Ron Carter - Dear Miles

                                                                       

Ron Carter (Ferndale, Míchigan, 4 de mayo de 1937) es un contrabajista estadounidense de jazz.

Su contribución en más de 3500 álbumes[cita requerida] hacen de él uno de los contrabajistas con más grabaciones en la historia del jazz, junto a Milt Hinton, Ray Brown y Leroy Vinnegar. Carter es también un aclamado chelista que ha participado en numerosas grabaciones tocando el chelo en abundantes obras de música clásica.También ha contribuido en la música para bandas sonoras de películas..._(wikipedia)

Olvídese por un momento que Ron Carter tocó en la banda de jazz más importante de la segunda mitad del siglo XX, el quinteto clásico de los 60 de Miles Davis, donde se desempeñó como el encargado del ritmo de la línea de bajo, el creador de melodías de gama baja y instigador de la improvisación en la banda que fue pionera en un conjunto de aventuras de exploración y sorpresa. Pero para los novatos del jazz, muchos historiadores del jazz e incluso algunos críticos de jazz, la permanencia de Ron con Miles es su único derecho a la fama.

No tan. Después de que Carter dejó el empleo de Miles en 1968, se puso en camino para explorar su propia voz, figurando de manera prominente como líder y ancla en el lanzamiento de sellos como CTI y Milestone, además de colaborar con una amplia gama de artistas. A pesar de que es un maestro de jazz de la NEA y el campeón indiscutible del bajista de grabación, Carter, que cumplió 70 años en mayo, no se ha dormido en los laureles, ni se ha movido robóticamente. Lidera su impresionante Striker Trio con el pianista Mulgrew Miller y el guitarrista Russell Malone, pilota su subestimado nonet de cámara con cuatro violonchelistas, y últimamente ha resucitado su colaboración en dúo con el guitarrista Jim Hall.

Pero la banda más antigua de Carter es su cuarteto, con el pianista Stephen Scott (veterano de unos 15 años), el baterista Payton Crossley (en el estadio de béisbol de 10 años) y el recién llegado, el percusionista Rolando Morales-Matos, quien reemplazó a Roger Squitero. La banda es una fuente de gran orgullo para Carter, quien dice: "La industria discográfica hace que sea difícil mantener unida a una banda en funcionamiento con el mismo personal. Creen que cuanto más variado es el personal de un CD a otro, mayor llegarás a la audiencia. Esa nunca ha sido mi opinión. Mira todas las bandas en la historia del jazz: John Coltrane con Elvin, McCoy y Jimmy; Dave Brubeck con Paul, Gene y Joe; Cannonball con Nat, Sam y Louis. Todos hicieron grandes discos porque eran una banda activa ".

Esa filosofía impulsó la decisión de Carter de documentar a la banda (con Squitero a la percusión) en el estudio de grabación, lo que produce Dear Miles, el guiño de 10 canciones vigorizante, dinámico y juguetonamente impredecible al exjefe y mentor del bajista.

"Me habría sentido ofendido hace 10 años si alguien me pidiera que hiciera un álbum tributo a Miles", dice Carter, quien mientras disfruta de la gloria de su asociación integral con Davis, también ha mantenido legítima y respetuosamente su distancia del pasado. "Pero resulta que varias de las canciones de la biblioteca de mi cuarteto también son del cancionero de Miles. Por lo tanto, tenía sentido rendir homenaje a él y a mi banda al mismo tiempo. La mayoría de los proyectos de tributo terminan con artistas imitando y perdiendo ellos mismos en el proceso. A pesar de que he estado involucrado en proyectos como Four Generations of Miles y VSOP, no estaba listo para hacer un álbum como este antes por temor a ser absorbido por el aura tributo a Miles ".

Lo que distingue a Dear Miles de otros proyectos de tributo es la capacidad de Carter para

establecer firmemente la personalidad de su cuarteto mientras aprovecha la esencia de la música de Davis. Ya anticipa las inevitables críticas. "La gente puede decir, 'Oh, otro disco tributo; pero yo digo,' Míralo"; dice Carter. "Escucharán cómo esta banda se mantiene sola en su sonido y en su biblioteca, mientras también rinde homenaje".

Después de tres días de ensayos, Carter y compañía. reunidos en Avatar Studios en Nueva York, y en el transcurso de una mañana, grabó 10 primeras tomas que le dan a Dear Miles, una vibra viva en vivo. "No me gusta grabar 25 tomas", dice Carter. "Me propuse mantener un nivel de entusiasmo y concentración. No quería que las mentes divagaran o los solos deambularan. Hay una oportunidad de hacer bien cada canción. Y eso se basa en todas las otras veces que tocamos en la biblioteca donde arreglamos lo que salió mal en el siguiente coro, el siguiente set o la noche siguiente ".

El repertorio es variado, comenzando con un swing entusiasta a través de "Gone" de Gil Evans (de su colaboración de Porgy & Bess con Miles), continuando con un cambio de tempo a través de "Seven Steps to Heaven" (del desvanecimiento final, Carter dice que hay "tanta carne hasta el hueso" de esta melodía que podría haber durado 12 minutos), y concluyendo con un original de Carter, "595", que se suma a "So What". En el camino, el cuarteto revisualiza en su propio estilo distintivo clásicos asociados a Miles como "Stella by Starlight", "My Funny Valentine", "Bye Bye Blackbird" y "Someday My Prince Will Come", y se suma a una melodía que no es de Davis, un salto alegre a través de "As Time Goes By", que, explica Carter," honrra la asombrosa habilidad encuentra una canción que nadie más haya probado y, como 'Bye Bye Blackbird', hacer que sea esencial para el cancionero de jazz".

Al escuchar Dear Miles, sobre todo, céntrese en el virtuosismo del bajo de Carter, desde sus solos en el momento apoyados armónicamente por su cuarteto hasta sus líneas de bajo siempre cambiantes y nunca estáticas. No lleva el tiempo; él lo crea. No dicta; él sugiere. No juega a lo seguro; él se arriesga. Como dice en broma sobre sus compañeros de banda, "no solo son grandes tipos, sino que son buenas personas con quienes cometer un error".

Sin embargo, debo añadir, te reto a encontrar alguna._ Dan Ouellette (Down Beat,Billboard,y autor de la próxima biografía de ArtistShare autorizada por Ron Carter.

