Al Di Meola (Al Laurence Dimeola. Jersey City, 22 de julio de 1954), es un músico estadounidense de jazz. Es uno de los grandes representantes de la fusión jazzística, en su caso tanto con el rock como con las llamadas músicas del mundo, fruto de su interés por otras tradiciones musicales extrañas al ámbito occidental. Es considerado un virtuoso tanto con la guitarra eléctrica como con la acústica.~(wikipedia)
La continuación del magnífico Elegant Gypsy no fue tarea fácil, pero Al Di Meola dio lo mejor de sí mismo con el disco Casino, de estilo similar, publicado en 1978. Con una banda formada por Steve Gadd, Anthony Jackson y Barry Miles (con quien di Meola se reunió antes de que el guitarrista fuera invitado a unirse a Return to Forever), la interpretación es aguda y ardiente, a la altura de la intensidad juvenil del líder. Di Meola es un buen compositor en el lenguaje de la fusión, y las cuatro composiciones originales de Casino, aunque llevan claramente la marca de la influencia de Chick Corea, son sólidas. Su "Fantasia Suite for Two Guitars", en la que Di Meola se acompaña a sí mismo mediante multipistas, es hermosa y dramática, y deja entrever los posteriores trabajos totalmente acústicos del guitarrista, como Friday Night in San Francisco. "Dark Eye Tango" se abre con un tema lento antes de convertirse en un vehículo acelerado para la Les Paul de di Meola. De hecho, son los solos del líder los que a menudo evitan que los ritmos latinos de Casino suenen rancios y un poco anticuados. Su característico fraseo staccato y sus improvisaciones a alta velocidad son lo que se percibe a primera escucha, pero di Meola tiene un excelente sentido del fraseo que está innegablemente presente. Contrariamente a la opinión popular, sabe utilizar bien su técnica. Casino no es tan potente como Elegant Gypsy o Romantic Warrior, pero merece la pena para los fans de di Meola o de toda la escena de fusión de los años setenta.~Daniel Gioffre (allmusic)
Jerry González, nació en Nueva York el 5 de junio de 1949 en el barrio latino del Bronx. Como compositor e interprete de percusión, trompeta y flugelhorn es uno de los artistas más reconocidos en la música Jazz latina (también conocida como "afrocuban jazz").Sus influencias más relevantes se encuentran en Miles Davis y en Dizzy Gillespie, de cuya banda formó parte en los primeros años de la década de los 70. Tras unas experiencias con otros artistas como Manny Oquendo y Eddie Palmieri, Jerry forma la que sería su banda durante los años 80 y primeros de los 90, la Fort Apache Band junto a Andy González (su hermano), Larry Willis y Steve Berrios. Pese a obtener cierto reconocimiento en publico y crítica con los discos de la Fort Apache Band, Jerry González fue lanzado al resto del publico al participar en el documental de Fernando Trueba "Calle 54", en el que actúan muchos de los artistas más importantes de la corriente del Latin Jazz (Paquito D'Rivera, Michel Camilo, Eliane Elias, etc.).Tras el estreno de la película en 2000 Jerry comienza a recibir invitaciones para participar en festivales y conciertos en España, fijando desde entonces su residencia principal en Madrid y actuando con regularidad en las salas de jazz más importantes de la capital de España. Asimismo su estancia en Madrid le ha permitido participar en grabaciones con distintos artistas como Andrés Calamaro o Martirio. Especialmente interesante es la experiencia de fusión jazz-sonidos flamencos y que han dado como resultado discos como "Jerry González y los piratas del flamenco" (2004) junto a artistas flamencos como Piraña, Niño Josele o Diego "El Cigala". Su ultimo proyecto pasa por seguir fusionando Jazz y flamenco con la revisión del clásico de Miles Davis "Flamenco sketches".
Jerry González y Los Piratas del Flamenco Respaldado por un grupo de músicos flamencos, entre ellos acústica y eléctrica guitarristas Niño Josele e Israel Sandoval, Israel Suárez "Piraña", un maestro del cajón - una pieza de madera, caja-como instrumento de percusión - y la gran Cantador Diego El Cigala, González explora las invenciones y la vinculación de estas dimensiones español de América y géneros musicales. El tradicional "Hubo Un Lugar" González características del cuerno mantecoso overdubbed durante su congas, Josele, complementado por la guitarra sinewy líneas. "Para Julia Rosa", escrito por la madre de Jerry, es una rumba zesty, mientras que "En El Corazón De Pescaderías", es un medio tempoed bulería finessed de González del silencio, Milesian músicos y su igualmente impresionante cajón de juego.
