Pibo Márquez, nació el 22 de junio de 1968 en Caracas (Venezuela), donde aún vive hoy, se ha convertido en uno de los invitados más frecuentes y populares de los festivales más importantes de Europa en los últimos años: de Montreux a Umbría, Palatia, Espoo y Leverkusen. ha viajado por Europa a Minori y Jazz Baltica y está celebrando el éxito popular. Ahora, finalmente, hay un portador de sonido que documenta estas exitosas actuaciones. Las grabaciones en vivo de Espoo (Finlandia), Minori (Italia) y Dirnstein (Alemania) transmiten una impresión del resplandor de la música y los ritmos enardecidos. Ya a la edad de 8 años, Pibo tocaba en una banda de folklore venezolano y ha aprendido y experimentado los ritmos de América del Sur y Centroamérica desde cero. Cuando se incorporó al "Grupo Madera" en 1980, había viajado a la mayoría de los países de América del Sur y había recibido lecciones de muchos profesores de percusión de renombre. Viajó a Europa por primera vez con Grupo Madera, donde otros lo notaron y pronto lo contrataron: así llegó a giras y grabaciones al lado de, entre otros. Carlos Santana, Orchesta La Libertad, Tony Martinez y Orisha. Más información relacionada Pibo Marquez - Las Manos Calientes (2003) Temas: 01. Vía Rapida 02. Oleo 03. Esperando 04. Elegbarra 05. Que Mi Pasa 06. Azul Songo 07. Arrollando Musicos:
Los admiradores de Beatles gustan explicar que la clave para la exitosa asociación de John Lennon y Paul McCartney era su personalidad como compositor contrastantes - Lennon fue la lengua en la mejilla ingenio sardónico, McCartney el baladista serio. En John Pizzarelli Meets the Beatles , un homenaje bruscamente concebido que establece clásicos del dúo en un trío de jazz con arreglos de big-band, el cantante / guitarrista da en el blanco con mayor frecuencia cuando está teniendo en el Lennon personaje. Se acerca "Can't Buy Me Love", "When I'm 64", y "Get Back" con un guiño juguetón, saltando de sus líneas melódicas rápidos y el aumento de los tramos de latón para las compensaciones de improvisación prolongados con el pianista Ray Kennedy , y la adición de toques de color como scatting e incluso ad libbing sus propios versos líricos sobre la base de los originales. Del mismo modo, ataca el todo-instrumental "Eleanor Rigby" con un nervioso, la agresión se columpia. Pizzarelli , sin embargo, se vuelve excesivamente sensiblero en la presentación de baladas como "You've Got to Hide Your Love Away" y "Long and Winding Road" demasiado en serio , con arreglos sencillos, sensibleras que muelen el partido a un alto. La única excepción es el más percusivo "Oh Darling", donde su intensa vocal ayuda a la subida melodía encima de la mentalidad salón del hotel._Jonathan Widran (allmusic) Más información relacionada
John Pizzarelli – John Pizzarelli Meets The Beatles (1998) Temas: 01.Can't Buy Me Love 02.I've Just Seen A Face 03.Here Comes The Sun 04.Things We Said Today 05.You've Got To Hide Your Love Away 06.Eleanor Rigby 07.And I Love Her 08.When I'm 64 09.Oh Darling 10.Get Back 11.Long And Winding Road 12.For No One Musicos: John Pizzarelli (vocals, guitar) Don Sebesky (arranger, flute, accordion) Ray H. Kennedy (piano) Martin Pizzarelli (bass) Tony Tedesco (drums) Sammy Figueroa (percussion) Chuck Wilson, Gary Keller, Kenny Berger (saxophone) Andy Fusco (alto saxophone) Harry Allen (tenor saxophone) Scott Robinson (contrabass saxophone) Ken Peplowski (clarinet) Barry Ries, Tony Kadleck, Ron Tooley, Jim O'Connor (trumpet) Peter Gordon (French horn) Allen Ralph, Jim Pugh , Wayne Andre, John Mosca (trombone) Karen Karlsrud, Barry Finclair, Lisa Matricardi, Laura Oatts, Rick Dolan, Joel Pitchon, Belinda Whitney-Barratt, Xin Zhao, Evan Johnson, Alfred Brown , Sanford Allen, Laura Seaton, Richard Sortomme, Avril Brown, Max Ellen (violin) Kenneth Burward-Hoy, Leslie Tomkins, Mitsue Takayama, Maxine Roach, Juliet Haffner, Liuh-Wen Ting (viola) Melissa Meel, Chungsun Kim, Adam Grabois, Stephanie Cummins, Jeanne LeBlanc, Jesse Levy (cello)
Durante la década de 1920, la escena musical cubana estaba en pleno florecimiento. Al mismo tiempo que se desarrollaba el jazz americano, particularmente en Nueva Orleáns, las primeras bandas empezaron a interpretar el jazz cubano o jazz latino en los clubes nocturnos y hoteles de la isla. El director de banda de jazz cubano más destacado, además de pionero entre los intérpretes de jazz, fue el maestro Armando Romeu, quien dirigió las famosas orquestas Bellamar y Tropicana.
La música de Cuba se basa en gran medida en sus orígenes culturales europeos y africanos. La llegada de miles de esclavos africanos a la isla en el transcurso de trescientos años dio como resultado una gran variedad de formas musicales nuevas. Profundamente arraigada en los ritmos africanos, la música distintiva del país le debe su poder melódico a su legado colonial español. La alegre y enérgica cadencia cubana ha ejercido una influencia significativa en los estilos musicales alrededor del mundo, incidencia que continúa en la actualidad. Con el tiempo, las formas singulares de danza, relacionadas con tipos específicos de música, se han influenciado mutuamente, creando nuevos estilos de expresión.
