El director de orquesta y timbalero Henry "Pucho" Brown fue uno de los arquitectos del soul latino, pionero del sonido boogaloo junto a otros más conocidos como Mongo Santamaría y Willie Bobo. Según el exhaustivo perfil de Matt Rogers en el número del verano de 2004 de la revista Wax Poetics, Brown nació en Harlem, Nueva York, el 1 de noviembre de 1938, aunque conoció el legendario swing de Duke Ellington y Count Basie acompañando a su madre a sus actuaciones en el famoso Teatro Apollo; de adolescente descubrió el mambo a través de algunos compañeros de colegio latinos, cayendo profundamente bajo el hechizo de Tito Puente, Machito y Tito Rodríguez. Incluso se ganó su apodo de por vida gracias a su afecto por la música del grupo Pucho & the Alfarona X. Tras abandonar el instituto, Brown trabajó en una serie de empleos sin futuro mientras imitaba a sus héroes musicales con un juego de timbales que le regalaron unos tíos; finalmente aprendió a tocar lo suficientemente bien como para formar su primer grupo, Los Locos Diablos, y a los 17 años ya tocaba profesionalmente con el Joe Panama Sextet. Después de que Panamá despidiera a sus acompañantes en 1959, su rival Joe Cuba se hizo con ellos y los rebautizó como Cha-Cha Boys; Brown acabó dejando a Cuba para volver a unirse a Panamá, pero cuando éste también despidió a esta formación, Brown pasó a liderar el grupo y lo rebautizó como Pucho & the Cha-Cha Boys... ~ Jason Ankeny (allmusic)
El tema que abre el Super Freak de 1972 es un brillante popurrí de casi un lado de tres temas del Superfly de Curtis Mayfield: el tema principal, "Pusherman" y, por supuesto, "Freddie's Dead". Pesado, drogado y psicodélico, con un grueso órgano y guitarras wah-wah, el popurrí suena más al soul psicodélico de War o incluso de Funkadelic que al chispeante jazz latino de los primeros discos de Pucho. El resto de Super Freak es un poco más ligero en tono, pero éste sigue siendo el más orientado al groove y menos abiertamente orientado al latin jazz de los álbumes de este grupo, traficando en su lugar con grooves arrastrados como "Oak Hurst's Art" y baladas dirigidas por el vibráfono como "Judy's Moods" y "One More Day". Los puristas del latin jazz pueden rebatirlo, pero más tarde se convirtió en un clásico del movimiento de acid jazz de los 90, que algunas fuentes datan del grupo de hip-hop del Reino Unido Galliano, que tomó una muestra de la versión de este álbum de "Freddie's Dead" para el single de 1989 "Frederick Lies Still". ~ Stewart Mason (allmusic)
Bola al desnudo: Ignacio Villa fue de esos artistas que, aún en los estudios de grabación (casi todo lo que le conocemos) nunca tuvo afeites, por eso es que su interpretaciones parecen hechas en la sala de su casa (o la del restaurant "Monseñor", que era casi igual), bajo la ducha o mientras caminaba. Sin embargo, escucharlo en vivo (oportunidad que nos brinda este CD de la serie Cuba en Vivo) acerca más esos méritos: su naturalidad y espontaneidad sin rivales, Su decir auténtico y único, esa condición de actor nato, de comediante que me han hecho pensar a veces cuanto perdió la escena vernácula cubana, porque cada una de sus interpretaciones, del signo que fueran, llegan desde esa condición: la de un actor fabuloso que cantaba con el rostro, el rechoncho y pequeño pero expresivo cuerpo, mientras su manos se deslizaban ágiles y gracioas por sobre las teclas. Bola de Nieve. como lo bautizó para siempre su compañera y amiga Rita Montaner, dejó para siempre este "petit" concierto en vivo, en una de las colaterales del Festival Internacional de la canción Varadero 70, en ese templo de los grandes espectácudos que desde hace tanto fuera el Hotel Internacional de la playa más hermosa. Introducido por aquella profesional animadora tan vincudada