The O'Farrill Brothers Band - Sensing Flight

La progenie prodigiosa del afamado pianista / compositor / director de orquesta Arturo O'Farrill con razón se volvió un montón de cabezas con melocotón gigante (Zoho Música, 2011), pero ese disco es fácilmente eclipsado por Sensing Vuelo . Con este segundo lanzamiento, el baterista Zachary O'Farrill y todavía-en-sus-adolescentes trompetista Adán O'Farrill han ido un paso más allá, alcanzando un nivel de confianza artística que escapa a la mayoría de los músicos de cualquier edad. 

Sensing Flight establece su curso alrededor de la música del trompetista, con seis de las nueve canciones que pertenecen al hermano más joven O'Farrill, y su cuerno es también lo más llamativo en el expediente. Su talento artístico, personalidad tonal y la confianza han dado un salto cualitativo hacia adelante desde melocotón gigante , como él crea historias con arcos dramáticos, enfocados a la trompetista Terence Blanchard , y ofrece una marca más musculoso y emocionalmente directo del juego que lo conecta con el cuerno de los últimos días héroes como Ambrose Akinmusire. 

Como compositor, Adam O'Farrill encuentra satisfacción por el jazz de trabajo desde todos los ángulos. Toma formas familiares, como arrastrando los pies, la música soul blues ("Mind Troubles"), pero mantiene las cosas interesantes por tirar en un par de llaves. Él crea escenarios de la cadera, descentrado surco que subrayan interacción comunicativa ("Drive") y encuentros sueltos que fluyen, conectados de forma concéntrica ("Monet"). Incluso permite pura, la belleza sin filtrar a la altura de la superficie cuando el día está finalmente hecho ("Sensations"). 

Mientras que el joven trompetista merece toda la copia que recibe por su trabajo en este álbum, él no está solo en este viaje. El hermano mayor O'Farrill demuestra ser un excelente conductor, ya sea navegando carreteras agitadas ("Wrong Key Donkey") o poner las cosas en el control de crucero. Él hace lo contrario, torpe construcciones métricas parecer simple y que empuja y tira en todos los lugares correctos, con un poco de ayuda de la firma-y-flexibles bajista Raviv Markovitz . El pianista Adam Kromelow y guitarrista Gabe Schnider tanto hacen un excelente trabajo para equilibrar sus deberes como sección rítmica hombres y solistas de primera y de centroderecha, pero del saxofonista Livio Almeida que resulta ser el más impresionante no O'Farrill en la fecha. Él coincide con Adam O'Farrill, el estado de ánimo para-estado de ánimo y de paso-por-paso, y añade un poco de contraste con el programa con un serio ranurado, cobarde contribución compositiva ("Action And Reaction"). Como individuos, cada uno sigue su propio curso y cumple su deber, sino como un grupo vienen juntos como familia; hermano simpatico puede ser en pantalla entre los hermanos de O'Farrill reales, pero musicales bonos convertir todos los seis musicos en hermanos de armas. 


Sensing Flight es un álbum de incipientes jazzers esperando para despegar; es una grabación de un equipo ya en el aire de volantes muy musicales._Dan Bilawsky (allaboutjazz)





The O'Farrill Brothers Band - Sensing Flight (2013)

Temas:
01.Drive
02.Wrong Key Donkey
03.Monet
04.Action And Reaction
05.Mind Troubles
06.Broken Wings
07.Full Measure
08.Upper Manhattan Medical Group
09.Sensations

Musicos:
Adam O'Farrill: trumpet
Livio Almeida: tenor saxophone
Gabe Schnider: guitar
Adam Kromelow: piano
Raviv Markovitz: bass
Zack O'Farrill: drums

Orquesta Cubana de Música Moderna-JazzCuba Vol. 10

Durante la década de 1920, la escena musical cubana estaba en pleno florecimiento. Al mismo tiempo que se desarrollaba el jazz americano, particularmente en Nueva Orleáns, las primeras bandas empezaron a interpretar el jazz cubano o jazz latino en los clubes nocturnos y hoteles de la isla. El director de banda de jazz cubano más destacado, además de pionero entre los intérpretes de jazz, fue el maestro Armando Romeu, quien dirigió las famosas orquestas Bellamar y Tropicana.

