Luiz Bonfá - Amor! The Fabulous Guitar of Luiz Bonfá

Luiz Floriano Bonfá (17 October 1922 – 12 January 2001) was a Brazilian guitarist and composer. He was best known for the music he composed for the film Black Orpheus.

Luiz Floriano Bonfá was born on 17 October 1922, in Rio de Janeiro. His father was an Italian immigrant. He began studying with Uruguayan classical guitarist Isaías Sávio [pt] at the age of 11. These weekly lessons entailed a long, harsh commute (on foot, plus two and a half hours on train) from his family home in Santa Cruz, in the western rural outskirts of Rio de Janeiro, to the teacher's home in the hills of Santa Teresa. Given Bonfá's extraordinary dedication and talent for the guitar, Sávio excused the youngster's inability to pay for his lessons..._(wikipedia)

Eso es la música brasileña. En unas pocas líneas inolvidables, el poeta Olavo Bilac destaca aquí los orígenes exóticos de la música popular de su país natal: una embriagadora mezcla de elementos indígenas, portugueses y africanos. En esa mezcla, el todo se ha convertido en mucho más que la suma de sus partes. En el subcontinente brasileño se ha desarrollado una música propia y de gran calidad que solo rinde un respeto simbólico a su pasado. De principio a fin, es un logro brasileño. Junto a su herencia étnica, este mismo Brasil cuenta con una tradición centenaria de apoyo entusiasta a la ópera italiana y, más recientemente, ha incorporado el jazz estadounidense a su repertorio.

Hay que tener todo esto en cuenta para apreciar a Luiz Bonlull. Su música refleja una experiencia increíblemente amplia. «Indian DanaJ» rinde homenaje a los habitantes originarios de Brasil, esos indígenas dotados de un gran talento musical que la avalancha de la civilización ha empujado hacia los rincones más recónditos de la selva. «Old Times» es un choro, un género musical con profundas raíces en el pasado, pero tan popular como siempre en el Brasil actual. Arabesque evoca a las elegantes bailarinas de Iberia. Marajó, Island Of Trindade y Carnival están marcadas por los ritmos que trajeron a Brasil los esclavos africanos.

Y, sin embargo, otras piezas de este álbum constituyen una sofisticada mezcla de música folclórica con música de salón europea y jazz estadounidense.

Luiz Bonfá nació en Río de Janeiro y ha pasado allí la mayor parte de su vida. A los 12 años comenzó a estudiar la guitarra española, el «instrumento nacional», por así decirlo, dada su popularidad. Hasta hace cincuenta años, nadie se tomaba en serio la guitarra en Brasil; era lo que se buscaba en los cabarets y en las fiestas callejeras, y poco más. La guitarrista de fama mundial Olga Coelho ha escrito, por ejemplo, que hace apenas unas décadas, cuando dio su primer concierto formal en Río de Janeiro, su padre consideró que, al hacerlo, se había deshonrado.

Los serios esfuerzos de músicos como Heitor Villa-Lobos e Isaías Savia, el gran maestro de la guitarra clásica con quien Bonfá estudió durante varios años, llevaron a los brasileños a darse cuenta por fin de que la guitarra es un instrumento ideal para la expresión del genio musical brasileño, ya sea en sus formas populares o en las serias. Hoy en día, todos los compositores destacados de Brasil escriben obras originales para ella, y en los conservatorios de música se pueden cursar estudios de guitarra a la altura de los de cualquier otro instrumento virtuoso.

Las primeras actuaciones públicas de Luiz Bonfá tuvieron lugar en conciertos ofrecidos en Río de Janeiro por alumnos de Isaías Savia. Bonfá se enorgullece enormemente de su vínculo con la tradición de la guitarra clásica, como queda patente, por ejemplo, en su propia composición «Preludio», que puede escucharse en esta grabación. Sin embargo, en los últimos años, Bonfá ha explorado otros ámbitos musicales con el fin de ampliar su abanico expresivo. A los 18 años ya tuvo oportunidades para poner programas de música popular en la radio. También empezó a destacar su talento para componer canciones populares. A día de hoy, cuenta con más de 100 canciones publicadas. «Perdido Amor» y «De Cigarro em Cigarro» son quizás las más conocidas. El repertorio de Bonfá en sus conciertos se compone ahora casi en su totalidad de composiciones propias.

Tras haber tocado en todos los clubes más importantes de Río de Janeiro, Bonfá decidió a finales de 1937 venir a Estados Unidos por un tiempo. Poco después de su llegada, conoció a Mary Martin en un cóctel. Al oírle tocar, ella se entusiasmó tanto que le pidió que se uniera a ella como artista destacado en una gira de conciertos que iba a emprender en septiembre de 1958 y que se prolongaría hasta la primavera de 1959. Los conciertos de Martin estaban concebidos como veladas informales y agradables de relajación musical, y las tranquilas y hermosas canciones que componen el repertorio de Bonfá contribuyeron enormemente a su éxito. Muchas de las selecciones más populares que Bonfá interpretó en estos conciertos (Bagpipes, Marajo, Preludio) se incluyen aquí.

Los estadounidenses que escucharon a Bonfá quedaron asombrados por la variedad de efectos técnicos y cromáticos que producía con su guitarra. «Marajo» podría considerarse un ejemplo especialmente espectacular. Se trata de un solo de guitarra, pero suena como si tuviera toda una batería de percusión detrás de él. La ilusión de timbales y bongos de fondo se consigue golpeando la madera del propio instrumento. Obsérvese también cómo alterna pasajes estridentes y resonantes con otros de tonalidad más relajante, como si se tratara de dos instrumentos en un diálogo violento.

La gaita fue uno de los elementos más populares de los conciertos. Bonfá logra una auténtica proeza al recrear de forma realista con su instrumento el gemido de las gaitas y el traqueteo de los tambores, atenuándolos hacia el final, como si las tropas hubieran desaparecido tras una colina. Sin embargo, la guitarra no es un instrumento de relleno para Bonfá. Tampoco se impone en la escena con nada que no sea del mejor gusto. En algo tan íntimo como Nelly, un tierno vals escrito para su esposa, estoy seguro de que somos nosotros quienes nos entrometemos en su intimidad.

