Uno de los conjuntos de jazz fusión más innovadores y arriesgados de finales de los 70, Caldera combinó jazz, funk y rock con una amplia variedad de música latina. Caldera recibió la influencia de exploradores de la fusión de la década de 1970 como Return to Forever y Weather Report, pero los miembros de la banda también fueron influenciados por todo, desde Earth, el soul-funk de Wind & Fire hasta la salsa afrocubana, la samba brasileña y la música andina / peruana. Dirigido por el tecladista Eduardo del Barrio y el guitarrista Jorge Strunz, Caldera contó con miembros de toda América Latina y partes de los EE. UU. Mientras que el bajista Dean Cortez y el saxofonista Steve Tavaglione nacieron en los EE. UU., Otros miembros nacieron en Costa Rica (Strunz), Argentina (del Barrio), Cuba (baterista Carlos Vega) y Brasil (percusionista Mike "Baiano" Azevedo). En 1976, Caldera firmó con Capitol y grabó su álbum debut homónimo, al que siguieron Sky Islands en 1977, Time and Chance en 1978 y Dreamer en 1979. En un mundo ideal, Caldera habría tenido una larga vida, pero sus cuatro LPs de Capitol (solo el primero de los cuales ha sido reeditado en CD después del cambio de milenio) no se vendieron, y la banda lo dejó en 1979. Sin embargo, la mayoría de los miembros de Caldera se mantuvieron ocupados mucho después de la ruptura de la banda. . Strunz, por ejemplo, pasó a formar el dúo de guitarras Strunz & Farah con el guitarrista iraní / persa Ardeshir Farah, mientras que en las décadas de 1980 y 1990 del Barrio trabajó con todos, desde Earth, Wind & Fire hasta Stan Getz y Dianne Reeves.
Los fanáticos de Caldera, algo de lo que no tenía suficiente, esperaban que Dreamer fuera el LP para hacer famosa a la banda en el mundo del jazz-fusión. Pero Caldera siguió siendo oscura, a pesar de ofrecer una mezcla cautivadora y aventurera de jazz, funk, rock y música latina. Fiel a su estilo, la escritura es excelente en este álbum: uno no puede acusar a los miembros de Caldera de escribir débil en el "Rain Forest" de influencia sudamericana, la "Celebración" de samba, las "Brujerías" de influencia flamenca o el Carlos. Abridor de Santana-ish, "To Capture the Moon". Para Caldera, el término "música latina" significaba una variedad de cosas, desde flamenco español y salsa afrocubana hasta samba brasileña y música andina, y en este LP, todas esas cosas interactúan exitosamente con el jazz, el funk y Roca. Al igual que los tres álbumes anteriores de Capitol de Caldera, Dreamer se agotó después de la ruptura de la banda y aún no se ha reeditado en CD._Alex Henderson (allmusic)
Arthur Charles Lipner (nacido el 29 de septiembre de 1958) es un músico, compositor y educador estadounidense especializado en vibráfono , marimba y sartenes de acero . Las composiciones y obras grabadas de Lipner se consideran importantes peldaños para promover la pedagogía , la literatura y la configuración musical de estos instrumentos. Tiene muchos créditos como jugador de sesión activo de la ciudad de Nueva York para una variedad de medios. Lipner es el personaje principal del documental Talking Sticks (2016). Lipner creció en Weston, Connecticut en un hogar musical. Su madre, la soprano solista Judith Lipner, trabajaba como autónoma en el área de Nueva York y él asistía a muchos de sus conciertos. Lipner comenzó a tocar piano clásico a los 6 años. A los 10 comenzó una segunda lección semanal, estudiando improvisación y teoría con el educador de jazz John Mehegan . A los 13 años, después de descubrir el vibráfono, rechazó una beca de piano clásico para la Escuela de Música Mannes y se centró únicamente en las vibraciones. Su primer maestro fue David Friedman , luego Dave Samuels . Después de obtener una licenciatura en ciencias de las plantas, una investigación de posgrado en nutrición ( Univ. De Delaware ) y estudios de música de posgrado ( Univ of North Texas) Lipner regresó al área de Nueva York en 1984 y comenzó su carrera. Otros estudios incluyeron The Juilliard School a finales de los 90 estudiando orquestación... _ (gyaanipedia.fandom)
Delicioso es quizás el mejor término para describir la versión de Arthur Lipner del clásico del pop "Love the One You're With". Es lo peor que puedo decir de su nuevo CD, Modern Vibe.
Desde la primera nota, la canción inicial capta la atención del oyente. Después de dos versos sin adornos, Lipner se mete en el ritmo con un solo enérgico. Le sigue la relajada "Street Vibe", un tema más suave y funky que es una de las cinco canciones originales del álbum. Lipner toca el vibráfono y la marimba, una hábil combinación que suscita comparaciones con Dave Samuels, antiguo miembro de Spyro Gyra. Otro antiguo miembro de ese grupo, el baterista Joel Rosenblatt, también aporta su excepcional talento a esta pieza.
En "Treasure Chest", una canción con un toque de condimento latino, el conjunto de Lipner se complementa con Gary Schreiner a la armónica. Lipner brilla en la interpretación de alta velocidad de "Let's Stay Together" de Al Green, complementada por el solo de guitarra de Bill Bickford, que recuerda a George Benson y Wes Montgomery. Schreiner añade otro solo, rematado por la pericia de Lipner con la maza. La línea de bajo de David Finck marca el ritmo de otro original de Lipner, "Mood Vibe", que cuenta con el toque funky de la guitarra eléctrica de Jerome Harris.
El conjunto se convierte en bossa nova con "Flor de Lis" del cantante y compositor brasileño Djavan, un tema que crea el ambiente necesario para bailar samba, o para relajarse en la playa con una bebida tropical mientras las visiones de bikinis de hilo dental bailan en tu cabeza. Además de las vibraciones y la marimba, Lipner contribuye con la percusión y un solo de sintetizador.
