Argentina aportó el tango, Brasil la samba y la bossa nova. Cuba la rumba. Ahora Venezuela añade la onda nueva a la gran conflagración rítmica latinoamericana. ¿Onda nueva? Literalmente, significa "onda nueva". Lo que es, de hecho, es una forma musical, un compás de tres cuartos de tiempo que puede ser bailado, cantado, tocado, tarareado, silbado, golpeado en ollas y sartenes, golpeado con el pie desnudo en una alfombra o pulsado nerviosamente con un duro tacón de cuero en un suelo más duro. Lo que no es, en realidad o en fantasía, es otra nueva "sensación de baile que barre la nación" del tipo que solía abarrotar las películas, los programas de radio y los clubes nocturnos de los años treinta y cuarenta. Es una música sólida en todo momento, una fascinante mezcla de majestuosidad y desenfreno, a menudo muy digna, pero nunca tan rígida que olvide su ritmo esencial. Cuando escuché por primera vez a Aldemaro Romero en Caracas en 1968. No estaba seguro de si estaba tocando jazz, pop latinoamericano o música de un clasicismo inflexible de la España del siglo de oro. Entonces, después de media docena de piezas. Me di cuenta de que lo estaba mezclando todo como nadie lo había hecho antes. Este álbum, una hermosa colaboración con un guitarrista cuya gama musical coincide con la de Aldemaro, deja esa mezcla deliciosamente clara. El compás es de 3/4, pero el baterista toca a menudo en 2, dando al compás una calidad de 4/4. O el compás se toca en 6, rociando los acentos de tal manera que uno no tiene tiempo de contar los tiempos del compás; todo lo que uno puede hacer es zapatear, mecerse, balancearse con la música. Onda nueva es una música muy bailable, bailable de la manera más moderna, bailable con todo el cuerpo. Pero Onda nueva es también una música estatuaria, en la que los pasajes lentos y reflexivos se animan de vez en cuando con un compás que recuerda al fandango español. Charlie Byrd entra de lleno en la música de Aldemaro con sus propias y elegantes líneas de guitarra, pasando con facilidad de los ritmos cadenciosos de
You Get Me Crazy (Tonta, Gafa y Boba). Moliendo Cafe (Coffee-Grinder), y un uptempo What the World Needs Now a la tenue It Never Ends (Anauco), la apropiadamente soñadora aunque middle-tempo Sueño de una Niña Grande, y Romance, en la que su toque evoca dos Segovias, la ciudad española del Renacimiento y el gran guitarrista clásico. Charlie, al igual que las trompas y las cuerdas, se relaja en la música de los pájaros, el grande (El Gavilán) y el pequeño (Pojarillo en Ondo Nueva); hay aquí un delicado juego de palabras musical, que une a un Byrd de la guitarra con un halcón y un pájaro de la nueva ola. También hay una música magnífica. Latina y jazzística y contagiosa de manera desafiante, en el medilativo y granulado tema de amor (Tema de Amor), en el expresivo y alentador El Catire y en el jazz directo de Carretera----, que significa High Road. Al escuchar este elegante conjunto de interpretaciones se entiende por qué el gobierno de Venezuela ha apoyado la música con un festival anual, con premios lucrativos para las nuevas composiciones del género. Uno escucha los arreglos, la composición y la dirección de un hombre ampliamente dotado y experimentado, que trabaja aquí con sus socios invariables en la onda nueva, el baterista Frank Hernández y el bajista Jorge Romero, y un nuevo colega, espléndidamente adecuado por talento, gusto y temperamento para unirse a la nueva ola, Charlie Byrd._ Barry Ulanov
Charlie Byrd / Aldemaro Romero - Onda Nueva / The New Wave (1972) Temas: 01. You Get Me Crazy (Tonta, Gafa Y Boba) 02. It Never Ends (Anauco) 03. What The World Needs Now Is Love 04. Sueño De Una Niña Grande 05. Moliendo Cafe 06. Romance 07. El Gavilan 08. Pajarillo En Onda Nueva 09. Pray For Me, I'm In Love (Tema De Amor) (from the film "Simon Bolivar") 10. El Catire
Los compartimentos musicales no significan nada para David Amram, cuyas composiciones y actividades han cruzado sin miedo el mundo clásico y el del jazz, así como los del jazz latino, el folk, la televisión y la música de cine. Además de su rara especialidad (para el jazz), la trompa, Amram también ha grabado con el piano, la flauta dulce, la guitarra española y varios instrumentos de percusión.