Durante su estancia en Estados Unidos, Bonfá exploró con entusiasmo nuestra música. El jazz, en particular, le fascinaba profundamente. Con el tiempo, también llegó a conocer bastante bien a muchos músicos de jazz estadounidenses. George Back In Town rinde homenaje a su afecto por George Shearing y le hace un guiño al capturar algo del sonido impresionista del grupo de Shearing. La versatilidad musical de Don Elliott impresionó a Bonfá y le llevó a pedirle que participara en algunas de las grabaciones de este álbum. El auténtico sentimiento jazzístico de I'll Remember April y Lonely Lament, de Bonfá, sugiere que alguien podría formar un combo de jazz muy eficaz en torno a este magnífico brasileño.

Brasil ha sido un crisol de muchas culturas y su música lo refleja, al igual que la nuestra. Esto le aporta color y fuerza. Su música es muy sincopada, como el jazz, y, al igual que este, permite y fomenta la improvisación. No es de extrañar, pues, que Bonfá se haya integrado con tanta facilidad en nuestro círculo musical; y qué maravilla para nosotros que este LP nos permita explorar a fondo el suyo. _Gary Kramer (De las notas originales del disco)

                                                                                            

                                                                                            

Luiz Bonfá - Amor! The Fabulous Guitar of Luiz Bonfá (1959-R.2001)

Temas:

1. Brasília (Luiz Bonfá)

2. I'll Remember April (Gene de Paul / Don Raye / Patrícia Johnston)

3. Lonely Lament (Luiz Bonfá)

4. Manhã de Carnaval (Luiz Bonfá / Antônio Maria)

5. George Back In Town (Luiz Bonfá)

6. Blue Madrid (Luiz Bonfá)

7. Island Of Trindade (Luiz Bonfá)

08. Old Times (Velhos Tempos) (Luiz Bonfá)

09. Marajo (Luiz Bonfá)

10. Indian Dance (Luiz Bonfá)

11. Nelly (Luiz Bonfá)

12. Preludio (Luiz Bonfá)

13. Yesterdays (Jerome Kern / Otto Harbach)

14. Bagpipes (Luiz Bonfá)

15. Arabesque (Luiz Bonfá)

Musicos:

Luiz Bonfá (Guitarra)

Don Elliott (Melófono, vibráfono, triángulo)

Tommy Lopez (Bongos y congas)

Ralph Freundlich (Flauta)

Bobby Sanabria - Tito Puente Masterworks Live!!!

Si la comunidad del jazz latino tuviera su propio Monte Rushmore, el rostro de Tito Puente estaría allí, justo al lado de las imágenes de Machito y Mario Bauza. Los tres son considerados patriarcas o figuras clave en la evolución del movimiento musical afrocubano y, a pesar de que Puente es el único no cubano de esa lista, el propio Bauzá le hizo el mayor de los elogios al afirmar que "nadie en el mundo ha hecho más por la música afrocubana que Tito Puente". Aunque los tres ya han dejado este mundo, su música permanece, y el percusionista Bobby Sanabria, el máximo defensor de la música afrocubana, se está asegurando de que llegue al gran público.
Sanabria se ha convertido en una especie de Wynton Marsalis para el mundo del jazz latino, defendiendo las virtudes y la historia de esta música en documentales emitidos por la PBS, actuando en diversos escenarios de gran relevancia y formando a la próxima generación de músicos con su experiencia y conocimientos del mundo real. En su faceta de educador, Sanabria ejerce como director de la Orquesta de Jazz Afrocubano de la Escuela de Música de Manhattan, pero no se trata de una simple banda universitaria. Esa frase tiene un tono apologético, y esta banda no tiene nada de qué disculparse. Sanabria presentó por primera vez al público una encarnación anterior de este explosivo conjunto cuando rindió homenaje a Machito y Bauzá con Kenya Revisited (Jazzheads, 2009), y en esta grabación centra su atención en la obra de Puente.

La energía y la pasión desempeñan un papel fundamental en esta música, y los ritmos que invitan a bailar siempre están presentes en el fondo. Los metales suenan con tanta fuerza como cualquier otra sección, lanzando acordes volcánicos capaces de descascarillar la pintura de las paredes, lo que sirve para demostrar el entusiasmo de Sanabria por el tema en cuestión, que se contagia claramente a todos los miembros de la banda. Los solos abundan en muchas de las piezas y, aunque los miembros de la banda ponen su corazón y su alma en este repertorio ardiente, algunos destacan más que otros. Norman Edwards demuestra ser una doble amenaza, ofreciendo elegantes líneas de vibráfono («Autumn Leaves») y un dinámico trabajo a la batería («Mambo Beat») con igual destreza, y el saxofonista barítono Michael Sherman hace saltar el techo cada vez que se pone al frente («Mambo Beat» y «Cuban Nightmare»). Paul Stodolka y Anthony Stanco interpretan constantemente a la perfección el papel audaz y vigoroso de la trompeta, mientras que cada miembro de la sección de saxofones está en plena forma en «Cuban Nightmare».

Aunque «Tito Puente Masterworks Live!!!» es un magnífico homenaje al gran Tito Puente, va más allá de una mera repetición de su repertorio. Sanabria y sus jóvenes compañeros de escenario han invocado el espíritu mismo de Puente al dar un toque vibrante a temas clásicos de su catálogo._Dan Bilawsky (allaboutjazz)

                                                                   

                                                                                   

Bobby Sanabria, Manhattan School Of Music Afro-Cuban Jazz Orchestra - Tito Puente Masterworks Live!!! (2011)

Temas:

01. Intro / Elegua Chango 

02. Picadillo 

03. Bohemia (Birdland) After Dark 

04. Autumn Leaves 

05. Cuban Nightmare 

06. Mambo Buddha 

07. Ran Kan Kan 

08. Alegre Cha-Cha-Cha 

09. Ritual Fire Dance 

10. Yambeque 

11. Me Acuerdo De Ti 

12. Mambo Beat 

13. Mambo Adonis 

Musicos:

Bobby Sanabria (Director, vibráfono y marimba #2, batería #3, #4 y #11, timbales #12, bombo #13, coros)

Daniel Jamieson (Saxo soprano y alto)

Jonas Ganzemuller (Saxo alto)

Alex Lopez, Benjamin Britton (Saxo tenor)

Michael Sherman (Saxo barítono)

Blake Martin (Trompeta)

Paul Stodolka (Trompeta)

Anthony "Stank" Stanco (Trompeta)

Justin Walter (Trompeta)

Tim Vaughn (Trombón)

Sam Bittner-Baird (Trombón)

Luke Malewicz (Trombón)

Frank Cohen (Trombón bajo)

Christian Sands (Piano)

Alex Salwach (Contrabajo)

Norman Edwards (Batería excepto #3, #4 y #11, vibráfono #3, #4 y #11)

