El saxofonista, compositor y arreglista Michael James Turre brilla en Compositions, unacalientegrabación de bebop latino de Los Ángeles que lleva el sello del mambo de Hollywood Palladium y el shuffle de Central Avenue. El legado del saxofón de jazz en L.A. incluye potencias como Dexter Gordon, Teddy Edwards, Harold Land y muchos otros. Después de escuchar esta intrigante colección, el oyente estará de acuerdo en que Turre necesita ser agregado a esa lista. Hermano del trombonista Steve Turre y del baterista Peter Turre, Michael es un músico de primer nivel que toca de todo, desde soprano hasta barítono, flauta y flautín. Turre, un guerrero de la orquesta asociado durante mucho tiempo con el Conjunto de Jazz Afrocubano de Bobby Matos, pagó sus cuotas en las bandas de blues de Barbara Morrison, Bullmoose Jackson y Eddie "Cleanhead" Vinson.En este disco se destaca como líder y muestra algunas composiciones asombrosas. Desde la íntima And So She Sang, una hermosa balada con solo flauta y piano, hasta Odd Guacamole, un homenaje al mariachi mexicano que cita clásicos como La Negra y Jarabe Tapatio, te sorprende con marcos de conjunto y pasajes a lo Oliver Nelson que utilizan armonías e interacción sofisticadas. Abundan los ritmos afrocubanos, como se muestra en Melange, un tema con invitados especiales Marvin “Smitty” Smith (trampas), Ralph Monte (saxo tenor) y una sección traicionera de trombón, además de Munyungo y Michito Sánchez a la percusión. On Tour es una melodía de jazz directa con una sección de mambo que se enciende mientras Smith y Sánchez intercambian lamidas incendiarias. De principio a fin, los fanáticos del jazz latino se deleitarán con los dones musicales de Michael James Turre._(insidejazz)
Michael James Turre (saxo soprano, alto, tenor y barítono, flauta, flautín, compositor, arreglista). Se graduó con honores de UCLA en composición clásica mientras vivía de conciertos con grupos de R&B de Motown y Memphis. Los aficionados al jazz pueden estar familiarizados con el trabajo de sus hermanos músicos, Steve Turre (el conocido maestro de trombón y caracola) y Peter Turre (baterista de Ray Charles desde hace mucho tiempo). En los 80, Michael realizó una gira por Europa con Barbara Morrison, Bullmoose Jackson y Eddie "Cleanhead" Vinson, tocando blues. En los 90, realizó una gira por Europa y Japón con Tito Puente y Celia Cruz tocando salsa y jazz latino, escribió para Tito y grabó en algunos otros artistas ganadores y nominados al Grammy como acompañante (Frenesí de Linda Ronstadt, Royal T de Tito Puente y Mambo Kings, Late Night Sessions de Caravana Cubana's). En la década de 2000 es hora de finalmente grabar su propia música y también de dirigir una banda en vivo por primera vez desde sus días en la escuela secundaria y la universidad, pero así ha sido. Vale la pena esperar, porque aquí tenemos siete melodías únicas, cada una con su propia personalidad: tres de décadas anteriores y cuatro de los últimos años, con muchas más canciones para los próximos CD y más melodías nuevas compuestas a un ritmo que no muestra signos de aflojar!
