Publicado originalmente en 1970 por el poco conocido sello de Chicago Futuro, Vamonos / Let's Go! es el primer y único álbum grabado por el grupo de salsa del barrio de Brooklyn The Orchestra Soledad. Liderada por el trombonista y cantante Héctor Ramos, la música de la Orquesta Soledad se caracteriza por sus descarados y enérgicos arreglos de salsa creados por el propio Ramos, que también compuso (o cocompuso) toda la música que aparece en el LP. Este
disco ultra raro llegó a la atención de BBE por cortesía de DJ Amir, que lo descubrió (junto con un trofeo de «batalla de bandas» que el grupo había ganado) en una tienda situada a sólo unas manzanas de la casa de Héctor Ramos en Bushwick. Inmediatamente cautivado por el impactante material gráfico y la increíble música, Amir incluyó el tema El Ritmo Soledad en su recopilatorio de BBE de 2016 Buena Música Y Cultura, un álbum que celebra la música latina de toda América. La Orquesta Soledad estaba formada por jóvenes talentos locales (tal vez héroes locales), todos soñando con la fama de las Fania All-Stars cuando entraron en el estudio, tristemente destinados a nunca «lograrlo». Sin embargo, este brillante álbum sigue siendo un testimonio duradero de su brillantez. Cruda, auténtica salsa callejera de los 70, todas las grabaciones incluidas en Vamonos/ Let's Go! tienen un marcado aire de directo, sin pulir, evocando todo el sudor y el drama de una calurosa noche de verano en los barrios de Sunset Park, Bushwick o Williamsburg en su día._(roughtrade)
The Orchestra Soledad - Vamonos / Let's Go (1970, R.2017) Temas: 01. El Ritmo Soledad (H. Ramos, W. Corridor) 02. I'll Make You A Queen (H. Ramos, R. Gonzalez) 03. Cuero (H. Ramos) 04. Vamonos / Let's Go (H. Ramos) 05. La Puerta Esta (H. Ramos, M. Fulu) 06. Problems (H. Ramos) 07. Just Like A Fool (H. Ramos) 08. Candela (H. Ramos) 09. Uptight (H. Ramos) Musicos: Hector Ramos (1º Trombón, voz, coros y arreglos) Tony Torres (2º Trombón) Miguel Fulu (Piano, órgano, voz) William Corridor (Bajo, coros) Raymond Gonzalez (Voz, coros) Mike Kercado (Congas, batería) Raul (Ray) Rosa (Timbales, coros)
Ovidio González, cantante y actor cubano radicado en Ecuador, inició su carrera profesional en el año 1984 al graduarse en el Instituto Superior de Arte de La Habana, como licenciado en Música, con especialización en canto. Su trabajo discográfico consta de 10 CDs, dedicados fundamentalmente a la música cubana y caribeña. Su disco En sendas distintas, del año 2012, es una recopilación de pasillos ecuatorianos que ha recibido una gran acogida del público. Su disco Mi propuesta del año 2005, con sello discográfico EGREM, fue nominado al Cubadisco, el evento más importante de la música en Cuba. Su disco Añorado encuentro en el evento Cubadisco 2017 obtuvo dos nominaciones y recoge 18 dúos con grandes artistas: Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Omara Portuondo, Frank Fernández, Américo, Coqui Villamizar, entre otros. Ha realizado varias giras nacionales e internacionales en Cuba, Alemania, España, México, Portugal, Panamá, Chile y Ecuador. Representó a su país en el Festival de la Canción en Dresden en el año 1987, donde obtuvo el segundo premio del jurado y el premio de la popularidad, el Festival Días de la Prensa en 1998, también en Alemania y en el Festival Viña del Mar en el año 1991.
En Cuba comparte el escenario con grandes figuras de la cultura musical y actoral de la isla y realizó varias obras de teatro y series para la televisión, combinadas con una muy amplia presencia en la radio cubana, ocupando siempre los primeros lugares de popularidad en el país. Otro perfil de su trabajo ha sido la docencia, labor que la comenzó en Cuba en el año 1985 en el ISA y la continuó después en el Ecuador desde el año 1995 en el Conservatorio Nacional de Música, Municipio de Quito, Universidad de los Hemisferios y en Teleamazonas ha sido coach vocal de los programas Pequeños Gigantes, Yo me llamo, 5 temporadas y La Voz Ecuador. En Ecuador su trabajo como actor se ha desarrollado en varias series para la televisión, en Ecuavisa y Teleamazonas, fundamentalmente Pasado y confeso e Historias personales, en los largometrajes Los que se van, los que se quedan y Sé que vienen a matarme y ha participado en las obras de teatro Art y Las Brujas de Salem con temporadas en el Teatro del CCI, así como en Gígolo a la carta.
