Adela Dalto - Peace

Papa Boco", el primer disco de Milestone de la vocalista Adela Dalto, integra sofisticados elementos de la música latina y brasileña con el jazz para crear una atractiva mezcla de sensuales ritmos ardientes y sensuales voces. "Papa Boco" ha sido coproducido por Todd Barkan y el pianista y arreglista Aloisio Aguiar, colaborador de Adela durante los últimos quince años, y cuenta con el respaldo de un elenco de músicos latinos y brasileños como el trompetista Claudio Roditi, el flautista Dave Valentin y el guitarrista Romero Lubambo, así como los percusionistas Milton Cardona, Steve Berrios y Cafe. Los arreglos fueron escritos por Adela y Aguiar, que también toca los teclados en ocho de los diez temas del álbum.
La enérgica canción que da título al disco, "Papa Boco", en la que destaca el estimulante trabajo de trompeta de Roditi, fue escrita por un amigo de Adela, el Dr. Sánchez Acosta, y cuenta la historia de un médium de la santería que protege a los creyentes del mal llevando un pañuelo rojo y un puro en una mano y una vela en la otra. La santería, que se practica en muchos segmentos de la comunidad latina, cuenta con Adela entre sus creyentes; ella siente que "cuanto menos sepa de ella, mejor protegida estaré. Pero mantengo mi vaso de agua cerca de la puerta principal".
Adela se enamoró de "Peace", del pianista y compositor Horace Silver, cuando trabajaba con un grupo de jazz latino y buscaba canciones interesantes. Rápidamente la añadió a su repertorio y está encantada de grabarla por fin. La versión de Adela, quizá la interpretación vocal definitiva del jazz, cuenta con un solo de tenor de Dick Oatts, veterano de la Mel Lewis Jazz Orchestra.
"Papagaio Rei", una apetitosa samba escrita por Adela y Aloisio Aguiar, lleva el nombre de Aguiar. "Aloisio", explica Adela, "es un gran hablador, así que algunos de los chicos le apodaron Papagaio, que significa loro. Cuando llamé a Claudio y le pedí que tocara en la sesión, me dijo que también tenía una canción llamada 'Papagaio', que en portugués también significa cometa. Así que Aloisio sugirió que añadiéramos la palabra Rey al título". La composición empezó como un gancho de Aloisio que Adela utilizó para una introducción de una composición de Jo o Donato, pero "luego decidí que era demasiado bonito para desperdiciarlo, así que nos juntamos y se nos ocurrió esta melodía."

La leyenda brasileña ya fallecida Antonio Carlos Jobim compuso la lírica "Falando de Amor", y Adela la eligió porque "me encantan muchas de sus canciones y todas son muy bonitas. Esta canción es de uno de sus discos más antiguos, que solía escuchar hace mucho tiempo, antes de hablar portugués. Nunca supe realmente lo que decía la canción antes, pero ahora que hablo portugués, la letra ("hablando de amor") cobró vida, y decidí que era el momento de grabarla".
"Guajiro Mio" es un vigoroso chachachá compuesto por Adela, su difunto marido Jorge y el teclista Aguiar. Adela cuenta que "Guajiro es el apodo de los montañeses de Puerto Rico y Carlos Santana grabó una canción titulada Vamonos Guajira', así que esto es en respuesta a su canción".
"April Child" fue escrita por Moacir Santos, un brasileño afincado en California. "Esta melodía existe desde hace tiempo", explica Adela, "y me pareció apropiado grabarla en este álbum, que es una combinación de música brasileña, latina y jazz". Oatts vuelve para otra pausa de tenor que sirve para animar los ya alegres procedimientos.
Aunque está definitivamente en la onda latina, Adela cree que su original "I'll Always Remember" es "más una melodía pop. Cuando escribo, se me ocurren melodías y letras al mismo tiempo". Aloisio se sienta al piano a buscar acordes y probar cosas. Aloisio y yo trabajamos mucho juntos y ésta es una canción que arreglamos con un sentimiento pop".
"Sad Love Song" se basa en el estándar brasileño "Menina Moáa", grabado por Stan Getz y Lee Konitz. Adela grabó originalmente la composición con Konitz, pero prefería una letra americana; así que un día en Japón, mirando desde su habitación de hotel, dio rienda suelta a su imaginación, creando la nueva letra. El arreglo de Aguiar incluye la flauta contralto de Valentin.

Adela escribió la letra de "Up Jumped Spring", del trompetista Freddie Hubbard, y el resultado es "Sweet Spring". Después de sentarse con Hubbard y cantar el estándar "It Might As Well Be Spring", él le pidió que escribiera una nueva letra para su composición, "Up Jumped Spring". "Describió la canción como escrita para su hijo, que había nacido esa primavera. Me dijo que parecía que su hijo acababa de salir de la tierra como una flor de primavera. Lo tuve en cuenta cuando escribí la letra, que le gustó mucho. Así que me dejó cambiarle el título".
El cierre, otro original de Dalto, "Estaba en Nada", significa literalmente "[él] no era nada". "Es una canción divertida sobre una chica que habla a sus amigas de un tipo estupendo que acaba de conocer, pero resulta que no tenía coche, no tenía dinero para el autobús, estaba casado, tenía seis hijos y vivía con su suegra, ya sabes, estaba en nada".

Nacida en Texas de padres mexicanos, Dalto se crió en Gary, Indiana. Estuvo muy influenciada por el r&b y el jazz. Fue su difunto marido, Jorge Dalto, quien animó a Adela a iniciar su carrera profesional. Jorge, antiguo pianista y director musical de George Benson, ayudó a Adela a desarrollar su interés por el jazz y la introdujo en los sutiles y emocionantes ritmos de la música latina y brasileña. Cuando empezó a estudiar y a cantar profesionalmente, Adela se vio muy influenciada por las cantantes de jazz Sarah Vaughan y Dinah Washington, las vocalistas latinas Graciela y Celia Cruz, así como por las brasileñas Elis Regina y Leny Andrade.

