"Chan Chan" Musica Cubana - Live in Tokyo-Pio Leiva's Final Tour (2002)
En un final salvaje a una vida increíble y carrera el fallecido Pio Leiva conduce una colección de estrellas de músicos cubanos en un concierto picante en el impobable punto caliente latino de Tokio, Japón. Producido por Wim Winders en seguimiento a su revolucionario documental The Buena Vista Social Club, este evento conjunto de Música Cubana marcó una de las últimas apariciones de Leiva, quien es el líder espiritual de la revolución musical cubana.
Músicos: Pio Leiva: Voces Telmary Díaz: Rap y Voces Roberto Carcassés: Teclados y Arreglos Julio Padró: Trompeta y Arreglos Juan Carlos Marin: Trombón David Suárez: Saxofón Tenor Elmer Ferrer: Guitarra Eléctrica Osdálgia Lesme: Voces y arreglos Feliciano Arango: Bajo Mario 'Mayito' Rivera: Voces y Arreglos Samuel Formell: Bateria y Arreglos Pedro 'El Nene' Luso Martínez: Voz Luis Frank Arias: Voces Tirso Duarte: Voces René Suárez: Paila Juan 'Cotó' Antomarchi Padilla: Tres Roberto Vizcaíno: Congas Alexander Manresa: Trompeta
Roberto Carcassés: Director Musical "The Sons Of Cuba (Los hijos de Cuba)"
El Proyecto de Jazz Dominicano comenzó cuando el artista de jazz nacido en República Dominicana, Guillo Carias, invitó al pianista de jazz estadounidense Stephen Anderson a actuar con él y los músicos locales para el Festival de Jazz Jazzomania 2014 en Santo Domingo, República Dominicana, que fue presentado por Quisqueya 96.1 FM. programa de radio de jazz. El concierto y la clínica asociada fueron maravillosos, y el baterista Guy Frómeta invitó a Anderson a regresar a Santo Domingo para actuar con él en su grupo para el Festival de Jazz Casa de Teatro unos meses después. Fue allí donde Anderson conoció a Sandy Gabriel, saxofonista tenor. Su amistad colectiva creció aún más con esa experiencia, y después del festival, acordaron grabar juntos. El resultado fue su lanzamiento en CD homónimo de 2016, The Dominican Jazz Project., que se registró en los días posteriores al Taller de Jazz de Verano de la UNC, donde los artistas se desempeñaron como profesores invitados y Anderson se desempeñó como director. La grabación representó a Summit Records en las papeletas de la 17ª Entrega Anual de los Premios Grammy Latinos, así como en las papeletas de la 59ª Entrega de los Premios Grammy.
Fue incluido en "Las mejores grabaciones de jazz latino / brasileño de 2016" de Ken Frackling, fue descrito como "lleno de energía creativa y la alegría del descubrimiento musical" por Mark Sullivan en All About Jazz, y la banda fue llamada un "orgullo nacional". en el Festival de Jazz de República Dominicana 2019. Desde 2014, el DJP se ha presentado en numerosos festivales en la República Dominicana y ha realizado giras en universidades y clubes de jazz en los Estados Unidos. Lo que intrigó a Anderson cuando visitó la República Dominicana por primera vez es que, si bien los músicos dominicanos se sienten como en casa tocando música afrocubana / basada en claves, su música tradicional también tiene una variedad de ritmos menos conocidos que no se tocan comúnmente en el jazz latino. hoy fuera de la República Dominicana. Y aunque los patrones de tumbao de piano dominicano suenan similares a los patrones de montuno cubano, se construyen de manera diferente armónica y rítmicamente. Anderson también se sorprendió de que estos dominicanos estuvieran tan interesados en el jazz moderno estadounidense, y que las composiciones de Sandy Gabriel, en cierto modo, fueran muy similares a la estética que había estado desarrollando en las grabaciones de Stephen Anderson Trio en los últimos años. Sandy es un saxofonista totalmente autodidacta, sin formación formal. Cuando se le preguntó cómo aprendió a tocar tan bien.
Después de regresar a casa, Anderson pasó varios meses investigando profundamente la música dominicana, transcribiendo varios patrones de tumbao de piano, así como otros ritmos tradicionales, como Mangulina, Pambiche, Ga-Ga y Palo. A partir de estos y otros ritmos, compuso cinco nuevos gráficos para el proyecto, y Sandy Gabriel, Guillo Carias y Carlos Luis contribuyeron con las otras seis composiciones que se encuentran en la grabación._(dominicanjazzproject)
Luis Perdomo (nacido el 19 de febrero de 1971 en Caracas, Venezuela) es un pianista y compositor de jazz estadounidense.
