Kenny Garrett (9 de octubre de 1960) es un saxofonista de jazz y flautista que obtuvo fama en su juventud como miembro de la Orquesta de Duke Ellington y de la banda de Miles Davis. Desde entonces ha seguido una carrera de éxito y ha sido descrito como "El más importante saxo alto de su generación" por el Washington City Paper y "Uno de los más admirados saxos altos de jazz después de Charlie Parker" por The New York Times. Kenny Garrett nació en Detroit, Míchigan y en 1978 se licencia en la Mackenzie High School. Su padre era carpintero y tocaba en saxo tenor como hobby. La carrera de Garrett como saxofonista despunta cuando se une a la Orquesta de Duke Ellington en 1978, entonces dirigida por el hijo de Duke, Mercer Ellington. Tres años más tarde toca en la Orquesta de Mel Lewis, tocando la música de Thad Jones y también en el Cuarteto de Dannie Richmond, centrando en la música de Charles Mingus. En 1984, graba su primer álbum como líder, Introducing Kenny Garrett, en el sello CrissCross. Después graba dos álbumes con Atlantic: Prisoner of Love y African Exchange Student. A continuación Garrett firmó con Warner Bros. empezando con el álbum Black Hope, en 1992. Entre sus registros en Warner Bros. están Pursuance: La Música de John Coltrane, grabado en 1996 y Songbook, su primer álbum enteramente de composiciones propias, grabado en 1997 y nominado para un Grammy.
Durante su carrera, Garrett ha actuado y grabado con muchos grandes del jazz como Miles Davis, Art Blakey, Joe Henderson, Brad Mehldau, Freddie Hubbard, Woody Shaw, McCoy Tyner, Pharoah Sanders, Brian Blade, Marcus Miller, Chick Corea, John McLaughlin, Herbie Hancock, Bobby Hutcherson, Ron Carter, Elvin Jones, y Mulgrew Miller. La música de Garrett a veces exhibe influencias asiáticas, un aspecto qué es especialmente relevante en su álbum de 2006 Beyond the Wall nominado al Grammy. Garrett es más conocido en muchos círculos por los cinco años con Miles Davis, durante el periodo eléctrico de Davis y declara que se ha acostumbrado a la asociación:
"Estuve en la banda de Miles aproximadamente cinco años. Creo que la etiqueta siempre permanecerá. Fueron cinco años de mi vida. Aquello era una situación musical única ya que duró mucho más del año habitual. Para mi fueron cinco años muy buenos y he podido utilizar esa experiencia. Algunas personas se fijaron en mí a través de Miles y después vendrían a mis conciertos. Creo que es parte de mi historia y estoy orgulloso de ello. Todavía estoy probando a forjarme un nombre propio y mi propia música. Cada vez que mencionan a Kenny Garrett, probablemente habrá alguna asociación con Miles Davis, igual que cuándo mencionan a Herbie Hancock, siempre mencionan a Miles Davis o a Wayne Shorter". (allaboutjazz)..._(wikipedia
En su tercer álbum para Mack Avenue Records, Kenny Garret explora muchos terrenos. Utiliza a dos pianistas diferentes, Vernell Brown y Benito González, al bajista Corcoran Holt, a los baterías Marcus Baylor, McClenty Hunter y Mark Whitfield Jr., así como a un cuarteto de cuerda en "Brother Brown" (en la que Garret toma el relevo al piano). Todas menos una de estas 12 melodías ofrecen sofisticadas pruebas de su propio viaje a través del linaje del jazz y su empuje en los márgenes del post-bop. Hay una profunda confianza en la melodía y el canto a través de sus trompas, incluso cuando las cosas se ponen musicalmente complejas como en el tema que da título al disco, en el que explora terrenos musicales modales y orientales con su soprano. Hay citas de "My Favorite Things" de Coltrane en su solo, pero también hay momentos de armonía oriental, subrayados por los gruesos acordes de Brown, sus arpegios y sus declaraciones abiertas. También hay un par de guturales cantos vocales suyos y del pianista -el suyo cristiano, el del pianista budista- que se combinan a la perfección para señalar directamente la naturaleza espiritual de la melodía. Otros números ofrecen guiños manifiestos a sus antepasados, colaboradores e influencias. "Hey, Chick", con su aire morisco-flamenco, evoca temas que Chick Corea exploró en My Spanish Heart. "Chucho's Mambo", con su vibración de rumbero y son, es un guiño directo al pianista Chucho Valdés y también cuenta con la participación del trompetista Ravi Best y el percusionista Rudy Bird (en una de varias apariciones). "J'Ouvert" se subtitula "Homenaje a Sonny Rollins" y se inspira en el uso que el coloso del saxofón hace de los ritmos, cadencias y temas líricos del calipso. "A Side
