Lee Konitz - Brazilian Serenade

Lee Konitz (Chicago, 1927-New York 2020) fue uno de los discípulos mejor dotados técnicamente surgidos de la escuela del gran pianista, Lennie Tristano. Gran improvisador, perfeccionista puro, creativo y versátil con su saxo alto, Konitz comenzó su carrera profesional en 1945 con la banda Teddy Powell como reemplazo de Charlie Ventura. Un mes después, la banda se separó, y Benny Goodman le ofreció un puesto en la suya que Konitz rechazó. Era cuestión de tener libertad para crear y no someterse al corsé de una gran orquesta. Ese mismo año decidió enrolarse en el grupo del clarinetista Jerry Wald. En 1946, conoció al pianista Lennie Tristano, y ambos trabajaron juntos en un pequeño bar de cócteles.
Participó en la banda de Miles Davis en septiembre durante 1948 y 1949, y fruto de esa colaboración, fue la legendaria grabación en noneto del disco «Birth of The Cool», álbum totémico no solo en la carrera de Miles Davis, sino en la propia historia del jazz. En los años cincuenta, otra asociación musical importante marcó la carrera de Lee Konitz; conoció al pianista, Warne Marsh y junto a él, logró algunos de sus mejores discos. En 1952, se enroló en la orquesta del excelente arreglista y compositor, Stan Kenton, con quien estuvo hasta 1954, y partir de ese año año desarrolló su carrera como líder en solitario. A lo largo de su dilatada carrera ha tocado con tal nómima de músicos y de tal variedad estilística que su relación sería imposible en este espacio. Por citar algunos: Charles Mingus, Miles Davis, Bill Evans, Paul Bley, Joe Henderson, Elvin Jones, Ornette Coleman, Chick Corea, Jim Hall, Stan Kenton, Gil Evans, Martial Solal, Atilla Zoller, Max Roach, Dave Brubeck, Kenny Weeler, Stefano Bollani, Kenny Werner o John Zorn. Músicos de diferentes estéticas, proyectos variados desde dúo a noneto, pero también músicos jóvenes, muy jóvenes.
En 1954, inicia con el álbum «Very Cool» para el sello Verve, un espectacular comienzo discográfico con músicos todos ellos adscritos a la escuela de Tristano: el trompetista, Don Ferrara; el pianista, Sal Mosca; el contrabajista, Peter Ind, y el baterista, Shadow Wilson. Desde entonces la carrera de Lee Konitz, continua a pesar de su veteranía, en todo lo alto del escenario jazzistico. Konitz ha grabado o actuado con, Dave Brubeck, Ornette Coleman, Charles Mingus, Jim Hall, Gerry Mulligan, Elvin Jones, y varios otros músicos extraordinarios. Lee Konitz contribuyó a la banda sonora de la película Desperate Characters (1971), y en 1981, actuó en el Woodstock Jazz Festival, que se celebró en celebración del décimo aniversario del Creative Music Studio.

Sus últimas grabaciones fueron en trío con Brad Mehldau y Charlie Haden, editadas por Blue Note, así como un álbum en vivo grabado en 2009 en el Birdland y lanzado por ECM en 2011 con la misma agrupación con la adición del batería Paul Motian. Su álbum con Grace Kelly «Gracefullee», fue calificado de 4 1/2 estrellas por Michael Jackson en la revista Down Beat. En 2012 grabó en el Blue Note de New York un magnífico álbum en colaboración con Bill Frisell, Gary Peacock y Joey Baron, y todavía con 87 años, en 2014, tuvo fuerzas, despues de haber superado un proceso cardiaco, de tocó tres noches en el Café Stritch en San José, California con el trío de Jeff Denson, improvisando los viejos estándares que son sus preferidos. Su discografía es abrumaduramte extensa y de una calidad y variedad extraordinaria. A los más de 100 discos grabados como líder de sus grupos entre 1949 y 2007, con alguna que otra obra maestra entre ellas, hay que añadir casi una veintena más como sideman de otros músicos.
Lee Konitz madura y se torna más audaz y experimental en los últimos años de su carrera profesional. Acepta el desafío de los músicos que venían empujando fuerte en el s. XXI, y toca en estudio con músicos de otras estéticas como John Zorn, Atilla Zoller o el guitarrista Dereck Bailey; publica álbumes de jazz contemporáneo y de vanguardia en discográficas afines como hatART, Soul Note, Omnitone o ECM.
Lee Konitz estuvo por Sevilla en varias ocasiones, en la primera de ellas tuve la fortuna de saludarle personalmente con mi amigo Vicente Sanchís en su camerino del Teatro Gutiérrez de Alba de Alcalá de Guadaíra. Era la noche del jueves 13 de noviembre de 1997 y llovía a mares en la capital de Andalucía. Se celebraba la 8ª edición del Festival de Jazz de la Provincia, que todavía hoy, aunque parezca increíble, organiza la Diputación de Sevilla. Lee Konitz tenía tres conciertos programados en Sevilla, el primero en Alcalá de Guadaira, —cartel de la derecha—, el viernes 13 en Valencina de la Concepción, y el sábado 14 en el pub BBdero de Marchena.
Entre la adversa climatología, y que era jueves, el teatro estaba semivacío —se vendieron poco más de 30 entradas, en una sala con cerca de 500 butacas—y el aspecto era desolador. Para colmo de males hubo problemas con el equipo de sonido que se mojó en con la lluvia y el concierto se retrasó algo más de media hora, así que algunos de los que allí estaban abandonaron la sala. Quedamos un grupo muy reducido de personas, entre ellas Manolo Grosso, el Director por entonces de la programación del Festival de Jazz en la provincia, al que también saludamos. Lee Konitz y Don Friedman salieron al escenario y rápidamente se percataron de que habíamos “cuatro gatos” allí dentro. Pero no les importó. Empezaron a tocar como si estuviesen en el mismísimo Carnegie Hall y fue un concierto memorable. Nos regaló incluso tres «bises» extraordinarios.
Años más tarde, entre el 17 y el 22 de marzo de 2002, Lee konit volvió a Sevilla para participar en