La música de Cuba se basa en gran medida en sus orígenes culturales europeos y africanos. La llegada de miles de esclavos africanos a la isla en el transcurso de trescientos años dio como resultado una gran variedad de formas musicales nuevas. Profundamente arraigada en los ritmos africanos, la música distintiva del país le debe su poder melódico a su legado colonial español. La alegre y enérgica cadencia cubana ha ejercido una influencia significativa en los estilos musicales alrededor del mundo, incidencia que continúa en la actualidad. Con el tiempo, las formas singulares de danza, relacionadas con tipos específicos de música, se han influenciado mutuamente, creando nuevos estilos de expresión.


Destaca la fundación en 1967 de la Orquesta Cubana de Música Moderna, bajo la dirección de Armando Romeu (1911-2002) y Rafael Somavilla (1927-80). Aunque su proyección profesional se encaminó más hacia espectáculos y conciertos en teatros y no a los espacios destinados al baile, esta jazz-band de gran formato pretendió poner al público al día con la interpretación de música internacional y cubana donde prevalecían los conceptos armónicos y de orquestación procedentes del jazz.


En el repertorio de la agrupación se producía la convivencia de obras como Rico pilón (Enrique Bonne), El manisero (Moisés Simons), Réquiem en jazz (Rafael Somavilla), The man I love (George Gershwin), Pastilla de menta (Tooms), Mi guajira guantanamera (Joseíto Fernández) y Room (Ken Jones). La orquesta apareció de forma tardía, en un momento en que el gran formato de la jazz-band no respondía a la moda, no obstante su mayor aporte, además de la calidad de sus interpretaciones, fue haber sido una verdadera escuela para intérpretes y orquestadores. Entre sus fundadores se encontraron Jesús "Chucho" Valdés (piano), Carlos Emilio Morales (guitarra), Paquito D'Rivera (saxo y clarinete) Enrique Plá (batería) y Carlos del Puerto (bajo). Estos formaron otras combinaciones instrumentales en las décadas siguientes, como el grupo Irakere -integrado por los músicos citados bajo la dirección de Chucho Valdés- creado en 1973, en el que eventualmente se compuso e interpretó música bailable. Este grupo realizaba un repertorio también ambivalente en el que por una parte cultivaban una línea de creación enmarcada dentro del jazz latino, y por otro abrían un espacio a la música bailable, contribuyendo al auge de diferentes géneros y especies del son a la rumba, situándose en un punto medular de la creación cubana.

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Orquesta Cubana de Música Moderna-JazzCuba Vol. 10 (2007) 

Temas:
01.Que Bella Es Cuba
02.La Comparsa
03.Ay Mamá Inés
04.El Manisero
05.Las Per Las De Tu Boca
06.Tema Para Un Africano
07.Recordando El Blues
08.Almendra
09.El Niche
10.Te Vas A Casar
11.El Ñame Con Bacalao
12.Guajira Guantanamera
13.Pastilla De Menta

Orlando Rios Puntilla & Nueva Generacion - Spirit Rhythms

TAMBORES SAGRADOS Y CANTOS DE CUBA

Santería es una religión sincrética derivados de África que invoca espíritus y se ocupa de la curación mágica. Las canciones de su repertorio sagrado y ritual se ofrecen en esta grabación. 

