Kenny Burrell - Have Yourself a Soulful Little Christmas

Kenneth Earl Burrell, conocido en el mundo profesional del jazz, como Kenny Burrell (31 de julio
de 1931. Detroit, Michigan), nació en una de las grandes localidades del blues en los EE.UU. la muy industrial ciudad de Detroit. En su familia todos eran músicos y el ambiente no podía ser mas propicio para un joven que pronto se agarró a la guitarra de su hermano adoptando desde entonces el instrumento de cuerdas. Burrell comenzó a tocar la guitarra a los 12 años y rápidamente cayó bajo la influencia de artistas como Charlie Christian, Django Reinhardt, Oscar Moore, T-Bone Walker y Muddy Waters. Rodeado por la vibrante escena de jazz y blues de Detroit, Burrell comenzó a tocar en la ciudad y contaba entre sus amigos y compañeros de banda con el pianista Tommy Flanagan, los saxofonistas Pepper Adams y Yusef Lateef, el baterista Elvin Jones y otros. En 1951, le llega el primer contrato serio  de la mano de un genial trompetista llamado Dizzy Gillespie, que por aquel entonces dirigía un sexteto donde también tocaba el vibrafonista Milt Jackson, y un jovencísimo saxo tenor que años mas tarde revolucionaría el mundo del jazz llamado, John Coltrane. Precisamente con el quinteto de John Coltrane, Kenny Burrell grabaría años mas tarde, en 1958, dos discos de culto en su discografía.

A mediados de los cincuenta, Burrell Interrumpe brevemente su carrera musical para terminar los estudios de guitarra clásica en la «Wayne University» donde termina graduándose en 1955 con un diploma de »Bachelor of Music». Al año siguiente lo llaman para acompañar a Billie Holiday, en un magno concierto en el Carnegie Hall grabado por el sello Verve. Como recompensa a su buen hacer, empieza a ser llamado por diferentes grupos de jazz de distintos estilos. Así toca con los «Jazz Prophets» de Kenny Dorham, con Gene Ammons, y sobre todo con el organista, Jimmie Smith, con quien ha grabado numerosos y espléndidos disco para Blue Note. Pero Kenny Burrell, tiene también una amplia y excepcional discografía como líder de grupo y para los sellos mas prestigiosos como: Prestige, Verve, Cadet o Blue Note.
Ya consolidado en la élite, le sale un dificilísimo competidor en la persona de Wes Montgomery, quien es prácticamente el mejor guitarrista en aquella época.  En 1965 graba para Verve, el que es considerado uno de sus mejores discos: «Guitar Forms». Abre un local de jazz al que bautizó como: «The Guitar» y en los años setenta y ochenta viaja por todo el mundo para establecerse definitivamente en la Costa Oeste de los EE.UU. donde vive retirado en la actualidad._(apoloybaco)

Se han utilizado muchos adjetivos para transmitir el sentimiento navideño. "Alegre", "jovial" y "feliz" parecen haberse ganado el favor de la ciudadanía sensata. El resto de nosotros, que formamos parte de esa minoría marginal de "espíritus libres", somos un poco más desenfadados y recurrimos a términos como "genial", "maravilloso" o "fantástico". Pero una sola palabra, si todos la aceptaran racionalmente, bastaría: conmovedora. Porque eso es realmente lo que significa la Navidad. Se trata de esos sentimientos que trascienden la expresión humana, esas reflexiones que  desafían la cristalización. No hay momento de mayor impacto emocional que eluda la definición. Este álbum es su invitación a disfrutar de una Navidad libre y conmovedora con un maestro expresionista. Más, nadie podría desear.

Kenny Burrell es miembro de la élite del jazz, supongo, aunque estoy seguro de que nunca se molestaría en hacer tales categorizaciones. Sin embargo, se encuentra en  esa envidiable etapa de crecimiento en la que la mejora es una cuestión de desafío personal, ya que su interpretación ha superado todas las pruebas externas y ha sido aceptado como un artista verdaderamente consumado. La verdad es que un verdadero artista nunca está acabado. Burrell lo reconoce y por eso cada álbum que graba muestra un crecimiento y un desarrollo musical constantes. Este no es una excepción.

Hay una delicada sensibilidad en la obra de Burrell. Y hay un sentimiento blues recurrente. Detrás de estas dos cualidades se encuentran la habilidad técnica y el buen gusto que hacen que esa sensibilidad canta. Ya sea que esté tocando hábilmente una línea de una sola nota o llenando tu corazón con el sonido completo de un acorde, se muestra seguro y completamente cómodo con su instrumento. Hace que su música suene casi elementalmente fácil. En realidad, desarrolla líneas y patrones extremadamente complicados. Lo que disfrutamos es el arte, no la facilidad.

La característica más destacada de este álbum es su amplia y variada selección. Abarca desde canciones infantiles hasta estándares internacionales, desde temas populares hasta blues conmovedores, desde góspels hasta temas con sabor latino. Aunque la mayoría de ellos se han consolidado como   canciones navideñas, varios de ellos no lo han sido hasta ahora. My Favorite Things nunca ha encontrado un escenario más apropiado que este álbum navideño.

The Little Drummer Boy es alegre y animado. Todos lo sabíamos. Burrell nos muestra aquí que también es un pequeño swinger muy funky. Incluso los brillantes y sobrios instrumentos de viento, que comienzan con tanta majestuosidad, se contagian y pronto se unen al baterista en pleno apogeo. Hove Yourself a Merry Little la Navidad fluye suave y fácilmente. Burrell se expresa con sencillez y un ligero toque de fraseo blues. Richard Evans proporciona un colchón fluido con las cuerdas, que se balancean ligeramente bajo la guitarra.

Burrell es lineal y directo en My Favorite Things. Hay un fondo grande y audaz que Evans ha utilizado con cuidado. El gran sonido nunca resulta pesado ni limitante, sino que ataca y puntúa como un único instrumento. El solo de Burrell aquí es una amplia prueba de la complejidad y flexibilidad del músico.

Tal y como comienza aquí, Away in a Manger es una  canción de cuna. Desde un comienzo suave, Burrell construye una declaración intensamente personal y conmovedora. Una vez más, las cuerdas, que a veces tienen la desafortunada tendencia a volverse empalagosas, siguen siendo ecos fluidos y  el suspiro final les pertenece.

El aderezo latino viene con el sencillo Mary's Little Boy Chile. Justo después viene el clásico White Christmas. Aquí Burrell muestra el buen gusto que lo hace destacar. No usa trucos ni adornos extra para darle vida a la conocida melodía. La presenta con una hermosa sencillez.

