2008, lanzó el Luis Mario Ochoa Acoustic Quintet y más tarde ese mismo año lanzó su CD Momentos Cubanos con canciones originales y clásicas de América Latina. ¡El CD alcanzó el puesto número 2 en las listas de música del mundo en Earshot Canada! 
Luis Mario ha participado en la mayoría de los principales festivales de jazz y del mundo de Canadá, como los de Montreal, Toronto, Vancouver, Halifax y el Chamberfest de Ottawa. Entre los eventos internacionales más destacados se encuentran el Barbados Jazz Festival y el Dizzy's Club del Lincoln Center de Nueva York como invitado especial del ganador de varios premios Grammy Paquito D' Rivera.

"Con raíces en la música popular cubana, la emotiva voz de Ochoa y su delicado toque en la guitarra de cuerdas de nylon, exhiben un cambio de los estándares del jazz latino. Ochoa ha sido aclamado por su "...fuego, delicadeza y autenticidad" (Jazz Times) y por crear "...jazz latino de alto calibre [que] cocina" (Descarg.com).

"Luis Ochoa tiene una voz excepcional. Su elevado tenor se eleva por encima de las trompas y la percusión, entregando las letras con sinceridad y poder."  Revista Jazz Improv.

Luis Mario ha hecho recientemente de Miami su segundo hogar y ha reunido su Miami Acoustic Quintet, que presentará al público de Miami en la serie de jazz de la WDNA el 24 de octubre, seguida de una actuación el 31 de octubre en el club de jazz del centro de Miami Le Chat Noir._ (luismario)

Esta reunión del guitarrista-cantante cubano Luis Mario Ochoa le reúne con muchos de sus músicos favoritos. El personal difiere en cada selección con la música que va desde la salsa orientada a las voces hasta el ardiente jazz latino y las versiones latinizadas de "Old Devil Moon" y "Days of Wine and Roses". El invitado Paquito d'Rivera aparece tocando el clarinete en su "To Brenda with Love", el flügelhornista Guido Basso y el pianista Hilario Durán son piezas clave en el proyecto, y Ochoa llega a interactuar con su padre, el cantante Luis Ochoa, Sr. No tiene lugar nada inusual, pero el espíritu alegre de este conjunto debería complacer a los oyentes que disfrutan tanto de la música latina de baile como del jazz afrocubano._Scott Yanow (allmusic)                       

                                                                      

Luis Mario Ochoa & Friends - Cimarrón (2005)

Temas:
01. Como Penelope (Luis Mario Ochoa)
02. To Brenda With Love (Paquito D'Rivera)
03. Lamento Cubanno (Eliseo Grenet)
04. Days Of Wine And Roses (Henry Mancini, Johnny Mercer)
05. Afro-Cuban Chant (Luis Mario Ochoa)
06. Alma Con Alma (Juanito Márquez)
07. Mestizos (Luis Mario Ochoa)
08. Old Devil Moon (E.Y. "Yip" Harburg)
09. Bacuranao (Luis Mario Ochoa)
10. Declaracion De Amor (Luis Mario Ochoa)

Musicos:
Luis M. Ochoa (Guitarra #1 al #3, #5 al #9, guitarra de doce cuerdas #4, voz #1, #3, #6 al 8#, arreglos, #1 al #3, #5, #6, #8, #9)
Alexis Baro (Trompeta #1, #4, #5, #7 al #9, flugelhorn #2, arreglos #4, #7)
Yoskar Rodríguez (Bajo acústico #9, bajo eléctrico #1, 8, coros #1)
Rosendo "Chandey" León* (Batería  #1 al #5, #7 al #10, bongos #6, pequeña percusión latina #10)
Luis Orbegoso (Congas, except # 6, percusión brasileña #2, pequeña percusión afrocubana #5, pequeña percusión Latina #1, #4, #6, #10, güiro #3)
Luis Deniz (Saxo alto)
John "Woog" Johnson (Flauta, saxo alto)
Jeff Rey (Saxo tenor)
Pequeño Russ (Trombón)
Joelson "Manihno" Costa* (Percusión brasileña #2)
Luis A. Guerra (Piano)
Rubén Vásquez (Piano)
David Virelles (Piano, piano eléctrico)
Hilario Durán (Piano #4, #6)
Yanker González (Trompeta #3)
Cvetelina Bratanova (Viola)
Aleksandar Gajic (Violín)
Ricky Franco ( Coros #1, #10)
Paquito D'Rivera (Clarinete #2)
Guido Basso (Flugelhorn #6)

Luis Ochoa Sr. (Voz #6)

David Amram - Habana,New York

Los compartimentos musicales no significan nada para David Amram, cuyas composiciones y actividades han cruzado sin miedo el mundo clásico y el del jazz, así como los del jazz latino, el folk, la televisión y la música de cine. Además de su rara especialidad (para el jazz), la trompa, Amram también ha grabado con el piano, la flauta dulce, la guitarra española y varios instrumentos de percusión.

