Bill O'Connell - Lost Voices

Veterano pianista de post-bop/latin jazz/hard bop de la ciudad de Nueva York, el Bill O'Connell que se perfila en esta biografía no debe confundirse con el baterista de swing/bop que ha dirigido la Chicago Skyliners Big Band en la Ciudad de los Vientos en los años 90 y 2000; tampoco debe confundirse con el director de rock Billy O'Connell, casado con la cantante y compositora Kristin Hersh (ex integrante del grupo de pop/rock alternativo Throwing Muses). El pianista O'Connell tiene su cuota de credenciales latinas; a lo largo de su trayectoria, ha tocado con la Fort Apache Band del trompetista neoyorquino Jerry González y se ha cruzado con el flautista Dave Valentín, el saxofonista tenor argentino Gato Barbieri y el difunto maestro de la percusión cubana Mongo Santamaría. Pero O'Connell no ha tocado exclusivamente jazz latino; los principales artistas no latinos que han empleado al pianista como acompañante a lo largo de los años incluyen, entre otros, al saxofonista tenor Sonny Rollins y al difunto trompetista Chet Baker.
Como pianista, O'Connell es conocido por un enfoque lírico que debe algo a Keith Jarrett, Bill Evans y Chick Corea, así como a Herbie Hancock. Pero hay que subrayar que O'Connell no es el tipo de jazzista que sólo se ve a sí mismo como solista; de hecho, sus álbumes han subrayado su talento como arreglista, director de banda y compositor. O'Connell puede, como decía Duke Ellington, utilizar su banda como instrumento. Una cosa que O'Connell probablemente nunca hará es convertirse en un pianista de trío a tiempo completo; tiene demasiada mentalidad de director de banda para eso. Y casualmente, la perspectiva de director de banda/arreglista es una cosa que tiene en común con el baterista de la Ciudad del Viento que ha encabezado la Chicago Skyliners Big Band, pero estilísticamente son dos artistas muy diferentes: ese Bill O'Connell ha sido muy influenciado por Buddy Rich y Gene Krupa y tiene muy presentes las grandes bandas de los años 30 y 40. El pianista O'Connell, por su parte, se inspira en gran medida en grandes músicos latinos como Mongo Santamaría, Tito Puente, Machito, Ray Barretto y Eddie Palmieri (todos ellos identificados con el jazz afrocubano y la salsa).
El pianista O'Connell nació en Nueva York el 22 de agosto de 1953 y creció en los suburbios de Port Washington, Long Island. Después del instituto, estudió piano clásico en el Oberlin College de Ohio, pero ha vivido en la zona de Nueva York la mayor parte de su vida. Como líder, O'Connell ha grabado esporádicamente a lo largo de los años. En 1978, grabó un LP titulado Searching para el pequeño sello Inner City, y 15 años después, en 1993, grabó Lost Voices para CTI Records de Creed Taylor (con el propio Taylor como productor). Después de eso, O'Connell no volvió a grabar como líder hasta principios de la década de 2000, cuando firmó con la discográfica independiente Random Chance Records (un pequeño sello con sede en Nueva York y aficionado al jazz y al blues). Black Sand, el primer álbum de O'Connell para Random Chance, salió en 2001; a ese disco le siguió Latin Jazz Fantasy, grabado en 2003 y publicado en 2004._Alex Henderson (allmusic) 

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Bill O'Connell - Lost Voices (1993)

Temas:

01. Lost Voices 

02. Yellowtail 

03. Good Enough Baker

04. Chega de Saudade (No More Blues) 

05. Costa Verde

06. Sidestep 

07. Sand Stones 

08. Sophie Rose 

09. In Time

Musicos:

Bill O'Connell (Piano, Sintetizador)

Charles Fambrough (Bajo)

Ricky Sebastian (Batería) 

Bashiri Johnson (Percusión /1-8)

Milton Cardona (Percusión /1&2)

Jay Rowe Piano (Sintetizador)

Naoya Matsuoka-Emerald

Con Emerald de 1997, Naoya Matsuoka conmemora su 45 aniversario como artista de jazz con un álbum totalmente acústico. Todos los nueve temas fueron compuestos por este músico japonés ejemplar, que confiere una exultación atractivo que mantiene la atención con la gracia y el ingenio sutil explícito. No sería demasiado descabellado suponer que esta exuberancia se deriva de la propia realización de Matsuoka que ha recorrido un largo camino, y este álbum en muchos aspectos exhibe su triunfo personal.  

