Yeska, el orgullo del este de Los Angeles, quien comenzó como un conjunto relámpago para poder participar en un concurso de talento para su escuela secundaria, esta escalando melódicamente, asi que quedan advertidos o (advertidos todos). Con el lanzamiento en Aztlan Records de su primer disco “SKAFROCUBANJAZZ” Yeska se estrena en la escena global con su ritmo, expandiendo él genero musical world beat. Con raíces en Jazz Cubano y Ska Jamaiquino, estos músicos jóvenes afilaron el estilo vibrante de su nativo Los Angeles por un sonido moderno y casi revolucionario. Parte Ska? Parte Jazz? Si. Yeska cordialmente invita a los fanáticos de Ska, de Jazz y la audiencia de world beat a entrarle a las deliciosas, trompetas agudas de Seith Zwerling (trompeta), David Urquidi (saxofones), Sheffer Bruton (trombón), las rasgueadas precisas de Joey Kraut y el Funk del Bajista Jose Esquivel. También bienvenido el pianista-genio Walter Miranda, baterista Alfredo Ortiz (quien ha estado de gira con grupos como The Beastie Boys y The Offspring) y músico invitado, congero, Giovanni Valdes. Los jóvenes, músicos innovadores en Yeska han avanzado considerablemente en un periodo de tiempo bastante corto. Con sus raíces originando en la escena musical del este de Los Anglés, el grupo rompió barreras musicales y culturales al ser el primer grupo único en su genero porque son Latinos con estilo en Los Angels y tocan en lugares como Luna Park, The Viper Room y The Dragonfly. Desde entonces, Yeska ha conquistado todos los clubes y antros principales de Los Angeles incluyendo al prestigioso House of Blues y Universal Amphitheater. Abriendo escenarios para músicos como Tito Puente o grupos como WAR, Hepcat, Let’s Go Bowling, y los Cherry Poppin’ Daddies, “Hollywood” le hizo un llamado a Yeska cuando el canal de Showtime uso la canción “Fideo” como tema para el Festival Latino de Risas. SKAFROCUBANJAZZ es la contribución elegante y original que Yeska hace a la latinanisacion de ska de hoy. El Ska origino en Jamaica en los primeros anos de la década de los 60’s. Immigrantes llevaron la segunda ola del estilo a Inglaterra en los anos 70’s y la tercera ola introdujo el Ska a Estados Unidos en los 80’s, la cuarta ola (o “cuarta generación” como Yeska Titula el Segundo tema en SKAFROCUBANJAZZ) es la fusión de hoy que mezcla el Ska con una lírica Latina y sabor musical distincitva.~reychangosupersonico YESKA - the cover up
Temas: 01-Tin Tin Deo 02-Don't Brother Me No More 03-Fried Nackbones And Some Home Fries 04-A Gozar Timbero 05-Eternaly 06-Joey Toca El Tres 07-Sweet Tater Pie 08-Reburial 09-Hassan's Dream 10-Calzada del Cerro
Musicos: Seth Zwerling - Trompeta David Urquidi - Saxofon Sheffer Bruton - Trombón Joey Kraut - Guitarra Jose Esquivel - Bajo Alfredo Ortiz - Bateria
Al Di Meola (Al Laurence Dimeola. Jersey City, 22 de julio de 1954), es un músico estadounidense de jazz. Es uno de los grandes representantes de la fusión jazzística, en su caso tanto con el rock como con las llamadas músicas del mundo, fruto de su interés por otras tradiciones musicales extrañas al ámbito occidental. Es considerado un virtuoso tanto con la guitarra eléctrica como con la acústica.~(wikipedia)
