Ricardo Pons es un flautista de Puerto Rico, saxofonista, arreglista y compositor. Él ha tenido una experiencia de rendimiento de ancho, con artistas como Chick Corea, Tito Puente, Eddie Palmieri, Mario Bauzá, Willie Colón, Celia Cruz, Jimmy Heath, Ron Carter, Los Pleneros de la 21, el Teatro Pregones y otros, y ha llevado a cabo en el prestigiosos Chicago Jazz Festival y el Charlie Parker Festival en Nueva York. Ricardo fue a la escuela en el City College de Nueva York y tiene una Maestría en Interpretación de Jazz y Composición en el Conservatorio de Aaron Copland en el Queens College, donde estudió con el maestro saxofonista / compositor Jimmy Heath. En la actualidad es profesor de Composición de Jazz, Armonía y Saxofón en la Universidad Interamericana de Puerto Rico. Este joven talento de Puerto Rico está comprometida con el desarrollo de la música derivada de la música folklórica puertorriqueña como la bomba, la plena y Danzas. Una de sus composiciones, Vieques si, ha sido incluido en el "Libro de Jazz Todo real" (música Sher), siendo el primer compositor de Puerto Rico joven para ser incluido en esa publicación. Su debut como productor en 1998, "De Puerto Rico al Mundo" con su banda Viento de Agua es una fusión de la tradicional Bomba y Plena, con una especia de Jazz y fue aclamado por el New York Times como uno de los 10 mejores grabaciones hechas en Nueva York en 1998. Su grabación más reciente, Ricardo Pons y Plena del Sol, producida por su propio sello, Musaboricua, fue en gran medida aclamada por el público.
Temas:
01.Eshu L'ona
02.El Lider
03.A Degree of Equilibrium
04.Scherzo
05.Sunrise in Hato Rey
06.Fantasia
07.Tesoros
08.Lo Cietro Que Es Lo Incierto
09.Blues For My Friends
10.Melanconico
11.El Sueno De Obatala
Musicos: Ricardo Pons - Saxofon, flauta, percusión y compositor
Raúl Romero - Guitarra
Gabriel Rodríguez - Bajo
Efraín Martínez - Bateria
Paoli Mejías - Congas y percusión
Robert Navarro nació en la ciudad de Nueva York, donde comenzó su carrera como pianista, arreglista, productor y especialista en recreación terapéutica. Robert se graduó de la universidad de la ciudad con una Licenciatura en Bellas Artes (BFA) en la música. Robert asistió a la Escuela de Música de Manners (División de Extensión de Estudios de Jazz), y la Manhattan School of Music
(Estudios Clásicos) durante sus años de estudiante. Más tarde recibió un Master of Arts (MA) de la Universidad de Nueva York. Robert estudió en privado con el gran músico de jazz, Jackie Byrd (piano jazz y Big Band de la organización), así como Harold Danko, John Lewis, Caper Valerie, Ed Summerlin (jazz arreglos florales), Ron Carter (la improvisación del jazz). Estudió piano clásico con "La Sra. Bagger ", donde aprendió el repertorio del compositor de piano" Liszt ". Ingeniería de Robert de educación se logró mediante el estudio en dos de los ingenieros más respetados en el negocio de la música, John Fausty y el Alto de Kurt. En 1982, Robert formó la banda de Grupo Fascinación con Johnny Rivera y Tito Gonzales como cantantes principales. Grupo Fascinación grabó tres discos de larga duración bajo el sello Rico...Seguir leyendo
Bueno, crujiente, balanceando instrumental "Jazz Tropical" por el nacido en Nueva York el pianista Roberto Navarro. Se ha unido en esta fecha por los venezolanos Richard Bravo en la percusión y su hermano Jerry Bravo en el bajo. Solos de Niza por todas partes, y las disposiciones de la diversión de clásicos como "Watermelon Man" y "Night in Tunisia". Varias personas con talento se suman a los procedimientos, la posición de salida es de Pedro Alfonso en el violín. Alfonso trae una sensación de swing jazz gitano 'juguetón, casi a la conducción original, Navarro "Caminando" - un gran comienzo para un álbum sólido. Invitado el guitarrista Rainer Marín añade un poco de guitarra eléctrica chillando a la América estándar "Sabroso", me recuerda a la banda de Santana, en sus días de fusión mediados de los años 70. Formación clásica de Navarro es evidente en el danzón-descendido "Campanitas de Cristal" por el influyente compositor Rafael Hernández, y una canción de Cole Porter añade un tono desenfadado, jazz en el procedimiento de "You’d Be Nice To Come Home To". ~Pablo Yglesias
Francisco Polytechnic y en el State College donde consiguió diplomarse en el clarinete, un instrumento que siempre la había fascinado. Fue en 1950 cuando decidió adoptar el saxo alto como su instrumento definitivo y con el que tuvo sus primeros escarceos con la música profesional en el seno del grupo de Jack Fina. Influenciado por el maestro, Johnny Hodges y sobre todo por el sonido del saxo de Pete Brown, saltó a la diez años mas tarde cuando el pianista, Dave Brubeck, con quien permaneció la friolera de diecisiete años y al que conocía desde 1943, lo llamó para formar parte en 1951 de su cuarteto. En ese grupo, Paul Desmond era el músico con mas talento de todos y contribuyó esencialmente en el éxito del combo con su característico estilo melódico, de gran pureza y lleno de vigor y dulzura al mismo tiempo. Su aportación a los grandes discos de Dave Brubeck, especialmente en el extraordinario tema: "Take Five" para Columbia grabado en el año 1962 con el álbum "Time Out" fue extraordinaria y a partir de entonces, Desmond fue reconocido como el alma máter del cuarteto de Brubeck. Fuera del contexto del grupo de Brubeck, Paul Desmond grabó, no sin cierto disgusto de Brubeck, algunos discos extraordinarios con el saxo barítono, Gerry Mulligan, y con el guitarrista, Jim Hall. también grabó varios discos a su nombre fundamentalmente cuando se disolvió el cuarteto. En los setenta, Paul Desmond casi desaparece de la escena musical del jazz debido a sus endémicos ataques de pereza, sus problemas con el