Eddy Hacket (Timpani #9,#11,#13, bongó/cencerro #3,#4,#6, güiro macho #8, maracas #1, chekeré #1,#9,#13, clave #7, coros)

Danny Robbins (Maracas #2,#4,#5,#7,#12,#13, gong #6, clave #8-11, chekeré #1, coros)

Obanilú Allende (Bongó/cencerro #2,#5,#11,#13, congas #7,#11,#12, cencerro#1, chekeré #9, coros)

Jake Goldbas (Congas #2-4,#6,#9,#11, caja #1, timbales #8, clave #13, coros)

Cristian Rivera (Congas #1,#13, timbales #2,#5,#11, bongó/cencerro #7,#10, cencerro #9, coros)

Frank Fontaine (Flauta terserola de madera #8,#13)

Itai Dattner - Tranquilo en Cuba

Conocí a Kenia en Trinidad, donde se ganaba la vida bailando. Es joven, negra, guapísima y baila de maravilla. No habían pasado ni 30 minutos desde mi llegada y ya estaba bebiendo ron y tocando con la banda local en el centro del casco antiguo. Ocho músicos, un grupo de bailarinas preciosas, mucho ron y mucha alegría. Un día después, estábamos tocando una melodía que compuse especialmente para Kenia. Tocamos en una pequeña habitación oscura en medio de una calle bulliciosa; si la vieras, no creerías que es posible. Fue tan peculiar que muchos turistas se paraban a sacar fotos.
Alejandro, el baterista, y yo recorrimos La Habana en moto, buscando músicos y un buen estudio. Encontramos músicos excelentes y un estudio estupendo. Todos los músicos son profesores de la ENA, la Escuela Nacional de Arte y Música.
«Vals 11» la compuse hace 5 años. Originalmente tenía 12 compases, pero le quité uno por el 11 de septiembre.

Itai Dattner - Compositor, pianista y productor. Sus raíces están en la música clásica. En los últimos años, Itai ha tocado y actuado con diversos grupos en Israel, entre ellos: una banda de blues llamada 'TaxiJazz', un trío de jazz, un dúo de jazz, un dúo de música clásica con un violonchelista, acompañando a una cantante de ópera, y muchos más. Itai se ha presentado en clubes, teatros y en el Festival de Jazz, Blues y Videocintas de Tel Aviv. Además de componer e interpretar, Itai se especializa en la enseñanza de piano y la dirección de bandas. Junto con 'Tranquilo en Cuba', Itai ha grabado cuatro álbumes._(discogs)

Itai Dattner es un compositor y pianista israelí. Sus raíces se encuentran en la música clásica. En su juventud descubrió el jazz y recibió la influencia de diversos estilos, desde Bach y Debussy hasta Bill Evans y Keith Jarrett, pasando por himnos judíos tradicionales, música del mundo, blues y rock and roll.

Itai acaba de lanzar el primer CD de su proyecto cubano, Tranquilo en Cuba. Este CD es el primer paso de un proyecto que desarrolla en La Habana con un grupo de músicos de jazz cubanos, todos ellos profesores de la ENA (Escuela Nacional Superior de Música y Arte) de La Habana. Son músicos profesionales que actúan diariamente en La Habana y, ocasionalmente, fuera de Cuba. Grabaron este CD juntos en septiembre de 2004. Todas las composiciones y arreglos son obra de Itai Dattner.

Además del proyecto cubano, Itai ha tocado y actuado en los últimos años con diferentes grupos en Israel, entre los que destacan: una banda de blues (TaxiJazz), un trío de jazz, un dúo de jazz, un dúo de música clásica con violonchelista, acompañando a una cantante de ópera, entre otros. Itai se ha presentado en clubes, teatros y en el Festival de Jazz, Blues y Videocintas de Tel Aviv.

Junto con 'Tranquilo en Cuba', Itai ha grabado cuatro álbumes. Dos de ellos con TaxiJazz, una mezcla de estándares y composiciones propias. Uno de los álbumes fue distribuido por NMC, la discográfica más grande de Israel. Posteriormente, grabó otro álbum de estándares con el trío: The Art of Trio._(allaboutjazz)

                                                                                

                                                                             

Itai Dattner - Tranquilo en Cuba (2005)

Temas:

01. Kenia

02. Infinite

03. Blues for Cheli

04. Waltz 11

Musicos:

Itai Dattner (Piano)

Manuel Alejandro Mayor Lopez (Batería)

Aryam Varona Hernandez (Bajo)

Jorge Miguel Vistel Serrano (Trompeta)

Maikel Vistel Serrano (Saxo tenor)

Todas las melodías compuestas y arregladas por Itai Dattner 

Grabado en Scorpio Studio, La Habana, Cuba, del 10 al 12 de octubre de 2004 

Art Farmer - Something You Got

Nacido en Iowa, pero crecido en Phoenix (Arizona) una ciudad de rica tradición jazzística, Art Farmer, (21 de agosto de 1928, Council Bluffs, Iowa, Estados Unidos – 4 de octubre de 1999), junto a su hermano gemelo el contrabajista, Edison Farmer, pertenecían a una familia exquisitamente musical. De joven estudió el violín y el piano antes de pasarse a la familia de los metales y trasladarse con dieciocho años en 1945 a Los Ángeles. En aquella época ya se había decantado por la trompeta y tocó con la legendaria banda de Johnny Otis, con quien tuvo la oportunidad de viajar a New York.
En 1948 volvió a Los Ángeles y formó parte de las mejores bandas establecidas en la ciudad como la de Benny Carter, Wardell Gray o la del vibrafonista, Lionel Hampton. En 1953 cruzó el charco por primera vez con destino a Europa con la banda de Lionel Hampton, en la misma gira que viajaba Clifford Brown y Quincy Jones. Aquel mismo año regresó a New York donde estuvo un tiempo tocando con Teddy Charles.
Se integró en 1956 en el grupo del pianista, Horace Silver, y para entonces su estilo estaba ya suficiente pulido y maduro y su sonido era una marca inconfundible en la escena jazzística de New York. En aquella época Farmer, alternó la trompeta con el Flugelhorn, tocando ambos instrumentos con el grupo de Gerry Mulligan, en 1958. En aquél año participó en el Festival de jazz de Newport, grabó su único disco con Mulligan, el espléndido álbum titulado «What Is There To Say» para Columbia en 1958 y dos bandas sonoras para las películas «I Want to Live» y «The Subterraneas». Aquel año grabó para Blue Note uno de sus discos emblemáticos de su discografía titulado «Modern Art».