Order of Hijiki" no hace referencia a las algas culinarias japonesas de su título, sino a la forma de tocar que describió el difunto Mulgrew Miller. Es una jam post-bop, con ostinatos afilados de González y una línea de bajo furiosa y palpitante de Holt. Una sorpresa notable es la inclusión de "I Say a Little Prayer for You" de Burt Bacharach y Hal David, con un sutil marco latino que, por lo demás, sigue el arreglo escrito para Dionne Warwick. Este es el Garrett más cancionero, y su intento más directo en el álbum de comunicarse melódicamente; como en el pasado, también revela la profunda y temprana influencia de Junior Walker en su forma de tocar. Pushing the World Away es un disco muy diverso para Garrett. Lo que no revela en swing lo hace en complejidades, sombras, arreglos impresionantes y sorprendente musicalidad._Thom Jurek (allmusic)
Altercat presenta la reedición definitiva de una de las joyas de la corona del jazz sudamericano. El proyecto Viejas Raíces, creación de Jorge López Ruiz, figura emblemática del jazz argentino, marcó el alejamiento de López Ruiz de las formas tradicionales del jazz. Sugerencia El trío que grabó este álbum, formado por López Ruiz, su amigo de toda la vida el baterista Pocho Lapouble y el talentoso pianista chileno Matías Pizarro, creó una emocionante mezcla de jazz y candombe uruguayo, rodeada de un innegable aire cinematográfico espoleado por la larga experiencia de López Ruiz en el campo de las bandas sonoras. La combinación del nombre del grupo y del título del álbum (en inglés: "Old Roots of the Colonies of the River Plate"), inteligentemente elegida, es un elemento que permite adivinar el tipo de sonidos a los que se enfrentará el oyente cuando se sumerja en este LP.
Grabado en 1976 a raíz del "Proceso de Reorganización Nacional", el período más sangriento de la dictadura en Argentina, el álbum fue inicialmente mal visto por la crítica y el público, ambos firmemente arraigados en el tradicionalismo del jazz y obviamente no preparados para las nuevas ideas que músicos como López Ruiz estaban experimentando. A pesar de ser un fracaso comercial en el momento de su publicación, el álbum ha gozado de una creciente reputación en las últimas dos décadas, aclamado por los entusiastas del jazz que lo valoran desde una perspectiva histórica diferente y abrazan su experimentación durante este revolucionario periodo de cambio.
Cuarenta y cinco años después de su lanzamiento, el álbum recibe el tratamiento Altercat con una muy merecida reedición de lujo, con sonido directo de las cintas maestras y un libreto de 12 páginas que lo acompaña, con imágenes inéditas y notas bilingües que cuentan todo lo que siempre quisiste saber sobre el álbum y quienes lo hicieron posible.
Reedición oficial de una de las joyas de la corona del jazz sudamericano, publicado originalmente en 1976 en Argentina._(soundohm)
Viejas Raices - De Las Colonias Del Rio De La Plata (1976)
Bienvenido Rosendo Granda Aguilera (La Habana; 30 de agosto de 1915 - Ciudad de México; 9 de julio de 1983) fue un cantautor cubano, apodado "El Bigote que Canta" por el prominente bigote que siempre lo acompañó. Conoció desde pequeño los sinsabores que la vida pueda ofrecer al quedar huérfano de padre a la edad de seis años. En su juventud fue conductor de guagua, como se le llama al autobús colectivo de pasajeros en Cuba. Desde pequeño mostró aptitud hacia el canto y desde su juventud fue vocalista de afamadas orquestas como la Riverside, Los Hermanos Castro, El Conjunto Caney y con el famoso Septeto Nacional, la agrupación de Ignacio Piñeiro. En 1941, hace un viaje hacia Puerto Rico, donde realizó dos grabaciones exitosas con el Cuarteto Marcano. En los años 1940, la Sonora Matancera había firmado para el sello Panart de Cuba y estaba en pleno apogeo de popularidad. En diciembre de 1944 Granda se integró a esta agrupación por recomendación del saliente Humberto Cané, hijo del cofundador y primer director del conjunto, Valentín Cané. De inmediato pasó a ser primer cantante quedándose como la voz de planta durante casi una década, también integró el coro más famoso de ese conjunto al lado de Carlos Manuel "Caíto" Díaz Alonso y Rogelio Martínez, además de hacer coros también con otros intérpretes invitados. Su primera grabación con la Sonora Matancera, fue la guaracha de la composición de Virgilio González "La Ola Marina". Este tema lo convirtió en uno de los cantantes cubanos más cotizados.