La "Tierra de Nod" a la que Chris Washburne se refiere en el título de su CD más deliberadamente incendiario hasta la fecha es, por supuesto, Estados Unidos, donde,
en opinión del trombonista, la gente simplemente se niega a que le despierten a lo que les está haciendo el poderes insensibles y arrogantes en Washington y en las salas de juntas. Para ilustrar este estado de ánimo, Washburne reúne a su banda de jazz latino Syotos y desata una amalgama a veces desenfrenada de formas de jazz latino lanzadas en un bucle con riffs disonantes. La disonancia es intencional, como para advertirnos de que algo está fuera de lugar, fuera de armonía, fuera de balance en Estados Unidos. El uso de la disonancia en el jazz latino ciertamente no es nuevo (se remonta a los experimentos de Stan Kenton, si no más) pero sigue siendo inusual; la naturaleza percibida del jazz latino como música alegre para mover el cuerpo se ha mantenido firme durante décadas. Algunos de los títulos de las melodías hacen referencia a la carátula, una bandera cuyos colores son desvaídos y pálidos, cuyas formas se distorsionan. Otros son más explícitamente políticos (el furioso "Op-Ed", la opresiva apertura de "Guantánamo") y una sección, "Gregory, Don't Go Near the Dances", una balada downtempo basada en una canción popular ucraniana, es un asentir - juego de palabras intencionado - a los
hermanos de armas de en Ucrania. Para que no pensemos que Washburne es solo un profeta de la tristeza y la ira, en la tradición de muchas obras político-musicales, concluye su suite con esperanza: no una, sino dos piezas tituladas "Peace", de Ornette Coleman y Horace Silver. respectivamente. Agregue a Chris Washburne a la breve pero distinguida lista de gente del jazz cuyo arte estalla ocasionalmente en protesta: Charlie Haden, Carla Bley, Max Roach y ciertamente Coleman vienen a la mente. ~ Richard S. Ginell (allmusic)
Escuchar hoy a Frankly en este año 2009, es como disfrutar una experiencia fuera del tiempo y
del espacio, quizás en un lugar entre el Hotel Riviera, en la Habana, y el Flamingo de las Vegas, Nevada. Pero en este viaje mágico podemos sentirnos seguros y relajados, pues el chamán que nos guía es el pianista matancero Paquito Hechavarría, increíblemente poco conocido entre los actuales públicos y medios del jazz y el Latin jazz, pero apreciado como auténtico maestro entre los verdaderos conocedores: los músicos y artistas con los que ha compartido escenarios y estudios de grabación durante más de cuarenta años.
Conocí a Paquito en la Habana hacia 1960, cuando además del piano tocaba el vibráfono y dirigía los Armónicos, el grupo instrumental más popular del momento, donde sustituyó por un año a su fundador Felipe Dulzaides y que se inspiraba en el sonido de ensemble y el estilo de Latin jazz de George Shearing y Cal Tjader. Paquito también se sumó a las descargas y conciertos del Club Cubano de Jazz, que fundamos en 1958 junto a Walfredo de los Reyes, Gustavo Más, Frank Emilio Flynn y el DJ Horacio Hernández (Sr.), entre otros, con el Salón Arcos de Cristal de Tropicana como principal escenario. Anteriormente Paquito estuvo en la Orquesta Riverside, en sustitución del legendario Peruchín Jústiz, y grabó con el Conjunto Casino, para el cual escribió impecables arreglos, algunos de ellos para acompañar al bolerista Fernando Alvarez. En Estados Unidos a partir de 1960, Paquito graba con Walfredo de los Reyes, José Fajardo, "Cachao"lópez, Mongo Santamaría,louis BeUson, Gloria Estefan, David Byrne, Tany Gil, Ed Calle y otros destacados músicos y cantantes, pero Frankly es el primer CD en que podemos oírlo al frente de un grupo estelar. Este CD bajo su propio nombre es un verdadero acierto y un ejemplo a considerar, entre tanto Latin jazz con exceso de decibeles y/o alardes de virtuosismo gratuito, o basados en la buena intención y el falso apotegma de que el jazz latino es hoy "la única forma de jazz que puede bailarse" Como si la buena música no se bastara a sí misma. El hallazgo de Paquito ha sido fusionar de modo coherente los más variados polirritmos afrocubanos con el cancionero popular norteamericano, el American Songbook. De este repertorio se han elegido números que fueron éxitos de Frank Sinatra, lo cual incide en el acertado título del CO. Sorprende -y se agradece- el respeto por las líneas melódicas originales, así como el gusto y sofisticación de los arreglos, que funden orgánica mente estas melodías románticas con una ritmática que va desde el danzón clásico hasta el guaguancó, la salsa, el bembé y más allá.
