Al McKibbon (1 de enero de 1919 - 29 de julio de 2005) fue un contrabajista estadounidense de jazz, conocido por su trabajo en bop, hard bop y jazz latino. En 1947, después de trabajar con Lucky Millinder, Tab Smith, JC Heard y Coleman Hawkins, reemplazó a Ray Brown en la banda de Dizzy Gillespie, en la que tocó hasta 1950. En la década de 1950 grabó con Miles Davis, Earl Hines, Count Basie, Johnny Hodges, Thelonious Monk, George Shearing, Cal Tjader, Herbie Nichols y Hawkins. A McKibbon se le atribuyó el interesante Tjader en la música latina mientras tocaba en el grupo de Shearing. McKibbon siempre ha sido muy respetado (entre otros signos de este respecto, fue el bajista de los Gigantes del Jazz), y continuó actuando hasta 2004. En 1999, se lanzó el primer álbum en su propio nombre, Tumbao Para Los Congueros De Mi Vida. [1] El segundo álbum de McKibbon, Black Orchid (Nine Yards Music), fue lanzado en 2004 y fue grabado en Icon Recording Studios, Hollywood, California. El álbum fue grabado y mezclado por el propietario del estudio Andrew Troy y el ingeniero asistente - Aaron Kaplay, segundo ingeniero asistente - Pablo Solórzano. También escribió el epílogo del libro de Raul Fernández, Latin Jazz, parte de la serie de exposiciones de jazz de la Institución Smithsonian._(wikipedia) La carrera discográfica latina de McKibbon se remonta a "Manteca" con Dizzy en 1948. También ha trabajado en todo el ámbito del jazz y el espectáculo. Este álbum lo encuentra principalmente en un papel de apoyo, proporcionando ritmos latinos de tonos fuertes y elásticos en "Off Minor", "Tin Tin Deo", "I Mean You", "Cubano Chant", et al. Reedmen Charles Owen y Justo Almario, el pianista Phil Wright y los percusionistas José "Papo" Rodríguez y Ramón Banda manejan sus deberes con un agradable sentido de la melodía y un sentido del ritmo contagioso. Un álbum muy agradable y bien proporcionado._Owen Cordle (jazztimes)
Al McKibbon - Tumbao Para Los Congueros de Mi Vida (1999)
Temas:
01. Off Minor
02. Tin Tin Deo
03. Estate
04. Cabano Chant
05. Seven Steps To Heaven
06. Tumbao Para Los Congueros de Mi Vida
07. I Mean You
08. Everything Must Change
Musicos: Al McKibbon: Basse, Direction Musicale, Arrangements Ramon Banda: Timbales Jose "Papo" Rodrigues: Congas, Bongos Phil Wright: Piano Justo Almario: Sax Soprano Charles Owen: Saxophones, Flute
Escuchar hoy a Frankly en este año 2009, es como disfrutar una experiencia fuera del tiempo y
del espacio, quizás en un lugar entre el Hotel Riviera, en la Habana, y el Flamingo de las Vegas, Nevada. Pero en este viaje mágico podemos sentirnos seguros y relajados, pues el chamán que nos guía es el pianista matancero Paquito Hechavarría, increíblemente poco conocido entre los actuales públicos y medios del jazz y el Latin jazz, pero apreciado como auténtico maestro entre los verdaderos conocedores: los músicos y artistas con los que ha compartido escenarios y estudios de grabación durante más de cuarenta años.
Conocí a Paquito en la Habana hacia 1960, cuando además del piano tocaba el vibráfono y dirigía los Armónicos, el grupo instrumental más popular del momento, donde sustituyó por un año a su fundador Felipe Dulzaides y que se inspiraba en el sonido de ensemble y el estilo de Latin jazz de George Shearing y Cal Tjader. Paquito también se sumó a las descargas y conciertos del Club Cubano de Jazz, que fundamos en 1958 junto a Walfredo de los Reyes, Gustavo Más, Frank Emilio Flynn y el DJ Horacio Hernández (Sr.), entre otros, con el Salón Arcos de Cristal de Tropicana como principal escenario. Anteriormente Paquito estuvo en la Orquesta Riverside, en sustitución del legendario Peruchín Jústiz, y grabó con el Conjunto Casino, para el cual escribió impecables arreglos, algunos de ellos para acompañar al bolerista Fernando Alvarez. En Estados Unidos a partir de 1960, Paquito graba con Walfredo de los Reyes, José Fajardo, "Cachao"lópez, Mongo Santamaría,louis BeUson, Gloria Estefan, David Byrne, Tany Gil, Ed Calle y otros destacados músicos y cantantes, pero Frankly es el primer CD en que podemos oírlo al frente de un grupo estelar. Este CD bajo su propio nombre es un verdadero acierto y un ejemplo a considerar, entre tanto Latin jazz con exceso de decibeles y/o alardes de virtuosismo gratuito, o basados en la buena intención y el falso apotegma de que el jazz latino es hoy "la única forma de jazz que puede bailarse" Como si la buena música no se bastara a sí misma. El hallazgo de Paquito ha sido fusionar de modo coherente los más variados polirritmos afrocubanos con el cancionero popular norteamericano, el American Songbook. De este repertorio se han elegido números que fueron éxitos de Frank Sinatra, lo cual incide en el acertado título del CO. Sorprende -y se agradece- el respeto por las líneas melódicas originales, así como el gusto y sofisticación de los arreglos, que funden orgánica mente estas melodías románticas con una ritmática que va desde el danzón clásico hasta el guaguancó, la salsa, el bembé y más allá.