el profesorado en el IV Seminario de Jazz y Flamenco que organizaba el Teatro Central de Sevilla en su ciclo de «Jazz viene del Sur», bajo la dirección musical y artística de Manuel Ignacio Ferrand. Junto a Lee Konitz, formaron el profesorado del seminario los siguientes músicos: Pedro Sierra, guitarra flamenca; Sheila Jordan, voz; Jorge Pardo, saxo y flauta; Mark Turner, saxo tenor; Chris Kase, trompeta; Israel Galván, baile; Philip Catherine, guitarra; Ethan Iverson, piano; Reid Anderson, bajo; Rubem Dantas, percusión; Carlos Martín, trombón y Jef Ballard, batería. Se hicieorn asimismo las siguinetes «masterclass» de Lee Konitz, (saxo alto); Paul Bley, (piano); Enrico Rava, (trompeta); Juan Manuel Cañizares, (guitarra) y Miroslav Vitous, (contrabajo). Todo un gran elenco de músicos extraordinarios.
La tercera, y última vez, que Lee Konitz vino a Sevilla fue el 15 de noviembre de 2013, ya con 85 años, para actuar a dúo con el pianista, Dan Tepfer, dúo. Fue en el ciclo «jazz en Noviembre», también en el Teatro Central.

Hoy estamos contando que la maldita pandemia del Covid-19, se lo ha llevado por delante a los 92 años el 15 de abril de 2020. Con él se va una de las figuras claves del jazz moderno, un instrumentista extraordinario, un compositor y creador excepcional, y sobre todo, un ser humano increible para los que tuvimos la fortuna de conocerles._(apoloybaco)

Lee Konitz ha sido durante mucho tiempo un músico de jazz versátil, adaptable a muchos estilos diferentes. Esta sesión con sabor brasileño es una de las dos que el saxofonista alto grabó a mediados de los 90 para Venus; sus compañeros de sesión son el trompetista Tom Harrell, el guitarrista Romero Lubambo, el pianista David Kikoski (que se dedica sobre todo al piano eléctrico), el bajista David Fink, el batería Duduka Da Fonseca y el percusionista Waltinho Anastácio. Como era de esperar, el sonido ligero de Konitz funciona bien con los favoritos brasileños que interpretan, siendo Harrell un papel especialmente inspirado para el líder. Las obras de Antonio Carlos Jobim están bien representadas, incluyendo las alegres tomas de "Favela" y "Wave". La lírica "September" de Harrell (en la que se luce con un buen solo de sordina) y la "Brazilian Serenade" de Konitz también encajan muy bien en el ambiente de este relajante CD. Merece la pena investigar este gratificante _Ken Dryden (allmusic)

                                                                          

                                                                                           

Lee Konitz - Brazilian Serenade (1996)

Temas:

01. Favela (A. C. Jobim)

02. Once I Loved (A. C. Jobim) 

03. Recado Bossa Nova (D. Ferreira)

04. September (T. Harrel)

05. Dindi (A. C. Jobim)

06. Wave (A. C. Jobim)

07. Meditation (A. C. Jobim) 

08. Brazilian Serenade (L. Konitz)

Musicos:

Lee Konitz (Saxo alto)

Tom Harrell (Trompeta)

Romero Lubambo (Guitarra)

David Kikoski (Piano)

David Finck (Bajo)

Duduka Dafonseca (Batería)

Waltinho Anastacio (Percusiones)

Grabado en Sear Sound Recording Studio los días 20, 21 y 22 de marzo. 1996 en Nueva York

