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sábado, 31 de octubre de 2009

Claudia Acuña - Luna

Claudia Acuña (3 de julio de 1971, Santiago de Chile) es una cantante chilena de jazz considerada como la más exitosa artista del jazz chileno de todos los tiempos. Actualmente reside en Nueva York, Estados Unidos.

Se destaca principalmente por cantar jazz standards, baladas, y bossa nova, como también por desarrollar y dar a conocer el folclore de Chile en Estados Unidos y el mundo del jazz.Más información...

Bajando los estándares de jazz tradicional que tratan sobre los esfuerzos de sus dos Verve, cantante chilena Claudia Acuña revela una más contemporánea, R & B-infundido sonido latino en su debut Maxjazz. Fácilmente la mayoría de Acuña trabajo personal hasta la fecha, Luna, una vez más demuestra su inmenso don para el canto apasionado con delicadeza y arreglos interesantes. Aún utilizando el dulce, sensible teclado Fender Rhodes de juego de su colaborador habitual, Jason Lindner, Acuña canta más español en su tercer disco - sólo Lindner "Yesterday You and I" se canta en Inglés - y evita cualquier reales recta estilos de jazz para casi un enfoque de fusión. Esto no quiere decir que éste es el jazz-pop, pero las melodías delicadas llame a la mente 70 Airto Moreira y la de Al Jarreau mejor. Si bien hay pocas o ninguna las improvisaciones de jazz de plano - la mayoría de las pistas son menos de cinco minutos - la música sigue siendo compleja, leer y escribir, y sofisticadas armonías, con profundidad que debería atraer a los oyentes de jazz hardcore y los entusiastas de la música latina por igual. ~ Matt Collar, All Music Guide

Claudia Acuna - Luna (2004)

Temas:
01. Esta Tarde Vi Llover
02. Yesterday You and I
03. Tu, Mi Delirio
04. Arrimate Mi Amor
05. Historias
06. Chorado
07. A Meditation On Two Chords
08. Oceano
09. Yo No Llevo La Razon
10. Lilas
11. Carita de Luna

Musicos:
Claudia Acuña-Voz
Jason Lindner-Piano acústico y Fender Rhodes
John Benítez-Contrabajo y bajo eléctrico
Gene Jackson-Batería
Luisito Quintero-Percusión
Jimmy Greene-Saxo soprano

miércoles, 28 de octubre de 2009

Buika- El Último Trago Con Chucho Valdés



Chucho Valdés y Buika “El Ultimo Trago”

Inmenso talento, manos privilegiadas con dedos que superan una octava en extensión a la mayoría de los pianistas, van haciendo de Chucho Valdés una leyenda del jazz y de la música en general.

Buika, una de las más particulares intérpretes españolas del momento, y una verdadera revelación para los que consideraban que el flamenco no tenía ya demasiado que aportar a la canción española y al jazz.

Chucho y Buika han llegado a la excelencia de la música por caminos diferentes, pero signados por el origen africano de sus ancestros y por la pasión, la espontaneidad y lo impecable de la entrega. 

El pasado abril se reunieron en los estudios Abdala de Cuba para nuevamente de la mano de Javier Limón grabar un nuevo álbum que verá la luz el 20 de Octubre de este año.
El trabajo, que lleva por título “El Ultimo Trago” rinde tributo a Chavela Vargas en su 90 cumpleaños, y recoge el repertorio que la acompañó a lo largo de toda su carrera. “Las ciudades” “Las simples cosas” “Sombras” “Luz de Luna” son algunas de las canciones que Chavela paseó por los escenarios de todo el mundo.





 Buika: El Último Trago (Con la colaboración de Chucho Valdés) (2009)

Temas:
01. Soledad
02. Sombras
03. La ciudades
04. Cruz de olvido
05. El endariego
06. En el último trago
07. Se me hizo fácil
08. Un mundo raro
09. Las simples cosas
10. Somos
11. Luz de luna
12. Vámonos

Musicos:

Concha Buika-Voz
Chucho Valdés-Piano y Arreglos
Lazaro Rivero Alarcón-Contrabajo
Juan Carlos Rojas Catro-Batería
Yaroldy Abreu RoblesPercusión Latina y Percusión Menor
Javier Limón-Guitarra Flamenca
Carlos Sarduy-Trompeta