Los orígenes de la santería están en la religión Lucumí del pueblo yoruba que fueron traídos como esclavos al Nuevo Mundo de la costa de Nigeria. Bajo la esclavitud de la esclavitud y sujeto a las presiones impuestas por el cristianismo, el pueblo Yoruba comenzaron a identificar a sus dioses, conocidos como orishas, con los santos católicos de sus amos españoles. Adoradores Lucumí hicieron una consciente tratar de mantener una estrecha identificación con practicas Yoruba mediante el uso de la lengua yoruba en contextos religiosos y por praserving rala del tha de los orishas y prácticas musicales. Sin embargo, dos changas básicas ocurrieron en Cuba. Mientras que en África cada centro religioso se dedicó a un orisha y la dedicación de un individuo a ese orisha determinad principalmente por linaje, la situación en el nuevo mundo no permitían un centro individual a una orishe. En cambio, cada centro rindió homenaje al panteón entero. Hoy en día, Santerfa, con su panteón de deidades, altamente evolucionado sigue siendo practicad por algunos cubanos. Puerto Ricans y otros pueblos caribeños.

Música en Santerfa funciona como la característica central de la organización durante los eventos rituales conocidos como toques y bembés. Igbodú y Eya Aranla son eventos separados en la ceremonia, y cada uno sirve una fin determinado ritual. El propósito de la Igbodú es para rendir homenaje a el panteón de los orishas a través de una secuencia litúrgica de los ritmos conocidos como Orú del lgbodú, que se realiza en el tambor batá. Los tambores batá sagrados (un conjunto de tambores de cintura conocidos como iyá, itótele y Okónkolo) ara utilizan para lograr ritmos que evocan espíritus que descienden y toman posesión de los devotos. El más grande de tambor, iyá, se comunica directamente con los orishas, cada uno de Whorn tiene sus propios ritmos que identifican. El iyá también entra en conversaciones musicales con los Itótele, la segundo tambor. Okónkolo, el más pequeño, desempeña un patrón rítmico que cambia cuando señalado para ello por el iyá. 

El ritual de la Eya Aranla sirve para facilitar la comunicación entre los orishas y los devotos. Esto se hace a través de la Aranla Orú del Eya, una serie de cantos que se realiza para cada orisha por un cantante (akpuón) y un coro (ankori) en un patrón de llamada y respuesta mientras los tambores batá tocar ritmos correspondientes. El Orú se realiza para llamar a ese orisha en la ceremonia. Cuando se llama, el orisha se manifiesta en forma humana a través de la posesión de los devotos. De esta manera el orisha es capaz de comunicarse directamente con los participantes. 

Las deidades asociadas con canciones en esta grabación son los siguientes: 

Babalú Ayé: San Lázaro 
Olofi: Dios Supremo 
Ochún: diosa de los ríos 
Elegguá: El que provee y niega oportunidades 
Changó: Dios del fuego, el trueno y la sexualidad 
Yemayá: diosa de los océanos 
Agalú: San Cristóbal






Orlando Rios Puntilla & Nueva Generacion - Spirit Rhythms (1996)

Temas:
01. Aichara Icha
02. Maiseboa
03. Odiyé
04. Rezo a Ochún
05. Drumming Excerpt
06. Canto Para Elegguá
07. Canto Para Changó
08. Yesá
09. Canto Arará Para Yemayá
10. Amanamá

Steve Khan - The Green Field

Han pasado nueve años desde la última vez que el guitarrista Steve Khan lanzó un álbum como líder. Pero no ha estado inactivo, viajando con artistas como Terri Lyne Carrington y Greg Osby y codirigiendo el Caribbean Jazz Project. Sin embargo, ha pasado demasiado tiempo desde que lanzó un álbum que pone su estilo inmediatamente reconocible al frente y al centro.

Puede que Khan no tenga el prestigio de compañeros como Pat Metheny y John Scofield , pero desde las primeras notas de la grabación, está claro que no se trata de nadie más que de Steve Khan. Su enfoque distintivo, a veces casi pianístico, hace que su posición menos prominente sea misteriosa. Ojalá el campo verde, su disco más completo hasta la fecha, llegará a la mayor audiencia que tanto se merece.