Sin duda alguna a Art Farmer se le reconoce credibilidad en el jazz por haber creado junto a Benny Golson, en 1960 el grupo «The Jazztet». Allí en su seno combinó muy acertadamente su talento para la dirección y la improvisación con las dotes de Golson para la composición y los arreglos. «The Jazztet», disfrutó mientras duró (1960-1962) un efímero éxito bordeando musicalmente las claves del soul-jazz que antes habían popularizado, Horace Silver o Cannonball Adderley entre otros. En 1960 grabó lo que es considerado el disco fundacional del grupo, titulado «Meet The Jazztet» un autentico manifiesto de intenciones que obtuvo un éxito enorme.

Cuando en 1962 el grupo se disolvió, Art Farmer, formó un cuarteto con el guitarrista, Jim Hall, que duró hasta 1964. Con la irresistible ascensión del rock en los Estados Unidos, Farmer se marchó a Europa donde alternó la dirección de sus propios grupos con su presencia como artista invitado de varias big bands, entre ellas la famosa Clarke-Boland Big Band. En los ultimo años de su vida alternó el fliscornio con la trompeta, retornó a los Estados Unidos donde intentó reconstruir «The Jazztet» pero la muerte le sorprendió en 1999._(apoloybaco)

El encuentro entre el trompetista Art Farmer y el rey de los instrumentos de lengüeta Yusef Lateef, con el pianista y arreglista David Matthews al frente de una big band, resulta trascendental. 

El ritmo relajado del álbum, que se apoya en un jazz-funk desenfadado (la canción que da título al disco) y en extensas improvisaciones funky con impresionantes arreglos de hard bop de Matthews en «Flute Song», lo convierte en una de las visiones más provocadoras del groove jazz en la historia del sello CTI. Farmer y Lateef fueron capaces de moverse con relativa facilidad entre el jazz sofisticado y el soul funky trepidante. Los arreglos de Matthews son desenfadados y se basan en el ritmo no solo para formar la columna vertebral de los solistas, sino también para llenar el espacio intermedio. El guitarrista Hiram Bullock traza aquí una línea maravillosa entre las extrapolaciones aireadas y con mucho swing de los acordes de jazz y el R&B rítmico y escueto. Su solo en «Flute Song» es uno de los mejores que ha grabado. Del mismo modo, la interpretación de «Spain» de Chick Corea, que hace referencia al «Concierto de Aranjuez» y cuenta con un magnífico solo de saxo tenor de Lateef, es una versión carnal y carnevalesca de la melodía con un overdrive empapado de bajo. «Saudade» es el epítome del soul-jazz para una big band; su groove es suelto, galopante y rítmicamente perfecto, y Farmer y Lateef tocan la melodía en primer plano, compenetrándose en los solos y haciendo que el groove se repliegue sobre sí mismo. Esta es una adquisición segura para cualquier colección de Farmer, y vale lo que cueste._Thom Jurek (allmusic)

                                                                             

                                                                                           

Art Farmer - Something You Got (1977)

Temas:

01. Something You Got (Chris Kenner)

02. Flute Song (David Matthews)

03. Saudhade (Fritz Pauer)

04. Sandu (Clifford Brown)

05. Spain (Chick Corea9

06. Hombre Del Sol (David Matthews)

Musicos:

Art Farmer (Fliscorno)

Yusef Lateef (Saxo tenor)

David Matthews (Piano eléctrico, arreglos)

Harvie Swartz (Bajo )

Jim Madison (Batería)

Hiram Bullock (Guitarra)

Sue Evans (Percusión)

David Tofani (Saxo soprano, flauta)

Frank Vicari (Saxo tenor)

Kenny Berger (Saxo barítono, clarinete bajo)

Burt Collins (Trompeta, fliscorno)

Joe Shepley (Trompeta, fliscorno)

Fred Griffin (Trompa)

Sam Burtis (Trombón)

Tony Price (Tuba)

Grabado en los estudios Electric Lady en julio de 1977

Mauricio Einhorn - Me

Mauricio Einhorn (Río de Janeiro, 29 de mayo de 1932) es un armonicista brasileño.
Hijo de inmigrantes judíos polacos, sus padres eran armonicistas. Comenzó a tocar la armónica a los cinco años, actuando en la escuela franco-brasileña donde estudió hasta los trece.
La constancia del músico con el instrumento fue tal que, a los diez años, Einhorn comenzó a participar en reconocidos programas de talentos radiofónicos de la época, como "A Hora do Pato" y "Papel Carbono" (en Radio Nacional); e incluso en el programa de Ary Barroso y Gaitas Hering en Radio Tupi, junto a Fred Williams y otros.

Cuando era adolescente tocó en dúos, tríos y cuartetos, y a principios de la década de 1950 se introdujo en los estilos del jazz y el choro. Su primera grabación fue en 1949 cuando, en la canción "Portate Bien", hizo un solo con un conjunto de armónica de los Rascals brasileños. Actuó con Waldir Azevedo y su Regional en Rádio Clube do Brasil. Hacia 1955, en el desaparecido Hotel América, frente al Club Hebraica, conoció a Durval Ferreira durante un baile donde tocaba Maurício Einhorn. La primera canción de los dos, "Sambop", fue grabada en 1959 por Claudete Soares en el LP "Nova Geração em Rítmo de Samba", en el que participó. Luego vinieron: "Estamos aí" (con Durval Ferreira y Regina Werneck) grabada por Leny Andrade; "Tristeza de Nós Dois" (con Durval Ferreira y Bebeto); "Batida Diferente", "Nuvem" y "Clichê" (todos con Durval Ferreira), "SamBlues" (con Durval Ferreira y Regina Werneck) y muchos otros. Destacó en la bossa nova, un movimiento cuya influencia cambió el curso de MPB..._(wikipedia)