Tras varios años actuando localmente en Nueva York, Adela se unió a la InterAmerican Band de Jorge y grabó "Ease My Pain" en su CD Urban Oasis de 1985. Desde entonces, ha trabajado con los favoritos latinos Jerry González y Hilton Ruiz, además de actuar con la Latin Jazz Orchestra del saxofonista panameño Mauricio Smith en el Rainbow Room de Nueva York. Adela también fue vocalista destacada de la Orquesta Afrocubana de Mario Bauza y del conjunto AfroJazzia de Carlos "Patato" Valdés. Recientemente, la cantante residente en Nueva York ha actuado regularmente con su propio grupo y como vocalista invitada en clubes tan conocidos de Manhattan como Blue Note, S.O.B.'s y Birdland._(concord)

                                                                              

                                                                                    

Adela Dalto - Peace (1995/2019)

Temas:

01. April Child

02. I'll Always Remember

03. Papagaio Rei

04. Falando De Amor

05. Guajiro Mio

06. Peace

07. Sweet Spring

08. Sad Love Song

09. Estaba En Nada

10. Papa Boco

Musicos:

Adela Dalto (Voz)

Aloisio Aguiar (Teclados)

Dick Oatts (Saxo soprano, saxo tenor, flauta)

Romero Lubambo, Yomo Toro, Paul Ricci (Guitarra)

Sergio Bradao, Joe Santiano (Bajo)

Rick Sebastian, Steve Berrios (Batería)

Cafe, Milton Cardona, Jorge Da Silva (Percusión)

Dave Valentin (Flauta alto, flauta bajo)

Gilbert Colon Jr (Piano)

Claudio Roditi (Trompeta)

Deborah Resto (Coros)

Grabado en el Variety Studio de Nueva York en julio-agosto de 1995

McCoy Tyner - McCoy Tyner And The Latin All-Stars

En 1998, la perspectiva de McCoy Tyner al frente de un grupo de Latinjazz para un conjunto animado de melodías construidas sobre ritmos afrocubanos no solo tiene sentido, sino que genera anticipación. Tyner, después de todo, es uno de los pianistas más respetados e imitados del jazz moderno, con un estilo a la vez terrenal y sofisticado, una improvisación al vernáculo totalmente suya y una calidad de percusión contundente y original.
Esta grabación llega en un momento en que la música de toda América Latina está encontrando su camino, cada vez más, a los oídos estadounidenses. Los ejecutivos estadounidenses de A&R se apresuran a viajar a Cuba para ver de qué se trata el alboroto; los productores están extrayendo los cancioneros de compositores brasileños y puertorriqueños para lanzamientos populares en los Estados Unidos. Músicos estadounidenses, cubanos, brasileños, panameños y africanos lo están mezclando en mayor número y con más libertad que nunca. Todos están redescubriendo, tal vez incluso reinventando, una conexión que ha existido durante la mayor parte de un siglo, una que -con este vigor renovado y un flujo más libre- ha sido restaurada a lo que una vez prometió ser: un conducto vital de información compartida. inspiración, información y ritmo.

Para Tyner, nada de esto representa una nueva fascinación o un rumbo diferente. Los ingredientes básicos ya están en su forma de tocar: una poderosa conciencia de las cosas africanas y afrocaribeñas ha sido central en la historia de Tyner desde el principio.
"Cuando era adolescente estaba involucrado en la cultura africana", recuerda Tyner de los días en Filadelfia. "Me interesé. Más que política, crecí en un ambiente que quería conectarme con aspectos de mis raíces y entender más sobre cultura negra. Para entender más sobre la cultura, punto, pero la cultura negra especialmente porque era algo que no necesariamente nos enseñaban en la escuela".
Entonces, Tyner se interesó temprano en la cultura africana y las culturas de la diáspora africana. Como la mayoría de los músicos que conocía, Tyner se centró en la percusión. Conoció a un baterista de lo que entonces se llamaba Costa de Marfil y se empapó de lo básico. Aprendió sobre la danza africana. Incluso tocó una conga, "hasta que mis dedos sintieron el castigo", dice.
A los diecisiete años conoció al saxofonista John Coltrane. En la década de 1960, cuando tenía poco más de veinte años, Tyner era el pianista del cuarteto de Coltrane con el bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones. Fue una experiencia que no sólo alteraría para siempre la vida de Tyner, sino que literalmente cambiaría el curso del jazz. La música del grupo tenía un golpe de percusión legendario, una poderosa dimensión espiritual y, para aquellos que escuchaban con comprensión, despertó conexiones africanas profundamente arraigadas. Tyner y Coltrane hablaron un poco sobre esas cosas. También estaba todavía muy en el aire. La banda de Coltrane tocó en el mismo cartel con la orquesta afrocubana de Machito en el Apollo, y un joven Tyner pudo apreciar de primera mano la emoción que generó esa banda.
Tyner trabajó en algunos escenarios con congas y percusión africana desde la década de 1960 y desde entonces ha tocado dentro de una concepción del jazz latino. Sin embargo, no fue hasta su grabación de 1981, La Leyenda de la Hora, que Tyner hizo una grabación basada en conceptos de Latinjazz. El proyecto fue impulsado en parte por la deserción a los Estados Unidos del saxofonista Paquito D'Rivera, y fue anclado por incondicionales latinos como el percusionista Daniel Ponce y el baterista Ignacio Berroa y estrellas del jazz estadounidense como el vibrafonista Bobby Hutcherson, el trompetista Marcus Belgrave y saxofonista Chico Freeman. Incluía amplios arreglos de los originales latinos de Tyner, algunos con acompañamiento de sección de cuerdas.

Más recientemente, Tyner ha realizado numerosas giras con una pequeña banda de Latinjazz, tocando en lugares como Blue Note de Nueva York y Yoshi's de San Francisco, así como en festivales europeos. El concepto de Tyner se basa en la colaboración total y completa, la esencia del jazz latino. "No estamos tratando de hacer salsa ni nada tradicionalmente latino", señala. “Recuerdo que una mujer se me acercó después de una cita en Yoshi's y me dijo: 'No estás tocando el piano al estilo cubano real'. "Él se ríe. Bueno, soy un músico de jazz. Mi cultura está aquí, ¿sabes? Crecí en Estados Unidos. No soy cubano, aunque las raíces son las mismas. Voy a tocar jazz". Estoy tratando de sintetizarlo todo en mi propia declaración".
El baterista Berroa está en esta grabación, en una sección rítmica con el percusionista Giovanni Hildalgo y el timbalero Johnny Almendra. En la trompetista Claudia Roditi y el flautista Dave Valentin, Tyner ha elegido a dos músicos igualmente distinguidos en los estilos latino y americano. Y en el bajista Avery Sharpe, el trombonista Steve Turre y el saxofonista Gary Bartz, Tyner ha reclutado aliados musicales de confianza desde hace mucho tiempo.
La apertura del álbum, Festival in Bahia, un original de Tyner, se extrae de una grabación anterior (lnner Voices de 1977). En ese álbum, la melodía con sabor brasileño de Tyner fue interpretada por piano, bajo y batería con un coro que decía la melodía. Aquí, recibe un desarrollo más completo por parte de todo el conjunto. La declaración a lo largo del álbum parece clara: esta grabación no es una pieza fija, es un documento de una banda de trabajo. Vale la pena notar cuán bien, de hecho, cuán completamente, las características de Tyner como improvisador encajan dentro del ritmo afrocubano establecido por la sección rítmica. De esa manera, la melodía captura uno de los placeres centrales del álbum, y una de las razones por las que esta concepción funciona tan bien: Tyner no ha alterado nada de su estilo para adaptarse a este material, simplemente se ha propuesto extraer una hebra importante de su tapiz musical familiar.