martes, 27 de octubre de 2009

Generoso (Tojo) Jimenez - Trombon Majadero



Generoso Jiménez nació el 17 de junio de 1917, en Cruces, cerca de la ciudad de Cienfuegos, cuna de notables músicos. Desde niño estudió música con su padre, y luego ingresó a la Banda Municipal tocando su instrumento, el trombón de vara. En su adolescencia formó parte de orquestas que recorrían la provincia villareña.  Siempre relata que aprendió a improvisar en el trombón obligado por las circunstancias, ya que en los grupos que integró no había trompetas y entonces él tenía que hacer las inspiraciones en los estribillos.
Un día partió rumbo a La Habana, con su inseparable trombón en el estuche. Entró en la Banda de Música de la Policía Nacional, y por supuesto, a orquestas de la capital. Una noche se vio frente a un atril de la excelente orquesta del cabaret Tropicana, bajo la batuta de Armando Romeu. Allí acompañó con su trombón de vara las voces de Frank Sinatra, Josephine Baker, Maurice Chevalier, Pedro Vargas, Cab Calloway, Nat King Cole, Miguelito Valdés, Tony Martín, Eartha  Kitt, Billy Daniels. La presencia en La Habana de grandes jazzistas norteamericanos provocó diversas jam sessions en los que figuró Generoso Jiménez.
En 1952 Bebo Valdés organiza una orquesta para lanzar el ritmo batanga, fusión del jazz con la música cubana. La orquesta se presentó en el programa dominical de HC Cadena Azul, con una nómina de lujo: Nilo Argudín, Alejandro «El Negro» Vivar, Dagoberto Jiménez, Alfredo «Chocolate» Armenteros y Pedro Rodríguez (trompetas); Generoso Jiménez, Miguel Reina y Alberto Martí (trombones); Víctor Martí (trompa); Roberto Sánchez, Cabito Quesada, Gustavo Más, Ñico Romero y Diego Loredo (saxos); Bebo Valdés (piano); Kike Hernández (contrabajo); Guillermo Barreto (batería); Rolando Alfonso y Arturo «Hueso» Linares (tumbadoras); Tinidad Torregrosa (tambores batá) y los cantantes El Indio Cruz y Ezequiel Cárdenas. Al poco tiempo se incorporó al batanga un cantante recién Ilegado de México: Bartolomé Moré, Benny.
Generoso Jíménez ha contado su encuentro con el genial cantor. El músico venía rumbo a RHC Cadena Azul en un ómnibus con su uniforme de la Policía, su traje en un perchero, y su inseparable trombón. Sentado frente a él estaba un mulato alto, delgado, con un saco largo, pantalones de tubo, lacito, y una argolla en la oreja. Y los pelos rizados, parados. El mulato se dirigió a él: - Oiga, compadre, usted y yo vamos para el mismo lugar. Generoso trató de quitarse de encima al personaje estrafalario. Y le contestó: -Compadre, déjeme tranquilo. Al llegar a la esquina de la emisora, el personaje bajó y entró. Ya formada la orquesta en el estudio, Bebo Valdés presentó al nuevo vocalista, el gran Benny Moré.
En 1953, Tojo Jiménez fue, junto a Chocolate Armenteros, el organizador de la legendaria Banda Gigante de Benny Moré. Todos eran villareños -de la provincia Las Villas-, de manera que la cosa quedó en familia. A partir de entonces, Generoso se convirtió en arreglista y director de la orquesta de Benny Moré, junto al cual estuvo siempre. Luego de la desaparición física del cantante, Tojo mantuvo durante un tiempo la orquesta, per o más tarde organizó otros proyectos, entre ellos grabar con una orquesta conformada por él. Gracias a esa iniciativa, podemos hoy disfrutar de estas piezas magistrales, con su Trombón majadero.
Paralelamente, Generoso ocupó una plaza en la orquesta de CMQ, luego Orquesta ICRT (Instituto Cubano de Radio y Televisión).
El presente volumen se conformó con dos sesiones de grabación de la orquesta de Generoso Jiménez, separadas por varios años. Una, de 1960 (temas 13-23 de esta edición) con un staff formado por Chocolate Armenteros, Armando Armenteros y Pedro Jiménez (trompetas); Generoso Jiménez, Antonio Linares, Luís «El Pibe» González y Modesto Echarte (trombones); Enemelio Jiménez, Homero Betancourt, Emilio Peñalver, Rolando Sánchez y Diego Loredo (saxos); Héctor Alejo (piano); Israel «Cachao» López (contrabajo ); Guillermo Barreto (batería); Oscar Valdés, Clemente «Chicho» Piquero y Armando Thomas (percusión).
Estos instrumentistas grabaron La múcura, de Toña Fuentes, un porro colombiano que Tojo llevó a la guaracha cubana con unos sabrosos «tumbaos» en los saxos y un magnífico solo de Chocolate Armenteros. A la bahía de Manzanillo, son de Ramón Cabrera inmortalizado en la voz de Benny Moré, en versión instrumental mambeada, con un mano a mano de trompeta, trombón y saxo; Cachita, la conocida rumba de Rafael Hernández, en arreglo muy elaborado, un poco en la onda de Chico O'Farrill, con un solo de timbal de Guillermo Barreto y otro de bongó, de Chicho Piquero; La bamba, con su ritmo veracruzano típico; la rumba Señorita Luna, versión libre con destaque de Piquero en el bongó; Come prima, canción i italiana llevada a chachachá habanero; Maracaibo oriental, clásico del repertorio de Benny Moré, muy fiel al arreglo original del propio Generoso; El tambor de la alegría, tamborito panameño; La bella cubana, la habanera de José White, puesta en chachachá-rumba, y Besitos de coco, el merengue de Ismael  Rivera, con toda la fuerza del folklore caribeño.
La segunda sesión de grabación, en 1965 (temas 1-12 de esta edición) contó con un nuevo staff, donde se repitieron algunos instrumentistas, pero entraron otros: José «El Fiñe» Gudín, Adalberto «Trompetica» Lara, Pedro Jiménez y Juan González (trompetas); Generoso Jiménez, Leopoldo «Pucho» Jiménez, Modesto Echarte, Luis «El Pibe» González y José Manuel Valdés Orovio (trombones); Celso Gómez, Juan Vázquez, Daniel Rojas, Narciso Espinosa y Armando Verdecia (saxos); Héctor Alejo (piano); Orlando « Papito» Hernández (contrabajo); Horacio González (batería); Filiberto Sánchez, René Estrada, Eduardo Vilches (percusión); Dúo Hermanos Bermúdez (voces) .
Se escucha inicialmente el Trombón majadero, famosa descarga compuesta por el maestro Jiménez y el pianista Rolando Baró. Sigue otra descarga de Generoso, Descarga solfeando, donde se intercala, graciosamente, una clase de solfeo en mitad de la descarga; Jaky Ky, otra descarga; La rosa roja, canción trovadoresca de Oscar Hernández en ritmo de chachachá con un solo de piano de Alejo; Las pilanderas, cumbia de José Barros; Y a no me quieres, bolero de María Greever, arreglado por Generoso, mezclando tiempo de chachachá con rumba; el  canto folklórico congo Garabato brinda al maestro villareño oportunidad para mostrar su inquietud creativa al mezclar el toque auténtico de los hierros y tambores congos con los  instrumentos orquestales; El torrente, canción i italiana llevada a mambo-cha; La vieja rosa, pieza original de Juana María González, convertida  en  descarga con swing muestra toda la sabrosura de la música cubana, terminando en solo de flauta charanguero; la conga Uno, dos y tres (qué paso más chévere), de Rafael Ortiz. Se siente como si se bailara, es decir «se arrollara» por El Prado en una comparsa del carnaval habanero. Se cierra el disco con dos descargas compuestas por el propio Generoso y con títulos de película de ciencia ficción, Llegaron del otro mundo y El contrabajo fantasma.
Una prueba del respeto que ha inspirado siempre Generoso Jiménez entre los mejores músicos de Cuba, contemporáneos suyos, es que todos lo acompañaron de modo entusiasta en sus proyectos discográficos y al mismo tiempo! una prueba mayor de la lucidez del trombonista al conformar estos discos es que a más de cuarenta años de su realización, aún dicen muchas cosas nuevas al oído de los melómanos y los músicos.
Todos los ejecutantes que figuran en estas grabaciones son de primerísima línea, pero indudablemente el hilo conductor, como instrumentista, como arreglista, como director, como compositor, como promotor, es el talento joven que, una tarde, sonó por primera vez de su trombón majadero en un baile de Cruces. Diversos géneros afloran en este CD, trabajados inteligentemente, aunque el plato fuerte está en las improvisaciones de piano, bajo, saxos, trompetas, percusión y trombones. Como para demostrar fehacientemente que el trombón es un instrumento que puede cantar y comunicar.
Generoso Jiménez ha señalado el camino a una serie de trombonistas jóvenes que han seguido su escuela. En primer lugar, su hija Regina Jiménez, Jesús Aguaje Ramos y Juan Pablo Torres... Después de su traslado a la ciudad de Miami, recientemente, Tojo ha seguido laborando en la vida musical. Ha grabado discos, luego de años de inactividad, ha vuelto a su labor como director de orquesta, ha hecho arreglos y ha animado con su carácter jovial, entusiasta y fraternal el mundo de la música, como ha hecho durante toda su fecunda vida.
Mi cercanía a Tojo viene desde mi niñez, ya que él fue colega y amigo entrañable de mi primo-hermano José Manuel Valdés Orovio, con quien hizo dúo en la Banda Gigante, y a quien incluyó en estas sesiones de grabación antológicas. Los festivales, jurados y programas que compartí con Generoso me hicieron patente, no sólo su calibre humano, si no el tremendo, profundo, completo conocimiento que tenía -tiene- de nuestra música cubana._ Helio Orovio (Musicólogo, poeta, músico. Autor del Diccionario de la música cubana (1981) entre otros libros especializados en el tema de la música popular hispanoamericana que han sido re-editados y traducidos en varios idiomas).