La selección de los músicos, llena de sorpresas, es de una eficacia total. la percusión es una joya, con Oafnis Prieto en la batería, Pedrito Martínez en las tumbadoras y el apoyo de lIeana Santamaría, hija de nuestro siempre recordado Mongo. El bajo no podía ser otro que Andy González, verdadero maestro y orgullo del Latin jallo la mayor sorpresa resulta no tanto la presencia de jazzistas norteamericanos (Brian lynch, trompeta, y Phil Woods en el saxo alto), sino en su manera de improvisar a lo cubano, tanto que en un blindfold test pensar1amos en "Chocolate" Armenteros y en "el otro Paquito" (O'Rivera). Nada ilógico, pero ciertamente regocijante. Como pianista, Paquito Hechavarría se caracteriza por su sobriedad, elegancia y dominio absoluto del instrumento y todos sus matices, sin alardes innecesarios cuando la técnica -como es el caso aquí- está en función de la expresividad, sabor y swing, todo ello sazonado con su inconfundible estilo de "montunear". Como jauista está básicamente dentro de la línea clásica Tatum·Bud Powell-Shearing- aunque incorporando con discreción elementos post-BiII Evans, sumado a la tradición pianística cubana de Peruchín·Bebo Valdés- Frank Emilio, que mantiene desde casi medio siglo con increlble modernidad. Nunca ha necesitado suscribirse a "nuevas ondas': de las que asimila lo esencial, lo compatible con su propio estilo. Y su apego a los standards, ese verdadero tesoro melódico-armónico, le permite real libertad de improvisar sobre ellos, como ha proclamado Keith Jarrett, y que por desdicha han ignorado o abandonado tantos pianistas jóvenes cubanos y también norteamericanos. Porque si bien es cierto que en la música, como en todas las artes, ocurren necesariamente cambios, innovaciones y nuevos aportes, hay también elementos que permanecen, y de ahí provienen, entre otros, términos como "clásico" y "clasicismo". La música en todos sus parámetros está más allá de "lo viejo y lo nuevo", y dentro de toda innovación y cambio estilística hay elementos perecederos y otros que llegan para quedarse. lo que nos ofrece precisamente Paquito Hechavarría en Frankly, es una música cuyos rasgos dominantes nada tienen que ver con esos cambios hoy impulsados -o azuzadospor la premura y el afán de las modas, sino por su esencial belleza y permanencia. ~Leonardo Acosta (La Habana.Cuba)
A principios del siglo XX, tres músicos cubanos formaron Trio Oriental para interpretar música folclórica procedente del oeste de la isla. El trío luego agregó miembros, cambió su nombre a Sexteto Habañero, y se convirtió en el primer y más influyente intérprete de son, una vívida fusión Afro-Española de estilos musicales. Hijo consiste en dos niveles estilísticos. El primer nivel (de origen africano) es un ritmo de rumba sobre el que improvisan una variedad de percusionistas. El segundo nivel (derivado de España) lo proporciona una combinación de tres guitarras de cuerdas conocidas como tres y un bajo improvisado. Las letras en español se cantan sobre los instrumentos en forma de decima tradicional con líneas octosílabas rimadas. Durante la década de 1920, Sexteto Habañero fue la banda definitiva de son de Cuba. Su música se presenta en dos compilaciones: Contrapunto cubano: Historia de San Montuno y Cuba - El Hijo Es Más Sublime, así como The Roots of Salsa. ~ Leon Jackson (allmusic)