God Rest Ye Merry Gentlemen empieza con el tono alegre y ligero que asociamos con la melodía inglesa. Más que ninguna otra del álbum, esta melodía pronto se convierte en ese atractivo sonido antifonal por el que Burrell muestra cada vez más interés últimamente. Aquí le da una dimensión completamente nueva a una melodía familiar. The Christmas Song es otra vez una declaración directa. Pero, ¿qué músico con gusto alteraría la estructura básica cuando lo único que se necesita es sensibilidad en la interpretación?

Go Where I Send Thee comenzó su andadura como espiritual. Aquí, Burrell la interpreta a un tempo alegre y animado, y la melodía toma prestada la atmósfera de sus vecinas para convertirse en un especial navideño de gran sonido. Silent Night es familiaridad refinada y reafirmada, un ejercicio de moderación para el guitarrista. The Twelve Days of Christmas rebosa un alegre espíritu festivo y Burrell termina el álbum con un blues contemplativo, Merry Christmas, Baby.

La Navidad puede traerte muchos recuerdos. Si es así, este magnífico álbum, que muestra el talento de Kenny Burrell y Richard Evans, te proporcionará sin duda la música para recordar. Paz._Barbara J.  Gardner

                                                                                 

                                                                       

Kenny Burrell - Have Yourself a Soulful Little Christmas (1966) 

Temas:

01. The Little Drummer Boy (Harry Simeone, Henry Onorati, Katherine K. Davis)

02. Have Yourself a Merry Little Christmas (Hugh Martin, Ralph Blane)

03. My Favorite Things (Rodgers & Hammerstein, Rodgers & Hammerstein)

04. Away in a Manger (Kenny Burrell)

05. Mary's Little Boy Chile (Jester Hairston)

06. White Christmas (Irving Berlin)

07. God Rest Ye Merry Gentlemen (Esmond Edwards, Richard Evans)

08. The Christmas Song (Mel Tormé, Robert Wells)

09. Go Where I Send Thee  (Esmond Edwards, Richard Evans)

10. Silent Night (Kenny Burrell)

11. Twelve Days of Christmas (Esmond Edwards, Richard Evans)

12. Merry Christmas Baby (Johnny Moore, Lou Baxter)

Orquesta arreglada y dirigida por Richard Evans

Kenny Burrell (Guitarra)

Grabado: octubre de 1966, en Ter Mar Syudios, Chicago

Tino Contreras - El Jazz Mexicano

El baterista mexicano, Tino Contreras, (3 de abril de 1924, Chihuahua, México – 9 de septiembre de 2021, Ciudad de México, México), es en su país y en el mundo del jazz latino una verdadera leyenda.  Creador y compositor, durante cinco décadas ha dado renombre a México en todo el mundo. Ha grabado más de 40 discos en Argentina, España, Francia, Alemania, y por supuesto, México. En los años cuarenta forma su primera orquesta «Los cadetes del swing» en su ciudad natal, Juarez Chihuahua. Debuta con la orquesta de Luis Alcaráz a principio de los años cincuenta realizando su primera gira por Sudamérica y el Caribe.
Posteriormente forma lo que fue su primera orquesta en ciudad de México, destacándose como el baterista más importante de la época. En 1954 graba el disco «Jazz en México» y desde entonces, su discografía es prolífica y fueron muy destacados los siguientes trabajos: «Jazz Tropical» (1962); «Misa en jazz» (1966); estrenada en el Palacio de Bellas Artes México, «Jazz mariachi» (1973); «Sinfonía Tarahumara Jazz» (1984); y «Betsabe Jazz fantasía» (2004) entre otras.

Su ingenio y gran creatividad le han llevado a fusionar infinidad de elementos e instrumentos musicales incluido diversos instrumentos prehispánicos. Se ha destacado a lo largo de su carrera no sólo como un extraordinario baterista y compositor, sino también como un interesante pianista, trompetista, y vocalista. Ha representado a México en importantes clubes y festivales de jazz en EE.UU., Europa, Asia y América del sur. Galardonado por su importante labor como difusor del jazz recientemente obtuvo premios como la distinción de «The Emmy Awards» en 1997 y «Bravo» en 1999.
Con motivo de sus cincuenta años de profesión, Tino Contreras ofreció un concierto conmemorativo el 9 de julio de 2004. Asimismo esa historia vivida intensamente por Tino Contreras ha sido recogida en sus libros ‘Mi amor al jazz’ o ‘La historia del jazz en México’.

Uno de los momentos cumbres en la carrera de Toni Contreras fue cuando Chico O´Farrill y él, se presentaron en octubre de 1962 y agosto de 1963, respectivamente, en el Palacio de Bellas Artes, el templo de la música clásica. O’Farrill ofreció su famosa «Aztec Suite» con Chilo Morán como solista,- una suite que él había escrito originalmente para Art Farmer, – mientras Contreras presentó: «Orfeo en los Tambores», acompañado por el Ballet de Cámara del Palacio._(apoloybaco)

Este recopilatorio, reeditado por el sello europeo JAZZMAN, presenta grabaciones de los años 50 y 60 de Tino Contreras, baterista, compositor y arreglista activo en México desde mediados del siglo XX. Esta colección muestra el trabajo de Contreras con una orquesta que abarca desde el jazz latino con influencias del hard bop hasta temas exóticos y poco conocidos con toques de mondo, pasando por el mambo neoyorquino. El enfoque desenfadado y sin restricciones, que refleja la delicada naturaleza de la interpretación de jazz y música latina en México, resulta sorprendentemente refrescante. ¡La selección de músicos es toda una revelación! Silvestre Mendes toca la batería en al menos dos temas, y el segundo, una malagueña, es sin duda su tumba. También aparece en otros temas con músicos desconocidos.

                                                                           

Tino Contreras - El Jazz Mexicano (2011)

Temas/musicos:

01. Orfeo En Los Tambores

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Editado por Typic (Francia)

02. La Malagueña

Tino Contreras (Batería)

Cuco Valtierra (Saxo barítono, saxo tenor)

Humberto Cané (Bajo)

Silvestre Méndez (Congas, bongó)

Al Zúñiga, Pedro Placensia (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

03. En El Viejo Estambul

Tino Contreras (Batería)

Leo Carillo (Bajo)

Tomás Rodríguez (Flauta)

Mario Contreras (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Fred Tatman (Vibráfono) 

Publicado por Musart (México)

04. Santo

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

05. Safo “La Sacerdotiza Del Amor

Tino Contreras (Batería)

Mike Bravo (Saxo alto, flauta)

Víctor Ruiz Pasos (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

06. Credo

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

07. Poinciana

Tino Contreras (Batería)

Cuco Valtierra (Saxo barítono, Saxo tenor)

Humberto Cané (Bajo)

Silvestre Méndez (Congas, bongó)

Al Zúñiga, Pedro Placensia (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

08. El Hombre Del Brazo De Oro

Tino Contreras (Batería)

Humberto Cané (Bajo)

Al Zúñiga (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

09. Jazz En El Cairo

Tino Contreras (Batería)

Mike Bravo (Saxo alto, flauta)

Víctor Ruiz Pasos (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

10. What Is This Thing Called Love

Tino Contreras (Batería)

Al Zúñiga (Piano)

Humberto Cané (Trompeta)

Otro personal desconocido

Publicado por Capitol (EE. UU.)

