Yilian Cañizares - Invocación

Yilian Cañizares es una música cubana y suiza. Vive en Suiza desde 2000.

Nacida en La Habana, Yilian Cañizares comenzó a estudiar violín en su ciudad natal, en la más estricta tradición de la escuela rusa del violín.​ Con solo 14 años obtuvo una beca de estudios en Caracas y en el año 2000 se trasladó a Suiza para completar sus estudios en el Conservatorio de Friburgo.​ Poco tiempo después, las principales orquestas del área comenzaron a contactarla y, una vez instalada en Lausanne, colaboró durante seis años con diferentes conjuntos. En Suiza, se abre al jazz y decide empreder un nuevo camino musical incluyendo en canto en su carrera como artista profesional. Fue durante este periodo que la artista decidió formar un cuarteto con músicos de Alemania, Venezuela y Suiza (y posteriormente Cuba), y nació el grupo “Ochumare”, con el que, a solo seis meses de su creación, en 2008, ganó el premio del Montreux Jazz Festival Competition. A partir de ese momento su carrera ha ido creciendo continuamente. En los últimos años, ha compartido escenario con Ibrahim Maalouf, Omar Sosa, Youn Sun Nah, Richard Bona, Chucho Valdés, Roberto Fonseca, Dhafer Youssef, la Orquesta de Cámara de Lausanne y El Comité.​ También es profesora de violín en la Escuela de Jazz y de Música Actual de Lausana (Ecole de jazz et de musique actuelle de Lausanne EJMA).
El éxito de sus álbumes “Ochumare”, producción independiente lanzada en 2013, seguido de “Invocación”, bajo la dirección de Alê Siqueira (quien ha colaborado con Roberto Fonseca, Omara Portuondo), ha consolidado su notoriedad como artista innovadora, capaz de aventurarse y trascender las fronteras musicales. Fue catalogada por el semanario francés Le Nouvel Observateur como “artista revelación del año” por su gran virtuosismo y carisma con el que es capaz de cantar y tocar violín. “Mi sonido refleja la riqueza y la mezcla de culturas que llevo conmigo hasta el día de hoy y representa lo que soy: mujer, cubana, músico y ciudadana del mundo", ha expresado la artista.

Su segunda producción discográfica “Invocación” se posicionó en el top de la lista Qobuz – World Music y fue relanzada en una edición Deluxe.
“Aguas”, el álbum producido en colaboración con Omar Sosa, vio la luz en octubre del 2018. Acompañados por otro compatriota, Inor Sotolongo en la percusión, el dúo creó un disco íntimo y personal que refleja los puntos de vista de dos generaciones de artistas cubanos que viven lejos de su tierra. Este álbum es una mezcla de ritmos enérgicos y emotivas baladas que reflejan claramente la inigualable química musical que existe entre ambos artistas. Constituye una potente y única fusión de las raíces afrocubanas, la música clásica y el jazz.
El 15 de noviembre de 2019 fue lanzado el nuevo álbum “Erzulie”, con su nueva formación Yilian Cañizares & The Maroons y dedicado a la deidad haitiana del amor y la libertad. Este trabajo discográfico fue grabado en New Orleans y cuenta la participación de numerosos invitados como Christian Scott (trompeta), Michael League (contrabajo), Bill Laurance (piano), Bobby Sparks (órgano) y Justin Stanton (teclados). 

Su estilo refleja la variedad de sus influencias, con toques de jazz, de música clásica, de música cubana, con un gran espacio dejado a la improvisación.​ La revista francesa Les Inrockuptibles habla de una orquestación jazz mezclada con percusiones de ritual yoruba.​ Canta en español, en yoruba y en francés y uno de sus rasgos distintivos es que canta y toca el violín al mismo tiempo._(wikipedia)

Hay tantas influencias en este álbum; cubana, jazz, venezolana, suiza, que es difícil señalar en cada canción qué tema entra en cada categoría. De hecho, no lo hacen. Hoy en día es demasiado fácil querer encasillar la música en una categoría: esto es jazz; esto es soul; esto es funk. Yilian Canizares, en este maravilloso álbum, rompe los estereotipos y por eso es un placer escucharlo. Dulces estallidos musicales, explosiones de improvisación que saltan por todas partes. Incluso encuentra un hueco para rapear en "Iya Mi" y, obviamente, ¡es brillante!

Si tuviéramos que ponerle una etiqueta, cosa que no me entusiasma, diría que se trata de un álbum de jazz cálido con toques y trucos de infusión latina. La melodía serpenteante de "Beroni Abebe Osun", el primer tema del álbum, es un buen indicador de ello. El bajo palpitante, el latido del tema, con su violín punteado, la sangre que bombea por sus venas.

Cañizares también es lingüista, por si no era suficiente para que todos la admiráramos. La forma en que pasa del español a un francés de sílabas perfectas en su versión de "Je Ne Regrette Rien" de Edith Piaf (una versión preciosa, por cierto) no tiene fisuras y se le podría perdonar que pensara que es su primera lengua. No es fácil versionar canciones tan grandes como el clásico de Piaf, pero Cañizares lo hace con estilo, clase y, lo que es más importante, gracia. Todo lo que no sea gracia en un tema como éste lo convierte en una mala versión. Podría ser su propio tema, las cuerdas perfectamente ligeras para complementar la calma de la voz y la facilidad con la que la letra de Piaf nos quita el peso del mundo de encima. No me arrepiento de nada". Tan sencillo. Yilian Canizares, te saludamos. Y estaremos atentos al próximo álbum._(kreolmagazine)

                                                                         

Yilian Cañizares - Invocación (2015)

Temas:

01. Beroni Abebe Osun

02. Laïla

03. Donde Hay Amor

04. Mapucha

05. Lucero

06. Non Je Ne Regrette Rien

07. Toi Mon Amour

08. Invocación

09. Canción De Cuna Para Dormir A Un Negrito

10. Iya Mi

Musicos:

Yilian Cañizares (Violín y voz)

Daniel Stawinski (Piano)

David Brito (Contrabajo y bajo eléctrico)

Cyril Regamey (Batería y percusión)

Invitados:

Akua Naru en Iya Mi 

Gabi Guedes Gã & atabaques Rum, Pi, lé

Blaise Lambelet corno inglés en Laïla

Caxeiras do Divino da Família Menezes, Graça Reis & Bartira Menezes Caxeiras & 

coro brasileño en Beroni 

Julia Stuller, Gàbor Barta, Ivan Zerpa cuerdas en Non je ne regrette rien

Luis Carbonell Voz en Canciòn de cuna para dormir a un negrito

Juan Carlos Toca Voz en Mapucha

Todos los temas de Yilian Cañizares excepto Beroni Abebe Osun (tradicional/ Y. Cañizares) y 

Non je ne regrette rien (Vaucaire/Dumont)

Arreglo de cuerdas (Non je ne regrette rien ) por André Mehmari

Cyril Regamey utiliza exclusivamente platillos Istambul, baquetas Vater y parches Aquarian

Randy Weston and his African Rhythms Sextet - The Storyteller

Randy Weston (Brooklyn, Nueva York; 6 de abril de 1926-ib., 1 de septiembre de 2018) fue un compositor, músico y pianista estadounidense de jazz.
Creció en un ambiente de músicos. Conocía a Max Roach, Cecil Payne y Duke Jordan, Eddie Heywood era su vecino, Wynton Kelly su primo y Thelonious Monk fue uno de sus primeros profesores y una gran influencia. A finales de la década de 1940 da comienzo su carrera profesional, trabajando en agrupaciones de r&b. La primera grabación de Weston como líder vio la luz en 1954 con el título Randy Weston plays Cole Porter - Cole Porter in a Modern Mood. Durante la década de 1950 Weston trabaja en el área de Nueva York con músicos como Cecil Payne, Kenny Dorham y Melba Liston y adquirie una gran reputación como compositor, con temas que hoy pertenecen al repertorio de standards como «Hi-Fly» o «Little Niles». El interés por sus raíces lo lleva a visitar África, un lugar que siemrpe ha estado muy presente en la obra y en la vida de Weston; en 1961 y 1963 visita Nigeria, y desde 1968 hasta 1973 se asienta en Marruecos, donde queda fascinado por la música y la espiritualidad del continente y desde donde continúa viajando en busca de nuevos talentos para su música.

Durante el resto de la década de 1970 Randy Weston continúa efectuando giras y editando trabajos para Arista, Polydor y CTI, pero a mediados de la siguiente década vuelve a Marruecos. Tras un pequeño período de inactividad en los estudios, retoma su actividad a finales de la década de 1980, grabando una serie de álbumes para Antilles y Verve entre los que cabe destacar su trilogía Portrait (dedicados a Elington, Monk y a sí mismo) y su ambicioso The Spirits of Our Ancestors un álbum de blues que traza los orígenes de esa música con la colaboración de músicos marroquíes. En 1993 y 1995, fue premiado con dos Grammy​ y desde entonces continúa con su actividades y sus colaboraciones con músicos de otras culturas..._(wikipedia)

Hace casi cincuenta años que el pianista y compositor Randy Weston tocó por primera vez en África, y desde entonces ha regresado en numerosas ocasiones -tres sólo este año 2010- para absorber los infinitos ritmos y colores del continente madre. Quizá más que ninguno de sus contemporáneos, Weston ha ahondado en las raíces africanas del jazz, ensalzando la belleza y riqueza de la cultura africana y estableciendo la conexión entre el pasado y el presente. The Storyteller, una grabación en directo maravillosamente íntima, es la primera grabación del quinteto African Rhythms (más el batería invitado Lewis Nash) desde Live in St. Lucia (Image Entertainment, 2003), y es conmovedora por ser la última grabación del trombonista Benny Powell, que falleció en junio tras 27 años cocinando blues en el conjunto de Weston.
El disco se abre con una pieza para piano solo dedicada al percusionista afrocubano Chano Pozo, que desempeñó un papel fundamental en la fundación de las raíces del jazz latino junto al trompetista Dizzy Gillespie en la década de 1940. Sin embargo, es el espíritu del pianista Thelonious Monk el que canta con fuerza. Weston fue uno de los primeros pianistas de los años 50 en dejarse moldear por el sonido de Monk, y aquí construye sobre las melodías más sencillas un vocabulario de elegancia y disonancia. Grandes acordes graves y notas de bajo salpican ruidosamente entre ligeros figurines de la mano derecha, trinos, ecos de zancadas y patrones nudosos que se resuelven en frases que fluyen suavemente, de refinamiento y lirismo: es una narración hipnótica.