alcohol y también por la aparición de los primeros síntomas de la enfermedad que le quitaría la vida: un cáncer de pulmón. En 1972 reaparece efímeramente al lado de Dave Brubeck en el Festival de jazz de Newport. Decidió escribir su propia autobiografía pero otra vez la pereza le impidió pasar del primer capitulo. En 1974 se instala en el famoso "Half Note" de New York con su propio cuarteto donde noche tras noche deleitaba a sus numerosos seguidores. Saxofonista infravalorado hasta hace muy poco, hoy la critica le reconoce lo que le negó en vida: ser uno de los grandes músicos de jazz de toda la Costa Oeste de los Estados Unidos y un maestro en el arte de la improvisación, siendo su sonido reconocible desde las primeras notas. Dotado de un fino humor, (el seudónimo de Desmond, lo buscó en una guía de teléfono), dejó todo su dinero a la Cruz Roja, su piano Steinway al club Bradley's y especificó en su testamento que su cuerpo fuese cremado porque, textualmente, no quería ser un monumento camino del aeropuerto. En New York, las autopistas que conducen a los distintos aeropuertos, pasan por delante de varios cementerios. Simon and Garfunkel's Bridge Over Troubled Water fue el disco más caliente en la tierra en 1970, y Paul Simon, que las melodías de sus álbumes anteriores y encontrar un defensor inesperado agradable en Paul Desmond. Contra todo pronóstico, determinado por bopsters, Desmond encuentra algo hermoso, nostálgico, y / o maliciosa que decir en cada una de estas diez canciones, respaldado por Rhodes Herbie Hancock, piano eléctrico y un conjunto de encantadora, a veces exagerado (como en "América") orquestaciones de Don Sebesky. "The 59th Street Bridge Song" se da una versión alegre y despreocupada, adaptándose muy bien a un tratamiento de jazz (después de todo, viejo compañero de Desmond en la Brubeck cuarteto de Joe Morello tocó la batería en el registro original de S & G) y Desmond incluso hace algunas cascada overdubs en su solo parte. "Cecilia" es una samba rápida, Desmond inteligentemente las obras de su edad "Blues Sagrado" en el solo de "El Cóndor Pasa", y la canción tiene un desvanecimiento impresionantemente bonita. Solos Hancock reflejan a menudo donde fue personalmente en en 1970, con ideas trasladado de su sexteto eléctrico progresivo. Esta es una producción de Creed Taylor en todos sino nombre, el sonido, la edición de pistas, y los valores de producción están en línea con la línea de A & M CTI, pero Sebesky aparece como productor, Taylor que recientemente rompió sus lazos con A & M para formar su propio sello . ~ Richard S. Ginell, All Music Guide Más información relacionada
Paul Desmond - Bridge Over Troubled Water (Remaster) (1969) Temas: 01. El Condor Pasa 02. So Long, Frank Lloyd Wright 03. The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy) 04. Mrs. Robinson 05. Old Friends 06. America 07. For Emily, Whenever I May Find Her 08. Scarborough Fair Canticle 09. Cecilia 10. Bridge Over Troubled Water Musicos: Saxophone (Alto) - Paul Desmond Piano (Electric) - Herbie Hancock Guitar - Gene Bertomcinni , Sam Brown (2) Bass (Fender) - Jerry Jemmott Bass (String) - Ron Carter Drums - Airto Moreira , Bill Lavorgna , Joao Palma
La mejor vista de un solo disco de Cal Tjader años de The Verve, esta colección en realidad hace tiempo el vibrafonista ha pasado en la etiqueta parece más gratificante de lo que realmente fue.Mientras que con Fantasy Records, Tjader por lo general se pasaba el tiempo de corte duro álbumes de jazz latino o la liberación de soberbia en pequeños grupos, sesiones cool bop-teñido de jazz. Sin embargo, bajo la dirección de Creed Taylor, la mayoría de las sesiones de Tjader Verve poner un brillo suave en su estilo latino, y casi por completo caso omiso de su talento muy real para el jazz mainstream en pequeños grupos. Eso no quiere decir que sus años Verve no se llena de música excelente, porque eran, es sólo que registró menos música de grupo para Verve, así que es genial ver que la buena música tanto aparece aquí. Cada pista es un ganador, pero el CD incluye destaca como el pop sorpresa Tjader éxito "Soul Sauce", una lectura hermosa balada de "The Way You Look Tonight", la grabación de big band increíblemente frenético de la melodía Horace Silver "Blues Tokio" y una versión hip-temblor de "Moanin '" que ha Herbie Hancock y Ron Carter sesión pulg A juzgar por esta colección solo, uno pensaría período Tjader Verve fue la unión perfecta del jazz de alta calidad y los principales instintos comerciales. Si sólo "selling out" siempre sonaba tan bien. Tal vez haya más sesiones Verve Cal Tjader de que parecía existir en el momento. ~ Nick Dedina (allmusic)
Temas: 01.Soul Sauce (Guachi Guaro) (Aka Guachi Guaro) 02.Cura?ao 03.China Nights (Shina No Yoru) 04.The Whiffenpoof Song 05.Triste 06.Soul Bird (Tin Tin Deo) (Aka Tin Tin Deo) 07.The Way You Look Tonight 08.Daddy Wong Legs 09.Tokyo Blues 10.Cuchy Frito Man 11.The Prophet 12.Borneo 13.Leyte 14.Hip Vibrations 15.Cal's Bluedo 16.Moanin'
Musicos: Cal Tjader-Vibraphone Jose Mangual-Timbales Charles McCracken-Cello Bob Northern-French Horn Victor Pantoja-Percussion Alan Raph-Trombone (Bass) Bobby Rosengarden-Percussion Carlos "Patato" Valdes-Conga Irving Horowitz-Oboe Alberto Valdés-Percussion Emanuel Vardi-Violin Stanley Webb-Woodwind Robert Maxwell-Harp George Duvivier-Bass Johnny Rae-Drums George Berg-Bassoon, Clarinet (Bass) Patricia Brown-Piano Don Butterfield-Tuba Clark Terry-Trumpet Léon Cohen-Oboe Chick Corea-Piano Jack del Rio-Conga, Tambourine Arnold Eidus-Violin Paul Griffin-Flute, Sax (Alto) Lonnie Hewitt-Piano John Hilliard-Bass J.J. Johnson-Trombone Phil Kraus-Woodwind
Ron Carter (Ferndale, Míchigan, 4 de mayo de 1937) es un contrabajista estadounidense de jazz.
