Martin Denny - Exotica

Martin Denny (n. en Nueva York el 10 de abril de 1911 – f. en Honolulu el 2 de marzo de 2005) fue un músico estadounidense, intérprete de piano y compositor, mejor conocido como el "padre de la música exótica". Su trayectoria artística se prolongó hasta la década de 1980, viajó por casi todo el mundo, popularizando su estilo musical el cual estaba enriquecido por percusiones especiales (exóticas, al menos para el escucha norteamericano) y arreglos imaginativos para canciones populares de su época. Dichos temas fueron el inicio de la llamada Cultura Tiki. De las filas de su agrupación surgieron dos geniales instrumentalistas con una acentuada influencia de Denny: Julius Wechter de Baja Marimba Band y el notable percusionista y músico Arthur Lyman.
Denny nació en Nueva York, y se desarrolló en Los Ángeles, California. estudió piano clásico y a temprana edad viajó a Sudamérica, por espacio de cuatro años y medio, integrado a la Orquesta de Don Dean. Durante esta gira Denny desarrolló una fascinación especial por los ritmos latinos. Denny coleccionó una gran cantidad de instrumentos étnicos de casi todo el mundo, los cuales comenzó a usar dentro de sus interpretaciones musicales.
Después de servir dentro de la Fuerza Aérea Norteamericana durante la Segunda Guerra Mundial, Denny retornó a Los Angeles en donde completo sus estudios de Piano y composición bajo la dirección del Dr. Wesley La Violette y orquestación bajo la tutela de Arthur Lange en el Conservatorio de Música de Los Angeles. También estudió en la Universidad del Sur de California.
Hacia enero de 1954, Do the Beachcomber llevó a Denny a Honolulu, Hawai por un contrato de dos semanas. Se quedó ahí después para formar su propio combo en 1955, actuando contratado por el Shell Bar en el Hotel Hawaiian Village en Oahu y pronto firmo para el sello discográfico Liberty Records. El combo (conjunto musical) estaba formado por Augie Colon en las percusiones e imitaciones de trinos de pájaros, Arthur Lyman en los vibráfonos, John Kramer en el Contrabajo y Denny al piano. Lyman pronto abandonó el conjunto para formar el suyo propio, siendo remplazado por Herb Alpert y Julius Wechter, Harvey Ragsdale remplazaría posteriormente a Kramer._(wikipedia)

No es de extrañar que el fabuloso Henry Kaiser, que ha cambiado la cara de Waikiki en dos años con un poco de energía y 1O millones de dólares, sea también saludado por la gente de las agradecidas islas hawaianas como el hombre que descubrió el combo musical más popular de Hawai: El Grupo Martín Denny.

Cuando Kaiser abrió su legendario pueblo tropical hawaiano, contrató a un cuarteto de músicos recién organizados para un puesto de dos semanas. Podrían haberse quedado para siempre entre los turistas sorbiendo bebidas exóticas y engullendo un jazz poco creíblemente apetecible.

No hubo una sola noche en un año de actuaciones del Martín Denny Combo en la que el lujoso Shell Bar no estuviera atestado hasta los cocoteros de turistas y locales que sucumbieron a la magia de la música de Martín Denny.

Lo mejor del grupo son los nuevos sonidos y el ritmo lujoso que surgen de las improvisaciones sonoras del líder Martín Denny. "Establecemos un estado de ánimo acentuando el contenido melódico y lo realzamos con efectos novedosos", explica Denny.

Pero nada puede explicar de forma sucinta por qué la música del grupo fue pronto un "must" para los turistas junto con Diamond Head y Pearl Harbor. Hay que escucharla, experimentarla, para creer que los vasos, los platillos pequeños, las baquetas de bambú con parches y los efectos orientales exóticos pueden enriquecer tanto la música. Cualquier tipo de música -concierto, pop, jazz, afrocubana- adquiere otra dimensión cuando la interpretan August Colon a los bongos, Julius Wechter a los vibráfonos, Harvey Ragsdale al bajo y el propio Martín al piano, además de crear todos ellos su propia marca especial de sonidos.

