Respetado músico de estudio afincado desde hace tiempo en Los Ángeles, Emil Richards ha participado en un sinfín de sesiones, aportando sus vibraciones de forma casi anónima a grabaciones de todos los géneros musicales. Empezó a tocar el xilófono a los seis años y, cuando aún estaba en décimo curso, Richards tocó con la Orquesta Sinfónica de Hartford. Tras graduarse en la Hartt School of Music y el Hilliard College (1949-52), tocó en una banda del ejército en Japón (trabajando con Toshiko Akiyoshi). Richards trabajó posteriormente con Charles Mingus, Willie Ruff, Ed Shaughnessy, Ed Thigpen, el quinteto de George Shearing (1956-58), Paul Horn (1960-64), Jimmy Witherspoon, Shorty Rogers y muchos otros. A principios y mediados de la década de 1960, Richards codirigió el Hindustani Jazz Sextet con Don Ellis, mezclando la música india con el jazz.
También fue miembro de la Neophonic Orchestra de Stan Kenton, del Roger Kellaway Cello Quartet y realizó giras con Frank Sinatra y Frank Zappa en la década de 1970. Emil Richards, que grabó como líder para Impulse (1965-66) e Interworld (dos CD en 1994-95), posee más de 350 instrumentos de percusión y se interesa desde hace tiempo por la música folclórica étnica, aunque considera que su principal influencia es Lionel Hampton. _Scott Yanow (allmusic)
El maestro percusionista y vibrafonista Emil Richards ha participado en innumerables sesiones de estudio, pero ha grabado relativamente poco a lo largo de los años como líder. En este atractivo álbum, Richards (principalmente con la marimba y el vibráfono) interpreta una contagiosa variedad de jazz latino. Lo más inusual del conjunto es que no incluye vientos.
Richards suele llevar la voz cantante, con Michael Lang o Dave Mackay al piano, Al McKibbon o Chuck Domanico al bajo, el batería Joe Porcaro y los percusionistas Luis Conte, Francisco Aguabella y Efraín Toro. Destacan "Well I Didn't" (basada en "Well You Needn't"), "Butter Jug Waltz" (con Richards en los percusivos "rattle mallets"), "Little Sunflower" de Freddie Hubbard y "Night in Tunisia". Se trata de un conjunto muy agradable de latin-jazz de alta calidad. _Scott Yanow (allmusic)
Paul Emil Breitenfeld (San Francisco, 25 de noviembre de 1924 - Nueva York, 30 de mayo de 1977), conocido como Paul Desmond, fue un saxofonista (saxofón alto) estadounidense de jazz. Fue una figura representativa de la corriente principal del jazz y del cool, especializado en baladas y en la improvisación melódica; se caracteriza también por sus citas de música clásica y de canciones folk..._(wikipedia)
Paul Desmond es ampliamente reconocido por su genialidad como improvisador melódico y como referente de los saxofonistas de cool jazz. Su tono cálido y elegante era uno que, según se reconoce, intentaba hacer sonar como un martini seco. Él y Art Pepper eran prácticamente los únicos contraltos de su generación que no estaban directamente influenciados por Charlie Parker. Desmond estaba influenciado por Lester Young, pero lo llevó más allá, hacia mundos melódicos y armónicos nunca antes recorridos por los músicos de la caña, especialmente en los registros superiores. Desmond es más conocido por sus años con el Dave Brubeck Quartet (1959-1967) y su conocida composición "Take Five". Conoció a Brubeck a finales de los años 40 y tocó con su Octeto. El Cuarteto se formó a finales de 1950 y tomó forma definitiva con Eugene Wright y Joe Morello unos años después. Jazz at Oberlin y Take Five fueron consideradas compras esenciales por los estudiantes universitarios de la época, pero Jazz Impressions of Japan fue su grabación más innovadora. Desmond tocaba sus solos, lentos, ordenados e intrincados, en contraste directo con la obsesión del pianista por los grandes acordes, creando una miríada de texturas para el contrapunto melódico y rítmico como nunca se había oído en el jazz. Sus ingeniosas citas de musicales, piezas clásicas y canciones populares eran también una marca de agua de su arte. Cuando el Cuarteto se separó en 1967, Desmond comenzó una carrera discográfica intermitente pero satisfactoria. Incluyó fechas con Gerry Mulligan para Verve, varias sesiones con Jim Hall y un concierto con el Modern Jazz Quartet. Tocó sus últimos conciertos con el Brubeck Quartet en reuniones antes de morir de cáncer de pulmón. Las grabaciones de Desmond para RCA han sido objeto de una caja y Mosaic ha publicado una de las sesiones completas con Hall. También hay reediciones de A&M y CTI, aunque las grabaciones de Artist House y Finesse siguen lamentablemente descatalogadas._Thom Jurek (allmusic)