                                                 

                                                                     

Ron Carter - Dear Miles (2006)

Temas:

01. Gone (B.Evans) 

02. Seven Steps To Heaven ( Miles Davis- Victor Feldman) 

03. My Funny Valentine (Lorenz Hart-Richard Rodgers) 

04. Bag's Groove (MiltJackson) 

05. Someday My Prince Will Come (Larry Morey-Frank Churchill) 

06. Cut And Paste (RonCarter)  

07. Stella By Starlight (Ned Washington-Victor Young) 

08. As Time Goes By (Herman Hupfield-arreglos de Robert Freedman)) 

09. Bye Bye Blackbird (Mort Dixon-Ray Henderson) 

10. 595 (Ron Carter) 

Musicos:

Ron Carter (Bajo)

Stephen Scott (Piano)

Roger Squitero (Percusión)

Payton Crossley (Batería)

              

Ron Carter - Orfeu

El gran Ron Carter sigue su intermitente historia de amor con la música brasileña, junto con un algo poco probable elenco de personajes. El guitarrista Bill Frisell ofrece otra de sus magníficas actuaciones sideman, incluyendo un punto armónico de la disección "Goin 'Home," Carter de la bossa nova adaptación de la Dvorak "Sinfonía del Nuevo Mundo". El sonido mezcla de la guitarra de Frisell, Houston de la persona saxo tenor, Stephen Scott y el piano es constantemente delicioso, sobre todo en la melodía de Carter de "Por-Do-Sol". Los tres solistas su vez, en excelentes actuaciones en los tres restantes originales Carter, "Saudade", "Obrigado", y "1:17 Especial", así como dos Luiz Bonfa canciones de la película Orfeo Negro, "Manhã de Carnaval" y " Samba de Orfeu ". Carter melodía de la declaración y solo en el segundo son sus medidas sólo en el centro de atención, de lo contrario, sigue en un papel de apoyo rítmico, junto con el batería Payton Crossley y el percusionista Steve Kroon.
Este registro podría haber sido simplemente una más latino con temas del álbum por un músico de jazz americano. Sin embargo, la producción creativa opciones de maestría musical y fantástico que sea artísticamente sólido y extraordinariamente hermoso. ~ David R. Adler, All Music Guide

Ron Carter - Orfeu (1999)

Temas:
01-Saudade
02-Manha de Carnaval
03-Por-Do-Sol
04-Goin' Home
05-1:17 Special
06-Obrigado
07-Samba de Orfeu

Musicos:
Ron Carter- bass
Houston Person- tenor sax
Bill Frisell- guitar
Stephen Scott- piano
Payton Crossley- drums
Steve Kroon- percussion

Ron Carter - When Skies Are Grey

Esta hermosa, América Latina y con temas del álbum por el bajo Ron Carter superpotencia puede estar de pie casi como en un escaparate Stephen Scott, para el joven pianista de brío y finura están en pruebas desde el principio hasta el final. Carter se reserva solo un montón de habitación (y una serie de declaraciones de la melodía) para sí mismo, sin embargo. El baterista Harvey Mason y el percusionista Steve Kroon trabajar juntos para crear un lujoso ambiente que fluye Latina que hace de cada canción un verdadero placer escuchar. Uno de relieve es la del grupo de lentos, polyrhythmic asumir Jobim de "Corcovado". Otro es una versión de ranurado Carter de "Cambio Suelto", una canción que apareció en una luz muy diferente sobre Joe Henderson del Estado de la Tenor álbum. Scott woos su bluesy con delicadeza sobre el tema "Que Pasa", otro original Carter, y de las fluctuaciones en exuberantly compañeros pianista Ray Bryant del "Cubano Chant". Carter de la breve cita de los "Siete pasos al cielo" durante el cierre original, "Mi Tempo, "es suficiente para hacer saltar un un latido del corazón. Cuando los cielos son grises no contiene nada ambicioso o salvajemente innovador-sólo
grandes, accesible música. Fans de Stephen Scott, en particular, no puede perder con esta. ~ David R. Adler, All Music Guide

Mas información relacionada

Ron Carter - When Skies Are Grey (2001)

Temas:
01-Loose Change
02-Besame Mucho
03-Caminando
04-Que’ Pasa
05-Corocuado
06-Cubano Chant
07-Mi Tiempo

Musicos:
Ron Carter-Bass
Harvey Mason, Sr.-Drums
Steve Kroon-Percussion
Stephen Scott-Piano

Steven Kroon – El Mas Alla (Beyond)

Steven Kroon ha sido un músico profesional por más de 35 años. Nació en Harlem, y vivió allí hasta la edad de nueve años, cuando se trasladó a St. Albans, en Queens en 1957. Su experiencia que empezó a desarrollar en Queens fue muy importante. En esos días, había muchos grandes artistas del jazz y el R&B viviendo alrededor del vecindario. En casa, a menudo escuchaba las producciones de su padre, incluyendo a Tito Puente, Tito Rodríguez y Machito. Cuando visitaba a sus amigos, el podía escuchar a todos los grandes artistas de jazz. Justo en su vecindario estaban Lester Young, Eddie "Lockjaw" Davis, Count Basie y muchos más. También una gran influencia sobre Steve fue el gran productor Henry Glover, que vivía justo en su esquina. Con toda esa diversidad y estilos, fue que su apreciación musical comenzó a temprana edad. En esa temprana etapa de su carrera musical el progresó a tocar las percusiones. Junto a su hermano Bobby practicaron desde el principio con las grabaciones de todos esos grandes artistas y Steve progresó con los estudios llevados a cabo con varios maestros de música. Grandes influencias sobre Steve fueron las lecciones de conga con el gran Sr. Tommy López, y el percusionista Dom Um Romao. 
Steve empezó a trabajar con grandes de la talla de Luther Van Dross de 1981 a 2001, apareciendo en siete discos de platino y quince giras mundiales, que incluyeron dos videos de presentaciones en vivo. También tocó en varias shows de televisión como The Tonight Show de David Letterman, el de Jay Leno, así como durante los premios Grammy. También estuvo trabajando con Ron Carter de 1987 a 2004, con grandes giras por la Unión Americana, Japón y Brasil, así como la conocida escena del Jazz en NY. Algunos de los lugares donde ha interpretado su música son “The Village Van Guard”,”The Irriidium”, y “The Blue Note chain from the U.S. to Japan” . El también grabó con muchos personajes de leyenda –los “Quién es Quién”- en el negocio de la música, como Ron Carter, Roberta Flack, Bill Cosby, Aretha Franklin, Diana Krall, por mencionar algunos.
En los últimos cinco años Steve Kroon ha trabajando en su carrera de solista, incluyendo cuatro CDs, "In My Path”,”Senor Kroon”, “El Mas Allá” y la producción recién lanzada “Without A Doubt”, todos bajo su sello discográfico llamado "Kroonatune Records, LLC". Ahora el está disfrutando de los frutos de su trabajo mediante presentaciones en diversos clubes, festivales y salas de concierto por todo el país. _(jazztimes)