11. Visnu

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Editado por Berta (España)

12. Gloria

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

13. Rescate

Tino Contreras (Batería)

Leo Carrillo (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Tomás Rodríguez (Saxo tenor, flauta)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

14. Kyrie

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

15. Orbita

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por TENA (México)

16. Ravi Shankar

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Grabación en directo

Sam Vloemans - Otrabanda

Sam Vloemans (Curazao, 25 de abril de 1979) es un multiinstrumentista, compositor, arreglista y productor belga. Toca la trompeta, el fliscorno, la percusión, los timbales y los teclados.
Sam Vloemans nació en Curazao (Caribe), pero poco después se mudó a Meer (cerca de Hoogstraten), Bélgica. Tras graduarse de la escuela de arte de Turnhout, estudió en el Real Conservatorio Flamenco de Amberes y en Codarts.
Compuso y realizó arreglos para diversos proyectos y bandas. Su primer proyecto, Grand Groove, comenzó en 1999, seguido posteriormente por el Sam Vloemans Quartet, con el baterista Teun Verbruggen, el bajista Henk de Laat y Arno Krijger en el órgano Hammond.
Para el festival Motives for Jazz de Genk en 2006, creó el proyecto MuStique, con músicos de Bélgica, los Países Bajos y Cuba.

Como "Artista residente" en 2008 en el Warande de Turnhout, presentó "Bord du Nord", con el baterista Louis Debij y la acordeonista Gwen Cresens, el bajista Henk de Laat, el guitarrista Hendrik Braeckman y la cantante invitada alemana Sabine Kühlich. En 2025, hubo una continuación, "Bord du Nord II", con Gwen Cresens al acordeón y bandoneón, Dominique Vantomme al piano y Lara Rosseel al contrabajo..._(wikipedia)

El título del álbum, «Otrabanda», significa «el otro lado» en papiamento, la lengua mestiza de la isla natal de Curazao. Esto alude a su constante búsqueda de nuevas relaciones. Por ejemplo, en su trabajo anterior, «Bord du Nord», fusionó el jazz con la chanson y el cabaret de Kurt Weill.

En esta ocasión, el foco está puesto en los ritmos exóticos de Curazao. Vlumans escuchó con atención a músicos de jazz estadounidenses como Herb Alpert y Chuck Mangione. Eric Truffaz, Miles Davis e incluso Santana también son valiosas fuentes de inspiración. Entre los invitados figuran Tutu Puoane y Peter Delannoye. Gracias, en parte, a su conexión con la música del mundo, este jazz melódico resulta accesible al público en general._Georges Tonla Briquet (bruzz.be/culture)

                                                                      

                                                                                     

Sam Vloemans - Otrabanda (2011)

Temas:

01. Intro

02. Groove 1

03. The River 

04. T-Vision 

05. Otrabanda 

06. Little Vamp

07. Ièdo

08. Bonaire

09. Must Be My Soul 

10. Evening Jam 

11. Descarga D'Allegria 

12. La Walse Nocturne

Musicos:

Sam Vloemans (Trompeta, fliscorno, timbales, percusión, beatbox, palmas, voz, Rhodes)

Pat Dorcean (Batería, percusión haitiana)

Roberto Mercurio (Bajo eléctrico)

Bart Oostindie (Guitarra eléctrica, guitarra acústica, ukelele, palmas, voz)

Tom Verschoore (Trombón)

Mike Roelofs (Wurlitzer, Rhodes, Hammond, palmas, voz)

Invitados:

Awel Serra Garcia (Conga en temas #5, #6, #7, #8, #10, #11, chekere en temas #6, #7)

Tutu Puoane (Voz en temas 7, 10, palmas en temas 2, 5, 10)

Chantal Kashala(Voz en temas #7, #10, palmas en temas #2, #5, #10)

Steve Kashala (Voz en temas #2, #3, #5, #7, #8, #10, palmas en temas #2,#5,#10)

Monique Harcum (Voz en temas #7,#10)

Peter Delannoye (Solo de trombón en tema #10, descarga en tema #11)

Geert Hellings (Lapsteel en tema #4, guitarra slide en tema#7)

Frans Grapperhaus (Violonchelo en temas #4,#12)

Mount Everest - Latin Blue

Mount Everest fue un grupo de jazz sueco formado en 1972 en Gotemburgo.

Mount Everest fue fundado por Gilbert Holmström y sufrió muchas transformaciones. 

En el momento de la publicación de su primer álbum homónimo, Mount Everest era una banda de ocho miembros, entre los que se encontraba el pianista Lars Jansson, y tocaba una especie de jazz rock, pero posteriormente se redujo a un trío formado por Holmström, Kjell Jansson y Conny Sjökvist. En su segundo álbum, Waves from Albert Ayler, este trío tocaba free jazz al estilo de Albert Ayler. Para el tercer álbum se reclutó a Ronny Johansson, Matz Nilsson y Anders Kjellberg, ambos antiguos miembros de Soffgruppen. El tercer álbum contiene jazz rock y el grupo recibió el premio Jazz i Sverige en 1979. Al año siguiente, Kjellberg fue sustituido por Michael Andersson, lo que dio al cuarto álbum del grupo, Latin Doll (1981), influencias latinas. Esto se hizo aún más evidente en el quinto y último álbum, Latin Blue (1983), cuando Arturo Trujillo se incorporó al grupo con las congas._(wikipedia)

                                                                               

                                                                                 

Mount Everest - Latin Blue (1983)

Temas:

01. Rollin' On The Amazon (Gilbert Holmström)

02. Fitzcaraldo (Gilbert Holmström)

03. Samba Regina (Gilbert Holmström)

04. Latin Blue (Gilbert Holmström)

05. Hammond Plate (Peter Almqvist)

Musicos:

Gilbert Holmström (Saxo tenor)

Peter Almqvist (Guitarra eléctrica)

Ben Besiakov (Piano de cola, teclados)

Yasuhito Mori (Bajo)

Michael Andersson (Batería)

Arturo Trujillo (Congas, percusión)

Grabado en Kungsälv, Suecia del 4 al 5 de septiembre de 1983 en Studio Bohus

Vince Guaraldi Trio - Jazz Impressions Of Black Orpheus

Vincent Anthony Dellaglio, conocido en el mundo profesional de la música como Vince Guaraldi