La leyenda de la armónica de jazz Toots Thielemans describió a su amigo, el armonicista y compositor Mauricio Einhorn, como «una fuerza vital en la música brasileña, tanto como intérprete como compositor». La influencia de Einhorn se extiende al jazz. Ha trabajado con figuras tan importantes como Jim Hall, David Sanborn, Paquito D’Rivera, Baden Powell, así como con los cantantes Bobby McFerrin y Sarah Vaughan; músicos de la talla de Cannonball Adderley, Herbie Mann y la leyenda de la bossa nova Jobim han grabado sus composiciones. Grabado en Río en 1979, Me fue el primer álbum de Mauricio bajo su propio nombre, ¡y qué grabación! Einhorn reunió a un grupo de músicos excepcionales, todos versados ​​en la música tradicional brasileña y en el jazz. Las diez composiciones originales dan testimonio de la talla de Einhorn como compositor. Tenemos la contagiosa A Different Beat con sobresalientes solos de armónica, piano y

flauta, Saro con sus enérgicos solos de armónica, saxo y bajo Fender, la exquisita balada Alvorada y la alegre joya Estamos Ai. Luego tenemos el suave vals de jazz Toy y un tema escrito para los grandes del jazz Ron Carter y Jim Hall, Limbo con sus potentes voces. La breve pero dulce Claus es seguida por la conmovedoramente romántica Tristeza De Nos Dois y la fascinante Sketch. El apasionado solo de Einhorn en su balada Joy cierra un álbum que satisfará a todo amante de la música brasileña. ¡Jazz latino en su máxima expresión creativa!_ (mps-music)

                                                                            

Mauricio Einhorn - Me (1979 R.2016)

Temas:

01. Batida Differente "A Different Beat" (Durval Ferreira / Mauricio Einhorn)

02. Sarro (Arnaldo Costa / Mauricio Einhorn)

03. Alvorada (Arnaldo Costa / Luiz F. Freire / Mauricio Einhorn)

04. Estamos Aí (Durval Ferreira / Mauricio Einhorn / Regina Verneck)

05. Brinquedo (Toy) (José Schettini / Mauricio Einhorn)

06. Limbo (Theme For Ron Carter And Jim Hall) (Arnaldo Costa / Mauricio Einhorn)

07. Claus (Celso Loch / Mauricio Einhorn)

08. Tristeza De Nos Dois ( Bebeto / Durval Ferreira / Mauricio Einhorn)

09. Sketch (José Schettini / Mauricio Einhorn)

10. Joia "Joy" (Alberto Arantes / Mauricio Einhorn)

Musicos:

Mauricio Einhorn (Armónica, técnico remezcla)

Nelson Ayers (Piano, arreglos, dirección)

Luizão (Bajo) 

Sebastiao Tapajos (Guitarra acústica)

Gegê (Batería en pista #7)

Paulo Braga (Batería en pistas #6 a #9)

Marku (Batería, percusión, voz

Roberto Sion (Flauta, saxo alto, saxo soprano)

Vera Figueiredo - Vera Cruz Island

Vera Figueiredo Nacida el 7 de septiembre de 1957 en São Paulo, Brasil.

Al pensar en la percusión brasileña, es posible que se imaginen ritmos latinos fantásticos y la integración de percusiones de todo el mundo en ritmos enérgicos y vibrantes que hacen bailar hasta al espectador más tímido. En el caso de Vera Figueiredo, este estereotipo es totalmente cierto, pero no refleja completamente su sonido. Vera Figueiredo no solo es una consumada percusionista latina, sino que también fusiona con maestría los géneros latino y rock, lo que le confiere la presencia de una baterista audaz, enérgica, con un talento indiscutible y un gran carisma.

Si bien Figueiredo se ha consolidado como referente de la percusión latina con su estilo afrocubano, como autoproclamada admiradora de bandas como Deep Purple y Led Zeppelin, su estilo es la culminación de la percusión latina, fusión, jazz, rock y funk. Conocida en Brasil como la "Reina de la Batería", su estilo único y su asombrosa personalidad son reconocidos mundialmente. Además de ser una baterista y artista consumada, Figuiredo dirige su propia escuela de batería: el Instituto de Batería Vera Figueiredo, ubicado en Brasil.

Como artista de Sabian, la batería de Vera Figueiredo cuenta con una gran variedad de platillos, incluyendo varios de la serie HHX Evolution y su favorito, el hi-hat Vault V-FX Distortion. Como baterista de gran talento, Figueiredo ha impartido clases y tocado por todo el mundo en diversas agrupaciones, orquestas y con su propia banda, y es su estilo único y su rico sonido lo que la ha convertido en una de las mejores bateristas latinas de la actualidad._(jazzmusicarchives)

Vera Figueiredo - Vera Cruz Island (2001)

Temas:

01. Vera Cruz Island (Vera Figueiredo)

02. Tererê (Vera Figueiredo/Mônica Côrtes)

03. Devagar (Zaxariades aka Bruce Scott)

04. Renata (Vera Figueiredo)

05. Double V (Vera Figueiredo)

06. Deep Inside (Vera Figueiredo)

07. Reaching Another Day (Vera Figueiredo)

08. Reverse (Maurício Marques)

09. Chamamé (Rodrigo Rheinheimer)

10. Mr. Banana (Vera Figueiredo)

11. Figão's House (Vera Figueiredo)

12. Cai na Real (Maurício Marques)

13. Dave (Vera Figueiredo)

14. Saudade (Vera Figueiredo)

Musicos:

Vera Figueiredo (Batería, percusión, tamborim, repinique, surdo, voz)

Célio Barros (Bajo acústico)

Dave Weckl, Dennis Chambers, Virgil Donati (Batería)

Pedro Ivo (Bajo eléctrico)

Derico Sciotti (Flauta)

Guitarra - Mike Stern

Maurício Marques (Teclados, voz)

Bruno Cardozo (Piano)

Vitor Alcántara (Saxo tenor)

Daniel D'Alcántara (Trompeta, cuerno de fliscorno)

Nahor Gomes Oliveira (Trompeta #1)

Sidnei Aléssio Borgan (Trombón #1)

Luciana Yoshikawa, Paulo Jiraya, Maurício Marques (Voz #1)

Fred Prince ("Güiro & congas #2", "tan tan, repenique, tamborín, agogo-bell #11")

Luis Rabello (Guitarra #2)

Nahor Gomez Oliveira (Solo tompeta #2)

Tiquinho (Trombón #2, #11)

Maurício De Souza (Saxo alto #2, #11)

Célio Barros (Teclados #4)

Mike Stern (Guitarra #6)

Paulo Jiraya (Triángulo y bloque de madera #7, voz)

Marco Bosco (Pandeiro #7)

Jarbas Barboza (Guitarra eléctrica #7, #9. #10)

Edmundo Cassis (Piano #8) 

Elias Rezende (Acordeón #9)

Katia Stübing (Voz #10)

Jean Pierre Ryckebusch (Trompeta #12)