El "Gitanos De La Cava," y compositor puertorriqueño Pedro Flores de la canción "Obsesión," - con González, hermano menor de Andy en el bajo - Cigala apasionado del Cante Hondo gritos paralelo González del Cuerno de Oro. "Piratas de Lucía" es una hypnotically sincopado homenaje al legendario guitarrista Paco de Lucía."Donnali" es el latín jazz / flamenco traducción de Charlie Parker's bop clásico "Donna Lee, y" Monk's Soniquette ", se transforma de Thelonious Monk" Monk's Dream "en un tablao festivo, sazonada con la distinta e intrincado flamenco handclaps llamado palmas. Grabado en España. GRAMMY Nominación - 2004 - Latin Jazz. Con esta grabación Jerry González ha proyectado su visión musical más largo plazo mediante la incorporación de las flamenco en su idioma y Jazz Afro-cubano discurso.''El flamenco personas con conocimientos dicen que Jerry la estancia en España ha cambiado para siempre flamenco porque él es abierto a otras músicas "- Fernando Trueba, director de la película Calle 54.
Dizzy Gillespie y la Orquesta de las Naciones Unidas En vivo en el Royal Festival Hall, Londres
Aunque la percepción que la mayoría de las personas no expertas en jazz tienen de Dizzy Gillespie existe principalmente en el ámbito de la caricatura, los que conocen su obra y su enorme contribución evolutiva al desarrollo del estilo no pueden disipar esta noción sin despojarse de mucho de lo que hacía a Dizzy, bueno, Dizzy. Con sus mejillas de globo, su trompeta de campana doblada y sus payasadas sobre el escenario, Gillespie era el gato original del jazz.
Junto con Charlie Parker y Thelonious Monk, Gillespie ayudó a llevar la improvisación del jazz más allá de sus trillados y cómodos confines armónicos en una dirección totalmente nueva con el bebop. Más tarde, Gillespie empezó a incorporar y combinar sabores latinos, cubanos, africanos y caribeños en su música, una revolución en el ritmo del jazz tan vital como su contrapartida armónica.
Y olvídese de intentar compilar una lista completa de los antiguos compañeros y protegidos de Gillespie; es un ejercicio inútil y agotador que nombraría a casi todos los músicos de jazz notables de las últimas cuatro décadas. Aunque menos innovador en sus últimos años, Gillespie todavía disfrutó mucho interpretando el papel de embajador musical, haciendo avances constantes para mantener al jazz a la vanguardia de la conciencia pública mientras difundía la buena voluntad a su manera interminable y atractiva hasta su muerte en 1993.
Live at the Royal Festival Hall, Londres, es un excelente ejemplo de Gillespie en su elemento. Formada en 1988, su United Nations Orchestra era una ecléctica colección multicultural de algunos de los mejores y más brillantes músicos de jazz del mundo. Muchos de sus miembros, si no todos, eran ya reconocidos maestros del género, mientras que algunos de los más jóvenes han utilizado el conjunto como trampolín para sus exitosas carreras en solitario.
Grabado al final de una vertiginosa gira europea -18 conciertos a lo largo de 21 días en 11 países-, este espectáculo captura la esencia del encanto y las habilidades de Gillespie. Abriendo con "Tin Tin Deo", un original de Gillespie, el sabor internacional del concierto es evidente. El percusionista Airto Moreira, el conguista Giovanni Hidalgo y el batería Ignacio Berroa marcan un ritmo implacable para el grupo mientras Gillespie, los trombonistas Steve Turre y Slide Hampton y el saxofonista Paquito D' Rivera ofrecen contundentes giros en los cambios. Mientras tanto, el conjunto se mantiene bulliciosamente activo con la ayuda de los fogosos arreglos de Hampton.
