Benny Golson (nacido el 25 de enero de 1929) es un saxofonista tenor, compositor y arreglista estadounidense de bebop y hard bop jazz. Alcanzó la fama con las big bands de Lionel Hampton y Dizzy Gillespie, más como compositor que como intérprete, antes de lanzar su carrera en solitario. Golson es conocido por cofundar y codirigir The Jazztet con el trompetista Art Farmer en 1959. Desde finales de los sesenta hasta los setenta, Golson estuvo muy solicitado como arreglista para cine y televisión, por lo que su actividad como intérprete fue menor, pero en 1982 volvió a formar el Jazztet con Farmer. Muchas de las composiciones de Golson se han convertido en estándares del jazz, como "I Remember Clifford", "Blues March", "Stablemates", "Whisper Not" y "Killer Joe". Se le considera "uno de los contribuyentes más significativos" al desarrollo del hard bop jazz, y fue galardonado con un Grammy Trustees Award en 2021.
Golson comenzó a aprender a tocar el piano a los nueve años, y luego cambió al saxofón cuando tenía 14 años. Mientras estudiaba en el Benjamin Franklin High School de Filadelfia, tocó con otros jóvenes músicos prometedores, como John Coltrane, Red Garland, Jimmy Heath, Percy Heath, Philly Joe Jones y Red Rodney. Más tarde asistió a la Universidad Howard..._(wikipedia)
Benny Golson se sintió conmovido por la muerte del trompetista de bop Clifford Brown y escribió el clásico "I Remember Clifford". Ahora que se le presenta la oportunidad de hacer un álbum en honor de su viejo amigo, Golson reúne a un sexteto y presenta un álbum que toma la idea de "I Remember Clifford", la actualiza a fondo y la extiende a lo largo de una hora de gran música en este disco. Rehaciendo su tema más conocido como "Brown Immortal", Benny también hace una nueva versión de "Five Spot After Dark", que durante mucho tiempo ha sido un elemento básico de su repertorio. La trompa de Golson es pura miel, sonando tan maravillosamente a los 69 años como muchos músicos esperarían serlo a la mitad de su edad. Intercambiando solos con el saxo tenor Ron Blake, el trompetista John Swana, y el pianista Mike LeDonne, Peter Washington añade un buen apoyo de bajo de cuerda mientras Joe Farnsworth empuja el ritmo, pateando en todos los lugares correctos y nunca tocando en exceso. Tito Puente y Carlos "Patato" Valdés hacen apariciones como invitados en "Tito Puente" de Golson, pero donde Golson y compañía realmente brillan es en temas nuevos como "Horizon Ahead" y el cierre, "Ever More". Estos dos enérgicos temas demuestran que Golson sigue tocando con energía cuando es necesario y sigue siendo filosófico en temas como "Lullaby of Birdland" y la balada "You're the First to Know". Con una música estupenda, no hay nivel en el que este álbum no triunfe._Cub Koda (allmusic)
Emil Richards (nacido Emilio Joseph Radocchia; 2 de septiembre de 1932 - 13 de diciembre de 2019) fue un vibrafonista y percusionista estadounidense.
Un respetado músico de estudio afincado desde hace tiempo en Los Ángeles, Emil Richards ha participado en un incontable número de sesiones, contribuyendo con sus vibraciones de forma casi anónima a grabaciones de todos los géneros musicales. Empezó a tocar el xilófono a los seis años y, cuando aún estaba en décimo grado, Richards tocó con la Orquesta Sinfónica de Hartford. Tras graduarse en la Hartt School of Music y el Hilliard College (1949-52), tocó en una banda del ejército en Japón (trabajando con Toshiko Akiyoshi). Posteriormente, Richards trabajó con Charles Mingus, Willie Ruff, Ed Shaughnessy, Ed Thigpen, el quinteto de George Shearing (1956-58), Paul Horn (1960-64), Jimmy Witherspoon, Shorty Rogers y muchos otros.
A principios y mediados de la década de 1960, Richards codirigió el Hindustani Jazz Sextet con Don Ellis, mezclando la música india con el jazz. También fue miembro de la Neophonic Orchestra de Stan Kenton, del Roger Kellaway Cello Quartet y realizó giras con Frank Sinatra y Frank Zappa en la década de 1970. Emil Richards, que grabó como líder para Impulse (1965-66) e Interworld (dos CD en 1994-95), posee más de 350 instrumentos de percusión y lleva mucho tiempo interesado en la música folclórica étnica, aunque considera que su principal influencia es Lionel Hampton._Scott Yanow (allmusic)
La "Yazz Band" del vibrafonista Emil Richards interpreta esencialmente una forma rítmica de jazz latino. Compuesto por el líder, el pianista Paul Moer, el bajista Al McKibbon y tres percusionistas, el grupo interpreta tres originales, tres estándares de jazz y un par de temas de Thelonious Monk; entre los más destacados están "Friday the 13th", "Little Niles" y "Half and Half". Lamentablemente, las notas de presentación originales están duplicadas en esta reedición en CD de forma microscópica y no se indica la fecha exacta de grabación._Scott Yanow (allmusic)
Temas: 01. Oh Very Well (Emil Richards) 02. Half And Half (Paul Moer) 03. Blue Monk (Thelonious Monk) 04. Yazz Per Favore (Emil Richards) 05. Green Dolphin Street 06. Friday The 13th (Thelonious Monk) 07. Little Niles (Randy Weston) 08. Well You Needn't (Thelonious Monk)
Musicos:
Emil Richards (Marimba, vibráfono, tímpano)
Francisco Aquabella (Congas, bongó)
Cuco Martínez (Timbales)
Marcellino Valdez (Timpanía, calabaza, conga, quijada de asno)
Respetado músico de estudio afincado desde hace tiempo en Los Ángeles, Emil Richards ha participado en un sinfín de sesiones, aportando sus vibraciones de forma casi anónima a grabaciones de todos los géneros musicales. Empezó a tocar el xilófono a los seis años y, cuando aún estaba en décimo curso, Richards tocó con la Orquesta Sinfónica de Hartford. Tras graduarse en la Hartt School of Music y el Hilliard College (1949-52), tocó en una banda del ejército en Japón (trabajando con Toshiko Akiyoshi). Richards trabajó posteriormente con Charles Mingus, Willie Ruff, Ed Shaughnessy, Ed Thigpen, el quinteto de George Shearing (1956-58), Paul Horn (1960-64), Jimmy Witherspoon, Shorty Rogers y muchos otros. A principios y mediados de la década de 1960, Richards codirigió el Hindustani Jazz Sextet con Don Ellis, mezclando la música india con el jazz.