Su contribución en más de 3500 álbumes[cita requerida] hacen de él uno de los contrabajistas con más grabaciones en la historia del jazz, junto a Milt Hinton, Ray Brown y Leroy Vinnegar. Carter es también un aclamado chelista que ha participado en numerosas grabaciones tocando el chelo en abundantes obras de música clásica.También ha contribuido en la música para bandas sonoras de películas..._(wikipedia)
Olvídese por un momento que Ron Carter tocó en la banda de jazz más importante de la segunda mitad del siglo XX, el quinteto clásico de los 60 de Miles Davis, donde se desempeñó como el encargado del ritmo de la línea de bajo, el creador de melodías de gama baja y instigador de la improvisación en la banda que fue pionera en un conjunto de aventuras de exploración y sorpresa. Pero para los novatos del jazz, muchos historiadores del jazz e incluso algunos críticos de jazz, la permanencia de Ron con Miles es su único derecho a la fama.
No tan. Después de que Carter dejó el empleo de Miles en 1968, se puso en camino para explorar su propia voz, figurando de manera prominente como líder y ancla en el lanzamiento de sellos como CTI y Milestone, además de colaborar con una amplia gama de artistas. A pesar de que es un maestro de jazz de la NEA y el campeón indiscutible del bajista de grabación, Carter, que cumplió 70 años en mayo, no se ha dormido en los laureles, ni se ha movido robóticamente. Lidera su impresionante Striker Trio con el pianista Mulgrew Miller y el guitarrista Russell Malone, pilota su subestimado nonet de cámara con cuatro violonchelistas, y últimamente ha resucitado su colaboración en dúo con el guitarrista Jim Hall.
Pero la banda más antigua de Carter es su cuarteto, con el pianista Stephen Scott (veterano de unos 15 años), el baterista Payton Crossley (en el estadio de béisbol de 10 años) y el recién llegado, el percusionista Rolando Morales-Matos, quien reemplazó a Roger Squitero. La banda es una fuente de gran orgullo para Carter, quien dice: "La industria discográfica hace que sea difícil mantener unida a una banda en funcionamiento con el mismo personal. Creen que cuanto más variado es el personal de un CD a otro, mayor llegarás a la audiencia. Esa nunca ha sido mi opinión. Mira todas las bandas en la historia del jazz: John Coltrane con Elvin, McCoy y Jimmy; Dave Brubeck con Paul, Gene y Joe; Cannonball con Nat, Sam y Louis. Todos hicieron grandes discos porque eran una banda activa ".
Esa filosofía impulsó la decisión de Carter de documentar a la banda (con Squitero a la percusión) en el estudio de grabación, lo que produce Dear Miles, el guiño de 10 canciones vigorizante, dinámico y juguetonamente impredecible al exjefe y mentor del bajista.
"Me habría sentido ofendido hace 10 años si alguien me pidiera que hiciera un álbum tributo a Miles", dice Carter, quien mientras disfruta de la gloria de su asociación integral con Davis, también ha mantenido legítima y respetuosamente su distancia del pasado. "Pero resulta que varias de las canciones de la biblioteca de mi cuarteto también son del cancionero de Miles. Por lo tanto, tenía sentido rendir homenaje a él y a mi banda al mismo tiempo. La mayoría de los proyectos de tributo terminan con artistas imitando y perdiendo ellos mismos en el proceso. A pesar de que he estado involucrado en proyectos como Four Generations of Miles y VSOP, no estaba listo para hacer un álbum como este antes por temor a ser absorbido por el aura tributo a Miles ".
Lo que distingue a Dear Miles de otros proyectos de tributo es la capacidad de Carter para
establecer firmemente la personalidad de su cuarteto mientras aprovecha la esencia de la música de Davis. Ya anticipa las inevitables críticas. "La gente puede decir, 'Oh, otro disco tributo; pero yo digo,' Míralo"; dice Carter. "Escucharán cómo esta banda se mantiene sola en su sonido y en su biblioteca, mientras también rinde homenaje".
Después de tres días de ensayos, Carter y compañía. reunidos en Avatar Studios en Nueva York, y en el transcurso de una mañana, grabó 10 primeras tomas que le dan a Dear Miles, una vibra viva en vivo. "No me gusta grabar 25 tomas", dice Carter. "Me propuse mantener un nivel de entusiasmo y concentración. No quería que las mentes divagaran o los solos deambularan. Hay una oportunidad de hacer bien cada canción. Y eso se basa en todas las otras veces que tocamos en la biblioteca donde arreglamos lo que salió mal en el siguiente coro, el siguiente set o la noche siguiente ".
