Miguel Zenón - Música De Las Américas

Miguel Zenón (nacido el 30 de diciembre de 1976) es un saxofonista alto, compositor, director de banda, productor musical y educador puertorriqueño. Ganó un premio Grammy, recibió una beca Guggenheim, una beca MacArthur y un premio Doris Duke Artist. También posee un Doctorado Honoris Causa en Artes de la Universidad del Sagrado Corazón. Zenón ha lanzado numerosos álbumes como director de banda y ha participado en más de 100 grabaciones como acompañante..._ (wikipedia)
 

Con ‘Música de las Américas’ el saxofonista puertorriqueño Miguel Zenón ha hecho el que es su mejor disco hasta la fecha desde que debutó profesionalmente hace ahora veintidós años.

En este disco Zenón está acompañado del combo con el que lleva trabajando en los últimos trabajos, entre los que hay que destacar al pianista venezolano Luis Perdomo, a los que hay que añadir algún refuerzo de lujo a la percusión desde su natal isla de Puerto Rico.

‘Música de las Américas’ presenta un balance muy atractivo en los ocho temas del álbum entre el jazz latino más clásico junto a las formas más modernas de jazz, adentrándose si es necesario en las procelosas aguas del free (‘Venas abiertas’), así como en la música tradicional de su país de origen.

Las composiciones de Zenón quieren reflejar el dinamismo y la complejidad de las culturas indígenas de América (‘Taínos y caribes’, que abre el disco), así como sus encuentros con los europeos y las consecuentes implicaciones históricas resultantes, como por ejemplo ‘Imperios’.

Tal y como ha reconocido el propio Miguel Zenón, «la música del nuevo disco está inspirada en la historia del continente americano, no sólo antes de la colonización europea, sino también en lo que ha sucedido desde entonces».

‘Música de las Américas’ viene a ser una suerte de manifiesto de lo que Zenón considera su concepto de América como continente.

Esta nueva entrega discográfica de este saxofonista alto nacido en San Juan de Puerto Rico en 1976 se gestó durante la pandemia (¿se acuerda alguien que durante los años 2020 y 2021 hubo una pandemia originada en la República Popular China y que dejó miles de muertos?) y en su desarrollo tuvo una notable importancia el libro ‘Venas Abiertas’ del escritor uruguayo Eduardo Galeano, fallecido en 2015 y que fue una de las figuras más destacadas de la izquierda latinoamericana.

En definitiva ‘Música de Las Américas’ es el producto de la curiosidad intelectual de Zenón por conocer más de la historia de América (el continente) y plasmar esa historia en música._ (distritojazz)    

                                            

                                                                                      

Miguel Zenón - Música De Las Américas (2022)

Temas:

01. Tainos y Caribes

02. Navegando (Las Estrellas Nos Guían)

03. Opresión y Revolución

04. Imperios

05. Venas Abiertas

06. Bámbula

07. América, El Continente

08. Antillano

Musicos:

Miguel Zenón (Saxo alto)

Luis Perdomo (Piano)

Hans Glawischnig (Bajo)

Henry Cole (Batería)

Musicos Invitados:

Los Pleneros de La Cresta (Emil Martinez, Edwin "Wechin" Aviles, Joshuan Ocasio, Joseph Ocasio y Jeyluix Ocasio) (Panderos, percusión y voz en el #2)

Paoli Mejías (Percusión #3)

Víctor Emmanuelli (Barril de bomba #6)

Daniel Díaz (Congas #8)

Grabado en Big Orange Sheep, Brooklyn, Nueva York, del 21 al 22 de marzo de 2022

Xiomara Alfaro - In These I Believe (En Ellos Yo Creo)