(17 de julio de 1928, San Francisco, California, Estados Unidos – 6 de febrero de 1976, Menlo Park, California, Estados Unidos), fue un pianista de jazz conocido principalmente por sus innovadoras composiciones, arreglos musicales y componer la música para la serie animada de televisión Charlie Brown. También alcanzó gran notoriedad como miembro de los grupos de Cal Tjader en los 50 y por una exitosa carrera en solitario.
Vince Guaraldi se graduó en la Lincoln High School de San Francisco, y más tarde amplío sus estudios en la Universidad Estatal de San Francisco. Su debut discográfico lo hizo con el trío del guitarrista, Cal Tjader en noviembre de 1953 y fue lanzado en formato LP con el título de «The Cal Tjader Trio». En 1955 Guaraldi formó su propio trío con Eddie Duran and Dean Reilly. En 1959 comenzaría una carrera en solitario para dedicarse a sus propios proyectos a tiempo completo.
Fantasy Records lanzó en 1962 el single «Samba de Orpheus» en un intento de engancharse a la ola de bossa nova que imperaba entonces pero fue la cara B con el tema de Guaraldi «Cast Your

Fate to the Wind» el que empezó a escucharse en las emisoras de radio. Por este tema, recibió en 1963 el premio Grammy a la mejor canción original de jazz.

Este mismo año, Guaraldi grabó un álbum titulado «Vince Guaraldi, Bola Sete and friends» con Bola Sete a la guitarra, Fred Marshall al bajo y Jerry Granelli en la batería. Aquí comenzó un periodo de colaboración con Bola Sete donde Vince experimentó con la bossa nova y el piano eléctrico. Poco tiempo después Guaraldi volvió a retomar su faceta de compositor y pianista para el coro de la catedral de San Francisco...._(apoloybaco) 

Una de las películas más notables y emocionantes vistas en Estados Unidos en los últimos años fue la ganadora del Gran Premio del Festival de Cannes de 1959, una narración visual lírica, evocadora y rapsódica de la leyenda de Orfeo, ambientada en el Carnaval de Río de Janeiro. Se tituló "Orfeo Negro" y, salvo raras excepciones, cautivó los corazones y la imaginación de quienes la vieron.

También cautivó sus oídos, pues contenía varias canciones hermosas, una gran cantidad de música de fondo cautivadora y todo ello con los ritmos maravillosamente vibrantes y llenos de energía propios de la peculiar fusión de melodía latina y ritmo africano que caracteriza la música brasileña contemporánea.

Dada la situación, era natural que los músicos de jazz se sintieran atraídos por esta música. 

No todas las interpretaciones de bandas sonoras de películas en clave de jazz han tenido éxito, pero "Orfeo Negro" fue diferente. En primer lugar, era auténtica: grabada en directo, no en un estudio, y esa autenticidad se mantuvo a lo largo de toda la película.

En segundo lugar, existe una correlación natural entre el jazz estadounidense y esta música: su influencia africana mutua. Así que, cuando Vince Guaraldi se sintió atraído por la música de "Orfeo Negro", era lógico e inevitable que la convirtiera en una parte fundamental de su repertorio.

Era igualmente lógico e inevitable que se convirtiera en una de las piezas más atractivas de ese repertorio. Desde la primera noche que interpretó "Samba" y "Generique", el público ha quedado impresionado por la fuerza de su mensaje musical.

Una de las cosas que hacen del jazz una música tan atractiva es la gran calidad de la comunicación emocional que genera. Así, hombres que fuera del escenario parecen más propios de un ring de boxeo o un campo de béisbol, pueden, a través de su música, expresar la gentileza, la humanidad y la sensibilidad hacia la belleza que son herencia natural de la humanidad. Para mí, esta es una de las cosas que hace que las interpretaciones de Vince Guaraldi de la música de Orfeo Negro sean tan efectivas. Otra es su capacidad para proyectar, a través del piano, el bajo y la batería, una impresión tan vívida del sonido gloriosamente brillante que caracterizó la música de la película, así como su conmovedora cualidad, ese tierno lirismo, que impregnaba muchas de las escenas.

Llevo meses escuchando las interpretaciones de Vince de esta música; en persona y en las cintas de este álbum. Siempre me han parecido conmovedoras, hermosas y una experiencia gratificante.

Como complemento a la música de Black Orpheus, este álbum incluye cuatro temas adicionales. En todos ellos se aprecian muchas de las mismas cualidades que caracterizan la primera cara. En "Since I Fell for You", la magnífica canción de Buddy Johnson de hace algunos años, encuentro un conmovedor ejemplo de ese ambiente lírico del blues que armoniza directamente con el contenido emocional de la música de Black Orpheus y nos ofrece las virtudes del buen jazz: un profundo recorrido por la multifacética experiencia vital; tristeza, belleza, alegría y júbilo. Esta combinación de cualidades está presente en toda obra de arte exitosa y, sobre todo, en el jazz. _Ralph J. Gleason

                                                                               

                                                                          

Vince Guaraldi Trio - Jazz Impressions Of Black Orpheus (1962/1983)

Temas:

01. Samba De Orpheus (Jobim-Bonfa)

02. Manha De Carnaval (Jobim-Bonfa)

03. O Nusso Amor (Jobim-Bonfa)

04. Generique (Tradicional)

05. Cast Your Fate To The Wind (Vince Guaraldi)

06. Moon River (Henry Mancini)

07. Alma-Ville (Vince Guaraldi)

08. Since I Fell For You (Buddy Johnson)

Musicos:

Vince Guaraldi (Piano)

Monte Budwig (Bajo)

Colin Bailey (Batería)

Son 14 - A Bayamo En Coche

Formada en Santiago de Cuba en 1977 por el vocalista Eduardo "El Tiburón" Morales (nacido en 1935 en Cuba) y el pianista y director musical Adalberto Álvarez, Son 14, como su nombre indica, es una orquesta de 14 músicos que interpreta son, el género musical nacional de Cuba. En 1978, Lázaro Rosabal (nacido en 1953 en Santiago de Cuba) se unió al grupo. Grabaron varios discos para el sello local EGREM, muchos de los cuales se convirtieron en éxitos de ventas en toda Latinoamérica. La orquesta también realizó extensas giras por América y Europa. En 1992, el cofundador Álvarez dejó la banda para formar su propio grupo. Sin desanimarse, Son 14 continuó su trayectoria, con Rosabal al frente como director musical. 

