Azteca fue un grupo de rock latino formado en 1972 por Coke Escovedo y su hermano Pete Escovedo, que acababan de formar parte del grupo pionero del rock latino Santana. Azteca fue el primer intento a gran escala de combinar múltiples elementos musicales en el contexto de una orquesta latina, y contaba con vientos, maderas, múltiples teclados, tres vocalistas, guitarras, baterías y múltiples percusionistas latinos. En el escenario, la banda estaba formada por entre 15 y 25 miembros, y realizó giras con artistas como Stevie Wonder. Otros miembros destacados de Azteca fueron los vocalistas Wendy Haas y Errol Knowles, el guitarrista Neal Schon, los trompetistas Tom Harrell y Eddie Henderson, el bajista Paul Jackson, los baterías Lenny White y John H. Brinck Jr. y el percusionista Victor Pantoja. El grupo también fue un punto de partida musical para la percusionista latina Sheila E. (hija de Pete Escovedo), que apareció con la banda cuando era adolescente. Se publicaron dos álbumes en Columbia Records, el autotitulado Azteca (1972) y Pyramid of the Moon (1973), antes de que la banda se separara.
El 15 de septiembre de 2007, varios de los miembros supervivientes de Azteca actuaron juntos por primera vez en más de treinta años en Hollywood, California. El concierto se grabó para su posterior publicación en DVD._(wikipedia)
Coke Escovedo, Tito Puente, Pete Escovedo
La grabación en directo From the Ruins es el primer álbum de Azteca en 35 años y representa la reunión de esta banda derivada de Santana, originalmente liderada por el percusionista Coke Escovedo, que se separó en 1976. El cineasta Daniel E. Meza, autor de las notas, fue el responsable de reunir de nuevo al grupo para su documental Azteca: La Piedra del Sol, junto con el hermano de Coke Escovedo, Pete Escovedo, también percusionista y miembro original de la banda. (Coke Escovedo murió en 1986.) Convencieron a otros siete músicos que formaban parte de la veintena que tocó en Azteca en sus primeros años y que aparecen en sus dos LP de Columbia Records Azteca (1972) y Pyramid of the Moon (1973) para ensayar y tocar en un concierto en el Key Club de Hollywood, California, el 15 de septiembre de 2007. También se incluyeron cuatro músicos más para formar una banda de 12 músicos compuesta por dos cantantes/percusionistas, dos percusionistas/cantantes, cuatro vientos (dos lengüetas y dos metales), teclados, guitarra, bajo y batería. Por grande que parezca este conjunto, es más pequeño que el Azteca de 17 miembros que apareció en el primer álbum. Pero el grupo sigue tocando a las mil maravillas e, interpretando canciones de esos dos álbumes,
sigue siendo una banda de jazz-rock con percusión latina, los timbales de Pete Escovedo y las congas de Víctor Pantoja a la cabeza, con muchos solos para los metales, el guitarrista Bill Courtial y el teclista Murray Low (uno de los nuevos miembros). Como señala Pete Escovedo en sus comentarios sobre el escenario, las letras que él, Pantoja y los cantantes Wendy Haas y Errol Knowles cantan expresan sentimientos idealistas y antibelicistas típicos de su época (los títulos incluyen «New Day Is on the Rise» y «Peace Everybody»), pero añade que también son relevantes en 2007, lo que parece bastante cierto. From the Ruins resucita un proyecto musical digno, aunque casi olvidado, que para sus seguidores entra en la categoría de «debería haber sido, podría haber sido» de artistas merecedores de un mayor reconocimiento que, por las razones que sean, nunca alcanzaron el nivel de éxito que podrían haber tenido. (Entre los invitados no acreditados que colaboran en el bis, «Whatcha Gonna Do», se encuentra la hija de Pete Escovedo, Sheila E., que fue miembro de Azteca en sus últimas etapas)._William Ruhlmann (allmusic)
