Las tradiciones musicales de Oriente y Occidente se unen a través de las improvisaciones del percusionista y vocalista Trilok Gurtu, nacido en Bombay (India). La maestría de Gurtu en el jazz post-bop no ha pasado desapercibida. La revista Downbeat le nombró "mejor percusionista" en tres encuestas de crítica y popularidad y proclamó: "musicalmente, el mundo es su escenario". La revista de jazz Straight No Chaser tuvo una opinión similar, escribiendo: "esta música tiene una cualidad trascendental y elimina cualquier obstáculo que se interponga entre la música improvisada occidental y oriental". El enfoque ecléctico de Gurtu le ha permitido colaborar con algunos de los mejores músicos del mundo. Miembro de la banda del trompetista Don Cherry de 1976 a 1978, Gurtu ha trabajado con músicos tan influyentes como los guitarristas de jazz Philip Catherine, John McLaughlin, Ralph Towner, Pat Metheny y Larry Coryell, el guitarrista de rock David Gilmore, los saxofonistas Jan Garbarek y Bill Evans, la percusionista Nana Vasconcelos, el teclista de jazz Josef Zawinul y las pianistas clásicas Katia y Marielle Labeque. Gurtu fue miembro del grupo de jazz fusión acústico Oregon de 1984 a 1988. Natural de Bombay (India),
Gurtu procede de una familia de músicos. Su abuelo era un conocido intérprete de sitar y su madre, Shobha Gurtu, una influyente cantante de música clásica india. Tras estudiar tablas desde los seis años, Gurtu atrajo la atención internacional a mediados de la década de 1970, cuando actuó con Charlie Mariano y John Tchicai. En 1977, acompañó a la vocalista Asha Bhosle en sus conciertos de Nueva York. Tras dos años de giras y grabaciones con Don Cherry, Gurtu emigró a Hambug (Alemania) en 1978. Poco después, realizó una gira con el guitarrista belga Philip Catherine y grabó un álbum, End Of August, con Catherine y Mariano. En el verano de 1993, Gurtu recorrió Europa en dúo con Josef Zawinul y grabó un álbum, Crazy Saints, con Zawinul y Pat Metheny. Gurtu sigue impartiendo cursos de batería y actuando en eventos clásicos con la bailarina de danza moderna Carolyn Carlson. En el verano de 1998, realizó una gira con Andy Summers y Larry Coryell. En 2000 publicó African Fantasy. Beat of Love le siguió en la primavera siguiente._Craig Harris (allmusic)
Hay teorías sobre la forma en que los continentes se unieron en tiempos prehistóricos, pero el percusionista indio Trilok Gurtu intenta una nueva conexión entre masas de tierra en el sentido musical con su octavo álbum African Fantasy, que probablemente debería haberse llamado "Indo-A frican Fantasy" para dejar las cosas claras a los posibles compradores. Como músico indio, Gurtu está impregnado de la música de su patria, con sus tablas y sus sitares, pero como percusionista debe de estar fascinado por los diversos ritmos procedentes de África. Aquí ha dado rienda suelta a ese interés escribiendo música que fusiona ambas tradiciones, que interpreta con su banda habitual, pero a la que incorpora a varios vocalistas africanos: Sabine Kabongo (del grupo europeo Zap Mama), Esmeralda Sciascia, Angelique Kidjo y Oumou Sangare.
Los resultados son interesantes, aunque provisionales. Tal vez si Gurtu hubiera colaborado con músicos africanos, sobre todo con bateristas, podría haber conseguido que una mayor parte del continente estuviera presente en su música. Así las cosas, hay una textura superficial, especialmente en las voces, de las muchas músicas del continente, pero el núcleo del sonido sigue siendo indio. Ello no impide que se produzcan yuxtaposiciones sorprendentes y que se toquen algunas piezas maravillosas. Pero el concepto de fusión india/africana sigue siendo una fantasía, al menos en esta ejecución._William Ruhlmann (allmusic)
Mingus Amingus presenta una nueva cara de la música de Charles Mingus en un concierto en directo en La Habana, donde el combo de siete músicos estuvo a la altura de su reputación como uno de los grupos de jazz más populares de San Francisco. Comenzando con "Slop" y terminando con "Fables of Faubus", una especie de oda al gobernador segregacionista de Alabama de los años 50, el bajista y director de orquesta Miles Perkins lleva al combo por un paseo musical por Cuba y Estados Unidos. El jazz hip hop cobra protagonismo con los raperos Martin G. Reynolds y Anita Johnson, cuyos relatos de viaje están llenos de ingenio. El viaje musical de Mingus Amingus incluye un humeante blues de órgano, "Blue to the Seventh Power", del teclista Muziki Roberson, veterano del grupo, y una estridente interpretación del estándar de Ellington, Tizol y Mills, "Caravan". Esta última muestra un diálogo percusivo entre Adrien José Areas, el conguero del grupo, y Miguel "Anga" Díaz, uno de los principales congueros de Cuba.