Además de su continuo éxito en el mercado latino, la banda también comenzó a ganar reconocimiento internacional, primero con la canción «El Son De La Madrugada», incluida en el recopilatorio de Earthworks Records, Cuba - Fully Charged (1993), y luego con el lanzamiento de Son - The BIG SOUND (1995), una recopilación del material de la banda de la época de Álvarez, editada por Tumi Records. 

Tras presentar a un público no latino la versión moderna y vibrante del son de Son 14 y sus numerosas variaciones («son montuno», «bolero son», etc.), Tumi les encargó una grabación en los estudios EGREM de Cuba. Publicado en 1996 como parte de la serie Cuba Explosion del sello, Cubania demostró que la banda no había perdido ni un ápice de su talento y energía musical bajo la dirección de Rosabal. Tres años después, el grupo regresó con La Máquina Musical, que incorporó ritmos tropicales colombianos a su sonido. Promocionaron el álbum con una gira europea que incluyó una actuación en el Festival Cuba Presente en el Barbican Centre de Londres._(allmusic)

En 1979 se publicó el álbum cuyo mayor éxito, pero no el único, fue precisamente "A Bayamo en coche".
El primer corte del álbum A Bayamo en coche es el tema llamado así mismo, compuesto y arreglado por el camagüeyano Adalberto Álvarez, quien se transformó, desde 1979, año en que se publicó ese disco, en una de las principales figuras de la música popular bailable cubana.
Además de rescatar el son tradicional, y enriquecerla con otras sonoridades, A Bayamo en coche recrea artísticamente una tradición arraigada en la ciudad cuna de la nacionalidad cubana. En Bayamo, las personas utilizan los coches no solo como medio de transporte local sino también para pasear, conocer lugares, en fin, recrearse, y sobre esos momentos habla la canción.

El álbum A Bayamo en coche contenía varios otros temas que sonaron muchísimo en Cuba alrededor de 1978-1980, como Calle Enramada (elegía sonera a lo singular de esa arteria santiaguera), El son de la madrugada (que luego tuvo una hermosa versión a cargo de Omara Portuondo), Se quema la trocha, Elena la cumbanchera… de modo que el disco se convirtió en un hito dentro de la música cubana de este corte.
La mayor parte de los temas contenidos en el disco fueron interpretados por Tiburón Morales, solista en ese entonces de la agrupación Son 14, fundada por el músico, intérprete, compositor y director de orquesta, El Caballero del Son, Adalberto Álvarez, a quien se le rindió homenaje, hace poco más de un mes, en el teatro Karl Marx, con un concierto para celebrar los 46 años de carrera del maestro sonero y los 35 de la fundación de la orquesta Adalberto Álvarez y su son.
El concierto devino homenaje memorable a la obra del autor de A Bayamo en coche. Allí se interpretaron algunos de los mejores temas compuestos por Adalberto, y en las voces de los mejores músicos cubanos como el Septeto Santiaguero (Son para un sonero), Pancho Amat y Alain Pérez (Tu fiel trovador), Alexander Abreu (Pura imagen) y Paulo F. G. (Fin de semana).

En otros momentos del concierto tomaron parte Frank Fernández, quien acompañó a dúo las voces de Adalberto Álvarez y Jorge Luis Rojas, “Rojitas” en Santa Cecilia, el mismo Rojitas con Tania Pantoja (Vivir lo nuestro) y en solitario (Y qué tú quieres que te den), Robertón y el Lele, vocalistas de Van Van (Agua que cae del cielo) mientras que la orquesta de Adalberto Álvarez y su Son  se encargaron de De Cuba pa’l mundo entero, Son de la madrugada y Los caminos de Ifá.

Esa noche, el maestro José Luis Cortés insistió en demostrar todo lo que tenía de Mozart la música del Caballero, y se concentró específicamente en hablar sobre A Bayamo en coche, el tema que le avisó al público de la Isla, en 1979, sobre la existencia de un gran artista, el hombre que fue capaz de llevar el son a las escuelas de arte cubanas, alguien que ha defendido con altura y arte el son cubano, sin renunciar a la esencia de uno de los géneros musicales bailables que mejor representa nuestra idiosincrasia._Joel del Río (cibercuba)

                                                                          

                                                                               

Son 14 - A Bayamo En Coche (1980)

Temas:

01. A Bayamo En Coche (Son - Adalberto Alvarez) 
02. El Son De La Madrugada (Son guaguancó - Adalberto Alvarez)
03. Se Fue Mi Amor Y No Lo Vi Partir (Bolero son - Adalberto Alvarez)
04. Calle Enramada (Son - Pedro Gómez)
05. Elena La Cumbanchera (Son - Gerardo Martínez)
06. Se Quema La Trocha (Bachata-Son - Adalberto Alvarez)
07. Tal Vez Vuelvas A Llamarme (Son montuno - Adalberto Alvarez)
08. Gimen Las Rosas Por Una Triste Ilusión (Bolero - Adalberto Alvarez)

09. Vamos, Háblame Ahora (Bachata-son - Adalberto Alvarez)

Musicos:

Adalberto Álvarez (Director, piano acústico, teclados)

Eduardo "El Tiburón" Morales (Voz, percusión menor)

Héctor Wedderbron (Voz, percusión menor)

Daniel Carmenates (Voz, percusión menor)

Jorge Machado (Bajo)

Efisio Barroso (Guitarra)

Eduardo Sánchez (Trompeta)

Guillermo Femández (Trompeta)

José Fernández (Trompeta)

Dagoberto Rodríguez (Trompeta)

Lázaro Rosabal (Trombón) 

Ubaldo Canes (Tumbadora)

Guillermo Viera (Bongó, cencerro)

Grabado en Estudios EGREM (1979)

Jeff Gardner - Noches Habaneras

Jeffrey Dana Gardner, más conocido como Jeff Gardner (Nueva York, 1960), es un pianista, compositor y educador estadounidense radicado en Brasil. Su discografía consta de 18 álbumes grabados, fruto de colaboraciones con artistas como Kenny Wheeler, Carlos Malta, Nivaldo Ornellas, Artur Maia, Alexandre Carvalho, Marcelo Martins, Jorge Helder y Marcos Suzano.
Gardner ha actuado en importantes festivales como el Festival de Niza, el Festival de Jazz de París, el Festival de San Rafael, la Maison de la Radio France, el Festival Jazz D'Or y el New Morning Jazz Festival, el Festival Madajazzcar y el Festival Mundial de Jazz de Lille.
Jeff, antiguo profesor de la Universidad de Nueva York, imparte cursos de jazz y música moderna por todo el mundo. También tiene una columna en la revista estadounidense «Keyboard Magazine», donde ha escrito artículos sobre jazz y música brasileña.
Gardner comenzó a estudiar piano clásico a los 5 años con una profesora judeoalemana llamada Ruth Schöntal Tcherepnin. Más tarde, estudió jazz con Jaki Byard, Banacos Charles, Don Friedman y John Lewis.