Así que prueba los emocionantes sonidos de Martín Denny... Exótica como sólo Martín Denny puede presentarla.

                                                                       

                                                                             

Martin Denny - Exotica (1957)

Temas:
01. Quiet Village (Written-By - Les Baxter)
02. Return To Paradise (Written-By - Tiomkin, Washington)
03. Hong Kong Blues (Written-By - Hoagy Carmichael)
04. Busy Port (Written-By - Les Baxter)
05. Lotus Land (Written-By - Cyril Scott)
06. Similau (Written-By - Carr, Coleman)
07. Stone God (Written-By - Les Baxter)
08. Jungle Flower (Written-By - Les Baxter)
09. China Nights (Shina No Yoru) (Written-By - Takeoka)
10. Ah Me Furi (Written-By - Gil Baumgart)
11. Waipio (Written-By - Francis Brown)
12. Love Dance (Written-By - Les Baxter)

Yasek Manzano - Amnios 1407

Yasek Manzano Silva. Virtuoso trompetista cubano. Dotado de un virtuosismo reconocido en Cuba y otras latitudes fue alumno del inmenso trompetista Winston Marsalis. Este joven músico cubano captó todo lo que le mostró el norteamericano y alimentó sus raíces con la forma y el estilo de quien es considerado una referencia dentro del mundo jazzístico.
El nombre Yasek Manzano empezó a asociarse con el genio y talento musical desde que era un adolescente cuando apenas con 13 años resultó ganador del Primer Premio en el Concurso Nacional Amadeo Roldán. Ya a los 15 años comenzó a tocar en La zorra y el Cuervo. Cursó estudios en los Conservatorios Alejandro García Caturla y Amadeo Roldán. Poco después, a finales de los 90, tras compartir escenario con Winston Marsalis, prestigioso trompetista norteamericano y director de la Orquesta de jazz del Lincoln Center, obtuvo una beca para estudiar en un Programa Especial de Jazz en la prestigiosa Juilliard School, en Nueva York, donde fue alumno precisamente de Marsalis. En 1997, un gran trompetista de jazz americano, Roy Hargrove, le dio su primera trompeta y Yasek Manzano empezó a tocar en varias sesiones en la ciudad.
Regresó a La Habana en el 2003 permeado de mucho más talento y energía, formó su grupo y grabó su primer disco en colaboración con Roberto Martínez.
Ha compartido escenarios con importantes músicos cubanos y extranjeros entre los que se pueden citar Bobby Carcassés, su primer maestro; Chucho Valdés, Orlando Valle "Maraca", Celia Cruz, la orquesta Los Van Van, el grupo Irakere y los trompetistas norteamericanos Roy Hargrove y Nicholas Payton, entre otros.
En el 2006 representó al país durante la celebración de la Jornada de la Cultura Cubana en Italia, al año siguiente en el Festival Internacional de Jazz de Barbados, y más recientemente en el Festival de Jazz de República Dominicana integrando el grupo Irakere bajo la dirección del Maestro Chucho Valdés con quien se ha presentado en importantes conciertos en Cuba.
Los conciertos de Manzano son únicos por la presencia de efectos guturales y la influencia en su obra del minimalismo, tendencia contemporánea que trata de representarlo todo con los mínimos elementos.
Ha sido invitado a países como los Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Suiza, Italia, Barbados con el fin de tocar con otras personalidades..._(ecured)
                                                                     

                                                                                     

Yasek Manzano - Amnios 1407 (2009)