Amram pasó un año en el Conservatorio del Oberlin College (1948), pero se licenció en Historia por la Universidad George Washington en 1952. Su larga relación con la música latina comenzó en 1951 en D.C., cuando tocó la trompa y la percusión en la banda latina de Buddy Rowell, a la vez que era trompa clásica en la Orquesta Sinfónica Nacional. Destinado con el Séptimo Ejército en Europa, Amram grabó con Lionel Hampton en París en 1955, y luego regresó a Nueva York ese mismo año para unirse al Taller de Jazz de Charles Mingus, actuando con Mingus y Oscar Pettiford. Amram dirigió un cuarteto con el saxofonista tenor George Barrow que grabó un álbum para Decca en 1957 y más tarde tocó regularmente en el Five Spot de Nueva York en 1963-1965. Sin embargo, la carrera de Amram se orientó principalmente hacia la música clásica después de la década de 1950, produciendo piezas orquestales e instrumentales, música incidental (su partitura para J.B. de Archibald MacLeish ganó un premio Pulitzer) y otras obras que atrajeron suficiente respeto como para que la Filarmónica de Nueva York lo contratara como su primer compositor residente (1966-1967).

La Habana/Nueva York. En 1977, Amram navegó en el crucero Daphne desde Nueva Orleans a La Habana con Dizzy Gillespie, Stan Getz y Earl "Fatha" Hines, que fueron de los primeros ciudadanos estadounidenses en visitar legalmente Cuba en 16 años. Se realizó una emocionante grabación en directo de "En Memoria de Chano Pozo" de Amram en La Habana con miembros de Irakere (incluidos Arturo Sandoval y Paquito D'Rivera) y varios estadounidenses de visita, que puede escucharse en el álbum Havana/New York (Flying Fish). La visita de Amram a Cuba recibió una amplia cobertura informativa en su momento y también proporcionó a muchos estadounidenses su primera visión de Irakere.

La mayoría de las grabaciones disponibles de Amram también pueden encontrarse en Flying Fish. Además, se puede escuchar al abierto Amram tocando alegres cornos franceses, flautas de pico y pianos obligatorios en algunos extraños temas de 1971 del poeta beat Allen Ginsberg (títulos de muestra: "Vomit Express" y "Going to San Diego"), que posteriormente se publicaron en el sello homónimo de John Hammond._Richard S. Ginell (allmusic)

Músico muy versátil, interesado en combinar la música folclórica de otros países con el jazz, David Amram ha grabado sorprendentemente pocos discos a lo largo de los años como líder. De hecho, este excelente conjunto de Flying Fish fue sólo su tercer álbum, y el primero desde 1957. En 1977, varios músicos estadounidenses pudieron viajar a Cuba para realizar una breve visita, lo que dio como resultado el largo "En Memoria de Chano Pozo", que combina a Amram (en la guitarra, el piano, la flauta, el penny whistle, la trompa, el xilófono y la percusión) con una sección rítmica estadounidense y dos cubanos entonces desconocidos: el contralto Paquito D'Rivera y el trompetista de 20 años Arturo Sandoval. Otras dos selecciones en el set presentan principalmente a estadounidenses (incluyendo al trompetista Thad Jones, el baritonista Pepper Adams y el tenor de Billy Mitchell) con algunos cubanos expatriados (incluyendo a Cándido y Ray Mantilla entre los percusionistas), mientras que "Broadway Reunion" tiene a Amram en la flauta sentado con una banda cubana visitante en las calles de Nueva York. Este disco poco conocido cruza varias fronteras musicales y merece la pena buscarlo._Scott Yanow (allmusic)

                                                                                   

                                                                            

David Amram - Habana/New York (1978)

Temas:

01. Havana/New York

02. Para Los Papines

03. Broadway Reunion (Live At Broadway And 44th Streets NYC)

04. En Memoria De Chano Pozo (Live In Habana, Cuba / May 18th, 1977)

Musicos:

David Amram (Piano, clavicordio, flauta (Madera), trompa, guitarra, guitarra española, percusión, claves, silbato 'humano', silbato 'Instrumento', xilófono, arreglista, compositor, productor)

Pepper Adams (Sax barítono)

George Barrow (Sax barítono)

Cándido (Congas)

Oscar Valdés (Congas)

Paquito D'Rivera (Saxo alto)

Alfredo de la Fé (Percusión, violín, violín 'eléctrico')

Eddie Gómez (Bajo)

Billy Hart (Batería)

Thad Jones (Flugelhorn, trompeta)

Ray Mantilla (Campanas, congas, percusión, triángulo, Bloque de Madera)

Billy Mitchell (Saxo tenor)

Nicky Morrero (Percusión, timbales)

John Ore (Bajo acústico)

Los Papines (Congas, percusión)

J. Rodríguez (Batería, bongos)

Arturo Sandoval (Trompeta)

Bonnie Koloc, Rahni Kugel, Illana Morillo, Patty Smyth  (Voces)

Michele Rosewoman's New Yor-Uba, 30 Years! A Musical Celebration of Cuba in America

New Yor-Uba celebra 30 años con su grabación debut en 2013 y el lanzamiento de un CD el 10 de septiembre de 2013. Con la participación de Pedrito Martínez en la voz principal, esta grabación captura y representa un nuevo capítulo en la extensa e impresionante historia del innovador conjunto. Una celebración musical de Cuba en América Un viaje musical dinámico que abarca la antigua cultura Yoruba de Nigeria Rindiendo homenaje a sus manifestaciones contemporáneas vivas. La reconocida pianista y compositora Michele Rosewoman presenta New Yor-Uba: A Musical Celebration of Cuba in America , con compañeros maestros del mundo del jazz contemporáneo y la música folclórica cubana.

El nombre “New Yor-Uba” refleja la progresión de la música del antiguo pueblo Yoruba de Nigeria, a través de Cuba hasta la actual Nueva York. Los metales, los saxofones y una sección rítmica complementan los elementos cubanos clave, incluidos tres bateristas de bata y conga, voces tradicionales y danza. New Yor-Uba saluda a los Orishas (deidades Yoruban) en un escenario de jazz contemporáneo con un repertorio distintivo que presenta las composiciones originales de Rosewoman y arreglos visionarios de cantos (cantos) Yoruba (Nigeria) y Arara (Dahomey) centenarios.
La inmersión de toda la vida de la Sra. Rosewoman en ambas tradiciones llevó a la formación de New Yor-Uba. Su interés por la música cubana nació en un hogar lleno de música y arte. Expuesta en sus primeros años a las grandes tradiciones del jazz y a la música de base espiritual de todo el mundo, comenzó a tocar el piano a los 6 años. Al final de su adolescencia, comenzó a tocar congas y percusión, estudiando la batería africana y las tradiciones vocales, específicamente. Formas cubanas y haitianas, con énfasis en los aspectos espirituales y ritualizados de la música. Estas primeras exploraciones impactarían profundamente la dirección musical de Rosewoman con una influencia generalizada en la formación de su sonido como pianista y compositora. Se le atribuye el mérito de ser una de las primeras en unir la música folclórica cubana con un concepto de jazz completamente contemporáneo para una síntesis sin concesiones de estos dos profundos idiomas musicales.
Al llegar a Nueva York en 1978, Rosewoman continuó alimentando su trabajo colaborativo con

varias iluminaciones de jazz y también comenzó a tocar con bandas de baile cubanas. Pronto formó una importante asociación con el fallecido maestro baterista y vocalista cubano Orlando “Puntilla” Ríos. Un depositario de la tradición, fue mentor y miembro de su conjunto New Yor-Uba ; y, desde sus inicios, proporcionó a Rosewoman una valiosa fuente orgánica que tomó forma a través de su visión y que continúa evolucionando.
El apoyo inicial del National Endowment for the Arts facilitó el estreno de Michele Rosewoman del conjunto pionero de 14 piezas con la difunta 'Puntilla', en el Teatro Público de Joseph Papp en la ciudad de Nueva York. El debut con entradas agotadas del conjunto en 1983 marcó el surgimiento de una nueva voz importante y el programa recibió críticas entusiastas en el New York Times y The Village Voice.
Desde entonces, New Yor-Uba se ha presentado en los principales festivales y lugares de Europa y Estados Unidos. La Sra. Rosewoman también fue una de las primeras en traer una forma pura de folclore cubano a los clubes de jazz de la ciudad de Nueva York.