La selección de los músicos, llena de sorpresas, es de una eficacia total. la percusión es una joya, con Oafnis Prieto en la batería, Pedrito Martínez en las tumbadoras y el apoyo de lIeana Santamaría, hija de nuestro siempre recordado Mongo. El bajo no podía ser otro que Andy González, verdadero maestro y orgullo del Latin jallo la mayor sorpresa resulta no tanto la presencia de jazzistas norteamericanos (Brian lynch, trompeta, y Phil Woods en el saxo alto), sino en su manera de improvisar a lo cubano, tanto que en un blindfold test pensar1amos en "Chocolate" Armenteros y en "el otro Paquito" (O'Rivera). Nada ilógico, pero ciertamente regocijante. Como pianista, Paquito Hechavarría se caracteriza por su sobriedad, elegancia y dominio absoluto del instrumento y todos sus matices, sin alardes innecesarios cuando la técnica -como es el caso aquí- está en función de la expresividad, sabor y swing, todo ello sazonado con su inconfundible estilo de "montunear". Como jauista está básicamente dentro de la línea clásica Tatum·Bud Powell-Shearing- aunque incorporando con discreción elementos post-BiII Evans, sumado a la tradición pianística cubana de Peruchín·Bebo Valdés- Frank Emilio, que mantiene desde casi medio siglo con increlble modernidad. Nunca ha necesitado suscribirse a "nuevas ondas': de las que asimila lo esencial, lo compatible con su propio estilo. Y su apego a los standards, ese verdadero tesoro melódico-armónico, le permite real libertad de improvisar sobre ellos, como ha proclamado Keith Jarrett, y que por desdicha han ignorado o abandonado tantos pianistas jóvenes cubanos y también norteamericanos. Porque si bien es cierto que en la música, como en todas las artes, ocurren necesariamente cambios, innovaciones y nuevos aportes, hay también elementos que permanecen, y de ahí provienen, entre otros, términos como "clásico" y "clasicismo". La música en todos sus parámetros está más allá de "lo viejo y lo nuevo", y dentro de toda innovación y cambio estilística hay elementos perecederos y otros que llegan para quedarse. lo que nos ofrece precisamente Paquito Hechavarría en Frankly, es una música cuyos rasgos dominantes nada tienen que ver con esos cambios hoy impulsados -o azuzadospor la premura y el afán de las modas, sino por su esencial belleza y permanencia. ~Leonardo Acosta (La Habana.Cuba)
Ted Piltzecker ha actuado en festivales de Estados Unidos y de todo el mundo. Sus cinco álbumes como líder han sido aclamados por la crítica e influyentes en el mundo de la percusión y el jazz. El actual lanzamiento "Brindica" refleja su reciente aventura de cuatro meses alrededor del mundo. Fue grabado en Nueva York y en Buenos Aires, y evoca encuentros musicales en Islandia, India, Nepal y Bali. "Piltzecker escribe y arregla melodías que se nutren de influencias de tango, segunda línea, afrocubanas, sudafricanas e incluso carnáticas, siempre de forma orgánica, divertida y respetuosa. El resultado es un caleidoscopio estilístico de un álbum que revela nuevas combinaciones de ritmo y armonía a cada paso y siempre chispea con ingenio y buen humor." Lista caliente de CD Ted Piltzecker ha recibido premios del National Endowment, del Consejo del Estado de Nueva York, del Consejo del Estado de Nueva Jersey, del Lincoln Center Institute y de la Fundación ASCAP. Es profesor de composición musical en el Purchase Conservatory of Music, SUNY y también enseña vibráfono en la Hartt School de CT. Graduado por las escuelas Eastman y Manhattan, actúa con vibráfonos Musser y sus característicos mazos Mike Balter._(tedvibes)
Un poco fuera de lo común, se nos presentó de nuevo el vibráfono -el pedal steel del jazz- por un maestro. Ted Piltzecker, antiguo trompetista del Jazz Ensemble de Chuck Mangione y del Quinteto de George Shearing, era en realidad un vibrafonista en el armario, practicando primero en su dormitorio de la Eastman School of Music, y luego perfeccionando sus habilidades durante su estancia con Mangione. Después de salir de una de las giras de Shearing, Piltzecker dijo: "Puse la trompeta en el estuche y al día siguiente estaba fuera de casa. Nunca la volví a tocar".
Cambiar los metales por la percusión afinada llevó a Piltzecker a otros medios de expresión, y en Brindica ("Brasil, India, África") es responsable no sólo del vibráfono y la marimba, sino del tambor parlante, la campana, las palmas, algo de percusión vocal -que juraría que son clucks-, así como del teclado. Teniendo en cuenta toda esa participación y el hecho de que el álbum, mayoritariamente instrumental, sólo tiene una pista vocal (con letra del poeta Langston Hughes), el vibráfono no acapara el protagonismo en Brindica. "From the Center" teje un ambiente de Nueva Orleans con vientos, teclados y una generosa pizca de marimba: si los portugueses hubieran colonizado Luisiana en lugar de los franceses, esta es la música que estaríamos escuchando en el barrio. El piano, el saxo tenor y alto, la trompeta, el trombón, el clarinete, la
flauta, la flauta alta y el piano tienen todos ellos solos, y la amplia gama de percusión -desde la campana hasta el steel pan y al menos seis tambores diferentes- desempeña un papel importante.