Live in Cuba es música en vivo en su máxima expresión, y añade un fuerte eslabón más a la conexión musical cubano-americana._Diane Gordon (jazztimes)
Basado en los fundamentos creativos del gran líder de banda y compositor Charles Mingus, el bajista y líder de banda Miles Perkins lleva la filosofía musical de Mingus al nuevo milenio con Mingus Amungus. La banda de seis músicos estrella se abre camino a través de los intrincados arreglos de Mingus con be-bop, jazz y funk contundentes. A continuación, la banda añade a la mezcla el sabor del jazz hip-hop autóctono de San Francisco con una variedad de letristas, trayendo así la obra de Mingus a la era contemporánea. Mingus Amungus es una de las bandas favoritas de los festivales y una visita obligada.
Mingus Amungus - Live in Cuba (1997) Temas: 01. The Landing 02. Slop 03. Voodoo Duty 04. Ogun 05. Blue To The Seventh Power 06. On The Beach With Pablo 07. So Much On My Mind 08. Queen Of The Roses 09. Caravan 10. Last Night, 2am In The Middle Of The Street 11. Crossroads 12. A Moment With Marty 13. Fables Of Faubus 14. I Don't Wanna Go, Not Today! Musicos: Miles D.V. Perkins (Director, bajo acústico) Duane Muziki Roberson (Teclados) Steve Rossi (Batería) Adrián Áreas (Congas) José Rivera (Percusión) Jon Birdsong (Coroneta, caracola) Joshi Marshall (Saxofón tenor) Marty Wehner (Trombón) Invitados especiales: Miguel "Anga" Diaz (Congas en pista 9) Jason Olaine (Trompeta con sordina en pista 8) Yosvany Terry (Saxo alto en pista 8) Jorge Varona, Jr (Trompetaen pista 9)
Rafael Somavilla Morejón. Pianista, orquestador y compositor. Nace en Matanzas, el 19 de agosto de 1927 y muere en La Habana, el 20 de enero de 1980. Fue un amante del jazz, uniéndose a la creación e inauguración del Club Cubano de Jazz, en el cabaret Bambú. Inició sus estudios en el Conservatorio Municipal de Matanzas con su padre, Rafael Somavilla Pedroso y Teresa Angulo, los continuó en el Conservatorio Internacional con Ernesto Berumen. En La Habana completó su formación con Enrique Bellver, armonía, y Félix Guerrero Díaz, orquestación. En 1949 se graduó de doctor en Filosofía y Letras en la Universidad de La Habana.En 1939 ofreció su primer concierto, trasmitido por la radioemisora CMGH, en el que ejecutó «La danza de la hora», de la ópera La Gioconda, del compositor italiano Amilcare Ponchielli. Integró la orquesta Matanzas Jazz-Band, dirigida por Rafael Somavilla Pedroso. En 1951 se traslada definitivamente para la capital, y aquí formó parte de la orquesta de Cheo Valladares, que se presentaba en el cabaret Bambú, y en 1952 pasó a la radioemisora CMQ; con su orquesta, actuó en el programa El café de la esquina, que se trasmitía por el Canal 6 de la televisión, en el que además de dirigir la orquesta, ejecutaba el piano, la marimba y la batería. En el Álbum Phillips, trasmitido también por la televisión, compartió sus actuaciones con el pianista, compositor y director de orquesta, Adolfo Guzmán. En 1958 fue nombrado presidente del Club de Jazz de Cuba, cuya orquesta, bajo su dirección, hizo su primera presentación por la televisión. Ese mismo año, con su orquesta, junto a la de Rey Díaz Calvet, pasó a trabajar en el show del Casino en el hotel Capri. Ese mismo año actuó con los pianistas y compositores Frank Domínguez e Ignacio Villa (Bola de Nieve) en el programa de la televisión Jueves de Partagás. En 1960, con su orquesta, comenzó a trabajar en el hotel Habana Libre (antes Habana Hilton). En 1961, como pianista solista, acompañado por la Orquesta de Cámara Nacional, ofreció un concierto en el teatro Auditorium, y en 1962, acompañó, en gira por Camagüey, al violinista Lázaro Sternic.
En 1963 dirigió el combo que, junto a Ramón Veloz, el cuarteto D’Aida, Los Papines y el coreógrafo Luis Trápaga, viajaron a la RDA y la Unión Soviética, con el espectáculo Ritmos de Cuba, bajo la producción de Amaury Pérez, padre.