Amram pasó un año en el Conservatorio del Oberlin College (1948), pero se licenció en Historia por la Universidad George Washington en 1952. Su larga relación con la música latina comenzó en 1951 en D.C., cuando tocó la trompa y la percusión en la banda latina de Buddy Rowell, a la vez que era trompa clásica en la Orquesta Sinfónica Nacional. Destinado con el Séptimo Ejército en Europa, Amram grabó con Lionel Hampton en París en 1955, y luego regresó a Nueva York ese mismo año para unirse al Taller de Jazz de Charles Mingus, actuando con Mingus y Oscar Pettiford. Amram dirigió un cuarteto con el saxofonista tenor George Barrow que grabó un álbum para Decca en 1957 y más tarde tocó regularmente en el Five Spot de Nueva York en 1963-1965. Sin embargo, la carrera de Amram se orientó principalmente hacia la música clásica después de la década de 1950, produciendo piezas orquestales e instrumentales, música incidental (su partitura para J.B. de Archibald MacLeish ganó un premio Pulitzer) y otras obras que atrajeron suficiente respeto como para que la Filarmónica de Nueva York lo contratara como su primer compositor residente (1966-1967).
La Habana/Nueva York. En 1977, Amram navegó en el crucero Daphne desde Nueva Orleans a La Habana con Dizzy Gillespie, Stan Getz y Earl "Fatha" Hines, que fueron de los primeros ciudadanos estadounidenses en visitar legalmente Cuba en 16 años. Se realizó una emocionante grabación en directo de "En Memoria de Chano Pozo" de Amram en La Habana con miembros de Irakere (incluidos Arturo Sandoval y Paquito D'Rivera) y varios estadounidenses de visita, que puede escucharse en el álbum Havana/New York (Flying Fish). La visita de Amram a Cuba recibió una amplia cobertura informativa en su momento y también proporcionó a muchos estadounidenses su primera visión de Irakere.
La mayoría de las grabaciones disponibles de Amram también pueden encontrarse en Flying Fish. Además, se puede escuchar al abierto Amram tocando alegres cornos franceses, flautas de pico y pianos obligatorios en algunos extraños temas de 1971 del poeta beat Allen Ginsberg (títulos de muestra: "Vomit Express" y "Going to San Diego"), que posteriormente se publicaron en el sello homónimo de John Hammond._Richard S. Ginell (allmusic)
Músico muy versátil, interesado en combinar la música folclórica de otros países con el jazz, David Amram ha grabado sorprendentemente pocos discos a lo largo de los años como líder. De hecho, este excelente conjunto de Flying Fish fue sólo su tercer álbum, y el primero desde 1957. En 1977, varios músicos estadounidenses pudieron viajar a Cuba para realizar una breve visita, lo que dio como resultado el largo "En Memoria de Chano Pozo", que combina a Amram (en la guitarra, el piano, la flauta, el penny whistle, la trompa, el xilófono y la percusión) con una sección rítmica estadounidense y dos cubanos entonces desconocidos: el contralto Paquito D'Rivera y el trompetista de 20 años Arturo Sandoval. Otras dos selecciones en el set presentan principalmente a estadounidenses (incluyendo al trompetista Thad Jones, el baritonista Pepper Adams y el tenor de Billy Mitchell) con algunos cubanos expatriados (incluyendo a Cándido y Ray Mantilla entre los percusionistas), mientras que "Broadway Reunion" tiene a Amram en la flauta sentado con una banda cubana visitante en las calles de Nueva York. Este disco poco conocido cruza varias fronteras musicales y merece la pena buscarlo._Scott Yanow (allmusic)
Los fans de Martin Denny se alegrarán de descubrir que el viejo hombre de la exótica sigue al piano. Más que un tributo o la última banda de Denny, Don Tiki ya parece más logrado en varios aspectos que el Martin Denny Group en su mejor momento. En primer lugar, el mayor crédito debe ir al líder "Perry Coma" (Kit Ebersbach) por escribir 3/4 de los 13 temas del CD de debut. (Denny escribió y toca en "Exotica '97" y en la indulgencia de piano final, "Forever & Ever"). Además, el gurú de la publicidad, Lloyd Kandell, ha hecho un trabajo de primera clase en el embalaje y la promoción. También gracias a Kandell, la banda alcanza la esencia de la "cultura del cóctel" sin pisotear a Hawai.