El repertorio es variado, comenzando con un swing entusiasta a través de "Gone" de Gil Evans (de su colaboración de Porgy & Bess con Miles), continuando con un cambio de tempo a través de "Seven Steps to Heaven" (del desvanecimiento final, Carter dice que hay "tanta carne hasta el hueso" de esta melodía que podría haber durado 12 minutos), y concluyendo con un original de Carter, "595", que se suma a "So What". En el camino, el cuarteto revisualiza en su propio estilo distintivo clásicos asociados a Miles como "Stella by Starlight", "My Funny Valentine", "Bye Bye Blackbird" y "Someday My Prince Will Come", y se suma a una melodía que no es de Davis, un salto alegre a través de "As Time Goes By", que, explica Carter," honrra la asombrosa habilidad encuentra una canción que nadie más haya probado y, como 'Bye Bye Blackbird', hacer que sea esencial para el cancionero de jazz".
Al escuchar Dear Miles, sobre todo, céntrese en el virtuosismo del bajo de Carter, desde sus solos en el momento apoyados armónicamente por su cuarteto hasta sus líneas de bajo siempre cambiantes y nunca estáticas. No lleva el tiempo; él lo crea. No dicta; él sugiere. No juega a lo seguro; él se arriesga. Como dice en broma sobre sus compañeros de banda, "no solo son grandes tipos, sino que son buenas personas con quienes cometer un error".
Sin embargo, debo añadir, te reto a encontrar alguna._ Dan Ouellette (Down Beat,Billboard,y autor de la próxima biografía de ArtistShare autorizada por Ron Carter.
Stanley Turrentine (Pittsburgh, 5 de abril de 1934-Nueva York, 12 de septiembre de 2000) fue un músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor.
Figura legendaria de su instrumento, el estilo de Turrentine abarca el hard bop y la jazz fusion. Su manera de tocar se caracteriza por un sonido barroco, denso, enraizado en el blues, y por una constante imaginación y sensibilidad en la improvisación. Su obra más característica son sus sesiones de soul jazz para Blue Note en los años sesenta y una popular aproximación a la fusión a comienzos de los setenta.
Turrentine comenzó su carrera tocando con diversos grupos de blues y de R&B, muy influido musicalmente por Illinois Jacquet. En 1950 y 1951, tocaba con Ray Charles en la banda del guitarrista de blues Lowell Fulson. Más tarde, se uniría a la banda liderada por Charles. En 1953 reemplazó a John Coltrane en la primera banda de jazz y R&B del altista Earl Bostic. Tras su paso por el servicio militar a mediados de los cincuenta, Turrentine se unió al grupo de Max Roach; conoció a la organista Shirley Scott, con quien se casó en 1960 y con la que grabaría frecuentemente en los más de 30 años que estuvieron juntos.
Tras trasladarse a Filadelfia, Turrentine consiguió buena química con otro organista, Jimmy Smith, al que acompañaría, entre otros discos, en su clásico de 1960 Back at the Chicken Shack. También en 1960, Turrentine empezó a grabar como director de banda para Blue Note, concentrándose preferentemente en pequeños grupos de soul jazz y tocando temas clásicos como That's Where It's At, pero también grabando con The Three Sounds (en el disco Blue Hour, de 1961) y experimentando con más amplios conjuntos a mediados de los 60. A comienzos de la década de 1970, Turrentine se convirtió en un popular puntal del nuevo sello del productor Creed Taylor, CTI, orientado a la jazz fusion; grabando cinco discos para el sello. Tuvieron una buena aceptación popular y fueran artísticamente valiosos, y la opinión crítica fue más favorable que la que recibió a finales de los setenta por su trabajo para Fantasy Records. Por lo demás, Turrentine siguió grabando con profusión y regresó al soul jazz en los 80 y en los 90.
Turrentine murió de un infarto en la ciudad de Nueva York el 12 de septiembre de 2000. Fue enterrado en el cementerio de Allegheny de Pittsburgh.~ (wikipedia)
Si alguna vez hubo un disco que encajara a la perfección y a la vez se saliera del sonido estable de CTI Records, ése es Sugar de Stanley Turrentine. Grabado en 1970, sólo tres temas aparecen en el álbum original (en la reedición hay una versión extra en directo del tema que da título al disco, que casi eclipsa al original y es un 50% más larga). Turrentine, un veterano de la escena soul-jazz desde los años 50, estuvo acompañado por un elenco de guitarristas George Benson, Lonnie Liston Smith al piano eléctrico, Freddie Hubbard a la trompeta, el bajista Ron Carter, el organista Butch Cornell y el batería Billy Kaye, entre otros. (La versión en directo añade a Airto, el flautista Hubert Laws, el batería Billy Cobham y el organista Johnny Hammond). El tema que da título al disco es un profundo ejercicio de soul blues con un ritmo de fondo oscilante y una sección rítmica que fluye con fluidez a través de cuatros y ochos, mientras Benson, Hubbard y Turrentine comienzan lentamente y van subiendo la temperatura, haciendo que el ritmo y el paso del corte hiervan a fuego lento y luego estallen, especialmente en el solo de Hubbard.