Con una historia de 30 años, el concepto y el sonido de New Yor-Uba siguen siendo increíblemente vitales. Ahora, un conjunto de 11 piezas, Rosewoman continúa mejorando el repertorio del conjunto con nueva música y personal, inspirándola aún más a reflexionar y explorar los vínculos entre estas profundas tradiciones musicales. Michele Rosewoman ha actuado con muchos grandes del jazz y la música latina, incluidos, en el género de la música latina, la fallecida Celia Cruz, Paquito D'Rivera, Andy Gonzales, Roberto Borrell, Daniel Ponce, Chocolate, Nicky Marrero Dave Valentin y Nueva Generac de Puntilla. New Yor-Uba rinde homenaje a las contribuciones y legado del maestro folclorista Orlando “Puntilla” Ríos._(latinjazznet)

                                                                                      

                                                                                 

Michele Rosewoman's New Yor-Uba, 30 Years! A Musical Celebration of Cuba in America (2013)

Temas:

Disco 1:

01. Divine Passage (Eleggua) "Paseo Divino"

02. Dance for Agayu 

03. Natural Light (Obatala) "La Luz Natural" 

04. Por Ahora y Para Siempre "For Now and Foerever"

05. Vamp for Ochun 

06. Old Calabar (Abakuá)

07. Rezo a Ochun  "Player for Ochun"

Disco 2:

01. In Praise of Spiritual Guides (Eggun) "Elogio de las Guias Espirituales"

02. Perdon  (Rumba)

03. Obalube (Chango)

04. Where Water Meets Sky (Yemaya) "Donde Agua Resuelve el Cielo"

05. Agua Dulce del Bosque (Ochun) "Sweet Forest Water"

06. Warrior (Ochisi) "Gerrero"

07. Earth Secrets (Babaluaye) Secretos de la Tierra"

Musicos:

Michele Rosewoman (Piano, Rhodes, voz)

Freddie Hendrix (Trompeta, flugelhorn)

Oliver Lake (Saxo soprano y alto, flauta)

Mike Lee (Saxo tenor, flauta)

Vincent Gardner (Trombón)

Howard Johnson (Saxo barítono, Tuba)

Yunior Terry (Bajo acústico)

Adam Cruz (Batería)

Pedrito Martinez (Voz principal, bata, congas)

Roman Diaz (Bata, congas, voz principal /tema 5)

Abraham Rodríguez (Bata, /disc: temas 1.3.4 /disc2: temas 1.6, voz, clave  )

Daniel Carbonell (Bata, /disc: temas 2.5 / disc2: temas 3.4.5, shaker)

Nina Rodriguez (Voces adicionales /disc: temas 1.3.5 / disc2: temas 1.3.4.6.7)

Chanell Crichlow (Tuba adicional /Disc2: tema4)

Elsa Valle Latin Jazz Syndicate - Abracadabra

La cantante y compositora Elsa Valle nacida en Cuba -descendiente de una prestigiosa familia de músicos- residente ahora en Europa estudió en la mejor academia de música de La Habana Escuela Nacional De Artes donde se graduaron grandes músicos como Paquito D 'Rivera, Chucho Valdés, Arturo Sandoval, etc. Poco después de graduarse recibió su primer reconocimiento en el famoso Tropicana de La Habana. Actuó en los festivales cubanos y sudamericanos más reconocidos, mereciendo dignamente elogios de público y crítica en el famoso festival cubano “Boleros De Oro”. Su estilo se puede definir como una interesante y fantástica mezcla de canto cubano tradicional y contemporáneo. Su voz y canto es melancólico, delicioso y explosivamente improvisado al mismo tiempo. Llevó su música y su maravillosa voz a un público mundial al aparecer en jazz, Festivales latinos y pop como San Remo Festival o La Bienal Flamenco Festival. Actuó en escenarios cautivados por Estremeno, Santana, Al di Meola o los legendarios músicos cubanos del Buena Vista Social Club. Junto a José Luis Monton y su hermano, el pianista cubano Ramón Valle, colaboró ​​en varias giras del espectáculo de baile flamenco de María Serano. Numerosas revistas, como la española “Pais” y otras, apreciaron su arte con las mejores críticas. Además de las apariciones internacionales, capturó a la audiencia con su maravillosa voz y talento también en los grandes escenarios húngaros como Pepsi Sziget, como teloneros de Omara Portuondo, Cachao Lopez o Ibrahim Ferrer. Junto a José Luis Monton y su hermano, el pianista cubano Ramón Valle, colaboró ​​en varias giras del espectáculo de baile flamenco de María Serano. Numerosas revistas, como la española “Pais” y otras, apreciaron su arte con las mejores críticas. Además de las apariciones internacionales, capturó a la audiencia con su maravillosa voz y talento también en los grandes escenarios húngaros como Pepsi Sziget, como teloneros de Omara Portuondo, Cachao Lopez o Ibrahim Ferrer. 