La primera pista establece el motivo atmosférica para el resto del álbum, y con razón, ya que el álbum comparte el mismo nombre. Matsuoka demuestra su vitalidad innata, la organización de una alegre y atléticas catorce minutos y treinta y dos segundos canción que arrastra, trepa y giros. "The Profundo Mar "Profiere una disposición inversa a la" Esmeralda ", que ilustra Matsuoka en dos extremos diferentes del espectro. Esta pista se arrastra a lo largo de sinuosamente, exudando una ambivalencia simpático de la sensibilidad tranquila aparentemente embarazada con pasión apenas mantenido bajo control. La tercera pista "Cruzar el Atlántico" resulta ser un término medio entre los dos, la retención y la combinación de estas cualidades contrarias para producir una mezcla de inspiración latina.

"The Prime of Life" es verdaderamente excepcional, partiendo con un arreglo para piano un poco nostálgico, sin compañía que presta un delicado sentido de satisfacción y fantasía antes de lanzarse a una demostración palpable de la acertadamente titulado "The Prime of Life". A pesar de que todavía conserva el estado de ánimo establecido del piano inicial, el resto de la canción acentúa en sí continuamente con la incorporación de cada instrumento musical en la pieza. "Groovin’ High" ilustra menos influencia latina que sus compeers. Matsuoka puede haber tenido actuaciones del club de jazz en cuenta cuando se sentó a componer esta pieza fresca y encantadora, como la canción parece más apto para una baja iluminado salón. "Nuestra Fiesta" demuestra lo contrario, ya que su naturaleza con sabor latino parece más apropiado para balanceándose caderas y pasos programados. "Legend of Love" cierra el álbum con una nota más suave, lo que hace que sea aún más memorable.

Hay mucho por descubrir en Esmeralda de Naoya Matsuoka. Cualquiera que sea la ocasión, ya sea privado o público, solo o en compañía, este álbum será el marco para que la experiencia con garbo atrevido y sentido común._Thomas Joyce  (allaboutjazz)


Naoya Matsuoka-Emerald (1997)

Temas:
01.Emerald
02.The Deep Sea
03.Cross the Atlantic
04.The Prime of Life
05.Groovin' High
06.Messenger
07.Nuestra Fiesta
08.Django Bop
09.Legend of Love

Musicos:
Naoya Matsuoka: piano
Getao Takahashi: bass
Akira Sotoyama: drums
Rie Akagi: flute
Koichi Suzuki: trumpet
Shigeharu Mukai: trombone
Hidefumi Toki: saxophone
Tatsuya Sato: saxophone
Hitoshi Hamada: vibraphone