En un álbum repleto de excelentes melodías, es difícil decir cuál es la mejor. Sin embargo, al escuchar "Slo Burn 68", es difícil no darle el visto bueno. Con Rosenblatt, Harris y Finck, y con la participación de Nick Bariluk en el piano acústico, esta canción está sacada del manual del jazzista para el cambio de tiempo. Los instrumentos principales tienden a permanecer en 4/4, pero la sección rítmica mantiene un ritmo de 6/8, o 3/4, dependiendo de dónde se acentúe la cuenta. En cualquier caso, es una obra maestra de Lipner.
Hay más funk cuando Lipner y compañía ofrecen una versión malhumorada de "Ain't No Sunshine" de Bill Withers. Harris nos deleita con un solo de guitarra de blues, pero es el riff de órgano de Bariluk el que le da a este tema la fuerza necesaria.
Kiko Freitas, que también aparece en "Flor de Lis", se encarga de la batería en "Montahna Russa", compuesta por Cliff Korman y el guitarrista Nelson Faria, que toca la guitarra de nylon. Con David Feldman en las teclas y Ney Conceicao en el bajo, este es otro tema que tiene ese aire de "jazz norteamericano encontrado en Brasil". El último de los originales de Lipner sirve también como cierre del álbum, el enérgico "Blue Tango", una deslumbrante muestra de las múltiples habilidades de Lipner, así como del trabajo complementario de Harris, Bariluk, Rosenblatt, Finck y el percusionista Mauro Refosco. Es el toque final perfecto, que satisface y deja con ganas de más. _Woodrow Wilkins (allaboutjazz)
Arthur Lipner - Modern Vibe (2004) Temas: 01. Love the One You're With (Stephen Stills) 02. Street Vibe (Arthur Lipner) 03. Treasure Chest (Arthur Lipner) 04. Let's Stay Together (Al Green / Al Jackson, Jr. / Willie Mitchell) 05. Mood Vibe (Arthur Lipner) 06. Flor de Lis (Djavan) 07. Slo Burn 68 (Arthur Lipner) 08. Aint' No Sunshine (Bill Withers) 09. Montanha Russa (Nelson Faria / Cliff Korman / Clifford Korman) 10. Blue Tango (Arthur Lipner) Musicos: Arthuer Lipner (Vibráfono, marimba, teclas adicionales, pandeiro, percusión, sintetizador) Bill Bickford (Guitarra eléctrica) Jerome Harris (Guitarra eléctrica) Nelson Faria (Guitarra de cuerdas de nailon en "Flor de Lis" y "Montanha Russa") Nick Bariluk (Teclas, órgano y piano acústico) David Feldman (Claves en "Flor de Lis" y "Montanha Russa") Tom Barney (Bajo eléctrico) David Finck (Bajo eléctrico) Ney Conceicao (Bajo eléctrico) Tommy Igoe (Batería) Joel Rosenblatt (Batería) Kiko Freitas (Batería) Gary Schreiner (Armónica) Ze Luis Oliveira (Caxixi, triangulo, Sonajeros en "Let's Stay Together", "Love the One You're With")
Mauro Refosco (Campanas de agogo, caja y zabumba en "Blue Tango")
El Proyecto Cabanijazz nació en 2008 en la ubicación geográfica menos ortodoxa; ni el Caribe, ni Cuba o Puerto Rico, ni Miami o Nueva York, sino Tijuana. Donde encontrará entre los olores de tacos callejeros, tequilas y goma quemada de llantas pinchadas mientras intenta evitar los baches de la calle. Esencialmente, en ese momento, el Proyecto Cabanijazz era del rincón más al norte de toda América Latina; tocando Latin Jazz dentro de una escena musical dominada por Norteñas, Corridos, Banda, Mariachis y Rock n 'Español. Cabanijazz Project construyó un seguimiento, encabezó Festivales Transfronterizos, y dejó un legado de Música de Jazz Latino en la región después de que se mudaron más al norte al otro lado de "La Línea" conocida como la Frontera México-Estados Unidos. Cabanijazz Project reside en el Área de la Bahía de San Francisco desde 2011 y continúa creando y grabando nueva música original, actúa en vivo en importantes festivales y ha ido ganando seguidores.
El dinámico conguero mexicano Javier Cabanillas ha recorrido un largo camino desde que empezó a actuar en mercadillos en las calles de Tijuana. Hace unos años, este residente del Área de la Bahía desfiló por la alfombra roja de Los Ángeles y se llevó a casa un premio Grammy por su trabajo con la Pacific Mambo Orchestra de San Francisco. Después de esa experiencia triunfal, decidió concentrarse en escribir y hacer arreglos para su proyecto Cabanijazz, que ha estado creando un sonido único llamado "New Cali-Mambo & Retro Salsa". Esta banda de siete músicos trae a sus espectáculos a muchos de los mejores artistas de música latina de la región, contando en ocasiones con Omar Ledezma Jr._(cabanijazzproject)
Con el calor de la parte azul de la llama -sugiriendo fuego y, a veces, hielo- en los pasajes de conjunto y en solitario de Infrasonic by the Cabanijazz Project esta música corta la música afrocaribeña hasta el hueso y convierte cada uno de los diez temas en música que ofrece gancho tras gancho, lo que hace del grupo de Javier Cabanillas un verdadero power-ensemble. El Sr. Cabanillas complementa su propia claridad de las congas con la presentación de músicos prodigiosamente dotados que actúan como solistas con pasión, inspiración y poder. Los trombonistas Jamie Dubberly (con Mike Rinta en el atractivo "Bailamos Honey? ") se une a Ben Torres en el saxofón tenor y a Aaron Lington en un saxofón barítono elegantemente bramante (junto con el saxofonista tenor Isaac Narell en "Esto Puede Ser Eso" junto con Jean-Paul Balmat en el saxofón alto, que también dobla al saxo barítono en las efervescentes "Domino, Bacanora Y Chiltepin" y "La Cruda") con Miguelito Martínez a la flauta, en "Esto Puede Ser Eso") conforman el corazón de este grupo.