En 1948, la agrupación matancera integra a sus filas de intérpretes al internacionalmente conocido cantante puertorriqueño Daniel Santos y en 1949 a Myrta Silva, también puertorriqueña. En agosto de 1950 presentó al público a Celia Cruz que debutaba con este decano de los conjuntos. Luego de casi 10 años de permanencia con la Sonora, en marzo de 1954 y con el bolero Pecaste de Infiel de José Slater Badán, se despidió de la agrupación en su última presentación. Bienvenido Granda grabó con la Sonora Matancera unas doscientas diecisiete grabaciones, convirtiéndose en el cantante que más registro musical dejó en dicha agrupación. En una de las tantas presentaciones que tuvo con la Sonora Matancera, en un programa de Radio Progreso de La Habana, llamado "La Onda de la Alegría"; los locutores de dicha emisora: don Gustavo Pimentel Medina y don Óscar del Río lo bautizaron como "El Bigote que Canta". A partir de ese momento formó parte de su vida ese epíteto que lo hizo mundialmente conocido, por sus abundantes y llamativos bigotes y por la espléndida voz nasal que poseía. En el año de 1955 salió de Cuba rumbo a Barranquilla, Colombia. En Colombia grabó con la Sonora Antillana dirigida por Edmundo Arias y con la Sonora Silver creada y dirigida por Lucho Bermúdez. Luego se trasladaría a Venezuela, y finalmente se radicó en México, donde se nacionalizaría y viviría con su esposa Cruz María Acosta y su hijo menor Bienvenido Granda Acosta.
A mediados de la década de los 1960, fue contratado para una gira por toda América Latina, presentándose en Guatemala, Honduras, Ecuador, Perú, Chile, Argentina y Brasil, país este último donde permaneció radicado por un año y donde grabó canciones que previamente había grabado Miltinho como "El dedo del guante" y "Amor de pobre" utilizando las mismas pistas que utilizara el cantante brasileño. Regresaría a Colombia por última vez en 1977. En sus últimos años se presentó en programas musicales de la televisión mexicana pero ya su salud se estaba deteriorando. En 1983, fue internado por complicaciones gastrointestinales y una antigua afección pulmonar, falleciendo la mañana del sábado 9 de julio de ese año en el Centro Quirúrgico de México, a la edad de 67 años. La tarde del mismo día fue sepultado en el lote de actores del Panteón Jardín de la Ciudad de México. Tanto en el velorio como en su sepelio se dieron cita millares de seguidores entonando canciones que, en su voz, marcaron el sentir de toda una época. En el último momento comenzó a escucharse: "Luna, ruégale que vuelva, y dile que la espero, muy solo y muy triste, en la orilla del mar. Luna, tú que la conoces, y sabes de las noches, que juntos pasamos, en la orilla del mar"._(wikipedia)
En el proyecto La otra Cara de los Beatles la formación Pecos Beck & Tito Poyatos Band nos hace un repaso en clave de soul, jazz, latin y rock del cuarteto más emblemático del pop internacional. El inquieto pianista Luis Poyatos junto al francés Pecos Beck conforman una banda formada en el año 1998 que se empezó a dar a conocer a raíz de la grabación del disco Jazz en la Costa, donde versionaron God Bless the Childs, un homenaje a la
fabulosa banda americana Blood Sweat and Tears. el Festival Internacional de Música y Danza (FEX Granada) del año 2007. En el 2010 presentaron el evento por la comunidad andaluza Sangre ,Sudor y Lágrimas, dejando grabado un directo en vivo. En la actualidad preparan la segunda parte de Play Beatles. En el 2007 grabaron Play Beatles , con el que comenzaron a participar en diversos festivales de jazz por Andalucía, actuando en el Festival Internacional de Música y Danza (FEX Granada).
Pecos Beck. Natural de Sarraguemine (Francia), con nueve años se incorpora a un coro de canto gregoriano y a los doce años de edad cursa estudios de órgano. Desde los quince años participa como cantante en diversas formaciones de su país natal, como “The Showmen-Strianger” y la orquesta de Jaques Herat, ganando el segundo premio del Festival de Jazz de Antibes(Costa Azul). Después se trasladó a la antigua RFA, colaborando con varios grupos alemanes, como Dust Noo y Blach-Birds. En el año 1973 llega a España con el grupo Aarón junto al organista granadino Enrique Valdivieso y más tarde forma con el afamado batería Ángel Celada el grupo Falcón en Mallorca. Piruetas de la vida le trajeron a Granada donde fundaría el embrión de lo que sería posteriormente la Blues Band de Granada, con los que grabaría buena parte de su producción discográfica. Junto a Pecos Beck, o mejor dicho, por detrás, está la Tito Poyatos Band, una potente formación liderada por el pianista Luis Poyatos.