Generoso (Tojo) Jimenez. Falleció a los 90 años de edad en el Hospital de Miami de un paro renal el 15 de septiembre de 2007.





Generoso "Tojo" Jimenez - Trombon Majadero (2007)

Temas:
01. Trombón Majadero (Descarga)
02. Descarga Solfeando (Descarga)
03. Jaky Ky (Descarga)
04. La Rosa Roja (Chachachá)
05. Las Pilanderas (Descarga)
06. Ya No Me Quieres (Bolero)
07. Garabato (Descarga)
08. El Torrente (Mambo Chá)
09. La Vieja Rosa (Descarga)
10. Uno, Dos y Tres (Conga)
11. Llegaron del Otro Mundo (Descarga)
12. El Contrabajo Fantasma (Descarga)
13. La Múcura (Guaracha Porro)
14. A La Bahía de Manzanillo (Son Mambo)
15. Cachita (Rumba)
16. Sueño de Amor (Chachachá)
17. La Bamba (Bamba)
18. Señorita Luna (Rumba)
19. Come Prima (Chachachá)
20. Maracaibo Oriental (Son Montuño)
21. El Tambor de La Alegría (Tamborito)
22. La Bella Cubana (Chachachá)
23. Besitos de Coco (Merengue)

Musicos:
Generoso "El Tojo" Jiménez - Trombón, Dirección, Orquestación
Israel "Cachao" López - Bajo
Alfredo "Chocolate" Armenteros - Trompeta
Pedro Jiménez - Trompeta
El Negro Vivar - Trompeta
Armando Verdecia - Saxo 
Emilio Peñalver - Saxo 
Oscar Valdés - Percusión
Guillermo Barreto - Percussion
Orlando "Papito" Hernández - Percusión
Horacio Gonzalez - Batería
Hermanos Bermúdez - Voz

lunes, 26 de octubre de 2009

Nat King Cole-Canta En Español!


Nacido en Montgomery (Alabama), Nat King Cole, aprendió de su padre, un pastor protestante y fue destinado en 1921 a una parroquia de Chicago. Allí su madre dirigía el coro de la iglesia y Cole crecerá y se educará allí empezando desde niño a cantar y tocar el órgano en los servicios religiosos. En Chicago en los años treinta era fácil acercarse al jazz y de todos los pianistas que escuchaba, es Earl Hines quien se convierte en su admirado músico. La otra gran influencia musical de Nat King Cole, le viene de Teddy Wilson, que en aquellos momentos tocaba con el clarinetista, Benny Goodman.

Una vez casado y después de tocar en varios grupos locales, conoce al guitarrista, Oscar Moore y al contrabajista, Wesley Prince. Ambos les convence para formar un trío bajo una formula inédita hasta entonces - piano/guitarra/contrabajo- en el jazz y que haría historia en esta música. Bajo ese concepto musical nuevo, son contratados por el club "Swannee In" y en cuestión de meses es reclamado por la gran mayoría de clubes y locales importantes. En 1939 graban bajo el nombre de "King Cole's Swingsters" acompañando a la cantante Bonnie Lake y allí decide bautizar a su grupo definitivamente con el nombre que es conocido jazzisticamente en todo el mundo: "The Nat King Cole trío".


En 1940 acompañaran a Lionel Hampton, en dos de sus sesiones para RCA, actúan en dos de los mas famosos clubes de los Ángeles y New York y le ofrecen grabar en la emisora de radio NBC un programa que se emite de costa a costa en los Estados Unidos y la publicidad que ello le reporta es enorme. Tras un efímero paso por la compañía DECCA, donde en su primera sesión grabarán el imperecedero y exquisito, "Sweet Lorraine" firma contrato con el sello Capitol donde permanecería hasta su muerte y a partir de ahí graba con los mas grandes músicos de jazz de la época. Es destacable su aportación al primer concierto del JATP de Norman Granz en 1944 con Lester Young y en 1946, la revista especializada en jazz: "Metronome" lo elige pianista del año.

La última parte de su vida -desgraciadamente la mas conocida entre el publico- es un sesgo radical hacia la comercialidad y el espectáculo y abandona el piano y el jazz por formulas económicamente mas ventajosas. Es el periodo de sus canciones en español -Adelita es su paradigmática canción - y la ruptura con el jazz. Nat King Cole fallecerá de un cáncer de garganta el 15 de febrero de 1965 en un hospital de Santa Mónica, pero sus últimos años no empañan en absoluto su aportación histórica y estilística al piano de jazz.~apoloybaco.com

Nat King Cole-Canta En Español!

Temas:
01. Aquellos Ojos Verdes
02. Noche De Ronda
03. Cachito
04. Te Quiero Dijistes
05. Capullito De Aleli
06. Maria Elena
07. Acercate Más
08. El Bodeguero
09. Quizás, Quizás, Quizás
10. Adios Mariquita Linda
11. Piel Canela
12. Ansiedad
13. Las Mañanitas
14. Tres Palabras
15. Yo Vendo Unos Ojos Negros
16. Adelita
17. A Media Luz
18. Fantastico
19. Nadie Me Ama
20. Perfidia
21. No Me Platiques
22. La Feria De Las Flores
23. Solamente Una Vez
24. Arriverdeci Roma
25. La Golondrina
26. Ay, Cosita Linda
27. Las Chipanecas
28. Aqui Se Habla De Amor
29. El Choclo
30. Vaya Con Dios

domingo, 25 de octubre de 2009

Ñico Saquito - En la Bodeguita del Medio



Antonio Fernández, conocido internacionalmente como Ñico Saquito, nació el 17 de enero de 1902 en Santiago de Cuba. A una temprana edad, fue empleado como metal de fundición de los trabajadores. Cuando tenía 15 años se enteró de la guitarra por sí mismo y comenzó su carrera como trovador.

Alias Ñico Saquito vino de su habilidad como jugador de béisbol cuando, durante un partido, una de sus fans, comentó que Nico es un gran jardinero que nunca se perdía una bola, por lo que parecía haber un "saquito" ( "Saquito" ) en vez de un guante de béisbol en la mano.

Inicialmente, Ñico Saquito Cuarteto integrado de Castillo, en la década de 1940 se unió al grupo típico el Mozo de Guillermo Oriental y actuó en el cabaret Montmartre en exclusiva, en La Habana. Desde entonces ha actuado frecuentemente en la RHC Cadena Azul y Radio Cadena Suaritos estaciones de radio.

Entre 1950 y 1960, debido a razones políticas, Ñico Saquito se vio obligado a trasladarse a Venezuela. Después regresó a Cuba y continuó su trabajo creativo prolífico.