Integró en 1963, junto a entre otros, Odilio Urfé e Isolina Carrillo, el jurado que evaluó las obras del Festival de Varadero; acompañó al piano a la cantante francesa France Verdier. En 1967 fue uno de los directores fundadores de la Orquesta Cubana de Música Moderna, dirigida por Armando Romeu, con la que estrenó, bajo su dirección, Réquiem; «en esta pieza Somavilla, que a pesar de ser uno de nuestros mejores arreglistas se había mantenido hasta ahora usando elementos musicales convencionales, incorpora a la música popular cubana nuevas sonoridades [...]»._ (ecured)
Liudmila Pardillo Pagán nacida el 8 de septiembre de 1975, comienza su vida profesional el 25 de agosto de 1995 como profesora de diferentes asignaturas musicales en la Escuela Vocacional de Arte Luis Casas Romero. Un año más tarde se incorpora a la agrupación femenina Musik love como guitarrista y vocalista, presentándose en diferentes escenarios dentro y fuera de la provincia. Posteriormente forma parte del Catálogo del Centro Provincial de la Música como integrante de la prestigiosa agrupación Musicora, donde mantiene durante siete años su ininterrumpida labor artística. En el año 2003 decide iniciar su carrera como solista - vocalista participando en el Concurso Boleros de Oro, donde obtiene el Premio Mejor Intérprete Femenina.
En el 2005 se presenta en el Concurso del Cubadisco de ese año dedicado a la mujer en la música, resultando seleccionada en la ciudad para la realización de un disco. Liudmila se ha convertido en una de las principales solistas – vocalistas de la provincia, con un estilo vocal propio que le permite interpretar los más diversos géneros musicales, cautivando al público cuando se desdobla en el escenario, ya sea al cantar una balada o un auténtico son cubano, definiendo con exactitud las características de cada estilo.
Es integrante de nuestra virtuosa orquesta de guitarras Santa María ex – Corde, donde se desempeña en la tercera cuerda y se presenta semanalmente como solista – vocalista en la Casa de la Trova Patricio Ballagas, espacio al que acuden sus seguidores para disfrutar de su melodiosa voz._ (ecured)
Después de tantos años de espera, de trabajo sin descanso, nos llega esta "ópera prima", gran trabajo discográfico y revelador de las virtudes interpretativas de Liudmila Pardillo. Solo para ella y para mí, queda el secreto de este compromiso contraído desde mucho tiempo atrás y que solo la paciencia y persistencia que permitieron que hoy día ser realidad.
Ella siempre dijo "Vendré"; y justo así lo ha sido, pues vino para quedarse para siempre. Con ella vino el merecidísimo tributo a la inolvidable diva camagüeyana Candita Batista y a la gran Avellaneda, un paseo cancionístico, que abarca compositores de la canción trovadoresca de todos los tiempos y de otros géneros. Ella vino, con la aureola, de una intérprete abarcadora, de recursos vocales que denotan una formación sólida como músico, que le permiten no dejar sin espacio musical creativo, cada segundo de canción. "Vendré" título sugerente del fonograma, abre los caminos de esta artista, hacia un futuro prometedor de su carrera._ Joaquin Betancourt Jackman
02. Angelitos Negros (Andrés Blanco, Manuel Álvarez)
03. Esa Sombra Que Besa (Isolina Carrillo)
04. Amigos (Gerardo Alfonso)
05. Fé (Alberto Tosca)
06. Sublime Ilusión (Salvador Adams Cisneros)
07. Lo Que Me Queda Por Vivir (Alberto Vera)
08. Tula feat. Rumbatá (Rafael García)
Musicos:
Liudmila Pardillo (Voz, coros en "Amigos")
Joaquin Betancourt (Teclados, arreglos, producción musical)
Miguel Ángel Hernández "Wiwi (Piano en todos los temas excepto tema #8)
Roberto Vazquez "El Chino" (Bajo, exceto en tema #8)
Wilmer Joel Ferrán Jiménez (Tambores batá y claves en, tema #4, claves en tema #5, chequeré, tumbadoras, claves, cajita, percusiones y arreglos de voces en tema #8)
Léster Álvarez (Guitarra eléctrica en tema #1)
Daniel Enrique Pérez Cuesta "Nanel" (Batería en temas #1, #2, #3, #4, #7, timbal en tema #6)
Oscar Lombida (Tumbadoras en tema #6, maracas en temas #5, #6, #7)
Michel Hernández Torres (Guitarra acústica en tema #2)
Yaimel Humberto Atiz Sánchez (Catá, cajón, caja con maruga, tambores batá, quinto en tema #2)
Katherine de Zayas Mora (Flauta en tema #4)
Henry Springer Pérez (Saxo tenor en tema #4)
Roger Reynier Meriño Martínez (Trombón en tema #4)
Ernesto Hernández Viñas (Trompeta en temas #4, #5)
Osmany Paredes nació en la ciudad de Santa Clara, Cuba en 1972. Sus primeros estudios los realizó en la Escuela Vocacional de Arte Olga Alonso, donde a la edad de 8 años comenzó recibir sus primeras instrucciones en lectura musical y piano. Osmany continuó sus estudios musicales en la Escuela Nacional de Música de La Habana donde se graduó en 1991 con altos honores. Paredes ha colaborado con varias de las más prestigiosas orquestas y personalidades de la vida musical cubana, entre ellos la Orquesta América, Bobby Carcassés, la orquesta del maestro Enrique Jorrín, el maestro del bajo Israel Cachao López, Carlos Patato Valdés, Celio González (el flaco Celio), con Amaury Gutiérrez como director musical y pianista, Francisco Fellove Valdés, Susana Harp, el trompetista Alfredo Chocolate Armenteros y la orquesta Cuarenta Grados entre muchos otros.