Cambiando al clarinete para "Seresta/Carmen", D' Rivera y el pianista Denilo Pérez ofrecen una sublime versión del vals sudamericano antes de que el resto de la banda entre y dé paso a la segunda mitad del tema con una ráfaga de percusión. Aquí, Hampton, el trompetista Claudio Roditi y Rivera (que vuelve a tocar el contralto) intercambian breves ráfagas de cuatro compases, y luego pasan a frases de dos compases mientras cada uno intenta superar a los demás en términos de pura pirotecnia improvisatoria. A continuación, el famoso trompetista cubano Arturo Sandoval y Gillespie combinan sus talentos en una deliciosa versión de la samba a medio tempo "And Then She Stopped". El diálogo entre los dos es relajado y juguetón, con Pérez contribuyendo con un breve solo antes de que los dos trompetistas se enfrenten. Al final, sin embargo, son las payasadas de Sandoval en la octava superior las que acaparan la atención.
Con "Tanga", la vocalista Flora Purim se une a la banda en esta canción latina. El ágil scatting de Purim es increíblemente limpio y notable, lo que lleva a Gillespie a ofrecer algunos de sus solos técnicamente más impresionantes de todo el disco. Un trío de saxofonistas que incluye a D' Rivera, Mario Rivera y James Moody, compañero de Gillespie desde hace mucho tiempo, luchan furiosamente antes de dar paso a una larga pausa de batería y percusión. Con una duración de algo más de 14 minutos, "Tanga" exige y muestra lo mejor de la orquesta.
"Kush", una obra malhumorada y esotérica, es quizá la selección más inusual del disco. Con Moody en la flauta y el contralto, así como un Gillespie mudo (a lo Miles), el sabor exótico de la melodía es rico. El arreglo se mueve por capas, desde secciones delicadamente flotantes de sonido diáfano hasta pesados bloques de rica resonancia multiinstrumental. Siguiendo en esta línea, "Dizzy Shells" cuenta con el trabajo único de Steve Turre con las caracolas. La maestría de Turre con estos curiosos instrumentos se pone de manifiesto con la interpretación simultánea de dos caracolas a la vez. Uniéndose a él a mitad de la melodía, la sección rítmica hace que el groove sea inmediatamente contagioso, ganándose enseguida al público en tan sólo unos minutos.
Al presentar el tema final del álbum, "A Night in Tunisia", Gillespie afirma cuidadosamente que "ha resistido las vicisitudes del mundo contingente y se ha trasladado en una odisea al reino de lo metafísico". Conocida como la seña de identidad de la composición de Gillespie, "Tunisia" presenta a Moody al saxo y a Sandoval y Roditi a la trompeta antes de dar paso a un breve solo de bajo de John Lee y a una ronda final de cadencias extendidas a cargo del trío completo de trompetistas. Una vez más, la destreza de Hampton como arreglista se pone de manifiesto aquí, tomando el corte clásico y dándole la vuelta. El resultado final es eléctrico, juguetón y de pura naturaleza Gillespie.
En conjunto, Live at the Royal Festival Hall es indicativo del legado de Gillespie, una colección de temas inusuales y exóticos en los que no sólo aparece el líder de la banda, sino también su increíble colectivo de compatriotas. Gillespie es gentil y generoso, más rápido en llamar la atención sobre sus compañeros músicos que sobre sí mismo, pero incluso a los 72 años, Gillespie seguía tocando a un nivel que jóvenes leones de incluso un tercio de su edad sólo podían soñar con alcanzar.~John Kreicbergs (popmatters)
Adriana da Cunha Calcanhotto: (nacio en Porto Alegre, 3 de octubre de 1965) es una cantante y compositora brasileña, considerada una de las más importantes compositoras de la música popular de Brasil contemporánea por la variedad de estilos musicales. Recientemente amplió la actuación en un álbum para niños, Adriana Partimpim (2004), donde obtuvo gran éxito y por el cual fue nombrada para concursar al Grammy latino de mejor álbum infantil en el Madison Square Garden (2 de noviembre de 2006). Las composiciones son variadas en estilos: samba, bossa nova, funk, rock, pop, baladas. También g raba canciones que fueron éxitos en su momento con nuevos arreglos. Es hija de un baterista de una banda de jazz, Carlos Calcanhoto, y una bailarina. A los seis años su abuelo