El programa de Tyner también está repleto de algunas composiciones familiares escritas por importantes contribuyentes a los legados africanos y latinos del jazz. Poinciana, probablemente la melodía más conocida del libro del pianista Ahmad Jamal, recibe aquí una interpretación majestuosa y amorosa. Donde el original de Jamal sonaba completamente africano en su orientación, el tratamiento de Tyner aquí baila sobre una alfombra mágica, tal vez. Uno actualmente flotando en algún lugar entre África, América Latina, América del Sur y los Estados Unidos, aterrizando suavemente donde y cuando quiera McCoy Tyner._Larry Blumenfeld, Editor- in-chief, Jazziz

                                                                                                   

                                                                                

McCoy Tyner - McCoy Tyner And The Latin All-Stars (1999)

Temas:

01. Festival In Bahia (McCoy Tyner)

02. Poinciana (Buddy Bernier, Nat Simon)

03. Afro Blue (Mongo Santamaria)

04. A Song For Love (McCoy Tyner)

05. La Habana Sol (McCoy Tyner)

06. We Are Our Fathers Sons (Avery Sharpe)

07. Blue Bossa (Kenny Dorham)

Musicos:

McCoy Tyner (Piano)

Johnny Almendra (Timbales)

Gary Bartz (Saxofones)

Ignacio Berroa (Batería)

Giovanni Hidalgo (Percusión)

Claudio Roditi (Trompeta y fliscorno)

Avery Sharpe (Bajo)

Steve Turre (Trombón y conchas)

Dave Valentín (Flauta) 

Tito Puente & Maynard Ferguson - Special Delivery

En virtud de su cálido y extravagante comportamiento en el escenario, su longevidad, sus constantes giras y sus apariciones en los medios de comunicación, Tito Puente es probablemente el símbolo más querido del jazz latino. Pero, además, Puente ha conseguido mantener su música extraordinariamente fresca a lo largo de las décadas; como virtuoso de los timbales, combinaba el dominio de todos los matices rítmicos con la espectacularidad a la antigua usanza: ver sus ojos desorbitados cuando hacía un solo dinámico era uno de los grandes placeres para los aficionados al jazz latino. Músico de formación, también era un fino y lírico vibrafonista, un talentoso arreglista y tocaba el piano, las congas, los bongos y el saxofón. Su atractivo sigue siendo para todas las edades y grupos étnicos, ayudado sin duda por las versiones más vendidas de Santana de "Oye Como Va" y "Para Los Rumberos" en 1970-1971, y las apariciones en The Cosby Show en la década de 1980 y la película The Mambo Kings en 1992. Su estilo de salsa clásica no suele tener un trasfondo oscuro, sino que irradia un ambiente de fiesta alegre y bailable.
Arraigado en el Harlem español, de ascendencia puertorriqueña, Puente pretendía en un principio ser bailarín, pero esas ambiciones se vieron frustradas por un desgarro del tendón del tobillo sufrido en un accidente. A los 13 años empezó a trabajar en la big band de Ramón Olivero como baterista, y más tarde estudió composición, orquestación y piano en Juilliard y en la New York School of Music. Y lo que es más importante, tocó con Machito y absorbió su influencia, que estaba fusionando con éxito los ritmos latinos con el jazz progresivo. En 1947 formó el grupo Piccadilly Boys, formado por nueve músicos, y dos años más tarde lo amplió a una orquesta completa. Puente grabó para Seeco, Tico y, finalmente, RCA Victor, y contribuyó a alimentar la moda del mambo, que le dio el título no oficial -y, en última instancia, vitalicio- de "Rey del Mambo", o simplemente "El Rey". Puente también ayudó a popularizar el chachachá durante la década de 1950, y fue el único no cubano que fue invitado a la celebración de los "50 años de música cubana" patrocinada por el gobierno en Cuba en 1952.

Puente Goes Jazz. Entre los congueros de las grandes ligas que tocaron con la banda de Puente en los años 50 se encontraban Mongo Santamaría, Willie Bobo, Johnny Pacheco y Ray Barretto, lo que dio lugar a algunos explosivos tiroteos de percusión. Puente no se encerró en un rincón de la música latina, sino que abarcó el jazz de grandes bandas (Puente Goes Jazz) y, en los años 60, temas de bossa nova, éxitos de Broadway, boogaloos y música pop, aunque en los últimos años tendió a ceñirse a los estilos de jazz latino más antiguos que se conocieron popularmente como salsa. En 1982, empezó a grabar una serie de álbumes de jazz latino con octetos o grandes bandas para Concord Picante que le dieron una mayor exposición y respeto en el mundo del jazz.
Entre los congueros de las grandes ligas que tocaron con la banda de Puente en los años 50 se encontraban Mongo Santamaría, Willie Bobo, Johnny Pacheco y Ray Barretto, lo que dio lugar a algunos explosivos tiroteos de percusión. Puente no se encerró en un rincón de la música latina, sino que abarcó el jazz de grandes bandas (Puente Goes Jazz) y, en los años 60, temas de bossa nova, éxitos de Broadway, boogaloos y música pop, aunque en los últimos años tendió a ceñirse a los estilos de jazz latino más antiguos que se conocieron popularmente como salsa. En 1982, empezó a grabar una serie de álbumes de jazz latino con octetos o grandes bandas para Concord Picante que le dieron una mayor exposición y respeto en el mundo del jazz. 

Su álbum número 100. Puente, un infatigable visitante de los estudios de grabación, grabó su álbum número 100, The Mambo King, en 1991 en medio de mucha ceremonia y afecto (un concierto de música latina con todas las estrellas en el Universal Amphitheatre de Los Ángeles en marzo de 1992 conmemoró el hito), y siguió añadiendo más títulos a la cuenta durante los años 90. También apareció como invitado en innumerables álbumes a lo largo de los años, y estrellas del jazz como Phil Woods, George Shearing, James Moody, Dave Valentin y Terry Gibbs tocaron en los últimos álbumes del propio Puente. Apenas unos meses después de aceptar su quinto premio Grammy, murió el 1 de junio de 2000. Varios meses después, Puente fue reconocido en la primera edición de los premios Grammy Latinos, ganando el premio a la mejor interpretación tropical tradicional por Mambo Birdland._Richard S. Ginell (allmusic)

Walter Maynard Ferguson (Montreal, Quebec; 4 de mayo de 1928-Ventura, California; 23 de agosto de 2006) fue un trompetista y fliscornista canadiense de jazz.