Temas:
01. Amnios (Yasek Manzano)
02. Drume Negrita (E. Grenet)
03. Congo Bronx (Yasek Manzano)
04. Lourdes (Yasek Manzano)
05. Pasos de hipopótamo (David Faya)
06. El matemático (Yasek Manzano)
07. Extraña melancolia (Yasek Manzano)
08. 26 y 2 (John Coltrane)
09. Payaso (Yasek Manzano)
10. Perto di Bari (Yasek Manzano)

Musicos:

Yasek Manzano (Trompeta, fliscorno, arreglos)

Jorge Luís Pacheco (Piano, teclados)

David Faya (Contrabajo, bajo eléctrico)

Carlos "Chepi" Mejias (Saxo Alto y Soprano) 

Reinier Mendoza (Batería)

Edgar Martínez (Percusión)

Musicos Invitados:

Chucho Valdés (Piano #8)

Janet Valdés (Voz #2)

Jorge Chicoy (Guitarra eléctrica #6, Guitarra acústica #7)

José Ángel "El Negro" (Berimbao, yembé #3)

Ariel Tamayo (Paila #7 y #8, Batería #8)

Yandy Martínez (Bajo eléctrico #8)

Orquesta de cámara de La Habana (#4)

El Niño Jesus - Soy Montuno

Jesús Alejandro Pérez (apodado Niño Jesús , "Baby Jesus") es un multiinstrumentista y director de orquesta cubano-canadiense con sede en Montreal y Los Ángeles. Es miembro de Makina Loca de Ricardo Lemvo, una banda de salsa que combina estilos musicales cubanos y angoleños.

Nacido en La Habana, Jesús emigró a los Estados Unidos a una edad temprana, viviendo en Nueva Orleans y Miami y ganándose el apodo de "El Niño" (The Kid), ya que solía ser el miembro más joven de cada banda que tocaba. Durante la década de 1980, su trabajo con la Orquesta Versalles de Los Ángeles (con la compositora y pianista La Palabra), fue popular entre los bailarines y consolidó las credenciales de Pérez como director de orquesta.

Desde 1997, Pérez reside en Montreal; su conocimiento de la música cubana lo ha convertido en uno de los ejes de la escena salsera canadiense. Sus arreglos tienden hacia el sonido tradicional de la charanga, el son y la rumba, y menos hacia los sonidos estándar de la salsa posterior a los 80. Publica sus discos a través del sello LMS Records.

Fuera de Canadá, Pérez es mejor conocido por sus giras y grabaciones con Makina Loca de Ricardo Lemvo, donde toca la flauta, a veces el piano, y canta algunas voces. El destacado percusionista Edwin Bonilla (miembro de la banda de Gloria Estefan desde hace mucho tiempo) recurrió a Pérez por su sonido tradicional ("duro"), y lo tuvo como colaborador en sus discos publicados por el sello SAR. Otros músicos que han involucrado a Pérez en relaciones artísticas desde hace mucho tiempo incluyen a Johnny Polanco y Héctor Cuevas.

Además de sus habilidades como director de orquesta y productor, Pérez también toca el piano, la flauta, el tres y la percusión._ (wikipedia)

Más información relacionada
                                                                                   

                                                                                    

El Niño Jesus - Soy Montuno (2009)

Temas:

01. La Guiñaita (Jorge Ayala)

02. Soy Montuno (Enildo Padrón y Jesús Alejandro)

03. Antigua Capitana (Enildo Padrón y Jesús Alejandro)

04. Te Extraño Cuba - "Guantanamera" (Jesús Alejandro)

05. Asomate A La Ventana (Jesús Alejandro)

06. Coge La Recta (Jesús Alejandro)

07. El Africano (Jesús Alejandro)

08. A Bailar (Jesús Alejandro)

Musicos:

Jesús "El Niño" Alejandro (Voz, piano. bajo, maracas, flauta, tres y coros)

Kiko Osorio (Tumbadoras, bongó, timbales, claves y coros)

Eduardo Sánchez (Trompeta)

Martin Bougie (Trombón)

Leo Ceballos (Güiro)

Roberto Torres (Coros)