Esto es realmente azul medianoche, y la fiesta está a punto de ponerse realmente seria o a punto de terminar. En el momento en que Benson toma su descanso, lleno de arpegios resbaladizos, brillantes y cálidos, las costuras están reventando y las parejas se están arrinconando. Sunshine Alley" de Butch Cornell es un groover sólido y funky, ritmado por el órgano y los dobles cuatros de Kaye. Turrentine y Hubbard entran a zancadas en la melodía y mantienen el vampiro en el bolsillo, superando la línea de blues en una etiqueta que sólo revoluciona la cosa aún más. Pero la gran sorpresa está en el tema final, uno de los más sólidos y emotivos paseos por el "Impressions" de John Coltrane. Turrentine está muy metido en su trompa, tocando en legato con todo lo que tiene, y es considerable. El bajo de Ron Carter fluye a través de los interludios modales, creando una base para la bella invención interválica de Benson y Smith, construyendo una serie de puentes armónicos a través del modo hasta los solos. Cuesta creer que sea Turrentine, pero no podría ser otro. Si los aficionados al jazz están interesados en Turrentine más allá del período de Blue Note -y deberían estarlo-, éste es un lugar increíble para escuchar en busca de satisfacción.~ Thom Jurek (allmusic) Stanley Turrentine - Sugar (1971-R2002)
Jerry González (Nueva York, 5 de junio de 1949-Madrid, 1 de octubre de 2018) fue un músico de jazz estadounidense de raíces puertorriqueñas. Trompetista y percusionista, es uno de los pioneros del jazz latino.
Jazzista con vocación de rumbero, o viceversa, Jerry González es uno de los músicos más
progresivos del jazz latino. Durante sus años de universitario, integra un quinteto de jazz latino con su hermano Andy y el trompeta Kenny Dorham. Conoce al batería Rashied Ali, su primer guía en la vanguardia. A partir de 1969, graba con importantes jazzistas, como George Benson, Dizzy Gillespie y Houston Person. Colabora con la orquesta Jazz Composers, de Clifford Thornton. A partir de 1974, participa en importantes sesiones latinas con los hermanos Palmieri, Bobby Paunetto y el Grupo Folklórico Experimental Nuevayorkino. En 1979, Kip Narran le ofrece la oportunidad de grabar en solitario. A raíz de la grabación, surge la Fort Apache. La banda lleva por nombre el del problemático barrio hispano de Nueva York donde crece Jerry y donde brota esa música – desenfadada, intensa y sensual –que de manera imprevisible une a dos culturas distintas. Por su compromiso con la búsqueda de nuevas modalidades, los Apache se sitúan de inmediato en la vanguardia del jazz latino. Además de Monk, otras referencias de la banda son Miles Davis y sus discípulos Ron Carter y Wayne Shorter. De hecho, durante años, González suena como el fantasma de Davis en trompeta. En 1981, participa en el debut norteamericano de Paquito D’Rivera; también, con Totico y sus rumberos. Colabora con McCoy Tyner, por primera vez, en 1982. Será el percusionista de su big band diez años más tarde. En 1983 aporta percusión a la vocalista Abbey Lincoln. Hace jazz punk con Jaco Pastorius. En años recientes, lo escuchamos con Dave Valentin, David Sanchez y la orquesta de Chico O’Farrill.
Desde su llegada a España en 2001 ha grabado trabajos como Jerry González y los Piratas del Flamenco, y ha abierto una ventana a los flamencos para que estos dos lenguajes musicales se estimulen, se provoquen, se combinen y se seduzcan hasta doler. González ha tocado en diferentes trabajos de Paco de Lucía, Enrique Morente, Martirio, El niño Josele, y un largo etc. de figuras del flamenco, lidera su propia banda de latin jazz. Music for big band no solamente es la primera grabación realizada en España por Jerry González con una big band, es también el álbum que confirma el talento de arreglista de Miguel Blanco, el bajista de La Calle Caliente quien además ha dirigido y producido las sesiones. La relación musical de Blanco y González data de la grabación en 2002 de la composición Invitation que figura en el álbum Mozambique Soul de La Calle Caliente. “Este nuevo disco tiene que ver con la muerte sin pretenderlo” dice bromeando Blanco. “Fijámonos en los títulos: Goodbye Porkpie Hat es un tema por la muerte de Lester Young; Rumba p’a Kenny está dedicado al difunto Kenny Kirkland; Fall (¡Otoño!), Nightfall (¡Anochecer!) ¿Será que nos estamos riendo de la muerte? ¡Jerry lo hace! » Music for Big Band tiene una real vocación mestiza. A lo largo del álbum Blanco recurre a una paleta de percusiones proveniente de diferentes culturas musicales, lo que da un carácter embrujador a todos los arreglos : cajón, bongo, congas, shekere, clave, timbales, catá, bendir, caxixis. Esta combinación nada clásica permite una mezcla de patrones afrocubanos en un género flamenco. Aparte del trompetista la orquesta comprende solistas de primera línea como los pianistas Albert Sanz y Edu Tancredi, los saxofonistas Perico Sambeat y Gorka Benitez, el flautista Jorge Pardo, el trombonista Norman Hogue, los guitarristas Pep Mendoza y Dani Perez. Según Fernando Trueba, conocido erudito del latin jazz, el mejor disco de big band grabado nunca. Mas información relacionada
Esta hermosa, América Latina y con temas del álbum por el bajo Ron Carter superpotencia puede estar de pie casi como en un escaparate Stephen Scott, para el joven pianista de brío y finura están en pruebas desde el principio hasta el final. Carter se reserva solo un montón de habitación (y una serie de declaraciones de la melodía) para sí mismo, sin embargo. El baterista Harvey Mason y el percusionista Steve Kroon trabajar juntos para crear un lujoso ambiente que fluye Latina que hace de cada canción un verdadero placer escuchar. Uno de relieve es la del grupo de lentos, polyrhythmic asumir Jobim de "Corcovado". Otro es una versión de ranurado Carter de "Cambio Suelto", una canción que apareció en una luz muy diferente sobre Joe Henderson del Estado de la Tenor álbum. Scott woos su bluesy con delicadeza sobre el tema "Que Pasa", otro original Carter, y de las fluctuaciones en exuberantly compañeros pianista Ray Bryant del "Cubano Chant". Carter de la breve cita de los "Siete pasos al cielo" durante el cierre original, "Mi Tempo, "es suficiente para hacer saltar un un latido del corazón. Cuando los cielos son grises no contiene nada ambicioso o salvajemente innovador-sólo grandes, accesible música. Fans de Stephen Scott, en particular, no puede perder con esta. ~ David R. Adler, All Music Guide Mas información relacionada Ron Carter - When Skies Are Grey (2001) Temas: 01-Loose Change 02-Besame Mucho 03-Caminando 04-Que’ Pasa 05-Corocuado 06-Cubano Chant 07-Mi Tiempo Musicos: Ron Carter-Bass Harvey Mason, Sr.-Drums Steve Kroon-Percussion Stephen Scott-Piano
Leandro "Gato" Barbieri (Rosario, 28 de noviembre de 1932-Nueva York, 2 de abril de 2016) fue un saxofonista de jazz argentino.