le regaló su primer instrumento: una guitarra clásica. Más tarde también aprendió canto. Luego se impregnó de las influencias de la música popular brasileña y del movimiento literario modernista del país. Quedó fascinada por la obra Antropofagia de Oswald de Andrade, así como por Tarsila do Amaral y otros nombres de aquel movimiento cultural. Comenzó su carrera artística tocando en bares, después en piezas teatrales, para más tarde lanzarse en conciertos y festivales por todo el país. El primer disco, Enguiço (1990), fue muy elogiado y el primer éxito fue Naquela Estação, que integró la banda sonora de la telenovela Raina da Sucata, de Sílvio de Abreu (1990). El año siguiente, recibió el Premio Sharp como revelación femenina. Musicó poemas del poeta portugués Mário de Sá-Carneiro en 1996. En los Juegos Panamericanos de 2007 participó en la ceremonia de apertura. Pagina oficial Adriana Calcanhoto - A Fábrica do Poema (1994)
Temas: 01-Por Que Você Faz Cinema ? 02-A Fábrica Do Poema 03-Bagatelas 04-Metade 05-Sudoeste 06-O Verme E A Estrela 07-Estrelas 08-Aconteceu 09-Cariocas 10-Morro Dois Irmãos 11-Inverno 12-Roleta Russa 13-ema De Alice 14-Portrait Of Gertrude 15-Minha Música
Albita Rodríguez, (nacio en 1962 en La Habana, Cuba). Albita Rodríguez, una de las mejores cantantes y compositoras de Cuba, continuó su asalto al exitoso desfile desde que emigró a los Estados Unidos en 1993. Su primer álbum estadounidense, No se parece a nada, lanzado en 1995, vendió más de 100,000 copias e incluyó single "Parranda, Laud y Son, que se convirtió en un éxito de éxitos en muchos países de habla latina. Su segundo álbum estadounidense, Dicen Que, que coprodujo con Emilio Estefan Jr., esposo de Gloria Estefan y dueño de Epic el sello discográfico de Crescent Moon, distribuido por la red, fue nombrado Mejor Álbum Tropical de 1997. Según www.yuca.com, "la música cubana nunca ha sido más moderna que en manos de Albita. Ella es una rebelde musical, una renegada política, una suave diva de la canción cubana en trajes tradicionales y cabello peinado hacia atrás. "Rodríguez se ha mantenido fiel a sus raíces musicales. Su tercer álbum estadounidense, Son, ofreció una mirada nostálgica a los sonidos. de su infancia. En una reseña del concierto con entradas agotadas de Rodríguez en Nueva York, el New York Times escribió: "atacaba canciones como si la ciudad entera estuviera escuchando". Estaba decidida a traer la Cuba que dejó a la habitación ". Hija de músicos, Rodríguez adquirió su primera guitarra a la edad de 15 años. En cuatro años, se dirigía al estrellato, convirtiéndose en la intérprete más joven en el popular programa de televisión cubano Palmas y Canas. Su enfoque moderno de las tradicionales guajiras y canciones de Cuba atrajo a un público fiel en su tierra natal. Fidel Castro confesó que ella era una de sus cantantes favoritas. Ofrecido un contrato con un sello discográfico en Colombia en 1991, Rodríguez recibió permiso para vivir fuera de Cuba. Durante los siguientes dos años, grabó dos álbumes impresionantes que se distribuyeron en Colombia y América del Sur. Cuando surgió una oportunidad para ella y su banda, Albito y Su Grupo, de desertar a los Estados Unidos en 1993, Rodríguez aprovechó la oportunidad. Al establecerse en Miami, se convirtió en una intérprete habitual en el Centro Vasco en la sección de La Pequeña Habana de la ciudad. La noticia de su talento se extendió rápidamente. En poco tiempo, a sus espectáculos asistieron personalidades conocidas, como Oprah Winfrey, Rosie O'Donnell, Quincy Jones y Sylvester Stallone. Cuando Emilio y Gloria Estefan llegaron a escucharla en 1984, estaban tan impresionados que rápidamente la contrataron para el sello de Emilio, Crescent Moon._Craig Harris (allmusic) Los Guaracheros de Oriente , interpretaban Guaracha. Rumba, Merengue, Son, Bolero, Cha Cha Cha, Punto, etc. Casi cuatro años estuvieron actuando en Tropicana, tras un contrato inicial de cuatro semanas que les hizo obtener un éxito sin precedentes. Sus giras les llevaron a Venezuela, Panamá, Santo Domingo, Curaçao, Nassau, Costa Rica, Méjico, Italia, Francia y España. En Madrid en el Hotel Castellana Hilton obtuvieron un éxito apoteósico.