Ñico Saquito es el autor de piezas musicales como "Cuidaíto Compay Gallo", "María Cristina", "Al Vaivén de mi Carreta", "Jaleo", "Yo no escondo a mi abuelita" y "No dejes camino por vereda".

Se le considera el máximo representante del género guaracha, cuya estructura está relacionada con el hijo, y cuya característica principal es la prevalencia de situaciones divertidas puestas en música. Los textos de las canciones compuestas por Ñico Saquito son hilarantes y el recurso a un lenguaje de doble sentido y picaresca impregnados con el mejor humor nativo.

Muchas de sus canciones han estado presentes en los repertorios de grandes artistas cubanos como el "Ignacio Piñeiro" Septet, Benny Moré, Celia Cruz y Compay Segundo, así como en las de artistas extranjeros como Cheo Feliciano y Oscar D 'León. Las nuevas generaciones de músicos cubanos también se nutre de la fuente de trabajo creativo de Ñico Saquito, una práctica observada en los repertorios de NG La Banda y Adalberto y su Son, entre muchas otras orquestas importantes, que han interpretado algunas de sus composiciones.

Ñico Saquito, una cubana universal, murió el 4 de julio de 1982.

Ñico Saquito - En la Bodeguita del Medio (1993)

Temas:
01- Cuidadito Compay Gallo
02-María Cristina
03-La Negra Leonor
04-Yo No Escondo A Mi Abuelita
05-Volveré
06-Dale Tumba
07-Ya Que Estoy En Mi Cubita
08-A Mí Me Gusta El Chachachá
09-Te Escribiré Con Sangre
10-Qué Agradable
11-Los Que Son Y No Son
12-Queja
13-Choncholí Se Va Pa'L Monte
14-El Peluquero
15-Feliciano Ta Cansá

sábado, 24 de octubre de 2009

Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro-El Son de Altura


Fundada en La Habana por el bajista y vocalista Ignacio Piñeiro, nacido en 1927, Septeto Nacional De Ignacio Piñeiro han desempeñado un papel importante en la música de Cuba por más de siete décadas. Pioneros de Son, una mezcla rítmica de África y de la música cubana que se desarrolló en la salsa, el mambo y el jazz latino, el grupo era el grupo Son primeros en incorporar la trompeta como instrumento principal. Atraer el reconocimiento mundial con su actuación en la Exposición Universal de Sevilla en 1928, Septeto Nacional De Ignacio Piñeiro fueron, al parecer, la primera banda que hablar de "salsa" en una canción, "Echale Salsita", grabado en 1933. La canción, compuesta por Piñeiro, fue adaptada por George Gershwin para el tema de apertura de su "Cuban Overture". Desde la muerte de Piñeiro en 1968, tras 41 años al mando de la banda, Septeto Nacional De Ignacio Piñeiro ha sido dirigido por una serie de líderes. Guitarrista y compositor Rafael Ortiz, quien asumió el cargo después de la muerte de Piñeiro, legó a la posición que el cantante Carlos Embale en 1982. De dejar la banda debido a la enfermedad en 1998, el liderazgo Embale fue heredada por el guitarrista Richard Aymee Castro. Fiel a sus raíces musicales originales, Septeto Nacional De Ignacio Piñeiro seguir sirviendo a un baile-inspiradora mezcla de Montano, el merengue, el bolero, la rumba y el cha cha cha. ~ Craig Harris (allmusic)


Más información relacionada

ç

Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro - El Son de Altura (1998)

Temas:
01. Mayeya -No Juegues Con Los Santos (Son)
(I. Piñeiro)
02. Bardo (Bolero-son) (I. Piñeiro)
03. Lejana Campiña (Guajira-son) (I. Piñeiro)
04. Canta La Vueltabajera (Guajira-son) (I. Piñeiro)
05. Guanajo Relleno (Guaracha-son) (I. Piñeiro)
06. Esas No Son Cubanas (Son) (I. Piñeiro)
07. Suavecito (Son) (I. Piñeiro)
08. Alma Guajira (Guajira-son) (I. Piñeiro)
09. Castigador (Son) (I. Piñeiro)
10. Échale Salsita (Son-pregón) (I. Piñeiro)
11. EI Viandero (Son-pregón) (Ernesto Muñoz)
12. Son De La Loma (Son) (Miguel MGllamoros)
13. Trompeta Querida (Boleró-son) (Lózoro Herrera)
14. La Mujer De Antonio (Son) (Miguel Matamoros)
15. La Cachimba De San Juan (Son) (l. Plñeiro)
16. EI Alfiler (Son) (l. Plñeiro)
17. Noche De Conga (Son) (l. Plñeiro)
18. EI Paralitico (Son) (Miguel Matamoros)

miércoles, 21 de octubre de 2009

Paquito D'Rivera - Habanera


Nacido el 4 junio de 1948 en Marianao, La Habana (Cuba), el saxofonista y clarinetista Paquito D'Rivera ha balanceado una carrera en el jazz latino con las comisiones como compositor clásico y apariciones con orquestas sinfónicas. A la edad de seis años ya, Paquito joven tocaba el saxo soprano en un nivel profesional. A los 10 años actuó con la Orquesta Nacional de Teatro de La Habana, y luego empezó a estudiar en el Conservatorio de Música de La Habana y se convirtió en solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba a los 17 años. Fue co-fundador de la Orquesta Cubana de Música Moderna y fue director de la banda durante dos años. En 1973 se unió a ocho miembros de la orquesta para formar el grupo Irakere, la top-rated de los cubano-conjunto de jazz que recorrió todo el mundo. Mientras estaban de gira en España en 1981, D'Rivera desertó y se trasladó a la U. S. Tocó con Dizzy Gillespie, Mario Bauzá, el maestro Sinfónica Nacional, escribió composiciones para conjuntos de cámara y el Jazz en el Lincoln Center, se registraron 30 álbumes como líder y recibió varios premios Grammy.

"Habanera" D'Rivera se encuentra entre las obras más ambicioso hasta la fecha. Iniciado y producido por Daniel Schnyder (quien también escribió sus propias variaciones de Gershwin "I Got Rhythm" y "Obertura cubana" para la fecha), esta producción cuenta con Paquito, junto con Absolute Ensemble, una de las orquestas de cámara más audaces y prolíficos asociados con el estado de la-arte contemporáneo de música clásica, además de un percusionista excepcional (Mino Cinelu) y un trío de jazz bien. La presentación de composiciones como Paquito D'Rivera, Dizzy Gillespie, Duke Ellington y George Gershwin, estos acuerdos abren nuevas perspectivas sobre la música afro-cubana La incorporación de los conceptos elaborados para orquesta y de jazz. Este es un hito definitivo del año - no sólo para el área de jazz, sino también para las cepas clásicas y contemporáneas de Cuba.