Comenzó su carrera a los 13 años como solista en Canadá, llegando de muy joven a formar su propio grupo. Tocó con músicos de la talla de Dizzy Gillespie y Stan Kenton. Su fama se extendió al realizar la música de la película Rocky, «Ahora voy a volar (Gonna fly now», protagonizada por Sylvester Stallone. Por dicha canción fue nominado a los premios Grammy en 1978..._(wikipedia)

Tito Puente, el padrino del jazz latino, ha celebrado sus 50 años en la música con este CD candente. "Be-Bop" se lanza con un duelo entre los trompetistas Bobby Shew y Maynard Ferguson. El infravalorado saxofonista alto Bobby Porcelli y el tenor Mario Rivera hacen que esta versión de "Stablemates" sea un éxito. La rara vez escuchada "Venus De Milo" se revive con un cálido homenaje al compositor Gerry Mulligan por parte del saxofonista barítono Mitch Forman. Special Delivery es jazz latino de banda grande en su máxima expresión._Ken Dryden (allmusic)

                                                                           

                                                                                  

Tito Puente & Maynard Ferguson - Special Delivery (1996)

Temas:

01. Be-Bop (Dizzy Gillespie) 

02. Misterioso (Thelonious Monk) 

03. Point East Memories (Mitch Frohman) 

04. Stablemates (Benny Golson) 

05. On Green Dolphin Street (Bronislaw Kaper, Ned Washington)  

06. Autumn in Rome (Vernon Duke) 

07. Venus de Milo (Gerry Mulligan) 

08. Tito's Colada (Tito Puente) 

09. Barbara (Horace Silver) 

10. Where You At? (Horace Silver) 

11. Flying Home (Benny Goodman, Lionel Hampton, Sydney Robin) 

Musicos:

Tito Puente (Percusión, timbales, vibráfono en "Point East Memories & "Autumn In Rome", marimba en "Tito's Colada")

Ray Vega (Trompeta)

Jhon Walsh (Trompeta)

Michael Philip Mossman (Trompeta, Trombón)

Wayne Bergeron (Trompeta en "Be-Bop" y "On Green Dolphin Street")

Bobby Shew (Trompeta en "Be-Bop" y "On Green Dolphin Street")

Jorge Reynaldo (Trombón)

Lewis Kahn (Trombón) 

Tom Garling (Trombón on "Be-Bop" & "On Green Dolphin Street")

Mario Rivera (Saxo tenor y soprano, flauta, flautín)

Bobby Pporcelli (Saxo alto)

Mitch Frohman (Saxo barítono) 

Don Menza (Saxo tenor en "Be Sop" y "On Green Dolphin Street")

José Madera (Percusión) 

John Rodriguez (Percusión) 

Jimmy Delgado (Percusión)

Louis Bauzó (Percusión)

Sonny Bravo (Piano, excepto en "Misterioso" & "Point East Memories")

Rubén Rodríguez (Bajo)

Musicos invitados: 

Maynard Ferguson (Trompeta en "Be-Bop", "On Green Dolphin Street, "Fiying Home", más fliscorno en "On Green Dolphin Street)

Hilton Ruiz (Piano en "Misterioso & "Point East Memories") 

Mario Kaona - Jazz Montuno

Jorge Mario Vanegas, más conocido en el ambiente artístico como "Mario Kaona" nacido en Medellín - Colombia, es un percusionista es uno de los percusionistas colombianos con mayor proyección en el género del jazz latino; Se caracteriza por hacer de sus obras, un mar de sensaciones distintas y cargadas de sabor latino para el disfrute de su público.
A partir de una de las formas musicales más importantes en la época actual como es el jazz, de su influencia sobre otros géneros musicales y de la libertad que este le permite a los músicos que lo interpretan, se da origen en la ciudad de Medellín a la Sursidejazz Ensamble, un agrupación de jóvenes músicos que desde hace tiempo vienen experimentando con el jazz y con las opciones, muy diversas por cierto, que el género ofrece. Además de conformar a la Sursidejazz, sus miembros han integrado diferentes agrupaciones de jazz y música latina en la ciudad. El amplio repertorio de la banda habla por si mismo, desde los eternos clásicos y famosos standars del jazz hasta sus propias composiciones que acogen sonoridades del jazz latino y la descarga, el swing, el bolero, la salsa y la música brasilera.

Kaona ha hecho estudios profundos en percusión de ritmos latinos y colombianos, enfocando sus trabajos musicales al ritmo del jazz latino, destacándose por participar en diferentes talleres en los cuales demuestra sus conocimientos en relación con la medida y la integración de la percusión con los demás instrumentos de la orquesta. Como percusionista ha participado en destacados grupos a alto nivel como: El Frente Cuarteto de la Universidad EAFIT, grupo Kimbala enfocado en explorar ritmos del litoral pacífico, La Torre, grupo Los Gaiteros de San Jacinto, entre otros, además de acompañar al percusionista venezolano Gerardo Rosales. 

Ha formado grupos como Mario Kaona y su latín jazz, orquesta con quien ha sido mayormente reconocido en donde desarrolla un estilo bastante contemporáneo pero con el toque inigualable de su percusión. Precisamente en este año, 2009, se presento con éxito en el Festival de Medellín de Jazz con soneros legendarios como Orestes Vilató y el gran Yomo Toro, además posteriormente compartió escenario con el genio de la flauta “Dave Valentin”; también en el año 2008 tocó en las ferias de Cali y de Manizales con actuación destacada y el reconocimiento del publico.