También fue miembro de la Neophonic Orchestra de Stan Kenton, del Roger Kellaway Cello Quartet y realizó giras con Frank Sinatra y Frank Zappa en la década de 1970. Emil Richards, que grabó como líder para Impulse (1965-66) e Interworld (dos CD en 1994-95), posee más de 350 instrumentos de percusión y se interesa desde hace tiempo por la música folclórica étnica, aunque considera que su principal influencia es Lionel Hampton. _Scott Yanow (allmusic)
El maestro percusionista y vibrafonista Emil Richards ha participado en innumerables sesiones de estudio, pero ha grabado relativamente poco a lo largo de los años como líder. En este atractivo álbum, Richards (principalmente con la marimba y el vibráfono) interpreta una contagiosa variedad de jazz latino. Lo más inusual del conjunto es que no incluye vientos.
Richards suele llevar la voz cantante, con Michael Lang o Dave Mackay al piano, Al McKibbon o Chuck Domanico al bajo, el batería Joe Porcaro y los percusionistas Luis Conte, Francisco Aguabella y Efraín Toro. Destacan "Well I Didn't" (basada en "Well You Needn't"), "Butter Jug Waltz" (con Richards en los percusivos "rattle mallets"), "Little Sunflower" de Freddie Hubbard y "Night in Tunisia". Se trata de un conjunto muy agradable de latin-jazz de alta calidad. _Scott Yanow (allmusic)
En virtud de su cálido y extravagante comportamiento en el escenario, su longevidad, sus constantes giras y sus apariciones en los medios de comunicación, Tito Puente es probablemente el símbolo más querido del jazz latino. Pero, además, Puente ha conseguido mantener su música extraordinariamente fresca a lo largo de las décadas; como virtuoso de los timbales, combinaba el dominio de todos los matices rítmicos con la espectacularidad a la antigua usanza: ver sus ojos desorbitados cuando hacía un solo dinámico era uno de los grandes placeres para los aficionados al jazz latino. Músico de formación, también era un fino y lírico vibrafonista, un talentoso arreglista y tocaba el piano, las congas, los bongos y el saxofón. Su atractivo sigue siendo para todas las edades y grupos étnicos, ayudado sin duda por las versiones más vendidas de Santana de "Oye Como Va" y "Para Los Rumberos" en 1970-1971, y las apariciones en The Cosby Show en la década de 1980 y la película The Mambo Kings en 1992. Su estilo de salsa clásica no suele tener un trasfondo oscuro, sino que irradia un ambiente de fiesta alegre y bailable. Arraigado en el Harlem español, de ascendencia puertorriqueña, Puente pretendía en un principio ser bailarín, pero esas ambiciones se vieron frustradas por un desgarro del tendón del tobillo sufrido en un accidente. A los 13 años empezó a trabajar en la big band de Ramón Olivero como baterista, y más tarde estudió composición, orquestación y piano en Juilliard y en la New York School of Music. Y lo que es más importante, tocó con Machito y absorbió su influencia, que estaba fusionando con éxito los ritmos latinos con el jazz progresivo. En 1947 formó el grupo Piccadilly Boys, formado por nueve músicos, y dos años más tarde lo amplió a una orquesta completa. Puente grabó para Seeco, Tico y, finalmente, RCA Victor, y contribuyó a alimentar la moda del mambo, que le dio el título no oficial -y, en última instancia, vitalicio- de "Rey del Mambo", o simplemente "El Rey". Puente también ayudó a popularizar el chachachá durante la década de 1950, y fue el único no cubano que fue invitado a la celebración de los "50 años de música cubana" patrocinada por el gobierno en Cuba en 1952.