Hay una vibración afrocubana más evidente en "African Sunrise", encargada para el Festival de Jazz de Chicago de 1984 en homenaje a Dizzy Gillespie y la Machito Orchestra. Junto con Gillespie y el pianista Ahmad Jamal, Weston ha sido uno de los pocos líderes del jazz que ha empleado sistemáticamente percusión africana y afrocubana en sus pequeños conjuntos, y el percusionista Neil Clarke y el siempre versátil Nash hacen girar la música poderosamente tras una emocionante y escalada introducción percusiva. El largo y serpenteante solo del saxofonista T.K. Blue alcanza cotas de éxtasis, mientras que el bajista Alex Blake y Powell sostienen un fondo groove. Weston anima al conjunto de forma perspicaz y discreta, y bajo su batuta el sexteto se cocina como la banda de Duke Ellington de 1940.
Un seductor solo de piano, "Tehuti", y un solo de bajo maravillosamente percusivo y funky de Blake cierran los 14 minutos de "Jus' Blues". Los tres segmentos constituyen "The African Cookbook Suite" y proporcionan otra deliciosa porción de Ellingtonia. El trombón gruñendo, el saxofón elevándose, el conjunto tocando ajustadamente y la vibrante percusión que sube y baja en oleadas son apuntalados por la discreta y engatusadora forma de tocar de Weston. El solo de blues de Powell es un modelo del poder del fraseo por encima del virtuosismo, y en general su forma de tocar a lo largo de The Storyteller desmiente sus 80 años y su salud en declive.
Durante 40 años Weston recurrió a la arreglista Melba Liston para dar forma a sus ideas musicales, y su enorme experiencia en las bandas de Gillespie, Gerald Wilson, Count Basie, Dexter Gordon y Billie Holiday sin duda ha dejado huella en Weston, cuyos arreglos elegantes y vibrantes consiguen que un combo de seis músicos cante como una big-band.
En su autobiografía African Rhythms (Duke University Press, 2010), Weston cuenta que "Caravan" -la melodía de Juan Tizol/Irving Mills/Ellington- fue la primera canción africana que escuchó, y puede que tuviera un profundo efecto en Weston, ya que el lento y metódico ritmo de "The Shrine" y la exótica melodía evocan una caravana por el desierto. T.K. Blue aporta una encantadora flauta cantante a la mezcla y el trombón de Powell ronronea en un lento vaivén. El solo de Weston está muy bien ponderado, y sus vibrantes y ondulantes motivos tienen un aire casi elegíaco. Este número altamente atmosférico se desvanece suavemente como los últimos rayos del sol al final del día, y las campanadas susurrantes y los platillos fantasmales evocan imágenes de espejismo.

Los ritmos enérgicos de "Loose Wig" proporcionan el marco para que Weston explore toda la gama de las teclas, combinando acordes de bajo profundos con ráfagas rápidas en los registros más altos. La canción apareció por primera vez en The Modern Art of Jazz (Dawn, 1956) cuando los oídos de Weston estaban abiertos a Monk, y no es de extrañar que en la interpretación de Weston resida más de una pizca de la personalidad de Monk, aunque este arreglo es rítmicamente más dinámico que el original.
Dos temas perennes de Weston completan el conjunto. Su tema emblemático, "Hi-Fly", es aquí completamente reajustado y ralentizado para convertirse en una balada suavemente bluesy, aunque la coda, "Fly-Hi", cierra el círculo y devuelve el tema a su dinamismo de medio tempo de hace medio siglo, con un ligero sabor latino. El último número y el único no original, "Love the Mystery of", escrito por el influyente batería ghanés Guy Warren, presenta cantos bajos y una dulce flauta en compañía de una percusión al galope.

The Storyteller es una de las grabaciones más satisfactorias de la larga y distinguida carrera de Weston, y un digno testamento del arte de Benny Powell, que se ha ido para unirse a los antepasados._Ian Patterson (allaboutjazz)

                                                                                

                                                                           

Randy Weston and his African Rhythms Sextet - The Storyteller (2010)

Temas:

01. Chano Pozo

02. African Sunrise

The African Cookbook Suite: 03. Tehuti, 04. Jus' Blues, 05. The Bridge

06. The Shrine

07. Loose Wig

08. Wig Loose

09. Hi Fly

10. Fly Hi

11. Love, The Mystery Of

Musicos:

Randy Weston (Piano)

Benny Powell (Trombón)

T.K. Blue (Saxo, flauta)

Alex Blake (Bajo)

Neil Clarke (Percusión africana)

Lewis Nash (Batería)

Adela Dalto - Peace

Papa Boco", el primer disco de Milestone de la vocalista Adela Dalto, integra sofisticados elementos de la música latina y brasileña con el jazz para crear una atractiva mezcla de sensuales ritmos ardientes y sensuales voces. "Papa Boco" ha sido coproducido por Todd Barkan y el pianista y arreglista Aloisio Aguiar, colaborador de Adela durante los últimos quince años, y cuenta con el respaldo de un elenco de músicos latinos y brasileños como el trompetista Claudio Roditi, el flautista Dave Valentin y el guitarrista Romero Lubambo, así como los percusionistas Milton Cardona, Steve Berrios y Cafe. Los arreglos fueron escritos por Adela y Aguiar, que también toca los teclados en ocho de los diez temas del álbum.
La enérgica canción que da título al disco, "Papa Boco", en la que destaca el estimulante trabajo de trompeta de Roditi, fue escrita por un amigo de Adela, el Dr. Sánchez Acosta, y cuenta la historia de un médium de la santería que protege a los creyentes del mal llevando un pañuelo rojo y un puro en una mano y una vela en la otra. La santería, que se practica en muchos segmentos de la comunidad latina, cuenta con Adela entre sus creyentes; ella siente que "cuanto menos sepa de ella, mejor protegida estaré. Pero mantengo mi vaso de agua cerca de la puerta principal".
Adela se enamoró de "Peace", del pianista y compositor Horace Silver, cuando trabajaba con un grupo de jazz latino y buscaba canciones interesantes. Rápidamente la añadió a su repertorio y está encantada de grabarla por fin. La versión de Adela, quizá la interpretación vocal definitiva del jazz, cuenta con un solo de tenor de Dick Oatts, veterano de la Mel Lewis Jazz Orchestra.
"Papagaio Rei", una apetitosa samba escrita por Adela y Aloisio Aguiar, lleva el nombre de Aguiar. "Aloisio", explica Adela, "es un gran hablador, así que algunos de los chicos le apodaron Papagaio, que significa loro. Cuando llamé a Claudio y le pedí que tocara en la sesión, me dijo que también tenía una canción llamada 'Papagaio', que en portugués también significa cometa. Así que Aloisio sugirió que añadiéramos la palabra Rey al título". La composición empezó como un gancho de Aloisio que Adela utilizó para una introducción de una composición de Jo o Donato, pero "luego decidí que era demasiado bonito para desperdiciarlo, así que nos juntamos y se nos ocurrió esta melodía."