Por 22 años ha dirigido y conducido el programa de radio La propuesta de Ovidio._(ovidiogonzalez)
Baden Powell de Aquino (Varre-e-Sai, 6 de agosto de 1937 - Río de Janeiro, 26 de septiembre de 2000) ampliamente conocido como Baden Powell, fue un guitarrista brasileño. Interpretó muchos estilos de música brasileña, tales como bossa nova, samba, jazz brasilero, pop brasilero, jazz latino y música popular brasileña (MPB). Es padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Luis Marcel Powell de Aquino..._(wikipedia)En 2018 se celebró el 50.º aniversario de la fundación del sello alemán de jazz MPS. Para celebrar la ocasión, se lanzó en descarga el catálogo de más de 400 álbumes del sello, y se inició un programa de reediciones en vinilo y CD. Tristeza on Guitar, del guitarrista brasileño Baden Powell, es uno de los primeros discos. Publicado originalmente en 1966, es un tesoro imperecedero de la música brasileña del siglo XX.
Entre 1966 y 1976, Powell grabó nueve álbumes para MPS, todos producidos (con un toque ligero) por el erudito del jazz Joachim-Ernst Berendt. Tristeza on Guitar, grabado en Río de Janeiro después de que Berendt pasara casi una semana buscando al bohemio y escurridizo Powell, fue el primero de ellos. El quinteto que lo acompaña está compuesto por la flor y nata de los músicos contemporáneos de bossa nova/samba e incluye al percusionista Alfredo Bessa y al baterista Milton Banana. El álbum presenta diversas combinaciones de músicos, desde Powell como solista hasta la formación completa. Además de ser un guitarrista con una técnica formidable y una gran alma, Powell era un compositor talentoso, y seis de las diez piezas de este álbum son originales. Entre ellas se encuentran los populares "Canto de Xango" y "Canto de Ossanha", ambos incluidos en 1966 en Os Afro Sambas de Baden e Vinicius (Forma), la obra maestra vocal de Powell, creada con el poeta y letrista Vinicius de Moraes. Las cuatro piezas no originales son "Round About Midnight" de Thelonious Monk y Cootie Williams, "Tristeza" de Haroldo Lobo, "Manha De Carnaval" de Luiz Bonfa y "Das Rosas" de Dorival Caymni.
A pesar de su título, el tono de Tristeza en Guitarra es generalmente exuberante y festivo.
La notable excepción es "Manha de Carnaval", popularizada por la película de Marcel Camus de 1959, Orfeo Negro, que resulta conmovedoramente emotiva. Años posteriores se grabarían versiones animadas y revisionistas, pero en 1966 la pieza seguía tan estrechamente asociada a la película que reformularla como una alegre travesura habría sido impensable. "Canto de Xango" y "Canto de Ossanha", dedicados a los orishas de los que toman sus nombres, son etéreos pero vibrantes. "Round About Midnight", una de las dos versiones de la melodía que grabó Powell, y aquí interpretada solo con guitarra y bajo, evoca soledad, pero no soledad. "Tristeza" en sí misma (que no debe confundirse con "Tristeza e Solidao" de Powell y de Moraes, de Os Afro Sambas) es más alegre que triste. Todos los álbumes MPS de Powell son un negocio, pero este, grabado en Brasil con una formación 100% brasileña dos años antes de que Powell se mudara definitivamente a Francia, tiene una magia especial._Chris May (allaboutjazz)
Baden Powell - Tristeza On Guitar (1966, 2017, MPS)
Temas:
01. Tristeza (Haroldo Lôbo, Nitinho)
02. Canto De Xango (Baden Powell, Vinicius De Moraes)
03. Round About Midnight (Cootie Williams, Thelonious Monk)
04. Sarava (Baden Powell)
05. Canto De Ossanha (Baden Powell, Vinicius De Moraes)
06. Manha De Carneval (Antônio Maria, Luiz Bonfá)
07. Invencao Em 7 1/2 (Baden Powell)
08. Das Rosas (Dorival Caymmi)
09. Som Do Carnaval (Baden Powell, Copinha)
10. O Astronauta (Baden Powell, Vinicius De Moraes)