Puente Goes Jazz. Entre los congueros de las grandes ligas que tocaron con la banda de Puente en los años 50 se encontraban Mongo Santamaría, Willie Bobo, Johnny Pacheco y Ray Barretto, lo que dio lugar a algunos explosivos tiroteos de percusión. Puente no se encerró en un rincón de la música latina, sino que abarcó el jazz de grandes bandas (Puente Goes Jazz) y, en los años 60, temas de bossa nova, éxitos de Broadway, boogaloos y música pop, aunque en los últimos años tendió a ceñirse a los estilos de jazz latino más antiguos que se conocieron popularmente como salsa. En 1982, empezó a grabar una serie de álbumes de jazz latino con octetos o grandes bandas para Concord Picante que le dieron una mayor exposición y respeto en el mundo del jazz. Entre los congueros de las grandes ligas que tocaron con la banda de Puente en los años 50 se encontraban Mongo Santamaría, Willie Bobo, Johnny Pacheco y Ray Barretto, lo que dio lugar a algunos explosivos tiroteos de percusión. Puente no se encerró en un rincón de la música latina, sino que abarcó el jazz de grandes bandas (Puente Goes Jazz) y, en los años 60, temas de bossa nova, éxitos de Broadway, boogaloos y música pop, aunque en los últimos años tendió a ceñirse a los estilos de jazz latino más antiguos que se conocieron popularmente como salsa. En 1982, empezó a grabar una serie de álbumes de jazz latino con octetos o grandes bandas para Concord Picante que le dieron una mayor exposición y respeto en el mundo del jazz.
Su álbum número 100. Puente, un infatigable visitante de los estudios de grabación, grabó su álbum número 100, The Mambo King, en 1991 en medio de mucha ceremonia y afecto (un concierto de música latina con todas las estrellas en el Universal Amphitheatre de Los Ángeles en marzo de 1992 conmemoró el hito), y siguió añadiendo más títulos a la cuenta durante los años 90. También apareció como invitado en innumerables álbumes a lo largo de los años, y estrellas del jazz como Phil Woods, George Shearing, James Moody, Dave Valentin y Terry Gibbs tocaron en los últimos álbumes del propio Puente. Apenas unos meses después de aceptar su quinto premio Grammy, murió el 1 de junio de 2000. Varios meses después, Puente fue reconocido en la primera edición de los premios Grammy Latinos, ganando el premio a la mejor interpretación tropical tradicional por Mambo Birdland._Richard S. Ginell (allmusic)
Walter Maynard Ferguson (Montreal, Quebec; 4 de mayo de 1928-Ventura, California; 23 de agosto de 2006) fue un trompetista y fliscornista canadiense de jazz.
Comenzó su carrera a los 13 años como solista en Canadá, llegando de muy joven a formar su propio grupo. Tocó con músicos de la talla de Dizzy Gillespie y Stan Kenton. Su fama se extendió al realizar la música de la película Rocky, «Ahora voy a volar (Gonna fly now», protagonizada por Sylvester Stallone. Por dicha canción fue nominado a los premios Grammy en 1978..._(wikipedia)
Tito Puente, el padrino del jazz latino, ha celebrado sus 50 años en la música con este CD candente. "Be-Bop" se lanza con un duelo entre los trompetistas Bobby Shew y Maynard Ferguson. El infravalorado saxofonista alto Bobby Porcelli y el tenor Mario Rivera hacen que esta versión de "Stablemates" sea un éxito. La rara vez escuchada "Venus De Milo" se revive con un cálido homenaje al compositor Gerry Mulligan por parte del saxofonista barítono Mitch Forman. Special Delivery es jazz latino de banda grande en su máxima expresión._Ken Dryden (allmusic)
Tito Puente & Maynard Ferguson - Special Delivery (1996)
Temas:
01. Be-Bop (Dizzy Gillespie)
02. Misterioso (Thelonious Monk)
03. Point East Memories (Mitch Frohman)
04. Stablemates (Benny Golson)
05. On Green Dolphin Street (Bronislaw Kaper, Ned Washington)
06. Autumn in Rome (Vernon Duke)
07. Venus de Milo (Gerry Mulligan)
08. Tito's Colada (Tito Puente)
09. Barbara (Horace Silver)
10. Where You At? (Horace Silver)
11. Flying Home (Benny Goodman, Lionel Hampton, Sydney Robin)
Musicos:
Tito Puente (Percusión, timbales, vibráfono en "Point East Memories & "Autumn In Rome", marimba en "Tito's Colada")
Ray Vega (Trompeta)
Jhon Walsh (Trompeta)
Michael Philip Mossman (Trompeta, Trombón)
Wayne Bergeron (Trompeta en "Be-Bop" y "On Green Dolphin Street")
Bobby Shew (Trompeta en "Be-Bop" y "On Green Dolphin Street")
Jorge Reynaldo (Trombón)
Lewis Kahn (Trombón)
Tom Garling (Trombón on "Be-Bop" & "On Green Dolphin Street")
Mario Rivera (Saxo tenor y soprano, flauta, flautín)
Bobby Pporcelli (Saxo alto)
Mitch Frohman (Saxo barítono)
Don Menza (Saxo tenor en "Be Sop" y "On Green Dolphin Street")
José Madera (Percusión)
John Rodriguez (Percusión)
Jimmy Delgado (Percusión)
Louis Bauzó (Percusión)
Sonny Bravo (Piano, excepto en "Misterioso" & "Point East Memories")
Rubén Rodríguez (Bajo)
Musicos invitados:
Maynard Ferguson (Trompeta en "Be-Bop", "On Green Dolphin Street, "Fiying Home", más fliscorno en "On Green Dolphin Street)
Hilton Ruiz (Piano en "Misterioso & "Point East Memories")