A pesar de su juventud, su prestigio le ha valido para participar en una variedad de festivales en Cuba, Venezuela, México, etc. Se le ha considerado como un embajador de la música cubana en países como Austria y Alemania y actualmente reside en Ciudad de México donde se ha dedicado a crear sus propias composiciones y producciones musicales.
Osmany Paredes grabó con el grupo Menduvia, su banda, en Ciudad de México, en 1999, una producción independiente y de excelente calidad. En ese álbum, Osmany Paredes con Menduvia, el pianista grabó cinco de sus composiciones y en ellas recrea sus ideas musicales con una madurez de ejecutante experimentado. En efecto, manifiesta una visión bien definida, profundidad emotiva, de un orden refinado y de una calidad indiscutible._ (anapapaya)
El pianista cubano Osmany Paredes lanza su tercer álbum de estudio como líder, Inside My Roots (Paredes Studios, 2023) en el cual tiene un encuentro con viejos amigos instrumentistas de Cuba, Estados Unidos, Costa Rica, Venezuela, Grecia, México, Perú y Puerto Rico. Fonograma que muchos amantes del jazz y de las modalidades afrocubanas esperaban desde hace años, sobre todo los seguidores mexicanos que apreciaron el talento del director de Menduvia, ensamble con el cual grabó en 1999 una placa (Osmany Paredes & Menduvia) muy elogiada por los melómanos y la crítica especializada del país.
La trayectoria del autor del exitoso tema “Cha-cha Frames” se sustenta en colaboraciones con prestigiosas orquestas y personalidades de la vida musical cubana: Orquesta América, Bobby Carcassés, Orquesta de Enrique Jorrín, Israel Cachao López, Carlos Patato Valdés, Celio González, Amaury Gutiérrez, Francisco Fellove Valdés, Susana Harp, Roberto Aymes, Alfredo Chocolate Armenteros y Orquesta Cuarenta Grados, entre otros.
“Este disco me lo han reclamado muchos amigos y gente que ha seguido mi trayectoria musical que inicié en Cuba, continué en México y ahora en Nueva York la he consolidado a partir de mis ideas muy particulares del jazz afrocubano y en general de la música popular cubana. Desde el año 2013 con Trio Time no entraba a un estudio de grabación como líder de un proyecto. Durante la pandemia fui conformando el espíritu y la sonoridad que quería para esta producción que desde el 27 de marzo está disponible en las plataformas digitales”, comentó en entrevista telefónica con CUBAENCUENTRO desde Brooklyn, Osmany Paredes, quien es también el pianista de la banda del destacado bajista africano, Richard Bona..._ (Extracto de la entrevista realizada a Osmany Paredes por Carlos Olivares Baró, Ciudad de México 31/03/2023 "cubaencuentro")
Ignacio de Loyola Rodríguez Scull, conocido como Arsenio Rodríguez (Güira de Macurijes, Matanzas, Cuba, 30 de agosto de 1911 - Los Ángeles, California, Estados Unidos, 31 de diciembre de 1970), fue un compositor e intérprete de tres cubano con un importante papel en el desarrollo del llamado son montuno. Su formación de conjunto con varias trompetas, definió un sonido que, visto en perspectiva, sentó las bases para el desarrollo de lo que hoy se conoce como salsa. Fue un prolífico compositor, escribió cerca de 200 canciones, la mayoría salpicadas de humor y doble sentido. De niño, Rodríguez quedó ciego cuando un caballo (o una mula) lo pateó en la cabeza, hecho que marcó el resto de su existencia. Más tarde se hizo músico y llegó a ser uno de los directores de conjunto más renombrados en Cuba. Fue un inspirador del concepto musical de los "conjuntos cubanos" al incorporar tumbadoras, piano y tres trompetas al formato tradicional de los grupos de son. Entre sus músicos se encontraban, en el piano, Rubén González y, más tarde, Lily Martínez Griñán; en las trompetas, Félix Chapotín y Chocolate Armenteros, al bongo, Papa Kila, entre otros. También contó con colaboraciones de Chano Pozo y Machito, así como de su primo René Scull como cantante. A la partida de Arsenio a Estados Unidos, Lily Mártinez, quien fungía en cierta medida como su director musical, quedó al frente del conjunto en Cuba.