Luis Poyatos. De formación autodidacta, entra a formar parte del colectivo “Jazz granadino” en el año 1983, co-liderando bandas como Jazzmín Combo, Jazzta, etc. Ha colaborado con cantautores como Carlos Cano, grabando el LP “El tango de las madres de mayo”(1983), con grupos de pop como 091, La Guardia, grabando con ellos cuatro CD´s (1990-95). En 1993 crea la formación CUBOP, en sus dos versiones SALSA Y LATINJAZZ, produciendo dos cd´s y obteniendo el premio a la producción “Tributo a Tito Puente” (2001). En 1998 forma el proyecto Pecos B. & T. P. Band, dedicándole un homenaje al grupo emblemático Blood,Sweet & Tears y grabando un CD en vivo. En el 2002 empieza su andadura con el cuarteto de Liverpool con su último proyecto “La otra cara de los Beatles”. Graba el CD “Play´s Beatles”(2005), obteniendo varios premios a la producción.
Roy Anthony Hargrove (Waco, Texas; 16 de octubre de 1969-Nueva York; 2 de noviembre de 2018) fue un trompetista de jazz estadounidense. Estudió en la escuela Booker T. Washington High School for the Performing and Visual Arts, en Dallas. Durante su estancia en esta escuela, tuvo la oportunidad de escuchar a David "Fathead" Newman, quien tocaba para la Ray Charles Band. Newman se convertiría en una de sus influencias musicales más destacadas y principales para moldear su estilo. En 1987 encontró a su mentor, Wynton Marsalis. Cuando Marsalis visitó su escuela quedó impresionado del talento que Roy tenía, así que rápidamente le propuso darle clases particulares. También lo recomendó al productor y mánager Larry Clothier, y el resultado fue que Hargrove tuvo la oportunidad de viajar a Nueva York, y después a Japón y a Europa. Aunque su sonido es fácilmente reconocible y original, también recibió influencias de Freddie Hubbard, Fats Navarro, Miles Davis, Lee Morgan y Clifford Brown. Entre 1988 y 1989, estudió en el Berklee College of Music de Boston, pero era más fácil encontrarlo en jam sessions de Nueva York, por lo que finalmente se trasladó a The New School, en esta ciudad. Realizó su primera grabación en Nueva York con el saxofonista Bobby Watson. Poco tiempo después participó en una grabación con Superblue, Watson, Mulgrew Miller y Kenny Washington. En 1990 lanzó su primer álbum en solitario, Diamond in the Rough, de la discográfica Novus/RCA, para la que grabaría sus cuatro siguientes trabajos. Posteriormente firmó un contrato con Verve Records, lo que le dio la oportunidad de trabajar con algunos de los saxofonistas tenores más destacados del momento en With the Tenors of Our Time, que incluía a Joe Henderson, Stanley Turrentine, Johnny Griffin, Joshua Redman y Branford Marsalis. En 1993, por encargo de la Lincoln Center Jazz Orchestra, escribió The Love Suite: In Mahogany.
En 1996, la banda de Hargrove actuó en el Festival de Jazz de La Habana, donde conoce al pianista cubano Chucho Valdés, y queda fascinado por el gran talento de los artistas cubanos. Forma Crisol, de línea latina con músicos como El Negro, Changuito, junto con artistas afroamericanos como Gary Bartz, Rusell Malone y Frank Lacy. Con Crisol registra un álbum en directo del concierto en Orvieto, Italia, que titula 'Habana' (1997), el cual logra un gran éxito y gana un Premio Grammy en febrero de 1998. Destacó su participación en el disco de D'angelo Voodoo, lanzado en el comienzo del año 2000. A principios de los años 2000 formó el grupo The RH Factor, que combinaba elementos de jazz, funk, hip-hop, soul y gospel. En 2006 editó Nothing Serious (Verve) con su quinteto, un feliz regreso a sus orígenes post-bop que culminó con la publicación de Ear Food (Emarcy, 2008), un disco donde el trompetista brilla en un estilo mainstream excelentemente ejecutado, con acercamiento a los ritmos funk de los RH Factor incluidos.3 Trabajó con un gran número de músicos, entre los que se encuentran Herbie Hancock, Sonny Rollins, Michael Brecker, Jackie McLean, Slide Hampton, Natalie Cole, Diana Krall, Abbey Lincoln, Diana Ross, Steve Tyrell, Kenny Rankin, John Mayer, Rhian Benson, Carmen McRae, Shirley Horn, Jimmy Smith, Danny Gatton, Method Man, Common, Erykah Badu, D'Angelo y Gilles Peterson.