El tiempo de Luis Perdomo como acompañante de Ravi Coltrane le ha sido muy útil, presentandoa este joven y muy bueno pero experimentado músico al público del jazz moderno. Es impresionante como un músico modal con energía y habilidades para quemar, pero durante este esfuerzo de trío muestra un lado sensible, sin optar por el jazz convencional domesticado o diluido. El bajista Hans Glawischnig y el baterista Eric McPherson son músicos bastante capaces que también entienden cómo bajar el volumen solo un toque para encontrar el equilibrio y la simetría. Perdomo , nacido en Venezuela y radicado en Nueva YorkTambién es un compositor consumado, escribiendo cinco de las 11 selecciones, mientras elige otras tres de una bolsa de sorpresas basada en el latín e interpreta tres estándares bien conocidos. Disfrutando de sus opciones estentóreas para extender sus comentarios sobre melodías familiares, el pianista realmente se estira en la versión de vals bop de "Speak Low" de Kurt Weill , patinando alrededor de ella en frases implícitas. El talentoso pianista se adentra en una versión en solitario de Bud Powelles difícil "Oblivion" y dice "Almost Like Being In Love" directamente con el trío.
Ha elegido algún material de herencia relativamente desconocido como "Piensa en Mi" y "Chimanta", el primero una balada lenta pero no quieta, el segundo una canción de espíritu modal que es masilla en sus manos. De sus originales, "Unexpected" tiene muchos giros y vueltas, comenzando a sonar como "A Night in Tunisia" en un tiempo de 10/8, y pasando a deslumbrantes múltiples líneas inventadas. "Shine" es otro concepto indirecto improvisado en cascada y motivos libres y pacíficos; "Fulia Chant" está en 6/8 con los cepillos de tambor de McPherson; y "Slap" es un piano y bajo con intercambio de batería, un swinger post-bop que es esquivo rítmicamente. De las muchas grabaciones de trío de jazz con piano, bajo y batería que caen al mercado año tras año, esta es notable y se destaca entre la multitud. Si te gustan los pianistas de grupos de pares como Danny Grissett , Gerald Clayton y Taylor Eigsti , gravitarás hacia el talento emergente y en constante evolución de Luis Perdomo , uno a quien vigilar durante las próximas décadas._Michael G. Nastos (allmusic)
Luis Perdomo, Hans Glawischnig & Eric McPherson - Pathways (2008) Temas:
01. Speak Low (Ogden Nash / Kurt Weill)
02. Unexpected (Luis Perdomo)
03. Shine (Luis Perdomo)
04. Fulia Chant (Luis Perdomo)
05. Almost Like Being In Love (Alan Jay Lerner / Frederick Loewe)
06. Piensa En Mi (A. Lara)
07. Chimanta (Gerry Weil / Hector Di Donna)
08. Baby Steps (M. Sullivan)
09. Sunrise (Luis Perdomo / Hans Glawischnig)
10. Slap (Luis Perdomo)
11. Oblivion (Bud Powell)
Musicos: Luis Perdomo (Piano) Hans Glawischnig (Bajo) Eric McPherson (Batería)
Grabado y mezclado en Systems Two Recording Studios el 12 de junio de 2008 en Brooklyn, NY, EE. UU. Por Mike Marciano
Manhattan Jazz Quintet es un grupo inusual en el sentido de que rara vez se presenta como unaunidad en los Estados Unidos (mucho menos en Manhattan), pero ha sido un gran éxito en Japón, tanto por sus grabaciones como por sus giras ocasionales. Originalmente compuesta por el líder y pianista David Matthews, el trompetista Lew Soloff, el saxofonista tenor George Young, el bajista Eddie Gomez y el baterista Steve Gadd, la banda (que enfatiza el hard bop swing directo) se unió por primera vez en 1983 por sugerencia del Rey. sello y la revista japonesa de jazz más importante, Swing Journal. Para sorpresa de todos, su primera grabación (simplemente llamada Manhattan Jazz Quintet) se convirtió en un gran éxito de ventas que fue galardonado con el premio Gold Disk de 1984 anual de Swing Journal como el álbum número uno en Japón.