Representante destacado del jazz latino, participó en su juventud en la banda de otro destacado jazzista argentino, Lalo Schifrin. Abordó también en su carrera el jazz de vanguardia, sobre todo en la década de 1960, así como el pop y la fusión a finales de la década de 1970.
Fue influido por John Coltrane, Pharoah Sanders y Carlos Santana. Su música tiene frecuentemente un tono desgarrado, a base de notas largas y con un volumen elevado.
Se le considera uno de los mejores saxofonistas latinoamericanos de la historia. Entre sus mayores éxitos se encuentran Europa, I Want You y Last Tango in Paris.~ (wikipedia)
Algunos artistas cambian totalmente de rumbo, otros reinventan su personalidad. Es difícil saber exactamente qué hacer en el caso de este saxofonista tenor argentino, que apareció por primera vez como sideman en varios proyectos importantísimos de Don Cherry, contribuyendo de forma tan esencial a la sensación general de estos discos que los oyentes esperaban grandes cosas. Tras algunos intentos de encontrar un punto de encuentro entre la energía y la dureza del free jazz y sus propias raíces rítmicas, creó este álbum en el que todo parecía encajar a la perfección. Si hay que juzgar la carrera de Barbieri en su conjunto, hay que reconocer el mérito de los músicos que le acompañan, que son lo mejor de lo mejor.
Un trompetista no puede quejarse de una sección rítmica que cuenta con el bajista Ron Carter, el batería Lenny White y el pianista Lonnie Liston Smith, este último recién salido de la banda de Pharoah Sanders, donde se había establecido como el rey absoluto de los vamps modales, vagamente latinos o africanos. Smith supo encajar perfectamente aquí y, por supuesto, sabía exactamente qué hacer cuando el saxofonista entraba en sus ataques de gritos, porque seguramente tenía mucha práctica con este tipo de cosas tocando con Sanders. El líder añade un bonito toque de percusión étnica con algunas congas y bongos y Na Na al berimbau; de hecho, ésta fue la primera vez que muchos oyentes estadounidenses escucharon este instrumento. A partir de aquí, Barbieri siguió creciendo, alcanzando su punto álgido con una serie de colaboraciones con músicos latinoamericanos que tocaban instrumentos tradicionales. Luego cambiaría de marcha, rebajaría la energía y se convertiría en una especie de imagen romántica con un saxofón en la boca, produciendo música que provocó insultos por parte de los críticos, muchos de los cuales se habrían mordido la lengua si hubieran sabido que artistas posteriores como Kenny G tocarían mucho peor el saxo. Pero en este momento de 1971, mucho antes de que los Teleñecos crearan una caricatura de él, Barbieri estaba absolutamente que echaba humo, y para un cierto estilo de free jazz rítmico, éste es un álbum realmente cautivador.~ Eugene Chadbourne (allmusic)
El gran Ron Carter sigue su intermitente historia de amor con la música brasileña, junto con un algo poco probable elenco de personajes. El guitarrista Bill Frisell ofrece otra de sus magníficas actuaciones sideman, incluyendo un punto armónico de la disección "Goin 'Home," Carter de la bossa nova adaptación de la Dvorak "Sinfonía del Nuevo Mundo". El sonido mezcla de la guitarra de Frisell, Houston de la persona saxo tenor, Stephen Scott y el piano es constantemente delicioso, sobre todo en la melodía de Carter de "Por-Do-Sol". Los tres solistas su vez, en excelentes actuaciones en los tres restantes originales Carter, "Saudade", "Obrigado", y "1:17 Especial", así como dos Luiz Bonfa canciones de la película Orfeo Negro, "Manhã de Carnaval" y " Samba de Orfeu ". Carter melodía de la declaración y solo en el segundo son sus medidas sólo en el centro de atención, de lo contrario, sigue en un papel de apoyo rítmico, junto con el batería Payton Crossley y el percusionista Steve Kroon. Este registro podría haber sido simplemente una más latino con temas del álbum por un músico de jazz americano. Sin embargo, la producción creativa opciones de maestría musical y fantástico que sea artísticamente sólido y extraordinariamente hermoso. ~ David R. Adler, All Music Guide Ron Carter - Orfeu (1999) Temas: 01-Saudade 02-Manha de Carnaval 03-Por-Do-Sol 04-Goin' Home 05-1:17 Special 06-Obrigado 07-Samba de Orfeu Musicos: Ron Carter- bass Houston Person- tenor sax Bill Frisell- guitar Stephen Scott- piano Payton Crossley- drums Steve Kroon- percussion
Earthdance encuentra Jerry Gonzalez y el Fort Apache Band sonar como un grupo de Hard Bop, cuando el líder desempeña trompeta y un afro-cubano banda cuando se cambia a congas. Con multa contribuciones de Joe Ford en alto y soprano, tenor saxofonista Carter Jefferson, el pianista Larry Willis, el bajista Andy González, y el baterista Steve Berrios, la banda se extiende en tres originales, más Wayne Shorter "Para Fe Fi Fum", Thelonious Monk's "Let's Llame a este "," Cuando me Fall in Love ", Ron Carter y del" 81 ", cinco de los siete performmances son más de 11 minutos de duración. Bellas Hard Bop de música con un fuerte tinte Latina. ~ Scott Yanow, All Music Guide Mas información relacionada Jerry Gonzalez & the Fort Apache Band-Earthdance (1990) Temas: 1- Nightfall 2- Fe-Fi-Fo-Fum 3- Let's Call This 4- When I Fall in Love 5- 81 6- Earth Dance 7- Los Roncos Musicos: Jerry González-Trompeta, Conga,Fliscorno, Productor Steve Berrios- Bateria Andy Gonzalez- Bajo Larry Willis- Piano Joe Ford- Saxo (Alto), Sax o(Soprano) Carter Jefferson- Saxo (Tenor)
