Art Blakey And His Jazz Messengers With Sabu - Cu-Bop

Art Blakey (Pittsburgh, 11 de octubre de 1919-Nueva York, 16 de octubre de 1990) fue un baterista estadounidense de jazz encuadrado en los estilos del bop y hard bop.

Lideró varios grupos, entre los que destaca el quinteto Jazz Messengers, del que tomó las riendas durante tres decenios tras la marcha de Horace Silver, actuando y grabando bajo el nombre de Art Blakey and The Jazz Messengers. La formación fue cuna de algunos de los mejores artistas de jazz de la historia y se convirtió en la representación por antonomasia del estilo hard bop y funky jazz..._(wikipedia)

Los Jazz Messengers fue un grupo de jazz moderno conducido por el baterista Art Blakey durante casi medio siglo. El grupo y su nombre fueron creados por el pianista Horace Silver y heredados por Blakey, quien, con perseverancia, lo mantuvo activo, transformándolo en la cantera de algunos de los mejores solistas de los años cincuenta, sesenta, setenta y ochenta.

La formación original era un quinteto, alternado con un sexteto y, en los últimos años, septeto y octeto. Fueron "descubiertos" por Blakey y dados a conocer a través de los Messengers, solistas como Clifford Brown, Lee Morgan, Freddie Hubbard, Wayne Shorter y Wynton Marsalis. Los Jazz Messengers siempre se mantuvieron fieles al estilo hard bop, considerado como "mainstream" de la era moderna del jazz.

El 17 de diciembre de 1947, Blakey dirigió un grupo conocido como "Art Blakey's Messengers" en su primera sesión de grabación como líder, para Blue Note Records. Los discos fueron lanzados en 78 rpm en la época y dos de las canciones fueron lanzadas en la compilación del LP New Sounds 10 (BLP 5010) .Este octeto incluyó a Kenny Dorham, Howard Bowe, Sahib Shihab, Musa Kaleem, Ernest Thompson, Jr., y LaVerne Barker...._(wikipedia)

Es curioso que este álbum aparezca en muy pocas notas biográficas sobre los Jazz Messengers. Tal vez sea un asunto menor en el gran esquema de las cosas en lo que respecta a The Jazz Messengers. Pero este grupo fue la segunda encarnación del legendario grupo liderado por Art Blakey. Aun así, el hecho de que ni siquiera Raúl Fernández lo mencione en Latin Jazz: (The Perfect Combination) es más que sencillamente curioso. Puede que exista una corriente de pensamiento que piense que es menos Latin-Jazz que otras grabaciones de alguien como Machito o Tito Puente puedan haber grabado durante el mismo periodo. Este tipo de comentarios (y los he oído en compañía de gente bastante cacareada) son, cuando menos, bazofia. Cu-Bop es un álbum con una emoción rítmica muy real y visceral. Escuchar la retahíla de solos de "Sakeena" es para morirse. Es una canción de 11 minutos. Aun así, podría escucharla una y otra vez. Los intercambios entre Blakey y su invitado, Luis "Sabu" Martínez, son fascinantes. Pero The Jazz Messengers hacen algo más que música considerablemente alegre.

Art Blakey y sus Jazz Messengers con Sabu - Cu-BopHay una relación enigmática entre melodistas y armonistas que resulta evidente a primera escucha. Existe esta cuestión de tonalidad e incluso cuando el lenguaje es más lineal y austero, y hay muy pocas piezas en las que esto sea así, en "Dawn on the Desert" de Charlie Shavers. 

Lo que podría convertirse en una pieza árida se levanta de la página gracias a la apasionada defensa de The Jazz Messengers, que aportan aquí refinamiento tonal a la música. Los elementos refinados se pierden un poco en el álbum por la presencia de dos fuertes percusionistas que parecerían dominar los procedimientos. Afortunadamente, esto no ocurre con demasiada frecuencia. Johnny Griffin y Bill Hardman se aseguran de que cada vez que los focos se centran en los percusionistas, éstos se retiran a las sombras, pero no por mucho tiempo. Solos elementalmente bellos de los dos interlocutores mantienen el ritmo de la caravana del desierto maravillosamente en la pieza extraordinariamente escrita del Sr. Shavers. La escritura contrapuntística siempre da paso a algo más fluido y lírico, y a una gama más amplia de sonoridades. Un extraordinario solo de sordina del Sr. Hardman habla un lenguaje más tonal, con frases rítmicas repetitivas basadas en drones que, a su vez, suenan bastante orientales. Gran parte del encanto, en general, procede de las controladas y espaciosas interpretaciones que suben y bajan en extáticas líneas modales.

Se trata de un álbum precioso, a pesar de que sólo dura 35 minutos y 45 segundos. Desde el punto de vista de la historia de The Jazz Messengers representa un documento importante de la segunda Jazz Messengers después de que la Jazz Messengers "original" empezara a grabar en 1954, bajo el liderazgo de Art Blakey. Sin embargo, más que una relevancia histórica, se trata de una grabación alegre que merece la pena explorar tanto si eres un acólito de los Jazz Messengers como si simplemente sientes curiosidad. Sea quien sea, la grabación le cautivará a su manera._Raul Da Gama (latinjazznet)

                                                                             

                                                                          

Art Blakey And His Jazz Messengers With Sabu  - Cu-Bop (1957)

Temas:

01. Woodyn' You (Dizzy Gillespie)

02. Sakeena Art Blakey)

03. Shorty (Johnny Griffin)

04. Dawn On The Desert (Charlie Shavers)

Musicos:

Art Blakey (Batería)

Bill Hardman (Trompeta)

Johnny Griffin (Saxo tenor)

Sam Dockery (Piano)

Spanky DeBrest (Bajo)

Sabu Martínez (Congas, bongos)

 

Randy Weston and his African Rhythms Sextet - The Storyteller

Randy Weston (Brooklyn, Nueva York; 6 de abril de 1926-ib., 1 de septiembre de 2018) fue un compositor, músico y pianista estadounidense de jazz.
Creció en un ambiente de músicos. Conocía a Max Roach, Cecil Payne y Duke Jordan, Eddie Heywood era su vecino, Wynton Kelly su primo y Thelonious Monk fue uno de sus primeros profesores y una gran influencia. A finales de la década de 1940 da comienzo su carrera profesional, trabajando en agrupaciones de r&b. La primera grabación de Weston como líder vio la luz en 1954 con el título Randy Weston plays Cole Porter - Cole Porter in a Modern Mood. Durante la década de 1950 Weston trabaja en el área de Nueva York con músicos como Cecil Payne, Kenny Dorham y Melba Liston y adquirie una gran reputación como compositor, con temas que hoy pertenecen al repertorio de standards como «Hi-Fly» o «Little Niles». El interés por sus raíces lo lleva a visitar África, un lugar que siemrpe ha estado muy presente en la obra y en la vida de Weston; en 1961 y 1963 visita Nigeria, y desde 1968 hasta 1973 se asienta en Marruecos, donde queda fascinado por la música y la espiritualidad del continente y desde donde continúa viajando en busca de nuevos talentos para su música.