Mientras pasaba el tiempo en un semi-retiro tras la disolución del Dave Brubeck Quartet en 1967, Paul Desmond se dejó atraer de nuevo al estudio de grabación por el productor Creed Taylor, que sabía exactamente qué hacer con su ocioso, pero en absoluto gastado, contralto. El resultado es un álbum de música ecléctica y bellamente producido que revive la idea de la "bossa antigua" de Desmond y la envía en diferentes direcciones, directamente hacia Brasil y varias regiones caribeñas, así como de vuelta a los jazzísticos Estados Unidos. "Samba With Some Barbecue" es una maravillosa versión bossa nova de la canción de Louis Armstrong "Struttin' With Some Barbecue", cuyos primeros compases guardan un asombroso parecido con los de la "Samba de Orpheus" (que el erudito Desmond sin duda conocía). No importa cuántas veces hayas escuchado "Autumn Leaves", el tratamiento de la bossa nova de Desmond te dará una nueva sacudida, ya que suelta de improviso las cavilaciones más exquisitamente oscilantes; lástima que se desvanezca después de sólo tres minutos.
En un estado de ánimo flexible, Desmond incluso consiente en grabar una nueva melodía de los Beatles, "Ob-La-Di, Ob-La-Da", al estilo samba, citando de paso "Hey Jude" (es muy posible que se sintiera atraído por el protagonista de la letra, un tipo llamado Desmond), y hace música potente de melodías de películas como "Emily" e incluso la elegante "Lady in Cement". Don Sebesky aporta algunos arreglos inteligentemente elaborados para big band aumentados por trompas francesas, Herbie Hancock realiza algunos solos a menudo brillantes en varios momentos destacados, Ron Carter está al bajo, y Leo Morris y Airto Moreira se alternan en la batería. Nunca antes se había grabado el contralto de Desmond de forma tan deslumbrante -la ingeniería de Rudy Van Gelder le da un nuevo brillo dorado- y el LP original tenía una portada genial y sarcástica: carámbanos brillantes._Richard S. Ginell (allmusic)
Nacido en Sarajevo, en el corazón de los Balcanes, Miron se vio obligado a exiliarse a principios de los 90 debido a la horrible guerra civil que atravesaba su país. Al emigrar a Canadá cuando era adolescente, estuvo expuesto al jazz y desde allí estuvo seguro de que esta sería su vocación.
A los 25 años de edad, Miron fue contratado por el mundialmente conocido CIRQUE DU SOLEIL, donde fue seleccionado como el miembro original del elenco, tocando la trompeta y la guitarra en el espectáculo recién creado 'Kooza'. Los siguientes 8 años que pasó con el Cirque cambiaron el rumbo de su vida para siempre y lo llevaron por todo el mundo realizando más de 2000 espectáculos en más de 40 ciudades de todo el mundo en lugares prestigiosos como el Royal Albert Hall de Londres y en televisión como el Late Night Show con JAY LENO en Los Ángeles. Además de su participación en el Cirque du Soleil, Miron ha actuado en algunos de los festivales de jazz más importantes del mundo, como el North Sea Jazz de Róterdam, ELBJAZZ de Hamburgo, el Festival de Jazz de Montreal y el Festival de Jazz de Sarajevo, entre otros.
Más recientemente, Miron fue el trompetista de 'Delirium Tremens', un álbum de Rosario La Tremendita, que fue nominado a un Grammy Latino por 'Mejor Álbum Flamenco' del año 2018._(mironraf)
Así es como Miron describió su música: “Mi música es una mezcla de todo lo que me ha influido y tocado toda mi vida. Las influencias van desde mis Balcanes natales, a través del Mediterráneo, la Península Ibérica, África, hasta América del Norte y del Sur y el Caribe. Lo que escribo no está filtrado por estilo, género o tradición, sino por mis propios oídos y gustos, con la esperanza de combinar hermosas melodías, ya sean simples o complejas, con ricas y elegantes armonías. Trato de 'cavar' profundamente y tocar a cualquier oyente con la mente y los oídos abiertos, manteniendo siempre un alto nivel y respeto por el arte de la música. “
Estoy especialmente contento de tener la oportunidad de presentar / revisar un álbum de trompeta. Señoras, no me malinterpreten: hay trompetistas, pero no tantos que anuncian álbumes en solitario o dirigen una banda de jazz. Esta afirmación se aplica a nuestra escena de jazz regional. Miron Rafajlović no es solo una "excepción", en ese sentido, también es un trompetista y compositor de primer nivel. Alcanzó su mayor éxito trabajando en España, y es sabido que para triunfar en otro país, hay que ser mejor que sus músicos locales por al menos dos "lanzas". Miron, era evidente, lo logró por completo.