Hargrove murió de un ataque cardíaco el 2 de noviembre de 2018, después de haber sido ingresado en el hospital por un problema renal (se sabía que había estado recibiendo diálisis durante varios años). Tenía 49 años._(wikipedia)
Por fin, este aclamado y hasta ahora conservador Young Lion va más allá del neobop y se adentra en algo nuevo, fresco y potencialmente importante. Tuvo que ir a La Habana para encontrarlo, comenzando con unas jam sessions con la banda de baile cubana Los Van Van en febrero de 1996, que desembocaron en la formación de una excitante banda cubano-estadounidense de diez músicos llamada Crisol. Es cierto que este álbum es un debut algo apagado; como se escuchó en el Playboy Jazz Festival en junio de 1997, Crisol es obviamente capaz de una verdadera combustión térmica. Pero todavía se puede escuchar en este disco el embrión de su compleja fusión de ritmo afrocubano, bop e impulsos de jazz progresivo. El propio Hargrove todavía parece deslumbrado por su nuevo descubrimiento, buscando a tientas un poco
la dirección en sus propios solos. Pero desafiado por los ritmos asimétricos, se arriesga más y golpea con fuerza. Chucho Valdés, de Irakere, un pianista impresionante y músico de mentalidad progresiva, es uno de los anclajes de la banda, y Russell Malone contribuye con algunos de sus trabajos de guitarra más meticulosos e impulsados. La melodía que permanece más indeleble en la memoria es "O My Seh Yeh" del trombonista Frank Lacy, que abre y cierra el CD de forma ordenada. Pero el tema más prometedor es un humeante arreglo de "Afrodisia" de Kenny Dorham, en el que el calor de este intercambio intercultural se eleva muy por encima de la temperatura ambiente. Sólo cabe esperar que los políticos estadounidenses y cubanos renuncien a sus habituales obstáculos y permitan que estos encuentros continúen._Richard S. Ginell (allmusic)
Erroll Garner (Pittsburgh, 15 de junio de 1921 - Los Ángeles, 7 de enero de 1977) fue un pianista estadounidense de jazz, estilísticamente encuadrado en el swing y el bop. A pesar de no saber leer música, fue un músico sofisticado y popular, que mantuvo su estilo inalterado hasta el final de su carrera. Nacido con su hermano gemelo Ernest en Pittsburgh, Pensilvania, de una familia afrodescendiente el 15 de junio de 1923, o (según algunas fuentes dicen) 1921, Erroll comenzó a tocar el piano a la edad de tres años. Asistió a la High School George Westinghouse, al igual que los pianistas Billy Strayhorn y Ahmad Jamal. Garner fue autodidacta y siguió siendo tocando de oído toda su vida - nunca aprendió a leer música. A la edad de siete años, comenzó a aparecer en la estación de radio KDKA en Pittsburgh con un grupo llamado Candy Kids. A la edad de once años tocaba en las barcas de Allegheny. A los catorce años, en 1937, se unió al saxofonista local Leroy Brown. Tocó localmente a la sombra de su hermano, el pianista Linton Garner y se mudó a Nueva York en 1944. Trabajó brevemente con el bajista Slam Stewart, y aunque no era músico bebop en 1947 tocó con Charlie Parker en el tema "Cool Blues ". Aunque su admisión en el sindicato de música de Pittsburgh fue rechazada inicialmente debido a su incapacidad para leer música, finalmente cedió en 1956 y lo convirtió en un miembro honorario. A Garner se le atribuye una magnífica memoria musical. Después de asistir a un concierto del legendario pianista ruso Emil Gilels, Garner regresó a su apartamento y fue capaz de tocar una gran parte de la música que había oído. Como era bajo de estatura Garner tenía que colocar guías telefónicas sobre el banco del piano. Otra peculiaridad eran sus vocalizaciones mientras tocaba, que pueden escucharse en muchas de sus grabaciones. Ayudó a salvar la brecha para los músicos de jazz entre los clubes nocturnos y la sala de conciertos. A comienzos de los cincuenta era ya un pianista popular por la accesibilidad de su música. Su composición "Misty" se convirtió en un estándar del jazz. Garner trabajó para discográficas como Savoy, Mercury, RCA, Dial, Columbia, EmArcy, ABC-Paramount, MGM, Reprise y su propio sello Octave. Garner hizo muchas giras tanto en USA como en el extranjero, y produjo un gran volumen de grabaciones. Él era, según los informes, el músico de jazz favorito de The Tonight Show, de Johnny Carson, apareciendo en el programa de Carson muchas veces a lo largo de los años. Se retiró por motivos de salud a comienzos de 1975.