La leyenda brasileña ya fallecida Antonio Carlos Jobim compuso la lírica "Falando de Amor", y Adela la eligió porque "me encantan muchas de sus canciones y todas son muy bonitas. Esta canción es de uno de sus discos más antiguos, que solía escuchar hace mucho tiempo, antes de hablar portugués. Nunca supe realmente lo que decía la canción antes, pero ahora que hablo portugués, la letra ("hablando de amor") cobró vida, y decidí que era el momento de grabarla".
"Guajiro Mio" es un vigoroso chachachá compuesto por Adela, su difunto marido Jorge y el teclista Aguiar. Adela cuenta que "Guajiro es el apodo de los montañeses de Puerto Rico y Carlos Santana grabó una canción titulada Vamonos Guajira', así que esto es en respuesta a su canción".
"April Child" fue escrita por Moacir Santos, un brasileño afincado en California. "Esta melodía existe desde hace tiempo", explica Adela, "y me pareció apropiado grabarla en este álbum, que es una combinación de música brasileña, latina y jazz". Oatts vuelve para otra pausa de tenor que sirve para animar los ya alegres procedimientos.
Aunque está definitivamente en la onda latina, Adela cree que su original "I'll Always Remember" es "más una melodía pop. Cuando escribo, se me ocurren melodías y letras al mismo tiempo". Aloisio se sienta al piano a buscar acordes y probar cosas. Aloisio y yo trabajamos mucho juntos y ésta es una canción que arreglamos con un sentimiento pop".
"Sad Love Song" se basa en el estándar brasileño "Menina Moáa", grabado por Stan Getz y Lee Konitz. Adela grabó originalmente la composición con Konitz, pero prefería una letra americana; así que un día en Japón, mirando desde su habitación de hotel, dio rienda suelta a su imaginación, creando la nueva letra. El arreglo de Aguiar incluye la flauta contralto de Valentin.

Adela escribió la letra de "Up Jumped Spring", del trompetista Freddie Hubbard, y el resultado es "Sweet Spring". Después de sentarse con Hubbard y cantar el estándar "It Might As Well Be Spring", él le pidió que escribiera una nueva letra para su composición, "Up Jumped Spring". "Describió la canción como escrita para su hijo, que había nacido esa primavera. Me dijo que parecía que su hijo acababa de salir de la tierra como una flor de primavera. Lo tuve en cuenta cuando escribí la letra, que le gustó mucho. Así que me dejó cambiarle el título".
El cierre, otro original de Dalto, "Estaba en Nada", significa literalmente "[él] no era nada". "Es una canción divertida sobre una chica que habla a sus amigas de un tipo estupendo que acaba de conocer, pero resulta que no tenía coche, no tenía dinero para el autobús, estaba casado, tenía seis hijos y vivía con su suegra, ya sabes, estaba en nada".

Nacida en Texas de padres mexicanos, Dalto se crió en Gary, Indiana. Estuvo muy influenciada por el r&b y el jazz. Fue su difunto marido, Jorge Dalto, quien animó a Adela a iniciar su carrera profesional. Jorge, antiguo pianista y director musical de George Benson, ayudó a Adela a desarrollar su interés por el jazz y la introdujo en los sutiles y emocionantes ritmos de la música latina y brasileña. Cuando empezó a estudiar y a cantar profesionalmente, Adela se vio muy influenciada por las cantantes de jazz Sarah Vaughan y Dinah Washington, las vocalistas latinas Graciela y Celia Cruz, así como por las brasileñas Elis Regina y Leny Andrade.

Tras varios años actuando localmente en Nueva York, Adela se unió a la InterAmerican Band de Jorge y grabó "Ease My Pain" en su CD Urban Oasis de 1985. Desde entonces, ha trabajado con los favoritos latinos Jerry González y Hilton Ruiz, además de actuar con la Latin Jazz Orchestra del saxofonista panameño Mauricio Smith en el Rainbow Room de Nueva York. Adela también fue vocalista destacada de la Orquesta Afrocubana de Mario Bauza y del conjunto AfroJazzia de Carlos "Patato" Valdés. Recientemente, la cantante residente en Nueva York ha actuado regularmente con su propio grupo y como vocalista invitada en clubes tan conocidos de Manhattan como Blue Note, S.O.B.'s y Birdland._(concord)

                                                                              

                                                                                    

Adela Dalto - Peace (1995/2019)

Temas:

01. April Child

02. I'll Always Remember

03. Papagaio Rei

04. Falando De Amor

05. Guajiro Mio

06. Peace

07. Sweet Spring

08. Sad Love Song

09. Estaba En Nada

10. Papa Boco

Musicos:

Adela Dalto (Voz)

Aloisio Aguiar (Teclados)

Dick Oatts (Saxo soprano, saxo tenor, flauta)

Romero Lubambo, Yomo Toro, Paul Ricci (Guitarra)

Sergio Bradao, Joe Santiano (Bajo)

Rick Sebastian, Steve Berrios (Batería)

Cafe, Milton Cardona, Jorge Da Silva (Percusión)

Dave Valentin (Flauta alto, flauta bajo)

Gilbert Colon Jr (Piano)

Claudio Roditi (Trompeta)

Deborah Resto (Coros)

Grabado en el Variety Studio de Nueva York en julio-agosto de 1995

René Herrera - Cha-Cha-Chá Para Un Flautista

Desde muy corta edad, René Herrera ya despertaba un gran interés por la música y seguía con gran afán la carrera musical del maestro Richard Egües. Egües observa en él unas condiciones naturales para tocar la flauta y habla con la madre de éste para que le matricule en la carrera de música.  Poco después tiene la oportunidad de hacer una prueba con el maestro Ignacio Puey, que por aquel entonces era flautista de la orquesta Elio Revé, donde es aceptado.
Unos años más tarde, pasa a formar parte de la orquesta de Joseito Fernández hijo. En ésta permanece durante siete años, ya como profesional.  En 1988 se integra en la orquesta América dirigida por el maestro Jorge Machado. Nueve años más tarde, cambia de formación, esta vez pasa a formar parte de la orquesta Enrique Jorrín dirigida por el pianista Rubén González.