Yerba Buena - President Alien

Yerba Buena es una banda de fusión nominada a los Premios Grammy con sede en Nueva York. El proyecto estuvo empezado por compositor venezolano, productor e instrumentista Andres Levin, y la cantante y compositora Cucu Diamantes quién trajo al compositor cubano Descemer Bueno a Nueva York. Todos trabajaron de conjunto en la concepción de la banda, pero después Bueno abandonó el grupo para proseguir su carrera en solitario. Originalmente la banda incluyó al percusionista y cantante cubano Pedrito Martinez y la cantante Xiomara Laugart.
La música de Yerba Buena (como describen Razor and Tie, el sello discográfico de la banda) es una mezcla de música latinoamericana de origen africano (rumba cubana, cumbia colombiana, soca caribeña, y boogaloo cubano) con hip-hop, Soul Motown, Afrobeat de África Occidental y sonoridades del Medio Oriente.
Con anterioridad al lanzamiento del álbum President Alien, Yerba Buena colaboró con Me'Shell NdegéOcello en una pista titulada "Gentleman" para el álbum recopilatorio del tributo de la Red Hot Organization a Fela Kuti, Red Hot and Riot. Ellos también aparecieron en una pista llamada "Colonial Mentality" para el CD. El álbum producido por Paul Heck fue aclamado por la crítica y donó su recaudación a varios proyectos de caridad a pacientes de SIDA.
El álbum de debut de la banda, President Alien, fue lanzado el 15 de abril de 2003. Para la grabación del álbum, Levin y Diamantes invitaron a varios colegas con los que habían colaborado antiguamente, incluyendo:
Cantante Xiomara Laugart
Bajista/cantante Meshell Ndegeocello;
Cantante brasileño-compositor y percusionista Carlinhos Brown;
Guitarrista Marc Ribot;
tecladista Money Mark;
Trompetista Roy Hargrove;
rapero Stic.man (de Dead Prez fame);
percusionistas Horacio “El Negro” Hernández y Terreon “Tank” Gully;
Bajista Sebastian Steinberg, y un anfitrión de otros artistas.
President Alien fue un éxito inmediato . En 2004, el álbum de 12 pistas estuvo nominado para el Premio Grammy al Mejor Álbum de Rock/Alternativo Latino. La banda apoyó el lanzamiento del CD de debut con una extensa gira.
La popularidad de la banda ha llevado al grupo a tocar en múltiples festivales de verano Central Park Summerstage, el Hollywood Bowl, El Newport Festival de Jazz, Montreal's Nuits D'Afrique y Tempo Latino en Francia, entre otros.
Ben Ratliff de The New York Times ha descrito Yerba Buena cuando “uno de las mejores nuevas bandas de baile de Nueva York, mezclando boogaloo latino de los 60, música religiosa afrocubana, algunas sonoridades cercanas al soul y el Afrobeat de Fela. Es una historia de la transmisión de la cultura Yoruba en pocas palabras, y es una buena fiesta.”
Desde Island Life, Diamantes y Laugart grabaron álbumes en solitario, mirando más de cerca la música cubana tradicional, mientras Yerba Buena estaba todavía por lanzar un tercer CD. Diamantes puso el énfasis en sus composiciones propias, mientras Laugart grabó clásicos "Manicero", "Hijo de la Loma" y "Bésame Mucho", entre otros. En 2009 dieron sus últimos conciertos como banda._(wikipedia)
                                                                         

                                                                                      

Yerba Buena - President Alien (2003)

Temas:
01. Guajira (I Love U 2 Much)
02. Tu Casa, Mi Casa
03. La Gringa
04. Solito Me Quede
05. Electric Boogaloo
06. Fuego
07. Wassamatter Baby?
08. Bote Bote Va
09. Seguirme
10. Definition of a Warrior
11. Rompe El Cuero
12. Solar


Información cedida por Hector Guillermo Copete

Libro: Jazz en español. Derivas hispanoamericanas

Jazz en español, derivas hispanoamericanas
Coordinación y prólogo: Julián Ruesga Bono

¿Cómo debemos pensar críticamente productos artísticos y códigos estéticos que, aunque tengan una genealogía que es posible rastrear hasta una ubicación específica, han cambiado bien con el paso del tiempo, bien a raíz de su desplazamiento, corrimiento o difusión a través de redes de comunicación e intercambio cultural? 
Paul Gilroy, Atlántico Negro. Modernidad y doble conciencia.