Varios años después, el grupo se disolvió cuando Gómez y Gadd necesitaron más tiempo para perseguir sus proyectos individuales, y todos los miembros del quinteto más tarde tuvieron bastante éxito en sus propias carreras, pero esta edición del MJQ registró reuniones en 1990 (que encontró John Scofield invitado en algunas selecciones) y en 1993. Víctor Lewis reemplazó a Gadd ese año, y posteriormente Young fue reemplazado por Andy Snitzer y Gómez por Charnett Moffett. El Manhattan Jazz Quintet grabó principalmente para King en Japón (esas fechas estuvieron disponibles principalmente en los EE. UU. Por Projazz) durante la década de 1980, aunque grabaron algunas grabaciones posteriores, ¡entre las comparativas muy pocas que realmente tuvieron lugar en Manhattan! - para la etiqueta Sweet Basil. Durante el nuevo milenio, el Manhattan Jazz Quintet ha grabado regularmente para Video Arts._Scott Yanow (allmusic)
Jazz y flamenco han hermanado bien desde siempre, incluso antes de que Miles nos obsequiaracon "Sketches of Spain", Coltrane firmase "Olé" y Pedro lturralde congeniara con Paco en su doble disco titulado, como no, "Flamenco-jazz". Más tarde llegarían Corea y "Touchstone", de nuevo con Paco y el Niño Josele con "Peace".Y aquí están Oleandole, que, como su nombre indica, suman swing y compás, soniquete y virtuosismo instrumental, con el que dan un paso más allá que sus ilustres antecesores en el mestizaje de estas músicas de raíz. De la mano del incombustible Ramón Olivares, personaje emblemáticode la escena barcelonesa, ojeador astuto y sabio degustador del talento musical, la formación Oleandole, laboratorio y también lugar de intercambio de conocimientos, nos demuestra una vez más la proximidad espiritual de ambas músicas.
Jazz y flamenco son puro arte del momento, instantes nunca exactos y siempre irrepetibles. "Rehearsing at Taller de Músics" es uno de esos momentos suspendidos en el aire, imperfectos y mágicos. Sin ser una grabación definitiva, nos propone un retrato muy aproximado de lo que se puede conseguir si mezclamos algunos de los mejores talentos que se dedican a la música en Barcelona.A modo de mini big band, Oleandole, un grupo muy cambiante por el que ha pasado media ciudad y más, interpreta "Footprints", "Goodbye pork pie hat" o "Blue in Green", por bulerías o soleá, y encuentra la fórmula adecuada que refuerza las mejores características de ambos lenguajes.
En esta publicación hemos querido incluir dos temas propios de Ramón Olivares, donde la síntesis flamenco-jazz ya no necesita sustentarse en los estándares anglosajones. "Dolores" y "Buletaras", con sus harmonías sofisticadas, visten con cuartas aumentadas y novenas bemol esencias y motivos flamencos._Victor Cortina
Músicos: Ramón Olivares (Leader,cajón ,compás y bongó) Moskito (Cajón y compás) Frederico Vannini (Guitarra flamenca) Jordi Bonell (Guitarra eléctrica) Jordi Gaspar (Bajo) Albert Bover (Teclados) Luis de la Fefa (Cante y compás) Violeta Barrio (Baile y cornpás) Pedro Pérez (Baile y compás) Rita Payés (Trombón) Osear Latorre (Trompeta) Guillermo Calliero (Trompeta) Lluc Casares (Saxo tenor,arreglos metal) Rodrigo G. Pahlen (Harmónica cromática) Oleandole Music Video: Soleá Por Bulería: Goodbye Pork Pie Hat (Ch. Mingus) Round Midnight (T. Monk) Soleá-Bulerías: Steps Como Estés (R. Olivares) Blue In Green (M. Davis / B. Evans) Footprints (W.Shoter) Alegrías: Moon River (H. Mancini) Someday My Will Come (L. Morey / F. Churchill) Bulerías: Maria (L. Bernstein) Michelle (Lennon / McCartney) Norwegian Wood (Lennon / McCartney) Video: Realización (Toni Bargalló) Producción (Victor Cortina) Sonido (Julián Zafra) Cámaras (Andrea Guerra, Arda Manuera) Iluminación (Jordi Saladie) Fotografía (Kris Tena)
Los latinos son románticos. La creencia es bastante universal. Los cuadernos de viaje la fomentan. Las fanfarrias lo proclaman. Hitory la consiente. Los vestidos lo confirman. El hombre latino se relaja en la ilusión. El poder de la sugestión se ve reforzado por el calor del clima y la magia de la luz de la luna. Pero sobre todo, el estimulante de la música.