Actualmente pertenece a la orquesta de Guillermo Rubalcaba y a la charanga Havana All Stars. No obstante, a pesar de tener una carrera tan prolífera, a René le faltaba cumplir un sueño: realizar su propia grabación. Para ello ha contado en la dirección con Jorge Machado y Luis Domínguez. Destacaremos algunos temas como el primer corte del álbum “Cha-cha-chá Para Un Flautista”, que da título genérico al álbum, u otros temas como “Sin Amor No Vivo Yo”, “La Muela”, “Cachita” y “Mi Jeva”, entre otras._(envidialujuriamusic)

                               

                                                                                

René Herrera "El Sinsonte de Alamar" - Cha-Cha-Chá Para Un Flautista (2003)

Temas:

01. Cha-Cha-Chá Para Un Flautista (Jorge Machado)

02. Cachita (Rafael Hernández)

03. La Muela (Richard Egües)

04. Mi Jeva (Antonio Sánchez)

05. Mambo (Oreste López)

06. En Ti, en Tí (Luis Demetrio)

07. Sin Amor No Vivo Yo (Pedro Aranzola)

08. Cosa Buena (Antonio Sánchez)

09. El Guajiro De Cunagua (Juana González)

10. Las Matanceras Son (D.R.)

11. La Blusa Azul (Juanito Serpa)

Musicos:

René Herrera (Flauta)

Jorge Machado (Bajo)

Jesús Rubalcaba (Piano)

Orestes Varona (Conga)

Jesús Perez (Timbal)

José Minoso (Güiro)

Información cedida por Lalo Lalona                                                                        

Caimán Verde - Cuba Linda

Cinco amantes de la música tradicional cubana fundaron en 2003 el grupo Caimán Verde, que se traduce como 'cocodrilos verdes'. Después de actuaciones en varios clubes de ZG, siguió el álbum debut "Cuba Linda", en el que se presentó al público local cómo suena cuando los croatas van de campaña a Cuba.
El álbum contiene 12 canciones, la mayoría de las cuales son covers y solo dos son originales. Las canciones "Rumba de Malecon" y "Oye Mi Son" fueron compuestas por Hrvoje Rupčić, quien también es invitado especial y productor del álbum.
La mencionada "Rumba de Malecón" es también el sencillo de presentación, y en ella está invitado Máximo Estupiñán, cantante del cubismo. En la lista de invitados también estaban Ricardo Luque, en la canción El Cuarto de Tula, luego Kristina Rupčić, Damir Kresnik y Davor Dedić.
Aunque mi conocimiento del idioma español se reduce a unas pocas palabras aprendidas a través de las omnipresentes telenovelas, esto no presenta ningún problema para lograr algún tipo de química entre este álbum y yo. Al fin y al cabo, la música es el factor más importante para conquistar a los oyentes. 

Es difícil destacar alguna canción en particular, porque cada una de ellas esconde un cierto encanto, y creo que estos ritmos de baile harían que todos se balancearan al menos un poco al ritmo.

Goran Vilupek, Danko Burić, Marijan Zagajšak, Spomenko Gazda e Igor Štimac presentaron su visión de la música tradicional cubana de una manera realmente atractiva, y creo que los fans de este tipo de música no quedarán decepcionados con este nuevo álbum en la escena latina croata._(muzika)

                                  

                                                                               

Caimán Verde - Cuba Linda (2005)

Temas:

01. Pintate Los Labios Maria 

02. De Camino A La Vereda 

03. Rumba De Malecon (feat. Maximo Estupiñan) 

04. El Pescador 

05. La Vida Es Un Carnavál 

06. Lagrimas Negras 

07. Oye Mi Son 

08. Llora Mi Nena 

09. El Cuarto De Tula (feat. Ricardo Luque) 

10. Cuba Linda 

11. Cuando Sali De Cuba

12. Dos Gardenias

Musicos:

Spomenko Gazda "Spok" (bajo, voz)

Marijan "Papi" Zagajšak (Guitarra, Voz)

Goran Vilupek (voz, congas)

Igor Štimac (percusión, voz)

Hrvoje "Cacique" Rupčić (percusión, voz, bongos)

Danko Burić (viola, percusión, voz)

Davor Dedić (piano)

Kristina Rupčić (Coro)

Damir Kresnik (Guitarra)

Ricardo Luque (Voz)

Aaron Heick & Romantic Jazz Trio

Aaron Heick es un saxofonista e instrumentista de viento-madera estadounidense nacido el 13 de septiembre de 1961 en Seattle y residente en Nueva York.
Es conocido sobre todo por su trabajo en la orquesta de la CBS para el Late Show con David Letterman.

Ha trabajado con Chaka Khan, con quien grabó y realizó giras durante la mayor parte de la década de 1990, Richard Bona, Barbra Streisand, Paul Simon, Aretha Franklin, Frank Sinatra, Bruce Springsteen, Sir Elton John, Carly Simon, Donald Fagen, James Taylor, Lady Gaga, Lenny Kravitz, Sheryl Crow, Billy Joel, Suzanne Vega, Vonda Shepard, Cyndi Lauper, Audra McDonald, Philip Glass, Vanessa Williams, Boz Skaggs, Christopher Cross, Ben E. ¡King, Bobby Caldwell, Steps Ahead, The Manhattan Transfer, Ray Baretto, Willie Colon, The Caribbean Jazz Project y Panic! At The Disco._(wikipedia)

A veces, músicos de gran talento y valía tardan mucho tiempo en publicar un álbum en el que llevan la voz cantante. Algunos músicos nunca lo hacen. Por suerte, Aaron Heick se ha reunido con el sello japonés Venus Records para publicar su primer álbum bajo su propio nombre. Fácilmente uno de los mejores saxofonistas altos modernos de Estados Unidos, Heick ha actuado y grabado con estrellas como Chaka Khan, Barbra Streisand, Paul Simon, Frank Sinatra y Richard Bona.