Posiblemente, el jazz, haya creado el espacio musical que mejor refleja la transformación de la cultura occidental a lo largo del siglo XX. Su nacimiento fue paralelo al de los sistemas de comunicación modernos y a la constitución inicial de la cultura de masas. Su periodo formativo coincidió con el primer desarrollo de las tecnologías de grabación y reproducción del sonido, y su catalogación como género es indisociable de la aparición de la industria discográfica, la radio y las industrias del entretenimiento modernas que le dieron nombre, a la vez que favorecieron su pronta difusión y circulación pública por casi todo el mundo urbano. A través de estos medios llegó a audiencias situadas mucho más allá de su localización de origen, lo que hizo que toda su historia, como género musical, haya estado llena de cruces y encuentros con otras músicas y músicos –y que desde ese mismo momento inicial haya estado marcado por la hibridación y el mestizaje entre las sonoridades y músicas más heterogéneas. La música de jazz fue la primera en viajar a la velocidad que la modernidad alcanzaba, adquiriendo un sentido evolutivo y heterodoxo que ha sido su seña de identidad durante todo el siglo XX. De identificarse como una música afronorteamericana derivó a ser un campo de creación musical transnacional con aportaciones de músicos repartidos por todo el planeta.

Este libro que presentamos, Jazz en español, derivas hispanoamericanas, muestra un extenso mapeado del jazz que se hace en los países castellanohablantes. Los diferentes capítulos del libro ponen en valor la presencia de los músicos hispanos en la aparición y desarrollo del jazz, a la vez que narran cómo llegó y se difundió en cada país, presentando las diferentes escenas nacionales. Cada capítulo se ocupa de un país, y está escrito por un especialista de ese país. En conjunto, muestra los desarrollos que han generado y conformado la diversidad formal que caracteriza al jazz hecho en Latinoamérica y España –y las distintas maneras de pensar y entender la creación musical en, y desde, nuestros países.

La imagen con la que siempre se explicó la historia del jazz y su desarrollo –de Nueva Orleans al jazz-rock– hoy resulta insuficiente y reduccionista para entender los últimos cincuenta años de su historia, aproximadamente la mitad de sus poco más de cien años de existencia. “La narrativa historicista que nos permite entender la evolución del jazz hasta los años 70 del siglo pasado resulta insuficiente para trazar una morfología de estos últimos tiempos. El jazz se expandió horizontalmente y su dispersión geográfica, a modo de paradoja estética de la globalización, produjo algo más que réplicas de un modelo dominante”, escribe Sergio Pujol en el libro. Así, la historia del jazz, puede considerarse como la combinación de muchas historias vinculadas a diferentes audiencias y escenas locales. El jazz no fue inventado y después exportado, fue creado en el transcurso de su difusión geográfica y cultural; pasó de ser una música de moda y baile –que dio nombre a la década de 1920: “la era del jazz”- a una música autorreflexiva, exploratoria de nuevas sonoridades y formas de hacer, que bebe tanto de las músicas populares como de la tradición musical académica y sus vanguardias. 