Más información relacionada




Paquito D'Rivera - Habanera (2000)

Temas:
01. Afro
02. Habanera
03. Birks Works
04. Three Preludes: Allegro ben ritmato e deciso
05. Three Preludes: Andante com moto a poco rubato
06. Three Preludes: Allegro ben ritmato e deciso
07. Variations On 'I Got Rhythm' And 'Cuban Overture'
08. Alborada Y Son
09. Moon Dance #1
10. Wapango
11. Caravan
12. Vals Venezolano
13. Moon Dance #2
14. Lecuonerias

Musicos:
Paquito D'Rivera (Clarinete, saxo alto)
Absolute Ensemble, kristjan Jävi (Conductor)
Kenny Drew Jr. (Piano)
Michael Formanek (Bajo)
Clarence Penn (Batería)
Mino Cinelu (Percusión)
David Taylor (Trombón bajo)

lunes, 19 de octubre de 2009

Adriana Rios - Simply Bossa

Nació en Río de Janeiro, Brasil. Empezó sus estudios de música a la edad de once, tocando la flauta traversa. Se mudó a Nueva York, donde fue contratada por un sello independiente, Chesky Records, como vocalista, entrenadora vocal y asistente de producción para proyectos diversos que incluyeron a sus artistas brasileños, Ana Caram, Tom Jobim, Leandro Braga, Café, Romero Lubambo, Luis Bonfa y a otros como Herbie Mann y Paquito de Rivera. En 1991 Adriana se mudó a Buenos Aires, desarrollando su carrera musical durante los 90 y participando en grabaciones y actuaciones con numerosos músicos en Argentina, como Alejandro Santos, Agustin Pereyra Lucena, Ricardo Lew, Guillermo Reuter, Jorge Cutello, Alejandro Herrera, Ricardo Nole entre otros. También viajó a los Estados Unidos durante estos años en numerosas ocasiones para presentaciones y grabaciones con artistas como Alejandro Santos, Claudio Roditti, y Diego Urcola entre otros. Adriana grabó su primer proyecto solista en Río de Janeiro, Brasil, en febrero de 2001, "Simply Bossa", un tributo a la música de Antonio Carlos Jobim. ?Simply Bossa? fue editado por el sello MDR en el año 2005 y ternado para un Premio Gardel en el rubro Mejor Album/Artista Romantico Melodico 2005. Másinformación...


Adriana grabó su primer proyecto solista en Río de Janeiro, Brasil, en febrero de 2001. "Simply Bossa", un tributo a la música de Antonio Carlos Jobim, dónde ella grabó algunas de sus canciones famosas en portugués e inglés fue la mayor conexión con el lado "carioca" de sus raíces musicales. El proyecto cuenta con la participación de músicos brasileños importantes y artistas argentinos profundamente relacionados con la música de Brasil como Leandro Braga ( arreglos y piano), Joao Lyra ( guitarra), Jorge Helder ( contra-bajo), Carlos Balla (batería), Zero ( percusión), Zé Nogueira (saxo soprano), Alejandro Santos (arreglos y flautas) y Guillermo Reuter arreglos, piano, y voces). También se contó con la actuación estelar de uno de los más influyentes y queridos compositores de Brasil, Roberto Menescal, que agregó su guitarra eléctrica a dos tracks. Adriana presentó su proyecto en uno de los clubes mas conocidos de bossa nova en Rio de Janeiro, el Vinicius Bar de Ipanema.

Adriana Rios - Simply Bossa (2005)

Temas:
01. Casual Affair
02. Once I Loved
03. Dreamer
04. Bonita
05. Rio
06. Corcovado
07. So Danco Samba
08. That Look You Wear
09. Water To Drink
10. Tell Me When
11. Voce Vai Ver
12. Meditation
13. Amanda No Frevo

domingo, 18 de octubre de 2009

Steve Turre - Lotus Flower (1999)


Podría llamar a Lotus Flower un acto de relajación después del ejercicio extenuante del álbum de Steve Turre, ya que Turre reduce las fuerzas y los modismos a un sexteto más o menos recto y se concentra casi por completo en el trombón. Al hacerlo, reafirma su afirmación de ser una de las voces más destacadas del trombón de su época, convirtiéndose en un juego encantador en "The Fragrance of Love" y "Sposin '", y en algunos trabajos de ágiles extremadamente ágiles a toda velocidad. en "Blackfoot" - para citar dos extremos. Pero este sexteto no tiene línea frontal ordinaria; Turre comparte la atención con una violinista (Regina Carter) y una violoncelista (Akua Dixon), logrando así evitar deliberadamente el eje de la trompeta / saxofón. 
De vez en cuando, Turre también lanza un séptimo elemento, la percusión de Kimati Dinizulu o el gong de Don Conreaux, para agregar sabores exóticos y espirituales al menú. Carter obtiene mucho más tiempo de swing que Dixon en el álbum, de hecho, el antepasado espiritual de Carter parece ser Joe Venuti, mientras que Dixon es encasillado en el papel cálido y lírico que los violoncelistas suelen cumplir. Mulgrew Miller (piano, Buster Williams (bajo) y Lewis Nash (batería) forman la sección de ritmo sólidamente convencional que, sin embargo, a veces se le pide que haga cosas poco convencionales. Afortunadamente, hay suficientes texturas y peculiaridades descentradas en este álbum para sostener El yen de Turre para la aventura en los años 90, y en el "Shorty" rítmico de los Balcanes, los caracoles de Turre son bienvenidos si vuelvo el breve cameo. ~ Richard S. Ginell (allmusic)

Más información relacionada

 Steve Turre - Lotus Flower (1999)

Temas:
01. The Lotus Flower
02. Chairman of the Board
03. The Inflated Tear
04. The Organ Grinder
05. Passion for Peace
06. S'posin'
07. The Fragrance of Love
08. Blackfoot
09. Goodbye
10. Shorty

Musicos:
Steve Turre-Trombone, Arranger, Shells
Mulgrew Miller-Piano
Steve Turre-Trombone, Arranger, Main Performer, Shells
Buster Williams-Bass
Lewis Nash-Drums
Regina Carter-Violin
Kimati Dinizulu-Percussion, Djembe
Akua Dixon-Cello

sábado, 17 de octubre de 2009

The Very Best of El Alma de Lila Downs



El 28 de julio se publica en España el CD+DVD 'The Very Best of El Alma de Lila Downs', el primer recopilatorio de grandes éxitos de la emblemática artista mexicana. El CD contiene 18 canciones extraídas de lo mejor de los álbumes de estudio de Lila Downs y el DVD (que sólo aparece en las ediciones de España y México) contiene su concierto en el teatro Lope de Vega de Madrid. "Este disco contiene lo mejor de nosotros" ha dicho Lila Downs en alusión a su trabajo con Paul Cohen, su compañero musical y sentimental. "Son nuestras canciones favoritas que nos recuerdan a la vida y el camino por la música que hemos hecho".