Callen Radcliffe Tjader, hijo (San Luis, Misuri, Estados Unidos, 16 de julio de 1925 - Manila, Filipinas, 5 de mayo de 1982), conocido como Cal Tjader, fue un vibrafonista y compositor estadounidense que llegó a ser el más famoso líder de una banda de jazz afrocubano que no era de origen latino. Intérprete inicialmente de bop y de cool, su evolución musical lo llevó a especializarse en la fusión del jazz con la música cubana. Tocaba también la batería y los bongóes. De origen sueco, e hijo de un director musical y productor de vodevil y de una pianista, Tjader creció en medio de un ambiente musical y teatral, llegando a recibir clases de baile durante un breve periodo de tiempo. Estudió en el San Francisco State College, donde se inició en el estudio de la batería bajo la supervisión de Walter Lawrence. A finales de los años 40 empezó a tocar la batería en pequeños grupos musicales de California. Inmediatamente, pasó a formar parte del trío de Dave Brubeck, con quien grabó varios discos, como batería (1949-1951). En 1953 se unió al grupo de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Aunque su estancia con el pianista ciego no duró mucho, fue precisamente durante su estancia en el grupo cuando Tjader se enamoró de la música latina. Cuando dejó este conjunto, al año siguiente, formó su propia banda, que precisamente enfatizó el elemento latino, aunque también tocaba jazz tradicional. Tjader
grabó una serie de álbumes, principalmente de jazz afrocubano, para Fantasy desde mitad de los 50 hasta principios de los 60, cuando cambió a Verve. Ahí, bajo la dirección de Creed Taylor, expandió su paleta estilística y tuvo la oportunidad de colaborar con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. Durante ese tiempo tuvo un éxito en las listas con "Soul Sauce", una versión del tema de Dizzy Gillespie y Chano Pozo "Guachi guaro" y grabó uno de sus mejores álbumes, Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brasil (1962). En 1968 creó, junto a Gábor Szabó y Gary McFarland, el sello Skye Records, un proyecto que solo duró dos años. Tjader regresó a Fantasy en los 70, compañía con la que grabó otro de sus mejores discos, Tambu (1973), en colaboración con el guitarrista acústico Charlie Byrd, llamado el embajador de la música brasileña en Estados Unidos y que en esta ocasión tocó excepcionalmente la guitarra eléctrica. En 1979 volvió a cambiar de compañía, en este caso a Concord, en la que permaneció hasta su muerte. Otros músicos con los que trabajó fueron Eddie Palmieri, Vince Guaraldi, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae y Airto Moreira, entre otros.
Ted Piltzecker ha actuado en festivales de Estados Unidos y de todo el mundo. Sus cinco álbumes como líder han sido aclamados por la crítica e influyentes en el mundo de la percusión y el jazz. El actual lanzamiento "Brindica" refleja su reciente aventura de cuatro meses alrededor del mundo. Fue grabado en Nueva York y en Buenos Aires, y evoca encuentros musicales en Islandia, India, Nepal y Bali. "Piltzecker escribe y arregla melodías que se nutren de influencias de tango, segunda línea, afrocubanas, sudafricanas e incluso carnáticas, siempre de forma orgánica, divertida y respetuosa. El resultado es un caleidoscopio estilístico de un álbum que revela nuevas combinaciones de ritmo y armonía a cada paso y siempre chispea con ingenio y buen humor." Lista caliente de CD Ted Piltzecker ha recibido premios del National Endowment, del Consejo del Estado de Nueva York, del Consejo del Estado de Nueva Jersey, del Lincoln Center Institute y de la Fundación ASCAP. Es profesor de composición musical en el Purchase Conservatory of Music, SUNY y también enseña vibráfono en la Hartt School de CT. Graduado por las escuelas Eastman y Manhattan, actúa con vibráfonos Musser y sus característicos mazos Mike Balter._(tedvibes)
Un poco fuera de lo común, se nos presentó de nuevo el vibráfono -el pedal steel del jazz- por un maestro. Ted Piltzecker, antiguo trompetista del Jazz Ensemble de Chuck Mangione y del Quinteto de George Shearing, era en realidad un vibrafonista en el armario, practicando primero en su dormitorio de la Eastman School of Music, y luego perfeccionando sus habilidades durante su estancia con Mangione. Después de salir de una de las giras de Shearing, Piltzecker dijo: "Puse la trompeta en el estuche y al día siguiente estaba fuera de casa. Nunca la volví a tocar".
Cambiar los metales por la percusión afinada llevó a Piltzecker a otros medios de expresión, y en Brindica ("Brasil, India, África") es responsable no sólo del vibráfono y la marimba, sino del tambor parlante, la campana, las palmas, algo de percusión vocal -que juraría que son clucks-, así como del teclado. Teniendo en cuenta toda esa participación y el hecho de que el álbum, mayoritariamente instrumental, sólo tiene una pista vocal (con letra del poeta Langston Hughes), el vibráfono no acapara el protagonismo en Brindica. "From the Center" teje un ambiente de Nueva Orleans con vientos, teclados y una generosa pizca de marimba: si los portugueses hubieran colonizado Luisiana en lugar de los franceses, esta es la música que estaríamos escuchando en el barrio. El piano, el saxo tenor y alto, la trompeta, el trombón, el clarinete, la
flauta, la flauta alta y el piano tienen todos ellos solos, y la amplia gama de percusión -desde la campana hasta el steel pan y al menos seis tambores diferentes- desempeña un papel importante.