Pero nada puede oscilar con tanto brío sin el percusionista y el Sr. Cabanillas lidera desde el frente con el trabajo de los ritmos característicos de Brian Andrés en la batería, Omar Ledezma Jr. en los timbales (y la voz) con un poco de ayuda de los famosos amigos John Santos y Carlos Caro. Y es fascinante escuchar la magnífica paleta de colores rítmicos afrocaribeños que despliega esta combinación de músicos. Tanto si nos deslumbran con la ferocidad de su ataque a los pulsos más rápidos, como si nos seducen con los grooves de músicas como "Palo Fierro", los hombres mezclan con habilidad, imaginación y sutileza sus respectivos timbres instrumentales y colores tonales con el resto de los metales, y con el Sr. Cabanillas conduciendo siempre al grupo a un lugar de gran inventiva y belleza musical. "Roasted to Perfection" no sólo es sinónimo del tipo de música que es, sino también típico de la majestuosa musicalidad que uno ha llegado a esperar de estos artistas.
Ninguna música estaría completa sin la voz humana como instrumento y aquí el Cabanijazz Proyect presenta a algunos de los mejores. Carlos Caro, recuerda lo mejor del talento de la Costa Oeste de hombres como Edgardo Cambon. Junto con Christelle Durandy y Juan Luis Pérez, estos músicos crean paisajes vocales magistrales que estimulan y evocan imágenes mentales de narraciones alegres y misteriosas. Un coro melifluo compuesto por esos vocalistas, realzado por los dones de Herman Lara y José Roberto Hernández, hacen que la música vocal de este álbum sea bastante exquisita. Por supuesto, el álbum ya es una obra maestra de estilo y sutileza de todos modos. Mientras tanto, se espera mucho más de este conjunto y, a juzgar por la evidencia actual, es de esperar que sigan juntos durante mucho tiempo._ Raul Da Gama (latinjazznet)
Juan Bruno Tarraza. Compositor y pianista cubano, asentado en México desde la década del cuarenta, la historia del Maestro Tarraza es también la historia de los inicios y auge del bolero como forma musical en América Latina. Nace el 6 de octubre de 1917 en Caibarién antigua provincia de Las Villas. Fallece el 23 de mayo de 2001 En su ciudad natal estudió trompeta y después piano. A principios de la década del 40 se trasladó para La Habana, y aquí trabajó como pianista en varios clubes nocturnos; además, fue director de la orquesta Piedra, que acompañaba a los que se presentaban en la Corte Suprema del Arte, que se trasmitía por el Circuito CMQ. Hacia 1943 marcha a México, donde se une como pianista acompañante a la cantante mexicana María Antonia Peregrino (Toña la Negra), con la que recorre otros países de América Latina y España, y desde este último país regresó a Cuba. En 1945 volvió a México, entre 1952 y 1957, integró un dúo de piano con Felo Bergaza, con el que viajó por casi todo el mundo, hasta que en 1958 se instaló definitivamente en México. Fue pianista acompañante de María Victoria y Amparo Montes.
Juan Bruno Tarraza compuso los temas: Penumbra, Por el sendero, Arrullo del mar, Soñé contigo, Alma libre y Besar, Alguien, Cuando se quiere mucho, ¿Qué vamos a hacer?, Me dijeron ayer, Oye corazón, Soy feliz, Soy tuyo, No sé qué me pasa, Besar, Engaño, Cariñito cariñito, Eso y má, La novia de todos, La rumbantela, Mi corazón, Palabras calladas, Penumbra, Poco me conoces, Por eso estoy así, ¡Qué bueno!, ¿Qué pasó, Merced?, Rinkincalla, Rumba abierta, Sentir, Si pudieras mirarme, Tu nombre y Ya son las doce. Sus canciones aparecen en varios filmes mexicanos: Palabras de mujer, Besar, ¿Qué pasó, Merced?, En cada puerto un amor, Humo en los ojos, La venenosa y Pervertida, La rumbantela, Estoy tan enamorada, Soy feliz, (el título del filme es parte del texto de esta canción), La sospechosa, Alma libre, Cariñito cariñito, Qué bueno, Son las doce, Cómicos de la legua, Soy feliz, Flor de canela, y Rumba abierta. Fue orquestador de la música de los filmes: El pecado de Laura y Yo soy muy macho. Como pianista, también se destacó en el cine, en las obras: La sin ventura, Mi novio es un salvaje, Nocturno de amor y Ventarrón. A dúo con Felo Bergaza, apareció en las películas: Flor de canela, Locos por la televisión, y Locura musical._ (dcubanos)
The Echo Park Project fue fundado en 2006 por Carlo López, un percusionista latino de Brooklyn Nueva York que quería recrear el legendario estilo de salsa de Nueva York en el sur de California. Para lograrlo, Carlo contrató a músicos de sesión y solicitados en California de alto calibre como John Belzaguy, Joey de Leon y Artie Webb, solo por nombrar algunos. Su repertorio es una combinación de material original y covers caliente de 70, que han sido cantadas de Tito Allen para ... .. Desde su creación, la banda ha desarrollado un público fiel y ha lanzado dos CD debut ( “retro Nueva York Salsa ”y el seguimiento de‘el Viernes social’.) Gracias a la tecnología moderna en las manos de Carlo López, y su apretada swing, su música se ha escuchado de Colombia a Japón.
Nacido en 1962, Carlo López es un percusionista autodidacta y nativo de Nueva York. Es el más joven de dos músicos de la familia que ha tocado música latina durante la mayor parte de su vida. Cuando era un adolescente que crecía alrededor de la escena de la salsa neoyorquina de los 70, se encontró rodeado de músicos y de los sonidos que fueron fundamentales para dar forma a las épocas de los 50 y 70. Fue un gran momento para ser adolescente en Brooklyn, NY. Aprendió de las escenas latinas veteranos de la vieja escuela y fue parte de la nueva generación emergente de músicos destinados a dejar una huella en el vasto paisaje de la escena de la salsa / música latina sin importar dónde residiera. En 1992, se mudó a la costa oeste y aterrizó en Los Ángeles, CA. Se integró tocando percusión en bandas locales. Llegó a Los Ángeles en un momento en que la tecnología disfrutaba de un boom en la grabación de audio independiente. Carlo, decidido a estudiar su camino hacia la independencia en el ámbito de los artistas independientes, dominó el trabajo con el último software de estudio. El testimonio de Carlo a ese lado de la ingeniería de audio dio origen a las grabaciones independientes del Echo Park Project.