Erroll Garner murió de paro cardíaco relacionado con un enfisema pulmonar el 2 de enero de 1977. Está enterrado en el cementerio Homewood de Pittsburgh. Calificado como "uno de los pianistas más reconocibles" por el crítico de jazz Scott Yanow, Garner mostró que un "músico de jazz creativo puede ser muy popular sin diluir su música" o cambiar su estilo personal. Se le conoce como un "virtuoso brillante que sonaba diferente de cualquier otro intérprete", usando un "enfoque orquestal venido directamente desde la era del swing, pero ... abierto a las innovaciones del bop". Su estilo distintivo podría oscilar como ningún otro, pero algunas de sus mejores grabaciones son baladas, como su composición más conocida, "Misty". "Misty" se convirtió rápidamente en un estándar de jazz - y se presentó en la película de Clint Eastwood, Play Misty for Me (1971). Garner puede haber sido inspirado por el ejemplo de Earl Hines, residente en Pittsburgh, pero 18 años mayor, y había similitudes en su enfoque elástico de la sincronización y el uso de las octavas de la mano derecha. Las primeras grabaciones de Garner también muestran la influencia del estilo de piano sincopado de James P. Johnson y Fats Waller. Garner desarrolló un estilo personal que involucró a su mano derecha tocando detrás del ritmo mientras su izquierda rasgueaba un ritmo constante, creando así despreocupación y tensión en la música. La independencia de sus manos también fue evidenciada por su uso magistral de figuras de tres por cuatro y ritmos cruzados más complicados entre las manos. Garner también improvisaba caprichosas introducciones a piezas que dejaban a los oyentes en suspenso en cuanto a qué tema sería. Sus improvisaciones melódicas se mantuvieron generalmente cerca del tema melódico mientras que emplean nuevas variaciones del acorde..._(wikipedia)
Una vez finalizado su contrato con Mercury, Garner llevó su sello Octave a London Records. Mientras muchos otros músicos de su generación se pasaban al Fender Rhodes y se inclinaban por el R&B comercial o la fusión, Garner seguía tocando el piano acústico a su manera singular y clásica. Magician es un álbum que mezcla hábilmente originales con temas más habituales. Lo que lo hace genial es que Garner no nada contra la corriente de los clásicos aburridos. Para denotar el cambio de los tiempos, algunos de los estándares son de la época cercana a la que se grabó el álbum. Las canciones de Burt Bacharach y Hal David "(They Long to Be) Close to You" y "Watch What Happens" reciben un tratamiento cálido y sin esfuerzo. Garner toca con viveza en todo momento, y es evidente que está de buen humor (sus característicos gruñidos son el mejor indicio). También hace algunos grandes originales aquí, incluyendo el romántico "Nightwind" y el gospel y ragtime influenciado por "One Good Turn". El sonido distintivo de Magician también proviene de la sección rítmica del bajista Bob Crenshaw y el batería Grady Tate. Estos músicos, así como el órgano de Norman Gold, hacen que este disco suene como el gran álbum de jazz de los 70 que es. Tanto si lo encuentras en CD como en vinilo, Magician es uno de esos trabajos que hay que incluir en cualquier colección ecléctica._Jason Elias (allmusic)
Erroll Garner - Magician (1974-R2020) Temas: 01. (They Long To Be) Close To You (B. Bacharach/H. David) 02. It Gets Better Every Time (E. Garner) 03. Someone To Watch Over Me (G. & I. Gershwin) 04. Nightwind (E. Garner) 05. One Good Turn (E. Garner) 06. Watch What Happens (J. Demy, M. Legrand, N. Gimbel) 07. Yesterdays (J. Kern, O. Harbach) 08. I Only Have Eyes For You (A. Dubin, H. Warren) 10. Mucho Gusto (E. Garner) Musicos: Erroll Garner (Piano) Bob Cranshaw (Bajo, bajo eléctrico) Grady Tate (Percusión) José Mangual (Congas) Norman Gold (Órgano)
Janet Seidel (28 de mayo de 1955 – 7 de agosto de 2017) fue una cantante de jazz y pianista australiana. Seidel estudió en el Conservatorio Elder de la Universidad de Adelaida (BMusic, 1973-1976). Trabajó como profesora de música de secundaria en Australia del Sur y como músico profesional tocando el pianista y cantando. De 1976 a 1980, fue miembro activo del Adelaide Feminist Theatre Group. Compuso los arreglos para piano de su primer espectáculo, The Carolina Chisel Show (1976). Para el melodrama musical The Redheads' Revenge (1978), escribió y arregló todas las canciones, dirigió y tocó en la orquesta y también participó en el guion, producción y dirección del espectáculo. Para la revista Out of the Frying Pan (1980), escribió cinco canciones originales, colaborando con Judy Szekeres en el arreglo musical, tocando en la orquesta y participando en la coreografía. Janet Seidel surgió como una de las principales vocalistas de cabaret y jazz de Australia. Apareció con frecuencia en los mejores locales de jazz y hoteles de Australia a principios de los años 80. Janet Seidel también actuó en festivales de jazz en los Estados Unidos, trabajando con notables de jazz como Harry Allen, Dan Barrett, Dave McKenna y Michael Moore. Su primera aventura en el cabaret tuvo lugar el año 2000 cuando protagonizó el musical Doris and Me, homenaje a la carrera de la cantante de Doris Day.