En este cuarteto de un solo cuerno con el extraordinario John di Martino y su Romantic Jazz Trio, Heick muestra su fenomenal técnica, su sólido sonido y su emotividad. Algunas de las selecciones de este álbum incluyen "Europe" de Carlos Santana, la funky "Comin' Home, Baby" del flautista Herbie Mann, una canción de los Beatles "And I Love Her" y la evocadora "Infant Eyes", escrita por Wayne Shorter. 

También hay dos composiciones originales del propio Heick.

Las potentes interpretaciones de los músicos se ven realzadas por el sonido clásico producido por el equipo de ingenieros de Venus. Se trata de un fantástico y sólido debut de un músico con un talento increíble._(elusivedisc)

                                                                       

                                                                                   

Aaron Heick & Romantic Jazz Trio - Europe (2008)

Temas:

01. Europe (C. Santana)

02. Harlem Nocturne (E. Hagen)

03. Summer's Gone (A. Heick) 

04. Comin' Home, Baby (B.Tucker)

05. Moon And Sand (A. Wilder)

06. O Que Sera (C. Buarque)

07. And I Love Her (J. Lennon)

08. Infant Eyes (W. Shorter)

09. Where Or When (R. Rodgers)

10. Star-Crossed Lovers (D. Ellington)

11. Doin' Alright  (A. Heick)

Musicos:

Aaron Heick (Saxo alto)

John di Martino (Piano)

Boris Kozlov (Bajo)

Willie Martinez (Batería)

Shigeharu Mukai & Orissa - Japonesia

Shigeharu Mukai (向井 滋春, Mukai Shigeharu, nacido el 21 de enero de 1949 en Nagoya) es un trombonista de jazz japonés.

Mukai estudió en la Universidad de Doshisha, pero la abandonó antes de obtener su título para dedicarse profesionalmente a la música. Al principio de su carrera trabajó con Yoshio Otomo, Ryo Kawasaki e Hiroshi Fukumura, y después dirigió su propio conjunto, con una actuación en el Festival de Jazz de Shinjuku. Posteriormente trabajó con Terumasa Hino, Akira Sakata, Kazumi Watanabe y Yosuke Yamashita, así como con el conjunto Spik and Span y con músicos internacionales como João Bosco, Billy Hart y Elvin Jones. En las décadas de 1990 y 2000 impartió clases de jazz en la escuela de música Senzoku Gakuen._(wikipedia)

Este álbum fue publicado en 1984 por Orissa, un grupo formado por el trombonista de jazz Shigeharu Mukai, que sigue muy activo en la actualidad. En el sello japonés crossover Better Days. Presenta un vibrante sonido afrobrasileño en A1, una fusión de reggae caribeño suavemente oscilante en A2 y una afrofusión cósmica aguda en A4. El álbum es una fusión primigenia y tropical de etnias africanas, caribeñas, latinoamericanas y asiáticas. Recomendado para todos.

                                                    

                                                                                  

Shigeharu Mukai & Orissa - Japonesia (1984)

Temas:

01. Japonesia (Mukai)

02. Neija (Mukai)

03. Calypsomba (Mukai)

04. Desert Cruisin' (Mukai)

05. Bone Papa (Furusawa) )

06. En la niebla (Mukai)

07. Chico eterno (Tsugaki)

Musicos:

Shigeharu Mukai (Trombón)

Hiromichi Tsugaki (Teclados)

Takayuki Kato (Guitarra)

Getao Takahashi (Bajo)

Tomohiro Yahiro (Percusión)

Musicos invitados:

Ryojiro Furusawa (Batería en temas #4-7)

Junshi Yamagishi ((Guitarra en tema #5,#6)

Shinji Shiotsugu (Guitarra en tema #7)

Kazuhiro Mishima, Yoichi Hosohata (Percusión en temas #1-3)

Willie Nagasaki (Timbales en temas #1-3)

Grabado en Columbia Studio en febrero de 1984.

Juan Carlos Marín - El Trombón de Santa Amalia

Como músico de metales bajos de formación (incluido el trombón), este escritor ha estado esperando durante años a que alguien llenara el vacío dejado por el fallecimiento de Juan Pablo Torres. Oh, hay varios trombonistas excelentes de Jazz Latino por ahí, pero ninguno ha llenado realmente el nicho que Juan Pablo una vez ocupó. Hasta ahora. Con El Trombón de Santa Amalia, Juan Carlos Marín hace una impresionante apuesta por el reconocimiento como el principal trombonista de Jazz de Cuba.  Esta grabación es otra entrada en la colección The Young Jazz Spirit de Colibri, que sigue exhibiendo una calidad extraordinaria. 
Esta grabación está llena de Cubop muy serio, baladas, Cha Chas muy avanzados junto con algo de Jazz Afrocubano y Rumba y algunos pasajes en Mi Giro que son Jazz fusionado con R y B (Haydée Milanés hace una aparición invitada en la voz en este tema), y La Primavera es también una rica fusión de Jazz / R y B con líneas solistas muy intrincadas de casi todo el grupo. Este tema probablemente funcionaría especialmente bien en las radios de Jazz norteamericanas.  Bobby Carcasses hace una voz invitada en Emiliano Forever.