Khan se reúne con el bajista John Patitucci y el baterista Jack DeJohnette , quienes tocaron juntos por última vez en Got My Mental (Evidence, 1996). Si bien el trío solo ha trabajado juntos durante los ensayos y las sesiones de grabación de estos dos lanzamientos, estos músicos comparten una química notable. En ninguna parte es esto más evidente que en el bop gratuito de la canción principal de dieciocho minutos. También con el percusionista / vocalista Manolo Badrena, un colaborador clave que jugó un papel decisivo en el grupo Eyewitness de Khan, "The Green Field" puede ser la pieza más libre que Khan haya grabado. Aunque los motivos claros surgen estratégicamente, se trata tanto de la textura como del desarrollo temático, lo que es aún más notable durante los momentos en que el cuarteto se fusiona mágicamente, antes de dirigirse a territorios inexplorados más grandes.

El juego libre liberado de la canción principal puede parecer nuevo para los fanáticos de Khan, pero tenga la seguridad de que su fuerte sentido del ritmo también está en plena vigencia. El modal "El Viñón se abre con un vampiro con las voces únicas de Khan y DeJohnette tocando todo el tiempo, pero finalmente se resuelve en una sección intermedia donde Patitucci y DeJohnette se balancean amablemente detrás de la linealidad relajada y detrás del ritmo de Khan. El guitarrista se inclina hacia con cuidado construyó líneas que sirven desinteresadamente a la música, pero de vez en cuando se suelta con la velocidad del rayo, solo para hacerte saber que las chuletas están ahí cuando sea necesario. Su capacidad para intercalar melodías fuertes y frases de acordes vívidas se ha convertido en una característica definitoria, y nunca lo ha hecho mejor.

Lo mismo puede decirse de la escritura de Khan. "Fist in Glove es un blues tan radicalmente alterado armónicamente que es casi irreconocible, mientras que" Cosecha lo que Has Sembrado, con los percusionistas invitados Ralph Irizarry y Robert Quintero, mina visceralmente el territorio afrocubano que ha sido parte del continuo musical de Khan durante años..

Igualmente notable es la reinvención de Khan del material de Thelonious Monk , Herbie Hancock , Ornette Coleman y Wayne Shorter . Al integrar inteligentemente "Sanctuary y" Nefertiti de Shorter en un todo perfecto, Khan demuestra una asombrosa habilidad para interpretar con claridad material bien conocido. Si no fuera tan familiar, pensarías que lo había escrito él mismo.

Quizás el hecho de que Khan evite la grandilocuencia musical explica por qué nunca ha alcanzado la popularidad de sus compañeros. Pero The Green Field es maduro e imaginativo, mostrándolo en la cima de su juego._John Kelman (allaboutjazz)

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Steve Khan-The Green Field (2006)

Temas:

01.El Viñón (Steve Khan)

02.Congeniality (Ornette Coleman)

03.Riot  (Herbie Hancock)

04.Fist In Glove (Steve Khan) 

05.Cosecha Lo Que Has Sembrado (Steve Khan)

06.Sanctuary/Nefertiti (Wayne Shorter)

07.Eronel (Thelonious Monk)

08.You Stepped Out of a Dream (GusKahn-Nacio Herb Brown)

09.The Green Field (El Prado Verde) (Steve Khan)

Musicos:

Steve Khan (Guitarra)

John Pattitucci (Bajo acústico)

Jack DeJohnette (Batería)

Manolo Badrena (Percusión, voz)

Ralph Irizarry (Timbales (/3,5,6,8)

Roberto Quintero (Congas, percusión /3,5,6,8)

Roland Vazquez Band - The Visitor

Roland Vázquez (Big) Band apareció originalmente en clubes de Nueva York y festivales a partir de 1991. Basado en mi quinteto en ese momento (Walt Weiskopf, saxo tenor; Mark Soskin, piano; Anthony Jackson, guitarra de contrabajo; Frank Malabe, congas); las secciones de trompeta surgieron de aquellos que habían tocado en "Tides of Time" (Ted Nash, Brian Lynch, Keith O'Quinn, Jack Schatz) y de los músicos que conocí mientras enseñaba en la Escuela de Música de Manhattan (Tony Kadleck, Joel Frahm, Alex Norris, Dave LaLama). Otros jugadores destacados en esos primeros años incluyen: Ricardo Candelaria, Mike Davis, Andy Gravish, Stefon Harris, Joe Locke, Dave Mann, Ben Monder, Chris Potter, Tim Ries, Emedin Rivera, Scott Wendholt, solo por nombrar algunos.