Ana Carla Maza, nacida el 14 de junio de 1995 en La Habana, es una violonchelista, cantante de jazz, compositora y productora cubana. Ana Carla Maza nació en el barrio de Bahía de La Habana, de padre músico chileno, Carlos Maza, y madre guitarrista cubana, Mirza Sierra. "Nacer un 14 de junio, como el Che Guevara, deja huella: '¡Hasta la victoria, siempre venceremos!', que siempre es comunista", dice. Empezó a tocar el piano a los 5 años, de la mano de la hermana del pianista Chucho Valdés. Sus padres se trasladaron a un pequeño pueblo y allí crearon una escuela de música. Descubre la rumba y las ceremonias musicales de la santería. Empezó a tocar el violonchelo a los 8 años y subió por primera vez a un escenario en La Habana con apenas 10 años. En 2007, su familia se marchó de Cuba a España. A los 13 años empezó a colaborar en los proyectos musicales profesionales de su padre. Tocó en dos grabaciones que su padre publicó en 2010, Carlos Maza en Familia y Quererte. Participó en sus primeros concursos musicales, interpretando a Piotr Ilitch Tchaikovsky y Camille Saint-Saëns como solista en una orquesta sinfónica. También empezó a cantar mientras tocaba el violonchelo. Se trasladó a París en 2012 para estudiar en el Conservatorio de Música de la capital francesa. Continuó sus estudios musicales en el Pôle supérieur d'enseignement artistique Paris Boulogne-Billancourt (PSPBB), perteneciente a la Sorbonne Universités, y luego emprendió una carrera en solitario, actuando por toda Europa, conociendo entonces al violonchelista Vincent Ségal, que la animó. En 2016, publicó Solo Acoustic Concert, inspirado en las tradiciones musicales de su infancia, desde la bossa nova brasileña hasta la habanera cubana y un vocabulario musical más amplio, y en 2020 publicó La Flor, su primer álbum de estudio.
Ambos álbumes incorporan ritmos latinos, melodías pop, armonías de jazz y técnicas clásicas. En febrero de 2022 publicó un nuevo álbum, Bahía, una mezcla de violonchelo clásico y voz, también inspirada en el son cubano, la samba, la bossa nova, el tango, el jazz y la chanson, con una gira de más de 150 conciertos en 15 países. Ha actuado en festivales como el Festival de Jazz de París, Souillac en Jazz y Jazz à la Villette, EFG London Jazz Festival, International Bergamo Jazz Festival, Blue Note Milano, L'Auditorium Parco della Musica Roma e Internationale Jazzwoche Burghausen en Alemania. En 2023 se produjo un nuevo álbum de estudio, Caribe, que grabó como sexteto._(wikipedia)
La compositora, violonchelista y cantante cubana Ana Carla Maza se reencuentra con su infancia en La Habana y su herencia latinoamericana con Caribe, un álbum autoproducido que presenta un vibrante cuarteto de metales. La grabación rinde homenaje a las descargas afrocubanas de los años 50, al tiempo que explora los ricos ritmos del Caribe, los tangos argentinos y toques de bossa-jazz y samba brasileños, dando como resultado una alegre fusión musical. Nacida en Cuba cuando Wim Wenders grababa Buena Vista Social Club, la virtuosa violonchelista y cantante Ana Carla Maza debutó en los escenarios a los diez años y desde entonces no ha dejado de evolucionar internacionalmente.
Ana Carla comenzó su vida musical con sólo 5 años, iniciada en el piano por la difunta Miriam Valdés, hermana de la leyenda viva Chucho Valdés. Se inició en el violonchelo, el instrumento que le daría forma, a los 8 años y subió por primera vez a un escenario en La Habana con apenas 10 años. Desde su infancia musical en La Habana hasta 2012, cuando se trasladó a París para estudiar en el Conservatorio, un paso decisivo ya que fue el comienzo de su carrera en solitario y París se convertiría en la base de su espectáculo en directo, desde donde comenzó a difundir su sonido por toda Europa (en 2022 realizó más de 150 conciertos).