"Logramos incluir las que más nos gustan, aunque durante los años hemos establecido una especie de conversación con el público que nos sigue y nos damos cuenta de lo que funciona y lo que no" continúa Lila Downs, a la que le costó dejar fuera algunas canciones, especialmente de su álbum 'La cantina' de 2006. "Fue un trabajo muy sentido y especial porque pasaba un momento muy difícil", admite la cantante refiriéndose a sus dificultades para ser madre. "Perdí las esperanzas porque pensaba que no era igual que las demás, me sentía menospreciada por la vida".

"Yo ya me voy porque los años pasan, pero viene en lugar mío
una señora llamada Lila Downs", dijo Chavela Vargas en su concierto de despedida en la ciudad de México. Nacida en Tlaxiaco (Oaxaca, México) en 1968, Lila Downs es uno de los grandes estímulos que ha dado la música en los últimos años. Basta con escuchar las canciones de 'The Very Best of El Alma de Lila Downs' para darse cuenta de que nos encontramos ante una artista emocionante y exaltada.



Más información relacionada

The Very Best of El Alma de Lila Downs (2008)

Temas-CD:
01 - La Cama de Piedra (La Cantina)
02 - Naila (La Sandunga)
03 - El Venadito (La Sandunga)
04 - Paloma Negra (One Blood)
05 - La Cucaracha (One Blood)
06 - La Llorona (Border)
07 - Agua de Rosas (La Cantina)
08 - Dignificada (One Blood)
09 - La Niña (Border)
10 - La Martiniana (Border)
11 - Arenita Azul (Tree of Life)
12 - La Cumbia del Mole (La Cantina)
13 - La Línea (Border)
14 - Cielo Rojo (One Blood)
15 - Tu Recuerdo y Yo (La Cantina)
16 - Un Poco Más (La Sandunga)
17 - Perhaps, Perhaps, Perhaps (Border and / or Tortilla Soup Soundtrack)
18 - Canción Mixteca (La Sandunga)

Musicos:
Lila Downs-Voz
Celso Duarte-Arpa, violin y jarana
Booker King-Bajo
Yayo-Bateria
Samuel Torres-Percussion
Rob Curto-Acodion
Paul Cohen-Saxo y clarinete
Juancho-Guitarra

miércoles, 14 de octubre de 2009

Djavan - A voz, o violão, a música de Djavan (1976)

Nueva edición con el nombre de Djavan-Flor De Lis

Djavan (27 de enero de 1949, Maceió, capital de Alagoas, Brasil) es un cantante de música popular brasileña que combina ritmos tradicionales de Sudamérica con música popular de África.

Nacido en una familia pobre del noreste de Brasil, Djavan formó el grupo Luz, Som, Dimensão (Luz, Sonido, Dimensión, que forman el acrónimo equívoco LSD) tocando covers de The Beatles. En 1973, Djavan emigró a Río de Janeiro y empezó cantando en clubes nocturnos. Después de competir en varios festivales, logró renombre y grabó el álbum A voz, o violão e a arte de Djavan en 1976. El álbum incluía la canción Flor de Lis, la cual se convirtió en uno de sus más grandes éxitos. Los álbumes que siguieron incluyeron sus otras influencias musicales, como la música africana. Los siguientes éxitos fueron Açaí, Samurai (en el que Stevie Wonder toca la armónica) y Sina. Más información...


Djavan - A voz, o violão, a música de Djavan (1976)

Temas:
01. Flor de Lis
02. Na Boca Do Beco
03. Maca Do Rosto
04. Pára-Raio
05. E Que Dues Ajude
06. Quantas Voltas Dá Meu Mundo
07. Maria das Mercedes
08. Muito Obrigado
09. Embola a Bola
10. Fato Consumado
11. Magia Listen
12. Ventos Do Norte

Musicos:
Djavan-Violáo
Edison-Teclado
Helinho-Guitarra
Luizáo-Bajo
Paulinho-Batería
Altamir Carrilho-Flaúta y flaútin
Marçal-Luna-Hermes-Ritmo

sábado, 10 de octubre de 2009

Orquesta America Del 55 - Los Marcianos


La Orquesta América alcanzó gran popularidad en Cuba en los años 1953 y 1954, en los que se dieron a conocer como 'los creadores del cha-cha-cha' . Una época en la que estaba integrada por su fundador Ninón Mondejar, director y cantante; Enrique Jorrín y Antonio Sánchez 'Musiquita' violínes; Juanito Ramos, fiauta; Alex Sosa, piano; Manuel Montejo 'Camagüey', contrabajo; Julio Salas, tumbado­ra; Augusto Barcia, timbal y Gustavo Tamayo, güiro.

Los continuos éxitos que tenían sus discos trascendieron también fuera de Cuba. En noviembre de 1954, por mediación de la bailarina cubana Ninón Sevilla, residente en México e introductora de Perez Prado unos años antes, la América fue contratada para actuar en la capital azteca. Una de las razones, se cuenta, que fue debida a que Pérez Prado dió a conocer el mambo en México y por esta razón se creyó que podría suceder lo mismo con el cha-cha­chá.

Antes de viajar a la capital mejicana y por divergencias profesionales el violinista y arreglista de la orquesta, Enrique Jorrín fue excluido de la orquesta por Ninón, ya que aquel se consideraba como único creador del nuevo ritmo, algo, que Ninón, como director de la orquesta, también reivindicaba. Jorrín fue reemplazado por Ignacio Berroa y agregándose también a Felix Reina que pasó a ser segundo violín.

Al mes de llegar a México, algunos de los miembros de la América encabezados por el fiautista Juanito Ramos decidieron regresar a Cuba, por discrepancias con Ninón. Ellos fueron, además de Ramos, 'Musiquita", 'Camagüey', Tamayo, Berroa y Salas. Una vez en La Habana, decidieron reorganizar la orquesta, y para ello contrataron al pianista del cabaret Sans Souci, Rubén González, al timbalero Pascualito Hernández y a los cantantes Tony Raimat y Cheo Junco, dandose a conocer con el nombre de Orquesta América del 55, para diferenciarla de la otra.

Con la América de Ninón Mondejar triunfando en México, su plaza en Cuba quedaba libre para la nueva formación, que bajo la dirección de Juanito Ramos seguiría con la linea de éxitos y el repertorio de la original, además de incorporar a su repertorio nuevas composiciones en su mayoría de su músico más prolífico: Antonio Sánchez 'Musiquita', que por su función de arreglis­ta resultó para esta formación tan importante como Jorrín lo fuera para la primera orquesta. Durante el tiempo que se man­tuvo unida la Orquesta América del 55, actuó en Venezuela y entre los cerca de 20 títulos que dejó grabados, hubo uno que particularmente consiguió gran éxito: 'Los rnarcienos". Un cha-cha-cha de Rosendo Ruiz, que todavía hoy se versiona y se escucha con mucha frecuencia.