Durante el resto de la década de 1970 Randy Weston continúa efectuando giras y editando trabajos para Arista, Polydor y CTI, pero a mediados de la siguiente década vuelve a Marruecos. Tras un pequeño período de inactividad en los estudios, retoma su actividad a finales de la década de 1980, grabando una serie de álbumes para Antilles y Verve entre los que cabe destacar su trilogía Portrait (dedicados a Elington, Monk y a sí mismo) y su ambicioso The Spirits of Our Ancestors un álbum de blues que traza los orígenes de esa música con la colaboración de músicos marroquíes. En 1993 y 1995, fue premiado con dos Grammy​ y desde entonces continúa con su actividades y sus colaboraciones con músicos de otras culturas..._(wikipedia)

Hace casi cincuenta años que el pianista y compositor Randy Weston tocó por primera vez en África, y desde entonces ha regresado en numerosas ocasiones -tres sólo este año 2010- para absorber los infinitos ritmos y colores del continente madre. Quizá más que ninguno de sus contemporáneos, Weston ha ahondado en las raíces africanas del jazz, ensalzando la belleza y riqueza de la cultura africana y estableciendo la conexión entre el pasado y el presente. The Storyteller, una grabación en directo maravillosamente íntima, es la primera grabación del quinteto African Rhythms (más el batería invitado Lewis Nash) desde Live in St. Lucia (Image Entertainment, 2003), y es conmovedora por ser la última grabación del trombonista Benny Powell, que falleció en junio tras 27 años cocinando blues en el conjunto de Weston.
El disco se abre con una pieza para piano solo dedicada al percusionista afrocubano Chano Pozo, que desempeñó un papel fundamental en la fundación de las raíces del jazz latino junto al trompetista Dizzy Gillespie en la década de 1940. Sin embargo, es el espíritu del pianista Thelonious Monk el que canta con fuerza. Weston fue uno de los primeros pianistas de los años 50 en dejarse moldear por el sonido de Monk, y aquí construye sobre las melodías más sencillas un vocabulario de elegancia y disonancia. Grandes acordes graves y notas de bajo salpican ruidosamente entre ligeros figurines de la mano derecha, trinos, ecos de zancadas y patrones nudosos que se resuelven en frases que fluyen suavemente, de refinamiento y lirismo: es una narración hipnótica.

Hay una vibración afrocubana más evidente en "African Sunrise", encargada para el Festival de Jazz de Chicago de 1984 en homenaje a Dizzy Gillespie y la Machito Orchestra. Junto con Gillespie y el pianista Ahmad Jamal, Weston ha sido uno de los pocos líderes del jazz que ha empleado sistemáticamente percusión africana y afrocubana en sus pequeños conjuntos, y el percusionista Neil Clarke y el siempre versátil Nash hacen girar la música poderosamente tras una emocionante y escalada introducción percusiva. El largo y serpenteante solo del saxofonista T.K. Blue alcanza cotas de éxtasis, mientras que el bajista Alex Blake y Powell sostienen un fondo groove. Weston anima al conjunto de forma perspicaz y discreta, y bajo su batuta el sexteto se cocina como la banda de Duke Ellington de 1940.
Un seductor solo de piano, "Tehuti", y un solo de bajo maravillosamente percusivo y funky de Blake cierran los 14 minutos de "Jus' Blues". Los tres segmentos constituyen "The African Cookbook Suite" y proporcionan otra deliciosa porción de Ellingtonia. El trombón gruñendo, el saxofón elevándose, el conjunto tocando ajustadamente y la vibrante percusión que sube y baja en oleadas son apuntalados por la discreta y engatusadora forma de tocar de Weston. El solo de blues de Powell es un modelo del poder del fraseo por encima del virtuosismo, y en general su forma de tocar a lo largo de The Storyteller desmiente sus 80 años y su salud en declive.
Durante 40 años Weston recurrió a la arreglista Melba Liston para dar forma a sus ideas musicales, y su enorme experiencia en las bandas de Gillespie, Gerald Wilson, Count Basie, Dexter Gordon y Billie Holiday sin duda ha dejado huella en Weston, cuyos arreglos elegantes y vibrantes consiguen que un combo de seis músicos cante como una big-band.
En su autobiografía African Rhythms (Duke University Press, 2010), Weston cuenta que "Caravan" -la melodía de Juan Tizol/Irving Mills/Ellington- fue la primera canción africana que escuchó, y puede que tuviera un profundo efecto en Weston, ya que el lento y metódico ritmo de "The Shrine" y la exótica melodía evocan una caravana por el desierto. T.K. Blue aporta una encantadora flauta cantante a la mezcla y el trombón de Powell ronronea en un lento vaivén. El solo de Weston está muy bien ponderado, y sus vibrantes y ondulantes motivos tienen un aire casi elegíaco. Este número altamente atmosférico se desvanece suavemente como los últimos rayos del sol al final del día, y las campanadas susurrantes y los platillos fantasmales evocan imágenes de espejismo.

Los ritmos enérgicos de "Loose Wig" proporcionan el marco para que Weston explore toda la gama de las teclas, combinando acordes de bajo profundos con ráfagas rápidas en los registros más altos. La canción apareció por primera vez en The Modern Art of Jazz (Dawn, 1956) cuando los oídos de Weston estaban abiertos a Monk, y no es de extrañar que en la interpretación de Weston resida más de una pizca de la personalidad de Monk, aunque este arreglo es rítmicamente más dinámico que el original.
Dos temas perennes de Weston completan el conjunto. Su tema emblemático, "Hi-Fly", es aquí completamente reajustado y ralentizado para convertirse en una balada suavemente bluesy, aunque la coda, "Fly-Hi", cierra el círculo y devuelve el tema a su dinamismo de medio tempo de hace medio siglo, con un ligero sabor latino. El último número y el único no original, "Love the Mystery of", escrito por el influyente batería ghanés Guy Warren, presenta cantos bajos y una dulce flauta en compañía de una percusión al galope.