Linda Leida nació en Las Villas, Cuba. Su destacado talento para el canto la llevó a hacer parte de la Sonora Matancera desde 1967. Trabajó junto a Willie Rosario en el álbum ‘Latin jazz go go go’ y como solista lanzó cinco álbumes: ‘Aquí está Linda’, ‘Eletricando Linda’, ‘¡Con sabor a montuno!’, ‘Linda Leida’ y ‘1982’. Recordamos una “LINDA” voz cubana natural de las Villas, que lucio donde quiere que fue, paso por la Sonora Matancera, lo hizo con Willie Rosario, con el pianista Javier Vásquez, con Ramón “Monguto” Quian, y su Conjunto Canela y su inolvidable paso por la SAR ALL STARS invitada por su compatriota Roberto Torres, un trabajo que en Nueva York dejo huella, desafortunadamente partió hacia la eternidad el 24 de julio de 1986 en la ciudad de N:Y: USA. La gran Sonera Cubana, es encontrada muerta un dia como hoy, 24 de Julio, pero del año1986, en la bañera de su hogar, La Ciudad, de New York, Estados Unidos, Muy Reconocida En el Ambiente Salsero, Por Su participación con la "Sonora Matancera", la orquesta de Willie Rosario, "Javier Vasquez y su Conjunto" y otras agrupaciones, Las hacen Merecedora de su gran Admiracion, En el Mundo musical Afroantillano, Según reportó la policía, los vecinos del apartamento en donde vivía Leida, dijeron haber escuchado una pelea en la mañana de ese 24 de Julio, Su Verdadero Nombre Fue, LINDA LEYDA
ALVARES, Quien nacio en Las Villas, En Cuba, en el año 1946. Se caracterizó siempre por ser una cantante de buena voz. Natural, como siempre fue, Linda estudió en una escuela de canto en su tierra natal. Se inició a muy temprana edad, a principios de los 1960. Cantó en la radio y con grupos escolares. Luego, grabó con el "Conjunto Antillano" en 1963. Recomiendo el tema "Que Pena Me Da Tu Caso". También grabó el tema "Queja Africana". Su potente voz, la llevó a crecer muy rápido en el ambiente de la Salsa. Ese talento la llevó directo a la orquesta de Willie Rosario en 1964 donde participó un su primer disco de larga duración. Ese LP se tituló "Latin Jazz Go Go Go". Trabajó en los coros e interpretó el tema "Afro Cha", mientras Paquito De Jesús vocalizó el resto del álbum. En 1967 a "La Decana de las Orquestas", la "Sonora Matancera", junto con la cantante colombiana Gladis Julio. Vocalizó los temas "Guantanamera", "Suenan Los Tambores" y "Afecto y Cariño" en el LP "La Guantanamera y La Niña de Guatemala" de la "Sonora Matancera". Prosiguió con ellos mismos realizando diferentes giras y presentaciones por todo Estados Unidos durante unos años. Se lanzó como solista en el año 1977, grabando con el "Conjunto Canela" de Roberto Torres para el sello TR Records el LP "Aqui Esta Linda". Luego lanzó en 1978 el LP "Electricando Linda" para TR Records y "¡Con Sabor A Montuno!" en 1979 para SAR Records. Siguió con el LP "Linda Leida" también SAR Records en 1980 y otro con el mismo título en 1982.
"Linda Leida y La Bahia, Javier Vazquez y su Conjunto" para Caiman Records en 1984, fue su último LP, dejando un legado efímero pero muy bueno y con mucha calidad. Participó en una producción de éxitos junto con Lita Branda y La India de Oriente, titulada "Las Reinas del Son Montuno". Será eternamente recordada por sus temas clásicos y continuos en ambiantes de rumba. Éxitos como: "Tumba", "Cabio Sile Yeyeo", "Oye Ya", "La Bahía", "La Alegría Del Montuno", "Hija De Algallu", "Ay Que Tiene Él" y muchos otros más, la tendrán latente siempre, en la memoria de todos los amantes de la buena música afroantillana.
Este es un disco divertido que muestra un alto nivel musical y un fuerte sentido del humor. Impulsado por el fogoso trabajo de guitarra de Richie Zellon y fuertes dosis de percusión, Metal Caribe ofrece ingeniosas composiciones originales e interpretaciones eléctricas de latin-jazz de temas pop, rock y clásicos. Richie Zellon es un guitarrista nacido en Perú que actualmente reside en EE.UU. El libreto del CD proclama que Zellon es «el Frank Zappa del jazz latino», y aunque esta descripción es válida en ocasiones, sólo cuenta una parte de la historia. La música de Zellon puede ser salvaje y alocada, pero también muy lírica. (Eche un vistazo a la preciosa «Tel Aviv Blue»). Todos los temas de Metal Caribe son agradables, pero mis favoritos incluyen la versión cha-cha de «Sunshine of Your Love» de Cream, un complejo tema afrocubano llamado «Blue Whale Street», una versión cubano-jazz de «Smoke on the Water» de Deep Purple, y una improbable pero maravillosa pieza merengue-meets-klezmer llamada «Rabbi Merrenguewiz». El CD también ofrece versiones extravagantes de «The Twilight Zone» y «Peter and the Wolf» de Prokofiev, así como varios números originales que muestran una impresionante variedad de estilos de jazz latino, desde la samba hasta el festejo y el mambo.