En 2009, recibí una Beca de grabación del Fondo Aaron Copland para apoyar la grabación de estas partituras. "The Visitor", "Urantia", "Thru a Window" y "Guarabe" se desarrollaron esencialmente durante nuestras actuaciones en los años noventa; con "Whirlpool", "Sevilla" y "The Path of Change" evolucionando más recientemente. Si bien la mayoría de estos títulos se han lanzado anteriormente como versiones de quinteto o ninguna, creo que la Roland Vazquez Band de 19 piezas ofrece las interpretaciones más completas de estas composiciones hasta la fecha. Ha sido un verdadero regalo para mí trabajar con cada uno de estos destacados músicos mientras preparaba, interpretaba y grababa esta música. Su individualidad y espíritu resuenan claramente en estas pistas, y más que logran sacar esta música "de la página"._(rolandvazquez)

Con The Visitor, baterista Roland Vazquez se une a las filas de Maria Schneider y Darcy James Argue como compositor visionario del jazz contemporáneo de big band. Esta, no es de extrañar, es la versión latina. Ese sabor es la mayor ventaja de Vázquez en el disco; la percusión de la mano y los licks de piano salsa-fied garantizan su suntuosa belleza.

Aunque cinético y bailable, la preocupación de la banda es la dulzura. Nunca abruman los procedimientos con calor; el ritmo rockero de "Whirlpool" y el estilo afrocubano en "Guarabe" de Clare Fischer se acercan, pero en cada caso los vientos de madera tocan fluidos fondos legato, manteniendo las melodías bajo control. Mientras tanto, piezas como "Urantia" y "The Path of Change" se despliegan con facilidad; la primera es una salsa rápida y ligera cuyo comportamiento es una balada lujosa, la segunda es un ritmo suavemente ondulado con esperanza que tiñe cada frase.

La esperanza, de hecho, es el estado de ánimo preeminente del álbum, y los músicos lo articulan bien, a través de la moderación tanto del conjunto como de los solistas. Con 22 músicos (sin incluir a Vázquez, que solo dirige aquí), hay mucho que escuchar, pero ciertos músicos dominan. El saxofonista alto Aaron Heick podría ser llamado la estrella del espectáculo: toma magníficos solos en cuatro de las siete pistas del álbum, pero es igualmente importante como componente estructural de "Thru A Window" y "Sevilla". Asimismo, no se puede decir lo suficiente del pianista Luis Perdomo y sus acordes decididamente sonrientes, o del omnipresente canto suave del percusionista SamuelTorres. Sin embargo, The Visitor es, en última instancia, la música de Vázquez ... y su triunfo._ Michael J. West (JazzTimes)
                                                                          

                                                                                   

Roland Vazquez Band-The Visitor (2010)

Temas:
01. Urantia (feat. Aaron Heick: Alto Sax / Alex Norris: Trumpet)
02. Thru a Window (feat. Luis Perdomo: Piano/ Roger Rosenberg: Soprano Sax/ Dan Willis: Tenor Sax/ Ignacio Berroa: Drums/ Samuel Torres: Congas)
03. The Visitor (feat. Joel Frahm: Tenor Sax / Luis Perdomo: Piano)
04. Whirlpool (feat. Aaron Heick: Alto Sax)
05. Sevilla (feat. Luis Perdomo: Piano / Roger Rosenberg: Baritone Sax)
06. Guarabé (feat. Luis Perdomo: Piano / Aaron Heick: Alto Sax / Roger Rosenberg: Baritone Sax / Alex Norris: Trumpet / Samuel Torres: Congas)
07. The Path of Change (feat. Pete McCann: Guitar / Ignacio Berroa: Drums / Samuel Torres: Congas)

Musicos:

Roland Vazquez (compositor / director)