The Storyteller es una de las grabaciones más satisfactorias de la larga y distinguida carrera de Weston, y un digno testamento del arte de Benny Powell, que se ha ido para unirse a los antepasados._Ian Patterson (allaboutjazz)

                                                                                

                                                                           

Randy Weston and his African Rhythms Sextet - The Storyteller (2010)

Temas:

01. Chano Pozo

02. African Sunrise

The African Cookbook Suite: 03. Tehuti, 04. Jus' Blues, 05. The Bridge

06. The Shrine

07. Loose Wig

08. Wig Loose

09. Hi Fly

10. Fly Hi

11. Love, The Mystery Of

Musicos:

Randy Weston (Piano)

Benny Powell (Trombón)

T.K. Blue (Saxo, flauta)

Alex Blake (Bajo)

Neil Clarke (Percusión africana)

Lewis Nash (Batería)

Chico O'Farrill And His Cubans - Mambo Latino Dances

Arturo " Chico " O'Farrill (28 de octubre de 1921 - 27 de junio de 2001) fue un compositor, arreglista y director de orquesta cubano, mejor conocido por su trabajo en el idioma latino, específicamente el jazz afrocubano o "Cubop", aunque también compuso piezas de jazz tradicional e incluso obras sinfónicas.
Nacido en una familia aristocrática cubana, tocó la trompeta al principio de su carrera. Compuso obras para Machito ( suite afrocubana con Charlie Parker , 1950) y la Bebop Orchestra de Benny Goodman ("Undercurrent Blues"), y arregló para Dizzy Gillespie y Stan Kenton , entre otros.

En la década de 1990, O'Farrill dirigió una gran banda que se instaló en el club nocturno Birdland de Nueva York . El hijo de Chico, el pianista Arturo O'Farrill , finalmente se hizo cargo de la banda..._(wikipedia)

Este, concretamente, es un álbum de música para bailar. Música para bailar con un marcado sin embargo, ya que también está orientado a una escucha excepcionalmente agradable. Pero a los latinos les costará resistir el impulso de poner los pies en el suelo, ya que Chico O'Farrill y sus cubanos aportan una dimensión suplementaria a la música de baile mambo-latina. Esta dimensión es la musicalidad sólida.
Se hace hincapié en la musicalidad por este motivo: desde que el Mambo-Latino se estiló en este país, el número de grupos que han intentado adaptar este tipo de música como propia ha aumentado desmesuradamente. Hoy en día, como resultado, grupos de todo el mundo intentan adaptar el Mambo-Latino y afirman que lo hacen con maestría. Mientras tanto, el bailarín principiante de mambo, tango o rumba sale a la pista y, al encontrarse con algún problema rítmico, se regaña a sí mismo. Lo cierto es que, sin un compás bien definido y sin entender el ritmo, ningún grupo puede dominar la música de baile latinoamericana. Para el bailarín aparentemente torpe, la culpa es del grupo.
Lo que nos lleva a una banda que conoce los ritmos y sabe, además, cómo tocarlos para que

cualquier persona con dos pies y ganas de bailar al ritmo latinoamericano no tenga que preocuparse. Se trata, por supuesto, de Chico O'farrill's Cubans que, en este álbum, interpreta una variedad de bailes mambo-latinos. Hay siete selecciones, de hecho, escritas por el propio O'Farrill junto con un éxito popular del género---Buddy Pepper's popular " Vaya Con Dios" y otros originales. En conjunto, la banda de O'Farrill es una de las más excitantes para bailar, merecidamente clasificada entre las mejores de su campo.

El propio Chico O'farrill es natural de La Habana, Cuba, y ha hecho arreglos para líderes tan destacados como Benny Goodman, Miguelito Valdés, Stan Kenton y Noro Morales, lo que da fe de su versatilidad. Pero este álbum es una prueba aún mejor._ Verve Recods

                                                                                     

                                                                                

Chico O'Farrill And His Cubans - Mambo Latino Dances (1958)

Temas:

01. Lamento

02. Cachita

03. Rumbonsito

04. Te Quiero Dijiste

05. Angels Flight

06. Tres Palabras

07. Quiermo Mucho

08. More Mambo

09. Mambo For Bunto

10. Botellero

11. Pianarabatibiri

12. Vaya Con Dios

13. L. A. Mambo

Mario Rivera & George Coleman - El Comandante ...The Merengue-Jazz

Es una ironía que, al final, la influencia africana haya aportado el elemento más original de la música del continente americano; y esta música es la expresión cultural más auténtica producida allí y su mejor contribución a los artes. El jazz norteamericano ya está destinado a ser considerado como el desarrollo musical más importante del siglo XX. Pero originalmente, fue en las pequeñas islas salpicadas en el mar Caribe donde empezó todo. A pesar de su temprano desarrollo y su ocasional popularización internacional, la música popular de la República Dominicana, el merengue en particular, nunca ha recibido un verdadero reconocimiento artístico musical. Mario Rivera, posiblemente el músico dominicano más consumado en el género, se propuso cambiar esta situación con este álbum, el primero bajo su propio nombre. La Española, actualmente apuntalada por la República Dominicana y Haití, fue la colonia de la lista establecida en el Nuevo Mundo, y el trampolín hacia las fronteras en expansión.
No sólo los conquistadores se diseminaron desde La Española. También se inició allí la introducción de esclavos africanos en el Nuevo Mundo, que más tarde se extendió a otras islas, permitiendo así la polinización cruzada que tuvo lugar entre los miembros de muchas tribus diferentes. Toda la música influida por el éxodo forzoso de África occidental tuvo una especie de crisol en la región. Jelly Roll Morton reconoció esta influencia en la Nueva Orleans que produjo el jazz, y se dice que el SON cubano fue traído a Santiago de Cuba por dos hermanas de la Española. La realidad es que la semilla primigenia se trasplantó a suelos dispares, y los resultados fueron muy distintos. Por ejemplo, el jazz pasó a desarrollar una estructura armónica muy sofisticada, impulsada por los ritmos africanos sincopados. Cuba desarrolló la forma SON, y más tarde hizo bailar al mundo el mambo y el cha-cha-cha, del mismo modo que Brasil produjo la samba, rica en percusión. Pero, al tiempo que se permitía la diversidad, se mantuvo un núcleo común a todos, y es esta herencia africana la que hace posible que se unan y conecten. 

Esta historia sigue desarrollándose hoy en día, y parece que cuando la música latinoamericana más percusiva se fusiona con las sofisticadas armonías del jazz se alcanza el más alto grado de expresión musical, y ambas se enriquecen. Esto es bastante evidente en el matrimonio entre el jazz y la música afrocubana que dio origen al jazz latino durante la década de 1940, o la samba rítmicamente exótica que produjo la bossa novo en la década de 1960.