Lino Borges. Fue una de las voces grandes del bolero cubano, un fruto de Batabanó que cantó durante más de medio siglo. Severo Alberto Borges Abreu, de extracción campesina, nació en Batabanò, Cuba, el martes 8 de agosto de 1933. Se desempeñaba como recogedor de berro y en los descansos, sus compañeros de faena le pedían que los complaciera con sus interpretaciones. A los 16 años de edad lo haría ya como profesional con la orquesta de J. R. González, en la que estuvo varios años. Después cantó con los conjuntos Universal, de Melena del Sur, Casablanca, Casino, Rumbavana y Saratoga. Con este último conjunto permaneció durante 20 años, antes de convertirse en solista. Lino Borges, bolerista por antonomasia, fue sepultado en su natal Batabanó, una pequeña localidad situada a 52 kilómetros de la capital cubana, localidad a la que siempre guardó fidelidad, por lo que su sepelio constituyó una sobrecogedora expresión de duelo popular. Sus últimas presentaciones fueron en el Salón Bolero (Dos Gardenias), en cuya programación era una figura estelar. Cuando falleció Lino Borges, como era el nombre artístico por el que se conocía universalmente, se dijo “se nos fue Lino Borges, la voz del bolero. Cuba había perdido una de las figuras emblemáticas entre los cantantes de boleros de la isla, que interpretó como nadie temas como “Vida consentida” y “Corazón de cristal”, dos de sus emblemáticos y más grandes éxitos. Lino Borges, falleció los 71 años de edad. precisamente el 23 de agosto de 2003 en un hospital de La Habana, a causa de una afección pulmonar y fue enterrado en la intimidad familiar en su pueblo natal de Batabanó. El cantante, quien desde hacía varios años actuaba en centros nocturnos, estaba preparando una gira por República Dominicana, que comenzaría en semanas cercanas a la fecha de su deceso. Algunos reconocidos artistas cubanos, como el cantante Ibrahim Ferrer, integrante del famoso proyecto musical “Buena Vista Social Club”, o la directora de orquesta Zenaida Romeu, manifestaron su pesar por la muerte de Lino Borges. Musicólogos de la isla reconocen a Borges como uno de los más importantes cantantes masculinos del bolero en Cuba, junto a figuras como Vicentico Valdés, Abelardo Barroso, Pacho Alonso, René Cabell, Tito Gómez, Ñico Membiela, Fernando Alvarez, Orlando Contreras, Orlando Vallejo, José Tejedor y Roberto Sánchez, entre tantos buenos interpretes que dio la isla cubana. Para los venezolanos este insigne bolerista constituyó toda una leyenda durante los años 1960 - 1970, pues fue el interprete de una de las canciones mas bellas dedicadas a lo más intimo del romance, compuesta por un venezolano, el Dr. Homero Parra, como lo es “Vida Consentida”, convirtiéndose en todo un éxito en latinoamerica y demás paises donde igualmente se habla el idioma castellano, elevando la condición de ídolo que incipientemente ya se veía en Lino Borges como cantante de boleros, ya que esa preciosa composición le sirvió de bandera para abrir sus presentaciones personales, amén de las cuantiosas ventas que de su grabación se hicieron, lo que le valió recorrer el mundo del espectáculo como toda una estrella deslumbrante del canto romántico. Es pues para nosotros un especial acto de reconocimiento para quien hizo méritos más que suficientes para ganarse nuestro aprecio y por siempre considerarlo uno de los cantantes románticos más completos de su época, además de que a ello estamos obligados como venezolanos por haber logrado convertir la canción de don Homero Parra en todo un éxito internacional. Como especie de anécdota se ha escrito, y así lo hemos conseguido en inserto en Internet, que en 1960, el conocido empresario disquero José Pagès, dueño del sello disquero Velvet, luego de analizar diferentes voces interpretes del bolero con el objeto de observar quien de los que tenia dentro de su apreciable colección podía interpretar la canción de acuerdo con los arreglos que de ella se habían hecho, y que fue de esa forma como se decidió hacerle llegar a Lino Borges la grabación de Vida consentida, de Homero Parra, compuesta originalmente en tiempo de vals venezolano, pero arreglada para que la cantara como bolero, por considerar que se adaptaba perfectamente bien a su voz. El tiempo le dio la razón a don Jose Pagès, ya que el tema, una vez que saliò a la venta grabado en la voz de Lino Borges se convirtió en su primer gran éxito, trascendiendo fronteras e imponiéndose como un verdadero hit en varios países latinoamericano. Fue tal el impacto causado por tan bella canción que la misma le abrió las puertas para firmar un contrato para actuar en el Cabaret Nacional (San Rafael y Prado). Luego le siguieron Corazón de cristal, de Enrique Pessino; Moriré de amor, de Leopoldo Ulloa; y otros éxito._ecured
Para los que se "estrenaron" con el saxofonista cubano Paquito D'Rivera en "The Iost sessions", como suponemos que haya quedado con más ganas de escucharlo, ahora se lo servimos en bandeja de oro en su etapa como fundador de la legendaría banda Irakere, para que pueda disfrutarlo a fondo ya sea en plan de abierto protagonismo o cerrando filas con el fabuloso team de metales de Irakere. Grabaciones de los años 76 y 78 (a partír del 79 instaló su residencia en los E.E.U.U.) cuando algunos grupos habían lanzado al mundo las formidables propuestas de fusión estilo los"Sangre, Sudor y Lágrimas", o "Tierra, viento y ruego" con la irrupción del beat (léase la fusión del swing con otros ritmos no jazzísticos). Pero faltaba la adición de un fuerte sabor que vendría proveniente de la mayor de las Antillas y que llegaría para quedarse: los ritmos afrocubanos, los cantos rituales, los tambores batá, las tumbadoras incorporadas a este formato de banda ya propuesto poraquellos grupos: una sección de dos saxofones (alto, tenor), 