En 1979, Gardenr viajó a París para estudiar armonía con Nadia Boulanger. En Francia, tocó con músicos de renombre como el Cuarteto de Piano (con Martial Solal, Jaki Byard y Paul Bley), Freddie Hubbard, Eddie Harris, Steve Lacy, Kenny Wheeler, André Ceccarelli, Charlie Mariano, Lars Danielsson, Hein van de Geyn, Norma Winstone, Rick Margitza y Karim Ziad.
En 1985 creó el Cuarteto de Piano con Martial Solal, Jaki Byard y Paul Bley. Siempre abierto a nuevos sonidos, formó el dúo "Blind Data", mezclando jazz y "música nueva", con Andrew Schloss.

Su interés por la música brasileña se intensificó durante sus numerosas visitas a Brasil, donde tuvo la oportunidad de tocar junto a Hermeto Pascoal, Victor Assis Brasil, Paulo Moura, Hélio Delmiro, Dori Caymmi y Nelson Veras. En 2002, se mudó definitivamente a Brasil, donde reside hasta el día de hoy._(wikipedia)

Este CD es una instantánea de un día mágico en el estudio EGREM de La Habana con algunos de los mejores músicos de la isla: Orlando Valle “Maraca”, Miguel “Anga” Díaz, Julio Barreto, Diego Valdés y Felipe Cabrera. El CD fue grabado directamente a dos pistas por el legendario ingeniero Jerzy Belc. Julio y Felipe fueron compañeros de banda durante mucho tiempo en el cuarteto de Gonzalo Rubalcaba. Diego, Maraca y Anga surgieron del crisol de Irakere, la banda de Chucho Valdés. Todos ellos lideraron sus propias bandas y se consolidaron como figuras de renombre mundial en la escena del jazz y la música latina.

                                                                                    

                                                                                   

Jeff Gardner - Noches Habaneras (1993-R2008)

Temas:

01. Soaring

02. Trance Dance

03. The Calling

04. Yemanja

05. Noches Habaneras

06. Silent Dreams

07. Song for Gonzalo

08. Healing Song

09. Alfredo's Groove

Musicos:

Jeff Gardner (Piano)

Miguel Anga Díaz (Percusión)

Diego Valdés (Bajo en temas #1.#2.#3.#4.#5)

Felipe Cabrera (Bajo en temas #6.#7.#8.#99

Julio Barreto (Batería)

Orlando Maraca Valle (Flauta en tema #5) 

Los Jubilados - No Tiene Telaraña

 Los nueve músicos que integran Los Jubilados cuentan que, en 1997 se formaron como grupo musical por dos razones: por un lado fue por la necesidad y por otro, su opinión de que los jóvenes a quienes habían dejado paso, no tocaban esta música tan bien como ellos. Así regresaron a las tablas, empezaron a tocar los viejos sones y boleros de su generación, e inmediatamente empezaron a ganarse públicos de edades e historias muy diferentes. No se trata tanto de la grata sorpresa de ver a nueve viejos — varios bisabuelos entre ellos — moviendo las caderas en el escenario y preguntando, con voces roncas de tanto bien vivir, “¿quién será la dueña de mi amor?”, sino se trata de un arsenal acumulado de talento y una gran capacidad para interpretar una música que, al final de cuentas, marcó el siglo 20 no una, sino dos veces. “Mi maestro es la calle,” dice el director de Los Jubilados, Mario Caracasés, “eso no se aprende con papeles, está en las venas, en la sangre.” De joven, cuando el son se tocaba en grupos de cuatro o cinco músicos, Mario andaba en la calle, escuchando a los buenos, “buscando la calidad.” “Es una gracia que uno tiene aquí en el cuerpo, en la mente.” Con la llegada de las orquestas de baile, se fijaba en Bienvenido Granda, en Chapottín, en la Orquesta Aragón, entre otros. Como los demás integrantes de Los Jubilados, Mario pertenecía a las orquestas más importantes de su natal Santiago de Cuba y fue fundador del Cubanero, donde hacía segunda voz a la primera de Juan Gualberto ‘Bebeto’ Ferrer, a quien sigue acompañando, medio siglo después. Cero Farandulero, el primer disco de Los Jubilados, grabado poco después de su formación, ganó el Premio Especial Cubadisco 1999 y ahora el grupo empieza a recorrer los mismos teatros y festivales que son las segundas casas de los miembros del Buena Vista Social Club. En su primera gira por México, en mayo de 1999 hicieron llorar a Oscar de León, y conquistaron al público mexicano en la calle, en los salones de baile y en los teatros neoclásicos del Bajío. En el 2000, Los Jubilados regresaron con un segundo CD, ¡Óyeme Cachita!; un disco con más potencia, con más swing, como dicen en Santiago. 

Aunque cuatro integrantes del grupo son compositores reconocidos, para este disco interpretan 13 temas de su juventud, que reinventan con un estilo muy propio y, por lo menos en Santiago de Cuba, claramente identificado con ellos. El concepto de tocar ‘covers’, no existe entre los buenos soneros de Cuba porque cambian los arreglos, las letras y el espíritu de cada son según su propia inspiración. Cuando Afro Cuban All Stars toca “Alto Songo” se puede escuchar toda la sofisticación de una gran orquesta habanera. El mismo son interpretado por Los Jubilados es otra cosa; las letras improvisadas, la descarga en trompeta y tres, los coros y la instrumentación están directamente conectadas a la energía y la espontaneidad del puerto de Santiago. El son original ofrece la estructura musical sobre la cual el cantante se lanza, espontáneamente, a contar historias reales e imaginadas del señor que fue lechero, carbonero, funerario y boticario hasta llegar a ser un cantante internacional. Del autor de “Alto Songo”, Luis ‘Lilí’ Martínez, Los Jubilados interpretan cuatro sones más: “Quimbombó”, “Camagüey”, “Busco a otra” y “Rompe saragüey”, este último un afro-son que está profundamente inspirado en la santería. Considerado como uno de los pianistas cubanos más importantes del siglo 20, Lilí nació en Guantánamo, donde se hizo músico sin clases ni pentagrama. Igual que Rubén González, Lilí fue, durante varios años, el pianista de la orquesta de Arsenio Rodríguez. En este disco hay dos pregón-sones, género muy favorecido entre los soneros santiagueros, quienes evocan, a veces con doble sentido, el espíritu de los vendedores callejeros de mangos, cacahuates, dulces y muchos más productos apreciados en la vida diaria. “El panquelero” es tal vez el mejor conocido de estos dos, aunque “Camaroncito seco” se interpreta mucho en la Casa de la Trova de Santiago de Cuba. Entre los bolero-sones (“un bolero al que ponemos un estribillo para hacerlo más guapachoso,” explica Mario) están dos clásicos: “Quien será” de Arsenio Rodríguez y “Murmullo” de Electo Rosell, ‘Chepín´. Los Jubilados tratan los dos temas con una irreverencia típica de ellos e, inconscientemente, los inyectan con sangre nueva..._(corason)