El merengue dominicano lleva mucho tiempo esperando hacer lo mismo. El merengue se considera la música nacional de la República Dominicana. Aunque el nombre se aplica también a estilos musicales desarrollados en otros lugares, cuando se dice merengue, se habla de música dominicana. Es un ritmo de baile vivo y nítido que se toca en el compás de 2/4 sobre el "cinquillo" caribeño.

Sus orígenes son escurridizos, debido a la falta de acontecimientos históricos documentados, pero la mayoría de los musicólogos parecen estar de acuerdo en que se trata probablemente de una música sincrética producida por la transformación del baile de la contra por ritmos africanos a mediados del siglo XIX. Fue precisamente esta influencia africana la que tanto ofendió a los llamados intelectuales xenófobos de la época, que llegaron a denigrarla cuando amenazaba los bailes más asépticos de las clases altas; como ocurre ahora. Si sus ataques son hoy más sutiles, son igualmente sospechosos por su falta de interés en explorar la relevancia cultural de la música, permaneciendo en un vergonzoso silencio.

Al principio, el merengue se tocaba con un instrumento de cuerda que ponía la melodía: el güiro, la versión de metal, o guira, y el tambor de dos puntas, con forma de barril, llamado tambora. El comercio de tabaco entre la región noroccidental del país con Alemania trajo consigo más tarde el acordeón diatónico, que sustituyó a la guitarra como fuente melódica. Posteriormente se añadió el saxofón alto, completando así el llamado Conjunto Típico.

Se trata del Merengue Cibaeño o Liniero (de la región denominada Cibao). Con exponentes como Ñico Lora y Toño Abreu, pronto se convirtió en Rey. Tenía que serlo. Cuando empieza el merengue y el acordeón y el saxofón se entrelazan en un sensual "floreo", empujado por el frenético "repique" del viril pulso de la tombora-guira el golpe se hace irresistible: hay que levantarse y bailar, aunque sea la "Chencha la Gamba" (la Chencha de piernas arqueadas del folclore dominicano).

Este es el pozo musical en el que Don Luis Alberti y Julio Alberto Hernández, entre otros, se inspiraron más tarde, transportando la esencia de la música al formato de big band. A mediados de los años 30 y 40 se consolidó el merengue elegante de salón, protegido por la sonrisa socarrona del Generalísimo Rafael Leonida Trujillo y Molino. Los años 40 y 50 se consideran la época dorada del merengue clásico, elegante pero viril. Durante los años 60, el merengue de lazo grande dio paso al estilo de combo, con seguridad custodiado por Don Rafael Solano, quien continuó la tradición armado con una artillería llena de "Pambiche".

Cuando el rock&roll invadió la tierra, Johnny Ventura estaba listo para continuar; y cuando se requería velocidad, Wilfrido Vargas se sentaba al volante. Hoy, el merengue se vende en manos de la banda "4:40" de Juan Luis Guerra. A pesar de que el merengue es el baile caribeño más popular desde principios de los 80, aún no se le han reconocido sus méritos musicales. Este vacío debe llenarse, y más vale que sea ahora, mientras el entusiasmo internacional por la música sigue floreciendo.

Este es el momento para el que se ha estado preparando el veterano multiinstrumentista dominicano Mario Rivera, con el fin de llevar la tradición un paso más allá; y está cualificado para hacerlo. Cuando llegó a Nueva York con 21 años, ya había tocado con las mejores bandas de la República Dominicana. Además, también estaba claro que estaba destinado a convertirse en el discípulo más aventajado del maestro Tavito Vásquez, indiscutiblemente reconocido como el máximo exponente del estilo de saxofón merengue. Con gran determinación y una disciplina inquebrantable, Mario se propuso dominar el lenguaje del jazz, y hoy puede contarse entre un puñado de músicos latinos que dominan verdaderamente el jazz.

Ha sido reconocido como músico de jazz por algunos de los intérpretes más destacados de su época. Titanes como Thelonious Monk, Dexter Gordon, Sonny Stitt y George Coleman le han distinguido. El difunto Dizzy Gillespie le regaló una de sus trompetas marca de la casa pocas semanas antes de su fallecimiento. Pocos músicos en activo son tan completos musicalmente como Mario Rivera. Por el camino, ha aprendido a tocar más de veinte instrumentos diferentes. Fue uno de los que encendieron la moda latina durante los años del famoso Palladium, actuando con las bandas de Machito, Tito Puente y, sobre todo, con la orquesta de Tito Rodríguez.

También formó parte de la era de la salsa, tocando con artistas de la talla de Eddie y Charlie Palmieri y Típica 73, entre muchos otros. Fue el líder de un grupo de jóvenes músicos latinos de Nueva York que, bajo la bandera de los refugiados de la salsa, redefinieron la música afrocubana en el contexto del bebop, creando así el jazz latino moderno. El siempre ignorado músico de acompañamiento ha participado en más de cien grabaciones, y sus contribuciones como solista le han valido unos seis premios Grammy para muchos grupos de jazz y latin-jazz. Mario sigue muy activo tanto en el circuito de jazz como en el de jazz latino, actuando regularmente con el Tito Puente Latin jazz Ensemble, Dizzy Gillespie and The United Nation Orchestra, The Golden Men of Latin jazz y The Jazz Masters. Pero durante los últimos años se ha dedicado a la idea de fusionar el merengue con el jazz para conseguir un sonido nuevo, fresco y de una calidad estética distintiva. De eso trata este álbum. Y lo hace en buena compañía. George Coleman, el musculoso saxofonista de Memphis, no necesita presentación. Representa la voz del jazz que va a sancionar el experimento, al igual que Dizzy hizo con la música afrocubana. Ambos han tocado juntos muchas veces, desde que Mario se encargó de anclar con su barítono la sección de saxofones del maravilloso Octeto de George Coleman.

Hay un equilibrio total en la forma en que tocan en este álbum; como si acabaran de unir sus fuerzas para hacer música buena y honesta. Hilton Ruiz se remonta con Mario a los días de los refugiados de la salsa. Puertorriqueño nacido en Nueva York, es probablemente el único pianista latino con dominio de las intrincadas armonías del bebop, y realiza una sólida contribución a la música. Walter Booker es un auténtico bajista veterano enraizado en la mejor tradición jazzística. Pasó noches interminables en el apartamento de Mario mientras absorbía a fondo el estilo del merengue. No hay nadie mejor para este proyecto. Con Rey-Chinito-Díaz a la tambora, Isidro Bobadilla a la percusión, Phoenix Rivera a la batería y Alexis Díaz a la guira, está rodeado de músicos que le ayudaron a desarrollar el concepto durante las fases experimentales en el club neoyorquino SOB's. Ignacio Berroa hace la mayor parte del trabajo de batería, y Ed Cherry está a la guitarra; son nuevas incorporaciones que sin duda realzan la música. John Benitez al bajo y Daniel Guillermo al piano completan el personal.