Con el sello LaBrava publicó sus 18 álbumes CD, grabados con músicos como el saxofonista Tom Baker y su hermano, el bajista David Seidel. Fueron nominados para los premios ARIA Music Awards. sus álbumes The Way You Wear Your Hat, The Art of Lounge, vol. 2 y Moon of Manakoora. Este último obtuvo en 2006 el Premio Bell al Mejor Álbum Vocal de Jazz Australiano. Seidel era considerada toda una institución en su país. Fue profesora de música en la Sydney Girls High School. Seidel no tenía una gran voz pero supo usar sus cualidades vocales con gran habilidad y eficacia. De estilo íntimo, Seidel fue una de esas vocalistas simultáneamente narradora y cantante. La forma en que manejó la música resultó ser una combinación de Blossom Dearie y Doris Day, y aproximaciones esporádicas a Julie London, pero de estilo más "jazzista" que el de estas dos últimas. Al igual que Jeri Southern, Shirley Horn y Diana Krall, solía tocar el piano en sus actuaciones. Las numerosas grabaciones que hizo nos muestran una voz exquisita, gentil y ágil que ensalzaba cada canción que interpretaba, fueran sus versiones de canciones clásicas o las canciones pop.
Seidel murió el 7 de agosto de 2017 de cáncer de ovario en Sídney, a la edad de 62 años. En septiembre de 2018 salió publicado en Japón un CD póstumo de canciones inéditas titulado You Are There, y producido por David Seidel._(wikipedia)
"Moon Of Manakoora" de Janet Seidel se produjo originalmente para un sello discográfico japonés y se lanzó allí en julio de 2005, donde alcanzó el número 1 en la prestigiosa lista de jazz vocal del Swing Journal de Japón. En noviembre de 2005, La Brava Music lo publicó para el mercado australiano y es un álbum delicioso. Presenta las voces más cálidas de Janet Seidel en un repertorio de jazz de ensueño.
Yiorgos Fakanas. En 1980 participó en la histórica grabación de "Lilipoupolis", de Manos Hadjidakis (compositor de la oscarizada partitura de la famosa película "Nunca en domingo"), y desde entonces ha participado en numerosas grabaciones de otros compositores, que suman más de 700 discos. Formó el grupo ISKRA, que se convertiría en el primer grupo de jazz-fusión del país, y participó en la orquesta EUROJAZZ como único representante griego, realizando giras por toda Europa. Tiene 7 CDs como líder (A New day, Parastasis, Horizon, Amorosa, Stand Art, Echoes y Domino), con la colaboración de muchos músicos griegos y extranjeros, entre ellos Dave Weckl, Mike Stern, Wallace Roney, Lenny White, Brett Garsed, Bob Franceschini y muchos otros. Ha ofrecido numerosos conciertos interpretando su propia música y dirigiendo algunas de las mayores orquestas griegas (Orquesta de la Radiotelevisión, Big Band de la Radio Griega, Orquesta Nacional de Música Griega, así como numerosos conjuntos y orquestas internacionales) en la "Sala de Conciertos de Atenas-Megaron" , el Teatro Lycabettus, Herodion y la "Sala de Conciertos Pallas".
Además de componer e interpretar música para cine y teatro, Yiorgos fundó la "Escuela de Música Artística Y.V. Fakanas", donde es supervisor y Director Artístico del Departamento de Música Contemporánea. Ha enseñado continuamente bajo eléctrico y teoría contemporánea, y más de 600 bajistas han estudiado con él, algunos de los cuales han llegado a convertirse en destacados músicos profesionales. Como autor, tiene en su haber no menos de 17 libros sobre interpretación del bajo eléctrico y teoría musical, que se enseñan en todos los conservatorios griegos y en muchos del extranjero. También fundó ATHIN._(allaboutjazz)
El último trabajo de Yiorgos, Maestro (2011), es un proyecto que lleva años gestándose. Fue contratado para crear la música de la obra "Fantasía y fuga", basada en la vida de Mitroupolos. Con el tiempo compuso diez piezas impresionantes para este proyecto, y reunió un conjunto de primera clase para grabar estas composiciones, incluyendo invitados especiales como Alex Acuña, Bireli LaGrene, Eric Marienthall y Scott Kinsey.