Rodríguez viajó a los Estados Unidos a principios de los 50, pues tenía esperanzas de someterse a cirugía y recobrar la visión. Luego del diagnóstico médico que le informó que no era posible que volviera a ver, Arsenio, sumido en un intenso dolor, compuso uno de sus principales temas: La vida es un sueño, de letra profunda a diferencia del doble sentido, el humor y los signos de religión africana que acostumbrara a tratar en sus composiciones. En los EE. UU. siguió publicando discos, principalmente para Tico y Blue Note. Para esta última compañía grabó Tribilín cantore y Palo congo, aunque este último fue editado bajo el nombre de Sabú Martínez, pese a que Rodríguez compuso casi todos los temas, cantó y tocó el tres y la percusión. Entre sus temas más populares están Bruca maniguá —la primera canción suya que se grabó, originalmente interpretada por Miguelito Valdés con la Orquesta Casino de la Playa, Mami, me gustó, El divorcio, Papa upa, 'El reloj de Pastora, Fuego en el 23, La yuca de Catalina y el ya mencionado La vida es sueño, A finales de los años sesenta el mambo "estalló", y Rodríguez continuó tocando con su típico estilo. Llegó a grabar algunos boogaloos no muy exitosos y la popularidad del grupo fue declinando. Intentó un nuevo comienzo en Los Ángeles pero murió en 1970 y su cuerpo fue enviado a Nueva York para sus funerales. Se ha especulado mucho sobre su situación económica durante sus últimos años pero Mario Bauza niega que muriera en la pobreza, argumentando que Rodríguez tenía, aunque modestos, unos ingresos por concepto de derechos de autor. Aunque Arsenio murió en un relativo anonimato en Los Ángeles, su música está considerada hoy en día como una inspiradora obra de arte. Exploró los ritmos afrocubanos y enfatizó el papel protagonista del tres, llegando a ser uno de los treseros más grandes de todos los tiempos.
Sus canciones y su ritmo todavía viven en las recreaciones de sus temas en las famosas salsas y su música y concepción de conjunto es inspiración para salseros. Después del 1950, las bandas grandes que estaban de moda durante la época del mambo, dejaron de estarlo. Sin embargo, los grupos o conjuntos gracias al importante papel desempeñado por Arsenio en la música cubana constituyeron una referencia determinante en lo que hoy en día se denomina "música latina", en especial la salsa.
Fue intuitivo y universal en todo el proceso de fusión que fue su música. Arsenio Rodríguez es, junto a Ignacio Piñeiro, Ñico Saquito, Miguel Matamoros, María Teresa Vera y Benny Moré, uno de los padres de la cultura popular cubana._(wikipedia)
Arsenio Rodríguez Y Su Conjunto - Como Se Goza En El Barrio (1953-R.1992)
Alfredo Rodríguez nació en La Habana en 1985 y lleva el nombre de su padre, es el mayor de los dos hijos de Alfredo "Alfredito" Rodríguez, un cantante profesional y compositor cubano de canciones románticas y presentador de televisión. Estudió piano clásico en el Conservatorio "Manuel Saumell", luego en el Conservatorio de Música "Amadeo Roldán" y en el Instituto Superior de Arte , todos en La Habana. Su interés en el jazz fue estimulado por el concurso anual "JoJazz" para jóvenes músicos de jazz, donde ganó una mención honorífica en 2003. En 2006, Rodríguez fue seleccionado como uno de los doce pianistas de todo el mundo para tocar en el Festival de Jazz de Montreux . El productor musical Quincy Jones lo notó en el Festival de Jazz y se ofreció a trabajar con él. En 2007, formó el primer Alfredo Rodríguez Trio, con Gastón Joya (contrabajo) y Michael Olivera (batería). En 2009, Rodríguez acompañó a su padre como miembro de la banda en un viaje de concierto a México, cuando decidió no regresar a Cuba, sino dejar su país y su familia y solicitar asilo político en el cruce fronterizo de Nuevo Laredo con los Estados Unidos .
Con el apoyo de Jones, comenzó su búsqueda de una carrera en música en los Estados Unidos.