2 trompetas, drums bajo eléctríco, guitarra eléctrica piano y teclados que daría por resultado una nueva sonoridad en ese género naciente que de una manera totalmente desprejuiciada y gracias ingenio creativo de Chucho Valdés, más los aportes delos virtuosos de su banda, asombrarían al mundo con el arrollador sonido Irakere (no nos olvidemos que en lengua yoruba Irakere significa selva). Aquí usted se podrá dar "banquete" con un Paquito de múltiples aristas: cual de ellas más interesante y sobre todo diferentes, donde sale a relucir el músico culto, de amplio espectro, lo que queda ampliamente demostrada en su lección magistral del Adagio del Concierto original para clarinete en La Mayor de W.A. Mozart en una sensacional versión para saxo soprano, sí como también en Preludio No.3 del gran compositor brasileño Heítor Villalobos donde recrea esta pieza en un dúo de flautas con Carlos Averhoff y junto a ese "monstruo" de la música de la Isla, Leo Brouwer, secundando a este último en la formidable versión del concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo con su improvisación al saxo soprano en el segmento final de la obra. Y en yuxtaposición a estas re-creaoiones de los clásicos nos propone temas firmemente insertados en la corriente de fusión "a lo Irakere" oomo Juana 1600 Chekere son y esa obra mayor, digna de una antología del género: Misa Negra del maestro Chuoho Valdés. Una demostraoción fehaciente de que los oídos más atentos y mejor informados de la palestra musical de aquellos 70s, no dejarían pasar por alto aquel fenómeno Irakere que irrumpia oon aquella pegada irresistible, lo es el hecho de que el maestro Leo Brouwer invitara a esta banda a compartir el escenario en un memorable concierto que ofrecieran en septiembre de 1978 en el teatro Karl Marx y del cual el Adagio de Mozart, Aranjuez, Preludio No.3 Misa Negra y Ragtime, son testimonio. Un criterio totalmente coinoidente por parte de Brouwer, Chuoho Valdés y los músicos de su banda, respecto a que en las tendencias de la música "de concierto" a de aquel presente tenían total validez el legado de los clásicos así como los cantos rituales, los rítmos afrocubanos el swing y todo aquello que viniera al caso, es la razón por la cual músicos quese desenvolvían en diferentes esferas unieran sus faenas en una lid de este tipo. Si a alguien se le puede atribuir ser pionero en esto de la fusión y los conceptos post-modernistas (acuñados más tarde) aplicados a la música, es a Leo Brouwer y a Chucho Valdés con su banda Irakere. Entre los primeros cortes del disco aparece como segundo el ragtime El Animador de Scott Joplin. Todavía recuerdo la delicia que sentimos los asistentes a aquel concierto, ante aquella versión que evocaba a aquellas primeras bandas de jazz compuestas por clarinete fotuto. cornetin, banjo y el «abuelo" del drums. Con ese sentido los muchachos de Irakere secundan a Brouwer en esta versión pero evocando el timbre y la dicción del clarinete, que era el instrumento característico de aquellos momentos. Imposible pedir más con la total y lograda intención de aquel swing de las primeras décadas del siglo XX. La versión del Adagio de Mozart (junto al solo de Misa Negra) es el plato fuerte para calibrar a Paquíto D'Rivera en cualquier sentido. Ahi tiene usted al instrumentista culto,al clarinetista virtuoso que se conoce al derecho y al revés esta obra. La ortodoxia clásica en el enunciado del tema, las "citas" de la cadenza y de aires del tercer movimiento del concierto nos confirman que tiene perfectamente digerida la obra original. A ello le suma la improvisación en swing que le devolverá con una sonrisa de aprobación la artística travesura. Esta vez con la flauta, a dúo con Carlos Averhoff, secunda a Brouwer (en la guitarra) en Preludio No. 3 de Villalobos. Nuevamente nos asombramos ante el desdoblamiento de Paquito luego del enuncíado riguroso de la obra, en el segmento siguiente, en una improvisación que roza el aleatorismo y donde demuestra estar a la altura del gran compositor cubano para poderl o seguir en un lenguaje que aborda las técnicas de composición de vanguardia del siglo XX en la música llamada 'culta". y para cerrar este bloque de recreaciones de los clásicos, Brouwer y Valdés nos entregan una versión firmada a cuatro manos del celebérrimo concierto de Aranjuez, en el cual luego de exponer en el primer segmento el tema "quasi tal cual" entran en un segundo en tiempo beato donde Paquíto se luce en una improvisación con el soprano que denota una intención de total ruptura con lo anterior, y hasta desliza entonaciones bien claras de los diseños que suele hacer la corneta china en las congas del carnaval santiaguero. Un paréntesis en el disco para que disfrutemos a las anchas de un buen bolero, sin mas intenciones que justamente esas: y me refiero al disfrute de él, consigo mismo, en Este camino largo donde volvemos al Paquito de los boleros de The lost sessions: respetuoso del género, intimista, sensual y con mucha bomba. ( Con mucha bomba: suele expresarse en Cuba a lo interpetrado con mucho sentimiento. Bomba como sinónimo de corazón.) En una cuerda fusión desde su intención original, aborda un título de Carlos Puebla que ha dado la vuelta al mundo: Hasta siempre, comandante, que entra rápidamente en una improvisación de latin jazz. Nótese la fusión del tiempo de bolero en las tumbas, con los diseños beat del drums. E igualmente el concepto ímprovísatorío, tanto de Chucho Valdés en el piano como de Carlos del Puerto en el bajo eléctrico, así como del propio Paquíto, denotan estar muy en sintonía con un discurso bien instaurado por los grupos de fusión de los 70's (Weather Report, Earth, Wind and FIRE, y el propio Irakere) donde no se improvisa en un puro estilo de swing, sino que se