Junto a José Luis Monton y su hermano, el pianista cubano Ramón Valle, colaboró ​​en varias giras del espectáculo de baile flamenco de María Serano. Numerosas revistas, como la española “Pais” y otras, apreciaron su arte con las mejores críticas. Además de las apariciones internacionales, capturó a la audiencia con su maravillosa voz y talento también en los grandes escenarios húngaros como Pepsi Sziget, como teloneros de Omara Portuondo, Cachao Lopez o Ibrahim Ferrer.
Ella ganó el premio especial del Festival Lyra. Recientemente trabaja con su propio grupo manteniendo viva la tradición cubana cantando el jazz en su estilo único mezclándolo con el ritmo y melodías de la música cubana. En sus más recientes grabaciones -que tuvieron gran éxito en Europa- discos Mi Gente y Abracadabra y Salsa y Picante toca con músicos de jazz tan destacados como Ramon Valle, Omar Rodríguez Calvo, Armando Vidal, y el más grande cantante de jazz europeo Gabor Winand. Elsa Valle recibió gran aprecio de los periodistas musicales de todo el mundo, su trabajo admirado por Latin Beat Magazine, entre otros ganó el premio especial del Festival Lyra, y con su último disco "Salsa Y Picante" ganó el premio a la Mejor del Caribe. Álbum y Mejor Canción del Caribe en 2009. Just Plain Folks Music Awards._(allaboutjazz)

El Grupo de Jazz Latino de Elsa Valle combina elementos del estilo de la música latina con un alto nivel de armonía y melodía de jazz.

La formación se formó en 2003 bajo el liderazgo de la cantante Elsa Valle, quien nació en Cuba y actualmente vive en Budapest. La orquesta toca la excelencia de la vida del jazz húngaro, intérpretes que intentan inspirarse en una amplia gama de lenguajes y tradiciones musicales y crear un mundo nuevo y original utilizando estas enormes posibilidades del jazz improvisado.

La confianza en el escenario y la sugestión de Elsa han conquistado a los amantes de la música dondequiera que haya aparecido hasta ahora.

Este es el segundo disco de Elsa Valle grabado en Hungría, para el que también pidió el refuerzo de su banda latinoamericana en la persona de su hermano, el pianista Ramón Valle, el percusionista Armando Vidal y el bajista Omar Rodríguez Calvo, pero el contingente húngaro Gábor, Kristóf Bacsó, que toca el saxofón soprano, alto y tenor, e István Fekete, el trompetista, también suenan completamente auténticos.

Elsa es una intérprete tan fuerte y abrumadora que, lo cual es muy raro, en muchos casos sobresale en condiciones de estudio inevitablemente estériles y en varias grabaciones evoca la atmósfera de los conciertos espeluznantes del sonido. El material consta de composiciones geniales y completamente frescas, una a una de la propia Elsa.

                                                                  

                                                                           

Elsa Valle Latin Jazz Syndicate - Abracadabra (2005)

Temas:

01. Abracadabra  

02. Blues Cha  

03. Sonando  

04. Habana linda 

05. La Musica 

06. Dona Cachita 

07. Mis padres 

08. Regreso  

09. Siento  

Musicos:

Elsa Valle (Voz)

Ramon Valle (Piano)

Omar Rodriguez Calvo (Bajo)

Armando Vidal (Percusion)

Gabor Winand (Flauta, saxo)

Kristóf Bacsó (Saxo)

István Fekete (Trompeta)