La continuación del magnífico Elegant Gypsy no fue tarea fácil, pero Al Di Meola dio lo mejor de sí mismo con el disco Casino, de estilo similar, publicado en 1978. Con una banda formada por Steve Gadd, Anthony Jackson y Barry Miles (con quien di Meola se reunió antes de que el guitarrista fuera invitado a unirse a Return to Forever), la interpretación es aguda y ardiente, a la altura de la intensidad juvenil del líder. Di Meola es un buen compositor en el lenguaje de la fusión, y las cuatro composiciones originales de Casino, aunque llevan claramente la marca de la influencia de Chick Corea, son sólidas. Su "Fantasia Suite for Two Guitars", en la que Di Meola se acompaña a sí mismo mediante multipistas, es hermosa y dramática, y deja entrever los posteriores trabajos totalmente acústicos del guitarrista, como Friday Night in San Francisco. "Dark Eye Tango" se abre con un tema lento antes de convertirse en un vehículo acelerado para la Les Paul de di Meola. De hecho, son los solos del líder los que a menudo evitan que los ritmos latinos de Casino suenen rancios y un poco anticuados. Su característico fraseo staccato y sus improvisaciones a alta velocidad son lo que se percibe a primera escucha, pero di Meola tiene un excelente sentido del fraseo que está innegablemente presente. Contrariamente a la opinión popular, sabe utilizar bien su técnica. Casino no es tan potente como Elegant Gypsy o Romantic Warrior, pero merece la pena para los fans de di Meola o de toda la escena de fusión de los años setenta.~Daniel Gioffre (allmusic)
Jerry González, nació en Nueva York el 5 de junio de 1949 en el barrio latino del Bronx. Como compositor e interprete de percusión, trompeta y flugelhorn es uno de los artistas más reconocidos en la música Jazz latina (también conocida como "afrocuban jazz").Sus influencias más relevantes se encuentran en Miles Davis y en Dizzy Gillespie, de cuya banda formó parte en los primeros años de la década de los 70. Tras unas experiencias con otros artistas como Manny Oquendo y Eddie Palmieri, Jerry forma la que sería su banda durante los años 80 y primeros de los 90, la Fort Apache Band junto a Andy González (su hermano), Larry Willis y Steve Berrios. Pese a obtener cierto reconocimiento en publico y crítica con los discos de la Fort Apache Band, Jerry González fue lanzado al resto del publico al participar en el documental de Fernando Trueba "Calle 54", en el que actúan muchos de los artistas más importantes de la corriente del Latin Jazz (Paquito D'Rivera, Michel Camilo, Eliane Elias, etc.).Tras el estreno de la película en 2000 Jerry comienza a recibir invitaciones para participar en festivales y conciertos en España, fijando desde entonces su residencia principal en Madrid y actuando con regularidad en las salas de jazz más importantes de la capital de España. Asimismo su estancia en Madrid le ha permitido participar en grabaciones con distintos artistas como Andrés Calamaro o Martirio. Especialmente interesante es la experiencia de fusión jazz-sonidos flamencos y que han dado como resultado discos como "Jerry González y los piratas del flamenco" (2004) junto a artistas flamencos como Piraña, Niño Josele o Diego "El Cigala". Su ultimo proyecto pasa por seguir fusionando Jazz y flamenco con la revisión del clásico de Miles Davis "Flamenco sketches".
Jerry González y Los Piratas del Flamenco Respaldado por un grupo de músicos flamencos, entre ellos acústica y eléctrica guitarristas Niño Josele e Israel Sandoval, Israel Suárez "Piraña", un maestro del cajón - una pieza de madera, caja-como instrumento de percusión - y la gran Cantador Diego El Cigala, González explora las invenciones y la vinculación de estas dimensiones español de América y géneros musicales. El tradicional "Hubo Un Lugar" González características del cuerno mantecoso overdubbed durante su congas, Josele, complementado por la guitarra sinewy líneas. "Para Julia Rosa", escrito por la madre de Jerry, es una rumba zesty, mientras que "En El Corazón De Pescaderías", es un medio tempoed bulería finessed de González del silencio, Milesian músicos y su igualmente impresionante cajón de juego.