Walter Wanderley - Talkin' Verve

Walter Wanderley era un organista talentoso y dotado de un agudo oído para las nuevas armonías. Con 46 álbumes grabados en solitario en toda su carrera, tanto en Brasil como en Estados Unidos, alcanzó el número 26 en las listas de pop de Billboard en septiembre de 1966, abriendo una gran vía de éxito sólo amenazada por él mismo y su complejo carácter. Diez años después de su muerte por cáncer, con la llegada de una nueva moda, la industria del entretenimiento lo rebautizó como acto de salón, aumentando aún más sus ventas de discos y disparando el coste de sus álbumes descatalogados, pero todo ello a costa de minimizar su importancia. Se olvida que el paso del tiempo jugó en su contra y que lo que hoy es música lounge era entonces innovador y revolucionario. Con todos esos fans de las divas de la samba-canção sintiéndose personalmente insultados por esos ritmos percusivos que recuerdan una tradición negra brasileña que no era querida por el brasileño medio, hay que subrayar que el movimiento de la bossa nova, y Wanderley con él, tuvo el papel de afirmar la identidad brasileña en una industria cultural más amplia desarrollada a partir de raíces folclóricas. De hecho, también tiene un estilo de producción optimista, lleno de la energía que le proporciona su característico estilo de tartamudeo staccato, que recuerda inmediatamente a los auténticos elementos rítmicos y percusivos brasileños. También improvisaba extensos solos melódicos sin licks recalentados, pero éstos también quedaron fuera de sus álbumes más populares.

A los cinco años ya tocaba el piano. A los 12, cursó un año de teoría en el Liceo de Artes, y más tarde estudió armonía y arreglos. Comenzó su carrera profesional en Recife, una ciudad muy animada y con una vibrante escena cultural, donde trabajaba todas las noches al piano o al órgano. A los 26 años, en 1958, se trasladó a São Paulo e inmediatamente se convirtió en un músico activo en clubes nocturnos como The Claridge, The Captain's Bar y Oásis. La primera grabación de Wanderley fue en agosto de 1959 para Odeon, con "Lobo Bobo" de Carlos Lyra. Acompañando a su esposa, la cantante brasileña Isaurinha Garcia, grabó por segunda vez un mes más tarde. Actuó como acompañante y arreglista de Garcia, y grabaría seis LP más acompañándola, y otros 19 álbumes en solitario en Brasil para varios sellos; quedó fuera de algunos de los créditos debido a su contrato con Philips. Wanderley se dio a conocer en la escena artística por grabar a jóvenes artistas como Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato y otros, hasta entonces sin esperanzas de tocar más allá de los pequeños clubes nocturnos donde actuaban cada noche. Pero como las melodías y los arreglos eran divertidos para bailar, los álbumes se vendían muy bien. João Gilberto, de 1961 (reeditado posteriormente como O Mito en Brasil y como The Legendary João Gilberto en EE.UU. en 1990 por World Pacific), también contaba con Walter. Un impaciente Wanderley se doblegó entonces bajo la opresiva y meticulosa dirección de Gilberto. Fue el tercer álbum que Gilberto grabó para Odeon y sería el último. Hasta entonces, Gilberto contaba con Tom Jobim como pianista y Aluísio de Oliveira como productor. A pesar de sus frecuentes discusiones con de Oliveira, el productor era la persona que mediaba en la dura relación de Gilberto con Jobim. Pero de Oliveira había dejado Odeon el septiembre anterior, y Jobim no quería ser programado para esa grabación. Gilberto, que no sabía escribir música, insistía en expresar su visión musical de los arreglos generales cantando, y eso no sólo incluía los tonos en sí, sino su expresión, timbre y articulación. Esto volvía loco a Wanderley, especialmente con cierto efecto de sonido de la sirena de un barco para "O Barquinho" ("Barquito"), nunca era lo bastante bueno para Gilberto. Al día siguiente, Gilberto interrumpió la grabación de aquel álbum, que sólo reanudó cinco meses después con Jobim como director musical. Wanderley siguió con su carrera y su vida, iniciando una asociación con la cantante Claudette Soares en 1963 como arreglista y acompañante. 

También grabó para varios cantantes brasileños de renombre en aquella época, entre ellos Dóris Monteiro y Geraldo Vandré. Fue entonces cuando Tony Bennett vio a Wanderley durante una gira brasileña y quedó prendado de su forma de tocar. Instó a Wanderley a trasladarse a EE.UU. y, él mismo habló de él al productor de Verve Records Creed Taylor, regalándole también algunos discos de Wanderley. Tras insistir, Taylor envió contratos para que Wanderley y su trío grabaran un sencillo. En 1966, grabaron "Samba de Verão" ("Samba de verano"), de los hermanos Marcos y Paulo Sérgio Valle. Fue un éxito inmediato, y las emisoras de radio la ponían cuatro o cinco veces por hora. Ese mismo año salió el LP Rain Forest, que también se vendió muy bien y obtuvo el certificado de platino en dos años. El trío acompañó a Astrud Gilberto en su álbum Una cierta sonrisa, una cierta tristeza, también en 1966. Hasta el año siguiente grabaría otros seis LPs o singles en solitario para Verve, y diez más en su carrera en EE.UU. Sus discos siempre se vendieron bien, y tenía una agenda repleta de actuaciones, en la que las presentaciones locales en el área de San Francisco se intercalaban con algunas giras a México. Nunca regresó a Brasil después de mudarse a EE.UU. y seguía viviendo allí cuando murió en 1986._Alvaro Neder (allmusic)