Ligero y sobre todo melódico, es fácil escuchar Brindica muchas veces para seguir descubriendo nuevos elementos, pero si te apetece soñar despierto con algo de música de fondo, lo último de Piltzecker también puede levantarte el ánimo sin hacerte sentir como si estuvieras haciendo un examen._Suzanne Cadgène (elmoremagazine)
Respetado músico de estudio afincado desde hace tiempo en Los Ángeles, Emil Richards ha participado en un sinfín de sesiones, aportando sus vibraciones de forma casi anónima a grabaciones de todos los géneros musicales. Empezó a tocar el xilófono a los seis años y, cuando aún estaba en décimo curso, Richards tocó con la Orquesta Sinfónica de Hartford. Tras graduarse en la Hartt School of Music y el Hilliard College (1949-52), tocó en una banda del ejército en Japón (trabajando con Toshiko Akiyoshi). Richards trabajó posteriormente con Charles Mingus, Willie Ruff, Ed Shaughnessy, Ed Thigpen, el quinteto de George Shearing (1956-58), Paul Horn (1960-64), Jimmy Witherspoon, Shorty Rogers y muchos otros. A principios y mediados de la década de 1960, Richards codirigió el Hindustani Jazz Sextet con Don Ellis, mezclando la música india con el jazz.
También fue miembro de la Neophonic Orchestra de Stan Kenton, del Roger Kellaway Cello Quartet y realizó giras con Frank Sinatra y Frank Zappa en la década de 1970. Emil Richards, que grabó como líder para Impulse (1965-66) e Interworld (dos CD en 1994-95), posee más de 350 instrumentos de percusión y se interesa desde hace tiempo por la música folclórica étnica, aunque considera que su principal influencia es Lionel Hampton. _Scott Yanow (allmusic)
El maestro percusionista y vibrafonista Emil Richards ha participado en innumerables sesiones de estudio, pero ha grabado relativamente poco a lo largo de los años como líder. En este atractivo álbum, Richards (principalmente con la marimba y el vibráfono) interpreta una contagiosa variedad de jazz latino. Lo más inusual del conjunto es que no incluye vientos.
Richards suele llevar la voz cantante, con Michael Lang o Dave Mackay al piano, Al McKibbon o Chuck Domanico al bajo, el batería Joe Porcaro y los percusionistas Luis Conte, Francisco Aguabella y Efraín Toro. Destacan "Well I Didn't" (basada en "Well You Needn't"), "Butter Jug Waltz" (con Richards en los percusivos "rattle mallets"), "Little Sunflower" de Freddie Hubbard y "Night in Tunisia". Se trata de un conjunto muy agradable de latin-jazz de alta calidad. _Scott Yanow (allmusic)
Callen Radcliffe Tjader, hijo (San Luis, Misuri, Estados Unidos, 16 de julio de 1925 - Manila, Filipinas, 5 de mayo de 1982), conocido como Cal Tjader, fue un vibrafonista y compositor estadounidense que llegó a ser el más famoso líder de una banda de jazz afrocubano que no era de origen latino. Intérprete inicialmente de bop y de cool, su evolución musical lo llevó a especializarse en la fusión del jazz con la música cubana. Tocaba también la batería y los bongóes. De origen sueco, e hijo de un director musical y productor de vodevil y de una pianista, Tjader creció en medio de un ambiente musical y teatral, llegando a recibir clases de baile durante un breve periodo de tiempo. Estudió en el San Francisco State College, donde se inició en el estudio de la batería bajo la supervisión de Walter Lawrence. A finales de los años 40 empezó a tocar la batería en pequeños grupos musicales de California. Inmediatamente, pasó a formar parte del trío de Dave Brubeck, con quien grabó varios discos, como batería (1949-1951). En 1953 se unió al grupo de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Aunque su estancia con el pianista ciego no duró mucho, fue precisamente durante su estancia en el grupo cuando Tjader se enamoró de la música latina. Cuando dejó este conjunto, al año siguiente, formó su propia banda, que precisamente enfatizó el elemento latino, aunque también tocaba jazz tradicional.
Tjader grabó una serie de álbumes, principalmente de jazz afrocubano, para Fantasy desde mitad de los 50 hasta principios de los 60, cuando cambió a Verve. Ahí, bajo la dirección de Creed Taylor, expandió su paleta estilística y tuvo la oportunidad de colaborar con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. Durante ese tiempo tuvo un éxito en las listas con "Soul Sauce", una versión del tema de Dizzy Gillespie y Chano Pozo "Guachi guaro" y grabó uno de sus mejores álbumes, Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brasil (1962). En 1968 creó, junto a Gábor Szabó y Gary McFarland, el sello Skye Records, un proyecto que solo duró dos años. Tjader regresó a Fantasy en los 70, compañía con la que grabó otro de sus mejores discos, Tambu (1973), en colaboración con el guitarrista acústico Charlie Byrd, llamado el embajador de la música brasileña en Estados Unidos y que en esta ocasión tocó excepcionalmente la guitarra eléctrica. En 1979 volvió a cambiar de compañía, en este caso a Concord, en la que permaneció hasta su muerte. Otros músicos con los que trabajó fueron Eddie Palmieri, Vince Guaraldi, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae y Airto Moreira, entre otros.