a lo mejor de la música popular en esa década, Eva Hodríguez, Bola no sólo es acompañado aquí por su inseparable piano; esta vez sus singulares versiones llevan otro sello de lujo: la orquesta del Festival dirigida nada menos que por esa otra gloria de la canción (Adolfo Guzmán) partiendo de orquestaciones de Chico O'Fanill. A lo clásico del intérprete ("Drume negrita", "No te importe saber", "La flor de la canela", "No puedo ser feliz", "las hojas muertas", "Mesié Julián", "La vie en rose" ... ), dentro de un repertorio cubano y universal que él siempre tornaba tan criollo como las palmas, desde esa voz "de persona" (como contestó simpáticamente a una pregunta alguna vez) pero también de ecos ancestrales, de rasgadura ejemplar, de timbre inimitable, agrega esta vez un simpático "Amor internacional" (Armando Oréfiche), un par de estándares de la balada norteamericana (Tenderly", "Be carefull ir s my Ileart") y un no menos caribeño "Mambo (por mucho que fuera) en París". Su fraseo impecable, su dicción y dinámica implacables, su musicalidad e histrionismo fundidos para lograr actuaciones plenas, se ponen de manifiesto en ésta, matizada por el salitre y el aire del mar cercano. Como bonus track, el CD incluye, enriqueciéndolo, una entrevista realizada a Bola en un programa radial en el Perú de 1958, donde el artista devela otras facetas: su cultura más allá del escenario, su gracejo, su cubanía a toda prueba ahora desde su don de gran conversador; mas, como estas virtude no las concebía (ni nosotros) separada de su piano)' su cantar, entre diálogos él hizo su propio "Señor, por qué", de nuevo "Be carefull it's my heart" (ese clásico de lrving Berlín) y el tema de un filme también norteamericano: La cabaña en las nubes. Cenial propuesta de la EGREM la de ofrecer en una serie esa Cuba musical que se señorea en lo escenarios, fuera de la frialdad de los estudios; grandes artistas como el que ocupa ahora este disco, se desnudan hasta el alma frente a oyentes de seguro profundamente agradecidos.~ Frank Padrón (C. de la Habana, noviembre 2008) Más información relacionada Petit Concierto De Bola De Nieve - Hotel Internacional De Varadero (Festival De La Canción De Varadero '70)- (2009) Temas: 01.Eva Rodriguez Presenta A: Bola De Nieve 02.Drume Negrita 03.No Te Importe Saber 04.La Flor De La Canela 05.No Puede Ser Feliz 06.Chivo Que Rompe Tambó 07.Búcate Plata 08.Las Hojas Muertas 09.Amor Internacional 10.Tenderly 11.Be Carefull It's My Heart 12.Messie Julián 13.Mambo In Paris 14.La Vie En Rose 15.Depedida 16.Bonus Track: Entrevista realizada a Bola De Nieve en el programa radial "Pablo y sus amigos",en Lima Perú abril de 1958. Contiene los siguientes temas interpetrados en vivo en dicho programa: 1.Señor, ¿por Qué? 2.Be carefull it's my heart 3.Tema Del Musical / "La Cabaña En Las Nubes"
Entrevista realizada a Bola De Nieve en el programa radial "Pablo y sus amigos",en Lima Perú abril de 1958. Contiene los siguientes temas interpetrados en vivo en dicho programa:1.Señor, ¿por Qué?2.Be carefull it's my heart3.Tema Del Musical / "La Cabaña En Las Nubes"
MercedesSosa, (San Miguel de Tucumán, Argentina, 9 de julio de 1935 – Buenos Aires, Argentina, 4 de octubre de 2009 ) conocida como La Negra Sosa o La Voz de América, fue una cantante de música folclórica argentina reconocida en América Latina y Europa. Considerada como la principal cantante de Argentina. Fundadora del Movimiento del Nuevo Cancionero y exponente mayor de la Nueva Canción latinoamericana. Incursionó en otros géneros como el tango, el rock y el pop. Se definía a sí misma como "cantora" antes que "cantante", en lo que fue una distinción fundamental de la nueva canción latinoamericana de la que ella fue una de las iniciadoras: "cantante es el que puede y