                                                                           

                                                                                   

Mario Kaona - Jazz Montuno (2011)

Temas:

01. Las Guajiritas

02. Mambo Gallego

03. Del Monte

04. Kaoniando

05. Punto y Coma Na Ma

06. Montuno Son

07. Milestones

Musicos:

Mario Kaona (Percusión lider, congas, timbal, marimba, bongo, campana, maracas , güiro, Piano / tema:  "Punto Y Coma Na' Ma")

Andrés Ríos ( Piano / temas: "Milestones", "Las Guajiritas")

Fernando Chica (Piano / temas: "Kaoniando",  "Mambo Gallego")

Jairo Correa (Piano / temas: "Montuno Son", "Del Monte")

Carlos Julio Arboleda "cheveroni" (Bajo)

Juan Pablo Castaño (Trompeta)

Juan Guillermo Giraldo "el Fabu" (Trompeta)

Jorge Gaviria (Trompeta, improvisación en tema: "Del Monte")

Humbertico Arias (Saxo tenor)

Geremy Gaviria (Saxo barítono)

Edward Montoya "timi" (Trombón)

Alexis Gaviria "el jilguero" (Flauta)

Mauricio López (Guitarra eléctrica)

Lucho Flórez, Tico Bermúdez, Diego Mauricio Benjumea (Coros)

Cantantes invitados: 

Lucho Flórez canta "Montuno Son", Tico Bermúdez canta "Del Monte")

Triste - Cal Tjader - Tributo (1998)

"Triste" Cal Tjader - Tributo (1998) 

Músicos:

Dave Samuels (Vibes, marimba)

Alain Mallet (Piano, teclados)

Dave Valentin (Flauta, percusiones)

Robbie Ameen (batería)

Jose Santiago (Bajo)

Paoli Ramos (Congas)

Callen Radcliffe Tjader, hijo (San Luis, Misuri, Estados Unidos, 16 de julio de 1925 - Manila, Filipinas, 5 de mayo de 1982), conocido como Cal Tjader, fue un vibrafonista y compositor estadounidense que llegó a ser el más famoso líder de una banda de jazz afrocubano que no era de origen latino. Intérprete inicialmente de bop y de cool, su evolución musical lo llevó a especializarse en la fusión del jazz con la música cubana. Tocaba también la batería y los bongóes. De origen sueco, e hijo de un director musical y productor de vodevil y de una pianista, Tjader creció en medio de un ambiente musical y teatral, llegando a recibir clases de baile durante un breve periodo de tiempo. Estudió en el San Francisco State College, donde se inició en el estudio de la batería bajo la supervisión de Walter Lawrence. A finales de los años 40 empezó a tocar la batería en pequeños grupos musicales de California. Inmediatamente, pasó a formar parte del trío de Dave Brubeck, con quien grabó varios discos, como batería (1949-1951). En 1953 se unió al grupo de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Aunque su estancia con el pianista ciego no duró mucho, fue precisamente durante su estancia en el grupo cuando Tjader se enamoró de la música latina. Cuando dejó este conjunto, al año siguiente, formó su propia banda, que precisamente enfatizó el elemento latino, aunque también tocaba jazz tradicional. Tjader

grabó una serie de álbumes, principalmente de jazz afrocubano, para Fantasy desde mitad de los 50 hasta principios de los 60, cuando cambió a Verve. Ahí, bajo la dirección de Creed Taylor, expandió su paleta estilística y tuvo la oportunidad de colaborar con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. Durante ese tiempo tuvo un éxito en las listas con "Soul Sauce", una versión del tema de Dizzy Gillespie y Chano Pozo "Guachi guaro" y grabó uno de sus mejores álbumes, Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brasil (1962). En 1968 creó, junto a Gábor Szabó y Gary McFarland, el sello Skye Records, un proyecto que solo duró dos años. Tjader regresó a Fantasy en los 70, compañía con la que grabó otro de sus mejores discos, Tambu (1973), en colaboración con el guitarrista acústico Charlie Byrd, llamado el embajador de la música brasileña en Estados Unidos y que en esta ocasión tocó excepcionalmente la guitarra eléctrica. En 1979 volvió a cambiar de compañía, en este caso a Concord, en la que permaneció hasta su muerte. Otros músicos con los que trabajó fueron Eddie Palmieri, Vince Guaraldi, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae y Airto Moreira, entre otros.

Michele Rosewoman's New Yor-Uba, 30 Years! A Musical Celebration of Cuba in America

New Yor-Uba celebra 30 años con su grabación debut en 2013 y el lanzamiento de un CD el 10 de septiembre de 2013. Con la participación de Pedrito Martínez en la voz principal, esta grabación captura y representa un nuevo capítulo en la extensa e impresionante historia del innovador conjunto. Una celebración musical de Cuba en América Un viaje musical dinámico que abarca la antigua cultura Yoruba de Nigeria Rindiendo homenaje a sus manifestaciones contemporáneas vivas. La reconocida pianista y compositora Michele Rosewoman presenta New Yor-Uba: A Musical Celebration of Cuba in America , con compañeros maestros del mundo del jazz contemporáneo y la música folclórica cubana.

El nombre “New Yor-Uba” refleja la progresión de la música del antiguo pueblo Yoruba de Nigeria, a través de Cuba hasta la actual Nueva York. Los metales, los saxofones y una sección rítmica complementan los elementos cubanos clave, incluidos tres bateristas de bata y conga, voces tradicionales y danza. New Yor-Uba saluda a los Orishas (deidades Yoruban) en un escenario de jazz contemporáneo con un repertorio distintivo que presenta las composiciones originales de Rosewoman y arreglos visionarios de cantos (cantos) Yoruba (Nigeria) y Arara (Dahomey) centenarios.
La inmersión de toda la vida de la Sra. Rosewoman en ambas tradiciones llevó a la formación de New Yor-Uba. Su interés por la música cubana nació en un hogar lleno de música y arte. Expuesta en sus primeros años a las grandes tradiciones del jazz y a la música de base espiritual de todo el mundo, comenzó a tocar el piano a los 6 años. Al final de su adolescencia, comenzó a tocar congas y percusión, estudiando la batería africana y las tradiciones vocales, específicamente. Formas cubanas y haitianas, con énfasis en los aspectos espirituales y ritualizados de la música. Estas primeras exploraciones impactarían profundamente la dirección musical de Rosewoman con una influencia generalizada en la formación de su sonido como pianista y compositora. Se le atribuye el mérito de ser una de las primeras en unir la música folclórica cubana con un concepto de jazz completamente contemporáneo para una síntesis sin concesiones de estos dos profundos idiomas musicales.
Al llegar a Nueva York en 1978, Rosewoman continuó alimentando su trabajo colaborativo con

varias iluminaciones de jazz y también comenzó a tocar con bandas de baile cubanas. Pronto formó una importante asociación con el fallecido maestro baterista y vocalista cubano Orlando “Puntilla” Ríos. Un depositario de la tradición, fue mentor y miembro de su conjunto New Yor-Uba ; y, desde sus inicios, proporcionó a Rosewoman una valiosa fuente orgánica que tomó forma a través de su visión y que continúa evolucionando.
El apoyo inicial del National Endowment for the Arts facilitó el estreno de Michele Rosewoman del conjunto pionero de 14 piezas con la difunta 'Puntilla', en el Teatro Público de Joseph Papp en la ciudad de Nueva York. El debut con entradas agotadas del conjunto en 1983 marcó el surgimiento de una nueva voz importante y el programa recibió críticas entusiastas en el New York Times y The Village Voice.
Desde entonces, New Yor-Uba se ha presentado en los principales festivales y lugares de Europa y Estados Unidos. La Sra. Rosewoman también fue una de las primeras en traer una forma pura de folclore cubano a los clubes de jazz de la ciudad de Nueva York.