Xiomara Alfaro (La Habana, 11 de mayo de 1930-Cabo Coral, 24 de junio de 2018) fue una cantante cubana de música popular que residió en Cabo Coral (Estados Unidos).
Xiomara Alfaro se inició en revistas musicales en los años 50 y en espectáculos de cabaré, actuó en Tropicana y realizó numerosos espectáculos en diversos países del mundo, editó más de 28 discos, algunos con la colaboración de Bebo Valdés y Ernesto Duarte Brito, entre otros. El bolero «Siboney» de Ernesto Lecuona fue muy popular en su voz y la interpretación que más le gustaba al autor. Casada con el pianista panameño Rafael Benítez, quien ha sido su arreglista y director de orquesta artístico colaborando en la grabación de sus discos. Participó en la película italiana Mambo con Silvana Mangano y Vittorio Gassman, dirigida por Robert Rossen en 1954, así como en la cinta mexicana Yambaó (1956), junto a las también cubanas Ninón Sevilla y Olga Guillot, dirigida por Alfredo B. Crevenna. 

Tuvo una destacada participación musical en una de las consideradas mejores películas chilenas de todos los tiempos, El Gran Circo Chamorro (1955).

Xiomara Alfaro marcó un estilo propio en la canción popular cubana, con su repertorio de boleros en su voz de soprano de coloratura de impresionantes agudos, artista contemporánea de Olga Guillot, Celia Cruz, Omara Portuondo e Yma Súmac._(wikipedia)

Este álbum esta compuesto, de canciones y plegarias, adaptadas por una descendiente de esclavos africanos en el Caribe. La música, ritual por naturaleza, comunica las creencias religiosas de la artista como les fueron enseñadas por sus antepasados. 

Las letras de las canciones que incluyen antiguos idiomas africanos, expresan vivamente la ferviente espiritualidad de Xiomara Alfaro. Las combinaciones de sonidos musicales, junto con la cruda energía y gran versatilidad de nuestra única Xiomara, nos ofrecen, una nueva forma de acercarnos a esta gran herencia cultural, que, aunque oprimida, ha estado siempre con nosotros. Estos rezos son dirigidos a las fuerzas vitales del Universo, para atraer a nuestros hogares su favor y buena voluntad._Rogelio Terán

                                                          

Xiomara Alfaro - In These I Believe (En Ellos Yo Creo) (1971, Zambia)

Temas:

01. Nana Burucu 

02. Iroco 

03. Ganga 

04. Mano Junta 

05. Dide 

06. Yenye  

07. Baba 

08. Afrekete 

09. Yombale 

10. Lumbe

Musicos:

Xiomara Alfaro (Voz, coros)

Ralph Benitz (Arreglos,  director, piano)

Cándido (Congas, coros)

Mauricio Smith (Flauta, saxo, voces)

Guillermo Edgehill (Bajo eléctrico)

Rogelio Terán (Vibes, batería, coros)

Poul Meztke (Guitarra)

Bud Shank / Clare Fischer / Joe Pass - Brasamba!