cantor el que debe" (Facundo Cabral).Ese ideal fue expresado por Mercedes Sosa en los títulos de sus álbumes como Canciones con fundamento y Yo no canto por cantar. Entre las obras con que se ha destacado en el cancionero latinoamericano se encuentran Canción con todos, Alfonsina y el mar, Gracias a la vida, Como la cigarra, La maza, Todo cambia , Duerme negrito y Calle Angosta. Entre sus discos se destacaron Canciones con fundamento (1965), Yo no canto por cantar (1966), Mujeres argentinas (1969), Homenaje a Violeta Parra (1971), Cantata Sudamericana (1972), Mercedes Sosa interpreta a Atahualpa Yupanqui (1977), Mercedes Sosa en Argentina (1982), Alta fidelidad (1997). Su último trabajo es Cantora, lanzado poco antes de su muerte, un álbum doble donde interpreta 34 canciones a dúo con destacados cantantes iberoamericanos, y cierra con el himno nacional argentino. Más información relacionada
Mercedes Sosa-Corazon Libre (2005) Temas: 01. Los ninos de nuestro olvido - Javier Casalla 02. El olvidau 03. Cantor del obraje 04. Solo pa' bailarla 05. Pais 06. Chacarera del fuego 07. Tonada Del Viejo Amor 08. Como flor del campo 09. Zamba de Argamonte 10. Sufrida tierra 11. Tonada del Otono 12. La cancis urgente 13. Lapachos en primavera 14. Corazibre 15. Y la milonga lo sabe Musicos: Mercedes Sosa-Vocals Chango Farías Gómez-Musical Direction, Cajon, Realization, Vocals, Percussion, Concept, Musical Director, Producer, Bombo, Guitar, Arranger Javier Casalla-Violin Facundo Guevara-Plato, Percussion, Tumbadora, Bombo, Cajon, Maracas, Udu, Brushes, Crotale Jorge Giuliano-Guitar Alberto Rojo-Guitar, Vocals Eduardo Falu-Guitar, Vocals Coqui Sosa-Vocals Pocho Sosa-Vocals
Recordado por su enfoque altamente comercial a la música pop, Xavier Cugat (nacido Francisco de Asís Javier Cugat Mingall de Cru y Deulofeo) hizo una marca aún más como uno de los pioneros de la música de baile latino americano. Durante su carrera de ocho décadas de duración, Cugat ayudó a popularizar el tango, el cha-cha, el mambo y la rumba. Sus éxitos se incluyen "El Manicero" en la década de 1930, "Perfidia" en 1940, y la grabación original de "Babalu" en 1944. Los miembros de la banda de Cugat incluye Desi Arnaz, Miguelito Valdés, Tito Rodríguez, Luis del Campo, Yma Sumac, y su tercera esposa (de cuatro), Abbe Lane. Cugat utilizaron el éxito de su carrera musical como un trampolín para una carrera cinematográfica que incluyó apariciones en películas como gay de Madrid (1930), Bailando nace el amor (1942), de sirenas (1945), Fin de semana en el Waldorf (1945), Vacaciones en México (1946), en una isla con Usted (1948), A Date With Judy (1948), el Sindicato de Chicago (1955), y Diabolique Desire (1959). Nacido en Girona, España, Cugat emigró con su familia a Cuba en 1905. Formado como violinista clásico, tocó con la Orquesta del Teatro Nacional en La Habana a la edad de 12 años. Emigrar a Estados Unidos, en algún momento entre 1915 y 1918, rápidamente encontró trabajo en compañía de un cantante de ópera. En el apogeo de la locura del tango, en 1918, Cugat unió a una banda de baile popular, el Gigolos. Su implicación con el grupo, sin embargo, fue breve. Mientras la popularidad del tango se perdió, él tomó un trabajo como dibujante de The Los Angeles Times. Cugat volvió a la música en 1920, formando su propio grupo, The Latin American Band. A pesar de que jugó con regularidad en el Coconut Grove en Los Ángeles y suministrado las bandas sonoras de varios cortos musicales, el grupo tuvo su mayor éxito después de mudarse a Nueva York y se convirtió en la banda de la casa para el Hotel Waldorf Astoria. A pesar de ser criticados por su enfoque de la media en carretera, Cugat sigue comprometida con su sonido comercial-mente. Más tarde explicó: "Prefiero jugar" Chiquita