En cuanto a la música del álbum "Troubadour", Miron sublimó las influencias musicales de varias tradiciones nacionales y las incorporó con éxito a la forma de música de jazz. Anne no trabajaba al azar. Como vivía en tres continentes, tuvo la oportunidad de conocer bien la tradición musical de sus anfitriones, por lo que nos transmite de primera mano su visión de esa música, así como las emociones que despertaba en él. Para presentarnos todo de la mejor manera, Miron, junto con los miembros de su Sexteto, también contrató a muchos invitados de renombre que, con su participación e instrumentos, enriquecieron aún más las escenas musicales del álbum "Troubadour".
Al crear el álbum "Troubadour", Miron Rafajlović elevó el listón de la calidad y con gran éxito cumplió con los altos estándares que se había fijado. Miron, por supuesto, irá más allá. Se lo merecía, pero también con un listón un poco más alto, porque lo esperamos de él, porque puede hacerlo._(barikada)
Después de casi cuatro meses de este 2018 aparece el primer disco luminoso, de esos que nos alegran la vida y que nos mantienen en la esperanza de que vale la pena estar metido en este negociado. Se trata de ‘The Soul of Tumbao’ del percusionista italiano Paolo Marini al frente de su Latin Jazz Combo. La cuestión de por qué este disco es tan bueno y tan recomendable es tan sencilla que hasta da apuro contarlo, pero es lo de lo más sencillo: un grupo de músicos a los que les gusta el latin jazz, el soul y el funk se unen comandados en este caso por Paolo Marini e interpretan esas músicas que les gustan –que no son necesariamente temas jazzísticos- y las llevan a su terreno.
La selección no puede ser más heterogénea, y de esta manera hay temas estrictamente jazzísticos, como la estupenda versión de ‘Moanin’, la no menos clásica ‘A Night in Tunisia’, que es el único tema vocal del cedé, o la no menos brillante ‘Spain’ de Chick Correa; y todo ello pasando por éxitos del acid jazz, como el ‘Prince of Peace’ de Galliano, o el r&b como ‘There’s Nothing Like This’ de Omar, ‘Endless Love’ de Lionel Richie & Diana Ross, el ‘Overjoyed’ de Stevie Wonder o el clásico ‘Our Day Will Come’ que popularizó hace años Amy Winehouse. Los músicos que tocan todo esto son perfectos desconocidos para los aficionado españoles, pero el nivel musical que muestran estos italianos es verdaderamente sobresaliente, y entre la amplia nómina de artistas que tocan hay que destacar, aparte Paolo Marini, al vibrafonista Marco Pacassoni, que realiza un trabajo impecable. Sí, ‘The Soul of Tumbao’ del Paolo Marini Latin Jazz Combo es un disco que se puede, y se debe, recomendar con toda seguridad y sin ningún miramiento._Y.M. (distritojazz)
La Preservation Hall Jazz Bandes una banda de jazz de Nueva Orleans fundada por el tubista Allan Jaffe a principios de la década de 1960. La banda debe su nombre al Preservation Hall del Barrio Francés. En 2005, las puertas del Hall se cerraron durante un tiempo debido al huracán Katrina, pero la banda siguió de gira.
En la década de 1950, Larry Borenstein, un marchante de arte de Milwaukee, gestionó Preservation Hall en el Barrio Francés como galería de arte. Para atraer clientes, invitaba a tocar a músicos de jazz de Nueva Orleans. En 1961, tras su luna de miel, Allan Jaffe y su esposa Sandra vinieron a escuchar jazz tradicional de Nueva Orleans. Los Jaffe eran de Pensilvania. Allan Jaffe tocaba la tuba en la Wharton School of Business de Filadelfia y su mujer trabajaba en una agencia de publicidad. Asistían a conciertos, se enamoraron del Barrio Francés y se quedaron más tiempo del previsto. Borenstein les preguntó si querían gestionar el Preservation Hall, y aceptaron.