El elenco incluye a Dave Samuels al vibráfono, Alex Acuña a la batería, Dave Liebman y Jerry Bergonzi a los saxos, Edward Simon al piano, Orlando Sánchez a la percusión y Oscar Stagnaro al bajo. Las vibraciones oscilan entre el sutil jazz latino y la fusión de guitarras a todo volumen.
Metal Caribe es ese raro CD que consigue mezclar estilos pop y jazz complicado de forma divertida e interesante. Debería gustar a todos los aficionados al jazz latino eléctrico y a la fusión sin prisas._Ed Kopp (allaboutjazz)
Luis Diego Bonilla (12 de octubre de 1965) es un trombonista de jazz estadounidense de ascendencia costarricense. También es productor, compositor y educador. Si a un artista se le puede llamar pulpo, ése es Luis Bonilla. Este trombonista, compositor y arreglista costarricense criado en California ha buscado, adoptado y dominado una increíble variedad de estilos musicales. Su éxito como músico de acompañamiento de grandes como McCoy Tyner, Dizzy Gillespie, Lester Bowie, Tom Harrell, Freddie Hubbard, Astrud Gilberto, Willie Colon y Toshiko Akiyoshi da fe no sólo de la habilidad y variedad del talento de Bonilla, sino también de una mente inquieta y comprometida con la exploración de algunas de las músicas más complejas y exigentes de nuestro tiempo. Sin embargo, la experiencia de Bonilla no tiene nada de enrarecida. Ha trabajado como músico de estudio con Tony Bennett, Marc Anthony, La India y Mary J. Blige, y entiende y explota tanto la vivacidad del pop como el vaivén rítmico y la pegada del jazz latino. Actualmente es miembro de la Vanguard Jazz Orchestra, la Afro-Latin Jazz Orchestra bajo la dirección de Arturo O'Farrill (ambas ganadoras del Grammy 2009) y el último grupo de Dave Douglas (Dave Douglas & Brass Ecstasy), Bonilla es uno de esos raros artistas cuyo trabajo está siempre en expansión, abarcando más y más sin dejar de ser singular y centrado: "Bonilla puede ser un trombonista acostumbrado a manejar esa cosa grande y larga que se desliza, pero cuando se trata de la ejecución de sus ideas, no deja escapar nada" (All About Jazz). ¡La crítica alabó sus dos primeros álbumes en el sello Candid, Pasos Gigantes (1998) e iEscucha! (2000), reconociendo la capacidad de Bonilla para dar voz a sensibilidades musicales radicalmente distintas con una facilidad y una fluidez que contradicen el rigor y la sofisticación de la música. Pasos Gigantes entró en la lista de los diez mejores discos latinos de Jazziz en 1998. Ya en estos dos primeros álbumes, los críticos destacaron el liderazgo de Bonilla y su sofisticado uso de los colores tonales.
Como profesor de la Universidad de Temple y de la Manhattan School of Music, Bonilla tiene un sentido intuitivo para sacar lo mejor de quiene s trabajan con él. Escuche cualquiera de sus discos y percibirá un extraordinario nivel de confianza e inspiración en la forma de tocar de cada miembro de la banda. Como señaló el crítico de All About Jazz, "Bonilla da a sus colegas amplio espacio para respirar, añadiendo impulso al flujo de sus ideas compositivas". Su siguiente álbum, Terminal Clarity, de 2007, fue una celebración, reflexión y extensión estética de sus años de trabajo con Lester Bowie. Aunque conserva las descaradas estructuras armónicas de la obra de su mentor, desde Brass Fantasy hasta su anterior y justamente famoso trabajo con el Art Ensemble de Chicago, Bonilla añade una "exuberancia contagiosa" (revista Jazzwise) que está en el corazón de su visión artística.