Posiblemente porque le gustaban los arreglos orquestados con ritmos de bossa nova, el organista Walter Wanderley nunca recibió mucha atención cuando grababa en los años sesenta. Sin embargo, en su afán por sacar a la luz grabaciones "lounge" olvidadas, Verve se topó con sus discos y decidió que merecía la pena reeditar su jazz latino exagerado y a veces extravagante. De sus tres álbumes para Verve recopilaron 16 pistas, seleccionando lo más destacado, como "Popcorn", "Agua de Beber", "The Girl from Ipanema", "Summer Samba", "Wave", "Beach Samba" y "Music to Watch Girls By". Es un buen resumen de sus años en Verve, con los mejores temas de sus desiguales álbumes. Sin duda hay mejores lugares para escuchar bossa nova, incluso jazz latino orientado al pop, pero todavía hay algunos buenos momentos en Talkin' Verve, especialmente si prefieres la cursilería a la calidad._Stephen Thomas Erlewine (allmusic)  

                                                                                  

                                                                                 

Walter Wanderley - Talkin' Verve (1998)

Temas:
01. Popcorn
2. Agua De Beber
3. Amazonas
4. The Girl From Ipanema
5. Summer Samba
6. Blue Island
7. Taste Of Sadness
8. Crickets Sing For Ana Maria
9. Canto De Ossanha
10. A Different Beat
11. Call Me
12. Wave
13. Beach Samba
14. Music To Watch Girls By
15. Goodbye Sadness (Tristeza)
16. Batucada Surgia

Musicos:
Walter Wanderley (Compositor, órgano, piano, piano eléctrico)
Marcos Valle (Arreglista, compositor, guitarra)
Luis Henrique (Compositor, Guitarra, Percusión, Voz)
Sivuca (Acordeón)
Bucky Pizzarelli (Guitarra)
José Marino (Bajo)
Tião Neto (Bajo)
Bobby Rosengarden (Percusión)
Lu Lu Ferreira (Percusión)
James Kappes (Batería)
Dom Um Romão (Batería)
Donald MacDonald (Batería)
Paulinho Da Costa (Batería)
Claudio Slón (Batería)
John Grimm (Flauta)
Melvin Tax (Flauta)
Romeo Penque (Flauta)
Jerome Richardson (Flauta)
Grimms (Flauta)
Urbie Green (Trombón)
Alfonso De Paula (Trompeta)
Talya Ferro (Voz)
Astrud Gilberto (Voz)

Art Blakey And His Jazz Messengers With Sabu - Cu-Bop

Art Blakey (Pittsburgh, 11 de octubre de 1919-Nueva York, 16 de octubre de 1990) fue un baterista estadounidense de jazz encuadrado en los estilos del bop y hard bop.

Lideró varios grupos, entre los que destaca el quinteto Jazz Messengers, del que tomó las riendas durante tres decenios tras la marcha de Horace Silver, actuando y grabando bajo el nombre de Art Blakey and The Jazz Messengers. La formación fue cuna de algunos de los mejores artistas de jazz de la historia y se convirtió en la representación por antonomasia del estilo hard bop y funky jazz..._(wikipedia)

Los Jazz Messengers fue un grupo de jazz moderno conducido por el baterista Art Blakey durante casi medio siglo. El grupo y su nombre fueron creados por el pianista Horace Silver y heredados por Blakey, quien, con perseverancia, lo mantuvo activo, transformándolo en la cantera de algunos de los mejores solistas de los años cincuenta, sesenta, setenta y ochenta.

La formación original era un quinteto, alternado con un sexteto y, en los últimos años, septeto y octeto. Fueron "descubiertos" por Blakey y dados a conocer a través de los Messengers, solistas como Clifford Brown, Lee Morgan, Freddie Hubbard, Wayne Shorter y Wynton Marsalis. Los Jazz Messengers siempre se mantuvieron fieles al estilo hard bop, considerado como "mainstream" de la era moderna del jazz.

El 17 de diciembre de 1947, Blakey dirigió un grupo conocido como "Art Blakey's Messengers" en su primera sesión de grabación como líder, para Blue Note Records. Los discos fueron lanzados en 78 rpm en la época y dos de las canciones fueron lanzadas en la compilación del LP New Sounds 10 (BLP 5010) .Este octeto incluyó a Kenny Dorham, Howard Bowe, Sahib Shihab, Musa Kaleem, Ernest Thompson, Jr., y LaVerne Barker...._(wikipedia)

Es curioso que este álbum aparezca en muy pocas notas biográficas sobre los Jazz Messengers. Tal vez sea un asunto menor en el gran esquema de las cosas en lo que respecta a The Jazz Messengers. Pero este grupo fue la segunda encarnación del legendario grupo liderado por Art Blakey. Aun así, el hecho de que ni siquiera Raúl Fernández lo mencione en Latin Jazz: (The Perfect Combination) es más que sencillamente curioso. Puede que exista una corriente de pensamiento que piense que es menos Latin-Jazz que otras grabaciones de alguien como Machito o Tito Puente puedan haber grabado durante el mismo periodo. Este tipo de comentarios (y los he oído en compañía de gente bastante cacareada) son, cuando menos, bazofia. Cu-Bop es un álbum con una emoción rítmica muy real y visceral. Escuchar la retahíla de solos de "Sakeena" es para morirse. Es una canción de 11 minutos. Aun así, podría escucharla una y otra vez. Los intercambios entre Blakey y su invitado, Luis "Sabu" Martínez, son fascinantes. Pero The Jazz Messengers hacen algo más que música considerablemente alegre.

