Benny Golson Group - Remembering Clifford

Benny Golson (nacido el 25 de enero de 1929) es un saxofonista tenor, compositor y arreglista estadounidense de bebop y hard bop jazz. Alcanzó la fama con las big bands de Lionel Hampton y Dizzy Gillespie, más como compositor que como intérprete, antes de lanzar su carrera en solitario. Golson es conocido por cofundar y codirigir The Jazztet con el trompetista Art Farmer en 1959. Desde finales de los sesenta hasta los setenta, Golson estuvo muy solicitado como arreglista para cine y televisión, por lo que su actividad como intérprete fue menor, pero en 1982 volvió a formar el Jazztet con Farmer.
Muchas de las composiciones de Golson se han convertido en estándares del jazz, como "I Remember Clifford", "Blues March", "Stablemates", "Whisper Not" y "Killer Joe". Se le considera "uno de los contribuyentes más significativos" al desarrollo del hard bop jazz, y fue galardonado con un Grammy Trustees Award en 2021.

Golson comenzó a aprender a tocar el piano a los nueve años, y luego cambió al saxofón cuando tenía 14 años. Mientras estudiaba en el Benjamin Franklin High School de Filadelfia, tocó con otros jóvenes músicos prometedores, como John Coltrane, Red Garland, Jimmy Heath, Percy Heath, Philly Joe Jones y Red Rodney. Más tarde asistió a la Universidad Howard..._(wikipedia)

Benny Golson se sintió conmovido por la muerte del trompetista de bop Clifford Brown y escribió el clásico "I Remember Clifford". Ahora que se le presenta la oportunidad de hacer un álbum en honor de su viejo amigo, Golson reúne a un sexteto y presenta un álbum que toma la idea de "I Remember Clifford", la actualiza a fondo y la extiende a lo largo de una hora de gran música en este disco. Rehaciendo su tema más conocido como "Brown Immortal", Benny también hace una nueva versión de "Five Spot After Dark", que durante mucho tiempo ha sido un elemento básico de su repertorio. La trompa de Golson es pura miel, sonando tan maravillosamente a los 69 años como muchos músicos esperarían serlo a la mitad de su edad. Intercambiando solos con el saxo tenor Ron Blake, el trompetista John Swana, y el pianista Mike LeDonne, Peter Washington añade un buen apoyo de bajo de cuerda mientras Joe Farnsworth empuja el ritmo, pateando en todos los lugares correctos y nunca tocando en exceso. Tito Puente y Carlos "Patato" Valdés hacen apariciones como invitados en "Tito Puente" de Golson, pero donde Golson y compañía realmente brillan es en temas nuevos como "Horizon Ahead" y el cierre, "Ever More". Estos dos enérgicos temas demuestran que Golson sigue tocando con energía cuando es necesario y sigue siendo filosófico en temas como "Lullaby of Birdland" y la balada "You're the First to Know". Con una música estupenda, no hay nivel en el que este álbum no triunfe._Cub Koda (allmusic)

                                                                          

                                                                                   

Benny Golson Group - Remembering Clifford (1998)

Temas:

01. Brown Immortal

02. Five Spot After Dark

03. Dear Old Stockholm (Traditional) 

04. Matinee

05. You're the First to Know

06. Lullaby of Birdland (George Shearing, George David Weiss)

07. Tito Puente

08. Horizon Ahead

09. Ever More

Musicos:

Benny Golson (Saxo tenor)

John Swana (Trompeta)

Ron Blake (Saxo tenor)

Mike LeDonne (Piano)

Peter Washington (Bajo)

Joe Farnsworth (Batería)

Tito Puente, Carlos "Patato" Valdes (Percusión en pista 7)

Conjunto Casino - Rumba Quimbumba

Conjunto Casino. Fue una agrupación de música popular cubana que compartió la simpatía popular con la Sonora Matancera en sus años de esplendor, en las décadas de 1940 y 1950. El Conjunto Casino se especializó en el bolero y, en ciertos momentos, en la guaracha.

El 1 de mayo de 1937 debuta en La Habana el Sexteto Casino, el cual mostraba en su formato la corriente de la época; tales grupos soneros surgidos tras el éxito del Sexteto Habanero durante la década anterior, buscaban reforzar su sonoridad. Cada vez más tenían mayor tendencia a solicitar agrupaciones de son para amenizar bailes públicos. Al mismo tiempo, las orquestas charangas –entonces llamadas típicas – permanecían fieles al danzonete compuestos en aquellos diez años (1929 – 1939) que no eran más que canciones y boleros llevados al formato charanguero. Mientras esto sucedía, muchos músicos permanecían fieles a la trova que, ya por entonces, había visto pasar sus mejores días.

En 1941, el Sexteto Casino es solicitado para la temporada musical del antiguo Casino Nacional, en la entonces Playa de Marianao. Los empresarios exigen como condición para el contrato la inclusión de un bolerista. Tiempo después a instancias del entonces director del sexteto, Esteban Grau, Espí acepta incorporarse al grupo.

En 1943, la agrupación graba sus primeros discos para la firma RCA Víctor; el Sexteto Casino comienza su extensísima discografía, cada una de cuyas placas contenían casi sin excepción, un bolero.

Era la época que se escuchaban en Cuba los grandes boleros de Agustín Lara, Rafael Hernández, Pedro Flores y muchos autores más de todo Latinoamérica, al tiempo que otros compositores cubanos (Farrés, Fernández Porta, Bobby Collazo, Julio Gutiérrez y Orlando de la Rosa) popularizaban sus creaciones. Cantar boleros se convertía en requisito insoslayable para el éxito. Y en ello, como en otros sucesos musicales, aquel sexteto, convertido en 1943 en Conjunto Casino.

Meses después de realizarse las cuatro primeras grabaciones del grupo, se incorpora como cantante Nelo Sosa (1921-2001). Sosa y Espí tendrán sobre sí todo el peso vocal del Casino. Además de destacarse como guarachero, Nelo grabó boleros a dúo con Roberto Espí, quien permanecerá como bolerista principal del conjunto. Espí, quien asumió allá la dirección de la agrupación. Decidido a reorganizarla incorpora nuevamente a Nelo Sosa y propone a Roberto Faz. La trilogía Faz – Sosa - Espí se mantuvo durante un año.

Durante muchos años, Nelo se destacará con este grupo en su doble condición de bolerista y guarachero.El puesto de Nelo Sosa será ocupado por el guitarrista, compositor y cantante Agustín Ribot (1917- 1988). Hasta 1951, Faz, Ribot y Espí harán del Conjunto Casino el de mayor popularidad en Cuba.