Crecido en Queens, Nueva York, el percusionista Steven Kroon se penetró de los sonidos latinos, el jazz y la música R & B que bañaban su barrio. La influencia de tal ambiente musical tan diverso le ayudó a formar a su estilo personalizado, captando la atención de los artistas de renombre dentro del pop y jazz como Luther Vandross y Ron Carter. Además de ser un gran músico de soporte de primer nivel en las percusiones, Kroon es también un líder de banda genial, como lo demuestra en su tercer producción como solista: “El Mas Alla (Beyond)” , una realización brillante de Jazz-Latino con arreglos de primera calidad realizados con un grupo de veteranos experimentados de Nueva York. 
La composición contagiosa "Bo Bo's Blues" abre la sesión con una absorbente atmósfera de Jazz-Latino que recuerda a las grabaciones tradicionales de Cal Tjader. La excitante participación con solos de piano a cargo de Igor Atalita, el vibráfono de Bryan Carrott, la flauta a cargo de Craig Rivers y el saxofón tenor de Roger Byam. Carrott, Rívers y Byam son los principales solistas de todo el disco, en concordancia con el sentimiento agradable de Kroon. Las intervenciones de Invitados como el vocalista Freddy Cole ("I Wish You Love"), la violinista Regina Carter ("Superwoman/Where Were You") y el saxofonista Steve Wilson ("Don Ramón") le dan un toque extra a la tertulia musical. 
Los acompañantes en el ritmo de Kroon son todos adeptos al dialecto musical Afro-Cubano. El pianista Oscar Hernández destella con las teclas en su propia composición "Precious One", bajo un fuerte ritmo de cha-cha-cha. El bajista Rubén Rodríguez se mantiene con sus propios impactos vigorosos, y sus solos convincente en el tema clásico de Jaco Pastorius "Used to Be a Cha-Cha". Los bateristas Vince Cherico y Diego López se turnan en el juego colectivo, al estilo impetuoso de Kroon.
Todo en torno a actuaciones excepcionales, junto con una mezcla bien programada de originales y versiones, hacen de El Mas Alla (Beyond) una escucha muy entretenida._ John Barron (allaboutjazz)
                                                                               

                                                                                      

Steven Kroon – El Mas Alla (Beyond) (2008)

Temas:
01. Bo Bo's Blues
02. Matana
03. Precious One
04. Brazilian Sugar
05. I Wish You Love
06. Used To Be A Cha-Cha
07. Steppin
08. Superwoman/Where Were You
09. Don Ramon
10. Minha Saudade 

Musicos: 

Steven Kroon (Congas, percusión)

Igor Atalita (Piano, teclados)

Oscar Hernandez (Piano)

John Di Martino (Piano)

Bryan Carrott (Vibráfono)

Craig Rivers (Flauta)

Roger Byam (Saxo tenor)

Steve Wilson (Saxo soprano)

Rubén Rodriguez (Bajo)

Vince Cherico (Batería)

Diego López (Batería)

Regina Carter (Violín /8)

Freddy Cole (Voz /5)

Bob James - Touchdown

La grabación más perdurable de Bob James es quizás una de las menos aventureras. Lleno de sencillas melodías relajadas, surcos ligeros y aireados, y telones de fondo silenciosos, es una "obra maestra" de jazz suave. Es una parte duradera de su catálogo y fue la plataforma de lanzamiento para muchos proyectos de cine y televisión, y para una serie de grabaciones exitosas para el sello Warner en los años 70, 80 y 90. En efecto, aseguró su seguridad financiera para el futuro. El set es notable por su elenco de peso pesado que incluye a David Sanborn, Ron Carter, Idris Muhammad, Steve Gadd, Eric Gale, Hubert Laws y Earl Klugh. También capturó el éxito de monstruo "Angela (Theme from Taxi)", que continuó transmitiéndose en estaciones suaves de jazz en el siglo XXI. James es un pianista, arreglista y compositor muy desarrollado, y aunque la música aquí es tan segura como la leche, sin embargo, habló a millones._Thom Jurek (allmusic)

Las grabaciones de Bob James prácticamente han definido pop / jazz y crossover durante las últimas décadas. Muy influenciado por la música pop y cinematográfica, James a menudo ha presentado solistas de R & B-ish (sobre todo Grover Washington, Jr.) que añaden un toque de jazz a lo que es esencialmente un conjunto pop instrumental. De hecho comenzó en la música yendo en una dirección muy diferente. En 1962, James grabó un trío de bop-ish para Mercury, y tres años más tarde su álbum para ESP fue bastante vanguardista, con cintas electrónicas usadas para efectos. Después de un período con Sarah Vaughan (1965-1968), se convirtió en músico de estudio, y en 1973 estaba arreglando y trabajando como productor para CTI. En 1974, James grabó su primer esfuerzo puramente comercial como líder; Más tarde realizó grandes álbumes para su propia marca Tappan Zee, Columbia, y Warner Bros., incluidas colaboraciones con Earl Klugh y David Sanborn. 
James permanece relativamente ocupado en el estudio y desde el 2000 ha lanzado varios álbumes incluyendo Dancing on the Water en 2001, That Steamin 'Feelin' en 2002, Hi-Fi en 2003, y Urban Flamingo en 2006, entre otros. En 2011, se unió al pianista Keiko Matsui para Altair & Vega. Dos años más tarde, entregó su segunda colaboración con el saxofonista David Sanborn, Quartette Humaine de 2013. En 2015, James se emparejó con el bajista Nathan East en la sesión de estudio relajada, The New Cool._Scott Yanow (allmusic)





Bob James - Touchdown (1978)

Temas:
01. Angela (Theme From "Taxi")
02. Touchdown
03. I Want To Thank You (Very Much)
04. Sun Runner
05. Caribbean Nights