Los Surik. Agrupación musical nacida en Las Tunas, provincia cuna de orquestas que han sido reconocidas tanto a nivel nacional como internacional. Esta orquesta se ha destacado en el mundo de la música en Cuba por su excelencia. Los Surik es una agrupación de 15 músicos (4 de ellos cantantes), se creó en Victoria Las Tunas, en el oriente de Cuba. Como profesionales se iniciaron en el año 1982, con énfasis especial en el trabajo armónico, mediante la utilización reestructuras complejas, puestas en función de la autenticidad de los géneros que interpretan, como el son, la guaracha,el merengue, la canción y el bolero, entre otros géneros. Los Surik ensayaban en la casa de José Luis Borrel, frente a la antigua tienda La Gran Señora (calles Lucas Ortiz y Julián Santana). Luego trasladaron sus instrumentos para la casa de Benny Revuelta, en la calle Gonzalo de Quesada,esquina a Lucas Ortiz. En el repertorio de Los Surik figuraban, entre otros, temas clásicos del pop español y norteamericano, e instrumentales que Benny recreaba con su saxofón. Pablín (ya fallecido) fue un excelente cantante, finalista años después en el programa televisivo Todo el mundo canta. Y Paco Mesa brilló también como vocalista. Catalá se sentía a sus anchas en la batería, igual que Omarito en el bajo. Los bafles de la foto los diseñó José Luis Borrell, quien, además de músico, era gran aficionado a la electrónica. En 1994 el grupo editó un disco que se llamó Alma Musical (CD (Magic Music 0003-3)). Algunos de los temas del disco fueron número 1 en Cuba en esa época.
Los Surik tienen en su currículo una primicia interesante: sus miembros iniciaron la era de la discografía en Las Tunas, al grabar en 1985 la primera placa de larga duración de que se tengan referencias en el territorio. El fonograma consta de 12 números la mayoría con la firma autoral de integrantes del grupo y fue grabado en los estudios Siboney, en Santiago de Cuba. Por su naturaleza fundacional, el disco constituye una pieza de inapreciable valor para el patrimonio cultural tunero. En 1981 obtuvieron el Gran Premio del Festival Nacional de Artistas Aficionados El grupo estuvo de gira por Japón y por España el 1994 y 1995. Por toda su trayectoria y sus logros tanto en la cultura nacional como internacional este grupo tunero merece un homenaje sentido por las instituciones de cultura y su pueblo, toda vez que en su nómina histórica aparecen nombres de genuinos artistas como Julián Galbán, Fernando Quintana, Rolando Portillo, Arnaldo García, Virginia Iznaga y Paco Mesa, entre otros._(ecured)
Don Pullen (Roanoke, Virginia, 25 de diciembre de 1944 - 22 de abril de 1995, Los Ángeles, California) fue un pianista, organista y compositor estadounidense de jazz. Tras realizar varias giras en grupos de segundo nivel, se traslada a Nueva York, donde estudia con Muhal Richard Abrams, con quien también toca. a partir de 1964 comienza a grabar y tocar regularmente de forma profesional, liderando sus propios grupos y colaborando con muchos músicos de free jazz, tocando el piano, a la vez que simultanea sus experiencias de vanguardia con actuaciones más tradicionales, tocando el órgano, con músicos como Charles Williams, Nina Simone, Art Blakey o Charles Mingus (1973-1975). Tras una estancia en Europa a finales de la década de los 70, colaborará con Hammiet Bluiett, Joseph Jarman, Sam Rivers, George Adams (con quien colaboraría muy frecuentemente) y otros.
A finales de los años 1990, integraría el grupo "African Brazilian Connection", con Carlos Ward, uno de cuyos álbumes, Ode To Life (1993), lograría situarse en el puesto #5 de las listas de jazz de Billboard. Grabaría su último disco, Sacred Common Ground, junto a los "Chief Cliff Singers", indios de la tribu Kootenai de Montana, solo unas semanas antes de su muerte, por linfoma.
Fue un pianista muy original, al superponer la tradición del piano de jazz con los conceptos free-jazz, alternando pasajes muy libres con momentos líricos y románticos, sobre armonías convencionales. Mostraba claras influencias del blues y de la música de las Antillas. Su técnica ha sido filmada y estudiada por un gran número de pianistas._ (wikipedia)
"El Matador", del propio Pullen, introduce el subtema de ODE TO LIFE: su homenaje al saxofonista George Adams.
"George era un matador, a veces peligroso, muy agresivo y poderoso en su música", dice Pullen de Adams, en cuyo funeral habló tras su muerte en noviembre de 1992. "A George también le gustaba la música flamenca, aunque no la tocaba mucho".