En 1948, a finales de 1948, circunstancias muy peculiares propician la coincidencia, en los estudios de la CMQ, del Conjunto Casino y el cantante borícua Daniel Santos (1916 – 1992). Juntos grabaron una curiosa serie de discos para la RCA Victor, incluidos boleros como Valor, Corazón (Luis Marquetti), Virgencita del camino, Ya tú ves, Patricia, Tres colores y Dos banderas. Pero el momento cumbre del bolero en el Conjunto Casino comienza en 1949, cuando Faz y Espí entablan vínculos amistosos y artísticos con José Antonio Méndez (1927 - 1989), César Portillo de la Luz (1922) y el Niño Rivera Andrés Echevarría Callava, 1919 – 1996 designado como arreglista exclusivo del conjunto.

Ello provocó la llegada del movimiento del filin a los conjuntos de baile y su irrupción consecuente en la fonografía cubana. Boleros como Quiéreme y verás, Tú, mi adoración y Realidad y fantasía iniciaron la trayectoria exitosa del Roberto Faz bolerista, mientras Espí convertía en hits Cuando lo pienses bien y Ayer la vi llorar. El Conjunto Casino no sólo contó con varios boleristas a la vez en su plantilla, sino que los desarrolló y facilitó, en algunos casos, su posterior desempeño como solistas._(ecured)


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Conjunto Casino - Rumba Quimbumba (1993)

Temas:
01. Rumba Quimbumba (Cristobal Doval)
02. Ay! Nicolas (Alberto Armenteros)
03. Apretando D.R.)
04. Oye, Aqui Esta (Jesús Guerra)
05. Canelita (Miguel A. Román, Rafael López)
06. Con La Lengua Fuera (D.R.)
07. Ñaña Rube (D.R.)
08. A Mi Que (Jesús Guerra)
09. La Mulata Arrebata (Don Raymat)
10. Mi Lindo Yambu (Alfredo Boloña)
11. Viejo Verde (Agustín Ribot, Jesús Diaz)
12. Sonerito (Silvestre Méndez)
13. Quiquiribu Mandinga (Rodriguez Fiffé)
14. El Vendedor No Se Fia (C. Delis)
15. Que Amigos (Enrique Gutierrez)
16. Me Matan... Pero Gozo (Fico López)
17. Don Felipe (Cristobal Doval)
18. Tinajas Y Tinajones (D.R.)
19. Salagente (Cristobal Doval)
20. Pajarillo Carpintero (Tibbless, Idriss)
21. No Se Vale (Alberto Armenteros)
22. Quinto Me Llama (Alberto Armenteros)

Musicos:
Roberto Alvarez - Piano
Cristobal Doval - Bajo
Carlos "Patato" Valdes - Congas
Orlando Guzmán - Bongos
Alberto Armenteros, José Gudin, Miguel Román - Trompeta

Voces:
Agustín Ribot, Roberto Faz y Roberto Espí (tracks: 1, 4, 5, 11, 15, 17, 19, 20, 21 y 22)
Roberto Espí y Esteban Grau (tracks: 9)
Roberto Espí y Agustín Ribot (1, 3, 6 y 9)
Alfredito Valdés y Roberto Espí (tracks: 7, 13, 14 y 18)
Roberto Espí y Roberto Faz (tracks: 3)
Nelo Sosa y Roberto Espí (tracks: 7, 10, 12 y 16)
Juan Fuentes y Roberto Espí (tracks: 8)

Los músicos en estas grabaciones varían desde que tocaron entre 1941 y 1946

Carlos “Patato” Valdes - Ritmo Y Candela II African Crossroads

Esta es una grabación notable, desde el punto de vista del arte y el folclore. Para este productor de discos nominado al Grammy, Greg Landau reunió un elenco de jugadores bicarestres y multinacionales bajo el liderazgo del conguero estimado Carlos "Patato" Valdés. El líder, cuyo trabajo es la fuerza centrífuga de esta grabación, es un músico de tal astucia como para dibujar analogías a gente como Miles Davis en comparación con sus compañeros bateristas de la mano. Digamos que el gran conguero de manos duras Ray Baretto es Elvin Jones para Billy Higgins de Patato. Patato emplea una sensibilidad melódica en las congas que arroja un tono sutil a los procedimientos.

Lo que separa esta sesión de otros proyectos de jazz afrocubanos son los elementos folclóricos incorporados. Los músicos, provenientes del Área de la Bahía, Nueva York y Cuba, se complementan con la Patria, en forma de la cantante congolesa Samba Mapangala, y el músico-percusionista de kora Senegelese Abdou M'boup. Mediante la fusión exitosa de estos elementos, la grabación lleva al oyente a un recorrido por sonidos y tradiciones que van desde los soukous africanos al son cubano, con rudimentos de descarga (jam session cubana) y jazz, invocado principalmente por músicos tan brillantes como el saxofonista cubano Yosvany. Terry y el pianista Iván "Melón" González, y el saxofonista de Nueva York Enrique Fernández, quien aumenta su solo de soprano en el álbum más cerca con un espeluznante sobrenotado clarinete bajo. A medida que la música cubana continúa ganando impulso en este país, esta maravillosa grabación se alza como una joya más en el collar._Willard Jenkins (jazztimes)

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Carlos “Patato” Valdes - Ritmo Y Candela II: African Crossroads (1996)

01. El Lenguaje del Son 
02. Son de Patato 
03. Kora-son 
04. Guloya Swing 
05. Guajira en el Espacio 
06. Sangre de Africa 
07. Soñando en Cubano 
08. Señor Blues Mbula Enoka 
09. Ensalada de Melón, Patato, y Anga 

Musicos:
Carlos “Patato” Valdes
Walfredo de los Reyes Sr.
Orestes Vilató
Joe Santiago
Miguel Angá Diaz
Abdou M'Boup
Ivan 'Melón' Gonzalez
Yosvany Terry
Omar Sosa
Samba Mapangala
Greg Landau
Enrique Fernandez

Patato, Changuito y Orestes - Ritmo y Candela (Rhythm at the Crossroads)

Pon a tres poderosos percusionistas cubanos juntos en cualquier momento y el fuego inextinguible de la creatividad está destinado a ser encendido. Algo le sucede a los hombres que parecen compartir una alegría de vivir que es contagiosa. Tal vez la Descarga enflame la música para que un verdadero incendio forestal de percusión se propague en la música incontrolablemente. Afortunadamente esto es exactamente lo que sucedió en esta sesión titulada Ritmo y Candela - Ritmo en la encrucijada presentando al gran conguero Carlos "Patato" Valdés, el trampero y maestro del timbal José Luis "Changuito" Quintana y ese otro gran timbalero Orestes Vilató. Otra razón por la que este álbum brilla es porque es magníficamente producido por Greg Landau, conocido por su toque Midas, del que hemos sido testigos una y otra vez.