Art Blakey y sus Jazz Messengers con Sabu - Cu-BopHay una relación enigmática entre melodistas y armonistas que resulta evidente a primera escucha. Existe esta cuestión de tonalidad e incluso cuando el lenguaje es más lineal y austero, y hay muy pocas piezas en las que esto sea así, en "Dawn on the Desert" de Charlie Shavers. 

Lo que podría convertirse en una pieza árida se levanta de la página gracias a la apasionada defensa de The Jazz Messengers, que aportan aquí refinamiento tonal a la música. Los elementos refinados se pierden un poco en el álbum por la presencia de dos fuertes percusionistas que parecerían dominar los procedimientos. Afortunadamente, esto no ocurre con demasiada frecuencia. Johnny Griffin y Bill Hardman se aseguran de que cada vez que los focos se centran en los percusionistas, éstos se retiran a las sombras, pero no por mucho tiempo. Solos elementalmente bellos de los dos interlocutores mantienen el ritmo de la caravana del desierto maravillosamente en la pieza extraordinariamente escrita del Sr. Shavers. La escritura contrapuntística siempre da paso a algo más fluido y lírico, y a una gama más amplia de sonoridades. Un extraordinario solo de sordina del Sr. Hardman habla un lenguaje más tonal, con frases rítmicas repetitivas basadas en drones que, a su vez, suenan bastante orientales. Gran parte del encanto, en general, procede de las controladas y espaciosas interpretaciones que suben y bajan en extáticas líneas modales.

Se trata de un álbum precioso, a pesar de que sólo dura 35 minutos y 45 segundos. Desde el punto de vista de la historia de The Jazz Messengers representa un documento importante de la segunda Jazz Messengers después de que la Jazz Messengers "original" empezara a grabar en 1954, bajo el liderazgo de Art Blakey. Sin embargo, más que una relevancia histórica, se trata de una grabación alegre que merece la pena explorar tanto si eres un acólito de los Jazz Messengers como si simplemente sientes curiosidad. Sea quien sea, la grabación le cautivará a su manera._Raul Da Gama (latinjazznet)

                                                                             

                                                                          

Art Blakey And His Jazz Messengers With Sabu  - Cu-Bop (1957)

Temas:

01. Woodyn' You (Dizzy Gillespie)

02. Sakeena Art Blakey)

03. Shorty (Johnny Griffin)

04. Dawn On The Desert (Charlie Shavers)

Musicos:

Art Blakey (Batería)

Bill Hardman (Trompeta)

Johnny Griffin (Saxo tenor)

Sam Dockery (Piano)

Spanky DeBrest (Bajo)

Sabu Martínez (Congas, bongos)

 

Orquesta Anacaona - Ay!...

Anacaona. Orquesta cubana, actualmente compuesta por catorce mujeres que cultivan la música popular y que son conocidas en Cuba como Las Mulatísimas del Sabor.
La agrupación fusiona los ritmos más tradicionales con la música cubana contemporánea y es considerada como uno de las principales exponentes de la llamada música salsa. Con su talento, su música y su gracia femenina, Anacaona ha alcanzado un lugar respetable dentro de la música cubana.
Anacaona es el nombre de la reina indígena de Quisquella, fue la primera mujer en sublevarse contra los colonizadores, le pusieron este nombre a la Orquesta porque el año 32 también era un símbolo de rebeldía, ya que el son y la mujer eran muy discriminados. [...] Para una orquesta de mujeres, la vida y, en general todo, es más complicado. Georgia Aguirre González, directora musical de la orquesta femenil Anacaona.

Anacaona fue fundada el 19 de febrero de 1932 por Concepción Castro y sus hermanas: Alicia, Ada, Xiomara, Algimira, Caridad y Olga. En sus inicios fue el primer sexteto femenino de son; su creación estuvo relacionada con la huelga contra el tirano Machado. Causaron furor en el café El Dorado, existente en el Paseo del Prado. Tocaban y cantaban son, una música discriminada por la burguesía criolla, luego, en el año 1934, se amplía al formato de jazz band y charanga típica, proyectándose al mundo muy exitosamente desde el famoso restaurante Aires Libres, ubicado en El Prado Habanero.
Entre los años 40 y 60, sus integrantes recorrieron el continente americano de norte a sur, el Caribe y Francia. En México, uno de los países más visitados por la Orquesta en esta etapa, quedaron registrados sus imágenes y sonidos en algunas películas del cine mexicano, entre las que se cuentan «La noche es nuestra», «No niego mi pasado» y «Mujeres de teatro», en las que alternaron con algunas de las más connotadas figuras de la música y el cine mexicanos.
La actuación de aquellas jóvenes mestizas habaneras (hijas de negra criolla mezclada con un progenitor chino) apasionó a la ciudad, que las escuchó y bailó al ritmo de sus sones, de raíces africanas y letras atrevidas. Medio siglo después de su nacimiento, la orquesta Anacaona fue declarada Patrimonio Cultural de Cuba, ya que fueron ellas las que más tiempo actuaron de manera ininterrumpida con las mismas integrantes, hasta 1989.
Luego de tocar el Son, el nacimiento de otras formaciones femeninas hizo que Anacaona incursionara en otros géneros. Ganan fama y prestigio no sólo en nuestro país, sino igualmente en el extranjero. Cinco años después de su debut, la firma norteamericana RCA Víctor les graba tres discos.