A estas alturas (enero de 1963) está claro que la Bossa Nova va a ser, o ya es, una moda musical en Estados Unidos. Como el twist (nacido en 1960, muerto en 1962) hace demasiado dinero para no ganar la clasificación de moda y como tal fenómeno para autodestruirse en pocos años como medio en Norteamérica de pura expresión musical. Sin embargo, la Bosa Nova es bastante diferente de la mayoría de los fenómenos que alcanzan el estatus de moda: tocada correctamente, requiere artistas talentosos, sensibles y capaces de entender sus reglas y raíces. Además, cuando se toca correctamente, se sostiene sobre dos patas extremadamente robustas: una de sutil emoción y otra de pura belleza musical, ambas intemporales. Por estas razones, la Bossa Nova seguirá atrayendo a músicos y oyentes de talento mucho después de que se haya consumido en los medios de la música popular. Y para nosotros, quizás un tercer punto sea aún más significativo. Los muchos jazzistas que se sintieron atraídos por la bossa nova mucho antes de que llegara al oído del público la asimilarán gradualmente en su personalidad musical y emocional y se enriquecerán artísticamente por ello. 
El saxofonista alto y flautista BUD SHANK, el pianista, compositor y arreglista CLARE FISCHER, el guitarrista JOE PASS, el baterista y vibraharpista LARRY BUNKER, el bajista RALPH PEÑA y los percusionistas MILT HOLLAND y CHUCK FLORES, los hombres en esta grabación, son todos músicos que han llegado lejos en hacer del lenguaje de la Bossa Nova una teoría propia y parte de su samba jazz (Bosa nova interpretada por jazzmen), desde su ascenso a la popularidad hace un año, Bud, por supuesto, se ha convertido en una personalidad en la historia de esta música debido a sus grabaciones de samba jazz de los años 1950 con el guitarrista Laurindo Almeida (World Pacific 1412, 1419, 1425), grabaciones que aparentemente fueron fundamentales en el desarrollo de la Bossa Nova en Brasil. Fischer, como he señalado anteriormente, ha tenido interés por la música latina desde hace mucho tiempo, ha liderado su propia banda de Bossa Nova, ha tocado y grabado en México y produjo un maravilloso álbum de música brasileña y mexicana con Cal Tjader. Por lo tanto, estos dos están eminentemente adaptados a la producción sensible y auténtica de la samba jazzística. Sin embargo, el guitarrista JOE PASS es harina de otro costal. Antes de estas grabaciones Pass nunca había tocado la Bossa Nova ni, que él supiera, había escuchado ninguna grabación de la misma. Sin embargo, antes de que la primera sesión apenas hubiera comenzado, Joe estaba dejando a todos boquiabiertos por la facilidad con la que abrazaba la música. Como Pass no había tenido la oportunidad de familiarizarse con los entresijos de la composición rítmica peculiar de la Bossa Nova, Fischer se reunió con él varias veces en el estudio y en su casa, mostrando a Joe las muchas variaciones que dan dinamismo e interés a las líneas del acompañante. 

La mayoría de las grabaciones de samba bossa nova-jazz producidas en este país han revelado una sorprendente falta de atención a la hora de conseguir esta variedad y, por lo tanto, han permanecido rítmicamente estrechas y rígidas en comparación con las grabaciones de esta música realizadas en Brasil, pero la soltura y el swing capturados por Pass y Fischer en estos esfuerzos no dejan nada que desear.
Para esta grabación se decidió que el tono general de la música sería más bajo que el producido por Fischer y Shank en su primera grabación (PJ-58). La presencia de la guitarra y el deseo de Bud de utilizar la flauta un poco más también hicieron que esto pareciera lógico. Además, en la primera grabación, Bud y Clare llegaban al estudio tras tocar jazz muy activamente en clubes, por lo que era quizás natural que la unión de la bossa nova y el jazz en esos primeros intentos fuera más abiertamente emotiva y, digamos, más jazzística que en las versiones actuales. En cualquier caso, aquí el sonido de alto de Shank es tan sutilmente ahumado como siempre lo fue en los años 50. Los solos de Fischer caen del teclado como una suave lluvia, y los trabajos de guitarra de Pass logran una belleza ingenua de forma y estructura en este estilo, como cabría esperar de su talentoso improvisador.
Dos selecciones aquí, sin embargo, representan cambios notables de ritmo con respecto a la suavidad que se asocia habitualmente con la bossa nova en este país. Los músicos familiarizados con la variedad de color y atmósfera que los músicos brasileños logran en la samba, se han mostrado cada vez más preocupados por el hecho de que la versión norteamericana se ha basado con demasiada frecuencia únicamente en las variantes suaves y delicadas de esta música.
Cualquiera que recuerde la música de la gran película brasileña Blak Orpheus recordará que, si bien toda la música de esa obra se clasificaba como samba (o bossa nova), alcanzaba una gama de expresión emocional casi tan amplia como era posible, desde la tranquilidad de una canción de cuna hasta los coloridos bailes callejeros, rebosantes de emoción libre (pero no dura ni caótica). Bud y Clare decidieron mostrar esta forma abierta y alegre de la samba en dos obras de estilo carnavalesco. Samba de Orpheu se presentó en Black Orpheus en una escena callejera.