Edy Martinez: Nació en la ciudad de Pasto, departamento de Nariño al sur de Colombia; el siete de enero del año 1942 y su formación fue básicamente autodidacta. Edy salió de Pasto en 1960, iniciando una larga y productiva correría que lo llevó inicialmente a Aruba y después a Nueva Orleans, Miami y finalmente Nueva York. Durante los 33 años que permaneció fuera del país, Edy acompañó como músico o arreglista a figuras como Tito Puente, Ray Baretto, Mongo Santamaría, Ron Carter, Bobby Watson, Gato Barbieri y Paquito de Rivera. Durante sus breves temporadas en Colombia, Edy intentó promover el desarrollo del Latín Jazz y grabar discos con otros artistas nacionales pero las dificultades fueron muchas. En un artículo para el antiguo magazín dominical de El Espectador, Edy comentó : "No hay respeto por nuestra carrera. Ese es el problema. Nosotros los músicos tenemos que ser políticos, ingenieros, astronautas, científicos, todo eso...Grabar un álbum de Latín Jazz en los USA es muy difícil, pero en Colombia es imposible". Edy Martinez lo logró hacer en 1995 a base de tesón y talento. Lanzó un gran trabajo discográfico que tituló "Privilegio". Ese disco se ha convertido en el más exitoso en la historia del Jazz en Colombia, vendiendo más de 5.000 copias desde su lanzamiento. Edy le comentó a los periodistas de El Espectador: "Solo queremos que se tome en cuenta lo que estamos haciendo, la fuerza con que nace, nuestra idea de culturizar y de armonizar". Por qué insiste Edy en seguir tocando Jazz ?. En otra entrevista Edy respondió esa pregunta de la siguiente manera : "Soy un músico de Jazz porque soy un músico contemporáneo y [el Jazz] es la música más contemporánea que hay...Toda mi vida la he pasado haciendo lo que me sale del alma y con lo que hay a la mano". A finales de los 90, Edy se estableció en Medellín desde donde ha continuado trabajando con grupos nacionales e internacionales. Edy Martínez y su Orquesta “Privilegio – Latín Jazz” Para los “salseros” que conocen, el escuchar el nombre Edy Martínez, de inmediato posiblemente les recordará a Ray Barretto, pues el primero fue pianista de la orquesta del segundo. Pero, la verdad es que Martínez realmente ha dejado una mucho más grande marca en la música afrocubana, pues, según este destacado colombiano, él se desempeñó ya sea como compositor, arreglista, director o pianista de los grupos de Dizzy Gillespie, Paquito D’Rivera, Las Estrellas de Fania, Tito Puente, Machito, Gato Barbieri, Billy Cobham, Mongo Santamaría, Tito Rodríguez, Eddie Palmieri, y muchos más. Así que lo justo era poder disfrutar una grabación de Edy Martínez como líder de orquesta. “Privilegio” es el resultado de ese esfuerzo. Producido en el año 2000, “Privilegio” es el nombre del CD, pero lleva como subtítulo “Latín Jazz”, lo cual es adecuado, debido a que esta producción representa esa vertiente musical. Los músicos que acompañan a Martínez en este trabajo provienen de Cuba, Colombia, y Venezuela. Todos ellos tienen su momento a lo largo de la grabación. La mayoría de temas son composiciones del propio Martínez, tales como Iron Jungle, Mother’s day, Manuela sí, Laye, y Six for Rose. Mi pieza favorita sería su versión del clásico de Pedro Flores, “Obsesión”, que evoluciona en una obligada descarga de cueros. Otro tema de Flores, “Nuevo Mundo”, también se encuentra en este álbum. “Privilegio” no es una producción para refinados; es Latin jazz energético y con sabor a Big Band, proporcionado por el saxofón, flauta, trombones y trompetas. Aquí Martínez ha plasmado positivamente todo el conocimiento que ha adquirido durante los años. Para los que se preguntaban en dónde estaba este talentoso pianista, aquí lo tienen en plena condición musical, lo cual debe ser motivo de alegría para los que admiramos su talento. Ya era hora. ~(Discos Fuentes)
Temas: 01- Iron Jungle 02- Mother's Day 03- Manuela Si 04- Obsesion 05- New World 06- Tower of Inspiration 07- Zandabarungande 08- Laye 09- Six for Rose