Precisamente, Jazz en español, derivas hispanoamericanas, muestra esto: como músicos y audiencias de diferentes lugares han hecho del jazz lo que es, a lo largo de casi un siglo, y como ha pasado a formar parte de la cultura musical contemporánea de los diferentes países hispanos. El jazz es una música globalizada llena de miradas, acentos y entendimientos locales; lejos de representar una supuesta homogenización cultural, es un espacio creativo que ha permitido a los músicos justo lo contrario: tomar y mostrar lo que realmente les parece relevante y les interesa desarrollándolo en su música –tanto de la cultura musical mundializada como de las músicas locales próximas o que circulan en los medios audiovisuales de comunicación. El jazz, hoy, en la cultura occidental, es la música de una clase media urbana, culta, progresista y, aún, algo bohemia. 

El ámbito profesional de cada uno de los autores de los diferentes capítulos es muy diverso. Algunos son académicos, otros periodistas, otros son músicos, musicólogos o historiadores, y en muchos casos se desempeñan en varias categorías simultáneamente. Esto proporciona al libro una diversidad y variedad de miradas que redunda en reflexiones y narraciones muy diferentes, cada una de ellas subrayando las singularidades y confluencias en el desarrollo histórico y el significado actual del jazz en cada país. En resumen, un libro de largo y amplio recorrido, que informa y debate el jazz que habla español, con el objetivo básico de facilitar el conocimiento mutuo y acercamiento entre las diferentes escenas nacionales de jazz –y con ello generar lazos que fomenten y amplíen el campo de acción y colaboración de las personas e instituciones involucradas en la construcción diaria del jazz en nuestros países. 

Participan: Julián Ruesga Bono (Presentación), Sergio Pujol (Argentina), Sergio Calero (Bolivia), Darío Tejada (Caribe insular), Luis Monge (Centroamérica), Álvaro Menanteau (Chile), Juan Carlos Franco (Colombia), Joaquín Borges-Triana (Cuba), Juan Mullo Sandoval (Ecuador), Iván Iglesias (España), Alain Derbez (México), Germán Lema (Paraguay), José Ignacio López Ramírez-Gastón (Perú), Luis Ferreira y Berenice Cortí (Uruguay) y Dimitar Correa Voutchkova (Venezuela). 

Hasta ahora, Jazz en español, derivas hispanoamericanas, tiene cuatro ediciones. La primera de 2014, fue publicada por la editorial de la Universidad Veracruzana de Xalapa, México, ISBN: 978-607-502-272-7. 
Disponible Edición México: Sitio web

La segunda es española, realizada por CulturArts-Música, Generalitat Valenciana, en colaboración con la Fundación SGAE, en 2015, ISBN: 978-84-482-6015-6. Disponible Edición España: Sitio web, Correo electrónico
C/ Navellos, 15, 46003 València
963 425 856

La tercera ha sido publicada en Perú por el Instituto de Etnomusicología de la Universidad Católica de Lima, en 2016, ISBN: 978-612-45070-2-1. Disponible Edición Perú: Sitio web

La cuarta edición es la realizada en Cuba por el Fondo Editorial de Casa de las Américas, en 2017, ISBN.: 978-959-260-506-0. Disponible Edición Cuba: Sitio web, Correo electrónico
Librería Rayuela
Librero: Roberto Navarro
Calle 3ra. esquina G, CP 10 400, El Vedado, Plaza de la Revolución, La Habana, Cuba
(53) 7 8307493; 8382706 al 09, Ext.110

P.D: No existe edición digital por el momento, solo en librerias.

Teo Macero - Acoustical Suspension

Attilio Joseph Macero (30 de octubre de 1925 - 19 de febrero de 2008), más conocido como Teo Macero, fue un productor discográfico, compositor y saxofonista de jazz.

Tras graduarse del Juilliard School of Music en 1953, se asoció con Charles Mingus y confundaron el Charles Mingus' Jazz Composers Workshop, y produjo su primer álbum Monk's Dream.