Su creador Ñico Saquito, Benito Antonio Fernández, nació en Santiago de Cuba un 17 de enero de 1902, trabajando desde muy joven como fundidor. Aprendió a tocar la guitarra cuando tenía 15 años de edad. Inició su vida como trovador al ingresar en el cuarteto Castillo. En la década del 40 se integró al Grupo Típico Oriental de Guillermo Mozo y actuó en el exclusivo cabaret Montmatre de La Habana. Desde esa época se repetían constantemente sus presentaciones en las emisoras RHC Cadena Azul y Radio Cadena Suaritos. Posteriormente, en 1950 viajó a Venezuela por sus ideas políticas donde residió por 10 años para volver a Cuba en el 1960. Según contaba él mismo, el sobre nombre Ñico Saquito, vino por su habilidad jugando al béisbol; "no se le va una pelota, alguien comentó, parece que tiene un saquito en la mano en este juego de béisbol", y así se quedó para siempre con ese apelativo. Su primer éxito llegó en 1936 cuando compuso Cuidaíto Compay Gallo, pieza que recibió gran notoriedad en las voces y guitarras del Trío Matamoros. Estimulado por ese triunfo, Ñico Saquito fundó en 1937 el trío Compay Gallo, con el que grabó otras de sus populares y contagiosas piezas, entre ellas la guaracha Saca la jabita y el son Un domingo en el batey, tema que escogió el maestro Gonzalo Roig para que fuera interpretado en el filme Romance del Palmar. Pero la canción más popular de Ñico Saquito es María Cristina, cuya estrofa, ya convertida en leyenda, dice: “María Cristina me quiere gobernar, y yo le sigo, le sigo la corriente, porque no quiero que diga la gente que María Cristina me quiere gobernar”. Después de trabajar en los años 40 con el Grupo Típico Oriental en el afamado cabaret Montmartre de la capital cubana, Ñico regresó a su ciudad natal y, junto a Florencio Santana, “Picolo”, voz segunda y guitarra –quien ya lo había acompañado anteriormente en el trío Compay Gallo–, formó Los Guaracheros de Oriente, agrupación a la que después se sumaron Gerardo Macías, “el Chino”, guitarra y tercera voz, y Félix Escobar, “el Gallego”, en los timbales. De regreso en La Habana, esta vez al frente de Los Guaracheros, actuó con éxito en RHC Cadena Azul y Radio Cadena Suaritos, emisoras radiales que tuvieron una gran influencia en la difusión de la música cubana en esos años, además de presentarse en infinidad de teatros y clubes nocturnos habaneros. En sus grabaciones, Los Guaracheros utilizaron varias voces primeras, como las de Maximiliano Sánchez, “Bimbi”, Orlando Vallejo, Jack Sagué, Alfredito Valdés, Carlos Embale, Manolo Fernández y Ramón Veloz. Los Guaracheros, genuinos intérpretes del son oriental y de la guaracha, actuaron en la mayoría de los países latinoamericanos, y en 1950, debido a razones políticas –la guaracha fue prácticamente reprimida y perseguida no sólo por su procacidad, también porque se usaba para criticar a los gobernantes de turno–, el quinteto viajó a Venezuela, donde permaneció por los próximos 10 años. De sus composiciones, una de las más controversiales fue El muñequito, tema que el escritor madrileño Lázaro Morell sentenció como “Muñequito Racista” por creer que la canción se prohibió ya que discriminaba a la mujer de color.