Allan Jaffe contrató a músicos locales cuyas edades oscilaban entre los 60 y los 90 años. Muchos luchaban contra la pobreza, el racismo y la enfermedad. Al principio, los Jaffe no servían alcohol, no utilizaban amplificación y no hacían publicidad. En 1963, Allan Jaffe empezó a hacer giras con bandas por Estados Unidos y otros países. Estas giras incluían a figuras tan populares como la pianista Sweet Emma Barrett, el trompetista Kid Thomas Valentine, los hermanos Percy Humphrey y Willie Humphrey, el trompetista De De Pierce y su esposa, la pianista Billie Pierce. El más popular era el clarinetista George Lewis, cuya reputación precedía al Hall. Aficionados de todo el mundo acudían a Nueva Orleans para escuchar jazz tradicional..._(wikipedia)
La banda sonora de la película documental de 2019 A Tuba to Cuba es un vibrante álbum con canciones que la Preservation Hall Jazz Band grabó durante su gira por Cuba y después de regresar a casa en Nueva Orleans. También incluye un puñado de canciones de archivo grabadas por encarnaciones anteriores del histórico conjunto. Al igual que muchos de los álbumes recientes del grupo, incluidos That's It! de 2013 y So It Is de 2016, A Tuba to Cuba muestra la abundante polinización cruzada del jazz tradicional de Nueva Orleans. Mientras que la tuba titular, tocada aquí por el líder de la banda Ben Jaffe, toma un papel central en el álbum, también lo hacen muchas de las tradiciones musicales cubanas que el Preservation Hall encontró en su viaje. Varias de las canciones, como la boyante "Tumba" y la jubilosa "Keep Your Head Up" con la vocalista Eme Alfonso, suenan más como improvisadas jams, combinando hábilmente ritmos de percusión afrocubanos con la energía del Mardi Gras de Nueva Orleans.
Igualmente atractivos resultan el optimista "I Am", con su sonora melodía de trompeta, y el paseo a medio tiempo de "Kreyol". También añaden un sabor intercultural los temas de archivo vintage como "Las Palomas" de Alejandro Almenares, de los años 40, y la jubilosa interpretación de Billie & De Pierce de la canción tradicional cubana "El Manicero", extraída de las propias bóvedas musicales del Preservation Hall. Más que un simple recuerdo de un viaje capturado con afecto, A Tuba to Cuba es una sentida celebración de la rica herencia musical compartida que conecta Nueva Orleans y Cuba._Matt Collar (allmusic)
Jorge Luis Pacheco. Pianista, percusionista, compositor y director musical, ganador del primer premio del Concurso Internacional de Jóvenes Jazzistas (JoJazz 2007). Jorge Luis es graduado de piano y percusión. Se ha desempeñado con anterioridad como profesor de tímpani sinfónico en el Conservatorio Guillermo Manuel Tomás. Durante su corta pero fructífera vida artística en el año 2007 Jorge Luis Pacheco obtuvo el Primer Premio del Concurso Internacional de Jóvenes Jazzistas, Jojazz y en el año 2009, compitiendo con 114 concursantes de Europa, Asia, Latinoamérica y Estados Unidos se ubicó entre los dieciséis semifinalistas en el Concurso Internacional de “Jazz solo piano” de Montreux, Suiza, siendo el único latinoamericano en presentarse a dicho concurso. Pacheco integra varios de los más destacados grupos de jazz y música popular además de dirigir su propio cuarteto y ha compartido escenario con grandes músicos cubanos como Bobby Carcassés, Javier Zalba, Orlando Sánchez, Haydée Milanés, Pablo Milanés, Aldo López-Gavilán, Harold López Nussa, Amadito Valdés, Joaquín Betancourt, Teté Caturla, Michel Herrera y los norteamericanos Robert Sund y Stanley Clark, entre otros.
Durante la visita del afamado trompetista Winston Marsalis a Cuba, en el año 2010, Jorge Luis Pacheco fue invitado al concierto clausura que se realizó en el Teatro Mella de La Habana, interpretando varios temas junto a la Orquesta de Jazz del Lincoln Center.
En su labor como compositor se cuentan obras de solo para piano, orquesta de cuerdas, para piano y percusión, piano y cello, concierto orquesta sinfónica, entre otros.
Ha participado como invitado en producciones discográficas con Haydée Milanés, Yasek Manzano, Teté Caturla, Ruy López Nussa, Bobby Carcassés, Joaquín Betancourt, entre otros. Ha participado en conciertos y festivales internacionales en Cuba, Alemania, España, Italia, Barbados, Brasil, Canadá y Suiza._(ecured)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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