Carlo y el EPP han respaldado a las superestrellas itinerantes de la salsa Adalberto Santiago, Cano Estremera, Tony Vega, Choco Orta, Herman Olivera, Frankie Vázquez, Cita Rodríguez y The New Swing Sextet. Tras llevar el sonido de la salsa de Nueva York a la costa oeste, Carlo inició The Echo Park Project en 2006. Desde entonces, Echo Park Project ha publicado cinco álbumes. Como director de la banda, Carlo infundió su música con los sonidos legendarios cercanos a su corazón con un toque moderno. Carlo, ahora un ingeniero de grabación y sonido capacitado, ha producido y diseñado grabaciones de bandas locales que se suman a su currículum.
The Echo Park Project - Retro New York Salsa (2006) Temas: 01. Mi Ritmo Llegó (Lalo Rodrígez) 02. El Hijo De Obatalá (Tite Curet Alonzo) 03. Le Gusta Que la Vean (Ramón Rodríguez) 04. Lio (Javier Vasquez) 05. Bongo Fiesta (Fuller / Machito) 06. Me Quede Con Las Ganas (Raul Romero) 07. Raices (Shorty Castro) 08. Que Tenga Sabor (Rosendo Ruiz) 09. Guajira Sorpresa (Aaron Singer) Musicos: Carlo López (Güiro & Clave) John Belzaguy (Bajo) Esteban Adame, Tom Regis, Joe Rotondi, Mateo Amper (Piano) Joey De Leon (Congas, Timbales, Bongo) Tomás Martin López (Timbales, Tongo, Coro) Edwin Blás, Humberto Ruiz (Trombón) Sal Cracchiolo, Vito Speranza, Eloy Adame (Trompeta) Frank Fontaine (Saxo Baritone, Saxo Alto) Artie Webb (Flauta) Tony Velez (Tres) Daniel Castillo, Martin Padilla, Jose Caridad Hernandez (Voz)
Joe Chambers (nacido el 25 de junio de 1942 en Chester, Pensilvania) es un baterista, pianista, vibrafonista y compositor de jazz estadounidense . Asistió al Conservatorio de Filadelfia durante un año. En las décadas de 1960 y 1970, Chambers tocó con muchos artistas de alto perfil como Eric Dolphy , Charles Mingus , Wayne Shorter y Chick Corea . Durante este período, sus composiciones aparecieron en algunos de los álbumes en los que hizo apariciones especiales, como las de Freddie Hubbard y Bobby Hutcherson.. Ha publicado ocho álbumes como director de orquesta y ha sido miembro de varias encarnaciones de Max Roach 's M'Boom percusión conjunto. También ha enseñado, incluso en la New School for Jazz and Contemporary Music en la ciudad de Nueva York, donde dirige la Outlaw Band. En 2008, fue contratado para ser Profesor Distinguido de Jazz Thomas S. Kenan en el Departamento de Música de la Universidad de Carolina del Norte en Wilmington._ (wikipedia)
El percusionista Joe Chambers, de 78 años, había regresado a Nueva York para grabar la fecha de un líder de Blue Note, pero luego la pandemia golpeó la ciudad. El maestro y compositor de mazos Joe Chambers encontró su lugar en 1963, cuando se mudó a Nueva York y se ganó la reputación de ser el baterista de primera llamada del grupo de estrellas de Blue Note, entre ellos Freddie Hubbard, Wayne Shorter y Bobby Hutcherson". Realmente no aprendí a jugar hasta que llegué a Nueva York", dijo Chambers, de 78 años, sobre Zoom durante diciembre desde su casa en Wilmington, Carolina del Norte". Aprendí de qué se trataba el swing, de qué se trataba el drive". Fue irónico que, en marzo, justo cuando había regresado a la Gran Manzana para grabar su primer álbum Blue Note en 22 años, la pandemia golpeó la ciudad y tuvo que regresar a los confines aparentemente más seguros de su hogar en Wilmington“. Nueva York se puso ridícula con el virus”, explicó. "Dije: 'Más tarde para eso'". Pero no todo estaba perdido. Decidido a entregar su álbum, reemplazó al pianista de Nueva York Rick Germanson y al bajista Ira Coleman, quienes aparecieron en su álbum anterior, Landscapes (Savant) de 2016, con Brad Merritt y Steve Haines, con sede en Carolina del Norte, respectivamente. En abril, dijo Haines, él y Merritt recibieron notas sobre la música de Chambers. En junio, completamente enmascarados y socialmente distanciados, grabaron pistas en un estudio de Carolina del Norte. El álbum, Samba De Maracatu, se lanzará el 26 de febrero". Debido al virus, todo se combinó", se lamentó Haines, incluso cuando elogió la capacidad de Chambers para aprovechar su experiencia y lograr un resultado satisfactorio. "Lo que pasa con Joe es que tiene un conocimiento enorme y profundo de la música". Ese conocimiento se refleja en toda la colección de nueve pistas, ya que Chambers, su vibráfono y percusión, superpuestos sobre piano, bajo y batería previamente grabados, recuerda colaboraciones clave. El disco vuelve a visitar "Visions", del álbum Spiral de Hutcherson. En la nueva grabación, Chambers, detrás de las vibraciones, revela un tono rico y una sensibilidad modernista que resuena sin imitar a su antiguo jefe. “Bobby siempre tuvo su propio sonido en el instrumento, más que Milt [Jackson] o Lionel Hampton, de la vieja escuela”, dijo. Chambers tomó el vibráfono en 1970, cuando Max Roach le pidió que se uniera a su nuevo conjunto de percusión M'Boom. Bajo la guía de Roach, Chambers y los otros miembros del grupo se reunieron en el estudio de Warren Smith en West 21st Street en Manhattan durante un año de sábados para dominar una variedad de instrumentos