Septeto Habanero - Celebrando sus 80 años (2000) Temas: 01. El Orgullo De Los Soneros 02. Eres Mimosa 03. Ta José Está Enamora' 04. Fascinate Con Mi Tumbao 05. India Inglesa 06. Yo No Soy Chismoso 07. Jamas Lo Concebi 08. La Casa De Ma Asuncion 09. El Campesino Prodigio 10. Presente Dice El Guaguanco 11. Al Compas Del Habanero 12. Que Hermosa Sueno Contigo 13. Y Que Sabrosito Pa Gozar Musicos: Germán Pedro Ibañez - Guitarra y voz Gonzalo Emilio Moret López - Güiro y voz Jose Antonio Pérez Martínez - Claves y voz Felipe Ferrer Caraballo - Tres Faustino Sánchez Illa - Contrabajo Ricardo Vidal Ferro Vicente -Bongos y percusiones Servando Arango García - Trompeta Grabado en el Estudio ICAIC, La Habana
William Vivanco pasó varios años como el secreto mejor guardado de la canción cubana. Que simboliza el renacimiento del estilo de "Nueva Trova" (tomado de la canción local como Pablo Milanés y Silvio Rodríguez), el cantante de pelo rizado para infundir su música con influencias tradicionales (merengue, salsa, rumba) y sonidos más modernos (MPB, reggae, POP). Después de dos discos que fueron lanzados a escondidas, Lo Tengo Para Pensao en 2002 y La Isla Milagrosa, en 2006, el artista vuelve con un compuesto ecléctico de una docena de baladas acústicas, resaltada por los arreglos y la producción de Robert Aaron. El mundo está Cambia'o invita a degustar deliciosos "haitiano Palo (potencial nuevo éxito)," El Ouika (rumba), "Anaconda" o "De la lluvia. William Vivanco muestra la magnitud de su talento en una instalación tercero, que debe darle el reconocimiento que merece.~Loïc Picaud William Vivanco, joven músico cubano, nacido en Santiago de Cuba ,1975, miembro de la más reciente generación de la nueva trova criolla. Cantante y compositor de una música fresca, joven, llena de vida, mezcla de ritmos muy variados como el reggae, la bossa nova, el blues y el rap, los cuales une para crear una melodía que atrapa al oyente. Todos sus discos sobresalen por ser originales y enérgicos, en sus letras osadas, poéticas y rebeldes podemos encontrar crónicas de su tiempo, sus raíces, su país, su gente, sus costumbres y todo lo que lo hace cubano. Este cantautor ha venido para quedarse, convirtiéndose en figura clave de la música cubana del nuevo siglo. Entre sus temas más conocidos están temas “Barrio barroco”, ”Cimarrón”, “Lo tengo tó pensao”, “Negra sálvame” y “Por todos los caminos”, “Café”. Ha grabado dos discos, y además, participó en la grabación de un CD donde se unieron varios cantautores de la trova cubana llamado Trov@nónima.cu. William Vivanco-El Mundo Esta Cambia'o (2009) Temas: 01-Palo Haitiano 02-Olokun 03-El Mundo Esta Cambia´o 04-Del Oriente 05-La Ouika 06-Samba De Los Cotuntos 07-Anaconda 08-De La Lluvia 09-Que Guapanga 10-Como Un Tango Gris 11-A Otra Altura 12-Ciudad De Madera
Musicos: WILLIAM VIVANCO : VOCALS I GUITAR ROBERT AARON : GUITAR , BASS , FLUYE, SAX, KEYBOARD EMIJO DEL MONTE, JOSÉ CARLOS CEPEDA: PERCUSSlON PANCHO TERRY: CHEKERÉ THOMMY GARCIA : TRUMPET JUAN CARLOS MARIN : TROMBONE RAMSES RODRIGUEZ : DRUMS ADRIANA LORD, YOANDRA PÉREZ PORTILLO . BACKING VOCALS NESTOR DEL PRADO, JUAN CARLOS ABAD : BASS RAUL VERDECIA : GUITAR YAMELÉ PEDRO MORALES: CELLO
Tres virtuosos, tres alquimistas, tres creadores de terciopelo sonoro. Jerez Texas lleva desde el 2002 ofreciendo conciertos alrededor del mundo (más de 500 conciertos en 25 países), a menudo acompañado por invitados de talento. Jerez Texas es, antes que nada, un trío de músicos virtuosos, es también el singular encuentro entre la guitarra flamenca (Ricardo Esteve), el violonchelo (Matthieu Saglio) y la batería (Jesús Gimeno), así como el punto de conexión entre varios universos (flamenco, jazz, clásico, músicas del mundo…). Podríamos también describir la música de Jerez Texas por sus melodías pegadizas, la energía contagiosa y los sutiles arreglos. Pero, más allá de todas estas cualidades, una palabra basta para definir el universo de Jerez-Texas: el placer.