Grabado en el estudio A Luz da Lua de marzo de 1999 a febrero de 2000

Vitor Goncalves - Vitor Goncalves Quartet

Vitor Gonçalves es un pianista, acordeonista, compositor y arreglista de Río de Janeiro, Brasil. Tras una ilustre carrera como músico muy solicitado en Brasil, en la que tocó con iconos como Hermeto Pascoal, Maria Bethânia, Itiberê Zwarg y muchos otros, se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde reside actualmente.
Desde su llegada en 2012, ha cosechado numerosos elogios y ha labrado un currículum repleto de estrellas, que incluye apariciones en el programa Jazz Night in America de la NPR, presentado por Christian McBride, y en The New York Times como invitado de la famosa Spok Frevo Orquestra. Asiduo de los escenarios del Jazz at Lincoln Center, The Jazz Standard y la Jazz Gallery, lidera sus propios proyectos y colabora con figuras de la escena neoyorquina como Anat Cohen, Vinícius Cantuária, Anthony Wilson, Cyro Baptista y Yotam Silberstein.
También ha actuado en festivales de jazz y salas de todo el mundo, como el Newport Jazz, el Jazz à Vienne, el Umbria Jazz Festival, el Queen Elizabeth Hall de Londres y el Coliseo de Lisboa (Portugal).

Vitor se trasladó a Nueva York en 2012 para profundizar en su interés por el jazz y su conexión con la música brasileña, así como para explorar el crisol musical que es la ciudad de Nueva York. Fue allí donde comenzó a liderar su propio grupo y a formar nuevas formaciones, al tiempo que cursaba un máster en el City College. En 2017 lanzó su álbum debut con Sunnyside Records, Vitor Gonçalves Quartet, en el que participaron Dan Weiss (batería), Thomas Morgan (bajo) y Todd Neufeld (guitarra). El álbum recibió una reseña de cuatro estrellas y media en la revista de jazz Downbeat.
Otros grupos que codirige son «SanfoNYa Brasileira», un trío de acordeón con Eduardo Belo al bajo y Vanderlei Pereira a la batería, y «Regional de NY», uno de los principales representantes de la música choro (un rico género brasileño) en Estados Unidos. Ambos grupos han publicado un álbum de temas originales: el primero con Steve Wilson como artista invitado y el segundo con Fred Hersch.
Obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy 2020, a Mejor Álbum de Jazz Latino con Thalma de Freitas y a Mejor Conjunto de Jazz de Gran Formato con Anat Cohen Tentet._(vitorgoncalvesmusic)

Vitor Gonçalves es un pianista, acordeonista, compositor y arreglista de Río de Janeiro, Brasil. Tras una ilustre carrera como músico muy solicitado en Brasil, en la que tocó con iconos como Hermeto Pascoal, Maria Bethânia, Itiberê Zwarg y muchos otros, se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde reside actualmente.
Desde su llegada en 2012, ha cosechado numerosos elogios y ha labrado un currículum repleto de estrellas, que incluye apariciones en el programa Jazz Night in America de la NPR, presentado por Christian McBride, y en The New York Times como invitado de la famosa Spok Frevo Orquestra. Asiduo de los escenarios del Jazz at Lincoln Center, The Jazz Standard y la Jazz Gallery, lidera sus propios proyectos y colabora con figuras de la escena neoyorquina como Anat Cohen, Vinícius Cantuária, Anthony Wilson, Cyro Baptista y Yotam Silberstein.
También ha actuado en festivales de jazz y salas de todo el mundo, como el Newport Jazz, el Jazz à Vienne, el Umbria Jazz Festival, el Queen Elizabeth Hall de Londres y el Coliseo de Lisboa (Portugal).
Vitor se trasladó a Nueva York en 2012 para profundizar en su interés por el jazz y su conexión con la música brasileña, así como para explorar el crisol musical que es la ciudad de Nueva York. Fue allí donde comenzó a liderar su propio grupo y a formar nuevas formaciones, al tiempo que cursaba un máster en el City College. En 2017 lanzó su álbum debut con Sunnyside Records, Vitor Gonçalves Quartet, en el que participaron Dan Weiss (batería), Thomas Morgan (bajo) y Todd Neufeld (guitarra). El álbum recibió una reseña de cuatro estrellas y media en la revista de jazz Downbeat.

Otros grupos que codirige son «SanfoNYa Brasileira», un trío de acordeón con Eduardo Belo al bajo y Vanderlei Pereira a la batería, y «Regional de NY», uno de los principales representantes de la música choro (un rico género brasileño) en Estados Unidos. Ambos grupos han publicado un álbum de temas originales: el primero con Steve Wilson como artista invitado y el segundo con Fred Hersch.

Obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy 2020, a Mejor Álbum de Jazz Latino con Thalma de Freitas y a Mejor Conjunto de Jazz de Gran Formato con Anat Cohen Tentet._(vitorgoncalvesmusic)

                                                    

                                                                                 

Vitor Goncalves - Vitor Goncalves Quartet (2017)

Temas:

01. Sem Nome (Vitor Gonçalves)

02. Cortelyou Road (Vitor Gonçalves) 

03. Samba Do Perdão (BadenPowel/Paulo César Pinheiro)

04. Desleixada (Vitor Gonçalves) 

05. Winter Landscapes (Vitor Gonçalves) 

06. Se É Por Falta De Adeus (A.C. Jobim/Dolores Duran) 

07. De Cazadero Ao Recife (Vitor Gonçalves) 

08. The Touch Of Your Hand (Vitor Gonçalves)

Musicos:

Vitor Gonçalves (Piano, compositor, arreglista)

Todd Neufeld (Guitarra)

Thomas Morgan (Bajo)

Dan Weiss (Batería)

Se lanzó el 20 de enero de 2017

Stanley Black And His Piano With Latin American Rhythm - Cuban Moonlight

Stanley Black (14 de junio de 1913 - 27 de noviembre de 2002) fue un compositor, arreglista, pianista y director de orquesta británico. Escribió y arregló varias bandas de sonido para películas, y grabó diversas obras en los sellos discográficos London y London Phase 4 de la empresa Decca Records.

Comenzó en el ambiente del jazz en la década de 1930 con músicos como Coleman Hawkins y Benny Carter, y luego fue cambiando al estilo latino en sus interpretaciones y arreglos, para luego ganar reconocimiento por la dirección de obras clásicas..._(wikipedia)

Stanley Black pertenece a esa rara especie de músicos de renombre mundial que desafían cualquier intento de categorización. De hecho, su carrera tiene tantas facetas —pianista, director de orquesta, compositor, arreglista, director musical; música clásica, música ligera, jazz, música latinoamericana; radio, televisión, cine, sala de conciertos y estudio de grabación— que debe de haber miles de personas a ambos lados del Atlántico que no están del todo seguras de si todas estas «etiquetas» pertenecen a una misma persona. televisión, cine, salas de conciertos y estudios de grabación —que debe de haber miles de personas a ambos lados del Atlántico que no están del todo seguras de si todas estas «etiquetas» pertenecen a una misma persona.