de percusión. Chambers, cuyo primer instrumento fue el piano, tomó las vibraciones de inmediato. "Fue sólo una cuestión de conseguir el palo", dijo. En Samba De Maracatu, ese trabajo todavía está dando frutos en una contribución de Chambers al libro de M'Boom, "Circles". La melodía apareció en el álbum Collage de 1984 de M'Boom, y el nuevo tratamiento de Chambers es paralelo al formato de la versión anterior, empleando un ritmo bahiano con métricas mixtas, armonía modal y una improvisación sonora en la que el vibráfono y el piano sobregrabados tocan "juntos". Si el nuevo álbum tiene un valor atípico, es "New York State Of Mind Rain". La melodía trae a la luz un fragmento de "Mind Rain" de Chambers que el rapero Nas muestreó para su éxito de 1994, "NY State Of Mind". La melodía se escuchó por primera vez como un dúo de teclado alucinante con el organista Larry Young en Double Exposure de 1977. El spin-off del nuevo álbum, una respuesta tardía a Nas, incorpora un rap que fue inteligentemente escrito por su hijo, Fenton Chambers, y hábilmente ejecutado por MC Parrain. Un contrapeso estilístico de esa canción es la versión de ensueño de la cantante Stephanie Jordan de "Never Let Me Go". Flotando sobre el sutil bolero de Chambers, la voz de Jordan proyecta el tipo de atractivo cautivador que podría conseguirle un lugar en un futuro proyecto de grabación a gran escala de Chambers, pendiente, dijo, de aliviar las preocupaciones de salud pública._ (Phillip Lutz / 18 De Febrero Dd 2021)Joe Chambers - Landscapes (2016)
Temas: 01. Epistrophy (T. Monk) (Embassy Music / Music Sales Corp) BMI/ASCAP 02. The Outlaw (H Silver) (Ecaroh Music lnc.) ASGPP 03. Never Let Me Go (J. Livingston / R. Evans) (SONY / AlV Harmony) ASCPP 04. Havana (J.Chambers) (HoCham Music) BMI 05. Samba De Maracatu (J. Chambers) (HoCham Music) BMI 06. Pas De Trois (P.Alslanian) (Aislan Music) BMI 07. Airegin (S. Rollins) (Prestige Music Co.) BMI 08. Ecaroh (H. Silver) (Ecaroh Music lnc.) ASCAP 09. Underground (Railroad) System (K. Ratzer) (Volcano Music) ASCPP 10. Landscapes (J.Chambers) (HoCham Music) BMI
Musicos: Joe Chambers (Batería, congas, bongos, vibráfono, marimba, programas de sintetizador y solo de piano) Rick Germanson (Piano / excepto pista 10)
Sexto Elemento nos plantea un interesante concepto de interpretación del Cuban-Jazz de hoy. Como tantas otras bandas en Cuba, se formó por la amistad de un grupo de amigos, en este caso son ocho músicos de éxito y catalogados como lo mejor del país. Dirigidos por el bajista Arnaldo Jiménez (ex Paulo FG y Orquesta Revé) y con Samuel Formell, timbal (Van-Van) Boris Luna piano (Van-Van) Jorge Leliebre, flauta (Van-Van) además del conguero Denis "Papacho" Savon (Isaac Delgado), los trompetas Frank Padrón (ex Paulo FG) y Jesús Ángel Chappottín (director de Chappotín y Sus Estrellas). Sin duda alguna, un elenco de auténticas estrellas del firmamento musical cubano, conforman esta producción, con un Cuban Jazz de altísimo nivel, en el que recomendamos: Yo te lo digo, Descarga Sexto Elemento, Una Noche en Tunissia, Closed Enough For Love, Guajira, El Farol._ (camajan)
Arnaldo Jiménez: Sigue la tradición. El estereotipo de la música cubana como música de baile explica solo una parte de la realidad. Es verdad que Cuba ha dado mucho al mundo en el sentido del baile, conjuntos de Mambo y Chachachá en los años 50, Son Salsa y Timba en los años mas recientes, pero esa es solo una parte de la historia. El Jazz en Cuba se ha siempre tocado, y a tocarlo casi siempre han sido músicos que al mismo Mario Bauza tiempo eran y son destacadas autoridades de la escena del bailable. Es suficiente pensar, regresando atrás por los años que una de las figuras importantes del Jazz en Norte América era un cubano, se llamava Mario Bauzà, y en los años 30 se fue en Norte América adquiriendo rápidamente roles importantes en el campo del Jazz, el dirigía la orquesta de Chick Webb, estuvo con Don Redman, con Cab Colloway. El no solo tocó e dirigió Jazz en su propia tierra nativa, mas se le debe a el el ingreso a la escena de músicos importantes como Ella Fitzgerald o Dizzie Dizzie Gillespie Gillespie, y sobre todo el ingreso de la percusión afro-cubana adentro a ese campo musical, cuando convenció el mismo Dizzie Gillespie años mas adelante a incluir a Chano Pozo con su conga en el Jazz mismo. De ese momento en adelante esa corriente Be-bop se comenzó a Chano Pozo llamar Cubop y después se empezó a decirle Jazz latino o Latín Jazz como lo dicen los de habla ingles. El Latín Jazz se da cuando este incorporada por lo meno una conga con su típico tumbado, una forma rítmica esencialmente cubana. Esta es la tradición, una linea que en Cuba después se ha desarrollado época por época hasta llegar a nuestros días, y sin mencionarte todo, es suficiente pensar a la figura de Chucho Valdés e Irakere, una realidad musical que no es solo local cubana,
mas reconocida a nivel universal como una de las expresiones mas adelantadas de este genero que llamamos Jazz Latino. Entonces si Pachanga, sigue una tradición cubana que no es solo de bailable, de vez en cuando nos reunimos por tocar jazz, para divertimos a descargar, y tu sabes que tambien en los Israel López "Cachao" años 50 en Cuba habían descargas. Te acuerdas de Israel López "Cachao", mi colega bajista cuando reunía la crema de la música cubana bailable produciendo esas descargas que han marcado una época, bueno ahora es lo mismo, que lastima que no todo se está grabando, a veces se reúnen los músicos en un club por casualidad i se da la descarga, si uno frecuenta nuestro pais esto lo sabe, hay un circuito pa'descargar, por nosotros la música es una realidad viva, tocar es una necesidad imprescindible, el producto discográfico es necesario y importante, pero aquí antes de todo se toca, y tocamos tambien Jazz Latino..._ (Entrevista realizada por Pachanga / descargacubana)
Temas: 01. El Farol (Arnaldo Jiménez) 02. Mr. Luis (Arnaldo Jiménez) 03. Claridad Obscura (D.R.) 04. Guajira (Luis A. Domínguez / José L. Uriarte) 05. Dos Pablos (Dennis Christianson) 06. Closed Enough For Love (D.R.) 07. La Calle De Los Delfines Azules (D.R.) 08. Yo Te Lo Digo (Arnaldo Jiménez) 09. Una Noche En Tunissia (Dizzy Gillespie) 10. Descarga Sexto Elemento (D.R.)