El dominio de estos músicos es insuperable. Ha sido por décadas. El Sr. Landau ha aprovechado esta música para escribir según sus estilos y fortalezas individuales. Escucha cualquier pista y oirás lo que quiero decir. Pero si quieres que toda la fuerza de la música afrocubana de estos legendarios maestros resuene en tu alma, entonces Desde el Fondo del Río es un muy buen ejemplo. Es antiguo y moderno, y otros músicos también se destacan. En particular, Rebeca Mauleón es sobresaliente, como el bajista Joe Santiago, cuyas notas guturales impulsan la música a un ámbito increíblemente enrarecido, los sintetizadores de la Sra. Mauleón agregan poderosos armónicos a la música. Su dominio del idioma siempre ha sido considerado impecable. Aquí Rebeca Mauleón suena casi musculosa y su juego está bellamente desprovisto de signos femeninos, metamorfoseándose en cambio en algo de machismo vigoroso y, sin embargo, decorado con una gracia insuperable.
Este álbum se lanza a cualquier lista de álbumes esenciales. La escritura, por muy sugerente que pueda ser, es algo digno de contemplar. Además, los músicos se aferran a sus voces individuales de tal manera que aportan una fabulosa individualidad al proyecto. Y, sin embargo, cada canción es prácticamente diferente de la que le precedió. Esto tiene todo que ver con el espectacular soli. En Luz, por ejemplo, es el turno de Orestes Vilató y Enrique Fernández de mostrar sus artes. Se produce un sol brillante y esto es seguido por el ingenio superficial de Patato, que parece ser la estrella de la sesión. Esto no significa que Changuito y Vilató no sean parte del triunvirato celestial. En cambio, los tres percusionistas se alimentan mutuamente de la vitalidad.

Es necesario mencionar especialmente a Enrique Fernández, quien contribuyó a la escritura emocionante y visceral y esto no debe pasar desapercibido. Además de ser un excelente instrumentista, Fernández es también un extraordinario compositor y arreglista. Y luego está la inefable Rebeca Mauleón. No hay palabras de elogio lo suficientemente altas para sus contribuciones a este álbum. Fortuitamente, esta fecha produjo música para ser honrada con una nominación al Premio Grammy a la Mejor Interpretación del Jazz Latino en 1996. Y luego también hubo una fecha de seguimiento que también produjo la magnífica Encrucijada Africana. Juntos, estos dos álbumes forman una parte esencial de cada biblioteca de Latin Jazz._(latinjazznet)


 La colaboración de Changuito, Patato y Oreste Vilató en esta sesión de grabación es un encuentro de tres leyendas de la percusión afrocubana, cada una de las cuales ha desarrollado su propio enfoque de la música. Desde 1959 tiene. Hubo poca interacción entre los músicos cubanos que viven en los Estados Unidos y los que están en Cuba. Muchos de los músicos cubanos que se establecieron en Nueva York se convirtieron en parte de una próspera comunidad musical que produjo fusiones históricas de ritmos cubanos con jazz, interpretaciones clásicas de la música tradicional cubana y más tarde el desarrollo de "salsa, un estilo inspirado y forma del hijo cubano y guaracha.
En Cuba, los amantes de la música siguieron muchas de las tendencias de la música pop estadounidense tanto como los estadounidenses bailaron al mambo, el cha cha y la rumba. A pesar de la ausencia de música pop occidental en las ondas cubanas durante las décadas de 1960 y 1970, los músicos cubanos incorporaron elementos de rhythm and blues y jazz en su música haciéndose eco de los sonidos que se transmiten a través del Estrecho de la Florida. El público cubano clamó por el ritmo y la sensación de la batería, las guitarras eléctricas y los órganos eléctricos, el sonido característico de la música pop moderna. Muchos grupos cubanos crearon híbridos que combinaban elementos de la música pop occidental con el hijo cubano incorporando los sonidos de los órganos eléctricos de Vermona de Alemania del Este y las armonías doo-wop en la mezcla musical. Las primeras grabaciones de la Orquesta Ritmo Oriental y Los Van Ván documentan este período de transición que se asemeja a la locura del Latin Boogaloo aquí en los Estados Unidos.
Changuito, junto con muchos jóvenes músicos de Cuba, estudiaron cintas de Blood Sweat and Tears, Pink Floyd, Chick Corea y muchos otros, tomando prestados estos estilos e incorporándolos en sus propios marcos cubanos. Las primeras grabaciones de Los Van Ván muestran las fusiones funky de los estilos de percusión cubanos y los sonidos del rock moderno, proporcionando a la juventud cubana una versión cubana de las tendencias actuales de la música popular. Changuito fue capaz de transmitir la intensidad y el backbeat de la música rock en el marco de la música de baile cubana. Probablemente ha influenciado a todos los trap drummer que tocan la música cubana o la salsa creando una configuración de batería única con cencerros y timbales incorporados en el set y una sensación rítmica que conecta la batería sin esfuerzo en el tumbao de los otros instrumentos de percusión. El baterista veterano Walfredo de Reyes atribuye a Changuito la incorporación de elementos de los ritmos de Abakua y otras formas de música ritual afrocubana. Recuerda un encuentro entre Dave Weckl, un baterista de Chick Corea, y Changuito, donde Weckl expresó desconocer las referencias rítmicas en las complejas polirritmias de Changuito.
Patato Valdés actuó en Cuba como conguero e interpretó al bailarín con algunas de las mejores bandas del país, incluyendo Sonora Matancera y Conjunto Casino. Creó su propio estilo característico que enfatiza las características tonales de los tambores y crea melodías que dialogan con el bajo y otros instrumentos armónicos. ¡Su acercamiento melódico al tambor de conga le permite crear tonos cautivadores que mantienen el efecto de sotavento! del tumbao sin trepidar sin cesar el mismo terreno rítmico. La energía ilimitada y la dinámica creativa de Patato han añadido sabor a muchos conjuntos de jazz y ha proporcionado un modelo para que los jóvenes bateristas sigan a través de cintas de instrucción y diseños de tambores conga. Es difícil hablar de la historia del tambor conga sin mencionar su nombre. Viendo a Patato sintonizar los tambores, recuerda a un violinista maestro afinar un Stradivarius. Camina alrededor de los tambores, mirándolos, tocándolos, golpeando con fuerza un puño sobre las pieles y acariciando hermosos tonos musicales de ellos. "Solo trato de dejar salir el sonido del tambor, lo golpeo con amor y ternura y podemos hablar como uno", nos dijo, explicando su técnica.Hay muy pocos músicos de timbal que podrían ponerse de pie con estos dos gigantes de percusión sin sentir la tensión. Orestes Vilató ha sido durante mucho tiempo respetado como el timbalero tocador del timbal, un innovador y perfeccionista que hace que la batería cante y cante al extraer una amplia gama de sonidos y ritmos de las pieles. Su carrera abarca más de 30 años durante los cuales ha grabado algunos de los trabajos definitivos en música latina. Su experiencia se extendió desde la banda clásica de Ray Barretto de los años 60 y principios de los 70 hasta Santana, Cachao, Fania All Stars y Jackson Browne. Orestes recuerda haber conocido a Patato en Cuba cuando tenía seis años. Más tarde tocó con él en Nueva York. "Sentí que Changuito y yo éramos almas gemelas incluso antes de conocerlo. Cuando hablamos, mencionó que las canciones que había tocado en la década de 1970 fueron influencias sobre él. También escuché a Los Van Ván y sentí una afinidad con él como un percusionista y como cubano ". Notas de Greg Landau