Billy Taylor fue vocero elocuente para el jazz, y sus perfiles en programa de televisión CBS Sunday Morning (donde fue un comienzo regular en 1981) eran tan exitosos Introducción a una audiencia más amplia, que a veces uno podría olvidar lo que fue durante más de medio siglo un talentoso pianista de jazz. Mientras no era innovador, Taylor Billy Taylor fue un portavoz tan elocuente del jazz, y sus perfiles en el programa de televisión Sunday Morning de CBS (donde era un comienzo regular en 1981) tuvieron tanto éxito en presentar el jazz a una audiencia más amplia, que a veces uno podía olvídate del talentoso pianista que fue durante más de medio siglo. Aunque no fue un innovador, Taylor fue lo suficientemente flexible como para tocar swing, bop y estilos más avanzados, pero siempre conservando su propia personalidad musical. Después de graduarse de Virginia State College en 1942, se mudó a Nueva York y tocó con músicos tan importantes como Ben Webster, Eddie South, Stuff Smith (con quien grabó en 1944) y Slam Stewart, entre otros. En 1951, fue pianista de casa en Birdland y poco después Taylor formó el primero de muchos tríos. Ayudó a fundar el Jazzmobile en 1965; en 1969 se convirtió en el primer director de banda negra de una serie de televisión (The David Frost Show); en 1975 obtuvo su doctorado en la Universidad de Massachusetts; y fundó y se desempeñó como director del popular programa de radio Jazz Alive. Pero a pesar de sus actividades en la educación del jazz, Taylor rara vez se ausentaba de las actuaciones y grabaciones, siempre manteniendo su estilo basado en el bop constantemente dinámico y fresco. Murió de insuficiencia cardíaca en Nueva York el 28 de diciembre de 2010, a la edad de 89 años._Scott Yanow (allmusic) Después de haber dedicado la mitad de la sección transversal de 1953 a los números con la banda de Machito, no fue una sorpresa que la continuación de Bill Taylor de 1954, Trio with Candido, presentara más toques latinos, esta vez con el conga cubano estrella Candido. De acuerdo con sus compañeros pianistas de jazz George Shearing y Red Garland, Taylor no incorpora tanto el ritmo del clavé cubano como la percusión para acentuar. A pesar de esto, Candido ofrece algunos solos provocativos, especialmente en el acelerado original de Taylor "A Live One", que presenta al pianista y al percusionista intercambiando un enérgico juego de cuatro. Sin embargo, los originales de Taylor de tempo medio a lento dominan el programa, incluido "Bit of Bedlam", donde el caos es decididamente genial. A lo largo del álbum, Taylor usa su flota, chuletas en solitario informadas por Teddy Wilson para lograr un efecto agradable, incluso extendiéndose un poco en "Mambo Inn" para complementar el largo entrenamiento de Candido. Un programa muy agradable de números de bop con tintes latinos que, lamentablemente, no ha llegado al CD, pero que de vez en cuando se puede encontrar en LP. Para al menos algunas de las incursiones latinas de Taylor, existe la reedición en CD de Cross Section._Stephen Cook (allmusic) Billy Taylor - The Billy Taylor Trio with Candido (1954) Temas:
Emil Richards (nacido Emilio Joseph Radocchia; 2 de septiembre de 1932 - 13 de diciembre de 2019) fue un vibrafonista y percusionista estadounidense.
Un respetado músico de estudio afincado desde hace tiempo en Los Ángeles, Emil Richards ha participado en un incontable número de sesiones, contribuyendo con sus vibraciones de forma casi anónima a grabaciones de todos los géneros musicales. Empezó a tocar el xilófono a los seis años y, cuando aún estaba en décimo grado, Richards tocó con la Orquesta Sinfónica de Hartford. Tras graduarse en la Hartt School of Music y el Hilliard College (1949-52), tocó en una banda del ejército en Japón (trabajando con Toshiko Akiyoshi). Posteriormente, Richards trabajó con Charles Mingus, Willie Ruff, Ed Shaughnessy, Ed Thigpen, el quinteto de George Shearing (1956-58), Paul Horn (1960-64), Jimmy Witherspoon, Shorty Rogers y muchos otros.