Sin embargo, como menciona el Dr. Cristóbal Díaz Ayala en su libro Del Areyto y la Nueva Trova, “canciones como ésa se prohibían por atentar contra la moral y las buenas costumbres de la época, porque el doble sentido que se aplicaba a sus letras se consideraba muy fuerte para las personas decentes. Por eso se creó la Comisión de Etica Radial, con un fuerte código que se aplicaba para la programación de radio y de televisión, y que prohibió canciones y programas. Tarajano –encargado de dicha comisión– suspendió programas como Ranchuelera y Guantanamera, o prohibió de un cantazo ciento setenta y tres canciones por contener frases ‘groseras o sugestivas’, como Devuélveme el coco, A romper el coco, El caballo y la montura, El Yoyo y Pónme la mano, Caridad.” En 1960, estando en Venezuela, Ñico Saquito decidió regresar a Cuba. Los otros integrantes marcharon entonces a una gira por Estados Unidos, ahora con el formato de trío. En 1962 se trasladaron a Puerto Rico, donde continuaron sus grabaciones y actuaciones. Macías falleció en 1996; “Picolo” se retiró, y “el Gallego” continuó trabajando con otros músicos boricuas, grabando numerosos discos con gran parte del repertorio de Ñico Saquito, mientras que Saquito trabajó por años, cantando acompañado por su guitarra, en el famoso restaurante de La Habana La Bodeguita del Medio. Para una presentación ya en el exilio el ahora trío necesitaba una foto y como no había dinero decidieron utilizar la misma foto anterior convirtiendo a Ñico Saquito quien ya no integraba el grupo por haber regresado a Cuba, se convirtió en un decorativo tiesto con matas. “Los Guaracheros de Oriente”, se establecieron en Puerto Rico a principio de los años sesenta después que su fundador decidiera regresar a Cuba desde Venezuela donde cumplían compromisos artísticos. La carrera musical de Félix Escobar, unida a Florencio Santana “Picolo” y Gerardo Macías “El Chino Macías”, ambos fallecidos, fue muy fructífera y esta Isla los acogió con gran cariño y les brindó el calor de hermanos a estos insignes músicos de la patria de José Martí. La muerte de sus compañeros, no silenció la voz de este gran cantante, por el contrario, se unió al guitarrista humacaeño Israel Berríos y al tresista cubano, Eduardo Saborit para continuar y seguir llevando alegría y la pimentosa música cubana hasta hace apenas unos meses en que se mantuvo activo.
Albita Rodríguez, Los Guaracheros de Oriente - Son Cubano (1998) Temas: 01. Son De La Loma - Los Guaracheros De Oriente 02. Son De Este Tiempo - Albita Rodríguez 03. El Que Siembra Su Maiz - Albita Rodríguez 04. Ay Como Te Extrano - Albita Rodríguez 05. Cuidadito Compay Gallo - Los Guaracheros De Oriente 06. Como Se Baila El Son - Albita Rodríguez 07. Al Vaiven De Mi Carreta - Los Guaracheros De Oriente 08. El Mango Mamey - Albita Rodríguez 09. Guantanamera - Los Guaracheros De Oriente 10. Para Una Manana Feliz - Albita Rodríguez 11. El Carretero - Los Guaracheros De Oriente 12. A Romper El Coco - Albita Rodríguez
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Música para Gatos - Ep. 90 - Referencias gatunas.
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Música para Gatos - Ep. 90 - Referencias gatunas.
Hoy os vamos a entregar uno de aquellos capítulos a los cuales solemos
denominar Jazz Free, es decir, un...
Myrsini Kagarlis / Ravel
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Myrsini Kagarlis (13) performs Ravel's Sonatine at the 5th Summer Music
Performance Program at Anatolia College, Thessaloniki, Greece, on July 2,
2019.
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Albita Rodríguez, (nacio en 1962 en La Habana, Cuba).
Albita Rodríguez, una de las mejores cantantes y compositoras de Cuba, continuó su asalto al exitoso desfile desde que emigró a los Estados Unidos en 1993. Su primer álbum estadounidense, No se parece a nada, lanzado en 1995, vendió más de 100,000 copias e incluyó single "Parranda, Laud y Son, que se convirtió en un éxito de éxitos en muchos países de habla latina. Su segundo álbum estadounidense, Dicen Que, que coprodujo con Emilio Estefan Jr., esposo de Gloria Estefan y dueño de Epic el sello discográfico de Crescent Moon, distribuido por la red, fue nombrado Mejor Álbum Tropical de 1997. Según www.yuca.com, "la música cubana nunca ha sido más moderna que en manos de Albita. Ella es una rebelde musical, una renegada política, una suave diva de la canción cubana en trajes tradicionales y cabello peinado hacia atrás. "Rodríguez se ha mantenido fiel a sus raíces musicales. Su tercer álbum estadounidense, Son, ofreció una mirada nostálgica a los sonidos. de su infancia. En una reseña del concierto con entradas agotadas de Rodríguez en Nueva York, el New York Times escribió: "atacaba canciones como si la ciudad entera estuviera escuchando". Estaba decidida a traer la Cuba que dejó a la habitación ".