En estas grabaciones realizadas por la Orquesta América del 55 en La Habana entre 1955 y 1957, podemos tener la oportunidad de poder escuchar doce solos de piano de Rubén González (1, 2, 4, 6, 7, 8, la, 12, 14, 15, 18 Y 20) en lo que puede considerarse un documento ignorado hasta el momento, por estudiosos y especialistas del tema, que repetidas veces hicieron referencia a sus dudosas grabaciones con el conjunto de Arsenio Rodríguez. Tumbao Cuban Classics, consecuente con su linea de trabajo, ha rescatado estas grabaciones del olvido y tiene el gusto de ponerlas a disposición de las nuevas generaciones, que hoy aplauden al legendario pianista, a sus 81 años de edad.~ Jordi Pujol


Orquesta America Del 55 - Los Marcianos (2000)
Grabado en la Habana 1955-1957

Temas:
01-Bilongo (cha cha cha)
02-Cha Cha Cha De Los Inocentes El (cha cha cha)
03-Marcianos Los (cha cha cha)
04-Cayetana (montuno cha)
05-Vivo El (cha cha cha)
06-Dejate Querer (cha cha cha)
07-Cha Cha Cha Del Transito (cha cha cha)
08-Flojo 'E Pierna (cha cha cha)
09-Abuglubu Abugluba (cha cha cha)
10-Todos Bailan Mi Cha Cha Cha (cha cha cha)
11-Subes Y Baja El Telon (cha cha cha)
12-A Ti Te Quiero (Cha Cha Cha)
13-Clases De Cha Cha Cha (cha cha cha)
14-No Te Quedes Mirando (cha cha cha)
15-Me Gusta El Cha Cha Cha (cha cha cha)
16-Vamos Para El Baile (cha cha cha)
17-Basura La (cha cha cha)
18-Poco Pelo (cha cha cha)
19-Cha Cha Cha En Swing (cha cha cha)
20-Matanceras Son Las (cha cha cha)

Musicos:
Rubén González - Piano
Juanito Ramos - Flauta
Antonio Sánchez "Musiquita" - Violín
Ignacio Berroa - Violín
Manuel Montejo "Camagüey" - Contrabajo
Pascualito Hernández - Timbales
Gustavo Tamayo - Güiro
Julio Salas - Tumbadora
Tony Raimat - Voz
"Cheo" Junco - Voz y claves

jueves, 8 de octubre de 2009

Harvie S & Eye Contact - New Beginning

En 2001, Harvie Swartz, empezó a ir por Harvie S, que fue algo así como Sheila Escovedo, pasando por Sheila E., o Jennifer Lopez llamándose a sí misma J-Lo. El bajista acústico hizo porque estaba harto de la gente mal escrita su apellido; Swartz pensó que si la gente no podía recordar la ortografía correcta de su apellido, no haría más que ir por Harvie S. registrado en 2001, New Beginning fue la primera Swartz álbum que salió después de que el cambio de nombre. Este CD se encuentra la excelente improvisador al frente de su banda, Contacto con los ojos, un sexteto de cuernos que emplea Bruce Arnold en la guitarra, Daniel Kelly en piano acústico, Gregor Hubnor en violín, Adam Weber en la batería, y Renato Thoms en la percusión. El material es esencialmente post-bop con una fuerte influencia afro cubano y sugerencias de vez en cuando de música de cámara europea - en general, más recta que la fusión y más acústico que eléctrico, aunque los solos de guitarra eléctrica de Arnold traen algunas pistas en el reino de la fusión. Las influencias de música clásica son definitivamente sutil - nada tan abiertamente mentalidad clásica como el Cuarteto de Jazz Moderno o Gunther Schuller - pero ahí están, no obstante. Aunque nuevo comienzo, no es innovador, las canciones (la mayoría de ellos originales Swartz) siguen siendo bastante fresco sonido. Nuevo comienzo, no es un álbum de los clichés de la balanza de pagos, y los músicos Swartz no pasan todo su tiempo tratando de demostrar la rapidez con que pueden desempeñar "Giant Steps" y "Oleo". La mayoría de las veces, los solistas son líricos y relativamente accesible; esto es cierto de los miembros de Contacto con los ojos, así como invitados, que son el trompetista Ray Vega y el influyente saxofonista tenor Michael Brecker. Ya sea que usted le llaman Harvie S o aún pensar en él como Harvie Swartz, New Beginning es un disco que el bajista debe estar orgulloso de. ~ Alex Henderson, All Music Guide

Harvie S & Eye Contact - New Beginning (2001)

Temas:
01-New Beginning
02-En la Batalla
03-Chump Change
04-Luna Romantica
05-African Heartbeat
06-A Bright Moment
07-From the Ashes
08-Tres Mundos
09-Mothership

Musicos:
Harvie Swartz (Bass)
Daniel Kelly (Piano)
Michael Brecker (Sax (Tenor)
Bruce Arnold (Guitar)
Haru Takauchi (Guitar)
Gregor Hubnor (Violin)
Renato Thoms (Percussion)
Ray Vega (Trumpet)
Adam Weber (Drums)

martes, 6 de octubre de 2009

Oscar Castro Neves-More than yesterday




Oscar Castro-Neves virtuosismo en todas las áreas de expresión musical han llevado a los nativos de Río en una carrera de múltiples facetas que ha incluido como una de las fuerzas de la fundación de los primeros años 60 el movimiento bossa nova, así como a un jugador, escritor, arreglista o productor para algunos de los mejores artistas del pop y el jazz en los últimos 30 años (Barbra Streisand, Ella Fitzgerald) y un compositor y orquestador de cine y televisión. Su álbum JVC tercio más que ayer es tan diverso y dinámico como el propio artista, trece canciones sólidos dedicado a su esposa y el empleo de su marca registrada acústica así como un Midi nylong guitarra eléctrica fuerte. La energía contagiosa de la canción (que puede recordar a los oyentes de "Zorba el griego") y la percusión más estrecha "Oh What a Sight", lo encuentra soltando, alcanzando una cantidad asombrosa de notas. En medio de estos intensos momentos, Castro-Neves se instala en un modo cómodo de Brasil que pone de manifiesto su estilo de cadena de líquidos. Las pistas de apertura, "Travesura Amantes", "Felicia y Bianca" y "My Heart Knows" mostrar este lado fresco pero juguetón de su personalidad. Normalmente, estas canciones comienzan con calma, a continuación, crear fuerzas antes de las secciones de percusión picantes de Luis Conte patada en conjunto y las piezas hacia el cielo de Brasil. ~ Jonathan Widran, All Music Guide


Mas información relacionada

Oscar Castro Neves-More than yesterday (1991)

Temas:
01-Playful Lovers
02-Felicia and Bianca
03-My Heart Knows
04-More Than Yesterday
05-Te Gosto Tanto
06-Unconditional Love
07-Lady in Purple
08-Impossible Goodbye
09-Always New
10-My Sweet Sweetie Pie
11-Ponto de Encontro
12-Just Hold On
13-Oh What a Sight