A principios y mediados de la década de 1960, Richards codirigió el Hindustani Jazz Sextet con Don Ellis, mezclando la música india con el jazz. También fue miembro de la Neophonic Orchestra de Stan Kenton, del Roger Kellaway Cello Quartet y realizó giras con Frank Sinatra y Frank Zappa en la década de 1970. Emil Richards, que grabó como líder para Impulse (1965-66) e Interworld (dos CD en 1994-95), posee más de 350 instrumentos de percusión y lleva mucho tiempo interesado en la música folclórica étnica, aunque considera que su principal influencia es Lionel Hampton._Scott Yanow (allmusic)
La "Yazz Band" del vibrafonista Emil Richards interpreta esencialmente una forma rítmica de jazz latino. Compuesto por el líder, el pianista Paul Moer, el bajista Al McKibbon y tres percusionistas, el grupo interpreta tres originales, tres estándares de jazz y un par de temas de Thelonious Monk; entre los más destacados están "Friday the 13th", "Little Niles" y "Half and Half". Lamentablemente, las notas de presentación originales están duplicadas en esta reedición en CD de forma microscópica y no se indica la fecha exacta de grabación._Scott Yanow (allmusic)
Temas: 01. Oh Very Well (Emil Richards) 02. Half And Half (Paul Moer) 03. Blue Monk (Thelonious Monk) 04. Yazz Per Favore (Emil Richards) 05. Green Dolphin Street 06. Friday The 13th (Thelonious Monk) 07. Little Niles (Randy Weston) 08. Well You Needn't (Thelonious Monk)
Musicos:
Emil Richards (Marimba, vibráfono, tímpano)
Francisco Aquabella (Congas, bongó)
Cuco Martínez (Timbales)
Marcellino Valdez (Timpanía, calabaza, conga, quijada de asno)
Cándido de Guerra Camero, más conocido por su nombre artístico Cándido Camero (22 de abril de 1921, La Habana, Cuba), es un percusionista de música cubana y jazz afrocubano. Camero comienza a la edad de 4 años a tocar los bongos; posteriormente su padre le enseña a tocar el tres cubano, instrumento que luego le servirá para acompañar a grandes como Ramón «Mongo» Santamaría y Luciano «Chano» Pozo. Debuta profesionalmente a la edad de 14 años y, en una forma muy curiosa, él recuerda cómo su padre le olía las manos para saber si había estado fumando o bebiendo. «No fumo y no bebo porque yo siento que tengo talento y todo lo que tengo que hacer es mostrarlo», declara.[cita requerida] Empieza a tocar las congas en 1940 con bandas de jazz en La Habana, logrando obtener muchos éxitos y reconocimientos. Cándido se muda a los Estados Unidos en 1946, acompañando a un grupo de baile cubano en una gira; el grupo, formado por los bailarines profesionales Carmen y Rolando, tenía una gira por los Estados Unidos, pero no tenía el dinero suficiente para llevar al bongocero y conguero que necesitaban, y es así como Cándido decide tocar ambos instrumentos simultáneamente. El éxito no se hizo esperar, pues para el público eso es algo nuevo, raro y además es la primera vez que un músico toca conga y bongos simultáneamente. Cándido pronto comienza a tocar con el pianista Billy Taylor. A principios de los 50, trabaja con Dizzy Gillespie y es solista de la big band de Stan Kenton, con la que recorre el país tocando tres congas, en un momento en que otros tocaban sólo una, además del güiro. En efecto, durante este período, Cándido logra adaptar una segunda conga a su set, constituyéndose de esa forma en el primer percusionista en usar más de una conga; la aparición de una tercera conga se remonta al año 1950, cuando Cándido siente la necesidad de tocar melodías enteras con sus congas. Crea un estilo único al voltear sus congas para obtener notas específicas. Cándido Camero ha compartido escenario con grandes como Machito, Billy Taylor, Count Basie, Duke Ellington, Lionel Hampton, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, George Shearing, Stan Kenton, Fania All Stars, Quincy Jones, Charlie Mingus, Ray Charles, Tony Bennett, Tito Puente, Chico O'Farrill, Sonny Rollins, Coleman Hawkins, Celia Cruz, Patato Valdés, Mongo Santamaría y muchísimos másAhora con 96 años y casi 70 de carrera artística, Cándido Camero es el protagonista de un documental sobre su vida y la historia del jazz afrocubano alrededor de él. ~ (wikipedia)
Este álbum, publicado por primera vez por ABC-Paramount, marcó el debut discográfico del percusionista cubano Candido Camero como líder, y aunque obviamente tiene un papel destacado, estas sesiones de 1956 representan mucho más que un vehículo para su conga y bongo. La banda incluye al siempre inspirado saxofonista tenor Al Cohn, el pianista Dick Katz, el bajista Whitey Mitchell, el guitarrista Joe Puma y el baterista Ted Sommer. Las selecciones incluyen gemas de la era del swing, melodías de espectáculos y originales, todos los cuales oscilan como locos. El grupo está en su mejor momento en la conducción "Stompin 'at the Savoy", debido a sus solos inspirados y las compensaciones entre Cohn y el líder (en bongos). Puma contribuyó con el sencillo "Candi Bar", mientras que la "Cámara de Cándido" de Sommer es un vehículo ágil que muestra a Candido y Al Cohn. Uno puede fácilmente imaginarse disfrutando de la viva interpretación de "Perdido" en un club nocturno cubano. El ritmo de marcha del líder que presenta "Poinciana" sugiere el Bolero de Ravel antes de relajar su cadencia en un entorno más oscilante. Un repaso a través de "Cheek to Cheek" proporciona un final satisfactorio para un CD muy agradable. Finalmente reeditado en el verano de 2004, esta edición limitada remasterizada de Verve debería considerarse esencial para los fanáticos del jazz latino ~ Ken Dryden (allmusic)
Candido Featuring Al Cohn - Candido (2004) Temas: 01. Mambo inn 02. I'll Be Back For More 03. Stompin' At The Savoy 04. Candy Bar 05. Broadway 06. Perdido 07. Indian Summer 08. Candido's Camera 09. Poinciana 10. Cheek To Cheek Musicos: Cándido Camero (Congas, bongos) Al Cohn (Saxo tenor) Joe Puma (Guitarra) Dick Katz(Piano) Whitey Mitchell (Bajo) Teddy Sommer (Batería)
"Robin Jones". Las grabaciones que aparecen en este CD representan ejemplos raros de jazz latino grabado en Inglaterra, donde, con la posible excepción de Kenny Graham (a principios de los años 50), había poco o nada de jazz latino para hablar. Sin embargo, la música latina se hizo popular por primera vez en Inglaterra durante los años 30 con la moda Rhumba que siguió al éxito mundial de 'El Manicero'. Esto fue seguido por los bailes de samba y conga de los años 40. Si bien la música de las bandas de Nueva York dirigidas por Tito Rodriguex, Machito, etc., era conocida por algunos en Inglaterra durante los años 50, no había sido tan libremente disponible y popular como la tipificada por George Shearing con su línea de quintetos. Durante los años 60, la música brasileña también se hizo muy popular a través de las grabaciones de Stan Getz y Sergio Méndez. Sin embargo, hasta la formación de esta banda, los conjuntos latinos con sede en el Reino Unido, como los dirigidos por Edmondo Ros, Roberto Inglés, aunque muy popular, solo eran imitaciones diluidas de las grandes bandas latinas en los Estados Unidos y, con mayor frecuencia, ignoraron a muchos de las convenciones de la música latina. Estas bandas, en un intento por lograr un amplio atractivo popular, favorecieron las versiones latinizadas de melodías familiares para el público inglés.