introducen otras acentuaciones, otros giros melódicos y otros elementos como lo es el sentido de la improvisación del son cubano que tuvo figuras legendarias que dejaron muy bien sentado este lenguaje como el tresero Arsenio Rodriguez, el "cieguito maravilloso"; el pianista de su conjunto Luis"Lili" Martinez, y el trompetista de la misma formación, Félix Chapottin. Todos estos elementos interrelacionados constituyen precisamente los aportes de la banda Irakere al naciente género de la fusión y al latín jazz en los tempranas 70s y de la cual Hasta siempre es un ejemplo elocuente. En una tónica "más bolero" nos ofrece su versión de una ronda infantil: La canción de los niños, de Tania Castellanos, muy conocida y cantada en Cuba en los 60s y los 70s y que por la belleza de su tema fue muy abordado por los jazzistas cubanos a manera de balada y como bolero, en este caso. Conservando el mismo ambiente de ternura e inocencia del tema original, Paquito lo asume en la primera parte de una forma tranquila, suave, con un discurso de swing en el que lo secundan Chucho y Del Puerto en sus breves pero convincentes intervenciones. Reserva sus energías acostumbradas para la coda en la que levanta "presión" en un estilo "más Paquito", con sus diseños y notas agudas que constituyen una especie de autógrafo de este virtuoso. El otro gran bloque del disco lo forman Chekeré Son, Juana 1600 y Misa Negra, piezas todas muy fusión, con todos los elementos arriba mencionados, donde se superponen bloques de metales con un tratamiento en la tendencia que introdujeron los "Sangre, Sudor y Lágrimas" y/o los "Tierra, Viento y Fuego, con una sección rítmica debajo con ritmos afrocubanos, como ocurre en Juana 1600, o secuencias alternadas de ritmo beat más el chekeré (con la curiosa combinación tímbrica de la flauta con el saxo barítono, ambas tocadas por el propio Paquito) con los segmentos de improvisación de Chucho, Paquito (en el barítono) y Carlos Emilio conservando como soporte la base rítmica inicialmente establecida en Chekeré Son. Espacio aparte merece Misa Negra, composición de los tempranas 70s del maestro Chucho Valdés que constituyó la carta de presentación de Irakere, diríamos que con "misiles" por tierra, mar y aire para que no quedara ningún escéptico y que resulta una especie de rapsodia para banda con introducción de efectos tímbricos que sugieren la agreste selva africana, inmediatamente un can tus firmus (a la manera de los cantos gregorianos) seguidamente un largo y espléndido solo de Paquito en el saxo alto que muestra su arista más seria y sólida, conscientemente heredera del patrimonio cedido al mundo por los "monstruos": Coltrane, Charlie Parker y otros, más su propia aportación a lo jazzístico de lo esencialmente latino que está presente en ideas, acentuaciones y énfasis que un norteño nunca podrá emitir coherentemente. Sin embargo todo esto está felizmente cristalizado en un estilo "Paquito" (y no por gusto Misa Negra aparece como último corbe del disco). Después de escuchar este registro usted comprenderá por qué pudo ir a bailar Ha casa del trompo" y lograrlo, ser reconocido en Estados Unidos y en los circuitos jazzísticos internacionales, ser el músico escogido por Fernando Trueba para abrir su formidable documental Calle 54. El suyo es un tipo de talento sui generis, irrepetible e inconfundible. Creo que después de escuchar y disfrutar este disco me dará la razón. MUCHAS GRACIAS._ Maria Elena Mendiola. La Habana Cuba.Mayo 2002. Directora huésped de La Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba. Profesora del Instituto Superior de Arte de La Habana.
Fallece el percusionista Milton Cardona en New York 19 Sept. 2014 New York. Milton John Cardona Cuevas, "Tito" como lo llamaban en su casa, nació en el barrio San Sebastián de Mayagüez, Puerto Rico, el 21 de noviembre de 1944 y falleció en N.Y. 19 de sep. 2014 El percusionista y vocalista Milton Cardona no parece estar particularmente impresionado con el hecho de que ha realizado 703 grabaciones en su carrera. "Lo que es impresionante", dice, "¡es que las tengo todas!". La diversa discografía de Cardona abarca varias décadas y destaca por álbumes con Cachao, Larry Harlow, Eddie Palmieri, Johnny Colón, Willie Colón, David Byrne, Celia Cruz, Steve Turre, J.J. Johnson, la cantante de jazz Marlena Shaw, y el ensamble de jazz con influencia árabe de Rabih Abou-Khalil. Entre los proyectos recientes de Cardona están la banda sonora de la película de Spike Lee, Get on the Bus, y el disco de Paul Simon Music from The Capeman. (Cardona también interpretó dos papeles importantes en el escenario durante la producción de Broadway de Capeman). Recientemente completó un álbum con el ensamble europeo de percusión Mega Drums, y en los próximos meses estará de gira por Japón con el bajista Jack Bruce, y por Europa con el clarinetista de jazz Don Byron. Además, está trabajando duro en un álbum propio: el tentativamente intitulado Cambucha presentará música original de Cardona (que va desde religioso hasta doo-wop) y un ensamble de 12 instrumentos -11 de los cuales tocará él mismo. Cardona estudió violín durante 7 años en su niñez, después tocó el bajo profesionalmente hasta que las improvisaciones callejeras de Nueva York lo atrajeron a la percusión. La música de Mongo Santamaría tiene una fuerte influencia sobre su interpretación. Todavía tiene su primer instrumento de LP, una conga de fibra de vidrio. "Las congas de fibra de vidrio de LP suenan lo más parecido posible a tambores de madera. El sonido es bueno, el cuero es bueno, y el peso del tambor es el preciso. "Yo confío en LP -en el estudio y en las giras"._Radio-Musical Más información relacionada
Gracias Milton Cardona, por todo el legado que nos dejas, siempre estarás en nuestros corazones.