"Ah George, We Hardly Knew Ya", también escrita por Don pero con la extensa declaración del contralto de Carlos, surge con ternura por la nobleza y pesar por la pérdida de su amigo, que sucumbió a los 52 años a múltiples enfermedades exacerbadas por la dura vida del jazz.
"Mi relación con George comenzó en Atlanta, donde yo tocaba en la organización de Sil Austin, en 1968", recuerda Pullen. "Estuvimos juntos tres años en la banda de Charles Mingus, trabajamos por nuestra cuenta, incluida una temporada con Art Blakey' s Jazz Messengers en el Village Gate, con otros grupos que él dirigió y lideró, y finalmente con nuestro cuarteto con Dannie Richmond y Cameron Brown, que duró 10 años".
"Me encontraba con George en el camino", comenta Ward, "e intercambiamos algunas palabras. La última vez que lo vi, acababa de regresar de Europa y me dijo que creía haberme visto allí. Fue curioso porque yo no tenía trabajo allí en ese momento; lo tomé como una profecía, una señal de que llegaría allí en el futuro".
"George Adams creía en su fe, que es algo que te ayuda a superar la vida, moldea tu carácter y tu forma de tocar. Música no empieza y acaba en el estudio de grabación. La música es una cuestión de cómo vives tu vida. La fe te permite conocer tu vida como una experiencia».
La experiencia del jazz, por supuesto, encuentra su fe en el ritmo, y después de la animada «Aseekol» de Mor Thiam -una llamada a la danza- Ward persigue el pulso interior que es tan central en su visión musical.
Anastasia/Pyramid« se llama así por una mujer africana con la que siento un estrecho parentesco espiritual, y también por algo antiguo, algo del pasado, algo como las pirámides de las que no conozco ningún detalle pero que, de algún modo, siento que conozco», se esfuerza por explicar. «Está extrañamente estructurada, porque en siete compases está hecha la melodía. Pero yo no compongo pensando en esas cosas, así que te toca a ti analizarlo».
El análisis es en gran medida irrelevante por el sentido inmediato que tiene esta música. No hay necesidad de analizar la agitación de Pullen de las octavas superiores del piano con su mano derecha como si las teclas fueran agua. Su maestría es sublime, indudable. Esperamos sus avances en la técnica extendida no sólo porque nos asombran, sino porque su musicalidad nos conmueve.
Del mismo modo, estas composiciones existen como si siempre las hubiéramos conocido; las captamos rápidamente, aunque cuando volvemos a escucharlas nos ofrecen nuevos detalles, nuevas perspectivas. La «Oda a la vida» de Pullen se basa en la sección central de una pieza en tres partes que escribió para un amigo que luchaba contra una enfermedad devastadora; la interpretó en su álbum para trío RANDOM THOUGHTS. La elucidación de Ward de sus giros y vueltas, la interpretación bluesy del pianista, y los gritos de ánimo de Mor ayudan a que "Ode" resuelva todo lo que ha pasado con total convicción.
"Tengo mucha curiosidad por conocer la reacción del público ante este álbum", comenta Don Pullen. "Puede que sea discreta, y no me disgusta. Sólo me pregunto si mi público me permitirá ser tan atrevido".
¿Por qué no? Este es el mismo Don Pullen que oscureció la samba con soul, que actualizó el doo-wop con disonancias, que templó y dio forma a lo que antes se consideraba "avant garde" para que sus ideas fueran accesibles a todo el mundo. Sus sentimientos musicales llegan a todas partes, igual que la diáspora negra extendió las raíces indígenas de África por todo el planeta. La vida tiene sus crestas y sus valles, así que la música de Pullen -dedicada a la vida- debe reflejar no sólo la exuberancia, sino también el reposo tranquilo. Nuestro mundo jazzístico exige un jazz mundial, cuya creación por parte de la Afincan-Brazilian Connection de Don Pullen no es más que un triunfo celebrado por ODE TO UFE._ Howard Mandel
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Carminho – Portuguesa (2023)
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*Portuguesa* es el sexto álbum de estudio de *Carminho*, Maria do Carmo de
Carvalho Rebelo de Andrade, un total de 14 canciones que son una profunda
refle...
Música para Gatos - Ep. 90 - Referencias gatunas.
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Hoy os vamos a entregar uno de aquellos capítulos a los cuales solemos
denominar Jazz Free, es decir, un...
Myrsini Kagarlis / Ravel
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Myrsini Kagarlis (13) performs Ravel's Sonatine at the 5th Summer Music
Performance Program at Anatolia College, Thessaloniki, Greece, on July 2,
2019.
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