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Patato, Changuito y Orestes - Ritmo y Candela (Rhythm at the Crossroads) (1995)

Temas:
01. San Francisco Tiene Su Propio Son
02. Descarga En Faux
03. Desde El Fondo Del Rio
04. Luz
05. Yo Tengo Ritmo
06. Oguerte
07. Calipso En Las Nubes
08. Guiro Para Qgun
09. Los Maestros Hablan

Musicos:
Carlos “Patato” Valdes (congas)
Jose Luis “Changuito” Quintana (drums, timbales)
Orestes Vilató (timbales, bongo, percussion, guiro, bell)
Rebeca Mauleón (vocals, piano, synthesizer, chekere)
Enrique Fernández (alto, tenor & baritone saxophones, flute)
John Calloway (flute, synthesizer)
Greg Landau (guitar, tres)
Joe Santiago (bass)
Jeff Narell (steel drums)
Felix “Fito” Reinoso (vocals)
Michael Spiro, Edgardo Cambon (chekere, background vocals)
Lazaro Games, Lazaro Bages, Ollan Christopher, Tammy “Omi Ade” Ozier, Christina “Ochún” Velasco (background vocals)

Herbie Mann - The Beat Goes On

Herbie Mann tocó una gran variedad de música a lo largo de su carrera. Llegó a ser muy popular en los años 60, pero en los 70 se sumergió tanto en el pop y en varios tipos de música del mundo que parecía perdido en el jazz. Sin embargo, Mann nunca perdió su capacidad de improvisación creativa, como atestiguan sus últimas grabaciones.

Herbie Mann empezó con el clarinete a los nueve años, pero pronto tocó también la flauta y el tenor. Tras servir en el ejército, formó parte del Quinteto de Mat Mathews (1953-1954) y luego comenzó a trabajar y grabar como líder. Entre 1954 y 1958 Mann se dedicó principalmente a tocar bop, colaborando a veces con músicos como Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar y Charlie Rouse. Hizo doblete con el tenor de tono frío y fue uno de los pocos músicos de jazz de los años 50 que grabó con clarinete bajo; también grabó un álbum completo en 1957 (para Savoy) de flauta sin acompañamiento.

Tras pasar un tiempo tocando y escribiendo música para la televisión, Mann formó su Afro-Jazz Sextet, en 1959, un grupo que utilizaba varios percusionistas, vibráfonos (ya sea Johnny Rae, Hagood Hardy o Dave Pike) y la flauta del líder. Realizó una gira por África (1960) y Brasil (1961), tuvo un éxito con "Comin' Home Baby" y grabó con Bill Evans. El flautista de jazz más popular de la época, Mann exploró la bossa nova (incluso grabó en Brasil en 1962), incorporó a su repertorio música de muchas culturas (además de melodías pop actuales) y tuvo entre sus acompañantes a jóvenes músicos de primera fila como Willie Bobo, Chick Corea (1965), Attila Zoller y Roy Ayers; en el Festival de Newport de 1972 su sexteto incluía a David Newman y Sonny Sharrock. Para entonces, Mann llevaba tres años como productor en Embroyo (una filial de Atlantic) y ampliaba con frecuencia su música fuera del jazz. A medida que avanzaban los años 70, Mann se involucró mucho más en el rock, el pop, el reggae e incluso la música disco. Tras dejar Atlantic a finales de los 70, Mann tuvo su propio sello durante un tiempo y volvió gradualmente al jazz. Grabó para Chesky, grabó un disco con Dave Valentin y, en los años 90, fundó el sello Kokopelli, en el que, antes de desvincularse en 1996, tuvo libertad para dedicarse a su amplia gama de intereses musicales. A lo largo de los años, grabó como líder para Bethlehem, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli y, sobre todo, Atlantic. Falleció el 1 de julio de 2003, tras una larga batalla contra el cáncer de próstata. Su último disco fue el póstumo Beyond Brooklyn, publicado en 2004 para Telarc._Scott Yanow (allmusic)


Herbie Mann era bastante impredecible en los años 60. De un álbum al siguiente, nunca se sabía si él abrazaría el bop duro, la bossa nova, el jazz latino, el soul-jazz, o cualquier otra cosa que estuviera de humor. Podría ser comercial un minuto, esotérico y experimental el siguiente. Uno de los LPs más comerciales de Mann de ese período, The Beat Goes On, es un esfuerzo de soul-jazz orientado a groove orientado al groove con fuertes inclinaciones latinas. Gran parte del material trae a la mente a Pucho y los Latin Soul Brothers, y las comparaciones con Pucho son inevitables en cortes que van desde "More Rice Than Peas, Please", de Mann a una versión de Sonny & Cher "The Beat Goes On" y un Latin Boogaloo interpretación de Joe Liggins "The Honeydripper" (que cuenta con King Curtis en sax tenor). Los ritmos afro-cubanos son una alta prioridad, aunque Mann entra en más de un groove de bossa nova en el Dream Garden de Dave Pike. Los puristas del jazz odiaban este lanzamiento, pero deje que digan lo que quieran - este LP está lleno de grooves altamente infecciosos y hace un gran álbum de fiesta. Lamentablemente, The Beat Goes On ha estado fuera de circulación - así que si eres un amante del soul-jazz con sabor latino y encuentras una copia en algún lugar, agárralo inmediatamente._Alex Henderson (allmusic)

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Herbie Mann - The Beat Goes On (1967)

Temas:
01. No Matter What Shape (Granville Burland)
02. More Rice Than Peas, Please (Herbie Mann)
03. Hey Ho (Herbie Hancock)
04. The Honeydripper (Joe Liggins)
05. The Beat Goes On (Sonny Bono)
06. Swingin´ Shepherd Blues (Kenny Jacobson, Moe Koffman, Rhoda Roberts)
07. West African High Life (Herbie Mann)
08. Dream Garden (Dave Pike)
09. Soul Montuno (Rene Hernandez)
10. Is Paris Burning? (Maurice Jarre)

Musicos:

Herbie Mann (Flauta-temas: 1, 2, 9, 10, Flauta alta-temas: 8)

Jack Six (Bajo-tema: 8), Reggie Workman (Bajo-temas: 1 a 3)

Gene Orloff (Concertino "Sección de cuerdas"-temas: 1 a 3)

Carlos "Patato" Valdes (Congas-temas: 1 a 3)