Aunque los pasajes de trombón de Juan Carlos Marín son la razón más importante para querer este álbum, todo el conjunto brilla con un montón de espacio para tomar sus propios solos, y este álbum fue justificadamente nominado para un premio Cubadisco en 2013 en la categoría de Jazz Cubano._ Bill Tilford (timba)

                                                       

                                                                             

Juan Carlos Marín - El Trombón de Santa Amalia (2012)

Temas:

01. Tulusse

02. Todo De Ti

03. Cha aquí cha allá

04. Mi Giro

05. Dalia Danzón

06. Emiliano Forever

07. Bembe En Santa Amalia

08. La Primavera

09. La iyawó

Musicos:

Juan Carlos Marín (Director, trombón, coros en temas #4, #6, #9) 

Julio Padrón (Trompeta, coros en temas #4, #6, #9)

David Alfaro (Piano)

David Suárez (Saxo tenor)

Carlos Ríos (Bajo)

Oliver Valdés (Batería)

Adel González (Tumbadoras)

Etian Amau (Rapero)

Moraima Marín (Coros en temas #2, #9)

Marbis Manzanet (Coros en temas #4, #6)

Musicos invitado:

Bobby Carcasses (Voz, en tema #6)

Haydée Milanés (Voz y coros en tema #4)

Chico O'Farrill And His Cubans - Mambo Latino Dances

Arturo " Chico " O'Farrill (28 de octubre de 1921 - 27 de junio de 2001) fue un compositor, arreglista y director de orquesta cubano, mejor conocido por su trabajo en el idioma latino, específicamente el jazz afrocubano o "Cubop", aunque también compuso piezas de jazz tradicional e incluso obras sinfónicas.
Nacido en una familia aristocrática cubana, tocó la trompeta al principio de su carrera. Compuso obras para Machito ( suite afrocubana con Charlie Parker , 1950) y la Bebop Orchestra de Benny Goodman ("Undercurrent Blues"), y arregló para Dizzy Gillespie y Stan Kenton , entre otros.

En la década de 1990, O'Farrill dirigió una gran banda que se instaló en el club nocturno Birdland de Nueva York . El hijo de Chico, el pianista Arturo O'Farrill , finalmente se hizo cargo de la banda..._(wikipedia)

Este, concretamente, es un álbum de música para bailar. Música para bailar con un marcado sin embargo, ya que también está orientado a una escucha excepcionalmente agradable. Pero a los latinos les costará resistir el impulso de poner los pies en el suelo, ya que Chico O'Farrill y sus cubanos aportan una dimensión suplementaria a la música de baile mambo-latina. Esta dimensión es la musicalidad sólida.
Se hace hincapié en la musicalidad por este motivo: desde que el Mambo-Latino se estiló en este país, el número de grupos que han intentado adaptar este tipo de música como propia ha aumentado desmesuradamente. Hoy en día, como resultado, grupos de todo el mundo intentan adaptar el Mambo-Latino y afirman que lo hacen con maestría. Mientras tanto, el bailarín principiante de mambo, tango o rumba sale a la pista y, al encontrarse con algún problema rítmico, se regaña a sí mismo. Lo cierto es que, sin un compás bien definido y sin entender el ritmo, ningún grupo puede dominar la música de baile latinoamericana. Para el bailarín aparentemente torpe, la culpa es del grupo.
Lo que nos lleva a una banda que conoce los ritmos y sabe, además, cómo tocarlos para que

cualquier persona con dos pies y ganas de bailar al ritmo latinoamericano no tenga que preocuparse. Se trata, por supuesto, de Chico O'farrill's Cubans que, en este álbum, interpreta una variedad de bailes mambo-latinos. Hay siete selecciones, de hecho, escritas por el propio O'Farrill junto con un éxito popular del género---Buddy Pepper's popular " Vaya Con Dios" y otros originales. En conjunto, la banda de O'Farrill es una de las más excitantes para bailar, merecidamente clasificada entre las mejores de su campo.

El propio Chico O'farrill es natural de La Habana, Cuba, y ha hecho arreglos para líderes tan destacados como Benny Goodman, Miguelito Valdés, Stan Kenton y Noro Morales, lo que da fe de su versatilidad. Pero este álbum es una prueba aún mejor._ Verve Recods

                                                                                     

                                                                                

Chico O'Farrill And His Cubans - Mambo Latino Dances (1958)

Temas:

01. Lamento

02. Cachita

03. Rumbonsito

04. Te Quiero Dijiste

05. Angels Flight

06. Tres Palabras

07. Quiermo Mucho

08. More Mambo

09. Mambo For Bunto

10. Botellero

11. Pianarabatibiri

12. Vaya Con Dios

13. L. A. Mambo

Emilio Valdés - Playing Standards (Emilio Valdés, Leo Genovese & Sean Conly)

El batería Emilio Valdés nació en La Habana en 1966 en el seno de una familia de músicos. Estudió en el Conservatorio Guillermo Tomás, especializándose en batería y percusión con Antonio Cortés, Marcos Varcalser, Guillermo Barreto, José Luis "Changuito" Quintana y el legendario Enrique Plá. Más tarde continuó su formación en la Escuela Amadeo Roldán y en la Escuela Nacional de Arte. En 1993 Emilio dejó Cuba y se fue a Hamburgo, Alemania, donde vivió durante 11 años. Viajó por toda Europa, trabajando con Fun Factory (MTV-Europa), la Orquesta de Radio y Televisión y Sergio Boré, con quien grabó Tambores Urbanos. Durante su estancia en España, Emilio impartió clases de batería y percusión en la Escuela de Música Creativa (2001-2003). También fue invitado a participar en clinics de batería y percusión por la Giovanni Hidalgo 2002), Max Roach (1996), Gregg Bisonette (2002), y Horacio "El Negro" Hernandez (2001-2003). Realizó numerosas giras con los legendarios Lonnie Liston Smith y Craig Handy.

Durante su estancia de cinco años en Madrid actuó con los artistas flamencos Chano Domínguez, Perico Sambeat, Diego "El Cigala", El Niño José, Potito, El Piraña y Vicente Amigo (ganador del Grammy 1997 al Mejor Artista Revelación). En Barcelona acompañó a Lalo Shifrin en la Orquesta Sinfónica. Emilio fue miembro de The Jerry Gonzalez Band y The Flamenco Pirates (2001), trabajó con las giras de Bebo Valdés Quartet y Chucho Valdés en (2001-2002), y con Irakere en 1996 y 1997.