El "Gitanos De La Cava," y compositor puertorriqueño Pedro Flores de la canción "Obsesión," - con González, hermano menor de Andy en el bajo - Cigala apasionado del Cante Hondo gritos paralelo González del Cuerno de Oro. "Piratas de Lucía" es una hypnotically sincopado homenaje al legendario guitarrista Paco de Lucía."Donnali" es el latín jazz / flamenco traducción de Charlie Parker's bop clásico "Donna Lee, y" Monk's Soniquette ", se transforma de Thelonious Monk" Monk's Dream "en un tablao festivo, sazonada con la distinta e intrincado flamenco handclaps llamado palmas. Grabado en España. GRAMMY Nominación - 2004 - Latin Jazz. Con esta grabación Jerry González ha proyectado su visión musical más largo plazo mediante la incorporación de las flamenco en su idioma y Jazz Afro-cubano discurso.''El flamenco personas con conocimientos dicen que Jerry la estancia en España ha cambiado para siempre flamenco porque él es abierto a otras músicas "- Fernando Trueba, director de la película Calle 54.
Dizzy Gillespie y la Orquesta de las Naciones Unidas En vivo en el Royal Festival Hall, Londres
Aunque la percepción que la mayoría de las personas no expertas en jazz tienen de Dizzy Gillespie existe principalmente en el ámbito de la caricatura, los que conocen su obra y su enorme contribución evolutiva al desarrollo del estilo no pueden disipar esta noción sin despojarse de mucho de lo que hacía a Dizzy, bueno, Dizzy. Con sus mejillas de globo, su trompeta de campana doblada y sus payasadas sobre el escenario, Gillespie era el gato original del jazz.
Junto con Charlie Parker y Thelonious Monk, Gillespie ayudó a llevar la improvisación del jazz más allá de sus trillados y cómodos confines armónicos en una dirección totalmente nueva con el bebop. Más tarde, Gillespie empezó a incorporar y combinar sabores latinos, cubanos, africanos y caribeños en su música, una revolución en el ritmo del jazz tan vital como su contrapartida armónica.
Y olvídese de intentar compilar una lista completa de los antiguos compañeros y protegidos de Gillespie; es un ejercicio inútil y agotador que nombraría a casi todos los músicos de jazz notables de las últimas cuatro décadas. Aunque menos innovador en sus últimos años, Gillespie todavía disfrutó mucho interpretando el papel de embajador musical, haciendo avances constantes para mantener al jazz a la vanguardia de la conciencia pública mientras difundía la buena voluntad a su manera interminable y atractiva hasta su muerte en 1993.
Live at the Royal Festival Hall, Londres, es un excelente ejemplo de Gillespie en su elemento. Formada en 1988, su United Nations Orchestra era una ecléctica colección multicultural de algunos de los mejores y más brillantes músicos de jazz del mundo. Muchos de sus miembros, si no todos, eran ya reconocidos maestros del género, mientras que algunos de los más jóvenes han utilizado el conjunto como trampolín para sus exitosas carreras en solitario.
Grabado al final de una vertiginosa gira europea -18 conciertos a lo largo de 21 días en 11 países-, este espectáculo captura la esencia del encanto y las habilidades de Gillespie. Abriendo con "Tin Tin Deo", un original de Gillespie, el sabor internacional del concierto es evidente. El percusionista Airto Moreira, el conguista Giovanni Hidalgo y el batería Ignacio Berroa marcan un ritmo implacable para el grupo mientras Gillespie, los trombonistas Steve Turre y Slide Hampton y el saxofonista Paquito D' Rivera ofrecen contundentes giros en los cambios. Mientras tanto, el conjunto se mantiene bulliciosamente activo con la ayuda de los fogosos arreglos de Hampton.
Cambiando al clarinete para "Seresta/Carmen", D' Rivera y el pianista Denilo Pérez ofrecen una sublime versión del vals sudamericano antes de que el resto de la banda entre y dé paso a la segunda mitad del tema con una ráfaga de percusión. Aquí, Hampton, el trompetista Claudio Roditi y Rivera (que vuelve a tocar el contralto) intercambian breves ráfagas de cuatro compases, y luego pasan a frases de dos compases mientras cada uno intenta superar a los demás en términos de pura pirotecnia improvisatoria. A continuación, el famoso trompetista cubano Arturo Sandoval y Gillespie combinan sus talentos en una deliciosa versión de la samba a medio tempo "And Then She Stopped". El diálogo entre los dos es relajado y juguetón, con Pérez contribuyendo con un breve solo antes de que los dos trompetistas se enfrenten. Al final, sin embargo, son las payasadas de Sandoval en la octava superior las que acaparan la atención.