Musicos: 
Composed By Arranged By Synthesizer [Oberheim Polyphonic] – Bob James
Acoustic Bass - Ron Carter (tracks: 3 to 5)
Acoustic Guitar – Earl Klugh (tracks: 3 to 5)
Alto Saxophone – Dave Sanborn* (tracks: 2), Jerry Dodgion, Phil Bodner
Baritone Saxophone – Howard Johnson (3)
Cello – Charles McCracken, Jonathan Abramowitz, Richard Locker, Seymour Barab
Clarinet – Harvey Estrin
Concertmaster [Strings] – David Nadien
Contrabass Clarinet – Howard Johnson (3)
Design – Paula Scher
Drums – Idris Muhammad (tracks: 1), Steve Gadd (tracks: 2 to 5)
Electric Bass – Gary King (tracks: 1, 2)
Electric Guitar – Eric Gale (tracks: 2, 5), Hiram Bullock (tracks: 2 to 5)
Electric Piano [Fender Rhodes, Electric Yamaha Grand] – Bob James
Engineer – Joe Jorgensen
Engineer [Assistant] – Harold Tarowsky, Lou Jannone, Ted Brosnan, Tim Bomba
English Horn – George Marge
Flute – George Marge, Harvey Estrin, Hubert Laws (tracks: 3 to 5), Jerry Dodgion, Phil Bodner
Mastered By [Mastering Engineer] – Vladimir Meller*
Oboe – George Marge, Phil Bodner
Percussion – Mongo Santamaria (tracks: B2), Ralph MacDonald (tracks: 1 to 4)
Piano [Acoustic] – Bob James
Rhythm Guitar [Acoustic] – Richie Resnicoff* (tracks: 1)
Soloist, Bass [Piccolo Bass] – Ron Carter (tracks: B2)
Soloist, Electric Guitar – Eric Gale (tracks: 1), Hiram Bullock (tracks: 5)
Soloist, Vocals – Hiram Bullock (tracks: 5)
Tenor Saxophone – George Marge, Harvey Estrin
Trombone – Alan Raph, Dave Bargeron, Wayne Andre
Trumpet – Jon Faddis, Mike Lawrence, Randy Brecker, Ron Tooley
Viola – Emanuel Vardi, Jean Dane*, Sue Pray, Theodore Israel
Violin – Diana Halprin, Harold Kohon, Harry Cykman, Harry Lookofsky, Herbert Sorkin, John Pintavalle, Lewis Eley, Louis Gabowitz, Matthew Raimondi, Max Ellen, Richard Sortomme

Stanley Turrentine - Sugar

                                                                     

Stanley Turrentine (Pittsburgh, 5 de abril de 1934-Nueva York, 12 de septiembre de 2000) fue un músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor.

Figura legendaria de su instrumento, el estilo de Turrentine abarca el hard bop y la jazz fusion. Su manera de tocar se caracteriza por un sonido barroco, denso, enraizado en el blues, y por una constante imaginación y sensibilidad en la improvisación. Su obra más característica son sus sesiones de soul jazz para Blue Note en los años sesenta y una popular aproximación a la fusión a comienzos de los setenta.

Turrentine comenzó su carrera tocando con diversos grupos de blues y de R&B, muy influido musicalmente por Illinois Jacquet. En 1950 y 1951, tocaba con Ray Charles en la banda del guitarrista de blues Lowell Fulson.​ Más tarde, se uniría a la banda liderada por Charles.​ En 1953 reemplazó a John Coltrane en la primera banda de jazz y R&B del altista Earl Bostic.​ Tras su paso por el servicio militar a mediados de los cincuenta, Turrentine se unió al grupo de Max Roach; conoció a la organista Shirley Scott, con quien se casó en 1960 y con la que grabaría frecuentemente en los más de 30 años que estuvieron juntos.

Tras trasladarse a Filadelfia, Turrentine consiguió buena química con otro organista, Jimmy Smith, al que acompañaría, entre otros discos, en su clásico de 1960 Back at the Chicken Shack. También en 1960, Turrentine empezó a grabar como director de banda para Blue Note, concentrándose preferentemente en pequeños grupos de soul jazz y tocando temas clásicos como That's Where It's At, pero también grabando con The Three Sounds (en el disco Blue Hour, de 1961) y experimentando con más amplios conjuntos a mediados de los 60. A comienzos de la década de 1970, Turrentine se convirtió en un popular puntal del nuevo sello del productor Creed Taylor, CTI,​ orientado a la jazz fusion; grabando cinco discos para el sello. Tuvieron una buena aceptación popular y fueran artísticamente valiosos, y la opinión crítica fue más favorable que la que recibió a finales de los setenta por su trabajo para Fantasy Records. Por lo demás, Turrentine siguió grabando con profusión y regresó al soul jazz en los 80 y en los 90.

Turrentine murió de un infarto en la ciudad de Nueva York el 12 de septiembre de 2000. Fue enterrado en el cementerio de Allegheny de Pittsburgh.~ (wikipedia)

Si alguna vez hubo un disco que encajara a la perfección y a la vez se saliera del sonido estable de CTI Records, ése es Sugar de Stanley Turrentine. Grabado en 1970, sólo tres temas aparecen en el álbum original (en la reedición hay una versión extra en directo del tema que da título al disco, que casi eclipsa al original y es un 50% más larga). Turrentine, un veterano de la escena soul-jazz desde los años 50, estuvo acompañado por un elenco de guitarristas George Benson, Lonnie Liston Smith al piano eléctrico, Freddie Hubbard a la trompeta, el bajista Ron Carter, el organista Butch Cornell y el batería Billy Kaye, entre otros. (La versión en directo añade a Airto, el flautista Hubert Laws, el batería Billy Cobham y el organista Johnny Hammond). El tema que da título al disco es un profundo ejercicio de soul blues con un ritmo de fondo oscilante y una sección rítmica que fluye con fluidez a través de cuatros y ochos, mientras Benson, Hubbard y Turrentine comienzan lentamente y van subiendo la temperatura, haciendo que el ritmo y el paso del corte hiervan a fuego lento y luego estallen, especialmente en el solo de Hubbard. 

Esto es realmente azul medianoche, y la fiesta está a punto de ponerse realmente seria o a punto de terminar. En el momento en que Benson toma su descanso, lleno de arpegios resbaladizos, brillantes y cálidos, las costuras están reventando y las parejas se están arrinconando. Sunshine Alley" de Butch Cornell es un groover sólido y funky, ritmado por el órgano y los dobles cuatros de Kaye. Turrentine y Hubbard entran a zancadas en la melodía y mantienen el vampiro en el bolsillo, superando la línea de blues en una etiqueta que sólo revoluciona la cosa aún más. Pero la gran sorpresa está en el tema final, uno de los más sólidos y emotivos paseos por el "Impressions" de John Coltrane. Turrentine está muy metido en su trompa, tocando en legato con todo lo que tiene, y es considerable. El bajo de Ron Carter fluye a través de los interludios modales, creando una base para la bella invención interválica de Benson y Smith, construyendo una serie de puentes armónicos a través del modo hasta los solos. Cuesta creer que sea Turrentine, pero no podría ser otro. Si los aficionados al jazz están interesados en Turrentine más allá del período de Blue Note -y deberían estarlo-, éste es un lugar increíble para escuchar en busca de satisfacción.~ Thom Jurek (allmusic)
                                                                     

                                                                            

Stanley Turrentine - Sugar (1971-R2002)

Temas:

01. Sugar

02. Sunshine Alley

03. Impressions

04. Gibraltar

05. Sugar (Live)

Musicos:

Stanley Turrentine (Saxo tenor)

Billy Kaye (Batería)

Butch Cornell (Órgano Hammond)

Lonnie Liston Smith,Jr (Piano eléctrico)

George Benson (Guitarra)

Freddie Hubbard (Trompeta)

Ron Carter (Bajo)

Richard "Pablo" Landrum (Conga)

Aitor Moreira (Percusión en pista #5)

Hubert Laws (Flauta en pista #5)

Billy Cobham (Batería en pista #5)

Gato Barbieri - Fenix

                                                                         

Leandro "Gato" Barbieri (Rosario, 28 de noviembre de 1932-Nueva York, 2 de abril de 2016)​ fue un saxofonista de jazz argentino.