Con una historia de 30 años, el concepto y el sonido de New Yor-Uba siguen siendo increíblemente vitales. Ahora, un conjunto de 11 piezas, Rosewoman continúa mejorando el repertorio del conjunto con nueva música y personal, inspirándola aún más a reflexionar y explorar los vínculos entre estas profundas tradiciones musicales. Michele Rosewoman ha actuado con muchos grandes del jazz y la música latina, incluidos, en el género de la música latina, la fallecida Celia Cruz, Paquito D'Rivera, Andy Gonzales, Roberto Borrell, Daniel Ponce, Chocolate, Nicky Marrero Dave Valentin y Nueva Generac de Puntilla. New Yor-Uba rinde homenaje a las contribuciones y legado del maestro folclorista Orlando “Puntilla” Ríos._(latinjazznet)

                                                                                      

                                                                                 

Michele Rosewoman's New Yor-Uba, 30 Years! A Musical Celebration of Cuba in America (2013)

Temas:

Disco 1:

01. Divine Passage (Eleggua) "Paseo Divino"

02. Dance for Agayu 

03. Natural Light (Obatala) "La Luz Natural" 

04. Por Ahora y Para Siempre "For Now and Foerever"

05. Vamp for Ochun 

06. Old Calabar (Abakuá)

07. Rezo a Ochun  "Player for Ochun"

Disco 2:

01. In Praise of Spiritual Guides (Eggun) "Elogio de las Guias Espirituales"

02. Perdon  (Rumba)

03. Obalube (Chango)

04. Where Water Meets Sky (Yemaya) "Donde Agua Resuelve el Cielo"

05. Agua Dulce del Bosque (Ochun) "Sweet Forest Water"

06. Warrior (Ochisi) "Gerrero"

07. Earth Secrets (Babaluaye) Secretos de la Tierra"

Musicos:

Michele Rosewoman (Piano, Rhodes, voz)

Freddie Hendrix (Trompeta, flugelhorn)

Oliver Lake (Saxo soprano y alto, flauta)

Mike Lee (Saxo tenor, flauta)

Vincent Gardner (Trombón)

Howard Johnson (Saxo barítono, Tuba)

Yunior Terry (Bajo acústico)

Adam Cruz (Batería)

Pedrito Martinez (Voz principal, bata, congas)

Roman Diaz (Bata, congas, voz principal /tema 5)

Abraham Rodríguez (Bata, /disc: temas 1.3.4 /disc2: temas 1.6, voz, clave  )

Daniel Carbonell (Bata, /disc: temas 2.5 / disc2: temas 3.4.5, shaker)

Nina Rodriguez (Voces adicionales /disc: temas 1.3.5 / disc2: temas 1.3.4.6.7)

Chanell Crichlow (Tuba adicional /Disc2: tema4)

Mambo Sentimenlal - Cal Tjader - Tributo (1998)

"Mambo Sentimenlal" Cal Tjader - Tributo (1998) 

Músicos: 

Dave Samuels (Vibes, marimba)

Eddie Palmieri (Piano, teclados)

Dave Valentin (Flauta, percusiones)

Robbie Ameen (Batería)

Jose Santiago (Bajo)

Paoli Ramos (Congas) 

Callen Radcliffe Tjader, hijo (San Luis, Misuri, Estados Unidos, 16 de julio de 1925 - Manila, Filipinas, 5 de mayo de 1982), conocido como Cal Tjader, fue un vibrafonista y compositor estadounidense que llegó a ser el más famoso líder de una banda de jazz afrocubano que no era de origen latino. Intérprete inicialmente de bop y de cool, su evolución musical lo llevó a especializarse en la fusión del jazz con la música cubana. Tocaba también la batería y los bongóes. De origen sueco, e hijo de un director musical y productor de vodevil y de una pianista, Tjader creció en medio de un ambiente musical y teatral, llegando a recibir clases de baile durante un breve periodo de tiempo. Estudió en el San Francisco State College, donde se inició en el estudio de la batería bajo la supervisión de Walter Lawrence. A finales de los años 40 empezó a tocar la batería en pequeños grupos musicales de California. Inmediatamente, pasó a formar parte del trío de Dave Brubeck, con quien grabó varios discos, como batería (1949-1951). En 1953 se unió al grupo de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Aunque su estancia con el pianista ciego no duró mucho, fue precisamente durante su estancia en el grupo cuando Tjader se enamoró de la música latina. Cuando dejó este conjunto, al año siguiente, formó su propia banda, que precisamente enfatizó el elemento latino, aunque también tocaba jazz tradicional.

Tjader grabó una serie de álbumes, principalmente de jazz afrocubano, para Fantasy desde mitad de los 50 hasta principios de los 60, cuando cambió a Verve. Ahí, bajo la dirección de Creed Taylor, expandió su paleta estilística y tuvo la oportunidad de colaborar con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. Durante ese tiempo tuvo un éxito en las listas con "Soul Sauce", una versión del tema de Dizzy Gillespie y Chano Pozo "Guachi guaro" y grabó uno de sus mejores álbumes, Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brasil (1962). En 1968 creó, junto a Gábor Szabó y Gary McFarland, el sello Skye Records, un proyecto que solo duró dos años. Tjader regresó a Fantasy en los 70, compañía con la que grabó otro de sus mejores discos, Tambu (1973), en colaboración con el guitarrista acústico Charlie Byrd, llamado el embajador de la música brasileña en Estados Unidos y que en esta ocasión tocó excepcionalmente la guitarra eléctrica. En 1979 volvió a cambiar de compañía, en este caso a Concord, en la que permaneció hasta su muerte. Otros músicos con los que trabajó fueron Eddie Palmieri, Vince Guaraldi, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae y Airto Moreira, entre otros.