Macero se hizo famoso siendo productor discográfico de jazz de la compañía Columbia Records. Tuvo una larga y fructífera relación con Miles Davis. Produjo algunos clásicos de Davis, como Kind of Blue (1959), el álbum de jazz más vendido en la historia, Porgy and Bess (1958), Sketches of Spain (1960) y Someday My Prince Will Come (1961). Después, Davis se aventuraría con un nuevo estilo y se fusionaría con la música electrónica, álbumes como In a Silent Way (1969), Bitches Brew (1970), o A Tribute to Jack Johnson (1971), trabajos de gran importancia gracias a las innovadoras técnicas de Macero para mezclar y grabar, inspiradas en parte por el compositor de avant-garde Edgar Varèse, uno de los pioneros en la música electrónica, y con quien Macero había colaborado en Juilliard.

Durante su estancia en Columbia, también produjo álbumes para artistas como Thelonious Monk, Dave Brubeck, J. J. Johnson, Johnny Mathis, Mahalia Jackson y Simon and Garfunkel, incluyendo la banda sonora de El Graduado, álbum que contiene el éxito "Mrs.Robinson".

Aunque Macero estaba semijubilado por unos cuantos años, siempre estuvo activo en la música. Junto con Prince Paul, produjo el primer álbum en solitario de Vernon Reid, y tocó el saxofón en el debut de DJ Logic._(wikipedia)

Teo Macero, mejor conocido como productor, solo ha grabado como saxofonista tenor de manera muy poco frecuente a lo largo de las décadas. Este insólito álbum cuenta con cuatro grupos muy diferentes que interpretan los originales de Macero. El vibrafonista Lionel Hampton y el saxofonista tenor Gato Barbieri (una pareja extraña) se escuchan en cinco números junto con una sección de saxofón, dos teclados, dos guitarras y una sección de ritmo. "Summer Rain" combina al flautista Dave Valentin y al soprano-saxofonista Dave Liebman, mientras que "Silent Summer" es un dúo de piano para Mike Nock y Mal Waldron. Macero solo aparece en un número, formando equipo con Liebman, el contralto Carlos Ward, el bajista Cecil McBee y Orlando Digirolamo en acordeón; todo un quinteto. En general, la escritura no es tan fuerte como los solos, pero este álbum algo excéntrico ciertamente se destaca entre la multitud._Scott Yanow (allmusic)





Teo Macero - Acoustical Suspension (1985)

Temas:
01. The Man With The Horn 
02. Slow And Easy 
03. 8 Minus 10 
04. Summer Rain 
05. Silent Summer 
06. Acoustical Suspension 
07. Hey Man, What's Happenin'? 
08. Sun Rays (Violet Bleu)

Musicos en:
"The Man With The Horn", "Slow And Easy", "Acoustical Suspension", "Hey Man, What's Happenin'?", "Sun Rays (Violet Blue)":
Lionel Hampton - Vibraphone
Gato Barbieri - Tenor Saxophone Solos 
Dave Valentin - Flute
David Liebman - Soprano Saxophone 
Alex Foster - Alto Saxophone
Bill Evans, John Stubblefield - Tenor Saxophones 
Mike Nock - Fender Rhodes, Mini Moog
Jorge Dalto - Acoustic Piano
Larry Coryell, Ryo Kawasaki - Guitars
Lincoln Goines - Fender Bass 
Carol Steele - Percussion 
Buddy Wiliams - Drums

"8 Minus 10":
Teo Macero - Alto Saxophone Solo, Tenor Saxophone 
David Liebman - Soprano Saxophone
Carlos Ward - Alto Saxophone  
Orlando Di Girolamo - Accordian 
Cecil McBee - Bass

"Summer Rain":
Dave Valentin - Flute
David Liebman - Soprano Saxophone 
Mike Nock - Keyboards
Jorge Dalto - Acoustic Piano 
Ryo Kawasaki - Guitar
Alyrio Lima, Carol Steele - Percussion 
Buddy Wiliams - Drums

"Silent Summer":
Piano Duet by Mike Nock and Mal Waldron