Representante destacado del jazz latino, participó en su juventud en la banda de otro destacado jazzista argentino, Lalo Schifrin. Abordó también en su carrera el jazz de vanguardia, sobre todo en la década de 1960, así como el pop y la fusión a finales de la década de 1970.

Fue influido por John Coltrane, Pharoah Sanders y Carlos Santana. Su música tiene frecuentemente un tono desgarrado, a base de notas largas y con un volumen elevado.

Se le considera uno de los mejores saxofonistas latinoamericanos de la historia. Entre sus mayores éxitos se encuentran Europa, I Want You y Last Tango in Paris.~ (wikipedia)

Algunos artistas cambian totalmente de rumbo, otros reinventan su personalidad. Es difícil saber exactamente qué hacer en el caso de este saxofonista tenor argentino, que apareció por primera vez como sideman en varios proyectos importantísimos de Don Cherry, contribuyendo de forma tan esencial a la sensación general de estos discos que los oyentes esperaban grandes cosas. Tras algunos intentos de encontrar un punto de encuentro entre la energía y la dureza del free jazz y sus propias raíces rítmicas, creó este álbum en el que todo parecía encajar a la perfección. Si hay que juzgar la carrera de Barbieri en su conjunto, hay que reconocer el mérito de los músicos que le acompañan, que son lo mejor de lo mejor. 

Un trompetista no puede quejarse de una sección rítmica que cuenta con el bajista Ron Carter, el batería Lenny White y el pianista Lonnie Liston Smith, este último recién salido de la banda de Pharoah Sanders, donde se había establecido como el rey absoluto de los vamps modales, vagamente latinos o africanos. Smith supo encajar perfectamente aquí y, por supuesto, sabía exactamente qué hacer cuando el saxofonista entraba en sus ataques de gritos, porque seguramente tenía mucha práctica con este tipo de cosas tocando con Sanders. El líder añade un bonito toque de percusión étnica con algunas congas y bongos y Na Na al berimbau; de hecho, ésta fue la primera vez que muchos oyentes estadounidenses escucharon este instrumento. A partir de aquí, Barbieri siguió creciendo, alcanzando su punto álgido con una serie de colaboraciones con músicos latinoamericanos que tocaban instrumentos tradicionales. Luego cambiaría de marcha, rebajaría la energía y se convertiría en una especie de imagen romántica con un saxofón en la boca, produciendo música que provocó insultos por parte de los críticos, muchos de los cuales se habrían mordido la lengua si hubieran sabido que artistas posteriores como Kenny G tocarían mucho peor el saxo. Pero en este momento de 1971, mucho antes de que los Teleñecos crearan una caricatura de él, Barbieri estaba absolutamente que echaba humo, y para un cierto estilo de free jazz rítmico, éste es un álbum realmente cautivador.~ Eugene Chadbourne (allmusic)

Más información relacionada

                                                                                

Gato Barbieri - Fenix (1971)

Temas:

01. Tupac Amaru

02. Carnavalito

03. Falsa Bahiana

04. El Día Que Me Quieras

05. El Arriero

06. Bahia

Musicos:

Gato Barbieri (Saxo tenor)

Nana Vasconcelos (Birimbau y conga)

Gene Golden (Conga y bongó)

Lenny White III (Batería)

Joe Beck (Guitarra)

Ron Carter (Bajo)

Lonnie Liston Smith (Piano)

Pablo Gil - Major Delights

Pablo Gil, Saxofonista, Flautista y compositor venezolano. Inició sus estudios de música en la Ciudad de Mérida, Venezuela, para luego trasladarse a Caracas. Posteriormente fue becado por el CONAC, FUNDAYACUCHO y la Embajada de Francia para seguir sus estudios en Francia donde obtuvo varios reconocimientos.

Pablo Gil Rodulfo es un saxofonista y flautista venezolano que nace en 1965. Sus primeros pasos musicales los da como baterista, en la ciudad de Mérida; instrumento el cual cambia para dedicarse al saxofón. Se traslada a Caracas donde es becado para finalizar sus estudios musicales en Paris (Francia) recibiendo diferentes distinciones como el diploma de enseñanza superior de música moderna otorgado por el Centro de Informaciones Musicales (Paris, 1992), Medalla de Oro en Saxofón en el Conservatorio Nacional De Paris (1995), primer premio de Saxofón en Paris (1995) y el grado en arreglo, composición, piano e historia de jazz otorgado por el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza (Paris, 1996). 
Se traslada a Estados Unidos donde perfecciona su estilo con músicos como Ron Carter, Bruce Barth, Steve Slagle y Rich Perry. Ha tocado o grabado con artistas o bandas entre los que destacan Ellington Orchestra, John Benítez, Steve Turre, Ron Carter, Patato Valdez, Juan Carlos Torres, Orlando Poleo, Mario Rivera, Soledad Bravo, el Trío de Andrés Briceño, Grupo Cimarrón, Leo Blanco, Víctor Mestas y muchos otros. 
Sus presentaciones se han producido en tierras venezolanas y en países como Francia, Estados Unidos, Inglaterra, Panamá, Costa de Marfil, Colombia, Portugal, Turquía y Senegal. 
Discográficamente debuta con el álbum Major Delights (2002). Su segunda producción se titula Símbolos (2004). Posteriormente publicó el álbum Empatía (2006) junto con Gerry Weil y Carlos "Nené" Quintero; al cual sigue una grabación en vivo titulada Suka Jazz en Directo (2007), en formato de doble CD, y donde comienza a experimentar con la fusión de elementos de jazz y música electrónica. Recientemente ha publicado el álbum Baladas (2008)._(las.fm)





Pablo Gil - Major Delights (2002)