Como ves, la mayor parte quedó en familia y te aseguro que todos se esforzaron al máximo para que así fuera. En cuanto a la música, encontrarás buen gusto, variedad y originalidad. No se equivoque, éste es un álbum de jazz en toda regla. Pero si quiere comprobar lo bien que se ha integrado el merengue, póngalo a prueba de verdad; póngase el gel y báilelo. Estoy seguro de que la experiencia será muy gratificante para ambos públicos. Es muy apropiado que todo comience con Amigos Juntos, porque al hacerlo, Mario Rivera (El Comandante) les ofrece un experimento cultural de proporciones históricas significativas._Dr. Federico Chan (Ciudad de Nueva York, diciembre de 1993)

Mario Rivera (nació en Santo Domingo 22 de julio de 1939 - murió de un linfoma el 10 de agosto de 2007 en Nueva York).

                                                                              

                                                                                     

Mario Rivera & George Coleman - El Comandante ...The Merengue-Jazz (1994)

Temas:

01. Amigos Juntos (Mario Rivera)

02. Frank's Tune (Frank Strozier)

03. La Puerta (Luis Demetrio)

04. Tanga (Dizzy Gillespie)

05. Pretty Blues (George Coleman)

06. Afternoon In Paris (John Lewis)

07. Todavia (Phoenix Rivera)

08. Have You Met Miss Jones? (Richard Rodgers / Lorenz Hart)

09. En La Obscuridad (In The Dark) (Rafael Solano)

Musicos:

Mario Rivera (Saxo tenor, saxo soprano y saxo alto, flauta alta, trompeta, tambora)

Ceorge Coleman (Saxo tenor)

Hilton Ruiz (Piano)

Ed Cherry (Guitarra)  

Walter Booker bajo 

John Benitez (Bajo) 

Ignacio Berroa (Batería)

Phoenix Rivera (Director musical, batería, piano adicional)

José Alexis Diaz "La Tormenta" (Congas, guira)

Rey Diaz "El Chinito" (Tambora)

Daniel Cuillermo (Piano oddicional)

Isidro Bobadilla (Shekere y percusión adicional)

Arsenio Rodríguez Y Su Conjunto - Como Se Goza En El Barrio

Ignacio de Loyola Rodríguez Scull, conocido como Arsenio Rodríguez (Güira de Macurijes, Matanzas, Cuba, 30 de agosto de 1911 - Los Ángeles, California, Estados Unidos, 31 de diciembre de 1970), fue un compositor e intérprete de tres cubano con un importante papel en el desarrollo del llamado son montuno. Su formación de conjunto con varias trompetas, definió un sonido que, visto en perspectiva, sentó las bases para el desarrollo de lo que hoy se conoce como salsa. Fue un prolífico compositor, escribió cerca de 200 canciones, la mayoría salpicadas de humor y doble sentido.
De niño, Rodríguez quedó ciego cuando un caballo (o una mula) lo pateó en la cabeza, hecho que marcó el resto de su existencia.
Más tarde se hizo músico y llegó a ser uno de los directores de conjunto más renombrados en Cuba. Fue un inspirador del concepto musical de los "conjuntos cubanos" al incorporar tumbadoras, piano y tres trompetas al formato tradicional de los grupos de son.
Entre sus músicos se encontraban, en el piano, Rubén González y, más tarde, Lily Martínez Griñán; en las trompetas, Félix Chapotín y Chocolate Armenteros, al bongo, Papa Kila, entre otros. También contó con colaboraciones de Chano Pozo y Machito, así como de su primo René Scull como cantante. A la partida de Arsenio a Estados Unidos, Lily Mártinez, quien fungía en cierta medida como su director musical, quedó al frente del conjunto en Cuba.

Rodríguez viajó a los Estados Unidos a principios de los 50, pues tenía esperanzas de someterse a cirugía y recobrar la visión. Luego del diagnóstico médico que le informó que no era posible que volviera a ver, Arsenio, sumido en un intenso dolor, compuso uno de sus principales temas: La vida es un sueño, de letra profunda a diferencia del doble sentido, el humor y los signos de religión africana que acostumbrara a tratar en sus composiciones. En los EE. UU. siguió publicando discos, principalmente para Tico y Blue Note. Para esta última compañía grabó Tribilín cantore y Palo congo, aunque este último fue editado bajo el nombre de Sabú Martínez, pese a que Rodríguez compuso casi todos los temas, cantó y tocó el tres y la percusión.
Entre sus temas más populares están Bruca maniguá —la primera canción suya que se grabó, originalmente interpretada por Miguelito Valdés con la Orquesta Casino de la Playa, Mami, me gustó, El divorcio, Papa upa, 'El reloj de Pastora, Fuego en el 23, La yuca de Catalina y el ya mencionado La vida es sueño,
A finales de los años sesenta el mambo "estalló", y Rodríguez continuó tocando con su típico estilo. Llegó a grabar algunos boogaloos no muy exitosos y la popularidad del grupo fue declinando. Intentó un nuevo comienzo en Los Ángeles pero murió en 1970 y su cuerpo fue enviado a Nueva York para sus funerales. Se ha especulado mucho sobre su situación económica durante sus últimos años pero Mario Bauza niega que muriera en la pobreza, argumentando que Rodríguez tenía, aunque modestos, unos ingresos por concepto de derechos de autor.
Aunque Arsenio murió en un relativo anonimato en Los Ángeles, su música está considerada hoy en día como una inspiradora obra de arte. Exploró los ritmos afrocubanos y enfatizó el papel protagonista del tres, llegando a ser uno de los treseros más grandes de todos los tiempos.

Sus canciones y su ritmo todavía viven en las recreaciones de sus temas en las famosas salsas y su música y concepción de conjunto es inspiración para salseros. Después del 1950, las bandas grandes que estaban de moda durante la época del mambo, dejaron de estarlo. Sin embargo, los grupos o conjuntos gracias al importante papel desempeñado por Arsenio en la música cubana constituyeron una referencia determinante en lo que hoy en día se denomina "música latina", en especial la salsa.