Eric Chacón - Choroní

Eric Chacón Sánchez es un joven flautista venezolano que comienza sus estudios musicales a temprana edad en la Orquesta Juvenil del núcleo La Rinconada, Caracas, parte constitutiva del Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, con el profesor Pedro Aponte. En su seno,  ejecutaría  el  Concierto  en Re  mayor  de  Mozart  con  apenas  13 años de edad. Luego, ingresa al Conservatorio Simón Bolívar y estudia con los maestros René Orea y Andrés Eloy Rodríguez. En 1997, ingresa por concurso a la Orquesta Infantil y Juvenil de Venezuela, donde permanece por 10 años. En sus filas, gira por países como Francia, Italia, Alemania, Austria, España, Suiza, Chile, Uruguay, Cuba, Argentina y Estados Unidos, entre otros, como primera flauta de la 
orquesta, bajo la batuta del maestro Gustavo Dudamel. En 2007, participa como primera flauta en la gira por Colombia de La Orquesta Metropolitana del Estado Anzoátegui. Entre las orquestas en las que Eric Chacón se ha presentado como solista académico destacan la de la Juventud Venezolana Simon Bolívar, la Sinfónica del Estado Táchira, la Sinfónica del Estado Yaracuy y la Sinfónica Juvenil de Caracas. Dentro de la música popular, Eric Chacón ha realizado trabajos con Pablo Gil, Alfredo Naranjo, Andrés Briceño, Gonzalo Micó, Ed Simon, Saúl Vera y su Ensamble, Gerardo Chacón y Carlos “Nené” Quintero, entre otros. Ha participado en diversos festivales de jazz. Tal es el caso del de Naguanagua, del Hatillo, de Barquisimeto, 1er Festival Internacional de Viento-Madera 2007, Jazz al Parque (Bogotá, Colombia, 2008), Heineken Jazz Festival (Bonaire, 2009), así como en los ciclos de la Asociación Cultural Humboldt y Corpbanca, en Caracas, entre otros. Este músico venezolano ha recibido clases magistrales con los maestros Peter Lukas Graf, Robert Aitken, William Bennett, Michael Hasel y Marco Zoni, así como en la academia Internacional de Niza, Francia, en el año 2005, con Philippe Bernold, Davide Formisano y Julien Beaudiment. 
También, ha participado en clases de improvisación y jazz latino con Néstor Torres y, más recientemente, en clases individuales de improvisacióny creatividad con el maestro y amigo Pedro Eustache. Actualmente, Eric continúa sus estudios de jazz en el Instituto Universitario de Estudios Musicales con maestros como Pablo Gil y Gonzalo Micó. Miembro de la fila de flautas de la Orquesta de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, también continúa sus estudios de flauta académica con el maestro José García Guerrero._ (venezuelademo)
                                                                           

                                                                                        

Eric Chacón - Choroní (2008)

Temas:

01. Choroní (Gerardo Chacón)  

02. El Alacrán (Ulises Acosta)  

03. Oriente Es Otro Color (Henry Martínez)  

04. Siete Colores (Luis Flores)  

05. Un Heladero Con Clase (Luis Laguna)  

06. Onda Romántica (Pablo Camacaro)  

07. Mañanita Caraqueña (Evencio Castellanos)  

08. El Gracioso (Carlos "Nene" Quintero)  

09. Frevo (Egberto Gismonti)  

10. El Fruto Del Samán (Enrique Lara)  

11. Direcciones (Gerardo Chacón)  

Musicos:

Eric Chacón (Flauta)

Gerardo Chacón (Bajo acústico; guitarra: pistas 02, 03, 04, 05, 06, 09; programación y palmadas: pista 11)

Francisco Alenso (Guitarra: pistas 01, 07)

Roberto Jirón (Guitarra: pistas 08, 10)

Jorge Glem (Cuatro)

Xavier Perri (Cuatro: pista 05)

Junior Romero (Piano: pistas 06, 10)

Pedro López (Piano: pista 09)

Jesús Anton (Clarinete: pistas 01, 03)

Julio Flores (Saxo soprano: pista 04)

Pablo Gil (Saxo soprano: pista 11)

Gerald "Chipi" Chacón (Fliscorno: pista 05)

Gerardo López (Batería: pistas 06, 09, 10)

Carlos "Nene" Quintero (Percusión: pistas 01, 08; maracas: pista 01)

Vladimir Quintero (Percusión: pistas 10, 11)

Diego Alvarez (Cajón: pista 02)

Jair Acosta (Maracas: pista 04)