El placer compartido por unos músicos unidos por una complicidad sin grietas desde hace 15
años. El placer generosamente compartido con el público, quién encuentra allí una puerta abierta hacia los sueños, como lo ha ido demostrando la entusiasta acogida alrededor del mundo, a lo largo de más de 500 conciertos en 25 países.
Jerez Texas ha tenido la oportunidad de presentar su música en los escenarios de España, Francia, México, Namibia, Guatemala, Honduras, China, Japón, EEUU, Qatar, Koweit, Panamá, Nicaragua, Bélgica, Haití, Egipto, Túnez, Sudán, Rep. Dominicana, Portugal, India, Ucrania, Moldavia, etc.
Una formación con geometría variable. Desde entonces, a lo largo de sus encuentros, estos tres virtuosos se han rodeado de colaboradores. Guiado por una alquimia tanto humana como musical, el trío se ha vuelto una formación con geometría variable, ampliando su estilo inicial a un universo mucho más rico.
En los diferentes discos y conciertos, han contado con la colaboración de los cantantes Isabel Julve, Josep Aparicio ‘Apa’, Abdoulaye N’Diaye, Ester Andújar, Arantxa Domínguez o Burguitos. También han contado con instrumentistas como David Pastor (trompeta), Carlos Sanchis (accordeón), Denis Colin (clarinete bajo), Gabriel Saglio (clarinete), Osvaldo Jorge o David Gadea (percusión).
Esta sed de colaboraciones, junto con un especial espíritu de independencia, hace que la trayectoria de Jerez-Texas sea imprevisible. « Nosotros mismos no sabemos por qué caminos nos llevará la aventura, dicen los músicos. No hay nada planeado con anterioridad. Utilizamos el jazz como puente entre la música clásica y el flamenco pero como no somos músicos de jazz, somos un poco iconoclastas y creamos nuestras propias reglas.» ~ (jereztexas)
Hay un flujo universal en este refinado álbum que ve a Jerez-Texas unir a algunos invitados destacados como los vocalistas Ester Andujar y Abdoulaye N’Diaye, el percusionista Osvaldo Jorge y el acordeonista Carlos Sanchis. La mezcla franco-hispánica en el núcleo de la banda se realza así en un tapiz que pretende seguir el diseño arquitectónico de un patio andaluz, “rebosante de luz, mezclando el calor del sol con el frescor del agua, las piedras finamente esculpidas y la exuberancia de la vegetación ". Palabras grandiosas escritas por Gabriel Omnès para las notas de la portada, pero no pretenciosas cuando se combinan con estas once composiciones originales. Armonizan el jazz y el flamenco con gracia natural, realzados por cristalinos ejercicios vocales en español o wolof en temas como “In-finito” o el tema principal. Esteve, Saglio y Gimeno infunden así la sensación de que se está reinventando un nuevo folclore en torno a los repertorios probados del sur de España. Los scats de Ester Andujar y los sobrios poemas senegaleses de N’Diaye proyectan las composiciones clásicas en un escenario internacional que recientemente se ha vuelto sensible a la dimensión pionera de este grupo.
El primer álbum de Jerez-Texas, Sao, ya despertó a los críticos a las capacidades de la banda después de su lanzamiento en 2005. Es probable que Patchwork confirme sus primeras impresiones con su confiado caleidoscopio de influencias. A esto se suma un cierto grado de audacia que el trío muestra cuando, por ejemplo, ponen solos clásicos como “Bajo los Naranjos” al lado de una canción tradicional como “Sarao Mediterraneo”, cantada por el folclore. el cantante Josep Aparicio 'Apa'. Y, como las discretas entradas a los patios del Mediterráneo, no te dejes engañar por las apariencias: una pared exterior sobria y poco imaginativa (la portada del disco) puede esconder un tesoro de sensaciones, guiado por nuevos y sorprendentes diseños arquitectónicos (la lírica e innovaciones compositivas en este CD de 47 minutos). ~Daniel Brown
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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