Musicos: Arnaldo Jiménez (Bajo) Samuel Formell (Timbal) Boris Luna (Piano) Jorge Leliebre (Flauta) Denis "Papacho" Savon (Conga) Jorge "LP" Papiosko (Percusion menor) Carlos Amores (Güiro) José Luson Jr. (Coro) Barbarito López "Puchunguito" (Coro) Ciso Guanche (Coro) Frank Padron (Trompeta)
Swing en 4 es un proyecto de música de jazz iniciado en 1998 en Costa Rica, cuyo objetivo esaportar al desarrollo de música contemporánea costarricense de concierto, así como su difusión a nivel nacional e internacional. Luis Monge (piano acústico, electrónico y composición), Carlos Sanders (batería), Danilo Castro (contrabajo y bajo eléctrico) y Vinicio Meza (saxo tenor, clarinete y composición) exploran las estructuras y ritmos del jazz mezclando elementos clásicos, folclóricos y jazzísticos.Dada la experiencia y formación académica de sus miembros, Swing en 4 representa una relevante contribución al desarrollo cultural musical de Costa Rica. Ha grabado música para películas y ha colaborado con una variedad de músicos costarricenses e internacionales. Ha producido cuatro discos compactos: Orígenes (San José, 2002), Swing en 4 en vivo (San José, 2005) Con otro swing (La Habana, 2007) y Zumba que Zumba (New York, 2009).Swing en 4 se ha presentado en diversos escenarios en Costa Rica, en festivales de jazz en Panamá, Cuba, Canadá y Argentina, y ha realizado giras en Alemania y Suecia. El repertorio incluye tanto composiciones propias como arreglos de una amplia gama de canciones y obras musicales.
La música es el lenguaje de comunicación más universal y con estas imágenes acústicas iniciamosnuestra proyección al mundo desde Costa Rica. Aquí se resumen los orígenes de nuestro cuarteto que con absoluta sinceridad muestra los positivos resultados de la confianza y continua búsqueda de identidad latinoamericana moderna, así como el respeto por las culturas que nos unen. En esta producción se establecieron las bases para un estilo de música que combina corrientes del jazz latino, músicas regionales costarricenses y música de cámara académica._ (swingen4)
Swing en 4 - Origenes (2002) Temas: 01. El Día Que Me Quieras 02. Caluvira 03. La Maza 04. Con Fruta y Bomba 05. Caballito Nicoyano 06. Pájaro Amarillo 07. Pasión 08. Vals (Vals de Sebastián) 09. Sambalada Musicos: Luis Monge (Piano acústico, electrónico y composición Carlos Sanders (Batería) Danilo Castro (Contrabajo y bajo eléctrico)
Vinicio Meza (Saxo tenor, clarinete y composición)
Guy Jeffrey Barker, MBE (nacido el 26 de diciembre de 1957) es un trompetista y compositor dejazz inglés. Barker nació en Chiswick, Londres, hijo de una actriz y un doble de riesgo. Comenzó a tocar la trompeta a la edad de doce años y en un año se unió a la Orquesta Nacional Juvenil de Jazz. A la edad de 15 años jugaba con Crouch End Allstars junto con Wally Fawkes y Bob Nadkarni. Después de las lecciones de Clark Terry en 1975, Barker pasó a tocar en la década de 1980 con John Dankworth, Gil Evans (con cuya orquesta realizó una gira y grabó en 1983), Lena Horne y Bobby Watson. Barker fue miembro del quinteto de Clark Tracey de 1984 a 1992. Como acompañante ha tocado con Ornette Coleman, Carla Bley, Georgie Fame, James Carter, Mike Westbrook, Frank Sinatra, Colin Towns, Natalie Merchant, ABC, The The, Haircut Cien, Erasure, Chris Botti, Wham !, Kajagoogoo, The Housemartins, Matt Bianco, Alphaville, The Style Council, The Moody Blues, Sting, Bucks Fizz, Mike Oldfield, Cleo Laine, Acoustic Alchemy, XTC y Stan Tracey. Anteriormente, su propia banda ha presentado una mezcla internacional de músicos: Perico Sambeat (saxofón alto; España), Bernardo Sassetti (piano; Portugal), Geoff Gascoyne ([bajo, Reino Unido) y Gene Calderazzo (batería; Estados Unidos). Más recientemente, realizó una gira con la Guy Barker Jazz Orchestra, una gran banda de 15 integrantes con Rosario Giuliani (saxofón alto; Italia) y Per Johansson (saxofón tenor; Suecia), interpretando DZF, una reelaboración de la flauta mágica de Mozart con Michael Brandon narrando la historia como una novela al estilo de Raymond Chandler, narrada nuevamente por Robert Ryan. Barker fue director musical y arreglista del concierto de gala de apertura "Jazz Voice: Celebrating a
Century of Song" en el London Jazz Festival anualmente de 2008 a 2014. También fue director musical y arreglista en varios programas de BBC Radio 2 el viernes por la noche es música. espectáculos nocturnos con la orquesta de jazz Guy Barker con la orquesta de conciertos de la BBC, celebrando la música de Billie Holiday / Duke Ellington y Billy Strayhorn / Ella Fitzgerald, Aretha Franklin y Dusty Springfield / Jazz Royalty para celebrar la boda de William y Kate Barker fue nombrada miembro de la Orden del Imperio Británico (MBE) en los honores de Año Nuevo 2015 por sus servicios al jazz. Fue galardonado con la insignia BASCAGold en 2013. Actualmente ha grabado con Gordon Haskell una nueva versión de su sencillo de éxito How Wonderful You Are. Que es una versión de Samba y está en el gato cuyo gato tiene la crema 2020._ (wikipedia)
Bernardo da Costa Sassetti Pais (24 de junio de 1970 - 10 de mayo de 2012) fue un pianista dejazz y compositor de cine portugués. Sassetti nació en Lisboa. Era bisnieto de Sidónio Pais, presidente de la Primera República. Inicialmente tocó la guitarra, luego comenzó a estudiar piano y teoría musical a los nueve años. Se interesó por el jazz después de escuchar a Bill Evans. A fines de la década de 1980, apoyaba a músicos visitantes y enseñaba piano de jazz en Lisboa (y, más tarde, enseñó en otras áreas lusofónicas).