John Pizzarelli (Paterson, 6 de abril de 1960), cantante y guitarrista estadounidense de jazz. Poseedor de una voz cálida y suave, y de una presencia elegante, Pizzarelli es uno de los principales representantes del neotradicionalismo jazzístico aplicado al canto. Hijo del guitarrista Bucky Pizzarelli, John empezó a cantar con su padre a los 20 años e hizo su grabación de debut en 1983 con I'm Hip -- Please Don't Tell My Father. Como guitarrista, manifiesta influencias de Les Paul y Django Reinhardt. En 1993 el John Pizzarelli Trio hizo de telonero en una de las últimas giras de Frank Sinatra, llegando a participar en la celebración del 80 cumpleaños de este en el Carnegie Hall. En 1997 participó en la producción de Broadway Dream, un homenaje al compositor Johnny Mercer. Su disco de 1998 Meets the Beatles, le presenta reinterpretando canciones clásicas del grupo de Liverpool, y al año siguiente rindió homenaje a una de sus más grandes influencias, Nat King Cole, con P.S. Mr. Cole. Pizzarelli firmó en 1999 con el sello Telarc y grabó dos discos de estándares, Kisses in the Rain y Let There Be Love, en 2000. Desde entonces, ha grabado un disco con el pianista George Shearing y ha celebrado sus diez años de música con su trío grabando un disco en directo Live at Birdland en 2003. Apartándose por un momento del swing, Pizzarelli grabó Bossa Nova en 2004, cantando composiciones de Antonio Carlos Jobim como "The Girl from Ipanema" y "Aguas de Marco". En 2005 presentó nuevos estándares en Knowing You y, respaldado por la Clayton-Hamilton Jazz Orchestra, le ha rendido homenaje a Sinatra en 2006 con Dear Mr. Sinatra._wikipedia John Pizzarelli historia de amor con la bossa nova se remontaba más de dos décadas previas a la realización de este CD, que es su saludo a la legendaria João Gilberto . Acompañado de su grupo habitual (pianista Ray Kennedy y el bajista Martin Pizzarelli ) y aumentada por el batería Paulinho Braga y el percusionista Jim Saporito , junto con varios otros en pistas seleccionadas, Pizzarelli suaves, voces swinging y fuerte, pero la guitarra subestimado trabajar su magia en todo el sesión. Si bien la mayoría de las piezas son obras brasileñas, hay excepciones. Gershwin "Fascinatin' Rhythm" se adapta fácilmente en un bossa nova, añadiendo coros y el saxo tenor potente de Harry Allen . Rocker James Taylor beneficios "Your Smiling Face" de la configuración más enérgica y un coro flauta respaldo Pizzarelli . Broadway compositor Stephen Sondheim "I Remember", añade Don Sebesky arreglo de cuerdas, llenando cuidadosamente los antecedentes en esta balada maravillosamente cantado. Por supuesto, varias canciones se dedican a las composiciones atemporales de Antonio Carlos Jobim . Los cinco presentes en esta fecha se han registrado con tanta frecuencia que sería difícil para llegar a interpretaciones históricas, pero Pizzarelli y la compañía de hacer justicia a todos ellos. También vale la pena investigar son dos originales del líder, el balanceo "Francesca" y la brisa "Soares Samba." El sonido íntimo lo largo de esta grabación es un bono adicional._Ken Dryden (allmusic) John Pizzarelli - Bossa Nova (2004) Temas: 01. One Note Samba 02. Fascinatin' Rhythm 03. The Girl From Ipanema 04. Your Smiling Face 05. Estate 06. Desafinado (Off Key) 07. Aquelas Coisas Todas (All Those Things) 08. I Remember 09. Francesca 10. Love Dance 11. So Danso Samba 12. Aguas De Marco (Waters Of March) 13. Soares Samba Musicos: John Pizzarelli: Guitar and Vocals Ray Kennedy: Piano Martin Pizzarelli: Bass Paulinha Braga: Drums Jim Saporito: Percussion Cesar Camargo Mariano: Piano Harry Allen: Tenor Sax Daniel Jobim: Background Vocals Chiara Civello: Background Vocals with String Quartet, Flute Quartet
Callen Radcliffe Tjader, hijo (San Luis, Misuri, Estados Unidos, 16 de julio de 1925 - Manila, Filipinas, 5 de mayo de 1982), conocido como Cal Tjader, fue un vibrafonista y compositor estadounidense que llegó a ser el más famoso líder de una banda de jazz afrocubano que no era de origen latino. Intérprete inicialmente de bop y de cool, su evolución musical lo llevó a especializarse en la fusión del jazz con la música cubana. Tocaba también la batería y los bongóes. De origen sueco, e hijo de un director musical y productor de vodevil y de una pianista, Tjader creció en medio de un ambiente musical y teatral, llegando a recibir clases de baile durante un breve periodo de tiempo. Estudió en el San Francisco State College, donde se inició en el estudio de la batería bajo la supervisión de Walter Lawrence. A finales de los años 40 empezó a tocar la batería en pequeños grupos musicales de California. Inmediatamente, pasó a formar parte del trío de Dave Brubeck, con quien grabó varios discos, como batería (1949-1951). En 1953 se unió al grupo de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Aunque su estancia con el pianista ciego no duró mucho, fue precisamente durante su estancia en el grupo cuando Tjader se enamoró de la música latina. Cuando dejó este conjunto, al año siguiente, formó su propia banda, que precisamente enfatizó el elemento latino, aunque también tocaba jazz tradicional. Tjader