Bobby Thomas (Batería-tema: 8), Bruno Carr (Batería-temas: 1 a 3)

Attila Zoller (Guitarra-temas: 8)

Don Friedman (Piano-tema: 8), Jimmy Wisner (Piano-temas: 1 a 3)

King Curtis (Saxo tenor, solista-tema: 4)

Clark Terry (Trompeta, Solista-tema: 7)

Roy Ayers (Vibráfono-temas: 1 a 3)

Dave Pike (Arreglados-tema: 8), Jimmy Wisner (Arreglados-temas: 1 a 6, 9, 10), Rene Hernandez (tema: 7)

Grabado en la ciudad de Nueva York el 6 de abril de 1964 (tema 8), 6 de mayo de 1964 (tema 9), 8 de mayo de 1964 (tema 7), 29 de septiembre de 1966 (temas 6 y 10), 15 de diciembre de 1966(tema 4), 16 de diciembre de 1966 (temas 1-3) y 16 de marzo de 1967 (tema 5)

Naoya Matsuoka & Wesing-Son

Naoya Matsuoka: 09 de mayo 1937 Nacido en Yokohama. Lugar de nacimiento estaba en Honmoku-Xiaogang "East Asia Hotel".
Empiezo a tocar el piano en 1944 autodidacta-la.
1952 actor de pantomima, el debut como pianista de "pan Igari y Marquis Trio" -.
Formaron la primera banda de 1953 auto "Naoya Matsuoka Cuarteto".
Únete pianista, como arreglista en "Hamaguchi Kuranosuke y afro Kubano Jr.". La disposición de la "cereza amarilla".
Entonces se convierte en un prisionero de la música latina y formó la "Supeshiosa cubana".
1954 nuevo club en la preparación para la apertura del formado un "Naoya Matsuoka Piano Trio".
Disuelto el 1956 "Piano Trio" formado un "Latin Su Bae Shiosa" fortalecer ensemble América.
Será activa en 1957 "Piano Trio Naoya Matsuoka América". Y formado una banda latina "Matsuoka Naoya Habana Beats" volver a Yokohama.
1959 "La Habana Beats" continuará desarrollando actividades para "Matsuoka Naoya Habana Beats Orquesta".
Y formado un 1961 "artista Lee sonido", el fabricante de productor musical y arreglista de la serie.
Mientras trabajaba en un acuerdo de trabajo tales como película de 1964 · TV · CM, comenzó a trabajar como músico de estudio.
La disposición del drama tema 1972 TV "el sol me dio temporada". La canción ganó Japón Record Award, el premio de novato.
Premio Koga como compositor en 1973 Ayumi Ishida "Historia de poco amor" (Premio compositor Japón) premio.
Para reanudar las actividades en vivo formado un "Naoya Matsuoka All Stars".
1977 primero y lanzó el álbum "JOYFUL FEET". Se observa como primer nacimiento salsa original del Japón.
1978 "Steffanie DE PRAIA", y puso en marcha el "DAY BREAK".
Se formó un "Matsuoka Naoya & U ~ ishingu" 1.979. La liberación de "THE WIND WHISPERS". "FIESTA FIESTA", y puso en marcha el "MAJORCA".
Únete como pianista en gira por Japón de "Latin Jazz Ensemble".
Lanzado en 1980, "SON". Apareció en Suiza "Montreux Jazz Festival". La liberación de "LIVE AT MONTREUX FESTIVAL"... Seguir leyendo

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Naoya Matsuoka & Wesing-Son (1980)

Temas:
01.Rap Out (Oye baila mi son)
02.Adria
03.Mistica latina
04.Descarga
05.Noche Corriendo
06.Fisherman's Break
07.Let It Happen Again

Musicos:
Naoya Matsuoka (Keyboards, Composed By, Arranged By)
Andy Gonzalez (Bass)
Getao Takahashi (Bass)
Yuji Nakamura (Bass)
Johnny Rodriguez (Bongos, Cowbell)
Carlos "Patato" Valdes (Congas)
Kanya Kazama (Drums)
Yuichi Togashiki (Drums)
Takeshi Ito (Flute)
Akira Wada (Guitar)
Kenji Omura (Guitar)
Martin Willweber (Percussion)
Osamu Nakajima (Percussion)
Pecker (Percussion)
Hidefumi Toki (Saxophone [Alto, Soprano])
Yasuaki Shimizu (Saxophone [Tenor])
Tito Puente (Timbales)
Tadanori Konakawa (Trombone)
Kazumi Takeda (Trumpet, Flugelhorn)
Kenji Nakazawa (Trumpet, Flugelhorn)

Cachao-Dos

Israel "Cachao" López (La Habana, 14 de septiembre de 1918, Coral Gables - 22 de marzo de 2008, Miami), a menudo conocido simplemente como "Cachao", fue un músico y compositor cubano. Se convirtió en una leyenda de la música cubana con su magistral manejo del contrabajo y se destacó por sus actuaciones musicales en el mambo y el jazz afrocubano. Su talento lo llevó a obtener dos premios Grammy (en 1995 y 2005), un Grammy latino en 2003, el título de Doctor Honoris Causa otorgado por el prestigiado Berklee College of Music y una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Ha sido descrito como "el inventor del mambo". Se le considera un maestro de la descarga (improvisaciones en vivo).

Comenzó tocando distintos instrumentos, hasta que se quedó con el contrabajo, que le permitió, siendo un adolescente, ingresar en la Orquesta Filarmónica de La Habana, donde tocaban su padre y su hermano mayor. "Orestes López Cachao" salió de Cuba en 1962 con una larga lista de éxitos y aseguró en una entrevista concedida el 2007 que si no fuera por su compatriota y colega Dámaso Pérez Prado "no se hubiera escuchado el mambo mundialmente". Su primera parada fue Madrid, donde permaneció un año antes de emigrar a Estados Unidos. En ese país residió en las ciudades de Nueva York, Las Vegas y Miami.López también tocaba el bajo acústico con su hermano, el multi-instrumentista Orestes López. Ambos compusieron literalmente más de 3.000 canciones juntos y fueron muy influyentes en la música cubana desde los años 1930 a la década de 1950. Crearon el "nuevo estilo" hacia fines de los años 1930, el cual transformó el estilo del danzón. Mediante la introducción y popularidad de otro género el son cubano llevó a Pérez Prado a desarrollar el nuevo género musical mambo.

Ganó varios premios Grammy tanto por su propio trabajo y sus contribuciones en álbumes de estrellas de la música latina, incluyendo a Gloria Estefan. En 1995, ganó un Grammy por Master Sessions Volumen 1. En 2003, ganó un Grammy Latino al Mejor Álbum Tropical Tradicional Latina junto con Bebo Valdés y Patato por El Arte Del Sabor. Volvió a ganar un Grammy en 2005 por su trabajo ¡Ahora Sí!.