Bob Kindred Quartet - Nights of Boleros and Blues

B. Robert Hamilton Kindred, 11 de mayo de 1940, Lansing, Michigan, EE. UU. Criado en las afueras de Filadelfia, Pensilvania, Kindred comenzó a estudiar clarinete y luego tocó este instrumento y el saxofón alto con la Filadelfia Youth Jazz Band, bajo la dirección de Jimmy DePriest. A los 17 estaba con Pennsylvania Sixpence, una pequeña banda que tocaba swing y dixieland y que tocaba en muchos lugares de la costa este y también hacía giras por Europa y grababa discos. Después de graduarse de la universidad, Kindred dejó la música y entró en el mundo empresarial, convirtiéndose en un cazatalentos corporativo y formando su propia empresa. A los 30 años escuchó a Phil Woods en concierto y decidió volver a tocar. Estudió con Woods y después de dos años decidió reintegrarse al mundo de la música a tiempo completo. Se unió a la actual Glenn Miller Orchestra y luego se unió a Woody Herman, apareciendo en Live At Carnegie Hall de 1975. Entre otros artistas con los que tocó en esta época se encontraban Charles Earland, Harry 'Sweets' Edison, Hank Jones, Mel Lewis, Shirley Scott y Buddy Tate, y también ha tocado con la Orquesta Sinfónica de Carolina del Norte.
Kindred, que gradualmente se haría más conocido como saxofonista tenor, también toca el saxofón barítono y la flauta. Sus propios conciertos incluyen un tributo a Ben Webster y Johnny Hodges, To Ben And Johnny, With Love, y un trabajo anual, Bending Towards The Light ... A Jazz Nativity, del cual es co-compositor con su esposa, la cantante Anne Phillips. . Durante la década de los 90, Kindred apareció en muchos lugares prestigiosos tanto en los EE. UU. Como en el extranjero, incluido el antiguo Festival de Jazz de Topeka, la Fiesta de Jazz de Colorado Springs, el Carnegie Hall, en un homenaje a los hermanos Nicholas y el Festival de las Artes de Fairbanks en el que dirigió clínicas para instrumentos de viento de jazz y actuó como solista con la orquesta sinfónica. En 2001, Kindred grabó dos álbumes bien recibidos con Little Jimmy Scott,
Además de actuar, Kindred también participa activamente en la educación del jazz como clínico y ha trabajado con International Art Of Jazz, Festival Jazz y Smithsonian Jazz Repertory Company. Aunque se ha hecho mucha referencia a otros saxofonistas tenores en las reseñas de la obra de Kindred, su mayor cualidad es que, si bien puede evocar pensamientos ocasionales de estos otros músicos, en todo momento es su propio hombre, original, autoritario y elocuente. Al igual que Spike Robinson, cuya floración tardía fue algo hermoso, en los primeros años del siglo XXI, Kindred estaba alcanzando el mismo nivel de éxito creativo y popular. Que este reconocimiento no debería haber sucedido hasta los años maduros de su carrera es una pérdida del jazz, pero a pesar de su tardanza, ciertamente es muy bien merecido._ (allmusic)

Robert Hamilton "Bob" Kindred (nacido el 11 de mayo de 1940 en Lansing , Michigan; falleció el 15 de agosto de 2016 en Nashville) 

Bob Kindred Quartet - Nights of Boleros and Blues (2007)

Temas:
01. Dos Gardenias (Two Gardenias)
02. Que Te Pedi (What I Asked You For)
03. Taboo
04. Toda Una Vida (All My Life)
05. Angelitos Negros (Little Black Angels)
06. Obsesion
07. Alma Con Alma (Soul To Soul)
08. Estrellita (Little Star)
09. La Comparsa
10. La Mentira (Yellow Days)

Musicos:

Bob Kindred (Saxo tenor)

John di Martino (Piano)

Boris Kozlov (Bajo)

Horacio "El Negro" Hernández (Batería)

Bob Desena - Going Latin On Jazz St.