grabó una serie de álbumes, principalmente de jazz afrocubano, para Fantasy desde mitad de los 50 hasta principios de los 60, cuando cambió a Verve. Ahí, bajo la dirección de Creed Taylor, expandió su paleta estilística y tuvo la oportunidad de colaborar con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. Durante ese tiempo tuvo un éxito en las listas con "Soul Sauce", una versión del tema de Dizzy Gillespie y Chano Pozo "Guachi guaro" y grabó uno de sus mejores álbumes, Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brasil (1962). En 1968 creó, junto a Gábor Szabó y Gary McFarland, el sello Skye Records, un proyecto que solo duró dos años. Tjader regresó a Fantasy en los 70, compañía con la que grabó otro de sus mejores discos, Tambu (1973), en colaboración con el guitarrista acústico Charlie Byrd, llamado el embajador de la música brasileña en Estados Unidos y que en esta ocasión tocó excepcionalmente la guitarra eléctrica. En 1979 volvió a cambiar de compañía, en este caso a Concord, en la que permaneció hasta su muerte. Otros músicos con los que trabajó fueron Eddie Palmieri, Vince Guaraldi, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae y Airto Moreira, entre otros.
Nacido el 22 de octubre de 1928 en Durand, Michigan, Clare Fischer es un músico extraordinariamente versátil, un maestro con muchas musas. Formado en los clásicos, inspirado por artistas de jazz, curado por los ritmos de la música latina y brasileña, su sonido ecléctico encuentra expresión en cada tabla e instrumento que toca.
Músico de estudio veterano y compositor de calidad excepcional, Fischer comenzó sus estudios en Grand Rapids, Michigan, en South High School con el director de música Glenn Litton. Después de obtener su maestría en composición de la Universidad Estatal de Michigan, donde estudió con el Dr. H. Owen Reed, viajó extensamente con "The Hi-Lo's" como pianista y director durante 5 años. Casi al mismo tiempo, su ascenso musical comenzó con sus arreglos aclamados por la crítica para "A Portrait of Duke Ellington" de Dizzy Gillespie. Las influencias de Fischer, absorbidas en el camino, son tan distintas como su música: Stravinsky y Shostakovich, Bartok y Berg, Dutilleux, el pianista de boogie-woogie Meade Lux Lewis, Nat “King” Cole, Duke Ellington, Bud Powell y los primeros Lee Konitz - Fischer la autoexpresión no conoce fronteras.
“Me identifico con todo”, explica. “No soy solo jazz, música latina o clásica. Realmente soy una fusión de todos esos, no la fusión de hoy, sino mi fusión ".
En 1983, el concertista clásico Richard Stoltzman encargó a Fischer que escribiera una obra sinfónica utilizando temas de Duke Ellington y Billy Strayhorn. La composición resultante, "The Duke, Swee’pea and Me", presenta a Stoltzman al clarinete y se interpreta con orquestas sinfónicas de todo el mundo. Más recientemente, Stoltzman le encargó a Fischer que escribiera una “Sonatina para clarinete y piano” en tres movimientos, que ha grabado con RCA en su álbum “American Clarinet” y que está siendo publicada por Advance Music en Alemania.
En 1986, Clare ganó su segundo premio Grammy, este por su álbum, "Free Fall", el primero lo ganó en 1981 por su álbum, "Salsa Picante plus 2 + 2". Desde entonces, ha pasado más tiempo como educador de jazz, realizando conciertos de piano solo y dirigiendo clínicas y clases magistrales en universidades y conservatorios de música en Escandinavia, Europa y en todo Estados Unidos.
En los últimos años, Clare ha actuado en París, Suiza, Croacia, Finlandia, Noruega, Alemania con la WDR Big Band, Holanda con la Metropole Orchestra, Austria en Graz y en la Konzerthaus de Viena y en la Ciudad de México en la Sala de Conciertos Ollin Yolítzli. en un concierto conmemorativo de la música de Antonio Carlos Jobim en el aniversario de su muerte en diciembre de 1996. En 1998 también actuó en el Festival del Choro con Hélio Delmiro en Sáo Paulo, Brasil y regresó en julio de 2000 para una gira por tres ciudades. en ese país con Delmiro.