Fue intuitivo y universal en todo el proceso de fusión que fue su música. Arsenio Rodríguez es, junto a Ignacio Piñeiro, Ñico Saquito, Miguel Matamoros, María Teresa Vera y Benny Moré, uno de los padres de la cultura popular cubana._(wikipedia)

                                                                               

                                                                                    

Arsenio Rodríguez Y Su Conjunto - Como Se Goza En El Barrio (1953-R.1992)

Temas:

01. Esclavo Triste 

02. La Gente Del Bronx 

03. Jaguey 

04. Meta Y Guguanco 

05. Mulence 

06. Pa Que Gocen 

07. Esas No 

08. Como Se Goza En El Barrio 

09. Y Soy Chambelon 

10. Arpegio Por Arsenio 

11. Oiga Mi Guguanco 

12. Se Va La Comparsa 

13. Swing Y Son 

14. Maye Santa 

15. Oye Mi Cantar 

16. Ahora Carpetillo

McCoy Tyner - McCoy Tyner And The Latin All-Stars

En 1998, la perspectiva de McCoy Tyner al frente de un grupo de Latinjazz para un conjunto animado de melodías construidas sobre ritmos afrocubanos no solo tiene sentido, sino que genera anticipación. Tyner, después de todo, es uno de los pianistas más respetados e imitados del jazz moderno, con un estilo a la vez terrenal y sofisticado, una improvisación al vernáculo totalmente suya y una calidad de percusión contundente y original.
Esta grabación llega en un momento en que la música de toda América Latina está encontrando su camino, cada vez más, a los oídos estadounidenses. Los ejecutivos estadounidenses de A&R se apresuran a viajar a Cuba para ver de qué se trata el alboroto; los productores están extrayendo los cancioneros de compositores brasileños y puertorriqueños para lanzamientos populares en los Estados Unidos. Músicos estadounidenses, cubanos, brasileños, panameños y africanos lo están mezclando en mayor número y con más libertad que nunca. Todos están redescubriendo, tal vez incluso reinventando, una conexión que ha existido durante la mayor parte de un siglo, una que -con este vigor renovado y un flujo más libre- ha sido restaurada a lo que una vez prometió ser: un conducto vital de información compartida. inspiración, información y ritmo.

Para Tyner, nada de esto representa una nueva fascinación o un rumbo diferente. Los ingredientes básicos ya están en su forma de tocar: una poderosa conciencia de las cosas africanas y afrocaribeñas ha sido central en la historia de Tyner desde el principio.
"Cuando era adolescente estaba involucrado en la cultura africana", recuerda Tyner de los días en Filadelfia. "Me interesé. Más que política, crecí en un ambiente que quería conectarme con aspectos de mis raíces y entender más sobre cultura negra. Para entender más sobre la cultura, punto, pero la cultura negra especialmente porque era algo que no necesariamente nos enseñaban en la escuela".
Entonces, Tyner se interesó temprano en la cultura africana y las culturas de la diáspora africana. Como la mayoría de los músicos que conocía, Tyner se centró en la percusión. Conoció a un baterista de lo que entonces se llamaba Costa de Marfil y se empapó de lo básico. Aprendió sobre la danza africana. Incluso tocó una conga, "hasta que mis dedos sintieron el castigo", dice.
A los diecisiete años conoció al saxofonista John Coltrane. En la década de 1960, cuando tenía poco más de veinte años, Tyner era el pianista del cuarteto de Coltrane con el bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones. Fue una experiencia que no sólo alteraría para siempre la vida de Tyner, sino que literalmente cambiaría el curso del jazz. La música del grupo tenía un golpe de percusión legendario, una poderosa dimensión espiritual y, para aquellos que escuchaban con comprensión, despertó conexiones africanas profundamente arraigadas. Tyner y Coltrane hablaron un poco sobre esas cosas. También estaba todavía muy en el aire. La banda de Coltrane tocó en el mismo cartel con la orquesta afrocubana de Machito en el Apollo, y un joven Tyner pudo apreciar de primera mano la emoción que generó esa banda.
Tyner trabajó en algunos escenarios con congas y percusión africana desde la década de 1960 y desde entonces ha tocado dentro de una concepción del jazz latino. Sin embargo, no fue hasta su grabación de 1981, La Leyenda de la Hora, que Tyner hizo una grabación basada en conceptos de Latinjazz. El proyecto fue impulsado en parte por la deserción a los Estados Unidos del saxofonista Paquito D'Rivera, y fue anclado por incondicionales latinos como el percusionista Daniel Ponce y el baterista Ignacio Berroa y estrellas del jazz estadounidense como el vibrafonista Bobby Hutcherson, el trompetista Marcus Belgrave y saxofonista Chico Freeman. Incluía amplios arreglos de los originales latinos de Tyner, algunos con acompañamiento de sección de cuerdas.

Más recientemente, Tyner ha realizado numerosas giras con una pequeña banda de Latinjazz, tocando en lugares como Blue Note de Nueva York y Yoshi's de San Francisco, así como en festivales europeos. El concepto de Tyner se basa en la colaboración total y completa, la esencia del jazz latino. "No estamos tratando de hacer salsa ni nada tradicionalmente latino", señala. “Recuerdo que una mujer se me acercó después de una cita en Yoshi's y me dijo: 'No estás tocando el piano al estilo cubano real'. "Él se ríe. Bueno, soy un músico de jazz. Mi cultura está aquí, ¿sabes? Crecí en Estados Unidos. No soy cubano, aunque las raíces son las mismas. Voy a tocar jazz". Estoy tratando de sintetizarlo todo en mi propia declaración".
El baterista Berroa está en esta grabación, en una sección rítmica con el percusionista Giovanni Hildalgo y el timbalero Johnny Almendra. En la trompetista Claudia Roditi y el flautista Dave Valentin, Tyner ha elegido a dos músicos igualmente distinguidos en los estilos latino y americano. Y en el bajista Avery Sharpe, el trombonista Steve Turre y el saxofonista Gary Bartz, Tyner ha reclutado aliados musicales de confianza desde hace mucho tiempo.
La apertura del álbum, Festival in Bahia, un original de Tyner, se extrae de una grabación anterior (lnner Voices de 1977). En ese álbum, la melodía con sabor brasileño de Tyner fue interpretada por piano, bajo y batería con un coro que decía la melodía. Aquí, recibe un desarrollo más completo por parte de todo el conjunto. La declaración a lo largo del álbum parece clara: esta grabación no es una pieza fija, es un documento de una banda de trabajo. Vale la pena notar cuán bien, de hecho, cuán completamente, las características de Tyner como improvisador encajan dentro del ritmo afrocubano establecido por la sección rítmica. De esa manera, la melodía captura uno de los placeres centrales del álbum, y una de las razones por las que esta concepción funciona tan bien: Tyner no ha alterado nada de su estilo para adaptarse a este material, simplemente se ha propuesto extraer una hebra importante de su tapiz musical familiar.