Ligero y sobre todo melódico, es fácil escuchar Brindica muchas veces para seguir descubriendo nuevos elementos, pero si te apetece soñar despierto con algo de música de fondo, lo último de Piltzecker también puede levantarte el ánimo sin hacerte sentir como si estuvieras haciendo un examen._Suzanne Cadgène (elmoremagazine)
Callen Radcliffe Tjader, hijo (San Luis, Misuri, Estados Unidos, 16 de julio de 1925 - Manila, Filipinas, 5 de mayo de 1982), conocido como Cal Tjader, fue un vibrafonista y compositor estadounidense que llegó a ser el más famoso líder de una banda de jazz afrocubano que no era de origen latino. Intérprete inicialmente de bop y de cool, su evolución musical lo llevó a especializarse en la fusión del jazz con la música cubana. Tocaba también la batería y los bongóes. De origen sueco, e hijo de un director musical y productor de vodevil y de una pianista, Tjader creció en medio de un ambiente musical y teatral, llegando a recibir clases de baile durante un breve periodo de tiempo. Estudió en el San Francisco State College, donde se inició en el estudio de la batería bajo la supervisión de Walter Lawrence. A finales de los años 40 empezó a tocar la batería en pequeños grupos musicales de California. Inmediatamente, pasó a formar parte del trío de Dave Brubeck, con quien grabó varios discos, como batería (1949-1951). En 1953 se unió al grupo de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Aunque su estancia con el pianista ciego no duró mucho, fue precisamente durante su estancia en el grupo cuando Tjader se enamoró de la música latina. Cuando dejó este conjunto, al año siguiente, formó su propia banda, que precisamente enfatizó el elemento latino, aunque también tocaba jazz tradicional.
Tjader grabó una serie de álbumes, principalmente de jazz afrocubano, para Fantasy desde mitad de los 50 hasta principios de los 60, cuando cambió a Verve. Ahí, bajo la dirección de Creed Taylor, expandió su paleta estilística y tuvo la oportunidad de colaborar con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. Durante ese tiempo tuvo un éxito en las listas con "Soul Sauce", una versión del tema de Dizzy Gillespie y Chano Pozo "Guachi guaro" y grabó uno de sus mejores álbumes, Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brasil (1962). En 1968 creó, junto a Gábor Szabó y Gary McFarland, el sello Skye Records, un proyecto que solo duró dos años. Tjader regresó a Fantasy en los 70, compañía con la que grabó otro de sus mejores discos, Tambu (1973), en colaboración con el guitarrista acústico Charlie Byrd, llamado el embajador de la música brasileña en Estados Unidos y que en esta ocasión tocó excepcionalmente la guitarra eléctrica. En 1979 volvió a cambiar de compañía, en este caso a Concord, en la que permaneció hasta su muerte. Otros músicos con los que trabajó fueron Eddie Palmieri, Vince Guaraldi, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae y Airto Moreira, entre otros.
Shearing, que nació ciego, empezó a tocar el piano a los tres años de edad, recibiendo algunas lecciones en la Linden Lodge School para ciegos de Londres durante su adolescencia, siendo influido ya por jazzistas como Teddy Wilson y Fats Waller. A finales de los años treinta, comenzó a tocar profesionalmente con la Ambrose dance band e hizo su primera grabación en 1937 bajo la supervisión de un joven Leonard Feather. Se convirtió en una estrella en Gran Bretaña, tocando para la BBC y para los grupos del autoexiliado Stéphane Grappelli a comienzos de los años cuarenta. Ganó siete encuestas consecutivas de la revista Melody Maker. En 1947, incitado por Feather, emigró a Nueva York. Una vez allí, el pianista absorbió el bebop y reemplazó a Erroll Garner en el trío de Oscar Pettiford y lideró un cuarteto junto con Buddy DeFranco.3? En 1949, formó el primero y el más famoso de sus quintetos, en el que tocaban Marjorie Hyams en el vibráfono, Chuck Wayne en la guitarra, John Levy en el bajo y Denzil Best en la batería. Grabaron primero para Discovery, luego para Savoy, y finalmente obtuvieron importantes contratos con MGM (1950-55) y Capitol (1955-69), haciendo para esta los famosos discos con Nancy Wilson, Peggy Lee y Nat Cole. 3?Grabó también en 1961 con Jazzland con los Montgomery Brothers (entre los que estaba Wes Montgomery) y empezó a dar conciertos con orquestas sinfónicas. Tras abandonar Capitol, Shearing siguió tocando con varios quintetos más, pero su música se hizo algo previsible y en 1978 abandonó el último de ellos. A principios de los setenta, había creado su propia compañía, Sheba, que duró poco tiempo, y a continuación hizo algunas grabaciones en trío para MPS. A lo largo de los setenta, su popularidad había disminuido considerablemente; sin embargo, cuando en 1979 firma con Concord recupera parte de su crédito. Graba unos discos muy elogiados con el cantante Mel Tormé, que a su vez incrementaron la popularidad de este, y con otros artistas como la vocalista Ernestine Anderson, el guitarrista Jim Hall, Marian McPartland, Hank Jones y con el intérprete de cuerno