El 20 de abril de 1973 el sello de jazz CTI la montó gorda en un Nueva York que, por entonces, gozaba de una interesante explosión latina. Las arterias del latino barrio del Harlem todavía rezumaban la salsa y el boogaloo popularizados en la década de los sesenta gracias a artistas como Johnny Pacheco (Fania Records), Pete Rodríguez y Ray Barretto. Pero, en fin, ésta es otra historia.El caso es que la discográfica CTI, fundada por el músico Creed Taylor a finales de los sesenta, organizó aquel 20 de abril de 1973 un macroconcierto en el que actuarían todas las estrellas de su catálogo: desde Stanley Turrentine a Freddie Hubbard, pasando por Bob James, Ron Carter, Airto Moreira y Eumir Deodato. Parte de las actuaciones de estos dos últimos músicos fue recogida en el CD que comento, 'In concert'. El teclista brasileño Deodato saboreba por entonces las mieles del éxito que le había proporcionado su brutal adaptación funky del clásico de Richard Strauss 'Also sprach Zarathustra' ('Así habló Zaratustra'). El dato le bastaba para ser cabeza de cartel del festival de CTI.Por su parte, el percusionista Airto, compatriota de Deodato, llegaba también a Nueva York como peso pesado del jazz latino -Moreira ya había tocado con músicos de la talla de Miles Davis ('Bitches brew', 1970)-. 'In concert' se encargó de recopilar extractos de las actuaciones del teclista y del percusionista. Sin embargo, hay un dato curioso que es lo que, en definitiva, hace perder enteros a este CD. Lo explico. Para el Lp original de 1974, Creed Taylor decidió incluir sólo tres temas del directo de Deodato, más dos del concierto de Airto. Creo que éste es el primer fallo del disco, pues más enriquecedor habría sido contar con los dos conciertos íntegros.Bien. Más tarde, en 1989, cuando el sello Legacy reeditó por primera vez el álbum en CD, se incluyó solamente el concierto del teclista, mientras que el del percusionista quedó -extrañamente- marginado.Y llegamos a la reedición más reciente, la de Sony en 2003, es decir, la presente. Quizás lo lógico hubiera sido aprovechar este relanzamiento para recoger los dos directos enteros -y así, por ejemplo, poder deleitarnos con la versión en vivo del 'Also sprach Zarathustra'-. Pero no. Lo que hace Sony es volver a la idea del vinilo original e incluir tres temas de Deodato y dos de Airto, más un par de 'bonus tracks' del primero: 'Baubles, bangles and beads' y 'Skyscraper'. Una lástima, sin duda.Aun así, el CD merece la pena tan sólo por apreciar el potencial el directo de dos grandes de la música latina. El concierto de Deodato es poderoso, con una efectiva sección de metales a cargo de Joe Temperley (saxo barítono), Burt Collins (trompeta), Joe Shepley (trompeta) y Garnett Brown (trombón). Mención especial para el guitarrista John Tropea: alucinante en el tema que lleva su apellido por título.A Airto Moreira sólo lo podemos catar en dos cortes, 'Parana' y 'Branches', dos perlas que rezuman jazz y sonidos brasileños en un cóctel sabroso y explosivo. Por cierto, a la voz estaba su esposa, Flora Purim, deliciosa. ~Julio Rodenas
Deodato/Airto - In Concert (1974) Temas: 01. Do It Again 02. Spirit Of Summer 03. Parana 04. Tropea 05. Branches 06. (Bonus) Baubles, Bangles And Beads 07. (Bonus) Skyscraper Musicos: Eumir Deodato - Arranger, Composer, Fender Rhodes, Keyboards Airto Moreira - Drums, Percussion, Primary Artist, Vocals (3,5) Flora Purim - Guitar (Acoustic), Percussion, Vocals (3,5) Hugo Fattorusso - Arranger, Composer, Fender Rhodes, Vocals David Amaro - Guitar (Electric) (3,5), Musical Supervision, String Arrangements John Tropea - Guitar, Guitar (Electric), Composer Rick Marotta - Drums George Fattoruso - Drums, Vocals Joseph J. Shepley - Trumpet Burt Collins - Trumpet Joe Shepley - Trumpet John Giulino - Bass (Electric) Ringo Thielmann - Bass (Electric) Rubens Bassini - Congas, Percussion Garnett Brown - Trombone Gilmore Degap - Congas, Percussion Joe Temperley - Sax (Baritone)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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Ricardo Pons es un flautista de Puerto Rico, saxofonista, arreglista y compositor. Él ha tenido una experiencia de rendimiento de ancho, con artistas como Chick Corea, Tito Puente, Eddie Palmieri, Mario Bauzá, Willie Colón, Celia Cruz, Jimmy Heath, Ron Carter, Los Pleneros de la 21, el Teatro Pregones y otros, y ha llevado a cabo en el prestigiosos Chicago Jazz Festival y el Charlie Parker Festival en Nueva York. Ricardo fue a la escuela en el City College de Nueva York y tiene una Maestría en Interpretación de Jazz y Composición en el Conservatorio de 
Aaron Copland en el Queens College, donde estudió con el maestro saxofonista / compositor Jimmy Heath. En la actualidad es profesor de Composición de Jazz, Armonía y Saxofón en la Universidad Interamericana de Puerto Rico. Este joven talento de Puerto Rico está comprometida con el desarrollo de la música derivada de la música folklórica puertorriqueña como la bomba, la plena y Danzas. Una de sus composiciones, Vieques si, ha sido incluido en el "Libro de Jazz Todo real" (música Sher), siendo el primer compositor de Puerto Rico joven para ser incluido en esa publicación. Su debut como productor en 1998, "De Puerto Rico al 
Mundo" con su banda Viento de Agua es una fusión de la tradicional Bomba y Plena, con una especia de Jazz y fue aclamado por el New York Times como uno de los 10 mejores grabaciones hechas en Nueva York en 1998. Su grabación más reciente, Ricardo Pons y Plena del Sol, producida por su propio sello, Musaboricua, fue en gran medida aclamada por el público. 
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