Miguel de Armas Quartet - Continuous

Miguel De Armas es un pianista y compositor de jazz polivalente. Teje hilos de influencias del jazz cubano y estadounidense de una manera irresistiblemente ecléctica. Nacido en La Habana, Cuba, Miguel estudió en el Conservatorio Amadeo Roldan y se graduó del Instituto Superior de Arte con una licenciatura en Percusión Cubana. En 1988 cofundó la aclamada banda cubana NG La Banda Orchestra con José Luis Cortés y otros prestigiosos músicos cubanos. Durante más de una década, realizó giras con esta banda por todo el mundo y actuó en Festivales de Jazz de talla mundial como el Mar del Norte, Montreaux, Niza, Nantes, Normandia, Couleur Café, Barranquijazz, Festival de Cine de Río de Janeiro, entre otros. Ivan Lins, Clark Terry, Tania Maria, Chico Freeman, Dave Valentin, Sammy Figueroa, Robbie Ammen, Gilberto Gil, Ermeto Pascual. Ahora Miguel ha traído su talento musical a la ciudad de Ottawa, Canadá, a la que considera su hogar adoptivo. Su esperanza es presentar a los canadienses las obras de un talento cubano original cuyas actuaciones son nada menos que una clase magistral de ritmos originales del jazz cubano._ (migueldearmas)

El pianista cubano de renombre internacional Miguel de Armas se mudó a Canadá en 2011, trayendo consigo una herencia musical rica y sofisticada recopilada durante muchos años de estudio, interpretación y composición. Como cofundador de N.G. La Banda, una de las bandas de timba más legendarias de Cuba, de Armas llenó las salas de conciertos de todo el mundo. Bajo el liderazgo de De Armas, y con Marc Decho en el bajo, Michel Medrano en la batería y Diomer González en las congas, se creó el Cuarteto Miguel de Armas en 2013. Desde entonces, han sacudido a la Región de la Capital Nacional con su asombrosa musicalidad y emoción. fusión de Jazz y música afrocubana. Con Continuous, de Armas revela su corazón y su alma. Es un álbum ecléctico, inventivo y verdaderamente global que demuestra la versatilidad de De Armas no solo como intérprete sino también como compositor. Estas canciones que desafían los límites desafían la categorización, con la rica sensación melódica y rítmica del songo, la fusión de la música afrocubana con el pop, el jazz latino, el calipso y las influencias clásicas. Continuous representa la continuación del viaje musical de De Armas que comenzó hace casi una década cuando se mudó a Canadá. Este álbum es una colección convincente de canciones sobre el amor, la inmigración, los largos inviernos y cómo ser feliz durante todo el proceso. De Armas es un narrador de historias y su medio es su música._ Ernesto Cervini (Orange Grove Publicity)           

                                      

Miguel de Armas Quartet - Continuous (2021) (Edición Promocional)

Temas:

01. Continuous 

02. Couscous 

03. Angelique  

04. Welcome Back from Varadero  

05. Muñuñi 

06. Eva Luna  

07. Song for Bebo 

08. It Meant Something Else 

09. Gone Too Soon  

Musicos:

Miguel de Armas (Piano, Teclados, Composiciones)

Marc Decho (Bajo)

Michel Medrano Brindis (Batería)

Diomer González (Congas)

Incluye:

Yasmina Proveyer (Voz / tm.1)

Roberto Riverón (Bajo / tm.1, 3)

Elmer Ferrer (Guitarra / tm.3)

Petr Cancura (Saxo tenor / tm.5)

Elizabeth Rodríguez (Violín / tm.6)

Gabriela Ruiz (Violonchelo / tm.6)

René Lavoie (Flauta / tm.7)

Tyler Harris (Saxo alto / tm. (8)

José Alberto Alvarez Batista (Güiro / tm.1)

Yaima Caballero (Güiro / tm.7)

Con invitados especiales:

Samuel Formell (Los Van Van) (Batería, Timbales / tm.1)

Joel Cuesta (Los Van Van) (Congas / tm.1)

Eliel Lazo (Congas / tm.4)

Todos los temas de Miguel de Armas, excepto  tema 7 de Marc Decho

Disponibles en plataformas digitales 

Emilio Morales - Con-cierto Tumbao

                                                                         

Emilio Morales. Graduado de nivel medio superior en la Especialidad de piano como profesor einstrumentista en la Escuela Nacional de Arte Cubana (1977). Ha desempeñado trabajos artísticos con las mejores agrupaciones bailables de Cuba como Opus 13 y NG La Banda, compartiendo escenario con músicos como Chucho Valdés, Giraldo Piloto, Dave Valentin, Omara Portuondo, entre otros.Su participación en grabaciones discográficas incluye artistas cubanos y extranjeros para diferentes firmas, entre ellas francesas e inglesas. Ha participado con diferentes formatos instrumentistas en festivales y conciertos de Jazz en países como USA, Canadá, Francia, Japón, Brasil, Holanda, México, Argentina, Perú, entre otros. Trabajó con el grupo acompañante de Omara Portuondo bajo el catálogo del Buena Vista Social Club, en estos momentos es artista invitado del proyecto cubano Café Vista Alegre que dirige el gran tresero Pancho Amat, además de tener su propia agrupación Los Nuevos Amigos con quien recientemente grabó su disco titulado “Con-cierto Tumbao, el cual fue multipremiado en el Cubadisco del 2010, y recientemente concluyó su segundo CD en vías de impresión, titulado Piano a la Carta, este también fue nominado para premio en el cubadisco del 2011, ha participado en encuentros culturales con músicos como Geovanni Hidalgo, Rubén Rodríguez, Boby Allende, en los EEUU, he impartido clases magistrales de la música cubana yactualmente es parte del claustro de profesores de la Escuela Nacional de Arte Cubana en la cátedra de piano. 

Además ha participado en clases magistrales sobre el piano en la música popular cubana en países como Francia, estados unidos, Dinamarca Italia, entre otros, convocado por diferentes instituciones artísticas. Ha desarrollado conciertos invitado por el Museo del Jazz de Nueva York, donde ha compartido escenario con Mikie Marrero, Nelson González, y ha tocado y arreglado para las bandas de Tito Puentes y Machito en conciertos de homenajes a estos. En Colombia he participado en dos ocasiones en el BarrinquiJazz tanto con su grupo, como un todo estrellas. Toca en diferentes conciertos y presentaciones artísticas en Cuba convocados por el ISA la ENA, Mincult, Artex, entre otros. Profesor de piano de la Escuela Nacional de Música, tanto clásico como popular y jazz, con discípulos nacionales y extranjeros. En los últimos tres años ha asistido a los Estados Unidos invitado por el Museo del Jazz en el  Bronx, compartiendo escenarios con Eddie Palmieri, Giovanni Hidalgo, Rubén Rodríguez, Nicky Marrero, Bobbie Allende, También ha realizado actuaciones con la Orquesta de Tito Puente y la Orquesta de Machito. Está en espera de que salga su segundo CD, titulado Piano a la Carta, grabado en los estudios Abdala._ (musicaliaonline)