Las hermanas Georgia y Dora Aguirre, músicos de una sólida formación profesional y egresadas del Conservatorio Amadeo Roldán, comenzaron a trabajar con las fundadoras a partir de 1983, bajo la dirección de Alicia Castro, quien fue la segunda directora cuando su fundación, con quienes ganaron la valiosa experiencia de la tradición y la disciplina en este trabajo.
A partir de la jubilación de las hermanas Castro en Diciembre de 1987, asume la dirección de la orquesta Georgia Aguirre González, quien junto a su hermana y otras jóvenes también egresadas de las escuelas de música, continúan la labor iniciada por las fundadoras, consolidando un estilo que combina la tradición con la modernidad, que conserva y engrandece la historia de Anacaona, en sus casi 80 años de trabajo ininterrumpido.

Han viajado por más de 20 países de Europa, Asia, África, América y el Caribe actuando en importantes festivales y múltiples escenarios entre los que más se destacan: La gira por 34 ciudades de la República Popular China; su participación en la obra teatral El burgués tropical, bajo la dirección de Gerome Sabarí, inspirada en el clásico de Molière, El burgués gentilhombre. La gira realizada en agosto de 1999 por algunas ciudades de los Estados Unidos en la que también sostuvieron un encuentro muy emotivo con Graciela Pérez, cantante y fundadora de Anacaona y el show Sabor de la Habana que abrió la temporada de espectáculos cubanos en el Cabaret del Gran Casino Montecarlo del Principado de Mónaco.
También la orquesta ha participado en varias películas como La bella del Alhambra, del director Enrique Pineda Barnet, Vidas paralelas, de Pastor Vega, y en la coproducción cubano-suiza, Barrio negro, así como en los documentales La ruta del ritmo, del realizador Harry Belafonte, Anacaona, 70 años después, del director Jorge Aguirre, producido por la Televisión Cubana, y un documental musical realizado por la NHK de Japón.
Anacaona es considerada la Orquesta Femenina Insigne de Cuba, y se cuenta entre las agrupaciones de primer nivel de la música popular cubana.

Motivo de inspiración para muchas agrupaciones femeninas, tanto en Cuba como en el extranjero, ha sido sin duda alguna la orquesta Anacaona, que al arribar a su aniversario 85, realizó para celebrarlo una gira por los barrios de la capital._(ecured)

                                                                 

                                                                          

Orquesta Anacaona - Ay!... (1992)

Temas:

01. Anacaona ¡Ay! (Juan Formell)

02. Si Me Pudieras Querer (Ignacio Villa)

03. Para Vivir Y Amar (Javier Gutiérrez "letra", Luis A. Varona)

04. Si Te Vas No Me Escribas (Juan Formell) 

05. La Mulata Rumbera (Alejandro Ramírez)

06. Lágrimas Negras (Miguel Matamoros)

07. Tú Te Vas Por Miedo (Giraldo Piloto)

08.Se Fue Y No Está (Raúl Torres)

09. La Engañadora (Enrrique Jorrín)

10. Besitos De Coco (Tony Mayarit Herrera)

Musicos:

Georgia Aguirre Glez (Dirección, bajo, coros y voz en·tema #10)

Dora Aguirre Glez (Saxo tenor, voz y coros) 

Virginia Quesada  Ramos (Voz, teclado  y coros)  

Magaly Rodríguez Morell (Piano)

Margarita Suárez Ríos (Pailas)

Madelaine Gómez Matos (Tumbadoras)

Leisy Ferrer Sánchez (Bongó y percusión menor) 

Iliana Raymat Peña (Saxo alto)

Dorys Alvarez Tejada (Trompeta)

Vivian  Jiménez Valdez (Flauta) 

Bárbara Zamora Vargas (Percusión, voz en tema#5)

Agradecimientos por la colaboración  en este  disco para:

Luis  A. Varona

Rafael  Yenks

Enrique Lazaga

Hugo Morejon

Changuito

Pucho López

Ernesto Nodarse

AJÍ Ko

Bobby Valentín - Young Man With A Horn

Roberto Valentín Fret, conocido como Bobby Valentín (Orocovis, 9 de junio de 1941), es un arreglista, bajista y director de orquesta puertorriqueño de Salsa y Latin Jazz.