Rodríguez ha actuado en Playboy Jazz Festival , SXSWMusic Festival, Detroit Jazz Festival , Monterey Jazz Festival , Newport Jazz Festival , San Francisco Jazz Festival , Gilmore International Keyboard Festival, Jazz Roots Performing Arts Center Concert Series, XVI Festival Internacional al Aire Libre (Polonia) , Jazz a Vienne Festival (Francia), North Sea Jazz Festival (Holanda), Umbria Jazz Festival (Italia), Montreux Jazz Festival (Suiza), Mawazine Festival (Marruecos), Mundo Latino Festival (Brasil), Shanghai International Film Festival(China), Shanghai Tourist Festival (China), así como muchas otras actuaciones. Rodríguez también ha sido elegido por varias marcas como Mercedes Benz y Louis Vuitton para actuar en funciones corporativas y lanzamientos de productos. Durante este período, Alfredo ha compartido escenarios con artistas de jazz como Wayne Shorter , Herbie Hancock , Patti Austin , James Ingram , McCoy Tyner , Esperanza Spalding , Richard Bona y Lionel Loueke . Una de las composiciones más conocidas de Rodríguez se logró gracias a la colaboración con Quincy Jones, Tan Dun y Siedah Garrett ; el himno "Better City, Better Life" fue seleccionado como el tema oficial de la Shanghai World Expo 2010 . En 2015, Rodríguez recibió su primera nominación al Grammy por mejor arreglo instrumental para "Guantanamera" en los 57º Premios Grammy. Un crítico en 2009 sugirió que Rodríguez era "más una fusión de Bill Evans, Kenny Werner, Fred
Hersch, incluso toques de Thelonious Monk en la concepción, si no en la ejecución, con pistas aquí y allá de su herencia cubana".
Otro crítico en el mismo año escribió que "en una melodía, sus líneas bebop nítidas recordaron de juego a principios de Bill Evans en el George Russell mediados de los años cincuenta álbum Jazz Workshop. Otras piezas sugirieron la inventiva melódica de Keith Jarrett. Y otros muestran una estilo naciente propio, contrastando pasajes angulosos y salientes y gruesos conglomerados armónicos con repentinos e inesperados arcos de lirismo "._ (cubanosfamosos)
El título del segundo trabajo del pianista de jazz cubano Alfredo Rodríguez para Mack Avenue Records se inspira en un desfile anual que se celebra en la ciudad isleña de Santiago para celebrar la independencia del país. En la continuación de Sounds of Space, de 2011, Rodríguez profundiza en los sonidos de su tierra natal con un enfoque incendiario. Coproducido con Quincy Jones, su formación incluye a los saxofonistas Billy Carrión y Román Filiú, el batería y percusionista Henry Cole, el vocalista y percusionista Pedrito Martínez, el flautista Javier Porta y los bajistas Peter Slavov y Esperanza Spalding. Rodríguez es un pianista y arreglista excepcionalmente dotado, y se adentró en la vasta variedad musical de Cuba, desde el guajiro hasta la música de la santería yoruba, pasando por las comparsas, la timba, el folclore caribeño y, por supuesto, el jazz afrocubano, para terminar con
una mezcla completamente moderna y encantadora de originales, canciones populares y clásicos. Destacan su audaz, disonante y casi política lectura de "Guantanamera", la ágil "A Santa Bárbara", lecturas que rompen moldes de estándares como "Quizás, Quizás, Quizás" y "Veinte Años" con audaces extrapolaciones rítmicas y armónicas, y "Timberobot", un duro ejercicio con arpegios voladores._Thom Jurek (allmusic)
Benny Golson (nacido el 25 de enero de 1929) es un saxofonista tenor, compositor y arreglista estadounidense de bebop y hard bop jazz. Alcanzó la fama con las big bands de Lionel Hampton y Dizzy Gillespie, más como compositor que como intérprete, antes de lanzar su carrera en solitario. Golson es conocido por cofundar y codirigir The Jazztet con el trompetista Art Farmer en 1959. Desde finales de los sesenta hasta los setenta, Golson estuvo muy solicitado como arreglista para cine y televisión, por lo que su actividad como intérprete fue menor, pero en 1982 volvió a formar el Jazztet con Farmer. Muchas de las composiciones de Golson se han convertido en estándares del jazz, como "I Remember Clifford", "Blues March", "Stablemates", "Whisper Not" y "Killer Joe". Se le considera "uno de los contribuyentes más significativos" al desarrollo del hard bop jazz, y fue galardonado con un Grammy Trustees Award en 2021.