La composición (por no hablar de la interpretación) de Yiorgos es nada menos que de primera categoría, saltando estilos y paisajes musicales a la vez que muestra el talento de este espectacular conjunto de músicos. No puedo enfatizar lo suficiente la destreza compositiva de Yiorgos en este esfuerzo. El poder de la pluma de este músico le sitúa en una clase propia y, lo que es mucho más importante, lleva al oyente a un gran viaje respaldado por la magnífica interpretación de todos los participantes. Una vez más recurro a mi frase de cabecera... se trata de un trabajo del siglo XXI, un salto de género en su máxima expresión en el que la "música", y no la interpretación, es el centro de atención (aunque la interpretación es muy difícil de ignorar). También sería un flaco favor no mencionar la gran voz que Yiorgos ha desarrollado con su hacha... un gran conjunto y momentos de improvisación inspirados._Jake Kot (bassmusicianmagazine)
Nacido en Costa de Marfil de padres profesores, Samy Thiébault siguió una carrera clásica en el CNR de Burdeos antes de ingresar al prestigioso Conservatorio Nacional Superior de Música de París en 2004 en la clase de jazz de la que se graduó en 2008. Paralelamente a sus estudios musicales, obtuvo una maestría en filosofía con honores unánimes de la Sorbona (2001). "Blues For Nel" fue lanzado en 2004, luego siguió con cierta regularidad "Gaya Scienza" en 2007, "Upanishad Experiences" en 2010. También es la primera producción del sello del que es el iniciador y ahora el director artístico, “Producción Musical Gaya”.
En 2013 apareció "Clear Fire", que le permitió conquistar a un público que creció con los lanzamientos y conciertos en los que encontramos en casa un juego "Coltranien en el mejor sentido del término" (Nouvel Obs). La prensa también es unánime: Revelation JazzMag, Coup de Coeur France Musique, Playlist TSF, Séléction JazzNews, L'Humanité, Télérama... curso que imparte a los alumnos del conservatorio de Choisy Le Roi..._(samythiebault)
Tras una extensa trayectoria musical que ha caminado muchos territorios con pasos jazzísticos, el tenorista y compositor Samy Thiébault nos ofrece con su último álbum AWÉ! una obra fresca y redonda que bien podría entrar dentro del espectro del latin jazz. Asombra de esta música que consigue asociar ambición y humildad, sofisticación y sencillez con un equilibrio armonioso entre una candorosa orquestación y nítidos solos.
Para alguien cuya carrera musical se ha desarrollado principalmente en Europa, es sorprendente no solo la diversidad de culturas con las que ha permitido nutrir su composición, sino la fina sensibilidad con que lo ha logrado. La discografía del nacido en Costa de Marfil ha transitado del jazz clásico y moderno –con álbumes como su debut Blues for Nel (2004), Clear Fire (2013) y el loquísimo Upanished Experiences (2010)– hacia atrevidas exploraciones de música orquestal, incorporación de ritmos caribeños, coqueteos con raggas de la India –con la trilogía ahora conclusa de Caribbean Stories (2018), Symphonic Tales (2019) y Awé! (2021)–, habiendo pasado hasta por un tributo a la banda británica The Doors –Feast of Friends (2015)–.
Con el aclamado por la crítica internacional AWÉ!, un viaje en barco de vapor de Brasil al caribe, el cartógrafo musical (además graduado en filosofía) Samy Thiébault nos demuestra una enorme capacidad de dirigir una banda (compuesta además por excelentes músicos), con habilidades arreglísticas de veterano y composiciones de madurez elegantísima. Una escucha sin duda imperdible para apreciar tanto activa como pasivamente, sentados o bailando._Pablo Garza (contratiempojazz)
Orestes Macías. Leyenda del bolero en Cuba. Fue cantante de la Orquesta Hermanos Castro, los conjuntos Casino y Rumbavana, con el cual grabó numerosos boleros y sones en su estilo muy cubano, algunas de sus grabaciones son muy conocidas internacionalmente. Defendió con su interpretación a más de cuatrocientos números musicales. Nació en Bejucal, 9 de noviembre de 1934. En 1943 viajó con su familia a La Habana. Llegó a la Habana y se presentó en un concurso de canto en compañía de un amigo, que promovía Pumarejo, que por aquel entonces era el dueño de la CMQ; a la competencia la denominaron Buscando estrellas, finalmente ganó el premio, interpretando un número mexicano llamado El jinete. Después, en 1950, se incorporó al grupo Vas-Cané junto a músicos que venían de la Sonora Matancera. Allí estuvo un tiempo, hasta que tuvo el privilegio de ingresar a la orquesta de Arcaño y sus maravillas, en esta agrupación compartió con músicos de la talla de Orestes “Cachao” López y Félieina.
A mitad de los cincuenta formó parte de la Orquesta de los Hermanos Castro y terminó alternando este trabajo como cantante del Conjunto Casino.
Dentro de Rumbavana transcurrió la mayor parte de su historia como cantante, allí estuvo a partir de 1958; y al grabar Vanidad con ellos, saltó a la gloria. Los sesenta fueron maravillosos, de un gran romanticismo; y en los setenta tuvo el privilegio de vivir con esta agrupación la que considero como “la época de oro” de las orquestas de música popular en Cuba. Con Rumbavana las experiencias fueron extraordinarias, sobre todo vinculadas a la numerosas giras que realizaron por diferentes países._(ecured)
Orestes Macías falleció en La Habana a la edad de 86 años de edad (25 de marzo de 2020)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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