Temas:
01. Proyecto XY (Pablo Gil)
02. Major Delights (Pablo Gil)
03. Palabras de Sombra (Pablo Gil)
04. Desiguales (Leo Blanco)
05. Valse Gitane (Pablo Gil)
06. Sabana Grande (Gerry Weil)
07. Virtualmente (Gonzalo Micó - Arr: Pablo Gil)
08. Otro Cimarrón (Pablo Gil)
09. Señor Jou (Pablo Camacaro - Arr: Victor Mestas)
10. El Examen (Roberto Jirón)
11. Así No (Pablo Gil)

Musicos:
Pablo Gil - Sax
Mario Canonge - Piano (Tracks 01, 04)
Luis Perdomo - Piano (Tracks 02, 03, 05, 06, 07, 08, 09, 11)
Roberto Koch - Acoustic Bass
Andrés Briceño - Drums
Orlando Poleo - Percussion (Tracks 01, 06)
Joel "Pibo" Márquez - Percussion (Tracks 03, 04, 08, 11), Vocals (Track 08)
Roberto Jirón - Guitar (Track 10)
Nicolas Folmer - Trumpet (Tracks 01, 04, 08)

Paul Desmond - Summertime

Paul Emil Breitenfeld (San Francisco, 25 de noviembre de 1924 - Nueva York, 30 de mayo de 1977), conocido como Paul Desmond, fue un saxofonista (saxofón alto) estadounidense de jazz. Fue una figura representativa de la corriente principal del jazz y del cool, especializado en baladas y en la improvisación melódica; se caracteriza también por sus citas de música clásica y de canciones folk..._(wikipedia)

Paul Desmond es ampliamente reconocido por su genialidad como improvisador melódico y como referente de los saxofonistas de cool jazz. Su tono cálido y elegante era uno que, según se reconoce, intentaba hacer sonar como un martini seco. Él y Art Pepper eran prácticamente los únicos contraltos de su generación que no estaban directamente influenciados por Charlie Parker. Desmond estaba influenciado por Lester Young, pero lo llevó más allá, hacia mundos melódicos y armónicos nunca antes recorridos por los músicos de la caña, especialmente en los registros superiores. Desmond es más conocido por sus años con el Dave Brubeck Quartet (1959-1967) y su conocida composición "Take Five". Conoció a Brubeck a finales de los años 40 y tocó con su Octeto. El Cuarteto se formó a finales de 1950 y tomó forma definitiva con Eugene Wright y Joe Morello unos años después. Jazz at Oberlin y Take Five fueron consideradas compras esenciales por los estudiantes universitarios de la época, pero Jazz Impressions of Japan fue su grabación más innovadora. Desmond tocaba sus solos, lentos, ordenados e intrincados, en contraste directo con la obsesión del pianista por los grandes acordes, creando una miríada de texturas para el contrapunto melódico y rítmico como nunca se había oído en el jazz. Sus ingeniosas citas de musicales, piezas clásicas y canciones populares eran también una marca de agua de su arte. Cuando el Cuarteto se separó en 1967, Desmond comenzó una carrera discográfica intermitente pero satisfactoria. Incluyó fechas con Gerry Mulligan para Verve, varias sesiones con Jim Hall y un concierto con el Modern Jazz Quartet. Tocó sus últimos conciertos con el Brubeck Quartet en reuniones antes de morir de cáncer de pulmón. Las grabaciones de Desmond para RCA han sido objeto de una caja y Mosaic ha publicado una de las sesiones completas con Hall. También hay reediciones de A&M y CTI, aunque las grabaciones de Artist House y Finesse siguen lamentablemente descatalogadas._Thom Jurek (allmusic)

Mientras pasaba el tiempo en un semi-retiro tras la disolución del Dave Brubeck Quartet en 1967, Paul Desmond se dejó atraer de nuevo al estudio de grabación por el productor Creed Taylor, que sabía exactamente qué hacer con su ocioso, pero en absoluto gastado, contralto. El resultado es un álbum de música ecléctica y bellamente producido que revive la idea de la "bossa antigua" de Desmond y la envía en diferentes direcciones, directamente hacia Brasil y varias regiones caribeñas, así como de vuelta a los jazzísticos Estados Unidos. "Samba With Some Barbecue" es una maravillosa versión bossa nova de la canción de Louis Armstrong "Struttin' With Some Barbecue", cuyos primeros compases guardan un asombroso parecido con los de la "Samba de Orpheus" (que el erudito Desmond sin duda conocía). No importa cuántas veces hayas escuchado "Autumn Leaves", el tratamiento de la bossa nova de Desmond te dará una nueva sacudida, ya que suelta de improviso las cavilaciones más exquisitamente oscilantes; lástima que se desvanezca después de sólo tres minutos.

En un estado de ánimo flexible, Desmond incluso consiente en grabar una nueva melodía de los Beatles, "Ob-La-Di, Ob-La-Da", al estilo samba, citando de paso "Hey Jude" (es muy posible que se sintiera atraído por el protagonista de la letra, un tipo llamado Desmond), y hace música potente de melodías de películas como "Emily" e incluso la elegante "Lady in Cement". Don Sebesky aporta algunos arreglos inteligentemente elaborados para big band aumentados por trompas francesas, Herbie Hancock realiza algunos solos a menudo brillantes en varios momentos destacados, Ron Carter está al bajo, y Leo Morris y Airto Moreira se alternan en la batería. Nunca antes se había grabado el contralto de Desmond de forma tan deslumbrante -la ingeniería de Rudy Van Gelder le da un nuevo brillo dorado- y el LP original tenía una portada genial y sarcástica: carámbanos brillantes._Richard S. Ginell (allmusic)

                                                                               

                                                                                 

Paul Desmond - Summertime - (1969)

Temas:

01. Samba With Some Barbecue (Louis Armstrong)

02. Olvidar (Don Sebesky)

03. Ob-La-Di, Ob-La-Da (Lennon-McCartney)

04. Emily (Johnny Mandel, Johnny Mercer)

05. Someday My Prince Will Come (Frank Churchill, Larry Morey) 

06. Autumn Leaves (Johnny Mercer, Joseph Kosma)

07. Where Is The Love? (Lionel Bart)

08. Lady In Cement (Hugo Montenegro)

09. North By Northeast (Paul Desmond) 

10. Summertime (DuBose Heyward, George Gershwin)

Musicos:

Paul Desmond (Saxo alto)

Wayne Andre, Paul Faulise, Urbie Green, J. Johnson, Bill Watrous, Kai Winding (Trombón)

Burt Collins, John Eckert, Joe Shepley, Marvin Stamm (Trompeta, fliscorno)