Su sobrino, Orlando "Cachaíto" López se convirtió en uno de los pilares del famoso Buena Vista Social Club.

Cachao tocó con artistas como Tito Puente, y su música ha aparecido en películas como La jaula de las locas, y la banda sonora del videojuego Grand Theft Auto: Vice City. El actor Andy García produjo un documental titulado Cachao ... Como Su Ritmo No Hay Dos en 1993 acerca de su música. También compartió escenarios con Celia Cruz y su esposo Pedro Knight, así como con el trombonista Generoso Jiménez. Su última colaboración musical la realizó con Gloria y Emilio Estefan en el álbum de la cantante titulado 90 Millas.

López falleció en la mañana del 22 de marzo de 2008 en Coral Gables, Florida, a la edad de 89 años, producto de complicaciones tras una insuficiencia renal.(wikipedia.org)

Más información relacionada



Cachao-Dos (1976)

Temas:
01.Ko-Wo, Ko-Wo - (Guiro)    
02.Jóvenes Del Ritmo - (Danzón)   
03.Centro San Agustín - (Danzon-Cha)           
04.Trombon Melancólico - (Descarga)        
05.Chambolena (Pot Pourri De Congas) - (Comparsa)
Musicos:
Acoustic Bass - Israel "Cachao" López
Bells – Mario Munoz (tracks: 1)
Bells [Campana] – Andy Gonzalez (tracks: 3)
Bombo – Julito Collazo (tracks: 5)
Cello – Patricia Dixon (tracks: 2)
Congas – Carlos "Patato" Valdes (tracks: 3), Julian Cabrera (tracks: 2)
Coro – Diane Cardona (tracks: 1), Eugenio "Totico" Arango (tracks: 5), Frankie Rodriguez (tracks: 1), Hector Hernandez (tracks: 1), Marcelino Guerra (tracks: 1), Rafael "Felo" Barrios (tracks: 3, 4), Roberto Torres (tracks: 3, 4), Fela Wiles* (tracks: 1), Zunny Lopez (tracks: 1)
Flute – Gonzalo Fernandez (tracks: 2, 3)
Guiro – Rolando Valdes (tracks: 2, 3)
Guitar – Nelson Gonzales (tracks: 3)
Percussion – Frankie Rodriguez (tracks: 4), Gene Golden (2) (tracks: 4), Milton Cardona (tracks: 4), Papaito (tracks: 3, 5), Virgilio Marti (tracks: 5)
Piano – Charlie Palmieri (tracks: 2, 4), Lino Frias (tracks: 3, 5)
Shekere – Totico (tracks: 1)
Timbales – Manny Oquendo (tracks: 4), Osvaldo Martinez (tracks: 2, 5)
Trombone – Barry Rogers (tracks: 4), Jose Rodrigues (tracks: 4)
Trumpet – Alejandro "El Negro" Vivar (tracks: 3), Alfredo "Chocolate" Armenteros (tracks: 3)
Violin – Alfredo De La Fe (tracks: 2), Carl Ector (tracks: 2), Eddie Drennon (tracks: 2), Felix Lagaretta* (tracks: 2), Yoko Matsuo (tracks: 2)
Vocals, Shekere, Congas – Julito Collazo (tracks: 1)

Información cedida por Osvaldo M.

Michael Philip Mossman - The Orisha Suite

                                                                            

Michael Philip Mossman (nacido el 12 de octubre de 1959) es un trompetista de jazz estadounidense. La carrera temprana de Mossman incluyó una gira por Europa con Anthony Braxton en 1978 y giras con Roscoe Mitchell a principios de la década de 1980. También realizó trabajos de sesión en la década de 1980, para Styx, entre otros. Tocó con Lionel Hampton , Art Blakey 's Jazz Messengers y Machito antes de unirse al conjunto Out of the Blue de Blue Note Records en 1985. Después de esto, trabajó con Toshiko Akiyoshi , Horace Silver (1989-1991), Gerry Mulligan (1992) , Dizzy Gillespie , Slide Hampton ,Michel Camilo , Mario Bauza , Eddie Palmieri y la Superband de Philip Morris. En 2019, los arreglos de Mossman para el pianista Michel Camilo en el álbum Essence, que también cuenta con Michael como solista de trompeta. Mossman recibió una nominación al Grammy en 2013 como Mejor Arreglo Instrumental por su "Suite de Jazz Afrocubana para Ellington" grabada en el álbum Multiverse de Bobby Sanabria . Su trabajo con el director Fernando Trueba, ganador del Premio de la Academia, incluye la partitura musical para la película Chico y Rita, nominada al Premio de la Academia (2012) . Mossman ha sido artista invitado, arreglista y director de orquestas de radio en Alemania. Ha dirigido la Bilbao Orkesta Sinfonica en España en un programa de obras propias. Arregló y dirigió "Mambo Nights" con Arturo Sandoval y "Missa Afro-Cubana" con la WDR Bigband de Colonia y Spirits Dancing con David Sanborn con la HR Bigband de Frankfurt (2009). "Latin Jazz Latino" con Joe Gallardo fue grabado por la NDR Bigband de Hamburgo y editado por Skip Records (2006).

Su ballet Beneath the Mask fue realizado en el Harris Theatre de Chicago por Jon Faddis y el Chicago Jazz Ensemble.y la Deeply Rooted Dance Company en 2006. Su arreglo de "Teranga" de Faddis fue interpretado por la Orquesta de Filadelfia en el Kimmel Center en 2006. Su arreglo de "I Remember Diz" de Paquito D'Rivera fue interpretado por la Filarmónica de Luisiana en 2010. Ha arreglado para la Sinfónica de Tri-City de Davenport, Iowa (2011). Su "Latin Tinge" se realizó en el Kennedy Center en Washington, DC con Paquito D'Rivera y el cuarteto de cuerdas Quartet Indigo en 2010. Mossman es Director de Estudios de Jazz en la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College / CUNY y también forma parte de la facultad de la Escuela Juilliard en la ciudad de Nueva York.~ (wikipedia)