Musicos:
Oscar Castro-Synthesizer, Conductor, Vocals, Producer, Cavaquinho, Vocals (Background), Guitar (Electric), Guitar (Acoustic), Arranger
Gilson Peranzzetta-Piano, Fender Rhodes
Jamil Joanes-Bass (Electric)
Glenn Garrett-Flute, Sax (Soprano), Flute (Bass), Piccolo, Sax (Alto)
Ray Kelly-Cello
Luis Conte-Percussion
Jose Lima-Percussion
Teo Lima-Drums
Ubirajara de Souza-Percussion
Iko Castro-Neves-Vocals (Background)
Sonia Ferreira-Vocals (Background)
Carlos Villela-Vocals (Background)
Kate Markowitz-Vocals
Ivan Lins-Vocals

Roberto Fonseca - Akokan


Roberto Fonseca publica “Akokan” (Enja Records) un disco muy esperado tras su último lanzamiento “Zamazu”, que fue aclamado con gran entusiasmo entre el publico y que lo ha consolidado como compositor e interprete a nivel internacional.
“Akokan” (corazón en Yoruba) ha sido grabado a finales del 2008 en La Habana (Cuba), en los estudios Egrem, el formato escogido es un cuarteto compuesto por sus músicos de siempre, los que le acompañan desde ya más de doce años. El repertorio de este nuevo trabajo es una selección de composiciones, inspiradas en todas sus vivencias y experiencias personales y está especialmente dedicado a aquellos personas que han
influido en su vida y en su formación como músico.

El espíritu de “Akokan” es trasladar la fuerza y la magia del directo que lo caracteriza a un disco de estudio. Grabado en tan solo cuatro días, la libertad creativa de los músicos y la química que existe entre ellos al interpretar las nuevas composiciones de Roberto nos transporta a través de sus notas a otros países y culturas como si de una película se tratara. Su labor como productor nos permite saborear su forma tan única y personal de hacernos sentir la música. “Akokan” nos muestra el propio corazón de Roberto, donde laten unos solos increíbles
y se crea una atmosfera de sentimiento en estado puro. “Akokan Tour 2009” nos trae este nuevo trabajo y como ya ha demostrado en los mejores escenarios del mundo, una vez mas, nos derrochará pasión con su directo.


Mas información relacionada




Roberto Fonseca - Akokan (2009)

Temas:
01. Fragmento De Misa
02. Lo Que Me Hace Vivir
03. Drume Negrita
04. Siete Potencias (Bu Kantu)
05. Bulgarian
06. Cuando Uno Crece
07. Lento Y Despacio
08. Como En Las Peliculas
09. Pequeños Viajes
10. La Flor Que No Cuide
11. El Ritmo De Tus Hombros
12. Everyone Deserves A Second Chance
13. Cuando Una Madre Llama A Su Hijo


Musicos:
Roberto Fonseca - Piano
Javier Zalba - Saxos, clarinete y flauta
Omar Gonzalez - Contrabajo
Joel Hierrezuelo - Percusión
Ramses Rodriguez - Batería

domingo, 4 de octubre de 2009

Gracias por todo Mercedes Sosa

La Negra, la cantante folklorista de América Latina por excelencia, Mercedes Sosa, ha fallecido hoy domingo en una clínica de Buenos Aires, a los 74 años, víctima de una enfermedad hepática. Miles de seguidores en América Latina y en España (donde estuvo exiliada cuatro años durante la dictadura militar argentina) cantaron con ella su extraordinaria interpretación de Alfonsina y el mar, y otras zambas, chacareras, milongas y tonadas que popularizaron en los años 70 y 80 el folklore latinoamericano en todo el mundo y la convirtieron en una de las mejores y más famosas intérpretes del continente.


Mercedes Sosa (San Miguel de Tucumán, 9 de julio de 1935 – Buenos Aires, 4 de octubre de 2009) conocida en su país cariñosamente como La Negra Sosa, fue una cantante de música folclórica y típica argentina reconocida en América Latina y Europa. Considerada como
una de las principales cantantes de Argentina y una de las exponentes de la denominada nueva canción latinoamericana. Incursionó en otros géneros musicales como el tango, el rock y el pop, entre otros.
Entre las canciones con las que se ha destacado en el cancionero latinomericano se encuentran Canción con todos, Alfonsina y el mar, Gracias a la vida, La maza y Duerme negrito. Entre sus discos se destacaron Canciones con fundamento (1965), Yo no canto por cantar (1966), Mujeres argentinas (1969), Homenaje a Violeta Parra (1971), Cantata Sudamericana (1972), Mercedes Sosa interpreta a Atahualpa Yupanqui (1977), Mercedes Sosa en Argentina (1982), Alta fidelidad
(1997).~wikipedia.org

Sunlightsquare - Urban Latin Soul

Como la idea del pianista italiano Claudio Passavanti, Sunlightsquare lanzó su primer álbum, las sesiones de Urban en 2006 en su auto - titulado discográfica.
Tres años más tarde regresan con un nuevo lanzamiento, Urban Latin Soul, un 11 track CD lleno de eclecticismo, el sol contemporánea, conmovedora - melodías empapado.
El álbum inmediatamente se quita con una invitación espontánea en el mundo Sunlightsquare despreocupado con la melodía contagiosa reggaeton Gengere, que actúa como el aperitivo ideal para la samba uptempo Amuyada común (que comienza con una intro que me recuerda un poco de La Sergio Méndez Fanfara) , que es adicional aparece en el disco con dos remixes de bonificación.
Otra composición notable, que ha estado lanzando ojos a lo alto de la escena, se puede encontrar en el clásico de Stevie Wonder Pastime Paradise, que ahora reciben un 'latin - jazz "capa y está decorada con la voz de Z - Estrella. Una vez más, tener "las bolas" para rediseñar una canción de esta reputación, se muestra mucho valor y demuestra la creencia y la determinación de una banda que es consciente de sus capacidades. Fantastic work!
Con Urban Latin Soul, Sunlightsquare definitivamente listo para reclamar su posición en la escena jazzística de Londres, ya que entrega una original colección de temas, con maestría el alma de fusión latina, jazz, funk, reggaeton y salsa.
Una alternancia muy bienvenida y un álbum que respira la inventiva y la artesanía ... y tal vez incluso más importante ... que me hace sentir alegre y feliz.
El 9 de febrero de 2009, Sunlightsquare estarán presentando su álbum en el Jazz Café de Londres ... Estoy seguro de que habrá un montón de 'botín - Shakin' por allá. Altamente recomendado.

Sunlightsquare - Urban Latin Soul

temas:
01- Gengere
02- Amuyada
03- As The Best Goes On
04- Faya
05- Pastime Paradise
06- Relax
07- It Makes Sense
08- Three Degrees Of Separation
09- Giving Me Love
10- Amuyada Mustafa Sol Do Brasil Mix
11- Amuyada Louisbsole Mix

Musicos:
Claudio Passavanti - Piano
Steve Gadd - Drums
Will Lee - Bass
Sharlene Hector - Vocals
Z-Star - Vocals
Tasita D'Mour - Vocals
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
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De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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