La otra fue escrita por Shank. Los únicos instrumentos melódicos que se escuchan son la flauta de Shank y la guitarra de Pass. Fischer y Peña se unen a la sección de percusión, que incluye, a continuación, un conjunto habitual de tambores, pandereta, tom-toms, cabaça y campanas brasileñas. Estas pistas deberían disipar la idea de que los jazzistas que exploran la música brasileña no pueden encontrar un matiz emocional. Sin embargo, cabe destacar que una cierta ligereza o ligereza impregna estas selecciones. Como dice Fiscer: «La bossa nova y otras sambas pueden ser emocionantes, pero nunca son crudas, como puede serlo el jazz». Si bien creo que es importante tener presente al escuchar esta grabación que Bud Shank y Clare Fischer ocupan puestos de relevancia histórica en el desarrollo de la bossa nova en Estados Unidos, se encuentran, de forma más pertinente, entre sus intérpretes más lúcidos. Considero que BRASAMBA es, musicalmente, el álbum más importante de este movimiento producido hasta la fecha por jazzistas. El valor ISO debería sobrevivir con bastante facilidad a la avalancha de innumerables modas que están por venir._JohnWilliam  Hardy

                                                                           

                                                                     

Bud Shank / Clare Fischer / Joe Pass - Brasamba! (1963)

Temas:

01. Brasamba (Bud Shank)

02. Otem A Note (Clare Fischer)

03. Autumn Leaves (Jacques Prévert/Johnny Mercer/Joseph Kosma)

04. Sambinha (Bud Shank)

05. Gostoso (Clare Fischer)

06. If I Should Lose You (Leo Robin/Ralph Rainger)

07. Barquinho (Roberto Menescal/Ronaldo Boscoli)

08. Serenidade (Clare Fischer)

09. Elizete (Clare Fischer)

10. Samba De Orfeu (Antônio Maria/Luiz Bonfá)

Musicos:

Bud Shank (Saxo alto, flauta)

Larry Bunker (Vibráfono, batería)

Clare Fischer (Piano)

Joe Pass (Guitarra)

Ralph Peña (Bajo)

Chuck Flores, Milt Holland (Percusión) 

Falleció el músico José Luis Quintana "Changuito"

Falleció el músico José Luis Quintana "Changuito"

José Luis Quintana Fuentes, conocido artísticamente como Changuito (La Habana, 18 de enero de 1948 - La Habana, 6 de junio de 2025),​ fue un percusiónista cubano.
En 1970 empezó a tocar con Los Van Van y desarrollaron el songo que combina instrumentos de percusión (timbales, campanas, woodblocks, tambores electrónicas y címbalos) y tiene una técnica característica con las manos (La Mano Secreta).
Changuito ha sido profesor de famosos percusionistas como Giovanni Hidalgo, Ginaski Wop (músico italiano, integrante del proyecto Bardamu), Karl Perazzo (Santana), Karlos Marrufo y Patricio "el chino" Díaz...

Descansa en Paz Maestro. Gracias! José Luis Quintana (Changuito) por todo el legado que nos dejas, siempre estarás en nuestros corazones.

 

Daymé Arocena - One Takes

Daymé Arocena (nacida en enero de 1992) es una cantante de jazz afrocubana de La Habana, descrita como la "mejor cantante joven de Cuba". Ganó el Premio Juno de 2015 al mejor álbum de jazz como miembro de la banda de jazz Maqueque, junto a la canadiense Jane Bunnett.
Arocena figura en la lista de los 50 álbumes favoritos de 2015 de la Radio Pública Nacional (NPR) con su álbum Nueva Era. Al describir la voz de Arocena, el presentador de NPR, Félix Contreras, la describió como "una mezcla entre Celia Cruz y Aretha Franklin", y afirmó que su nombre "merece estar junto a esas dos voces legendarias".