John Pizzarelli (Paterson, 6 de abril de 1960), cantante y guitarrista estadounidense de jazz. Poseedor de una voz cálida y suave, y de una presencia elegante, Pizzarelli es uno de los principales representantes del neotradicionalismo jazzístico aplicado al canto. Hijo del guitarrista Bucky Pizzarelli, John empezó a cantar con su padre a los 20 años e hizo su grabación de debut en 1983 con I'm Hip -- Please Don't Tell My Father. Como guitarrista, manifiesta influencias de Les Paul y Django Reinhardt. En 1993 el John Pizzarelli Trio hizo de telonero en una de las últimas giras de Frank Sinatra, llegando a participar en la celebración del 80 cumpleaños de este en el Carnegie Hall. En 1997 participó en la producción de Broadway Dream, un homenaje al compositor Johnny Mercer. Su disco de 1998 Meets the Beatles, le presenta reinterpretando canciones clásicas del grupo de Liverpool, y al año siguiente rindió homenaje a una de sus más grandes influencias, Nat King Cole, con P.S. Mr. Cole. Pizzarelli firmó en 1999 con el sello Telarc y grabó dos discos de estándares, Kisses in the Rain y Let There Be Love, en 2000. Desde entonces, ha grabado un disco con el pianista George Shearing y ha celebrado sus diez años de música con su trío grabando un disco en directo Live at Birdland en 2003. Apartándose por un momento del swing, Pizzarelli grabó Bossa Nova en 2004, cantando composiciones de Antonio Carlos Jobim como "The Girl from Ipanema" y "Aguas de Marco". En 2005 presentó nuevos estándares en Knowing You y, respaldado por la Clayton-Hamilton Jazz Orchestra, le ha rendido homenaje a Sinatra en 2006 con Dear Mr. Sinatra._wikipedia John Pizzarelli historia de amor con la bossa nova se remontaba más de dos décadas previas a la realización de este CD, que es su saludo a la legendaria João Gilberto . Acompañado de su grupo habitual (pianista Ray Kennedy y el bajista Martin Pizzarelli ) y aumentada por el batería Paulinho Braga y el percusionista Jim Saporito , junto con varios otros en pistas seleccionadas, Pizzarelli suaves, voces swinging y fuerte, pero la guitarra subestimado trabajar su magia en todo el sesión. Si bien la mayoría de las piezas son obras brasileñas, hay excepciones. Gershwin "Fascinatin' Rhythm" se adapta fácilmente en un bossa nova, añadiendo coros y el saxo tenor potente de Harry Allen . Rocker James Taylor beneficios "Your Smiling Face" de la configuración más enérgica y un coro flauta respaldo Pizzarelli . Broadway compositor Stephen Sondheim "I Remember", añade Don Sebesky arreglo de cuerdas, llenando cuidadosamente los antecedentes en esta balada maravillosamente cantado. Por supuesto, varias canciones se dedican a las composiciones atemporales de Antonio Carlos Jobim . Los cinco presentes en esta fecha se han registrado con tanta frecuencia que sería difícil para llegar a interpretaciones históricas, pero Pizzarelli y la compañía de hacer justicia a todos ellos. También vale la pena investigar son dos originales del líder, el balanceo "Francesca" y la brisa "Soares Samba." El sonido íntimo lo largo de esta grabación es un bono adicional._Ken Dryden (allmusic) John Pizzarelli - Bossa Nova (2004) Temas: 01. One Note Samba 02. Fascinatin' Rhythm 03. The Girl From Ipanema 04. Your Smiling Face 05. Estate 06. Desafinado (Off Key) 07. Aquelas Coisas Todas (All Those Things) 08. I Remember 09. Francesca 10. Love Dance 11. So Danso Samba 12. Aguas De Marco (Waters Of March) 13. Soares Samba Musicos: John Pizzarelli: Guitar and Vocals Ray Kennedy: Piano Martin Pizzarelli: Bass Paulinha Braga: Drums Jim Saporito: Percussion Cesar Camargo Mariano: Piano Harry Allen: Tenor Sax Daniel Jobim: Background Vocals Chiara Civello: Background Vocals with String Quartet, Flute Quartet
Danilo Pérez es uno de nuestros mejores pianistas y educadores de jazz contemporáneo. Más recientemente, ha grabado y realizado numerosas giras con el innovador Wayne Shorter Quartet. Residente en el área de Boston, Pérez mantiene estrechos vínculos con su Panamá natal y ha iniciado programas de educación y festivales de jazz allí. En este álbum, dedicado a sus orígenes culturales, se convierte en el creador de una suite musical multidimensional en celebración del 500 aniversario del explorador español Balboa cruzando el Istmo de Panamá.
Pérez combina los estilos panameño, europeo, latino-hispano y nativo de América Central en una fiesta musical hermosamente coherente, utilizando dos tríos icónicos de jazz, cuerdas, percusión e instrumentos nativos, cánticos y narrativas para transmitir imágenes e historias de la mitología y el folclore panameños. y memoria personal. El resultado es la magia y el asombro musical, que evoca los mundos interior y exterior. En este sentido, pasa a formar parte del repertorio de poemas de tono impresionista, como La Mer de Debussy o, más cerca de casa, Bachianas Brasileiras de Villa Lobos. Si bien el álbum tiene quince pistas, cada una con su propio desarrollo musical, surge como una composición unificada que se escucha mejor en su totalidad.
Tres de las pistas ilustrarán cómo Pérez entrelaza varios conjuntos y diversas influencias musicales. (Una descripción detallada de todas las pistas, con comentarios de Pérez, está disponible en Mack Avenue Records).