El programa de Tyner también está repleto de algunas composiciones familiares escritas por importantes contribuyentes a los legados africanos y latinos del jazz. Poinciana, probablemente la melodía más conocida del libro del pianista Ahmad Jamal, recibe aquí una interpretación majestuosa y amorosa. Donde el original de Jamal sonaba completamente africano en su orientación, el tratamiento de Tyner aquí baila sobre una alfombra mágica, tal vez. Uno actualmente flotando en algún lugar entre África, América Latina, América del Sur y los Estados Unidos, aterrizando suavemente donde y cuando quiera McCoy Tyner._Larry Blumenfeld, Editor- in-chief, Jazziz

                                                                                                   

                                                                                

McCoy Tyner - McCoy Tyner And The Latin All-Stars (1999)

Temas:

01. Festival In Bahia (McCoy Tyner)

02. Poinciana (Buddy Bernier, Nat Simon)

03. Afro Blue (Mongo Santamaria)

04. A Song For Love (McCoy Tyner)

05. La Habana Sol (McCoy Tyner)

06. We Are Our Fathers Sons (Avery Sharpe)

07. Blue Bossa (Kenny Dorham)

Musicos:

McCoy Tyner (Piano)

Johnny Almendra (Timbales)

Gary Bartz (Saxofones)

Ignacio Berroa (Batería)

Giovanni Hidalgo (Percusión)

Claudio Roditi (Trompeta y fliscorno)

Avery Sharpe (Bajo)

Steve Turre (Trombón y conchas)

Dave Valentín (Flauta) 

Tito Puente & Maynard Ferguson - Special Delivery

En virtud de su cálido y extravagante comportamiento en el escenario, su longevidad, sus constantes giras y sus apariciones en los medios de comunicación, Tito Puente es probablemente el símbolo más querido del jazz latino. Pero, además, Puente ha conseguido mantener su música extraordinariamente fresca a lo largo de las décadas; como virtuoso de los timbales, combinaba el dominio de todos los matices rítmicos con la espectacularidad a la antigua usanza: ver sus ojos desorbitados cuando hacía un solo dinámico era uno de los grandes placeres para los aficionados al jazz latino. Músico de formación, también era un fino y lírico vibrafonista, un talentoso arreglista y tocaba el piano, las congas, los bongos y el saxofón. Su atractivo sigue siendo para todas las edades y grupos étnicos, ayudado sin duda por las versiones más vendidas de Santana de "Oye Como Va" y "Para Los Rumberos" en 1970-1971, y las apariciones en The Cosby Show en la década de 1980 y la película The Mambo Kings en 1992. Su estilo de salsa clásica no suele tener un trasfondo oscuro, sino que irradia un ambiente de fiesta alegre y bailable.
Arraigado en el Harlem español, de ascendencia puertorriqueña, Puente pretendía en un principio ser bailarín, pero esas ambiciones se vieron frustradas por un desgarro del tendón del tobillo sufrido en un accidente. A los 13 años empezó a trabajar en la big band de Ramón Olivero como baterista, y más tarde estudió composición, orquestación y piano en Juilliard y en la New York School of Music. Y lo que es más importante, tocó con Machito y absorbió su influencia, que estaba fusionando con éxito los ritmos latinos con el jazz progresivo. En 1947 formó el grupo Piccadilly Boys, formado por nueve músicos, y dos años más tarde lo amplió a una orquesta completa. Puente grabó para Seeco, Tico y, finalmente, RCA Victor, y contribuyó a alimentar la moda del mambo, que le dio el título no oficial -y, en última instancia, vitalicio- de "Rey del Mambo", o simplemente "El Rey". Puente también ayudó a popularizar el chachachá durante la década de 1950, y fue el único no cubano que fue invitado a la celebración de los "50 años de música cubana" patrocinada por el gobierno en Cuba en 1952.

Puente Goes Jazz. Entre los congueros de las grandes ligas que tocaron con la banda de Puente en los años 50 se encontraban Mongo Santamaría, Willie Bobo, Johnny Pacheco y Ray Barretto, lo que dio lugar a algunos explosivos tiroteos de percusión. Puente no se encerró en un rincón de la música latina, sino que abarcó el jazz de grandes bandas (Puente Goes Jazz) y, en los años 60, temas de bossa nova, éxitos de Broadway, boogaloos y música pop, aunque en los últimos años tendió a ceñirse a los estilos de jazz latino más antiguos que se conocieron popularmente como salsa. En 1982, empezó a grabar una serie de álbumes de jazz latino con octetos o grandes bandas para Concord Picante que le dieron una mayor exposición y respeto en el mundo del jazz.
Entre los congueros de las grandes ligas que tocaron con la banda de Puente en los años 50 se encontraban Mongo Santamaría, Willie Bobo, Johnny Pacheco y Ray Barretto, lo que dio lugar a algunos explosivos tiroteos de percusión. Puente no se encerró en un rincón de la música latina, sino que abarcó el jazz de grandes bandas (Puente Goes Jazz) y, en los años 60, temas de bossa nova, éxitos de Broadway, boogaloos y música pop, aunque en los últimos años tendió a ceñirse a los estilos de jazz latino más antiguos que se conocieron popularmente como salsa. En 1982, empezó a grabar una serie de álbumes de jazz latino con octetos o grandes bandas para Concord Picante que le dieron una mayor exposición y respeto en el mundo del jazz. 

Su álbum número 100. Puente, un infatigable visitante de los estudios de grabación, grabó su álbum número 100, The Mambo King, en 1991 en medio de mucha ceremonia y afecto (un concierto de música latina con todas las estrellas en el Universal Amphitheatre de Los Ángeles en marzo de 1992 conmemoró el hito), y siguió añadiendo más títulos a la cuenta durante los años 90. También apareció como invitado en innumerables álbumes a lo largo de los años, y estrellas del jazz como Phil Woods, George Shearing, James Moody, Dave Valentin y Terry Gibbs tocaron en los últimos álbumes del propio Puente. Apenas unos meses después de aceptar su quinto premio Grammy, murió el 1 de junio de 2000. Varios meses después, Puente fue reconocido en la primera edición de los premios Grammy Latinos, ganando el premio a la mejor interpretación tropical tradicional por Mambo Birdland._Richard S. Ginell (allmusic)

Walter Maynard Ferguson (Montreal, Quebec; 4 de mayo de 1928-Ventura, California; 23 de agosto de 2006) fue un trompetista y fliscornista canadiense de jazz.