francés Barry Tuckwell. Grabó también varios discos en solitario, expresando todas sus influencias. Tras firmar con Telarc en 1992, siguió grabando, continuando una de las carreras más largas y prolíficas de la historia del jazz. Falleció el 14 de febrero de 2011 debido a una insuficiencia cardiaca en la ciudad de Nueva York._(wikipedia) Este es uno de los cinco LP en vivo de George Shearing Quintet cuyos contenidos fueron reeditados como parte de un conjunto de CD de Mosaic. Superior a los álbumes de música de humor de estudio del pianista de la época, este conjunto está bastante orientado al bop con canciones como "Jordu", "Confirmación", "Bernie's Tune" y "Joy Spring" recibiendo el tratamiento Shearing. El vibrafonista Emil Richards, el guitarrista Toots Thielemans, el bajista Al McKibbon y el baterista Percy Brice completan el quinteto, mientras que como siempre, las congas de Armando Peraza ayudan en un par de piezas latinas._Scott Yanow (allmusic)
Temas: 01. Jordu (Duke Jordan) 02. As I Love You (Ray Evans, Jay Livingston) 03. Confirmation (Charlie Parker) 04. The Nearness Of You (Hoagy Carmichael, Ned Washington) 05. Mambo Inn (Mario Bauzá, Edgar Sampson, Bobby Woodlen) 06. Bernie's Tune (Leiber and Stoller, Bernard Miller) 07. Some Other Spring (Arthur Herzog, Jr., Irene Kitchings) 08. Joy Spring (Clifford Brown) 09. Drume Negrita (Eliseo Grenet, Ernesto Wood Grenet)
Billy Taylor fue vocero elocuente para el jazz, y sus perfiles en programa de televisión CBS Sunday Morning (donde fue un comienzo regular en 1981) eran tan exitosos Introducción a una audiencia más amplia, que a veces uno podría olvidar lo que fue durante más de medio siglo un talentoso pianista de jazz. Mientras no era innovador, Taylor Billy Taylor fue un portavoz tan elocuente del jazz, y sus perfiles en el programa de televisión Sunday Morning de CBS (donde era un comienzo regular en 1981) tuvieron tanto éxito en presentar el jazz a una audiencia más amplia, que a veces uno podía olvídate del talentoso pianista que fue durante más de medio siglo. Aunque no fue un innovador, Taylor fue lo suficientemente flexible como para tocar swing, bop y estilos más avanzados, pero siempre conservando su propia personalidad musical. Después de graduarse de Virginia State College en 1942, se mudó a Nueva York y tocó con músicos tan importantes como Ben Webster, Eddie South, Stuff Smith (con quien grabó en 1944) y Slam Stewart, entre otros. En 1951, fue pianista de casa en Birdland y poco después Taylor formó el primero de muchos tríos. Ayudó a fundar el Jazzmobile en 1965; en 1969 se convirtió en el primer director de banda negra de una serie de televisión (The David Frost Show); en 1975 obtuvo su doctorado en la Universidad de Massachusetts; y fundó y se desempeñó como director del popular programa de radio Jazz Alive. Pero a pesar de sus actividades en la educación del jazz, Taylor rara vez se ausentaba de las actuaciones y grabaciones, siempre manteniendo su estilo basado en el bop constantemente dinámico y fresco. Murió de insuficiencia cardíaca en Nueva York el 28 de diciembre de 2010, a la edad de 89 años._Scott Yanow (allmusic) Después de haber dedicado la mitad de la sección transversal de 1953 a los números con la banda de Machito, no fue una sorpresa que la continuación de Bill Taylor de 1954, Trio with Candido, presentara más toques latinos, esta vez con el conga cubano estrella Candido. De acuerdo con sus compañeros pianistas de jazz George Shearing y Red Garland, Taylor no incorpora tanto el ritmo del clavé cubano como la percusión para acentuar. A pesar de esto, Candido ofrece algunos solos provocativos, especialmente en el acelerado original de Taylor "A Live One", que presenta al pianista y al percusionista intercambiando un enérgico juego de cuatro. Sin embargo, los originales de Taylor de tempo medio a lento dominan el programa, incluido "Bit of Bedlam", donde el caos es decididamente genial. A lo largo del álbum, Taylor usa su flota, chuletas en solitario informadas por Teddy Wilson para lograr un efecto agradable, incluso extendiéndose un poco en "Mambo Inn" para complementar el largo entrenamiento de Candido. Un programa muy agradable de números de bop con tintes latinos que, lamentablemente, no ha llegado al CD, pero que de vez en cuando se puede encontrar en LP. Para al menos algunas de las incursiones latinas de Taylor, existe la reedición en CD de Cross Section._Stephen Cook (allmusic) Billy Taylor - The Billy Taylor Trio with Candido (1954) Temas:
John Pizzarelli (Paterson, 6 de abril de 1960), cantante y guitarrista estadounidense de jazz. Poseedor de una voz cálida y suave, y de una presencia elegante, Pizzarelli es uno de los principales representantes del neotradicionalismo jazzístico aplicado al canto. Hijo del guitarrista Bucky Pizzarelli, John empezó a cantar con su padre a los 20 años e hizo su grabación de debut en 1983 con I'm Hip -- Please Don't Tell My Father. Como guitarrista, manifiesta influencias de Les Paul y Django Reinhardt. En 1993 el John Pizzarelli Trio hizo de telonero en una de las últimas giras de Frank Sinatra, llegando a participar en la celebración del 80 cumpleaños de este en el Carnegie Hall. En 1997 participó en la producción de Broadway Dream, un homenaje al compositor Johnny Mercer. Su disco de 1998 Meets the Beatles, le presenta reinterpretando canciones clásicas del grupo de Liverpool, y al año siguiente rindió homenaje a una de sus más grandes influencias, Nat King Cole, con P.S. Mr. Cole. Pizzarelli firmó en 1999 con el sello Telarc y grabó dos discos de estándares, Kisses in the Rain y Let There Be Love, en 2000. Desde entonces, ha grabado un disco con el pianista George Shearing y ha celebrado sus diez años de música con su trío grabando un disco en directo Live at Birdland en 2003. Apartándose por un momento del swing, Pizzarelli grabó Bossa Nova en 2004, cantando composiciones de Antonio Carlos Jobim como "The Girl from Ipanema" y "Aguas de Marco". En 2005 presentó nuevos estándares en Knowing You y, respaldado por la Clayton-Hamilton Jazz Orchestra, le ha rendido homenaje a Sinatra en 2006 con Dear Mr. Sinatra._wikipedia John Pizzarelli historia de amor con la bossa nova se remontaba más de dos décadas previas a la realización de este CD, que es su saludo a la legendaria João Gilberto . Acompañado de su grupo habitual (pianista Ray Kennedy y el bajista Martin Pizzarelli ) y aumentada por el batería Paulinho Braga y el percusionista Jim Saporito , junto con varios otros en pistas seleccionadas, Pizzarelli suaves, voces swinging y fuerte, pero la guitarra subestimado trabajar su magia en todo el sesión. Si bien la mayoría de las piezas son obras brasileñas, hay excepciones. Gershwin "Fascinatin' Rhythm" se adapta fácilmente en un bossa nova, añadiendo coros y el saxo tenor potente de Harry Allen . Rocker James Taylor beneficios "Your Smiling Face" de la configuración más enérgica y un coro flauta respaldo Pizzarelli . Broadway compositor Stephen Sondheim "I Remember", añade Don Sebesky arreglo de cuerdas, llenando cuidadosamente los antecedentes en esta balada maravillosamente cantado. Por supuesto, varias canciones se dedican a las composiciones atemporales de Antonio Carlos Jobim . Los cinco presentes en esta fecha se han registrado con tanta frecuencia que sería difícil para llegar a interpretaciones históricas, pero Pizzarelli y la compañía de hacer justicia a todos ellos. También vale la pena investigar son dos originales del líder, el balanceo "Francesca" y la brisa "Soares Samba." El sonido íntimo lo largo de esta grabación es un bono adicional._Ken Dryden (allmusic) John Pizzarelli - Bossa Nova (2004) Temas: 01. One Note Samba 02. Fascinatin' Rhythm 03. The Girl From Ipanema 04. Your Smiling Face 05. Estate 06. Desafinado (Off Key) 07. Aquelas Coisas Todas (All Those Things) 08. I Remember 09. Francesca 10. Love Dance 11. So Danso Samba 12. Aguas De Marco (Waters Of March) 13. Soares Samba Musicos: John Pizzarelli: Guitar and Vocals Ray Kennedy: Piano Martin Pizzarelli: Bass Paulinha Braga: Drums Jim Saporito: Percussion Cesar Camargo Mariano: Piano Harry Allen: Tenor Sax Daniel Jobim: Background Vocals Chiara Civello: Background Vocals with String Quartet, Flute Quartet
Sir George Shearing, OBE (Londres, 13 de agosto de 1919 - 14 de febrero de 2011), fue un pianista y compositor inglés de jazz. Su ámbito estilístico fue el de los géneros anteriores al hard bop: swing, bop y cool; ha hecho también importantes aproximaciones al jazz latino. Dentro de su atención constante al jazz desde una perspectiva más bien tradicional, Shearing lideró en los años cincuenta, y hasta bien entrados los sesenta, uno de los grupos de jazz más populares: un original quinteto formado por piano, vibráfono, guitarra eléctrica, bajo y batería. Shearing fue influido en su estilo (autodenominado "locked hands", basado en los acordes paralelos) por el trabajo del pianista Milt Buckner con la banda del vibrafonista Lionel Hampton, por la sección de saxo de la orquesta de Glenn Miller y por el King Cole Trio. Son perceptibles también las influencias de los grandes pianistas de boogie-woogie y de clásicos como Fats Waller, Earl Hines, Teddy Wilson, Erroll Garner, Art Tatum y Bud Powell. Por supuesto, ha sido a su vez también muy admirado y seguido. En los años 50´s creó el famoso estilo de los Bloques de Shearing, consistente en tocar la melodía en bloques armónicos. La nota de la melodía va acompañada por las 3 restantes notas del acorde en la mano derecha, y la mano izquierda dobla la melodía. Shearing contribuyó también como pionero de los pequeños combos de jazz afro-cubano en los años cincuenta. En este sentido, Cal Tjader se inició en el jazz latino mientras tocaba con Shearing, quien también contó entre sus músicos con congueros como Mongo Santamaría, Willie Bobo y Armando Peraza. Como compositor, Shearing es conocido sobre todo por los estándares "Lullaby of Birdland,", "Conception" y "Consternation". George Shearing ha sido también uno de los más aclamados acompañantes del cantante Mel Tormé... Seguir leyendo Más información relacionada