Durante la década de 1990, trabajó en Londres, donde grabó tres álbumes con el grupo de Guy Barker. Anthony Minghella los invitó a aparecer como el sexteto de jazz de Napoli en The Talented Mr. Ripley. Su álbum de 2006 Unreal: Sidewalk Cartoon recibió una calificación de cuatro estrellas (de cuatro posibles) en The Penguin Guide to Jazz (9a ed.), Y fue seleccionado para The Penguin Jazz Guide: The History of the Music en los 1000 mejores álbumes. . Además de su trabajo de jazz, Sassetti ha compuesto numerosas bandas sonoras para películas. Bernardo Sassetti estuvo casado con la actriz Beatriz Batarda, con quien tuvo dos hijas. Murió el 10 de mayo de 2012 tras caerse de un acantilado en Guincho Cascais (Portugal), donde estaba tomando fotografías para su próximo libro._ (wikipedia)
Guy Barker & Bernardo Sassetti - Cuba Cuba (2001) Temas:
La rumba es la fiesta de los tambores, de clima emocional. Se gesta en los barracones de esclavos, después en barrios marginales arrabaleros entre Matanzas y La habana. Esos elementos estructurales se trasladaron al solar, al salón y al cabaret. Cuba cuenta con una fuente de percusionistas inacabable. En un solar de la barriada de El Vedado, encontramos a Ángel González Vila, un ecué (amigo) de la rumba, rodeado de tambores, cajones, bongo, catá, instrumentos brasileños como el berimbao y hasta algunos inventados. Ángel González· es de esos que ha pasado la vida fiel a sus tambores, sin muchas ambiciones, tomando la vida con cierta filosofía: "lo mío es tocar donde me llamen vivo entre tambores desde muy niño. Lo mismo me boto para un carnaval que acompaño a una estrella, que descargo en jazz latino". Angelito nace el 8 de octubre de 1949 en la barriada del cerro que fuera una zona aristocrática en la colonia y después refugio de marginales y rumberos que mezclaban lo de ayer y lo de hoy. Rumbeando en solares o tocando en carnavales encontrábamos a Angelito por donde quiera. Perteneció a diversas comparsas como Los Componedores de Batea o La jardinera, entre otras. En 1970 se incorpora a la Orquesta Keleyá. Antes de terminar la década, en 1976, Angelito se integra al Conjunto Folclórico Nacional y la orquesta de Obdulio Morales en el teatro Mella, hasta que en 1988 Sergio Vitier organiza el grupo Oru al que se une hasta 1988. "La experiencia con el Oru -recuerda Angelito- fue muy prometedora, porque se le daba un toque más contemporáneo. Vitier es un músico consagrado. Por ahí han pasado estrellas como Rogelio Martínez Furé, Orlando López (Cachaíto). La idea del grupo era homenajear a un legendario rumbero: Jesús Pérez un "obba ilu" (rey de reyes en el tambor)."Oru" quiere decir juego y la música es un juego de sonidos. Yo sustituí a Tata Guines aunque mi idea era simplemente hacer mi trabajo". En esta experiencia acompaña a Merceditas Valdés, la pequeña Aché que venía de la cofradía de Fernando Ortíz. Merceditas exigía un acompañamiento experimentado. Entre las muchas agrupaciones por las que pasó Angelito se cuentan la Orquesta de Varona y su familia (Varona había tocado con Benny Moré y los lrakere).