Ray Alonge, Jimmy Buffington, Tony Miranda (Trompa "French horn")

George Marge (Flauta, oboe)

Bob Tricarico (Flauta, fagot)

Herbie Hancock (Piano)

Jay Berliner, Joe Beck, Eumir Deodato, Bucky Pizzarelli (Guitarra)

Frank Bruno, Ron Carter (Bajo)

Leo Morris (Batería)

Airto Moreira (Batería, percusión)

Mike Mainieri (Vibráfono)

Joe Venuto (Marimba)

Jack Jennings (Percusión)

Don Sebesky (Arreglista)

Grabado en - Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey

Fecha de grabación: 10 de octubre de 1968 - 20 de diciembre de 1968

Jerry Gonzalez & the Fort Apache Band-Earthdance

Earthdance encuentra Jerry Gonzalez y el Fort Apache Band sonar como un grupo de Hard Bop, cuando el líder desempeña trompeta y un afro-cubano banda cuando se cambia a congas. Con multa contribuciones de Joe Ford en alto y soprano, tenor saxofonista Carter Jefferson, el pianista Larry Willis, el bajista Andy González, y el baterista Steve Berrios, la banda se extiende en tres originales, más Wayne Shorter "Para Fe Fi Fum", Thelonious Monk's "Let's Llame a este "," Cuando me Fall in Love ", Ron Carter y del" 81 ", cinco de los siete performmances son más de 11 minutos de duración. Bellas Hard Bop de música con un fuerte tinte Latina. ~ Scott Yanow, All Music Guide

Mas información relacionada


Jerry Gonzalez & the Fort Apache Band-Earthdance (1990)

Temas:
1- Nightfall
2- Fe-Fi-Fo-Fum
3- Let's Call This
4- When I Fall in Love
5- 81
6- Earth Dance
7- Los Roncos

Musicos:
Jerry González-Trompeta, Conga,Fliscorno, Productor
Steve Berrios- Bateria
Andy Gonzalez- Bajo
Larry Willis- Piano
Joe Ford- Saxo (Alto), Sax o(Soprano)
Carter Jefferson- Saxo (Tenor)

Huáscar Barradas - Latineando

Huáscar Barradas (nacido en Maracaibo, el 12 de junio de 1964) es un venezolano flautista y profesor de flauta en el "Instituto Universitario de Estudios Musicales de" en Caracas . Como flautista ha representado a Venezuela en una serie de festivales internacionales y como solista y músico sinfónico tiene una amplia gama de tipos de música. Como profesor, ha trabajado anteriormente en la Orquesta Nacional Juvenil de Venezuela y le enseñó a su curso "El arte de la realización de la flauta" en diferentes conservatorios dentro y fuera de Venezuela.
Huáscar es el producto de una formación académica que incluye estudios en el "Conservatorio de Música José Luis Paz" de Maracaibo en Venezuela, el Conservatorio de Brooklyn de Nueva York (se graduó Cum Laude), la Juilliard School of Music , de la Escuela Superior de Música de Frankfurt (Sehr gut). Ha estudiado bajo la dirección de maestros como Eulogio Gómez, Bernard Golberg, Nastasy Nirijam, Robert Aitken, Nicolet Aurele, Peter Lukas Graf, Michael Scheneider, entre otros. Estudió dirección orquestal con Vincent La Selva y Karoly Kope y Jazz con Shelton Berg y Ron Carter. Es miembro fundador de la Estudiantina Juvenil y la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado Zulia. Ganó el Concurso de Texas Junior College en 1983. Fue patrocinado por la Sociedad para el Desarrollo Profesional de Jóvenes Artistas de Hannover , Alemania . 
Se le ha concedido becas importantes, como el Servicio Alemán de Intercambio Académico y la Fundación Beracasa. Además de ello, también ha sido concedida la Orden del Mérito "Relámpago del Catatumbo", dada por el Gobierno del estado Zulia, y la Orden del Mérito "Ciudad de Barquisimeto".
Ha sido flautista asistente principal de la Orquesta Sinfónica de Maracaibo y la Orquesta Filarmónica Nacional, y ahora ocupa el mismo cargo en la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas. Se ha producido seis discos con su banda musical venezolana "Huáscar Barradas y Maracaibo". Además de ello, ha grabado como solista con la Orquesta Nacional de Phylharmonic la pieza escrita especialmente para él por el compositor venezolano Domingo Sánchez Bor, "Viaje de la Jirafa" (Viaje de la Jirafa). 
Ha representado a Venezuela en importantes festivales como el de Radio France et Montpellier, Festival de Flauta Europea de Frankfurt, Expo-Hannover 2000, National Flauta Convención de la Asociación de 2000, el Festival Internacional de Música Contemporánea de Bogotá, Festival Internacional de Folklore en Turquía, primero de América Latina Convenio de flauta en Caracas, XII Encuentro Internacional Musica Convención de Medellín, entre otros. 
Ha actuado con importantes artistas que al mismo tiempo, han sido los artistas invitados especiales a sus conciertos, como el Maestro Simón Díaz , María Teresa Chacín , Cecilia Todd , Ilan Chester , Guaco , Pedro Castillo, Aldemaro Romero , "El Pavo" Frank Hernández, Martirio, y Chavela Vargas.
Él estuvo casado con Kharla Aranguren arquitecto. Se casaron en 2001 pero se divorciaron un año después. Una canción fue dedicada a ella en su mundo de CD._(biografiaszulianas)
                                                                

                                                                       

Huáscar Barradas - Latineando (2006)

Temas:
01. Gracias A La Vida (Violeta Parra)
02. Fina Estampa (Chabuca Granda)
03. Capullito De Alhelí (Rafael Hernández)
04. Amanecí En Tus Brazos (José Alfredo Jiménez)
05. De Repente (Aldemaro Romero)
06. Alfonsina y El Mar (Ariel Ramírez/Félix Luna)
07. Venezolanísimo: - Caballo Viejo (Simón Díaz) - Alma Llanera (Pedro E. Gutiérrez)
08. Tudo Brasil: - Apanhei-Te Cavaquinho (Ernesto Nazaret) - Desafinado (Antonio Carlos Jobim) - Garota De Ipanema (Antonio Carlos Jobim)
09. Aires Porteños: - Volver / El Día Que Me Quieras (Carlos Gardel)
10. Sabor Colombiano: - El Testamento (Rafael Escalona) - Matilde Lina (Leandro Díaz) - Cumbia Sampuesana (Joaquín Betín)
11. Fantasía Del Altiplano - El Humahuaqueño (Edmundo Saldívar) - El Condor Pasa (Daniel Alomias Robles)
12. La Flor De La Canela (Chabuca Granda)
13. Lamento Borincano (Rafael Hernández) 1
14. Yo Vendo Unos Ojos Negros (Folklore Chileno)
15. Así Es Mi Tierra (Folklore Costarricense)