"Redescubrimiento del Mar del Sur" es un preludio que lleva al oyente al lugar de los primeros encuentros de Balboa. Una mezcla lacónica de sonidos es seguida por una secuencia de baile con ritmo proporcionado por cuerdas pulsadas, palos, claves y tambores de mano que evocan bosques cálidos y playas. Roman Díaz entra brevemente como narrador. El primer trío, formado por Pérez, el bajista Ben Street y el baterista Adam Cruz, enmarca la música. "Redescubrimiento" sugiere imágenes secuenciales como Cuadros en una exposición de Mussorgsky, en este caso un paseo por una isla paradisíaca. Los violines refuerzan las imágenes con sugestión colorida e impresionista, con Pérez tocando grupos de acordes reflectantes. Los violines regresan con una secuencia de baile a modo de rumba ayudada por percusión, y Díaz recapitula su narrativa.
"Panamá 500" está sostenido por el ritmo continuo de La Denesa, una danza folclórica tradicional panameña. El segundo trío de John Pattitucci, Brian Blade y Perez forma la sección rítmica. El ambiente se vuelve festivo con violines y sensuales pulsos rítmicos. Aquí, el piano de Pérez recuerda vagamente a las Gymnopedies de Erik Satie con su ligereza límbica. A lo largo del álbum, Pérez negocia de manera fluida e imaginativa entre el clásico europeo y las variadas influencias latinoamericanas.
"Reflections On The South Sea" (es decir, el Océano Pacífico que mira al sur de Panamá mientras el Istmo se retuerce entre dos continentes) se abre reflexivamente con un elegante intercambio de contrapunto entre el piano y el violonchelo. El ritmo desarrolla una tensión y una acentuación de tango, como si estuviera influenciado por Astor Piazzola. A lo largo del álbum, hay alusiones a los modismos musicales brasileños, argentinos y otros sudamericanos y caribeños. Pérez establece un fascinante triángulo entre trío de jazz, variaciones clásicas europeas y una mezcla de influencias latino-hispánicas. Mientras tanto, los gestos africanos históricos profundos y panameños mantienen la música en un lugar seguro, como los pilotes en una casa de playa elevada. Cuando vayas a este lugar inventado por Pérez, querrás quedarte._Victor L. Schermer (allaboutjazz) Más información relacionada Danilo Perez - Panama 500 (2014) Temas:
01. Rediscovery of the South Sea
02. Panama 500
03. Reflections on the South Sea
04. Abita Yale (America)
05. Gratitude
06. The Canal Suite: Land of Hope
07. The Canal Suite
08. Premonition in Rhythm
09. The Canal Suite: Melting Pot (Chocolate)
10. The Expedition
11. Narration to Reflections on the South Sea
12. Panama Viejo
13. Celebration of Our Land
Musicos:
Danilo Pérez (Piano, cencerro)
John Patitucci (Bajo eléctrico /2); bajo acústico /3, 4, 9)
José Angel Colman (Voz en guile gaya /3 lengua guna)
Eulogio Olaideginia Benítez("Gala bissu" similar a kena, "gala ildi" similar a zampoña /4 la celebración de nuestra tierra en lengua guna es garga odole, /12 imitación de 2 pájaros)
José Antonio Hayans (Gammuburwi /12 celebración de nuestra tierra / garga odole, imitación de 2 pájaros)
Marden Paniza (Directora y coordinadora de músicos guna, autora de la narración)
Es difícil creer que alguien con tanta profundidad musical e historia como Ray Armando nunca haya lanzado un álbum propio. Ha trabajado con algunas de las estrellas más brillantes del jazz y la música latina y es respetado en todo el mundo como un arreglista y percusionista del más alto calibre.
Mallet Hands, su álbum de debut para CuBop, es un largo y arduo trabajo de amor que seguramente colocará a Armando en el mapa de una vez por todas como un verdadero tesoro del género del jazz latino.
Nacido el 27 de enero de 1939 en Brooklyn, el joven Armando escuchaba atentamente los discos de su padre, Machito y Arsenio Rodríguez, y la voz de su madre, cantante profesional, bailarina y actriz. Mientras que sus sueños de convertirse en un jugador de béisbol nunca se realizaron, se las arregló para convertirse en experto en las congas a una temprana edad.
"Me involucré en la percusión latina a través de mi tío a los 8 años", recuerda. "Mi primera influencia verdadera y maestro fue Mongo Santamaría, que vivía al otro lado de la calle de mi familia por aquel entonces". A la edad de quince años, se fue a la carretera con la Big Band de Elmo García. Después de pagar sus deudas con García, se dedicó a trabajar con el auténtico Mambo King, Tito Puente, con quien tocaría en el legendario Palladium de Nueva York. Después de su paso por Puente, continuó sus estudios en instrumentos de percusión y composiciones de guitarra, profundizando en elementos de armonía, teoría y contrapunto._(audiokat)
Ray Armando ha aparecido en algunos de los mejores álbumes de jazz y latín de todos los tiempos y ha tocado con Duke Ellington, Stan Getz, Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto, Nina Simone, Gato Barbieri, Tito Puente y Lionel Hampton, solo por nombrar algunos. . Después de todos estos años -comenzó a involucrarse con la percusión latina a los 8 años- finalmente tiene un álbum propio.
Mallet Hands, producido por Bobby Matos, es una colección de nueve composiciones originales con los jugadores de peso pesado Ben Clatworthy (saxo tenor), George Griffin y Theo Sanders (piano), Eddie Resto (bajo), Enzo Tolesco (batería) y Robertito Meléndez y José. "Papo" Rodríguez (bongos). Estos jugadores hacen un trabajo increíble. Los solos de tenor de Clatworthy son impresionantes, y su interacción con Griffin y Sanders es un nocaut en la deliciosa pista de cierre, "Con Mi Guaguanco".
Sin embargo, a pesar de todos los talentosos acompañantes, su atención nunca está lejos de la asombrosa pirotecnia de percusión de Armando. El clásico de Billy Strayhorn "Take the 'A' Train", por ejemplo, se transforma en una samba contagiosa y oscilante. El uso que hace Armando de una cu¡ca brasileña es asombroso.