Saxos:

Aaron Heick (Saxo alto, saxo soprano, flauta)

Ben Kono (Saxo alto, flauta, clarinete)

Joel Frahm (Saxo tenor, saxo soprano)

Dan Willis (Saxo tenor, clarinete)

Roger Rosenberg (Saxofones barítono y soprano, clarinete bajo)

Trompetas & fluglehorns:

Jon Owens (Líder en 2, 4, 5 y 7)

Tony Kadleck (Líder en 1, 3 y 6)

James de la Garza

Alex Norris

Trombones:

Keith O'Quinn

Larry Farrell

Tim Albright (1-5)

Isrea Butler (6 y 7)

Jack Schatz (Trombón bajo)

Luis Perdomo (Piano)

Pete McCann (Guitarra)

James Genus (Bajo eléctrico)

Ignacio Berroa (Batería)

Samuel Torres (Congas y percusión)

Jim Hershman (Guitarra en 4)

Christos Rafaelides (Vibráfono en 1, 2 y 3)

Sean Ritenauer (Vibráfono en 4, 5 y 7)

Grupo Eduardo Saborit - Que linda es mi Cuba

                                                           

        

Eduardo Saborit Pérez (Campechuela, 14 de mayo de 1911 - La Habana, 5 de marzo de 1963) fueun guitarrista y compositor cubano. Incursionó en temas como el triunfo de la Revolución cubana, la Campaña de Alfabetización, la Lucha Contra Bandidos, la fundación de organizaciones en defensa de la Patria, entre otros aspectos, lo que de manera magistral dejó plasmado en su obra artístico musical._(ecured)

La banda campesina cubana que hoy se llama Saborit comenzó en los años 80 como Grupo Eduardo Saborit en honor a Eduardo Saborit, el difunto compositor de "Que Linda Es Mi Cuba", la canción que da nombre a este álbum. Uno de los himnos de la revolución cubana más recordados con más cariño, no aparece, irónicamente, en esta grabación.

El propio Eduardo Saborit tampoco estuvo nunca en el grupo. Pero si todo eso es un poco confuso, no se preocupe, la música no lo es. Es tan puramente cubano como las producciones de referencia del Buena Vista Social Club, aunque con un toque más rural, influenciado por estilos tradicionales como el son, la cumbia, la rumba y la guaracha e interpretado a la perfección por el conjunto de ocho piezas fundado (y todavía dirigido) por Leonardo García Alarcón. Que Linda Es Mi Cuba es el primer lanzamiento estadounidense del grupo de la ciudad de Manzanillo que ha entretenido a los lugareños durante años, algunos de los jugadores durante más de cuatro décadas. Utilizando instrumentos tradicionales caribeños como la guitarra tres y el güiro, Alarcón elabora un conjunto brillante y bailable construido alrededor de la interacción intuitiva de Saborit, la voz principal altísima, las armonías audaces y el ambiente festivo en general. El sonido es cristalino, lo que permite que la contribución de cada jugador deje su huella a lo largo de esta actuación constantemente vigorizante._Jeff Tamarkin (allmusic)

Grupo Eduardo Saborit - Que linda es mi Cuba (2006)

Temas:
01. La Invitacion de Tomasa
02. Caminito de Guarena
03. Que Bueno Suena la Timba
04. El Don Juan
05. Amargo dolor
06. La Cocaleca
07. El Platanar de Bartolo
08. Dame Tu Amor Guantanamera
09. Te Canto Mi Son
10. De Mutuo Acuerdo
11. Este Palo Tiene Jutia
12. La Musica de Mi Pais
13. El Pregon de la Tumi (Bonus Track)

Musicos:
Leon Alarcon (director musical, compositor, voz)
Sinecio Figueredo (piano)
Domingos Alcantara (voz, Tres)
Leoncio Roman ( percusión, voz)
Nicolas Nueva (Bajo, "tres" guitarra)
Miguel Arias (güiro)
Pedro Arias (Percusión, voz)
Orlando Tejeda ("tres" guitarra)