Don Tiki está haciendo lo que una banda del estilo de Denny debería hacer hoy en día. The Forbidden Sounds of Don Tiki es un bienvenido alejamiento de la exótica de los años 50. Casi todas las melodías son originales, y "An Occasional Man" tiene éxito tanto como una adaptación como una de las varias voces de la canción exótica. Al igual que el canto, la percusión, tan importante, es jazzística y aventurera, pero no excesiva. Los aumentos, desde la flauta y el arpa hasta el vibráfono y los silbidos, también están en un punto intermedio entre lo sutil y lo impresionante. (Lopaka Colon, hijo de August Colon en el Grupo Denny, continúa con las llamadas de pájaros de su padre). El estilo desenfadado y no del todo absurdo de Don Tiki brilla en todo momento, con una energía que no es ni más ni menos que la de una fiesta en las islas; la no seriedad también les permite eludir el intento de hacer que los instrumentos exóticos suenen plausibles en el CD. Música divertida para gente divertida, Forbidden Sounds es un viaje de moda en un barco de fiesta, o por lo menos un ambiente que todo chiringuito necesita._Tony Wilds (allmusic)
Don Tiki - The Forbidden Sounds of Don Tiki (1997, Taboo)
Temas:
01. Exotica `97
02. An Occasional Man
03. Barbi In Bali
04. Hot Like Lava
05. Close Your Eyes
06. Maidenhair Fern
07. Terminal
08. Polyamoré
09. Clutch Cargo Cult
10. Bam-Boozled
11. Itchy Palms
12. Da T`ing He Grow
13. Forever & Ever
Musicos:
Hai Jung Aholelei (Bajo, voz en "An Occasional Man", "Bam-Boozled" )
Perry Coma (Piano, órgano Hammond, Yamaha DX7, Akai S3000, piano eléctrico Wurlitzer)
Carlinhos De Oliveira (Congas, bongo, güiro, pandeiro, reco reco, cuica de orpheus, surdo, udum, caxixi, rain stick, shakers, golden tambourine)
A lo largo de la década de 1970, Chuck Mangione fue una celebridad. Su música, ligera a propósito, era pop melódico alegre, optimista y a veces edificante. Los discos de Mangione eran grandes éxitos de ventas, pero pocos de sus fans de la época sabían que su objetivo original era ser bebopper. Su padre había llevado a menudo a Chuck y a su hermano mayor Gap (teclista) a ver conciertos de jazz, y Dizzy Gillespie era amigo de la familia. Mientras Chuck estudiaba en la Eastman School, los dos Mangione codirigieron un quinteto de bop llamado Jazz Brothers que grabó varios álbumes para Jazzland, a menudo con Sal Nistico al tenor. Chuck Mangione tocó con las big bands de Woody Herman y Maynard Ferguson (ambas en 1965) y con Art Blakey's Jazz Messengers (1965-1967). En 1968, Mangione se dedicó principalmente a tocar el flügelhorn, un instrumento de tonos suaves, y formó un cuarteto en el que también participaba Gerry Niewood como tenor y soprano.
Hicieron un buen disco para Mercury en 1972, pero por lo demás las grabaciones de Mangione en los años 70 solían utilizar grandes orquestas y vocalistas (incluida Esther Satterfield), haciendo hincapié en melodías ligeras como "Hill Where the Lord Hides", "Land of Make Believe", "Chase the Clouds Away" y el gran éxito de 1977 (con el guitarrista Grant Geissman) "Feels So Good". Tras la grabación de un concierto en el Hollywood Bowl en 1978 que resumía sus años de pop y un conjunto de dos LP en 1980 que alternaba pop y bop (con Dizzy Gillespie como invitado), Mangione fue desapareciendo gradualmente de la escena musical. En los años 70, Chuck Mangione grabó para Mercury y A&M; en los 80 publicó un par de álbumes muy olvidables en Columbia, y en los 90 no se supo nada de él hasta que en 1997, en una gira de regreso, se reencontró con su banda "Feels So Good". The Feeling's Back le siguió en 1999._Scott Yanow (allmusic)
Gracias a su tema principal de influencias latinas, Children of Sanchez se convirtió en otro gran éxito para Chuck Mangione. La canción principal le valió incluso un Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop, y los oyentes de jazz serios detectarán un problema con ese premio: era por pop, no por jazz. Esto, por supuesto, es una evaluación precisa de la música de Mangione, ya que no hay mucha improvisación en el álbum. En su lugar, hay una selección de temas instrumentales españoles y latinos, dispuestos como para dar la impresión de que el álbum es un ciclo de canciones. Si es así, se trata de un ciclo de canciones/álbum conceptual que no va a ninguna parte. No obstante, hay suficiente música agradable para satisfacer a los fans de su estilo pop._Thomas Erlewine (allmusic)
Olga Chorens y Tony Alvarez ambos nacieron en la Habana Cuba, ella en el 1924 y él en 1919. Olga y Tony se conocieron en 1940, Tony era locutor de radio en un programa llamado “Ritmos del Plata”; por otra parte Olga comenzó cantando desde que tenía 11 años en programas infantiles de radio. Comenta Olga, que esto se desarrolla porque un día después de la escuela se le escapó a su mamá, para cantar en una prueba de talento radial; y ganó el primer premio del show. Luego participó en varios otros programas de radio y ganó de nuevo. Casi se podía decir que Olga y Tony estaban destinados a encontrarse eventualmente en su mundo artístico. Pues eventualmente se encontraron y cinco años más tarde, el 6 de Mayo de 1945; unieron sus vidas en frente del altar. El evento paralizó los medios de comunicaciones el día entero en el país, su matrimonio duró hasta que la muerte de Tony los separó en 2001.