Con "Tanga", la vocalista Flora Purim se une a la banda en esta canción latina. El ágil scatting de Purim es increíblemente limpio y notable, lo que lleva a Gillespie a ofrecer algunos de sus solos técnicamente más impresionantes de todo el disco. Un trío de saxofonistas que incluye a D' Rivera, Mario Rivera y James Moody, compañero de Gillespie desde hace mucho tiempo, luchan furiosamente antes de dar paso a una larga pausa de batería y percusión. Con una duración de algo más de 14 minutos, "Tanga" exige y muestra lo mejor de la orquesta.
"Kush", una obra malhumorada y esotérica, es quizá la selección más inusual del disco. Con Moody en la flauta y el contralto, así como un Gillespie mudo (a lo Miles), el sabor exótico de la melodía es rico. El arreglo se mueve por capas, desde secciones delicadamente flotantes de sonido diáfano hasta pesados bloques de rica resonancia multiinstrumental. Siguiendo en esta línea, "Dizzy Shells" cuenta con el trabajo único de Steve Turre con las caracolas. La maestría de Turre con estos curiosos instrumentos se pone de manifiesto con la interpretación simultánea de dos caracolas a la vez. Uniéndose a él a mitad de la melodía, la sección rítmica hace que el groove sea inmediatamente contagioso, ganándose enseguida al público en tan sólo unos minutos.
Al presentar el tema final del álbum, "A Night in Tunisia", Gillespie afirma cuidadosamente que "ha resistido las vicisitudes del mundo contingente y se ha trasladado en una odisea al reino de lo metafísico". Conocida como la seña de identidad de la composición de Gillespie, "Tunisia" presenta a Moody al saxo y a Sandoval y Roditi a la trompeta antes de dar paso a un breve solo de bajo de John Lee y a una ronda final de cadencias extendidas a cargo del trío completo de trompetistas. Una vez más, la destreza de Hampton como arreglista se pone de manifiesto aquí, tomando el corte clásico y dándole la vuelta. El resultado final es eléctrico, juguetón y de pura naturaleza Gillespie.
En conjunto, Live at the Royal Festival Hall es indicativo del legado de Gillespie, una colección de temas inusuales y exóticos en los que no sólo aparece el líder de la banda, sino también su increíble colectivo de compatriotas. Gillespie es gentil y generoso, más rápido en llamar la atención sobre sus compañeros músicos que sobre sí mismo, pero incluso a los 72 años, Gillespie seguía tocando a un nivel que jóvenes leones de incluso un tercio de su edad sólo podían soñar con alcanzar.~John Kreicbergs (popmatters)
Adriana da Cunha Calcanhotto: (nacio en Porto Alegre, 3 de octubre de 1965) es una cantante y compositora brasileña, considerada una de las más importantes compositoras de la música popular de Brasil contemporánea por la variedad de estilos musicales. Recientemente amplió la actuación en un álbum para niños, Adriana Partimpim (2004), donde obtuvo gran éxito y por el cual fue nombrada para concursar al Grammy latino de mejor álbum infantil en el Madison Square Garden (2 de noviembre de 2006). Las composiciones son variadas en estilos: samba, bossa nova, funk, rock, pop, baladas. También g raba canciones que fueron éxitos en su momento con nuevos arreglos. Es hija de un baterista de una banda de jazz, Carlos Calcanhoto, y una bailarina. A los seis años su abuelo le regaló su primer instrumento: una guitarra clásica. Más tarde también aprendió canto. Luego se impregnó de las influencias de la música popular brasileña y del movimiento literario modernista del país. Quedó fascinada por la obra Antropofagia de Oswald de Andrade, así como por Tarsila do Amaral y otros nombres de aquel movimiento