Además de Dizzie Gillespie, Fischer ha escrito para Cal Tjader, George Shearing, Diane Schuur, Natalie Cole, Prince, Chaka Khan y Rufus, The Jacksons, Earl Klugh, Prince, Robert Palmer, Paul McCartney, Michael Jackson, Spike Lee, João Gilberto, Paula Abdul y, más recientemente, Brian McKnight, Regina Belle, J. Spencer, Norman Whitfield, Branford Marsalis, Tori Amos, un grupo francés - "Charts", un grupo japonés - "Sing Like Talking", Vanessa Williams, Brandy, Tony! ¡Toni! ¡Tono! y muchos otros. Sus arreglos para cuerdas son verdaderamente una revelación.
Desde el comienzo de su carrera profesional, Fischer ha grabado más de 45 álbumes como líder y ha arreglado, compuesto y / o tocado en otros 100 álbumes para otros artistas. Su discografía se lee como un "Quién es quién" de la industria discográfica. Los lanzamientos recientes incluyen "Clare Fischer’s Jazz Corps", un álbum de big band compuesto por 20 metales, 6 instrumentos de viento de madera más ritmo; y “Symbiosis”, grabada con Hélio Delmiro en guitarra brasileña sin amplificación y Clare en piano digital. En enero de 2001, Fischer produjo su primer CD clásico, “After the Rain”, compuesto íntegramente por sus propias obras sinfónicas. A esto le siguieron sus últimas grabaciones, "On a Turquoise Cloud", en 2002 con un coro de clarinete completo, "Introspectivo", una grabación para piano solo en 2005, y en 2006 su última grabación para coro de clarinete, "A Family Affair".
En diciembre de 1999, la Escuela de Música de la Universidad Estatal de Michigan otorgó un Doctorado Honorario en Bellas Artes a Clare en reconocimiento a su "creatividad y excelencia como compositor, arreglista e intérprete de jazz".
Clare tiene tres hijos mayores; Lee, Brent y Tahlia. De los tres, es Brent quien se ha convertido en el compositor para continuar con la tradición de escritura de su padre, y también es el bajista habitual de Clare y su manager.
En cuanto a este álbum en particular, Clare escribe: “Cuando la mayoría de la gente piensa en Latin-Jazz, invariablemente se refieren a ritmos de Cuba. Igualmente importantes son los de Brasil que componen una gran parte de este álbum. Sin embargo, no considero que toco música “cubana” o “brasileña”, sino que uso el sentimiento de ambos para mis propios fines. A la luz de este enfoque personal, encontrará música en escenarios inusuales. “Considero que 'Clare Fischer y sus amigos' (seis cantantes y todos los músicos) son parte de un grupo. Este no se considera un grupo de cantantes con músicos de respaldo, todos somos uno. Este es un disco de jazz y las voces se convierten en instrumentos en relación al grupo.
“Espero que disfrutes de esta música. Pasé un tiempo maravilloso armándolo".
El 8 de enero de 2012, Fischer sufrió un paro cardíaco en Los Ángeles, luego de una cirugía menor unos días antes. Su esposa de 18 años, Donna, estaba a su lado y le practicaba RCP. Permaneció en la UCI con soporte vital y murió el 26 de enero de 2012. Le sobrevive su esposa; tres hijos, Lee, Brent y Tahlia; y dos hijastros, Lisa y Bill Bachman._Clare Fischer
El tecladista y compositor siempre creativo Clare Fischer está de vuelta con otro gran tema de inspiración latina, llena de melodías fuertes y ritmos infecciosos. La sesión incluye seis cantantes que se aplican las voces-como-los instrumentos de la Hi-Lo de sonido a los gráficos originales y éxitos de jazz. Inventivo Fischer fusión de "Take the ATrain" con una canción brasileña "O Pato" que tiene los mismos cambios de apertura crea un surco alegre en "O Pato Takes A Train". La canción se juega en cubano de 6/4, mientras que la norma "Speak Low" se da una firma 3/2. Cada pista es una celebración jubilosa de la música latina, con las notas del trazador de líneas de Fischer proporcionar una guía para escuchar valioso. Sexteto La sesión incluye Don Shelton, anteriormente con el Hi-Lo y Singers Unlimited, que tanto canta y toca cañas, hijo de Fischer, Brent, en el bajo eléctrico, el guitarrista John Pisano y percusionistas Walfredo Reyes y Michito Sanchez.__Patricia Myers (jazztimes)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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McKibbon siempre ha sido muy respetado (entre otros signos de este respecto, fue el bajista de los Gigantes del Jazz), y continuó actuando hasta 2004..jpg)
La carrera discográfica latina de McKibbon se remonta a "Manteca" con Dizzy en 1948. También ha trabajado en todo el ámbito del jazz y el espectáculo. Este álbum lo encuentra principalmente en un papel de apoyo, proporcionando ritmos latinos de tonos fuertes y elásticos en "Off Minor", "Tin Tin Deo", "I Mean You", "Cubano Chant", et al. Reedmen Charles Owen y Justo Almario, el pianista Phil Wright y los percusionistas José "Papo" Rodríguez y Ramón Banda manejan sus deberes con un agradable sentido de la melodía y un sentido del ritmo contagioso. Un álbum muy agradable y bien proporcionado._Owen Cordle (jazztimes)
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