Mallet Hands es una montaña rusa de ritmos.__ Egidio Leitao (jazztimes) Ray Armando - Mallet Hands (2000)
Durante la década de 1920, la escena musical cubana estaba en pleno florecimiento. Al mismo tiempo que se desarrollaba el jazz americano, particularmente en Nueva Orleáns, las primeras bandas empezaron a interpretar el jazz cubano o jazz latino en los clubes nocturnos y hoteles de la isla. El director de banda de jazz cubano más destacado, además de pionero entre los intérpretes de jazz, fue el maestro Armando Romeu, quien dirigió las famosas orquestas Bellamar y Tropicana.
La música de Cuba se basa en gran medida en sus orígenes culturales europeos y africanos. La llegada de miles de esclavos africanos a la isla en el transcurso de trescientos años dio como resultado una gran variedad de formas musicales nuevas. Profundamente arraigada en los ritmos africanos, la música distintiva del país le debe su poder melódico a su legado colonial español. La alegre y enérgica cadencia cubana ha ejercido una influencia significativa en los estilos musicales alrededor del mundo, incidencia que continúa en la actualidad. Con el tiempo, las formas singulares de danza, relacionadas con tipos específicos de música, se han influenciado mutuamente, creando nuevos estilos de expresión. Más información relacionada
Los Papines & Rubén González- JazzCuba Vol.7 (2007) Temas: 01.Esa me la Llevo Yo 02.Nostalgia 03.El bobito de Mi Cuadra 04.Salsa Criolla 05.Amo This Isla 06.Abuela No Se Puede Evitar 07.Amor en Festival 08.Popurrí Mexicano 09.Chacha blue10.Papines en Descarga
Ñico Membiela. Considerado uno de los mas genuinos boleritas hispano parlantes de más rancio abolengo y de origen cubano. Nació en Zulueta, Provincia de Villa Clara, Cuba, el 3 de diciembre de 1913, conocido artísticamente como Ñico Membiela. Este reconocido cantante y compositor desde las más tempranas edades interpretaba boleros como trovador en su pueblo natal y ya para 1942 se establece como cantante profesional en la capital. Cuentan los estudiosos de su vida artística que se inicia en la década de los cincuenta pero sin éxito a pesar de que había logrado grabar seis temas en 1951. Después en 1954 se une a la Orquesta de Cheo Belén Puig y graba dos temas que le abren el camino a la fama. De adolescente aprendió a tocar la guitarra y se fue a Cienfuegos con su familia siendo muy joven, estando ubicada su casa en la calle O`Donnell entre Santa Elena y Santa Cruz, exactamente en la misma esquina de Santa Elena, donde hoy se encuentra un parque deportivo, o cancha, que pertenece a la Escuela de Economía y que a mediados de los cincuentas fue construido por las Dominicas Americanas, quienes tenían allí una escuela para señoritas, cuando eso podía existir en aquellos tiempos. El padre de Ñico Membiela era propietario de la ferretería La Bomba, en Calzada de Dolores, entre Gloria e Industria, a unas puertas de la residencia de Adolfina Lazo, madrina de la trova cienfueguera. Por eso no es raro que entre Adolfina y Ñico hubiese una gran amistad. Ñico solía andar con su guitarra por las calles dando serenatas o era recibido en algún hogar para que ofreciera sus descargas trovadorescas. La carrera artística le fue una labor difícil, pues en el interior del país nunca era fácil proyectarse.Recordemos que la gran Orquesta Aragòn, una gloria de la música popular cienfueguera, necesitó trasladarse a La Habana para darse a conocer en todo el ámbito nacional y luego universalmente. Guitarra en mano, el joven y muy delgado Ñico Membiela, con una salud precaria desde la temprana juventud, tenía coros de amigos y muchachas que le admiraban y se ponían a escucharle las canciones que incorporaba a su repertorio. Se radicó en Cienfuegos y por ultimo en la Habana. Su fama surgió a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. Sus antiguos vecinos de la calle Santa Elena sonreían al verlo pasar en su Cadillac cada vez que era contratado para cantar en el Hotel Jagua, del que fue una de las figuras más frecuentes en su cabaret Guanaroca, recién inaugurada la instalación. Ñico ya tenía una larga carrera pero sin ser conocido, junto a Blanca Rosa Gil y Orlando Vallejo se convierten en los principales boleristas que noche tras noche el público acudía a aplaudir en el Ali Bar. En 1963 se presenta en México y de ahí se marcha a Estados Unidos presentándose en diferentes ciudades. El bolero que lo llevó a la cima de la popularidad fue “Contigo-Besos Salvajes”, realmente una combinación de dos piezas musicales, “Contigo”, del mexicano Claudio Estrada y “Besos Salvajes”, una especie de tango de discutida autoría, la combinación melódica tuvo un arreglo tan bien logrado que al oído suena como si se tratara de una sola canción, de un único tema, y no de la combinación de dos melodías preciosas. Este estelar y muy particular bolerista falleció el 13 de julio de 1998 a la edad de 85 años, estando fuera de su país desde 1963, en la ciudad de Miami, donde se había establecido. Más información relacionada
Ñico Membiela - Guantanamera a Puerto Rico Temas: 01. Guantanamera 02. A Puerto Rico 03. Puerto Rico Divino 04. Nada Tienes, Nada Vales 05. Lo Siento Por Ti 06. En Las Tinieblas 07. Entre Risas, Copas Y Discos 08. Irresistible 09. Siempre Te Adore 10. Sola Y Triste - A Una Ingrata Información cedida por Osvaldo M.