Roberto Valentín Fred, nacido en 1941 en la localidad puertorriqueña de Orocovis, comenzó de niño a tocar la guitarra y a la edad de 11 años ganó un concurso con una banda que dirigía el mismo. Comienza sus estudios de trompeta los 15 años, poco antes de mudarse con su familia a Nueva York, donde continua sus estudios bajo la dirección de Carmina Caruso. En 1958 comienza su carrera profesional con la orquesta de Joe Quijano. Valentin pasa los años siguientes trabajando como trompetista, guitarrista, bajista o arreglista para artistas como Willie Rosario, Charlie Palmieri, Ray Barreto, Tito Rodríguez o Willie Bobo, hasta que en 1965 debuta con una orquesta a su nombre editando dos discos, uno de ellos bajo el sello Fania de Johnny Pacheco.​ 

Durante los años siguientes Valentin siguió editando discos a su nombre bajo el sello de Pacheco, pero también comenzó a grabar y realizar arreglos para la banda propia del sello, la legendaria Fania All Stars por donde pasarían figuras tan importantes como Rubén Blades, Celia Cruz, Willie Colon, Eddie Palmieri, Papo Lucca o Mongo Santamaría, entre otros muchos. En 1975 comienza a grabar para su propio sello, pero su trabajo con la Fania All Stars continua hasta hoy día.​ Desde entonces el músico sigue actuando con su orquesta por los más importantes festivales de salsa y jazz de todo el mundo, además de seguir editando álbumes para su propio sello, el último de los cuales vio la luz en 2016 bajo el nombre "Mi Ritmo es bueno"._(wikipedia)

Bobby Valentin es un auténtico talento que, a lo largo de su carrera musical, a demostrado un sorprendente dominio de los instrumentos que tocaba, entre ellos el bajo, la guitarra, el saxofón y la trompeta. También se hizo un nombre como consumado arreglista. Estas cualidades fueron reconocidas por Johnny Pacheco, que en aquel momento era el director y productor de Fania Records. Pacheco decidió fichar a Valentín, convirtiéndolo en el primer acto que firmaría. Este fichaje convirtió a Bobby Valentín en un miembro destacado de la familia Fania.

Desde las primeras etapas de su carrera, su reputación como músico excepcional cimentó su posición en el sector. Artistas como Joe Quijano, Willie Rosario, Tito Rodríguez y el propio Johnny Pacheco le confiaron sus arreglos musicales, a los que a menudo contribuía también como músico.

¡Su álbum seminal Young Man With A Horn se presenta aquí con una transferencia digital totalmente nueva!

El híbrido de R&B y salsa conocido como boogaloo fue muy popular a finales de los 60 y principios de los 70, y la mayoría de las canciones aquí incluidas así lo reflejan. La inclusión de temas con sabor a boogaloo con números tradicionales de salsa y boleros de tempo lento hacen que este álbum sea muy interesante.

Un gran trabajo del gran Bobby Valentin, su primer álbum, ¡editado cuando era un trompetista de jazz! El disco ofrece "lo mejor del boogaloo", como reza la portada, y presenta una mezcla muy moderna de temas que realmente captan la energía mestiza de la escena del Harlem español de finales de los 60. Destacan "Batman's Boogaloo", una reelaboración del tema de "Batman"; un remake del éxito "Good Lovin", que realmente expone sus raíces latinas; una descarga llamada "The Gate"; un remake en latin jazz de "Song For My Father"; y el tema "Geronimo", super-hip, super-swingin -- ¡un ganador del soul latino hasta el final!

                                                                 

                                                                          

Bobby Valentín - Young Man With A Horn (1965)

Temas:

01. Que Pollito (Joe Pastrana) 

02. Maina (Bobby Valentín)

03. Batman's Bugaloo (Neal Hefti) 

04. Amor Ciego (Rafael Hernández)

05. The Gate (Bobby Valentín) 

06. Que Buena la Rumba (Bobby Valentín)  

07. Song For My Father (Horace Silver)

08. Óyeme Bien (Bobby Valentín) 

09. Geronimo (Bobby Valentín) 

10. La Rumba Te Espera (Bobby Valentín) 

11. Good Lovin' (Arthur Resnick, Rudy Clark) 

Musicos:

Bobby Valentin (Trompeta)

Humberto Del Valle (Bajo)

Joey Pastrana (Timbales)

Tony Fuentes (Bongos)

Willie Pastrana (Congas)

Rudy Martin (Piano)

Cookie Mattero (Saxo)

Joe Orange (Trombón)

Marcelino "Junior" Morales (Voz)