El maestro de trompeta Michael Philip Mossman se ha extendido en esta salida, llegando a todos los lugares que ha visitado en su carrera de jazz en la vanguardia con Anthony Braxton , en la universidad de hard bop con Art Blakey , y en su larga asociación con la Mundo del jazz latino donde ha estudiado con Machito , Tito Puente , Chico O'Farrill , Daniel Ponce , Mario Bauza , Michel Camilo y Ray Barretto . Ha aportado todo esto a una obra que es a la vez ambiciosa, maravillosamente expansiva, exótica y completamente accesible.La Suite Orisha es una llamada de lo moderno a lo antiguo y lo desconocido. Busca expresar un anhelo musical que solo puede responderse con más preguntas y misterios. La banda reunida en este ejercicio afrocubano magníficamente exuberante es elegante, innovadora y literalmente alucinante; la composición, los arreglos y los cortes son estelares, ya que Paquito D'Rivera , Barretto , Patato Valdes , Arturo O'Farrill , Todd Williams , John Benítez y Adam Rogers inician sesión para realizar el tour de force de Mossman . Las composiciones de The Orisha Suiteson variadas por todos en el sentido de

que reflejan diferentes aspectos de la experiencia afrocubana y del jazz latino, filosófica, rítmica y dinámicamente. Los arreglos son ajustados, contundentes y llenos de escapadas de ensueño hacia la armonía y las complejidades polirrítmicas. Pero dado que estas obras están compuestas con tanta precisión, los espacios para solos e improvisaciones son aún más profundos - echa un vistazo a Mossman, el toque de trompeta al final de "La montaña al filo del tiempo". La armonía de primera línea en "The Lepered Lover", cargada de acentos contrapuntísticos, es romántica y vanguardista. Del mismo modo, las declaraciones limpias de hard bop de la primera línea de "The Lord of Thunder", con sus ritmos funky, giros cubanos y solos alargados, son deliciosamente inteligentes. El humeante "Iron and Blood", impulsado por el funk, con su toque de son, ritmos de salsa y rumba, y un nudoso compromiso con el conjunto antes del solo de Williams , es impresionante. Este es un disco que merece estar a la vanguardia de la nueva revolución del jazz. Es el mejor momento de la carrera de Mossman, y para un compositor y trompetista de Nueva York, eso es decir mucho. Esta es una adición necesaria a la colección de cualquier fanático del jazz serio, y un ejemplo bienvenido, accesible y fenomenalmente ejecutado del género en la actualidad para cualquiera lo suficientemente curioso como para verlo. ~ Thom Jurek (allmusic)
                                         

                                                                                

                                                                                     
Michael Philip Mossman - The Orisha Suite (2003)

Temas:
01.Mambanita
02.The Mountain at the Edge of Time
03.Divine Hunter
04.The Lepered Lover
05.In the Land of Ile' Ife'
06.Copper...... Then Gold
07.The Lord of Thunder
08.The Moon and the Sea
09.Iron and Blood
10.The Guardian of the Crossroads

Musicos:

Michael Mossman (Trombón, trompeta, arreglista, director musical, mezcla, productor ejecutivo)

Arturo O'Farrill (Órgano, piano)

John Benítez (Bajo)

Adam Rogers (Guitarra)

Horacio "El Negro" Hernández (Batería)

Paquito d'Rivera (Clarinete, sax alto)

Todd Williams (Flauta, saxo tenor)

Carlos "Patato" Valdés (Conga)

Joe González (Conga, güiro)

Ray Barretto (Conga)

Cal Tjader - Verve Jazz Masters 39

La mejor vista de un solo disco de Cal Tjader años de The Verve, esta colección en realidad hace tiempo el vibrafonista ha pasado en la etiqueta parece más gratificante de lo que realmente fue.Mientras que con Fantasy Records, Tjader por lo general se pasaba el tiempo de corte duro álbumes de jazz latino o la liberación de soberbia en pequeños grupos, sesiones cool bop-teñido de jazz. Sin embargo, bajo la dirección de Creed Taylor, la mayoría de las sesiones de Tjader Verve poner un brillo suave en su estilo latino, y casi por completo caso omiso de su talento muy real para el jazz mainstream en pequeños grupos. 
Eso no quiere decir que sus años Verve no se llena de música excelente, porque eran, es sólo que registró menos música de grupo para Verve, así que es genial ver que la buena música tanto aparece aquí. Cada pista es un ganador, pero el CD incluye destaca como el pop sorpresa Tjader éxito "Soul Sauce", una lectura hermosa balada de "The Way You Look Tonight", la grabación de big band increíblemente frenético de la melodía Horace Silver "Blues Tokio" y una versión hip-temblor de "Moanin '" que ha Herbie Hancock y Ron Carter sesión pulg A juzgar por esta colección solo, uno pensaría período Tjader Verve fue la unión perfecta del jazz de alta calidad y los principales instintos comerciales. Si sólo "selling out" siempre sonaba tan bien. Tal vez haya más sesiones Verve Cal Tjader de que parecía existir en el momento. ~ Nick Dedina (allmusic)


Más información relacionada


 

Cal Tjader - Verve Jazz Masters 39 (1994)

Temas:
01.Soul Sauce (Guachi Guaro) (Aka Guachi Guaro)
02.Cura?ao
03.China Nights (Shina No Yoru)
04.The Whiffenpoof Song
05.Triste
06.Soul Bird (Tin Tin Deo) (Aka Tin Tin Deo)
07.The Way You Look Tonight
08.Daddy Wong Legs
09.Tokyo Blues
10.Cuchy Frito Man
11.The Prophet
12.Borneo
13.Leyte
14.Hip Vibrations
15.Cal's Bluedo
16.Moanin'

Musicos:
Cal Tjader-Vibraphone
Jose Mangual-Timbales
Charles McCracken-Cello
Bob Northern-French Horn
Victor Pantoja-Percussion
Alan Raph-Trombone (Bass)
Bobby Rosengarden-Percussion
Carlos "Patato" Valdes-Conga
Irving Horowitz-Oboe
Alberto Valdés-Percussion
Emanuel Vardi-Violin
Stanley Webb-Woodwind
Robert Maxwell-Harp
George Duvivier-Bass
Johnny Rae-Drums
George Berg-Bassoon, Clarinet (Bass)
Patricia Brown-Piano
Don Butterfield-Tuba
Clark Terry-Trumpet
Léon Cohen-Oboe
Chick Corea-Piano
Jack del Rio-Conga, Tambourine
Arnold Eidus-Violin
Paul Griffin-Flute, Sax (Alto)
Lonnie Hewitt-Piano
John Hilliard-Bass
J.J. Johnson-Trombone
Phil Kraus-Woodwind

Carlos (Patato) Valdes - El Hombre

Pocos han hecho más en sus vidas a inventar la conga y su papel de Carlos "Patato" Valdés. Su capacidad de utilizar la conga como instrumento no sólo con ritmo, pero también la capacidad melódica es verdaderamente revolucionaria, y ha cambiado de manera irreversible la forma en que se tocan las congas. En su comunicado de 2004, El Hombre, Patato no va cuatro barras tocando un tumbao simple (la conga ritmo de base), constantemente se basa la melodía con sus cuatro o cinco tambores, ajustada a acorde de tónica de la composición. El disco contiene algunos Sidemen realmente impresionantes, como el pianista Edsel Gómez, percusionistas, Steve Berrios y Marlon Simon, y el flautista Dave Valentin, para nombrar unos pocos. Las melodías son realmente todo de jazz latino, con complejas ideas armónicas y melódicas que brotan de las tradiciones afro-cubanas e interactuar con una sección rítmica verdaderamente expresivo. Estas no son normas que se han mambo-izado o de balanza de pagos en clave. Es difícil encontrar el jazz latino que hace cualquiera de esas dos categorías de justicia. Carlos "Patato" Valdés es un artista que ha dominado el intercambio de ideas libre de jazz, y que también es propietaria de los modismos cubanos como su tierra natal. Aunque hay mejores ejemplos por ahí, por el genio musical de Valdés, El Hombre es buena, y son todos vale la pena. ~ Evan C. Gutierrez, All Music Guide