"Dino Latino" es la infecciosa aventura de Dean Martin en el atractivo de la melodía y el ritmo latinos. Es totalmente atractiva, aderezada a intervalos con frases divertidas, puntuadas siempre con su fácil simplicidad. El álbum subraya el romanticismo de la música y sus eficaces expresiones de emoción. El toque latino es evidente en todas partes. Si no todas las canciones son auténticas, los tratamientos sí lo son. Dean canta en inglés y en español. Tiene una enternecedora y alegre jovialidad y un sentido de alto espíritu. También cuenta con Don Costa, otro latino de nota, en la dirección de los procedimientos.
Los arreglos de Don se basan sólidamente en los tempos latinoamericanos. Hay mucha variación y una escritura fluida. La instrumentación cambió considerablemente en la mitad de las canciones. No se utilizaron cuerdas en Mañana, South OJ The Borde, Tangerine, In A little Spanish Town y El Rancho Grande. Las otras cinco melodías fueron puntuadas con cuerdas.
Dean es un cantante complaciente de canciones románticas. Añade español a su entrega de What A Diff' rence A Day Made y Magic Is The Moonlight. Trata con ternura y compasión Always In My Heart, Bésame Mucho y la Paloma. Tiene estilo. También tiene desparpajo y sentido del humor.
El romance es un tema mortalmente serio, pero Dean razona un cambio de ritmo que personaliza su enfoque. Añade sus propios comentarios identificativos, como "Soused at the border", "Raisin' every bar", "Hoiding cattle", etc. El arreglo que Don Costa ha escrito para In A little Spanish Town es especialmente destacable. La trompeta de Don Fagerquist merece una mención especial.
"Dino Latino" apunta a los aires románticos que acompañan la música y los ritmos de Latinoamérica. La invitación es sugerente, convincente. El canto de Dean lo califica como un profundo estudioso de ambos temas: la música y su efecto en el romance. Dean es más que un cantante más. Es un cantante de canciones románticas a veces serio, a veces jocoso, siempre expresivo. No es propenso a enturbiar la ilusión que abraza el hombro del hombre latino. Los latinos son románticos, casi todo el mundo está de acuerdo. Han tenido mucho a su favor para fomentar el sentimiento: el clima, la luz de la luna, la música. La música ha sido su don particular. "Dino Latino" lo aprovecha, concentrándose en la creación de una atmósfera de placer._Mort Goode
En 1962, Capitol Records, el antiguo sello discográfico de Dean Martin, y Reprise Records, su nuevo sello, se enzarzaron en una batalla cuando el primero publicó sus últimas grabaciones para él y el segundo sacó a la venta material recién grabado. (La escaramuza era un espectáculo secundario de la guerra más grande entre las dos compañías por Frank Sinatra, que había fundado Reprise incluso antes de terminar su contrato con Capitol). ¡En las estanterías de LPs, Capitol golpeó primero con Dino! Italian Love Songs en febrero, y el álbum se convirtió en el primero del cantante en figurar en las listas de los más vendidos. Reprise le siguió con French Style en abril. Cha-Cha De Amor, el último álbum que Martin grabó para Capitol, apareció a principios de noviembre, y tres semanas después Reprise respondió con Dino Latino. Los dos sellos parecían decididos a enfatizar el atractivo internacional de Martin con estos lanzamientos, y habiendo ido ya a Italia y Francia, musicalmente hablando, Martin no tuvo muchos problemas para extender su gira a los países de habla hispana. El arreglista y director de orquesta Don Costa realizó cinco arreglos de cuerda y cinco de metal, variando los tonos del álbum desde la juguetona "In a Little Spanish Town", con su animado solo de trompeta de Don Fagerquist, hasta los exuberantes encantos de "What a Diff'rence a Day Made". Martin cantó convincentemente en español aquí y allá, sin que pareciera esforzarse por sus efectos. El exceso de lanzamientos de los dos sellos no parece haber perjudicado sus ventas como lo hizo con las de Sinatra; Dino Latino se convirtió en su primer álbum de Reprise en llegar a las listas de éxitos.
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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