Comenzó su carrera a los 13 años como solista en Canadá, llegando de muy joven a formar su propio grupo. Tocó con músicos de la talla de Dizzy Gillespie y Stan Kenton. Su fama se extendió al realizar la música de la película Rocky, «Ahora voy a volar (Gonna fly now», protagonizada por Sylvester Stallone. Por dicha canción fue nominado a los premios Grammy en 1978..._(wikipedia)

Tito Puente, el padrino del jazz latino, ha celebrado sus 50 años en la música con este CD candente. "Be-Bop" se lanza con un duelo entre los trompetistas Bobby Shew y Maynard Ferguson. El infravalorado saxofonista alto Bobby Porcelli y el tenor Mario Rivera hacen que esta versión de "Stablemates" sea un éxito. La rara vez escuchada "Venus De Milo" se revive con un cálido homenaje al compositor Gerry Mulligan por parte del saxofonista barítono Mitch Forman. Special Delivery es jazz latino de banda grande en su máxima expresión._Ken Dryden (allmusic)

                                                                           

                                                                                  

Tito Puente & Maynard Ferguson - Special Delivery (1996)

Temas:

01. Be-Bop (Dizzy Gillespie) 

02. Misterioso (Thelonious Monk) 

03. Point East Memories (Mitch Frohman) 

04. Stablemates (Benny Golson) 

05. On Green Dolphin Street (Bronislaw Kaper, Ned Washington)  

06. Autumn in Rome (Vernon Duke) 

07. Venus de Milo (Gerry Mulligan) 

08. Tito's Colada (Tito Puente) 

09. Barbara (Horace Silver) 

10. Where You At? (Horace Silver) 

11. Flying Home (Benny Goodman, Lionel Hampton, Sydney Robin) 

Musicos:

Tito Puente (Percusión, timbales, vibráfono en "Point East Memories & "Autumn In Rome", marimba en "Tito's Colada")

Ray Vega (Trompeta)

Jhon Walsh (Trompeta)

Michael Philip Mossman (Trompeta, Trombón)

Wayne Bergeron (Trompeta en "Be-Bop" y "On Green Dolphin Street")

Bobby Shew (Trompeta en "Be-Bop" y "On Green Dolphin Street")

Jorge Reynaldo (Trombón)

Lewis Kahn (Trombón) 

Tom Garling (Trombón on "Be-Bop" & "On Green Dolphin Street")

Mario Rivera (Saxo tenor y soprano, flauta, flautín)

Bobby Pporcelli (Saxo alto)

Mitch Frohman (Saxo barítono) 

Don Menza (Saxo tenor en "Be Sop" y "On Green Dolphin Street")

José Madera (Percusión) 

John Rodriguez (Percusión) 

Jimmy Delgado (Percusión)

Louis Bauzó (Percusión)

Sonny Bravo (Piano, excepto en "Misterioso" & "Point East Memories")

Rubén Rodríguez (Bajo)

Musicos invitados: 

Maynard Ferguson (Trompeta en "Be-Bop", "On Green Dolphin Street, "Fiying Home", más fliscorno en "On Green Dolphin Street)

Hilton Ruiz (Piano en "Misterioso & "Point East Memories") 

The Echo Park Project - Retro New York Salsa

The Echo Park Project fue fundado en 2006 por Carlo López, un percusionista latino de Brooklyn Nueva York que quería recrear el legendario estilo de salsa de Nueva York en el sur de California. Para lograrlo, Carlo contrató a músicos de sesión y solicitados en California de alto calibre como John Belzaguy, Joey de Leon y Artie Webb, solo por nombrar algunos. Su repertorio es una combinación de material original y covers caliente de 70, que han sido cantadas de Tito Allen para ... .. Desde su creación, la banda ha desarrollado un público fiel y ha lanzado dos CD debut ( “retro Nueva York Salsa ”y el seguimiento de‘el Viernes social’.) Gracias a la tecnología moderna en las manos de Carlo López, y su apretada swing, su música se ha escuchado de Colombia a Japón. 

Nacido en 1962, Carlo López es un percusionista autodidacta y nativo de Nueva York. Es el más joven de dos músicos de la familia que ha tocado música latina durante la mayor parte de su vida. Cuando era un adolescente que crecía alrededor de la escena de la salsa neoyorquina de los 70, se encontró rodeado de músicos y de los sonidos que fueron fundamentales para dar forma a las épocas de los 50 y 70. Fue un gran momento para ser adolescente en Brooklyn, NY. Aprendió de las escenas latinas veteranos de la vieja escuela y fue parte de la nueva generación emergente de músicos destinados a dejar una huella en el vasto paisaje de la escena de la salsa / música latina sin importar dónde residiera. En 1992, se mudó a la costa oeste y aterrizó en Los Ángeles, CA. Se integró tocando percusión en bandas locales. Llegó a Los Ángeles en un momento en que la tecnología disfrutaba de un boom en la grabación de audio independiente. Carlo, decidido a estudiar su camino hacia la independencia en el ámbito de los artistas independientes, dominó el trabajo con el último software de estudio. El testimonio de Carlo a ese lado de la ingeniería de audio dio origen a las grabaciones independientes del Echo Park Project.

Carlo y el EPP han respaldado a las superestrellas itinerantes de la salsa Adalberto Santiago, Cano Estremera, Tony Vega, Choco Orta, Herman Olivera, Frankie Vázquez, Cita Rodríguez y The New Swing Sextet. Tras llevar el sonido de la salsa de Nueva York a la costa oeste, Carlo inició The Echo Park Project en 2006. Desde entonces, Echo Park Project ha publicado cinco álbumes. Como director de la banda, Carlo infundió su música con los sonidos legendarios cercanos a su corazón con un toque moderno. Carlo, ahora un ingeniero de grabación y sonido capacitado, ha producido y diseñado grabaciones de bandas locales que se suman a su currículum. 

                                                                               

The Echo Park Project - Retro New York Salsa (2006)

Temas:
01. Mi Ritmo Llegó (Lalo Rodrígez)
02. El Hijo De Obatalá (Tite Curet Alonzo)
03. Le Gusta Que la Vean (Ramón Rodríguez)
04. Lio (Javier Vasquez)
05. Bongo Fiesta (Fuller / Machito)
06. Me Quede Con Las Ganas (Raul Romero)
07. Raices  (Shorty Castro)
08. Que Tenga Sabor (Rosendo Ruiz)
09. Guajira Sorpresa (Aaron Singer)

Musicos:
Carlo López (Güiro & Clave)
John Belzaguy (Bajo)
Esteban Adame, Tom Regis, Joe Rotondi, Mateo Amper (Piano)
Joey De Leon (Congas, Timbales, Bongo)
Tomás Martin López (Timbales, Tongo, Coro)
Edwin Blás, Humberto Ruiz (Trombón)
Sal Cracchiolo, Vito Speranza, Eloy Adame (Trompeta)
Frank Fontaine (Saxo Baritone, Saxo Alto)
Artie Webb (Flauta)
Tony Velez (Tres)
Daniel Castillo, Martin Padilla, Jose Caridad Hernandez (Voz)