Golson comenzó a aprender a tocar el piano a los nueve años, y luego cambió al saxofón cuando tenía 14 años. Mientras estudiaba en el Benjamin Franklin High School de Filadelfia, tocó con otros jóvenes músicos prometedores, como John Coltrane, Red Garland, Jimmy Heath, Percy Heath, Philly Joe Jones y Red Rodney. Más tarde asistió a la Universidad Howard..._(wikipedia)
Benny Golson se sintió conmovido por la muerte del trompetista de bop Clifford Brown y escribió el clásico "I Remember Clifford". Ahora que se le presenta la oportunidad de hacer un álbum en honor de su viejo amigo, Golson reúne a un sexteto y presenta un álbum que toma la idea de "I Remember Clifford", la actualiza a fondo y la extiende a lo largo de una hora de gran música en este disco. Rehaciendo su tema más conocido como "Brown Immortal", Benny también hace una nueva versión de "Five Spot After Dark", que durante mucho tiempo ha sido un elemento básico de su repertorio. La trompa de Golson es pura miel, sonando tan maravillosamente a los 69 años como muchos músicos esperarían serlo a la mitad de su edad. Intercambiando solos con el saxo tenor Ron Blake, el trompetista John Swana, y el pianista Mike LeDonne, Peter Washington añade un buen apoyo de bajo de cuerda mientras Joe Farnsworth empuja el ritmo, pateando en todos los lugares correctos y nunca tocando en exceso. Tito Puente y Carlos "Patato" Valdés hacen apariciones como invitados en "Tito Puente" de Golson, pero donde Golson y compañía realmente brillan es en temas nuevos como "Horizon Ahead" y el cierre, "Ever More". Estos dos enérgicos temas demuestran que Golson sigue tocando con energía cuando es necesario y sigue siendo filosófico en temas como "Lullaby of Birdland" y la balada "You're the First to Know". Con una música estupenda, no hay nivel en el que este álbum no triunfe._Cub Koda (allmusic)
El músico popular realiza sus creaciones siguiendo una serie de elementos normados por el propio pueblo, de donde surge una estructura que aprende por tradición oral. Así, en Cuba se conforman por el gusto popular estilos bailables y cantables que, por otra parte van siendo modificados por la actividad de los más destacados intérpretes. Por ello, la obra de un creador y su estilo de interpretarla - aunque permanezca fiel a las normas populares,- se distinguen de la de otros creadores de estilo y época similares. De esta manera, podemos afirmar que Miguel Matamoros pudo expresar un estilo cubano, criollísimo, y a la vez, tener una manera peculiar y personalísima de crear e interpretar su música. A este estilo no eran ajenos Siro Rodríguez y Rafael Cueto, que integraron el famoso Trio a quien dio su nombre Matamoros, ya que la producción del indiscutible creador no puede separarse de su interpretación más caracterizada en cuyo logro colectivo sus compañeros tuvieron un destacado lugar. Nacido en Santiago de Cuba, en 1894 cuando en esta ciudad ya eran maestros en el criollo género del bolero "Pepe" Sánchez y Sindo Garay, Miguel Matamoros creó dentro de las normas conocidas del bolero y el son, la criolla, la guaracha y otros géneros de canción, una gran cantidad de obras.
El trovador, en aquella época, generalmente no contaba solo. Siempre surgía una segunda voz que le seguía por una necesidad armónica, improvisando otra línea de canto supeditada a la primera. De igual modo, la guitarra prima era secundada por una segunda que acentuaba las armonías principales en acordes rasgueados o arpegiados. En el Trío Matamoros podemos distinguir como jerarquías independientes la voz y la guitarra prima de Miguel, con la línea melódica instrumental punteada, la voz segunda de Siro, de rico timbre de barítono y la guitarra segunda de Rafael Cueto, que enriquecía el conjunto con un bajo de son, a manera de la antigua marímbula o el contrabajo. El equilibrio del conjunto se completaba con las maracas de Siro y una tercera voz que hacía en el coro el propio Rafael Cueto. El estilo de cantar el bolero y el son, con voz aguda, vibrante, de Miguel era el imperante, y por la calidad que alcanzo se situó, junto a su trío, durante más de treinta y cinco años entre los mejores creadores e intérpretes. De procedencia obrero-campesina, los integrantes de este trío trabajaron oficios modestos para equilibrar la precaria economía del músico popular. La música, expresada en serenatas, cafés, veladas y conciertos, casi siempre era sujeta a salarios ínfimos o inexistentes, de lo cual no podían depender los artistas. Es por ello que el sostén económico tenía que suministrarlo un oficio a veces ajeno a la música, y en muy pocos casos la fama, la calidad y la popularidad estaban ligadas a una economía estable. Miguel Matamoros fue obrero agrícola, reparador de líneas, minero, y por último chofer urbano, mientras que por las noches hacía música. Siro Rodríguez, nacido en Santiago de Cuba en 1899, fue herrero. Rafael Cueto, nacido también en Santiago de Cuba, en 1900, fue empleado.