Arocena comenzó a actuar de forma semiprofesional a los ocho años; a los 14, se convirtió en la cantante principal de la banda Los Primos. Es considerada un prodigio musical y es compositora, arreglista, directora de coro y líder de banda, además de cantante. Arocena es una firme creyente de la santería, una religión afrocaribeña basada en principios yoruba; para marcar su fe, frecuentemente actúa usando un turbante y vestida de blanco._(wikipedia)

La música siempre ha tenido una capacidad particular para alegrar la vida, ya sea mediante la elegancia de sonidos magistralmente arreglados o incluso la belleza de la portada de un álbum. La música, cuando es excelente, lleva tras de sí el diseño, la literatura, el lenguaje y muchas otras actividades humanas. El último EP de la cantante cubana Daymé Arocena, One Takes, es un ejemplo de un álbum capaz de animar a cualquier sociedad, ciudad o individuo, sumiéndolos en un viaje de placer, movimiento y contemplación. Con One Takes, ilustra sus singulares dotes vocales y el virtuosismo de su banda, dando testimonio de la apreciación de Arocena y su banda por la universalidad del arte, sin olvidar el arte de su propia tierra.
One Takes se compone de cinco versiones, con Arocena interpretando "Stuck" de Peven Everett, "Asking Eyes" de Rafaella Renzulli, "Gods Of Yoruba" de Horace Silver, "African Sunshine" de Eddie Gale y "El 456" de El Brito, además del tema original "Muy Cerquita de Ti". Algunas canciones tienen ritmos latinos bailables y otras son jazz. En "Muy Cerquita de Ti" se escucha una voz de alto que merece ser más conocida, al igual que todos los músicos de este álbum.

Si no se sabe o no se les dice que las canciones de One Takes son versiones, la mayoría de los oyentes probablemente asumirían que son composiciones originales. Así de bien han sido interpretadas. "African Sunshine" y "Gods of Yoruba", en particular, están increíblemente bien concebidas, pero "Muy Cerquita de Ti" es, sin duda, el punto culminante del álbum. Tras un increíble inicio de bajo, presenta trompetas, palmas y voces que entran y salen en una canción que uno desea que nunca termine. Es apropiado que la mejor canción de este álbum sea la más cercana, especialmente al compararla con las cosmopolitas versiones de Arocena de la música de otros. El primer cosmopolita oficial de la historia occidental fue Diógenes, conocido por la frase "Soy ciudadano del mundo", del cosmos. Creemos que Arocena expresa exactamente la misma frase cantando una canción italiana y una estadounidense. Cuando canta, la voz de Arocena nos ofrece más textura que cualquiera de los instrumentos, y eso es lo que hace brillar estas canciones. Por muy ligero que suene el piano o mágico que sea un platillo, la voz de Arocena nos cautiva como ningún otro instrumento hasta que volvemos a la instrumentación habitual. Los instrumentos tienen mucho más tiempo para actuar por sí solos que con Arocena, y la estrategia aquí es combinar unas pocas voces con una gran cantidad de instrumentos bien ejecutados.

Arocena y su banda poseen un talento excepcional, incluso en un mundo globalizado: la capacidad de dominar diversas composiciones. One Takes es un EP fenomenal. Sigamos su ejemplo y el de su banda y dejemos que el mundo entero entre en nuestras vidas, sin olvidar que cada uno de nosotros proviene de un hogar que merece expresarse con la complejidad suficiente para incluir instrumentos, canto y palmas._ Adolf Alzuphar (soundsandcolours)

                                                      

                                                                                        

Daymé Arocena - One Takes (2016 Brownswood)

Temas:

01. Gods of Yoruba (Escrito por Horace Silver)  

02. African Sunshine (Escrito porEddie Gale) 

03. El 456 (Escrito por Alfredo Brito, Julio Brito) 

04. Asking Eyes (Escrito porClaude Gouiffé, Raffaela Renzulli) 

05. Stuck (Escrito porPeven Everett) 

06. Muy cerquita de ti (Close to You) (feat. Jose Pilar, Jesus Dedeu, Luis Stock, Ruben Bulnes, Julio Padron) (Escrito por Burt Bacharach, Daymé Arocena, Hal David, Julio Padrón)

Musicos:

Dayme Arocena (Voz)

Jorge Luis Lagarza (Piano)

Gastón Joya (Contrabajo)

Ruly Herrera (Batería #1-5)

Yaroldy Abreu (Percusión #1-3,5)

Bárbaro Y. Crespo (Percusión #6)

Joel Bulnes (Percusión #6)

Lucumi (Percusión #6)

Ramón Tamayo (Percusión #6)

Yovani Diaz (Percusión #6)

Emir Santacruz (saxo tenor #1,3,5)

Carlos Miyares (saxo tenor#2)

Yoandy Argudin (Trombón #1-3,5)

Julio Padrón (Trompeta, voz #6)

Jesús Dedeu, Carlos Bravo, Luis Stock, Raysel Sotomayor, Yassel Sotomayor José Pilar, Ruben Bulnes (Voces #6)

Grabado en Egrem Studios, Havana

The Orchestra Soledad - Vamonos / Let's Go

Publicado originalmente en 1970 por el poco conocido sello de Chicago Futuro, Vamonos / Let's Go! es el primer y único álbum grabado por el grupo de salsa del barrio de Brooklyn The Orchestra Soledad. Liderada por el trombonista y cantante Héctor Ramos, la música de la Orquesta Soledad se caracteriza por sus descarados y enérgicos arreglos de salsa creados por el propio Ramos, que también compuso (o cocompuso) toda la música que aparece en el LP. Este

disco ultra raro llegó a la atención de BBE por cortesía de DJ Amir, que lo descubrió (junto con un trofeo de «batalla de bandas» que el grupo había ganado) en una tienda situada a sólo unas manzanas de la casa de Héctor Ramos en Bushwick. Inmediatamente cautivado por el impactante material gráfico y la increíble música, Amir incluyó el tema El Ritmo Soledad en su recopilatorio de BBE de 2016 Buena Música Y Cultura, un álbum que celebra la música latina de toda América. La Orquesta Soledad estaba formada por jóvenes talentos locales (tal vez héroes locales), todos soñando con la fama de las Fania All-Stars cuando entraron en el estudio, tristemente destinados a nunca «lograrlo». Sin embargo, este brillante álbum sigue siendo un testimonio duradero de su brillantez. Cruda, auténtica salsa callejera de los 70, todas las grabaciones incluidas en Vamonos/ Let's Go! tienen un marcado aire de directo, sin pulir, evocando todo el sudor y el drama de una calurosa noche de verano en los barrios de Sunset Park, Bushwick o Williamsburg en su día._(roughtrade)

                                                                                             

The Orchestra Soledad - Vamonos / Let's Go (1970, R.2017)

Temas:
01. El Ritmo Soledad (H. Ramos, W. Corridor)
02. I'll Make You A Queen (H. Ramos, R. Gonzalez)
03. Cuero (H. Ramos)
04. Vamonos / Let's Go (H. Ramos)
05. La Puerta Esta (H. Ramos, M. Fulu)
06. Problems (H. Ramos)
07. Just Like A Fool (H. Ramos)
08. Candela (H. Ramos)
09. Uptight (H. Ramos)

Musicos:
Hector Ramos (1º Trombón, voz, coros y arreglos)
Tony Torres (2º Trombón)
Miguel Fulu (Piano, órgano, voz)
William Corridor (Bajo, coros)
Raymond Gonzalez (Voz, coros)
Mike Kercado (Congas, batería)
Raul (Ray) Rosa (Timbales, coros)

Tito Rodriguez (Bongos)

Mike Curcado (Coros)