El pianista cubano Emilio Morales debutó con la grabacion del CD Con Cierto Tumbao para elsello Colibrí. Morales Ruiz, quien integró el grupo Opus 13, fue pianista de Paublo FG y su Elite, NG La Banda y Havana Esemble entre otros. Con Cierto Tumbao, incluye cuatro piezas escritas por el pianista camagüeyano, asi como otros clásicos del cancionero cubano. Tata Guinness, un cha cha chá dedicado a este gran percusionista cubano, escrito por Morales, abre el álbum. Drume Negrita (Eliseo Grenet) es una pieza deliciosa con un contrabajo embrujador ejecutado por Fabian García, un solo de piano del mismo Morales y cerrando con un solo de timbales de Emilio del Monte. Siempre te Vas En Las Tardes, de Eduardo Ramos destaca a la vocalista Sory Pérez. La pieza que le da nombre al disco es un mambo en donde participa el invitado especial Yasek Manzano en la trompeta. Martha, de la autoría de Morales, es un danzón-cha mientras que Las Perlas De Tu Boca, otra de Grenet, invita de nuevo a Sory. Emiliango es un changüi que invita a Emilio Vega en la parte vocal._ (artexmall)

                                                                  

                                                                                

Emilio Morales - Con-cierto Tumbao (2010)

Temas:

01. Tata Guinness

02. Drume Negrita

03. Siempre Te Vas En Las Tardes

04. Con-cierto Tumbao

05. Los Tres Golpes

06. Martha

07. El Manisero

08. Las Perlas De Tu Boca

09. Mi Mejor Cancion

10. Nica´s Dream

11. Emiliango

Musicos:

Emilio Morales (Piano)

Fabián García (Contrabajo)

Omar Gonzalez (Contrabajo)

Emilio del Monte (Timbales)

Emilio del Monte Jr (Tumbadoras, Botija, Bongó, Marimbula)

Enrique Lazaga (Güiros

Yasek Manzano (Trompeta)

Marlon Simon And The Nagual Spirits - The Music of Marlon Simon And The Nagual Spirits

                                                                    

Marlon Simon Uno de los principales exponentes del Latin Jazz en la actualidad ... Educador, Percusionista, Compositor Marlon Simon nació en el pequeño pueblo de Cardon Venezuela. Su primer contacto con la música, a la edad de 10 años a través de su padre que engendró cantante y guitarrista. En su tierra natal, Marlon aprendió los rudimentos de la música latina de baile por su cuenta. Cuando tenía 18 años, Simon había organizado su propia banda y había comenzado a actuar localmente en conciertos y clubes, a menudo abriendo para grandes actos nacionales. Posteriormente se interesó por el Jazz y la música de origen africano. Llegó a los Estados Unidos en 1987 y comenzó sus estudios formales de batería en la Universidad de las Artes en Filadelfia en 1989, luego obtuvo su licenciatura en Jazz y Música Contemporánea de la New School for Social Research. Durante sus estudios, el Sr. Simon trabajó localmente en la ciudad durante muchos años desarrollando su estilo único y ganándose el respeto de destacados músicos latinos y de jazz. Como baterista y percusionista, trabajó con luminarias como Hilton Ruiz, Dave Valentin, Jerry Gonzalez, Charles Fambrough, Bobby Watson y Chucho Valdez, por mencionar algunos.Después de varios años, formó su propio conjunto de jazz latino, Marlon Simon and the

Nagual Spirits. Con su propio grupo, Marlon tuvo la oportunidad de mostrar su talento como compositor y baterista definiendo un enfoque distinto al Latin Jazz. Desde entonces, Simon ha lanzado cinco grabaciones: The Music of Marlon Simon para K-Jazz Records (1999), Rumba a la Patato para Ubiquity (Cubop) Records (2000) "Live in Bolivia" para Intrigue Records (2004), En caso de que te perdieras it, (2012) Jazz heads, The French Venezuelan project, (2010), Chantilly Records y Marlon Simon French Latin Jazz project._ (allaboutjazz)

Después de varios años en la lista corta de acompañantes del jazz latino de Nueva York, el baterista / percusionista venezolano Marlon Simon estaba muy retrasado para un proyecto en solitario. Su debut como líder, con The Nagual Spirits, la música de Marlon Simon presenta no solo la musicalidad innovadora y creativa de Marlon Simon, sino también la de sus compañeros jazzistas latinos de "primera llamada". Los créditos incluyen al reconocido líder de la banda de Fort Apache, Jerry González en las congas, el saxofonista tenor John Stubblefield, el trompetista Brian Lynch, el bajista John Benitez y el hermano de Simon, Edward, al piano. La mayoría de los jugadores que aportan su

considerable talento son líderes de orquesta distinguidos por derecho propio, y su pedigrí se destaca. Simon hace un trabajo fantástico al presentar ritmos e ideas de todos los rincones de la tradición afrolatina. En cada esquina, hay un nuevo estilo y un nuevo idioma, a la vez raro y hermoso. La producción es tan extraordinariamente buena como las actuaciones. Marlon Simon and the Nagual Spirits muestran un gusto y madurez exquisitos. Si bien Music of Marlon Simon puede ser uno de los lanzamientos más subestimados de la década, no podría ser lo suficientemente recomendado._Evan C. Gutierrez (allmusic)

Marlon Simon And The Nagual Spirits - The Music of Marlon Simon And The Nagual Spirits (1998)

Temas:

01. Para Pucho

02. Little Stars

03. Mi Niña (feat. John Benítez)

04. Root Medley (feat. Brian Lynch)

05. Dance of the Infidels (feat. Edward Simon)

06. Remembrance (feat. John Stubblefield)

07. Como Fué

08. Blues pa' Changuito

09. Hard Times with Nena (feat. Bobby Watson)

10. Heidi (feat. Jerry González)

Musicos:

Marlon Simon (Batería 1 - 8, 10, bàtá 2, 4, 10, timbales 1, 5, 6, 8, 10 y percusión 2, 3, 5 - 10)

Bobby Watson (Saxo alto 1 - 4, 6, 8, 10 y saxo soprano 9)

John Stubblefield (Saxo tenor 2, 3, 6, 8)

Brian Lynch (Trompeta 1, 10 y fliscorno 4)

Edward Simon (Piano)

Joe Santiago (Bajo 1, 4, 10)

John Benítez (Bajo 2, 3, 5 - 8, 10)

Wilson “Chembo” Corniel (Congas 1 y chekeré 4, 10)

Roberto Quintero (Congas 2, 3, 5-8)

Jerry González (Congas 10)

Joanna Marie (Voz 7)