Bob DeSena nació en el norte de California en la primavera de 1958; nacido no sólo de sus padres, sino nacido -literal y figuradamente- en el mundo del jazz latino. A temprana edad aprendió a tocar la batería y la guitarra, y a medida que crecía en edad y en la sociedad de la música de los años 70, su ya impresionante talento se vio influenciado por grupos como Chicago, Tower of Power, Earth, Wind & Fire, Santana, Malo y artistas como Herb Alpert, Freddie Hubbard y Maynard Ferguson. El talento combinado de estos grupos y artistas aumentó el interés de DeSena no sólo por la música sino, sobre todo, por querer producir también su propia música. Ese interés despertó en él una nueva pasión: la trompeta. Aprendió el instrumento y tocó durante el instituto tanto en grandes bandas como en bandas de jazz.
Después del instituto, su talento y su pasión le llevaron a varios clubes de baile y a compromisos sociales muy solicitados, donde tocó con grupos locales del Top-40. Poco después de casarse, DeSena fundó un grupo de rock latino formado por siete músicos y empezó a grabar maquetas mientras le solicitaban para actuar en varios clubes nocturnos de la zona de la bahía de San Francisco. Fue en un concierto local donde DeSena conoció a alguien que se convertiría en una de las principales influencias, si no LA principal, en su carrera musical personal: el legendario vibrafonista Roy Ayers. Y como si estuviera de vuelta en la habitación de su infancia escuchando sus viejos discos favoritos, DeSena escuchó atónito y observó con asombro el genio musical de Ayers y la facilidad con la que tocaba. DeSena encontró en Ayers un mentor que le ayudó a trabajar en su nueva pasión, el vibráfono y la música que crearía.
A principios de los ochenta, Bob se sintió aún más influido por la música de Tito Puente, Cal Tjader y el artista de Los Ángeles Poncho Sánchez. En 1984, trasladó a su familia a la Ciudad de los Ángeles para lo que sería el próspero comienzo de una carrera en la industria del entretenimiento. Para entonces, DeSena estaba apasionadamente enamorado del sonido del vibráfono y de su contribución a la música latina. Se compró un set y estudió con Tony Kol, antiguo percusionista de la famosa Tonight Show Band. En 1991, DeSena fue invitado a tocar como sustituto en el grupo latino Nuestro, con sede en Ventura, y los directores del grupo le pidieron que volviera por su talento y su presencia en el escenario. Para agradecimiento de Nuestro y placer de DeSena, han actuado juntos durante diez años, en innumerables clubes nocturnos, conciertos en el puerto, festivales y en los galardonados Premios de la Música Chicana..Seguir leyendo

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Bob Desena - Going Latin On Jazz St. (2007)

Temas:
01.Isla Mujeres
02.Going Latin On Jazz Street
03.Just Us
04.Una Vez en el Pasado 
05.Bobbys Chambo
06.Moroccan Mambo
07.Piramides del Sol
08.Sunset Boulevard
09.Yvonne Mi Amor
10.Descarga

Musicos:

Bob DeSena (Vibes, trompeta, fliscorno, trompeta de varas y voz)

Bob Sink (Piano)

Rick Reyes (Bajo)

Augie Roman (Timbales, vocal)

Roland Mendoza (Congas, vocal)

Louie Cruz Beltran-Paint the Rhythm

La música puede afectar las emociones, pero algo en la pintura de Louie Cruz Beltrán el ritmo (Corniche Entretenimiento, 2011) también evoca el gusto por los chips y salsa.

Beltrán ha realizado con una formación diversa de estrellas, de Smokey Robinson y Natalie Cole a Dave Koz y Macy Gray. Lo acompaña una matriz de variables de músicos. Entre ellos se encuentran el pianista Joe Rotondi, vibrafonista Nick Mancini, bajistas Oscar Cartaya y Abraham Laboriel, y la sección de vientos de tres piezas del saxofonista Justo Almario, saxofonista Albert Wing y trombonista Eric Jorgensen.


El conjunto arde desde el comienzo con "Chili Caliente." Beltrán compuso esta pieza picante, y ofrece un montón de sazonar con su voz principal. Después de unos versos vocales y una breve cita, "Shimmy, Shimmy, coco-bop", que permite a los instrumentos hacen la cocción. Rotondi toma un giro en el frente, pero es en gran medida sobre la percusión, con un poco de ayuda de los cuernos.

Beltrán canta al clásico Bacharach / David "The Look of Love". Es tan encantador una interpretación como uno puede esperar, y el ritmo latino añade un toque encantador. Justo Almario contribuye en el saxo tenor.

Flautista Hubert Laws interviene en el título de la canción. Letras de Beltrán pintan un cuadro vívido del arte del romance. Las voces adquieren una presencia etérea durante el estribillo. Además de sus canciones originales, Beltrán suscita en algunos arreglos de acoplamiento de éxitos pop / rock como "Hey Girl", "Spooky" y "Black Magic Woman".

Pintar el ritmo es el tercer lanzamiento de Beltrán como líder. Sus otros son que es mi tiempo y en vivo en el Ford._(smooth-jazz.de/Woodrow)





Louie Cruz Beltran-Paint the Rhythm (2011)

Temas:
01.Chili Caliente
02.The Look Of Olve
03.Paint The Rhythm
04.Soul Sauce
05.Timbalero y Bongo
06.Hey Girl
07.Esperando
08.Spooky
09.Black Magic Woman
10.Ran Kan Kan
11.Rumba de Ayer
12.Rumba Chula