Emilio Valdés vive actualmente en Nueva York, donde imparte clases de percusión. Ha actuado con la Bebo Valdés Big Band Featuring Diego Cigala, la Chico O'Farrill Afro-Cuban Big Band y la Chuchito Valdés Band, que obtuvo 2 nominaciones a los Grammy. También estuvo bajo la dirección de Héctor Meléndez durante su participación con la 9-11 Big Band. También fue percusionista de la Mark Whitfield Band y del USA Army Tour con María Acosta. Es batería especialista en World Music y debutó con su primer álbum, "The Sweet Taste of Freedom"._ (latinjazznet)

                                                                                 

                                                                        

Emilio Valdés - Playing Standards (Emilio Valdés, Leo Genovese & Sean Conly) (2021)

Temas:

01. Autumn Leaves 

02. Blues On The Corner 

03. Donna Lee 

04. Evidence 

05. I Mean You 

06. Impressions 

07. Juju 

08. Softly As In A Morning Sunrise 

09. Yes Or No 

10. You Don't Know What Love Is 

Musicos:

Emilio Valdés (Batería)

Leo Genovese (Piano)

Sean Conly (Contrabajo)

Amado Borcela 'Guapachá' - Guapachá El Mejor

Amado Borcela 'Guapacha'. Nace en Manzanillo, provincia Granma el 14 de julio del 1934.Tocaba instrumentos de percusión. Por un tiempo trabajó en tapicería.
Innovador dentro de la música popular cubana; cantaba con peculiar estilo, cercano a la guaracha, dentro de lo que se ha denominado “descarga”.
Conocido con el seudónimo de Guapachá. Actuó brevemente en radio, televisión, teatro y cabaret, grabando, además, un excelente disco de larga duración con el combo de Jesús (Chucho) Valdés.
Chucho Valdés fundó su combo en 1964 con un veradero all stars: Paquito D'Rivera en el saxo, Carlos del Puerto en el contrabajo, Carlos Emilio Morales en la guitarra eléctrica, Papíto Núñez en la percusión y en la parte vocal un percusionista devenido cantante, Amado Borcelá.
Este cantante interpretaba un estilo muy novedoso la guaracha a la que le llamaba "Descarga", donde improvisaba con los mas atrevidos rubateos siguiendo la línea del scat. Aunque esto ya lo había hecho Francisco Fellove cuando grabó unos discos en la década del cincuenta, Borceló hizo tal creación del mismo que a ese estilo se le conoció en lo adelante como "guapachá".
Amado Borcelá falleció en 1966 prematuramente de un colapso en plena ascensión artística y sólo pudo dejar un LP con el combo de Chucho Valdés._(cubanosfamosos)

Amado Borcelá, conocido como "Guapachá"  fue un cantante y percusionista que imprimió su propio sello a través de un fraseo particular en su voz, que evocaba a muchos de los cantantes del be-bop americano, pero con sabor cubano, sabor de guaracha. Fue trabajador en el campo de la tapicería, pero en el lado artístico, su debut se da actuando en diferentes cabarets. Fue en uno de ellos llamado "La zorra y el cuervo" cuando es descubierto por el gran maestro Bebo Valdés en 1960. Lo incorporó a su trío, que después se convirtió en un cuarteto con el que tocaba en el cabaret del Hotel Sevilla, y luego en hoteles como el Havana Riviera y el Hilton, a lo que también se sumaron cuatro registros discográficos. Previamente, su talento se le asoció con el conjunto de Luisito Plá y sus Guaracheros, donde alcanzaría a dejar registros con la Panart y la Víctor. 

Con esto se abría un camino expedito para el triunfo artístico, que lo llevó a actuar en la radio, televisión, teatro y en más cabarets. 

Tras el exilio de Bebo, su hijo lo hereda quedando conformado el Combo de Chucho Valdés para

1964, con estrellas como Paquito D'Rivera en el saxo, Carlos del Puerto en el contrabajo, Carlos Emilio Morales en la guitarra eléctrica, Papíto Núñez en la percusión, y nuestro mencionado en la parte vocal y percusiva. Fue la célula inicial de lo que se conoce como Irakere, y plasmó junto a ellos una grabación titulada "Guapachá en La Habana" (Areito 1036). En plena curva ascendente de su carrera, Guapachá sufre una insuficiencia en plena presentación con tan solo 32 años de edad, y prematuramente viajó a terreno celestial. "Guapachá" por lo tanto, queda inmortalizado en aquellas grabaciones con los combos de Bebo y Chucho Valdés, y como un innovador de la canción, que evocaba fácilmente a las figuras del be-bop y el scat norteamericano, o para no ir más lejos, al hoy también rememorado Francisco Fellové, que había hecho lo mismo en los años cincuenta. Saludo celestial a "Guapacha"!_(facebook)

                                                                         

                                                                         

Amado Borcela 'Guapachá' - Guapachá El Mejor (1966)

Temas:

01. Guapachá El Mejor (Guapachá) Luis Sosa Cotilla

02. Oye, Rebeca (Guapachá) Fernando Vivar/José Slater

03. Melodía En Abril (Descarga Jazz) Urbano Gómez Montiel

04. Pudiera Ser (Bat-Chá) Chiquitica Méndez

05. El Mozambiquero (Monzambique) Yañez-Gómez

06. Que No Me Digas Na (Guapachá) Alberto González 

07. Retozón (Son Montuno) Calixto Callava

08. Hoy No Creo En Tí (Guapachá) Luis Iglesias 

09. No Tienes Tema (Guapachá) O. Martínez-R. Montesinos

10. El Panzón (Guapachá) Enrique Martínez 

11. Mi Existir (Descarga) José M. Somoza

12. Indestructible (Bossa Nova) Jesús Valdés-Luis Yañez

Información cedida por Osvaldo M.