Este tercer CD, No tiene telaraña es así titulado por el muy movido son que abre el disco. A pesar de ser una composición muy vieja del trovador santiaguero Rosendo Ruiz, habla muy claramente de Los Jubilados hoy en día: nueve músicos experimentados que presentan un repertorio añejo interpretado con gran frescura, energía y creatividad; limpio de polvo y telarañas que pudieran obstruir una música simplemente nostálgica.
Con este disco, Los Jubilados encuentran una energía todavía mayor que en sus dos discos previos. Con la notable excepción de “Juramento”, composición clásica de Miguel Matamoros, no hay boleros en esta producción; el énfasis está en esta música que invita a bailar, a olvidarse de los pormenores estresantes de la vida cotidiana y adentrarse en el regocijo.

Entre los números muy movidos se encuentra la guaracha “Pare cochero”, mismo que incluye una improvisación sonera de Bebeto, y tres guaguancós, el género que sale de la rumba tradicional para tomar su lugar en la pista de baile sonera. Entre los temas más conocidos se encuentra el gran pregón-son, himno a la vida callejera de Santiago de Cuba, “Harina de maíz”; y entre las composiciones del propio grupo está “Mi son santiaguero”, del tresero Rafael Lafarguez, “Tangañica”, integrante del grupo desde sus inicios y quien falleció en el 2000, a tres semanas de haber terminado la grabación del segundo CD, ¡Oyeme Cachita!_(corason)

                                                                                  

                                                                                          

Los Jubilados - No Tiene Telaraña (2001)

Temas:

01. No Tiene Telaraña (Rosendo Ruiz)

02. Yo Quiero Gozar El Son (Calixto Cardona)

03. Pare Cochero (Marcelino Guerra)

04. Tu Dices Que Sí, Yo Digo Que No (Luis 'Lili' Martínez)

05. El Rumbón De Luyanó (Félix Chapottín)

06. Consuélate Como Yo (Bienvenido Julián Gtz.)

07. Mi Son Santiaguero (Rafael Lafarguez)

08. La Guarapachanga (Juan Rivera)

09. Juramento (Miguel Matamoros)

10. Harina De Maíz (Lino Rengifo)

11. El Son Cubano (Jose Ferrer)

12. Sonero De Corazón (Héctor Montesinos)

13. Camina Y Prende El Fogón (Benigno Echemendía)

Musicos:

Mario Carcassés (Director musical, voz 2, maracas)

Gerónimo Ibarra Rivera (Bongos)

Jesús Estrada Palacio (Congas)

 Luis Mariano La Rosa Castellanos (Contabajo)

Jorge Orestes Ribeaux Soa (Guitarra)

Fidel Lino Pérez Massó (Tres)

Carlos Thomas Brown (Trompeta)

Hermelino Visset Visset (Voz 1.º, coros)

Juan Gualberto "Bebeto" Ferrer (Voz 1ra, claves)

Elizeth Cardoso - Canção Do Amor Demais

Elizeth A Divina Moreira Cardos (Río de Janeiro, 16 de julio de 1920 - 7 de mayo de 1990) fue una cantante, y actriz brasileña. Fue conocida por su nombre artístico A Divina, Elizeth es considerada una de las mayores intérpretes de la música brasileña y de las más talentosas cantantes de todos los tiempos, reverenciada por el público y la crítica.

Elizeth nació en la rua Ceará, en los suburbios del Barrio São Francisco Xavier, y cantaba desde pequeña, por los barrios de la Zona Norte carioca, cobrando ingreso (10 monedas de un centavo) para otros niños que oían cantar los éxitos de Vicente Celestino. Su padre, seresteiro, tocaba la guitarra clásica y a su madre le gustaba cantar._(wikipedia)

Han pasado dos años desde que Antônio Carlos Jobim (Tom, si lo prefieres) y yo nos reunimos para escribir las sambas de mi obra Orfeu da Conceicão, una de las cuales se convirtió en un éxito popular, "Se Todos Fôssem lguais a Você". El encuentro también dio lugar a una sólida amistad.
Es evidente que los socios discrepan, y la historia de la música popular brasileña está llena de esas disputas, generalmente basadas en la vanidad y los celos, en poner un nombre por encima de los demás, o por razones aún más inelegantes y mezquinas. Pero en nuestro caso, tanto nuestra estrecha amistad como la profunda afinidad de nuestra sensibilidad musical permiten que nuestra tarea más importante, escribir sambas y canciones, siga siendo algo extraordinariamente ligero y libre.

Este LP, nacido gracias al entusiasmo de Irineu Garcia, es la mejor prueba posible de la sinceridad de esa amistad y esa colaboración. Desde que escribimos esas dos sambas para Orfeu da Conceião, rara vez Tom y yo nos reuníamos sin componer algo nuevo. Por eso creo que este es el verdadero lenguaje de nuestra relación. Si ponemos a Antônio Carlos Jobim al piano —y es difícil encontrarlo lejos de uno—, en poco tiempo, comenzando con dos o tres acordes, compartiremos una mirada de comprensión. Y de sus comentarios encriptados ("¡Esto es lo que son las rocas, poeta!"; "Los pequeños caracoles escondidos bajo las hojas caídas..."; "Las grandes migraciones de los corales..."; "Al otro lado del arroyo...", "Hemos llegado a la galaxia...") aprendí a extraer exactamente lo que él quiere oír a través de mis letras. Y ninguno de los dos se sintió tentado a presionar al otro cuando su imaginación se bloqueaba momentáneamente. Esto bien podría deberse a que él cree en la poesía de la música, y yo creo en la música o la poesía. Porque la verdad es que disfruto mucho de las letras que escribe de vez en cuando, como "As Praias Desertas"; y la prueba de que disfruta de las melodías que compongo de vez en cuando es que orquestó con cariño mi "Serenata do Adeus" y mi "Mêdo de Amar", ambas incluidas en este LP.
Con este LP no pretendemos demostrar nada. En cambio, queremos mostrar una etapa de nuestra trayectoria como amigos y compañeros, escribiendo sambas y canciones brasileñas, pero sin nacionalismos elevados, alimentando así a quienes aman cantar, algo que ayuda a la gente a vivir.
La belleza de los arreglos de Antônio Carlos Jobim no es nueva, así que no la volveré a mencionar. Quisiera destacar la creciente simplicidad y funcionalidad de sus melodías y armonías, cada vez más libres de la tendencia algo mórbida y abstracta que antaño tenían. Esto demuestra ampliamente su inteligencia y sensibilidad, su comprensión de los dilemas del tiempo y la naturaleza constructiva de su espíritu, al enfrentarse a los valores permanentes de las relaciones humanas.