La cohesión del trío nunca se vio afectada por diferencias ideológicas ni estéticas. El Trío Matamoros siempre fue fiel a la verdadera tradición musical representativa de toda una época que se puede situar entre el auge del bolero, la criolloa, la habanera, y la canción cubana y el desarrollo y difusión del son oriental. Al jubilarse Miguel, ya enfermo, cesaron las actividades del Trío. ''Nunca quisimos cantar otro estío para llenar un compromiso" nos dijeron Siro y Rafael. Y esta fue la tónica imperante en sus interpretaciones: la fidelidad, el oficio y el buen gusto dentro de las normas establecidas.
Miguel Matamoros falleció el 15 de abril de 1971, en Santiago. Las grabaciones que recoge este disco son procedentes de archivos y tienen el valor documental de ser la auténtica expresión de coda género en su época._ María Teresa Linares. instituto de Etnología de la Academia de Ciencias de Cuba
Trío Matamoros - Música Tradicional Cubana Cubana Vol. III (198?)
Strunz & Farah es un dúo de guitarristas de sonido ecléctico, que puede ser descrito como una combinación de world music, jazz y flamenco. Jorge Strunz, nacido en Costa Rica, y Ardeshir Farah, originario de Irán, se conocieron en Estados Unidos en 1979. Strunz fue uno de los fundadores de la banda de jazz latino Caldera. Caldera fue una banda que combinaba jazz, funk y rock con una variedad de ritmos latinos. Pioneros del rock fusión de los años setenta, como Return to Forever y Weather Report, influenciaron a Caldera. Los cuatro álbumes que produjeron (ninguno de los cuales se encuentra disponible actualmente en CD) no se vendieron bien, y la banda decidió disolverse. Sin embargo, los miembros de Caldera se mantuvieron ocupados tras el rompimiento. Strunz formó el dúo con Farah.
Ambos guitarristas tenían experiencia profesional en la música desde su adolescencia, y pronto se unieron para lanzar su primer álbum (producido por ellos mismos), llamado Mosaico en 1980, el cual les permitió iniciar su propia productora, llamada Selva Records. Pronto llamaron la atención de Richard Bock, una figura importante en la radio de orientación jazz, quien ayudó al dúo a asegurar un contrato con Milestone. Desde entonces, Strunz & Farah han grabado numerosos discos, colaborando también con músicos como Rubén Blades y L. Subramaniam (1947-). Jorge Strunz fue una vez recomendado por su amigo Paco de Lucía para reemplazar a Al Di Meola en las giras de The Guitar Trío (con Paco de Lucía y John MacLaughlin).[cita requerida] Han colaborado también con Gerardo Núñez.
El dúo también ha trabajado con Sting en el álbum The Living Sea: Soundtrack from the IMAX Film como músicos de sesión._(wikipedia)
Actuando juntos desde 1979, los nominados al Grammy Strunz & Farah son los innovadores de una expresión totalmente nueva para la guitarra acústica. Muy adelantados a su tiempo, crearon un estilo original que ahora es ampliamente influyente. Originarios de Costa Rica e Irán respectivamente, Jorge Strunz y Ardeshir Farah han trasladado las influencias musicales de sus orígenes multiculturales a sus composiciones instrumentales originales de gran virtuosismo, rítmicas y ricas en improvisación, inspirando a fans y a muchos guitarristas de todo el mundo. Su encuentro en 1979 en Los Ángeles, donde siguen afincados, marcó la primera vez que la música latinoamericana y la de Oriente Medio, junto con otros elementos importantes como el jazz, se unieron en la guitarra. Siguen siendo los maestros indiscutibles del estilo que crearon.
La música de S&F quizás se describa mejor como música original de guitarra de improvisación instrumental acústica multicultural, o jazz del mundo. Su música enfatiza y se deleita en la melodía y el ritmo sensual con una expresión colorida y apasionada, y está saturada de sus raíces culturales. La música afrocaribeña, el folk latinoamericano, el flamenco y la música de Oriente Medio convergen en un contexto esencialmente jazzístico, especialmente en el sentido de la improvisación, y constituyen una aportación única a la diversidad de la música de guitarra contemporánea.
1979 Strunz y Farah se conocieron en Los Ángeles a través de un amigo común y empezaron a preparar material para su primer proyecto discográfico, "Mosaico". Jorge acababa de grabar su cuarto álbum con Caldera para Capitol Records, y Ardeshir trabajaba con cantantes iraníes expatriados en Los Ángeles...._(strunzandfarah)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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