Bamboleo - Ya No Hace Falta

Al igual que el ron dulce y los puros suaves, bamboleo es otro de esos exquisitos productos cubanos que, una vez que se prueban, no son suficientes. El grupo de timba de 14 miembros es un número ardiente, desde su música y coreografía hasta sus bien vestidos cantantes y músicos. Lázaro Valdés dirige el grupo, toca el piano, hace arreglos, compone y escribe canciones. Nacido en La Habana, estudió en la Academia Alejandro García Caturla en la década de 1970. Creó Bamboleo después de pasar tiempo actuando con artistas como Pachito Alonso, Bobby Carcasses y Héctor Téllez. Seleccionó a los mejores músicos e incorporó a su nueva compañía a muchos que se habían formado en la Escuela Nacional de Arte de La Habana. Añadió chispa con la vocalista Haila Mompie, que a su vez reclutó a la vocalista Vannia Borges. Otra habanera, Borges empezó a estudiar música a los cinco años, y cantó profesionalmente por primera vez con un grupo femenino conocido como D'capo a principios de los 90. Cuatro años más tarde, pasó a formar parte de la banda D'capo. Cuatro años más tarde, pasó a Pachito Alonso y su Kini Kini, que abandonó en 1997 para añadir su talento a Bamboleo. La guantanamera Yordamis Megret llegó al grupo en 1998, un año después de la marcha de Mompie. Comenzó su formación musical a los 10 años y se aficionó a la guitarra. Al igual que Borges, también es alumna de la Escuela Nacional de Arte. Tras graduarse, empezó a cantar profesionalmente con Ricacha. Antes de unirse a

Bamboleo, Megret cantó en el grupo de salsa PG, de José Luis Cortés. Bamboleo empezó a hacer giras fuera de Cuba en 1996, el mismo año en que el grupo debutó con Te Gusto o Te Caigo Bien. El grupo ha actuado en las principales ciudades de Estados Unidos, de Chicago a Miami, y de Nueva York a Los Ángeles. Tras el lanzamiento de Yo No Me Parezco A Nadie y Ya No Hace Falta, el grupo realizó una gira por todo el mundo, con paradas en Europa, Estados Unidos y Japón, así como en el Festival Mundial de Música Heineken 2000 de China. Bamboleo también colaboró en el álbum Ear-Resistable de los Temptations, ganador de un Grammy. Además, el grupo ha aparecido en el programa Road Rules de la MTV y ha trabajado con artistas como James Brown, Femi Kuti y George Benson._Linda Seida (allmusic) 

Bamboleo, uno de los grupos más conocidos en la cresta de la ola de la timba, un nuevo estilo que mezcla salsa con elementos funk y jazz y que emana de las calles de Cuba, se mantiene a la vanguardia con Ya No Hace Falta, de 1999. Tras saltar a la notoriedad internacional con Yo No Me Parezco a Nadie en 1997, la presión estaba puesta en cumplir con su recién ganada base de fans. Con unos arreglos suaves y una banda muy compenetrada con la batería, Bamboleo no tuvo problemas para hacer buena su reputación y, en todo caso, elevaron el listón para todo el género. Tanto la sección de vientos como los vocalistas tienen un enfoque fresco y suave que contrasta con el sonido enérgico de grupos similares como la Charanga Habanera o NG la Banda. Esta sensibilidad ahumada y jazzística yuxtapuesta a las esquinas afiladas de la sección rítmica superfunky hace que la escucha sea fácil y placentera. Al grupo no le falta calor, con los montunos salados del pianista/arreglista Lázaro

Valdés y un montón de cambios de tiempo de una sección de percusión tan buena como cualquiera de las que operan hoy en día. Desde el punto de vista sonoro, los oídos se regocijan al escuchar un disco de timba al que no le falta fidelidad ni sensibilidades de producción modernas. Gracias a su equilibrado sonido global, su enfoque único y su experta musicalidad, Bamboleo marcará tendencias y borrará fronteras durante décadas._Evan C. Gutierrez (allmusic)

                                             

                                                                              

Bamboleo - Ya No Hace Falta (1999)

Temas:
01. Opening  (Lázaro Valdés)
02. Ya No Hace Falta  (Lázaro Valdés)
03. Se le Fue la Mano (Manuel "Manolin" González)
04. El Protagonista (Rafael Lavarrera)
05. Recapacita (Darmielis Cárdenas)
06. La Tremenda (Rafael Lavarrera)
07. El Manisero (Moises Simons)
08. Candil de Nieve (Raúl Torres)
09. El Pillo (Rafael Lavarrera)
10. Lo Mio  ( (Rafael Lavarrera, Lázaro Valdés)
11. Lo Que Quiero Es Bamboleo (Giraldo Piloto)
12. Ya No Hace Falta  (Radio Versión)

Musicos:
Lázaro M. Valdés Rodríguez (Director, piano, compositor)
Abel Fernández Arana (Saxo alto)
Carlos Valdés Machado (Saxo tenor)
Anselmo "Carmelo" Torres Trompeta
Dunesky Barreto Pozo (Congas)
Alberto Para (Maracas)
Herlon Sarior (Timbales)
Jorge David Rodríguez (Voz)
Yordamis M. Mergret Planes (Voz)
J. Frank Cintra Cruz (Trompeta)
Alejandro Borrero Ramírez (Vocales)
Vannia Borges Hernández (Voz)
José Antonio Pérez Fuentes (Violín)
Maylin de la Caridad González Aldama (Violonchelo)
Ludwig Nunez Pastoriza (Batería)
Rafael P. Pacerio Monzón (Banjo)

Ulises Texidor Pascual (Bongos)