No fue solo por amistad que Elizete Cardoso fue elegida para cantar en este LP. Está claro que, con sus interpretaciones, adquiere un valor adicional. Porque sigue siendo la obra conjunta de tres grandes amigas: personas que se quieren lo mejor mutuamente; personas que, en cualquier circunstancia, cuentan entre sí; personas, sobre todo, a quienes no les importa un comino el estrellato, la vanidad ni la gloria. La diversidad de sambas y canciones también exigía una voz particularmente afinada, con un timbre popular brasileño, pero capaz de respirar por encima de lo puramente popular, con un registro amplio y natural tanto en los registros graves como en los agudos, y sobre todo, una voz experimentada, con la punzada de quienes han amado y sufrido, moldeada por la pátina de la vida. Y así fue como la Divina se impuso como la Luna para una noche de serenatas._Vinícius de Moraes (Rio, abril 1958)

                                                                                            

                                                                           

Elizeth Cardoso - Canção Do Amor Demais (1958)

Temas:

01. Chega De Saudade (Tom Jobim & Vinicius de Moraes)

02. Serenata Do Adeus (Vinicius de Moraes)

03. As Praias Desertas (Tom Jobim)

04. Caminho De Pedra (Tom Jobim & Vinicius de Moraes)

05. Luciana (Tom Jobim & Vinicius de Moraes)

06. Janelas Abertas (Tom Jobim & Vinicius de Moraes)

07. Eu Não Existo Sem Você (Tom Jobim & Vinicius de Moraes)

08. Outra Vez (Tom Jobim)

09. Medo De Amar (Vinicius de Moraes)

10. Estrada Branca (Tom Jobim & Vinicius de Moraes)

11. Vida Bela (Tom Jobim & Vinicius de Moraes)

12. Modinha (Tom Jobim & Vinicius de Moraes)

13. Canção Do Amor demais (Tom Jobim & Vinicius de Moraes)

Musicos:

Elizeth Cardoso (Voz)

Antônio Carlos Jobim (Arreglos, regencia, piano y coro #1)

João Gilberto (Guitarra en temas #1 y #8, coro #1)

Irani Pinto (Violín)

Nicolino Copia "Copinha" (Flauta)

Gaucho & Maciel (Trombón)

Herbert (Trompa)

Pedro Vidal Ramos (Contrabajo)

Juquinha (Batería)

Walter Santos(Coro #1)

Nídia Soledade (Violonchelo)

Antonio Adolfo - Hybrido - From Rio To Wayne Shorter

Antonio Adolfo Maurity Sabóia (Río de Janeiro, 10 de febrero de 1947) es un pianista, tecladista y compositor brasileño.
Hijo del compositor Ruy Maurity y Carol Saboya,​ una violinista de la Orquesta Sinfónica de Brasil, a los dieciséis años ya pertenecía al exclusivo club de la Bossa nova como pianista.

De regreso a Brasil, en 1977, fue pionero de la producción independiente al publicar el álbum Hecho en Casa, del sello Artezanal, comercializado ese mismo año de manera directa en las disquerías, iniciando así un movimiento de autogestión que motivaría la aparición de artistas que discrepaban con las leyes del mercado tradicional. Desde 1985 se ha dedicado a su escuela de música, el Centro Musical Antonio Adolfo, además de participar en eventos internacionales como músico y educador, sin dejar de lado su carrera como intérprete. Recibió dos Premios Sharp por sus trabajos Antonio Adolfo y Chiquinha con jazz, respectivamente..._(wikipedia)

Con más de treinta álbumes a su nombre, el compositor y pianista brasileño Antonio Adolfo ha creado un himno realmente atractivo al maestro saxofonista y compositor Wayne Shorter. La selección de temas es excelente, ya que demuestra claramente la importancia de Shorter para el jazz. No reproduce la colección de Blue Note de 1988, "The Best Of Wayne Shorter", pero sí incluye tres temas de ese álbum.

"Deluge" ofrece una cálida invocación, dirigida por un conjunto, de este cautivador tema de Ju Ju. También hay una versión relajada del clásico de Shorter, "Footprints", embellecida por la voz sin palabras de Zé Renato. "Prince of Darkness", del álbum de Miles Davis de 1967, Sorcerer, es exquisitamente rica en percusión (incluyendo una profunda introducción de percusión de Baião similar a la tabla). "Black Nile", del álbum Night Dreamer de 1964, es una interpretación satisfactoria del original con el brillante piano de Adolfo.

La elegancia de "La Bella y la Bestia" se resume en su mezcla de bossa y samba (Adolfo la llama SamBossa) y es uno de los dos temas del álbum "Native Dancer" de Shorter, grabado con Milton Nascimento. El tema principal de "Speak No Evil" es un ejemplo de majestuosidad, con su tema musical majestuoso y memorable y el rico solo de tenor de Marcelo Martins, mientras que la elegante "Ana María", también de "Native Dancer", luce la ágil guitarra de Lula Galvão.

Para concluir el set, Adolfo incluye una pieza solista de su propia autoría, "Afosamba", un ejemplo perfecto de su excepcional talento como compositor. Los arreglos son sólidos y, para quienes conocen todos los temas de Shorter, les otorgan una nueva y vibrante dimensión. Para quienes no estén familiarizados con los temas, el álbum servirá como una excelente y atractiva introducción, antes de probar el material original. También es un oportuno recordatorio de la importancia de Shorter en su ilustre catálogo de composiciones._Roger Farbey (allaboutjazz)

                                                                       

                                                                            

Antonio Adolfo - Hybrido - From Rio To Wayne Shorter (2017)

Temas:

01. Deluge

02. Footprints

03. Beauty And The Beast

04. Prince Of Darkness

05. Black Nile

06. Speak No Evil

07. E.S.P.

08. Ana Maria

09. Afosamba

Musicos:

Antonio Adolfo (piano)

Lula Galvão (Guitarra eléctrica)

Jorge Helder (Contrabajo)

Rafael Barata (Batería, percsión)

André Siqueira (Percusión)

Jessé Sadoc (Trompeta)

Marcelo Martins (Saxos tenor y soprano, flauta #3)

Trombón Serginho (Trombón)

Zé Renato (Voz #2)

Claudio Spiewak (Guitarra acústica #3)

Todas las composiciones de Wayne Shorter, excepto "Afrosamba", de Antonio Adolfo

Grabado en Río, diciembre de 2016