Sin desmerecer en absoluto la audacia de Bowie, Bonilla consigue equilibrar "lo cerebral y lo sucio" (Jazz Times), dando "pasos audaces para fusionar géneros latinos, free jazz y una variedad de otras influencias" (Latin Jazz Corner). ¡En su último álbum, I Talking Now! (2009), insiste aún más en estas disyunciones, exigiendo educadamente que sintamos las conexiones entre estilos musicales salvajemente dispares. Una embriagadora mezcla de swing, rock, free jazz, funk, bandas sonoras de películas, ruido vanguardista y baladas, I Talking Now, a pesar de toda su diversidad musical, habla con una sola voz. Es una visión claramente americana, una suave locura que sugiere que todos y cada uno de los sonidos pueden coexistir si seguimos aceptando más y más. Luis Bonilla se mueve en direcciones que amplían nuestras nociones del jazz y nos conducen a nuevos y sorprendentes reinos con "notable creatividad y versatilidad" (Newsday)._ (allaboutjazz)
Este disco te atrapa justo donde menos te lo esperabas. Una joven encantadora, con un vestido de muselina por encima, que puede ajustar su arco al tiempo que canta himnos de África Occidental. Al principio, uno piensa que lo que caracteriza a Ochumare es su virtuosismo. Y luego, en dos segundos abrasadores, esta diva habanera afincada en Suiza muestra sus dientes afilados. De un salto atraviesa recuerdos de Chapín, de Chucho Valdés, del jazz neoyorquino, de la imperiosa audacia de las ceremonias de santería. Nada es bonito en esta música; todo es urgente.
Yilian Cañizares nació no hace mucho, en La Habana. Muy pronto, sobre pieles de tambor, aprendió los ritmos complejos, los espacios oníricos, un África reescrita en la gloriosa insularidad de un país que también importó maestros de Rusia. Yilian es fruto de varias historias. Sabe tocar sonatas de Bach con un violín de precisión matemática. Puede producir un swing de Nueva Orleans. También puede - todo un logro - despertar a las divinidades yoruba. Y en particular a la diosa Oshun, el alma del agua dulce, que mejor corresponde a su naturaleza fluida.
Yilian, niña prodigio, estudió en casa, en una capital que es una encrucijada. Luego partió hacia Caracas: la orquesta, las sinfonías, aprendiendo meticulosamente un instrumento al que le gusta rebelarse. Se labró su propio destino, lejos de su pueblo, y acabó en Suiza para perfeccionar sus arpegios. Curiosamente, fue aquí, en plena Europa protestante, donde fundó un cuarteto que lleva el nombre de una divinidad yoruba: Ochumare. Desde entonces, hacen todo lo posible por reaccionar ante la potencia híbrida del jazz latino, mezclando todo lo que, directa o indirectamente, ha pasado por sus manos.
Un percusionista de Lausana, Cyril Regamey, del que todo el mundo cree que debe ocultar sus orígenes caribeños. Un pianista cubano, Abel Marcel, admirado por Chucho Valdés, que reúne en una cadencia herencias extraídas del impresionismo francés y de los brujos negros. Un bajista venezolano, David Brito, que ha puesto nombre de mujer a su instrumento; ancla el grupo con su sed de síncopas. Y en medio de estos tres tipos, imperturbable, Yilian Cañizares no se contenta con dispensar dulzura y luz. Ella enciende fuegos fatuos, mambos incandescentes, con el dominio absoluto de un repertorio que toma de todos sin devolver nada a nadie.
Canta 'Oshun Edé', un homenaje a su diosa personal, como si hubiera visto el río de ese nombre, sombrío y lleno de oráculos, que atraviesa Nigeria. Nada demostrativo, sólo la conciencia de que esta poesía se ha transmitido durante siglos, a pesar de los océanos que se interpusieron. En "Pirulisme" conjura ángeles acrobáticos, fuelles de lirismo aplastado, que vuelan a toda velocidad. Hilvana perfectos cha-cha-chás de manual, pulsaciones estridentes que parecen salidas de los viejos cabarets de la época en que La Habana aún no había sido conquistada por los turistas que viven de lo exótico (magnífico solo en "Papito"). Incluso cuando murmura estribillos sagrados ('Aso Kara Luwé') en un idioma que antaño se transmitía clandestinamente, Yilian lo relaciona con su propia realidad cosmopolita. La de una mujer que ha visto mundo.
Este álbum es de una riqueza inagotable. Se entra en él como se entra en el eufórico laberinto de las culturas caribeñas. Todo vale, siempre que no tomes nada como base", decía el compositor estadounidense John Cage. Cualquier cosa vale, siempre que lo uses todo, le responde Yilian. El jazz moderno de los años sesenta precursores. Las contredanses francesas del siglo XIX. Los ritmos del son cubano. Las plegarias indestructibles de los hijos de los esclavos. Ochumare es un dios del arco iris, una serpiente mítica que actúa como cordón umbilical del mundo que gira. En medio de la profusión de los senderos que nutren este disco, Yilian Cañizares revela una búsqueda íntima. Cómo encontrar el propio camino a través de la enmarañada red de los orígenes._Arnaud Robert
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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