Nacido y criado en Londres, la carrera musical de Stanley Black comenzó cuando recibió sus primeras clases de piano a los siete años y, más tarde, cuando se convirtió en alumno de la famosa Escuela de Música Manhay, se le auguraba una brillante carrera como pianista concertista.  Pero incluso en aquellos primeros días, su naturaleza inquieta se rebeló ante la idea de ser «solo un pianista», por lo que comenzó a componer y a estudiar orquestación y, a la tierna edad de doce años, una de sus primeras composiciones orquestales fue retransmitida por la Orquesta Sinfónica de la BBC, dirigida por el Dr. Joseph Lewis. 

Poco después de terminar la escuela, se interesó por el jazz y, tras ganar un concurso de arreglos patrocinado por «The Melody Maker», pronto se consolidó como uno de los principales pianistas y arreglistas de jazz de Gran Bretaña. Grabó y participó en programas de radio con Coleman Hawkins, Benny Carter y Louis Armstrong cuando estos artistas visitaron Gran Bretaña en la década de 1930, y también escribió varias composiciones por encargo de Hawkins para una serie de grabaciones especializadas.

En 1938, Stanley Black visitó Sudamérica y se interesó profundamente por la música de los países latinoamericanos. Al profundizar en el tema con la minuciosidad que se convertiría en el sello distintivo de toda su obra, no tardó en ser considerado una de las principales autoridades europeas en ritmos sudamericanos. 

Hacia el final de la guerra y su servicio en la RAF, saltó a la fama al tomar las riendas de la B. B.C. Dance Orchestra, cargo que ocupó durante nueve años, tiempo en el que no solo alcanzó una media de seis programas a la semana, sino que también compuso sintonías y música incidental para numerosas series y documentales radiofónicos, así como la música para los intervalos del Light Programme. En octubre de 1951, la orquesta fue uno de los elementos destacados del Royal Command Variety Show.

En el mundo de la música cinematográfica, Stanley Black ha compuesto las bandas sonoras y ha sido director musical de más de 95 películas británicas y angloamericanas, y en 1958 fue nombrado director musical de los estudios Elstree de la Associated British Picture Corporation. En 1960 compuso un nuevo tema musical y una biblioteca musical completa para Pathe Newsreel, y en 1963 su banda sonora para el musical de Cliff Richard «Summer Holiday» le valió el premio Novello a la mejor banda sonora de una película musical del año. Una de sus bandas sonoras más recientes fue la de la película «Crossplot», protagonizada por Roger («El Santo») Moore.

Stanley Black acaba de celebrar su vigésimo quinto aniversario bajo contrato exclusivo con The Decca Record Company Limited y sus álbumes muestran más claramente que cualquier palabra su gran versatilidad y su profundo conocimiento de todo el espectro musical:

Los álbumes latinoamericanos como «Tropical Moonlight», «Gershwin Goes Latin», etc., en los que su brillante e inimitable estilo pianístico es el eje de su mundialmente famoso grupo latinoamericano; los álbumes orquestales para los que él mismo realiza todas las orquestaciones, como «Film Spectaculars», «Spain», «Russia», «Broadway Spectacular», «Dimensions in Sound», etc., etc.; y los álbumes orquestales en los que dirige las principales orquestas del país: la London Symphony Orchestra y la London Festival Orchestra. La Royal Philharmonic Orchestra y la London Philharmonic Orchestra, en obras del repertorio clásico estándar de Tchaikovsky, Grieg, Debussy, Dvorák, Borodin, etc. Uno de ellos, su grabación del «Capriccio Español» de Rimsky-Korsakov, fue elegido por «The Gramophone» como uno de los discos clásicos del año «elegidos por la crítica» (1965). Todos estos álbumes, en particular los de la serie Phase 4 Stereo, se han publicado en todo el mundo con un éxito extraordinario, especialmente en Estados Unidos y Japón. Las ventas de los álbumes de Stanley Black han alcanzado ya varios millones y ha recibido varios discos de oro.

Como director de orquesta, Stanley Black se ha involucrado cada vez más en el mundo de la música clásica durante los últimos años. Dirigió la Royal Philharmonic Orchestra en siete conciertos durante 1967; realiza numerosas giras como director invitado en Gran Bretaña y en el continente; fue nombrado director principal de la B. B.C. Northern Ireland Orchestra en septiembre de 1968, pero tuvo que renunciar al cargo al cabo de un año debido a sus numerosos compromisos cinematográficos y discográficos en Londres. En septiembre de 1965 fue invitado a Japón para una gira de conciertos con su grupo discográfico latinoamericano y también dirigió la Orquesta Sinfónica de Tokio. La gira tuvo tanto éxito que fue invitado a realizar otra en abril de 1967. Se le pidió una tercera gira, que se llevó a cabo en abril de 1969, esta vez sin el grupo latinoamericano y únicamente como director invitado de la Orquesta Sinfónica de Tokio, la Orquesta Filarmónica de Osaka y la Orquesta Sinfónica de la NHK; y, increíblemente, como único artista occidental al que se ha invitado con tanta frecuencia, ha sido invitado una vez más a dirigir las mismas orquestas durante la temporada de la EXPO '70 este verano. A finales de 1971 se traslada a Nueva Zelanda para dirigir la Orquesta Sinfónica de la New Zealand Broadcasting Corporation durante toda una temporada de «Proms».