cultural. Comenzó su carrera artística tocando en bares, después en piezas teatrales, para más tarde lanzarse en conciertos y festivales por todo el país. El primer disco, Enguiço (1990), fue muy elogiado y el primer éxito fue Naquela Estação, que integró la banda sonora de la telenovela Raina da Sucata, de Sílvio de Abreu (1990). El año siguiente, recibió el Premio Sharp como revelación femenina. Musicó poemas del poeta portugués Mário de Sá-Carneiro en 1996. En los Juegos Panamericanos de 2007 participó en la ceremonia de apertura. Pagina oficial Adriana Calcanhoto - A Fábrica do Poema (1994)
Temas: 01-Por Que Você Faz Cinema ? 02-A Fábrica Do Poema 03-Bagatelas 04-Metade 05-Sudoeste 06-O Verme E A Estrela 07-Estrelas 08-Aconteceu 09-Cariocas 10-Morro Dois Irmãos 11-Inverno 12-Roleta Russa 13-ema De Alice 14-Portrait Of Gertrude 15-Minha Música
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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denominar Jazz Free, es decir, un...
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Gothenburg Symphony Orchestra conducted by Thord Svedlund
I - Allegro moderato - Larghetto...
Yeska, el orgullo del este de Los Angeles, quien comenzó como un conjunto relámpago para poder participar en un concurso de talento para su escuela secundaria, esta escalando melódicamente, asi que quedan advertidos o (advertidos todos). Con el lanzamiento en Aztlan Records de su primer disco “SKAFROCUBANJAZZ” Yeska se estrena en la escena global con su ritmo, expandiendo él genero musical world beat. Con raíces en Jazz Cubano y Ska Jamaiquino, estos músicos jóvenes afilaron el estilo vibrante de su nativo Los Angeles por un sonido moderno y casi revolucionario. Parte Ska? Parte Jazz? Si. Yeska cordialmente invita a los fanáticos de Ska, de Jazz y la audiencia de world beat a entrarle a las deliciosas, trompetas agudas de Seith Zwerling (trompeta), David Urquidi (saxofones), Sheffer Bruton (trombón), las rasgueadas precisas de Joey Kraut y el Funk del Bajista Jose Esquivel. También bienvenido el pianista-genio Walter Miranda, baterista Alfredo Ortiz (quien ha estado de gira con grupos como The Beastie Boys y The Offspring) y músico invitado, congero, Giovanni Valdes. 
Los jóvenes, músicos innovadores en Yeska han avanzado considerablemente en un periodo de tiempo bastante corto. Con sus raíces originando en la escena musical del este de Los Anglés, el grupo rompió barreras musicales y culturales al ser el primer grupo único en su genero porque son Latinos con estilo en Los Angels y tocan en lugares como Luna Park, The Viper Room y The Dragonfly. Desde entonces, Yeska ha conquistado todos los clubes y antros principales de Los Angeles incluyendo al prestigioso House of Blues y Universal Amphitheater. Abriendo escenarios para músicos como Tito Puente o grupos como WAR, Hepcat, Let’s Go Bowling, y los Cherry Poppin’ Daddies, “Hollywood” le hizo un llamado a Yeska cuando el canal de Showtime uso la canción “Fideo” como tema para el Festival Latino de Risas. SKAFROCUBANJAZZ es la contribución elegante y original que Yeska hace a la latinanisacion de ska de hoy. El Ska origino en Jamaica en los primeros anos de la década de los 60’s. Immigrantes llevaron la segunda ola del estilo a Inglaterra en los anos 70’s y la tercera ola introdujo el Ska a Estados Unidos en los 80’s, la cuarta ola (o “cuarta generación” como Yeska Titula el Segundo tema en SKAFROCUBANJAZZ) es la fusión de hoy que mezcla el Ska con una lírica Latina y sabor musical distincitva.~reychangosupersonico
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