George Shearing Quintet - Mood Latino (1961) Temas: 01. Blue Moon 02. Day By Day 03. Yesterday's Child 04. Salud 05. You And The Night And The Music 06. Tintilin 07. The Night Is Young And You Are So Beautiful 08. Jackie's Mambo 09. All Through The Day 10. Say Si Si 11. Blue Rainbow 12. Te Arango La Cabeza Musicos: George Shearing (piano) Gary Burton (vibraphone) Armando Peraza (congas) John Gray (guitar) Bill Yancey (bass) Vernel Fournier (drums)
Oscar Peterson (Montreal, 15 de agosto de 1925 - Mississauga, 23 de diciembre de 2007) fue un pianista canadiense de jazz. Su estilo, formado durante los años cuarenta como en el caso de otros pianistas como Erroll Garner y George Shearing, oscila entre el swing y el bop, y se engloba dentro de la tendencia clasicista o tradicional del jazz. Seguidor de Art Tatum, se trata de un pianista acústico de gran técnica, con una destacable capacidad para tocar con velocidad y con una gran habilidad para el swing, independientemente del tempo de ejecución. Son elogiadas tanto sus interpretaciones en grupos pequeños como acompañando a cantantes, aunque sus mejores momentos sean como solista. Aunque subestimado, Peterson es también compositor: por ejemplo, escribió y grabó la afamada "Canadian Suite" en 1964. Varias de sus propias obras las ha grabado con piano eléctrico. Excepcionalmente vocalista, su voz recuerda mucho a la de Nat King Cole. Aunque su padre era ferroviario, no le quitaba tiempo para su afición a la música, motivando al pequeño Oscar para volcarse a ella. De esta manera empezó a recibir lecciones de piano clásico a los seis años y aprendió con gran rapidez. Tras ganar un concurso para jóvenes talentos a los 14 años, empezó a trabajar en un espectáculo semanal de la radio de Montreal. Peterson tuvo sus primeras experiencias musicales serias tocando con la orquesta de Johnny Holmes. De 1945 a 1949, grabó 32 temas para Victor en Montreal. Se trata de interpretaciones en trío que muestran a un Peterson cómodo con el boogie-woogie, del que se apartaría pronto, y con el estilo próximo al swing de Teddy Wilson y Nat King Cole. Aun joven, su técnica era ya muy admirada por los aficionados y críticos. El productor Norman Granz descubrió a Peterson en 1949 y pronto lo promocionó como una de las más relevante jóvenes promesas de su conjunto de músicos para espectáculos de jam session "Jazz at the Philarmonic" con el cual debuta a fines de ese año. Peterson grabó en 1950 una serie de dúos teniendo como compañeros en el contrabajo a Ray Brown y a Major Holley. Su version de "Tenderly" se convirtió en un éxito. Su fama se acrecentó en 1952 cuando formó un trío con el guitarrista Barney Kessel y con Brown. Kessel fue reemplazado más adelante por Herb Ellis. Este trío fue uno de los grupos de jazz más importantes entre 1953 y 1958. En 1958, cuando Ellis abandonó el grupo, se decidió prescindir de la guitarra y se unió un batería, Ed Thigpen. El trío Peterson-Brown-Thigpen (que estuvo trabajando hasta 1964), a diferencia del anterior, propició un mayor protagonismo del piano de Peterson. Otras versiones del trío contaron con baterías como Louis Hayes (1965-66), Bobby Durham (1967-70), Ray Price (1970) y con bajos como Sam Jones (1966-70) y George Mraz (1970). En 1960, Oscar Peterson creó la Advanced School of Contemporary Music en Toronto. Peterson grabó su primer disco en solitario en 1968. Durante su estancia en el sello de Granz, trabajó con el guitarrista Joe Pass y el bajo Niels Pedersen. Apareció en docenas de grabaciones con otras estrellas, hizo cinco discos en dúo con importantes trompetistas (Dizzy Gillespie, Roy Eldridge, Harry "Sweets" Edison, Clark Terry y Jon Faddis), y tocó con Count Basie en duelos pianísticos. Un grave accidente cardiovascular en 1993 lo dejó fuera de combate durante dos años. Desde entonces, regresó gradualmente a escena, aunque su mano izquierda había quedado afectada. Murió el 23 de diciembre de 2007, con 82 años en su casa de Mississauga en Ontario (Canadá)._wikipedia Oscar Petersonaumentó su trío de trabajo habitual de la época (el bajista Sam Jones y el baterista Louis Hayes) con Henley Gibson en las congas, Marshall Thompson en los timbales y Harold Jones como percusionista adicional para este lanzamiento, que se centra principalmente en la música de compositores brasileños. (por lo que el título Soul Espanõl es un poco engañoso). Con el aumento del interés por la bossa nova y la samba, las interpretaciones de Peterson de canciones como "Manha de Carnaval", "How Insensitive", "Meditation" y "Samba de Orfeo" han resistido muy bien contra grabaciones de jazz similares de mediados de Años 60. "Soulville Samba" de Peterson tiene un sabor góspel, mientras que su "Sensitive Samba" es más relajada; El "Carioca" de Vincent Youmans, que data de hace décadas, también encaja muy bien. Esta es una parte agradable, si no esencial, de la considerable discografía de Oscar Peterson._Ken Dryden (allmusic)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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