Para Stanley Black no hay nada extraño en la idea de dirigir una orquesta sinfónica un día y tocar el piano en un grupo de jazz o latinoamericano al día siguiente; o pasar de componer una banda sonora de cine inspirada en el jazz a escribir una nueva y exquisita versión de «Clair de Lune» de Debussy; o relajarse escuchando discos tanto de Mozart como de Sergio Mendes, o de Elgar y Duke Ellington. Rechaza la especialización porque nunca ha sentido la necesidad o el impulso de especializarse. Se considera ante todo un músico y, por lo tanto, todo lo relacionado con la música entra dentro de su ámbito de comprensión y entendimiento instintivos. Quizás el secreto radique en el hecho de que hace «todo lo relacionado con la música» de forma brillante, y si lleva una desconcertante cantidad de sombreros musicales, todos le quedan de maravilla. Como él mismo dice de forma tan sucinta: «Todo es música, música para estudiar y disfrutar y poner a disposición de otros para que la disfruten; la única música imperdonable es la que es aburrida, está mal escrita o mal interpretada». Así que, como dirían nuestros primos estadounidenses, «disfruten, disfruten»: elijan entre la increíblemente amplia gama de álbumes de Stanley Black. Están ahí para que los disfruten, para todos los estados de ánimo, todos los gustos, todas las edades; un elocuente testimonio de la inspirada obra de uno de los músicos más destacados de nuestro tiempo._ The Decca Record Company Limited, Londres (1969)

                                                                                    

                                                                                  

Stanley Black And His Piano With Latin American Rhythm - Cuban Moonlight (1969)

Temas:

01. Vereda Tropical (Gonzalo Curiel)

02. Majorca (Georges Bonnet/Johnny Lehmann/Louis Gasté)

03. Siboney (Ernesto Lecuona)

04. Ay-Ay-Ay (Osman Perez Freire)

05. El Truco De Pernambuco (Manuel Salina)

06. Green Eyes (Nilo Menéndez/Reginald Connelly/Wolfe Gilbert)

07. Rumba Matumba (Bobby Collazo)

08. Stars In Your Eyes (Gabriel Ruiz)

09. Os Quindins De Yaya (Ary Barroso)

10. The Moon Was Yellow (Edgar Leslie/Fred E. Ahlert)

11. Nostalgia (Stanley Black)

12. Hold Me Close Tonight (Stanley Black)

13. Perfidia (Alberto Dominguez)

14. Frenesi (Alberto Dominguez)

Elio Revé y su Charangón - Fresquecito

Orquesta de Elio Revé. Agrupación musical fundada en 1956. Por su quehacer musical ha ganado gran prestigio nacional e internacional. Continuadores de una obra musicalmente importante, capaces de convocar a más de 25 mil personas en varias plazas del país, unido a grabaciones de importantes discos compactos y presentaciones en prestigiosos escenarios nacionales e internacionales, Elito Revé Jr. y Charangón van conformando una nueva etapa en la historia de esta orquesta dando muestras de profesionalidad y logrando mantener siempre la expectativa de un público conocedor de la buena música cubana.
Fundada en el año 1956 por el maestro Elio Revé Matos, figura relevante de la música cubana, la orquesta Elio Revé y su Charangón es desde hace muchos años, una de las agrupaciones musicales de mayor prestigio en Cuba y en otras partes del mundo.

Su creador, nacido en Guantánamo, provincia oriental de Cuba, el 23 de junio de 1930 y fiel exponente de los mejores valores de la música cubana, fue catalogado como "Padre del Changüí" por los aportes que hizo a este ritmo, además de ser uno de sus más grandes defensores.
Dentro de la carrera de Elio Revé Matos se destaca el hecho de ser el primero en utilizar el timbal de cinco llaves en el formato de Charanga también introdujo los trombones en sus arreglos y por último, llevó a su orquesta los tambores Batá pertenecientes a la religión Yoruba. Lo anterior sumado a su carismática simpatía, a esa voz ronca e inconfundible que le acompañó siempre al cantar, unido a su rigor profesional como percusionista y a su talento innato y cultivado, le valieron para alcanzar la popularidad en muy breve tiempo.
Maestro de maestros pues en su orquesta se formaron figuras de la talla de Chucho Valdés, Juan Formell, Yumurí, Carlos Alfonso y hasta su propio hijo Elito, por solo citar algunos ejemplos, Elio Revé Matos logró convencer en cada actuación. La vida y obra de este importante músico y compositor siguen siendo de gran trascendencia en la historia musical cubana.
Tras fallecimiento de Elio Revé en el año 1997, su hijo Elio Revé Jr. graduado de nivel superior de música, quien además de haber sido preparado por su padre, ya formaba parte de la orquesta como pianista y arreglista, asume el reto de continuar la obra de Revé y para ello asume la dirección de la orquesta logrando mantener además de la popularidad, la sonoridad y el sello que durante tantos años habían acompañado a esta agrupación.

Elio Revé Jr. y su Charangón con rigor y gran sentido estético y musical alcanzaron desde entonces los primeros lugares del Hit Parade nacional de la radio y la televisión cubanas, se han presentado en escenarios de Francia, Holanda, Estados Unidos, España, Bélgica, Suiza, Italia y México donde la orquesta era conocida y donde lograron que el público les recibiera con entusiasmo gracias precisamente al hecho de haber mantenido la misma sonoridad..._(ecured)

                                                                        

                                                                              

Elio Revé y su Charangón - Fresquecito (2007)

Temas:

01. Fresquecito.com (Elio Revé Duverger)

02. El Teléfono (Aisar Hernández Segundo)

03. El Dinero (Dagoberto Vásquez)

04. El Martes (Juan Formell)

05. La Viuda (Aisar Hernández Segundo)

06. Ya No Te Doy Mas Nà (Alexei Sánchez)

07. El Jonrón (Sofiel Del Pino)

08. Vamos A Bailar El Changüí (Elio Revé Duverger)

09. A Sancochar Boniato ( Aisar Hernández Segundo)

10. No Me Pegues Con El Pie (D.R.)

11. La Madrugada (Alexei Sánchez)

Musicos:

Elito Revé Duverger (Voz, arreglos y director musical)

Aisar Hernández Segundo (Bajo, arreglos, director musical)

Wilfredo A. Naranjo "Pachy Jr." (Piano)

Jorge Luis Vila (Tres)

Andy Fornet (Timbales, güiro, batá)

Arián Chacón (Congas, batá)

Ariel Hernández (Bongos, campanas, batá)

Maikel Díaz (Güiro)

Eulices Benavides, Orlando Montander, Yamer Pérez (Metales)

Dagoberto Vásquez (Voz, coros en pistas: #1,#3,#4,#7,#10)

Pascual Matos "El Sansote" (Voz, coros en pistas: #4,#5,#8)

Eric E. Broche "El Chino" (Voz en pistas: #4,#6)

Lázaro Cuesta "El Bello" (Voz en pistas: #2,#4,#9,#11)

Músicos invitados:

Irwing Frontela (Violín "Orquesta Van Van")

Roberto Hernández "Robertón" (Voz "Orquesta Van Van")

Miguel Martínez Roja (Bongocero de changüi)

Roberto Morales (Coros)