Musicos:

Huáscar Barradas (Flautas)

Elvis Martínez (Contrabajo, guitarra)

Marcos Campos Salas (Teclados, clarinete, percusión, programación)

Gustavo Colina (Cuatro, mandolina)

Simón Bolívar (Percusión)

Fernando Valladares (Teclados, percusión, coros)

Jorge Polanco (Cuatro)

Músicos invitados:

María Teresa Chacín (Voz)

Leo Quintero (Guitarra)

Aura Marina Treviño (Fagot)

Germán Quintero (Trompeta)

Leslie Pozo (Trombón)

Franklin Díaz (Saxo tenor)

Edwin Pulgar (Teclados)

José Luis Gómez, Sergio Faccio, Marcos Liscano, Marcos Faccio (Violines)

Cal Tjader - Verve Jazz Masters 39

La mejor vista de un solo disco de Cal Tjader años de The Verve, esta colección en realidad hace tiempo el vibrafonista ha pasado en la etiqueta parece más gratificante de lo que realmente fue.Mientras que con Fantasy Records, Tjader por lo general se pasaba el tiempo de corte duro álbumes de jazz latino o la liberación de soberbia en pequeños grupos, sesiones cool bop-teñido de jazz. Sin embargo, bajo la dirección de Creed Taylor, la mayoría de las sesiones de Tjader Verve poner un brillo suave en su estilo latino, y casi por completo caso omiso de su talento muy real para el jazz mainstream en pequeños grupos. 
Eso no quiere decir que sus años Verve no se llena de música excelente, porque eran, es sólo que registró menos música de grupo para Verve, así que es genial ver que la buena música tanto aparece aquí. Cada pista es un ganador, pero el CD incluye destaca como el pop sorpresa Tjader éxito "Soul Sauce", una lectura hermosa balada de "The Way You Look Tonight", la grabación de big band increíblemente frenético de la melodía Horace Silver "Blues Tokio" y una versión hip-temblor de "Moanin '" que ha Herbie Hancock y Ron Carter sesión pulg A juzgar por esta colección solo, uno pensaría período Tjader Verve fue la unión perfecta del jazz de alta calidad y los principales instintos comerciales. Si sólo "selling out" siempre sonaba tan bien. Tal vez haya más sesiones Verve Cal Tjader de que parecía existir en el momento. ~ Nick Dedina (allmusic)


Más información relacionada


 

Cal Tjader - Verve Jazz Masters 39 (1994)

Temas:
01.Soul Sauce (Guachi Guaro) (Aka Guachi Guaro)
02.Cura?ao
03.China Nights (Shina No Yoru)
04.The Whiffenpoof Song
05.Triste
06.Soul Bird (Tin Tin Deo) (Aka Tin Tin Deo)
07.The Way You Look Tonight
08.Daddy Wong Legs
09.Tokyo Blues
10.Cuchy Frito Man
11.The Prophet
12.Borneo
13.Leyte
14.Hip Vibrations
15.Cal's Bluedo
16.Moanin'

Musicos:
Cal Tjader-Vibraphone
Jose Mangual-Timbales
Charles McCracken-Cello
Bob Northern-French Horn
Victor Pantoja-Percussion
Alan Raph-Trombone (Bass)
Bobby Rosengarden-Percussion
Carlos "Patato" Valdes-Conga
Irving Horowitz-Oboe
Alberto Valdés-Percussion
Emanuel Vardi-Violin
Stanley Webb-Woodwind
Robert Maxwell-Harp
George Duvivier-Bass
Johnny Rae-Drums
George Berg-Bassoon, Clarinet (Bass)
Patricia Brown-Piano
Don Butterfield-Tuba
Clark Terry-Trumpet
Léon Cohen-Oboe
Chick Corea-Piano
Jack del Rio-Conga, Tambourine
Arnold Eidus-Violin
Paul Griffin-Flute, Sax (Alto)
Lonnie Hewitt-Piano
John Hilliard-Bass
J.J. Johnson-Trombone
Phil Kraus-Woodwind

Ricardo Pons y Causacomun – Segundapiel

Ricardo Pons es un flautista de Puerto Rico, saxofonista, arreglista y compositor. Él ha tenido una experiencia de rendimiento de ancho, con artistas como Chick Corea, Tito Puente, Eddie Palmieri, Mario Bauzá, Willie Colón, Celia Cruz, Jimmy Heath, Ron Carter, Los Pleneros de la 21, el Teatro Pregones y otros, y ha llevado a cabo en el prestigiosos Chicago Jazz Festival y el Charlie Parker Festival en Nueva York. Ricardo fue a la escuela en el City College de Nueva York y tiene una Maestría en Interpretación de Jazz y Composición en el Conservatorio de Aaron Copland en el Queens College, donde estudió con el maestro saxofonista / compositor Jimmy Heath. En la actualidad es profesor de Composición de Jazz, Armonía y Saxofón en la Universidad Interamericana de Puerto Rico. Este joven talento de Puerto Rico está comprometida con el desarrollo de la música derivada de la música folklórica puertorriqueña como la bomba, la plena y Danzas. Una de sus composiciones, Vieques si, ha sido incluido en el "Libro de Jazz Todo real" (música Sher), siendo el primer compositor de Puerto Rico joven para ser incluido en esa publicación. Su debut como productor en 1998, "De Puerto Rico al Mundo" con su banda Viento de Agua es una fusión de la tradicional Bomba y Plena, con una especia de Jazz y fue aclamado por el New York Times como uno de los 10 mejores grabaciones hechas en Nueva York en 1998. Su grabación más reciente, Ricardo Pons y Plena del Sol, producida por su propio sello, Musaboricua, fue en gran medida aclamada por el público.





Ricardo Pons y Causacomun – Segundapiel (2006)

Temas:
01.Eshu L'ona
02.El Lider
03.A Degree of Equilibrium
04.Scherzo
05.Sunrise in Hato Rey
06.Fantasia
07.Tesoros
08.Lo Cietro Que Es Lo Incierto
09.Blues For My Friends
10.Melanconico
11.El Sueno De Obatala

Musicos:
Ricardo Pons - Saxofon, flauta, percusión y compositor
Raúl Romero - Guitarra
Gabriel Rodríguez - Bajo
Efraín Martínez - Bateria
Paoli Mejías - Congas y percusión