Hija de músicos, Rodríguez adquirió su primera guitarra a la edad de 15 años. En cuatro años, se dirigía al estrellato, convirtiéndose en la intérprete más joven en el popular programa de televisión cubano Palmas y Canas. Su enfoque moderno de las tradicionales guajiras y canciones de Cuba atrajo a un público fiel en su tierra natal. Fidel Castro confesó que ella era una de sus cantantes favoritas. Ofrecido un contrato con un sello discográfico en Colombia en 1991, Rodríguez recibió permiso para vivir fuera de Cuba. Durante los siguientes dos años, grabó dos álbumes impresionantes que se distribuyeron en Colombia y América del Sur. Cuando surgió una oportunidad para ella y su banda, Albito y Su Grupo, de desertar a los Estados Unidos en 1993, Rodríguez aprovechó la oportunidad. Al establecerse en Miami, se convirtió en una intérprete habitual en el Centro Vasco en la sección de La Pequeña Habana de la ciudad. La noticia de su talento se extendió rápidamente. En poco tiempo, a sus espectáculos asistieron personalidades conocidas, como Oprah Winfrey, Rosie O'Donnell, Quincy Jones y Sylvester Stallone. Cuando Emilio y Gloria Estefan llegaron a escucharla en 1984, estaban tan impresionados que rápidamente la contrataron para el sello de Emilio, Crescent Moon._Craig Harris (allmusic)
Su creador Ñico Saquito, Benito Antonio Fernández, nació en Santiago de Cuba un 17 de enero de 1902, trabajando desde muy joven como fundidor. Aprendió a tocar la guitarra cuando tenía 15 años de edad. Inició su vida como trovador al ingresar en el cuarteto Castillo. En la década del 40 se integró al Grupo Típico Oriental de Guillermo Mozo y actuó en el exclusivo cabaret Montmatre de La Habana. Desde esa época se repetían constantemente sus presentaciones en las emisoras RHC Cadena Azul y Radio Cadena Suaritos. Posteriormente, en 1950 viajó a Venezuela por sus ideas políticas donde residió por 10 años para volver a Cuba en el 1960. Según contaba él mismo, el sobre nombre Ñico Saquito, vino por su habilidad jugando al béisbol; "no se le va una pelota, alguien comentó, parece que tiene un saquito en la mano en este juego de béisbol", y así se quedó para siempre con ese apelativo.
Sin embargo, como menciona el Dr. Cristóbal Díaz Ayala en su libro Del Areyto y la Nueva Trova, “canciones como ésa se prohibían por atentar contra la moral y las buenas costumbres de la época, porque el doble sentido que se aplicaba a sus letras se consideraba muy fuerte para las personas decentes. Por eso se creó la Comisión de Etica Radial, con un fuerte código que se aplicaba para la programación de radio y de televisión, y que prohibió canciones y programas. Tarajano –encargado de dicha comisión– suspendió programas como Ranchuelera y Guantanamera, o prohibió de un cantazo ciento setenta y tres canciones por contener frases ‘groseras o sugestivas’, como Devuélveme el coco, A romper el coco, El caballo y la montura, El Yoyo y Pónme la mano, Caridad.” En 1960, estando en Venezuela, Ñico Saquito decidió regresar a Cuba. Los otros integrantes marcharon entonces a una gira por Estados Unidos, ahora con el formato de trío. En 1962 se trasladaron a Puerto Rico, donde continuaron sus grabaciones y actuaciones. Macías falleció en 1996; “Picolo” se retiró, y “el Gallego” continuó trabajando con otros músicos boricuas, grabando numerosos discos con gran parte del repertorio de Ñico Saquito, mientras que Saquito trabajó por años, cantando acompañado por su guitarra, en el famoso restaurante de La Habana La Bodeguita del Medio. Para una presentación ya en el exilio el ahora trío necesitaba una foto y como no había dinero decidieron utilizar la misma foto anterior convirtiendo a Ñico Saquito quien ya no integraba el grupo por haber regresado a Cuba, se convirtió en un decorativo tiesto con matas. “Los Guaracheros de Oriente”, se establecieron en Puerto Rico a principio de los años sesenta después que su fundador decidiera regresar a Cuba desde Venezuela donde cumplían compromisos artísticos. La carrera musical de Félix Escobar, unida a Florencio Santana “Picolo” y Gerardo Macías “El Chino Macías”, ambos fallecidos, fue muy fructífera y esta Isla los acogió con gran cariño y les brindó el calor de hermanos a estos insignes músicos de la patria de José Martí. La muerte de sus compañeros, no silenció la voz de este gran cantante, por el contrario, se unió al guitarrista humacaeño Israel Berríos y al tresista cubano, Eduardo Saborit para continuar y seguir llevando alegría y la pimentosa música cubana hasta hace apenas unos meses en que se mantuvo activo.
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