Banana "y tengo mi piscina que tocar Bach y morir de hambre." Cugat y su orquesta se mantuvo en el hotel durante 16 años. Las mujeres hermosas aparecían constantemente en la banda de Cugat. Después de ayudar a Rita Hayworth lanzar su carrera, apareció en su película Bailando nace el amor. Cugat grabaciones de la década de 1950 aparece el canto de su tercera esposa, Abbe Lane. A mediados de los años 60, él aparece con su cuarta esposa, Charo, que se anuncia como un cantante de folk "." Tras su retiro en 1970, regresó a España Cugat. Murió en Barcelona el 27 de octubre de 1990. Su banda, que fue conducido por Tito Puente, luego de retirarse, siguió actuando bajo la dirección del bailarín, músico y cantante Ada Cavallo. ~ Harris Craig, All Music Guide Más información relacionada Xavier Cugat and his Orchestra - Rumba Rumbero with Miguelito Valdes (1937-1943)
Temas: 01. Blen Blen Blen 02. Macurije 03. Rumba Rumbero 04. Nueva Conga 05. Tuñaré 06. Mis Cinco Hijos 07. Guaira 08. Mi Conga 09. Elube Changó 10. Los Hijos De Buda 11. En La Plantacion 12. Benabé 13. Adios Africa 14. Bruca Manigua 15. Habanera 16. Babalú 17. Changó 'Ta Vení 18. Tabú 19. Para Vigo Me Voy 20. Negra Leonor 21. Enlloró
La mejor vista de un solo disco de Cal Tjader años de The Verve, esta colección en realidad hace tiempo el vibrafonista ha pasado en la etiqueta parece más gratificante de lo que realmente fue.Mientras que con Fantasy Records, Tjader por lo general se pasaba el tiempo de corte duro álbumes de jazz latino o la liberación de soberbia en pequeños grupos, sesiones cool bop-teñido de jazz. Sin embargo, bajo la dirección de Creed Taylor, la mayoría de las sesiones de Tjader Verve poner un brillo suave en su estilo latino, y casi por completo caso omiso de su talento muy real para el jazz mainstream en pequeños grupos. Eso no quiere decir que sus años Verve no se llena de música excelente, porque eran, es sólo que registró menos música de grupo para Verve, así que es genial ver que la buena música tanto aparece aquí. Cada pista es un ganador, pero el CD incluye destaca como el pop sorpresa Tjader éxito "Soul Sauce", una lectura hermosa balada de "The Way You Look Tonight", la grabación de big band increíblemente frenético de la melodía Horace Silver "Blues Tokio" y una versión hip-temblor de "Moanin '" que ha Herbie Hancock y Ron Carter sesión pulg A juzgar por esta colección solo, uno pensaría período Tjader Verve fue la unión perfecta del jazz de alta calidad y los principales instintos comerciales. Si sólo "selling out" siempre sonaba tan bien. Tal vez haya más sesiones Verve Cal Tjader de que parecía existir en el momento. ~ Nick Dedina (allmusic)
Temas: 01.Soul Sauce (Guachi Guaro) (Aka Guachi Guaro) 02.Cura?ao 03.China Nights (Shina No Yoru) 04.The Whiffenpoof Song 05.Triste 06.Soul Bird (Tin Tin Deo) (Aka Tin Tin Deo) 07.The Way You Look Tonight 08.Daddy Wong Legs 09.Tokyo Blues 10.Cuchy Frito Man 11.The Prophet 12.Borneo 13.Leyte 14.Hip Vibrations 15.Cal's Bluedo 16.Moanin'
Musicos: Cal Tjader-Vibraphone Jose Mangual-Timbales Charles McCracken-Cello Bob Northern-French Horn Victor Pantoja-Percussion Alan Raph-Trombone (Bass) Bobby Rosengarden-Percussion Carlos "Patato" Valdes-Conga Irving Horowitz-Oboe Alberto Valdés-Percussion Emanuel Vardi-Violin Stanley Webb-Woodwind Robert Maxwell-Harp George Duvivier-Bass Johnny Rae-Drums George Berg-Bassoon, Clarinet (Bass) Patricia Brown-Piano Don Butterfield-Tuba Clark Terry-Trumpet Léon Cohen-Oboe Chick Corea-Piano Jack del Rio-Conga, Tambourine Arnold Eidus-Violin Paul Griffin-Flute, Sax (Alto) Lonnie Hewitt-Piano John Hilliard-Bass J.J. Johnson-Trombone Phil Kraus-Woodwind
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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