Todo acerca de este álbum, de nombre y título del álbum de la artista de la foto de la portada en lugar cursi de un hombre esmoquin sonriendo en una playa rodeada de congas, sugiere a un ojo cínico que Arriba! Con Montego Joe es exotica cursi a la par de Martin Denny o Les Baxter . Y mientras que el estilo de la música tiene sus encantos con gas, resulta que Arriba! Con Montego Joe es algo mucho más sustancioso. Recogida de la totalidad de los dos álbumes Montego Joe (nacido Joseph Sanders) realizados para el Prestige (de 1964 Arriba! Con Montego Joe y de 1965 Wild y caliente ), estas 17 pistas son un uniformemente excelente mezcla de balanceo, groove orientado percusión latina contra soulful duro cuernos bop y piano (interpretado por un chico con el improbable nombre de Chick Corea ). Esta combinación poco probable funciona una delicia, sobre todo en las vías que tienen un tiempo para desarrollarse, como las sinuosas "Bata Blues", que se casa con algunos excelentes solos de Corea y el saxofonista tenor Al Gibbons a la Pitter-Pat de los tambores afinados africanos de la título. Es poco lo que está pionera en estos álbumes, pero Miles Davis atraería mucho la atención de varios años más tarde por sus experimentos transculturales en un estilo muy similar, y esto es una indicación temprana intrigante de esa dirección._Stewart Mason (allmusic)
El debut de Christos Rafalides como líder cuenta con un sonido de estudio de grasa, mostrando los poderosos chuletas de su equipo de ritmo versátil, el bajista John Benítez y el batería Steve Hass. Un talentoso vibrafonista, Rafalides construye sobre esta base sólida, con solos imaginativas y detalle orchestrational inteligente (en el vibráfono, marimba, y las pastillas de vez en cuando de sintetizador). Invitados como el trompetista Randy Brecker, el guitarrista Vinny Valentino, el percusionista Luisito Quintero, y la vocalista María Wormworth amplían la paleta aún más. Rafalides y maraña tripulación con ritmos latinos en una lectura acústica bastante sencillo de (la versión de cf. Brad Mehldau en Arte del Trio 4: Volver a la Vanguardia) "Estate", una enérgica 07.08 toma de "All the Things You Are" , C. Curet Alonso de "La Esencia Del guanguancó" y Vincent Bourgeyx de "Tango Fantasía en C." Pero el grupo tiene un lado eléctrico, orientado al rock, así, y que emerge con más fuerza en el fusiony descaradamente "Pocket" y el optimista, complejo "CR @ SH", co-escrito por Rafalides y Hass. Arreglo de Joe Locke de "Fool on the Hill" se cuela en una corriente subterránea de la estética hip-hop en un punto, y "Caravan" de Ellington comienza con un poco de polyrhythmic drum-n-bass antes de volver a casa por la ventana funk, luego gire, durante el solos. Todo el asunto comienza con los afro-teñidas 12.08 original de "Flamingo Strut" y va terminando con "Sweet", una pieza de vibraciones acompañados. Un debut prometedor por un vibrafonista / arreglista / compositor capaz de moverse en cualquiera de una serie de direcciones en el futuro._David R. Adler (allmusic)
Nacido en Kozani, Grecia, Christos Rafalides no puede recordar un momento en que no estaba rodeado de música. La influencia de su hermano mayor lo llevó a el piano a la edad de siete años. Comenzó sus estudios en percusión clásica a la edad de catorce años, y para cuando tenía veinte años que estaba trabajando con algunas de las orquestas más conocidas de Grecia. Christos creía que iba a continuar su carrera como percusionista clásico, hasta que una noche, cuando oyó pianista George Cables con el grupo de Billy Cobham, "aquí estaba este chico, jugando con sus zapatos fuera, transmitir tanto sentimiento a través de su instrumento ... Yo sabía que quería ser capaz de expresarme de esa manera. "A partir de ese momento en adelante, Christos sabía que iba a ser un músico de jazz... Seguir leyendo
Christos Rafalides – Manhattan Vibes (2002) Temas: 01.Flamingo Strut 02.Pocket 03.La Esencia del Guanganco 04.Fool On the Hill 05.C.r.@.s.h. 06.Tango Fantasy In C 07.CaravanFool On thew Hill 08.Estate 09.All the Things You Are 10.Sweet Musicos: Christos Rafalides-Mallets, Marimba, Vibraphone John Benítez-Bass (Acoustic), Bass (Electric), percusión, voces Steve Hass-Batería, percusión, voces Vinny Valentino-Guitarra Luisito Quintero-Percusión María Wormworth-Vocals Randy Brecker-Trompeta
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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Gothenburg Symphony Orchestra conducted by Thord Svedlund
I - Allegro moderato - Larghetto...
Pibo Márquez, nació el 22 de junio de 1968 en Caracas (Venezuela), donde aún vive hoy, se ha convertido en uno de los invitados más frecuentes y populares de los festivales más importantes de Europa en los últimos años: de Montreux a Umbría, Palatia, Espoo y Leverkusen. ha viajado por Europa a Minori y Jazz Baltica y está celebrando el éxito popular. Ahora, finalmente, hay un portador de sonido que documenta estas exitosas actuaciones. Las grabaciones en vivo de Espoo (Finlandia), Minori (Italia) y Dirnstein (Alemania) transmiten una impresión del resplandor de la música y los ritmos enardecidos. Ya a la edad de 8 años, Pibo tocaba en una banda de folklore venezolano y ha aprendido y experimentado los ritmos de América del Sur y Centroamérica desde cero..jpg)
Cuando se incorporó al "Grupo Madera" en 1980, había viajado a la mayoría de los países de América del Sur y había recibido lecciones de muchos profesores de percusión de renombre. Viajó a Europa por primera vez con Grupo Madera, donde otros lo notaron y pronto lo contrataron: así llegó a giras y grabaciones al lado de, entre otros. Carlos Santana, Orchesta La Libertad, Tony Martinez y Orisha.
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