Mas información relacionada



Carlos (Patato) Valdes - El Hombre (2004)
Temas:
01. Patato's Night Dance
02. Las Mujeres Favoritas de Patato
03. Mosquito
04. Cha-cha-cha por Aqui
05. Como un Bolero
06. Le Pomme de Terre
07. Stage Life
08. Equinox
09. Ballade Melancholie
10. Reprise

Musicos:
Carlos "Patato" Valdes (congas, maracas)
Edgardo Miranda (guitar)
Phil Vieux (flute, clarinet, bass clarinet, reeds, soprano saxophone, alto saxophone, tenor saxophone)
Dave Valentin (flute)
Edsel Gomez (piano)
Joe Francis Gonzales (bongos, cowbells, percussion)
José "Cochi" Claussell y Marlon Simon (timbales, percussion)
Pablo Rosario (percussion)
Oriente Lopez (flute)
Steve Berrios (bass drum, claves, cowbells, cymbals, guiro, shaker, timbales, percussion, bells)

Art Taylor - A.T.'s Delight

Aunque Art Taylor fue uno de los bateristas de jazz modernos de segunda generación más activos, trabajando en el estudio con Coleman Hawkins, Donald Byrd, John Coltrane y muchos otros, solo lanzó cinco álbumes bajo su propio nombre, de los cuales AT's Delight fue el tercero. Y de hecho es una delicia, brillante y percusiva, y cuando el conga Carlos "Patato" Valdés se une a Taylor y al pianista Wynton Kelly y al bajista Paul Chambers en tres cortes ("Epistrophy", "Move" de Thelonious Monk y un original con inflexión de calipso de Taylor llamado "Cookoo and Fungi"), el bolsillo de ritmo se abre en un mar azul profundo para los cuernos (Stanley Turrentine en saxo tenor y Dave Burns en trompeta). "Move" hace exactamente eso, se mueve y a un ritmo vertiginoso. La "Epistrofia" de Monk, en parte gracias a Valdés, revela sus raíces de rumba y nunca ha sonado más brillante. La composición de Coltrane, raramente cubierta, "Syeeda's Song Flute" parece igualmente renovada y revivida. El solitario original de Taylor, la conducción "Cookoo and Fungi", es tan agudo y alerta como un gatito que se despierta de una siesta al sol de primavera, y el solo de batería de Taylor es nítido, eficiente y se desliza sin problemas en el tema principal informado por el calipso. A.T.'s Delight es una excursión sólida, con una energía maravillosamente nerviosa pero completamente enfocada. ~ Steve Leggett (allmusic)

Arthur S. Taylor, Jr. (6 de abril 1929-6 febrero de 1995) fue un baterista de jazz americano de la escuela del hard bop.

Después de tocar en las bandas de Howard McGhee, Coleman Hawkins, Buddy DeFranco, Bud Powell, y George Wallington 1948 a 1957, formó su propio grupo, los Wailers. Entre 1957 y 1963 estuvo de gira con Donald Byrd, grabado con Miles Davis y John Coltrane, y tocó con Thelonious Monk, sino que también era miembro del cuarteto original de Kenny Dorham de 1957. En 1963 se trasladó a Europa, donde vivía principalmente en Francia y Bélgica durante 20 años, tocando con grupos locales y con los músicos de gira americana. Continuó freelance después de regresar a los Estados Unidos, y en 1993 organizó una segunda banda llamada The Wailers.





Art Taylor - A.T.'s Delight (2007)

Temas:
01-Syeeda's Song Flute
02-Epistrophy
03-Move
04-High Seas
05-Cookoo and Fungi
06-Blue Interlude

Musicos:
Art Taylor (drums)
Stanley Turrentine (tenor saxophone)
Dave Burns (trumpet)
Wynton Kelly (piano)
Paul Chambers (bass instrument)
Carlos "Patato" Valdes (congas

Dave Pike- Manhattan Latin

Dave Pike ha sido un vibrafonista constante a lo largo de los años sin ganar mucha fama. Originalmente tocaba la batería y es autodidacta en vibraciones. Pike se mudó con su familia a Los Ángeles en 1954 y tocó con Curtis Counce, Harold Land, Elmo Hope, Dexter Gordon, Carl Perkins y Paul Bley, entre otros. Después de mudarse a Nueva York en 1960, puso un amplificador en sus vibraciones. Pike realizó una gira con Herbie Mann durante 1961-1964, pasó 1968-1973 en Alemania (grabando con la big band Kenny Clarke-Francy Boland) y luego se estableció en Los Ángeles, tocando localmente y grabando para Timeless y Criss Cross. ~ Scott Yanow (allmusic)

Manhattan Latin captura a Dave Pike en un cambio entre el enfoque directo de sus sesiones anteriores y el pop-jazz psicodélico de sus esfuerzos para MPS: una inmersión lúdica pero metódica en un groove puro y soleado, su asimilación ingeniosa de ritmos y texturas globales anticipa la dirección del trabajo más memorable de Pike. Grabado con una alineación impresionante que incluye al flautista Hubert Laws, el baterista Willie Bobo y el entonces desconocido pianista Chick Corea, el álbum evita en gran medida los estándares latinos familiares en favor de los originales de Pike. Lo que es impresionante es que el resultado final parece completamente orgánico, a la altura del título del álbum en términos de sofisticación y sabor. Cobertura fenomenal también. ~ Jason Ankeny (allmusic)

Dave Pike (N. 23 de marzo de 1938, Detroit, Míchigan, Estados Unidos) - (F. 3 de octubre de 2015, Del Mar, California, Estados Unidos)





Dave Pike - Manhattan Latin (1964 R-2004)

Temas:

01. Baby

02. Que Mal Es Querer

03. Not A Tear

04. Mambo Dinero

05. Montuno Orita

06. Aphrodite

07.  La Playa

08. Latin Blues

09. South Seas

10. Sandunga

11. Dream Garden

12. Vikki

Musicos:

Dave Pike - Vibráfono

Jack Six - Bajo

Carlos "Patato" Valdes - Conga

Robert Thomas, Jr. - Percusión

Herbert Laws - Piccolo, Saxo (Tenor)

Israel "Cachao" López - Bajo

Willie Bobo - Batería

Chick Corea - Piano

Joseph Grimaldi - Flauta

Don Friedman - Piano

Dave Burns - Trompeta

Attila Zoller - Guitarra