Con Nicolás Reinoso en sonido contemporáneo que departieron con Gonzalito Rubalcaba en aquellos jam sessions del Festival de Jazz Plaza. "Tengo que reconocer que siento inclinaciones por el jazz latino -revela Angelito- en esa línea he hecho cosas con músicos como Changuito, Miguel Angá, Enrique Lazaga y Frank Emilio". Ese es el motivo por el que casualmente, pero con cierta razón, se une al jazzista canadiense Jane Bunnett con el que viajó por EEUU durante el año 1996, en pleno boom de la salsa cubana". Angelito ha acompañado voces muy valiosas como la de Xiomara Laugart o la gran Beatríz Márquez la "Musicalísima", pero también toca donde haya que tocar, lo mismo en una fiesta que en un velatorio. "Sabemos que la rumba no es una música ritual, sino profana -explica Angelito-, pero las letras que contiene pueden hablar de dioses, temas costumbristas, santeros, babalaos y hasta momentos de despedida, de dolor funerario". Angelito es casi un luthier, muestra con mucho orgullo uno de sus inventos de la percusión. Se trata de un tambor sin parche, se sustituye el parche por una tabla de peywood pegada con cola. Suena con un sonido cerrado: "el invento es de 1988 y lo hice por la necesidad, para ahorrarme el
parche que es caro". Ángel también imparte clases a muchos extranjeros que van en busca de la esencia auténtica de los ritmos. Este cd lleva el nombre de Ecué Tumba (amigo tumbador) por el talante de Angelito, y está grabado con sólo cuatro integrantes: dos tumbadoras, una caja, un bongo, un catá. En total son 13 piezas de rumba con sus variantes y el abakuá. Pedro Fariñas pone la voz, es un rumbero de marca mayor que procede de los Muñequitos de Matanzas, aunque Fariñas también encauza su voz por el son. En la percusión nos encontramos con Gilberto Crespo "El Chato", se trata tambororero de fundamento batá y profesor en la Escuela de Música García Caturla de Marianao. El otro percusionista es Alfredo Laffitte, un músico que también fabrica instrumentos, igual que Angelito González. Con una larga trayectoria artística. Esta es la entrega de Ángel González con su disco "Ecué Tumba", una obra para escuchar, para animarse la vida y para meditar los timbres, toques y variantes sonoras de la percusión cubana. _Rafael Lam
¿Quién no recuerda la pupular Babalú que sirvió para establecer difinitivamente la calidadartítica de Miguelito Valdez? Los ardientes acordes de la canción abrieron su sendero musical, el cual hoy está formado por una enorme cantidad de dtscos (pasa de 500) que afirman por completo la onginalidad de su personal estilo. Cantante cubano de alcance intemacional, Miguelito Valdez ha actuado como vocalista principal de innumerables programas en la CMQ de Cuba, NBC, CBS y WRUL de los Estados Unidos, así como en casi todas las difusoras y cadenas de radio y TV en el mundo. El tipo de medodías que interpreta tienen un sabor y una lírica especial, con una fuerte inclinación por alcanzar el sentido y la esencia de los ritmos y la música autóctona de Cuba. Dicho afán, rayano en preocupación, tiñe todas las interpretaciones de Valdez, quien, por lo mismo, es llamado con justicia "La Voz de Cuba". A pesar de ser un artista internacional con larga experiencia en los tablados de todo el mundo, Miguelito Valdez es muy estimado en el mundo artítico por la sincera sencillez de su trato y la tranquila mesura de sus ademanes, lo cual es sorprendente si se considera que son cualidades raras en el medio y, sobre todo, si se toma en cuenta que antes de cantar fué atleta, y merced a esto, desarrolló un corpachón de proporciones bastante respetables que sugiere todo menos buenas maneras. No solamente eso. La Voz de Cuba, debido a su natural simplicidad, ha pasado por sucesos tan curiosos como el que le aconteció cuando canto el recibimiento del General Patton al terminar la Segunda Guerra Mundial, celebro en el Hollywood Bowl de California. La transcendencia del acto y la histórica figura del General, pusieron nervioso a Valdez y, según sus propias palabras, "por el inusitado honor que se me había conferido canté a dos voces conmigo mismo, pues durante toda la canción de mi garganta salió un dúo". Pero ante el públco, "La Voz de Cuba" es un verdadero y destacado representante del arte vocal cubano. En este disco interpreta doce canciones que constituyen algo de lo mejor de la inspiración musical cubana de antaño y hogaño._ Leonel Bracho (Por RCA Victor Mexicana, S. A. de C. V.)
Miguel Ángel Eugenio Lázaro Zacarías Izquierdo Valdés Hernández (La Habana, 6 de septiembre de 1912 - Bogotá, Colombia, 8 de noviembre de 1978), también conocido como Míster Babalú, fue un cantante cubano que cultivó distintos géneros musicales cubanos como el bolero, el son cubano y la guaracha. Su estilo estuvo caracterizado por su potente voz y un sentido picaresco de lo popular. Nació en el barrio de Belén y siendo muy niño todavía su familia se mudó al también popular barrio de Cayo Hueso en Centro Habana. En su juventud fue mecánico automotriz y, además, boxeador. Miguelito se inició en la música popular integrando un sexteto, donde además de cantar tocaba diferentes instrumentos. Tiempo más tarde se integró como vocalista en el sexteto Jóvenes del Cayo. También participó en charangas y en el 1933 estuvo en el Sexteto Occidente de María Teresa Vera. Trabajó con la orquesta Hermanos Castro hasta 1936, cuando se fundó la Orquesta Casino de la Playa. Trabajando en ella logró definir su sello fundamental influido por los ritmos afro de la música cubana. En 1939 salió de la Casino de la Playa, y en marzo de 1940 grabó varios temas con la orquesta Havana Riverside. En abril de 1940 Miguelito Valdés abandonó Cuba con destino a Nueva Jersey, y más tarde se desplazó a Nueva York. Allí se unió a la orquesta de Xavier Cugat, debutando en el Hotel Waldorf Astoria. Debido a diferencias por asuntos de dinero dejó la orquesta de Cugat y en 1941 trabajó con Machito y sus Afro-Cubans. En 1945, en parte a causa de la gran cantidad de trabajo, se quedó prácticamente afónico. No obstante el mal pronóstico médico, Valdés se recuperó de esta dolencia. En 1947 se encontró a su viejo amigo Chano Pozo en Nueva York y lo incorporó a su banda. Más tarde, Pozo se vincularía a personalidades como Dizzy Gillespie y se convertiría en todo un icono del jazz latino. Para 1951 Miguelito grabó con la orquesta de Noro Morales. En ese año también grabó con la Sonora Matancera, conjunto cubano con el cual grabaría posteriormente en 1977. Miguelito Valdés, uno de los cantantes hispanos mejor pagados de Nueva York en los años 1950, murió de un infarto mientras cantaba en el Salón Rojo del Hotel Tequendama en Bogotá el 8 de noviembre de 1978._(wikipedia)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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