Olga y Tony fueron un gran ejemplo para novios y artistas de la época. En sus primeros años de casados hicieron giras a varios países de habla española, comenzando en Panamá y terminando en Argentina. Olga estaba en estado a fines de 1946, y mientras estaba en Lima Perú, su primera hija Lissette decidió venir al mundo; el día 10 de marzo del 1947. Su segunda hija Olguita nació en el 1950. Entre los años 1950 y 1958 Olga y Tony realizaron varios programas de radio y televisión, los cuales tenían mucha fama. En 1951, Olga y Tony se convirtieron en estrellas de la Televisora CMQ con “El Show de Olga y Tony” el cuál le dio la reputación de “la pareja ideal”. En el 1954 se unieron al grupo “La Sonora Matancera” cantando el título “Linda Caleñita” más otras dos canciones “Mis Noches sin Ti” y “Margarita”. En 1955 recibe un premio y trofeos nombrados “Miss y Mister Televisión 1955”. Años después, obtuvieron un segmento famoso de cocina en el canal 7 llamado “La Cocina de
Olga y Tony”; pues ya para ese tiempo todos querían tener a Olga y Tony en sus segmentos televisivos. Más todo no era color de rosa, las cosas comenzaron a cambiar en el 1959, por problemas de la política en Cuba y la llegada de Fidel Castro.
Olga y Tony se retiraron de los escenarios cubanos y sus programas radiales, para nunca regresar. La situación se empeoraba más y más conforme pasaban los meses y comenzaron planes para re-localizarse fuera del país con sus hijas._(vintagemusic)
Olga Y Tony-Lisette Y Olguita - Felices Navidades (1966)
Swing en 4, es un proyecto de música de jazz iniciado en 1998 en Costa Rica, cuyo objetivo es aportar al desarrollo de música contemporánea costarricense de concierto, así como su difusión a nivel nacional e internacional. Luis Monge (piano acústico, electrónico y composición), Carlos Sanders (batería), Danilo Castro (contrabajo y bajo eléctrico) y Vinicio Meza (saxo tenor, clarinete y composición) exploran las estructuras y ritmos del jazz mezclando elementos clásicos, folclóricos y jazzísticos. Dada la experiencia y formación académica de sus miembros, Swing en 4 representa una relevante contribución al desarrollo cultural musical de Costa Rica. Ha grabado música para películas y ha colaborado con una variedad de músicos costarricenses e internacionales. Ha producido cuatro discos compactos: Orígenes (San José, 2002), Swing en 4 en vivo (San José, 2005) Con otro swing (La Habana, 2007) y Zumba que Zumba (New York, 2009).
Swing en 4 se ha presentado en diversos escenarios en Costa Rica, en festivales de jazz en Panamá, Cuba, Canadá y Argentina, y ha realizado giras en Alemania y Suecia. El repertorio incluye tanto composiciones propias como arreglos de una amplia gama de canciones y obras musicales.
Definitivamente el cuarteto presenta una propuesta “con otro swing” distinta a la que había conocido el público. El ímpetu de sus ritmos, sonidos e interpretaciones en las producciones anteriores fueron sabiamente atravesados por una energía contenida en la sutileza y maestría de los tiempos lentos, en el inmortal romanticismo de los boleros sazonados con jazz y colores impresionistas, envueltos en una textura sonora totalmente acústica. Este repertorio fue grabado en La Habana, Cuba, en Estudios Abdala._ (swingen4)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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